London teatre. første teater i london nasjonalteater uk turnerende engelske skuespillere ble

London er kjent for sine museer, historiske bygninger og banebrytende restauranter. Men bare teaterlivet som dominerer byen skiller den fra andre byer. Hvis et teaterstykke var vellykket i London, vil det gjenta suksessen andre steder.

New York med Broadway kan bli den eneste konkurrenten til London, men selv han kan ikke skryte av teaterbygg som har en lang og rik historie. Den sentrale delen av byen, West End, South Bank og Victoria-distriktene forbløffer med en spesiell konsentrasjon av teatre - fra små studioer for 100 tilskuere til store templer i Melpomene. Vi tilbyr en oversikt over de ti mest store teatre London.

Shaftesbury Theatre, som ligger ikke langt fra Holborn Street, er oppført som en britisk bygning av arkitektonisk og historisk verdi. Takket være en liten ulykke som skjedde med taket på bygget i 1973, tok de hensyn til det. Siden 1968 har den berømte musikalen "Hair" blitt vist på scenen 1998 ganger. Senere ble showet som fremmet hippiebevegelsen stengt. Da musikalen først ble vist fra West End teaterscenen, forbød teatersensur Lord Cameron Fromantil «Kim», Baron Cobbold den. Produsentene henvendte seg til parlamentet for å få hjelp, og de ga tillatelse ved å utstede et lovforslag som fullstendig opphevet baronens forbud. Denne enestående begivenheten i teatrets historie satte en stopper for teatralsensur i Storbritannia - ikke dårlig for et teater med en kapasitet på 1400 tilskuere.

Bare noen kvartaler fra Shaftesbury ligger Palace Theatre, som også har plass til 1400 tilskuere. Hans spesialitet er musikaler, som Singing in the Rain eller Spamalot. Teateret åpnet i 1891 og ble kjent som Royal English Opera under beskyttelse av Richard d "Oyley Kart. Nylig har det i tillegg til operaer, musikaler, filmer og andre show blitt vist på scenen. I løpet av 1960-tallet ble musikalen The Sound of Music ble satt opp på teatret 2385 ganger Teatret ble oppført som en bygning av arkitektonisk og historisk verdi i Storbritannia, sammen med andre bygninger i området.

Adelphi Theatre feiret nylig sitt 200-årsjubileum. Til tross for den beskjedne størrelsen på bygningen, kan teatret romme 1500 tilskuere. Han er kjent for produksjoner som "Chicago" og "Joseph and His Amazing, Multicolored Dreamcoat". En art deco-bygning fra 1930 grenser til Strand Palace Hotel. Dette er den fjerde bygningen i hele teatrets historie siden 1809. En minneplakett på veggen til en bar i nærheten gir teatret skylden for døden til en skuespiller som en gang ble støttet av den store Terriss. Men faktisk erkjente prins Richard Archer, en mislykket skuespiller som mistet popularitet og anstendighet på grunn av avhengighet til alkoholisme, skyldig i drapet på Terriss mentor i en tilstand av sinnssykdom og ble sendt for tvangsbehandling til et psykiatrisk sykehus, hvor han ledet fengselsorkester til sin død. Det sies at spøkelset til den uhevnede Terriss, som er opprørt over den milde dommen som ble gitt til hans protesjé og morder, fortsatt streifer rundt i teaterbygningen om natten.

Noen show har spilt teatre i Londons West End i flere tiår, og Victoria Palace byr på stadig ferskt repertoar, som musikalen Billy Elliott. Selv om han har stått på scenen siden 2005, noe som er mye, ifølge vanlige seere. Teateret har en lang historie som begynte i 1832 da det bare var et lite konsertsal. I dag har bygget, som ble oppført i 1911, plass til 1517 tilskuere. Den er utstyrt med et uttrekkbart tak, som åpnes i pauser for å ventilere hallen. Det var mange minneverdige show på teaterscenen, men den mest minneverdige av dem var det patriotiske skuespillet Young England fra 1934, som fikk mange negative anmeldelser. Hun tålte bare 278 forestillinger.

Prince Edward Theatre ligger i hjertet av Soho-området og har plass til 1618 personer. Den er oppkalt etter arvingen til tronen til den britiske kronen, Edward VIII, en konge som satt på tronen i bare noen få måneder og forlot den i kjærlighetens navn. Tradisjonelt er scenen romantiske show og forestillinger som «Show Boat», «Mamma Mia», «West Side Story», «Miss Saigon». Teateret har en lang historie som begynte i 1930 da det bare var en kino og en dansesal. Først i 1978 ble teatret åpnet, tidsbestemt til å falle sammen med åpningen av premieren på musikalen "Evita" om verden kjent kvinne kone til presidenten i Argentina. Stykket gikk gjennom 3000 forestillinger, og skuespillerinnen Elaine Paige, som spilte Evita, fikk en strålende start på karrieren på teaterscenen og ble en stjerne.

Til tross for oppussingen av Londons Tottenham Court Road for å gi et bedre veikryss, forblir én ting den samme - en gigantisk statue av Freddie Mercury med hånden hevet mens han synger "We Will Rock You" foran Dominion Theatre. Forestillingen har vært på teaterscenen siden 2002, og til tross for negative anmeldelser fra kritikere, var det en suksess blant publikum. Teateret, bygget i 1929 på stedet til et gammelt bryggeri i London, har plass til 2000 tilskuere. Bygningen huser også den australske søndagskirken, som bruker teatrets scene og belysning under messer.

Dette er en av de flotteste teatrene i London. Søylene som pryder hovedinngangen er fra 1834, og selve bygningen ble rekonstruert i 1904 i rokokkostil. I hele historien til dens eksistens, og den begynner i 1765, hadde den alt bortsett fra teatret, for eksempel ble det holdt middager her i 50 år hemmelig samfunn biff. I 1939 ønsket de å stenge bygget, men i forbindelse med oppstart av byggingen av veien ble det reddet. I 14 år ble Løvenes Konge spilt på teatrets scene, og Disney-dramatiseringen ser ut til å ha satt seg her for lengst og gir gode billettkontorer.

Med en kapasitet på 2.196 tilskuere er ikke Royal Theatre, som regnes som det ledende teateret i London, av denne grunn. Siden 1663 har det vært flere teatre på dette stedet, og selve Drury Lane regnes som teatralsk. Som mange andre teatre jobbet Royal under ledelse av Andrew Lloyd Webber, forfatteren av musikalene "Evita" og "Cats". Andre produksjoner som har blitt vist på scenen inkluderer Oliver, en musikalsk film med samme navn, The Producers, Shrek og Charlie and the Chocolate Factory, som fortsatt kjører i dag. I tillegg til musikaler og skuespillere er teatret kjent for sine spøkelser, som spøkelset til en mann kledd i en grå dress og spennet hatt. Ifølge legenden ble han drept i teaterbygningen på 1700- og 1800-tallet. Et annet spøkelse heter Joseph Grimaldi, en klovn som sies å hjelpe nervøse skuespillere på scenen.

London Paladium-teatret er kjent ikke bare i London, men over hele verden. Det ligger noen få skritt fra Oxford Street. Han ble populær takket være det nattlige showet "Sunday Night at the London Palladium", som gikk fra 1955 til 1967. Millioner av tilskuere ble kjent med spinning scenen og scenehandlinger annen plan. I 1966 forsøkte eierne av bygningen å selge den for videre gjenoppbygging, men den ble reddet takket være teaterinvestorer og det faktum at det i tillegg til teateret, i 1973 ble åpnet en konsertsal der for opptredener av rockebandet "Slade". ". De konstante fulle husene og aktive handlingene til bandets fans forårsaket nesten kollapsen av balkongen i salen. I 2014 ble talentshowet «The X Factor: The Musical» åpnet i teatersalen.

Hvis Apollo Victoria-teatret ikke er det mest populære i London, kan det trygt anerkjennes som det høyeste. Det ligger noen få meter fra Victoria Palace og har plass til 2500 tilskuere. Flere teatre fra den presenterte anmeldelsen ligger i nærheten og skaper et slags «teatralsk land». "Appollo Victoria" ble åpnet i 1930. Bygget er utformet i art deco-stil med nautisk tema, med fontener og skjell som dekor. Det tok 18 år å designe jernbanen for musikalen «Starlight Express», slik at toget, ifølge manuset, beveget seg langs omkretsen av auditoriet. En annen populær musikal som ble satt opp på teatret er "Wicked". Boksen fra premieren var på 761.000 pund, og i 7 år er inntekten fra forestillingen beregnet til 150 millioner. Filminteresserte hevder at teatret vil dø ut i nær fremtid, men statistikk knyttet til antall seere på hver musikal, mengden billettkontor, tyder på noe annet. Lukten av rødt og hvitt, støyen fra auditoriet vil aldri forsvinne.
Derimot, moderne arkitektur på ingen måte dårligere enn skjønnhet og eleganse historiske bygninger teatre.

engelsk teater

På 1800-tallet fikk teatret, som alle andre sfærer av engelsk kultur, en ny utvikling. Den mest talentfulle tragiske skuespilleren Edmund Kean (1787-1833) personifiserte den romantiske trenden innen teaterkunst.

Edmund Keane ( ris. 58) ble født inn i en skuespillerfamilie. Foreldrene hans døde da han fortsatt var barn. Tvunget til å tjene til livets opphold reiste den unge mannen med en vandrende tropp gjennom engelske byer og landsbyer. Disse vandringene ble en god skole for den unge kunstneren, som i en alder av tjue hadde besøkt mange deler av England. På spørsmål om hva som skal til for å bli en stor skuespiller, svarte Keane, allerede kjent,: "Vet hvordan man sulter."

Ris. 58. Keane som Shylock

På reise med et omreisende teater, prøvde Edmund seg i en rekke roller og skuespill av forskjellige sjangre.

Oppvokst i fattigdom, hadde skuespilleren forakt for ledige aristokrater og herskere som brydde seg lite om sitt eget folk. Livets credo til unge Keane ble uttrykt i ordene: "Jeg hater alle herrene, bortsett fra Lord Byron." Høysamfunnet kunne ikke tilgi en slik holdning til seg selv og forfulgte Keane konstant og kalte ham en skuespiller av mengden.

Etter å ha blitt berømt på provinsscenen, mottok skuespilleren i 1914 en invitasjon til å opptre i London på Drury Lane Theatre, som gikk gjennom harde tider i disse årene. Hans debut i hovedstadens teater var rollen som Shylock i Shakespeares The Merchant of Venice. Ledelsen til Drury Lane, avhengig av en provinsiell skuespiller, sviktet ikke: med sin praktfulle opptreden erobret Keane ganske enkelt det bortskjemte London-publikummet.

Shakespeare ble Keenes favorittdramatiker. Skuespilleren ble tiltrukket av ham av de egenskapene han selv hadde: en tragisk holdning, en økt følelse av urettferdighet, avvisning av en verden der noen lever en elendig tilværelse, mens andre bader i luksus.

Det var Shakespeare som brakte Edmund berømmelse. Skuespilleren legemliggjorde bildene av Shylock, Richard III, Romeo, Macbeth, Hamlet, Othello, Iago, Lear. Kritikere ringte ham Bra spill den beste kommentaren til arbeidet til den berømte dramatikeren, og poeten Coleridge argumenterte: "Å se Keanes skuespill er som å lese Shakespeare med lynet."

Bildet av Shylock, skapt av Keane i Shakespeares The Merchant of Venice, gjorde et enormt inntrykk på det engelske publikummet. Helten hans kombinerer overraskende en ironisk holdning til mennesker rundt seg og en bitter følelse av ensomhet, dyp lengsel og sjeleskjærende hat, skjult bak ytre ydmykhet. The Merchant of Venice, satt opp på Drury Lane, brakte gårsdagens provinsielle berømmelse som den beste skuespilleren i England.

Keane anså rollene som Hamlet og Othello for å være hans mest betydningsfulle verk. Hans fyrste av Danmark, trist og melankolsk, forstår at det er umulig å kjempe mot ondskapen som hersker i verden. Uvanlig tillitsfull, oppriktig og integrert i naturen, setter Othello kjærlighet over alt annet, og derfor betyr hennes død for ham en fullstendig kollaps av alle hans ambisjoner.

Stor suksess for Keane brakte rollen som pengeutlåneren Overrich i stykket "A New Way to Pay Old Debts" av F. Messinger. Publikum, fanget av skuespillerens opptreden, klarte ikke holde tårene tilbake. Det sies at Byron, som deltok på forestillingen, ble så sjokkert at han besvimte.

For å oppnå forståelsen til seeren jobbet Keane nøye og lenge med hver rolle. Han utarbeidet alle bevegelsene og ansiktsuttrykkene foran speilet, gikk igjen og igjen tilbake til de vanskeligste episodene, finpusset de minste detaljene i rollen sin. Å spille sport hjalp ham til å oppnå ekstraordinær plastisitet (Kane ble ansett som en av de beste fekterne i England på den tiden).

Det siste arbeidet til den store skuespilleren var rollen som Othello. Etter å ha uttalt setningen: "Othellos arbeid er ferdig," mistet den førtiseks år gamle skuespilleren bevisstheten og falt. Tre uker senere var han borte. Keanes død tok slutt romantisk retning i det engelske teateret.

Edmund Keanes sønn, Charles Keane (1811-1868), som hovedsakelig spilte i melodramaer, var også skuespiller.

Den viktorianske tiden brakte sine egne endringer i kulturlivet i England. For litteraturen var disse årene tiden for dannelsen av kritisk realisme (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

Navnet på forfatteren Charles Dickens (1812-1870) er assosiert med overgangen til det engelske teateret fra klassisisme til moderne drama. Melodramatiske skuespill ble skrevet for teatret (Country Coquettes, 1836; The Lampmaker, først utgitt i 1879, etc.).

Stor suksess for Dickens dramatikeren ble brakt av den eksentriske komedien The Strange Gentleman, skrevet basert på en av handlingene i essayet Essays av Boz. Alle Dickens skuespill, bortsett fra The Lampmaker, ble satt opp på St. James Theatre i sesongen 1836-1837. I tillegg til dem skapte forfatteren en dramatisering av romanen Great Expectations, men stykket ble ikke iscenesatt.

Dickens skuespill var populære ikke bare i England, men også i utlandet. Handlingene i flere av romanene hans danner grunnlaget for en rekke operaer.

I 1951 åpnet forfatteren et amatørteater hvis repertoar besto av klassisk og samtidsverk. Mange unge engelske dramatikere begynte sin kreative karriere i dette teatret. Dickens, som hadde utmerkede skuespillerferdigheter, spilte rollen som Shallow i The Merry Wives of Windsor i hans teater. Forfatteren fikk også stor popularitet som en utmerket leser som fremførte sine egne verk fra scenen.

På samme alder som Dickens begynte den engelske poeten og dramatikeren Robert Browning (1812-1889) å jobbe for teatret i en alder av tjueto. Hans første skuespill, Paracelsius, ble utgitt i 1835. Så kom de historiske dramaene Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor and King Charles (1842), skrevet for Covent Garden Theatre. Hovedrollene i disse produksjonene ble spilt av skuespilleren W. Macready.

I 1843 iscenesatte Covent Garden Brownings The Spot on the Coat of Arms. Og i 1853 ble et annet skuespill av denne forfatteren, Columbus's Birthday, satt opp på scenen hans.

Brownings romantiske verk, i likhet med hans historiske skuespill, er i tradisjonen til det poetiske dramaet til J. G. Byron og P. B. Shelley. I en tid da melodrama dominerte den engelske scenen, forsøkte Browning å trekke publikums oppmerksomhet til en seriøs, meningsfull forestilling. Misforstått av samtidige, flyttet forfatteren gradvis fra scenedrama til sjangeren av det såkalte skuespillet.

Verket til Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), en engelsk forfatter og dramatiker, som også var berømt politiker. Hans favorittsjangre var romaner og dramaer med historiske temaer. Samtidig fratok melodramatiske motiver og metoder for ytre showiness Bulwer-Lyttons verker for ekte historisisme.

Dramaene The Beauty of Lyon (1838) og Richelieu (1839) brakte dramatikeren berømmelse. Politisk etterspurte og på samme tid underholdende, naturskjønne og fulle av dynamikk, vakte disse stykkene umiddelbart oppmerksomheten til datidens store engelske regissører. "Richelieu" regissert av Henry Irving i lang tid forlot ikke scenen til hovedstadens teater "Lyceum". Og på 1840-1860-tallet kunne det russiske publikum se Bulwer-Litton-dramaet (hovedpersonene ble spilt av skuespillerne V.V. Samoilov og N.K. Miloslavsky).

Edward Bulwer-Lytton ble ikke bare tiltrukket av historiske skuespill, men også av komedier som latterliggjorde sedene i det viktorianske samfunnet – «We are not so bad as we seem» og «Money» (1840). Selv om dramatikeren ikke fordypet seg i samfunnskritikk, vakte realismen i verkene hans publikums oppmerksomhet. Bulwer-Lytton-komediene var på repertoaret til engelske teatre i mange år.

Den historiske romanen Rienzi av Bulwer-Lytton interesserte den berømte tyske komponisten Richard Wagner, som baserte handlingen sin på operaen med samme navn, presentert for publikum i 1840.

På slutten av 1800-tallet begynte den berømte engelske forfatteren, prosaforfatteren og dramatikeren George Bernard Shaw (1856-1950) sin kreative aktivitet ( ris. 59). Han ble født i Dublin, i familien til en fattig ansatt. I en alder av tjue flyttet Shaw til London, hvor han ble en av grunnleggerne av Fabian Society. Jobber innen musikk og teaterkritiker, skrev Bernard flere obskure romaner. Hans første skuespill, The Widower's House, dukket opp i 1892. Stykket berørte viktige sosiale og etiske spørsmål, og ga skarp kritikk av utleiere som leier ut boliger i slummen. Dramatikeren oppfordret leserne sine til å forbedre seg selv og forandre verden rundt dem. Publikum hilste kjølig på stykket «Enkemannens hus», satt opp på Independent Theatre, og etter to forestillinger ble det fjernet fra scenen.

Ris. 59. George Bernard Shaw

I løpet av de neste seks årene skrev dramatikeren ni skuespill (inkludert en enakter). Det triste dramaet «Heartbreaker» (1893), som forteller om et lønnsomt ekteskap som endte i fullstendig kollaps, ble ikke akseptert for produksjon av noen av hovedstadens teatre. I 1894 dukket dramaet "Man and Weapon" opp, som avslørte krigens umenneskelighet og grusomhet. I 1897 ble stykket "Djevelens disippel" laget, og i 1898 ble tobindssamlingen "Pleasant and Unpleasant" utgitt, som inkluderte skuespill fra forskjellige år ("Mrs. Warrens yrke", 1894; "Man and Weapon" , "Candida", 1897; "Den utvalgte av skjebnen", 1897; "Vent og se", 1899, etc.). Stykket «Mrs. Warrens yrke», som tar opp temaet prostitusjon, ble forbudt av sensurer, men senere, da det likevel ble tillatt å settes opp, forlot det teaterscenene før i 1902. Candida var en stor hit i New York i 1903. Og i sitt hjemland likte Shaw fortsatt ingen popularitet. Den virkelige anerkjennelsen av den engelske offentligheten kom til ham i 1904, da han sammen med sin kone, så vel som med skuespilleren og regissøren Harley Grenville-Barker, leide bygningen til Royal Court Theatre. Shaws skuespill ble regissert av Grenville-Barker og John Vedrenn. Av de 988 forestillingene som ble spilt på scenen til Royal Court i 1904-1907, ble mer enn syv hundre satt opp basert på verkene til Shaw.

Blant dramatikerens beste verk er stykket "Man and Superman" (1905) - en filosofisk komedie som presenterer betrakteren forfatterens holdning religion, ekteskap, familie. Utvikling menneskelig samfunn vist gjennom tvistene til Don Juan, som havnet i underverdenen, med djevelen.

Shaws mest kjente skuespill var Pygmalion (1913), en antiromantisk komedie skrevet spesielt for skuespillerinnen Patrick Campbell. Etter dramatikerens død skapte Frederick Lowe og Alan Jay Lerner musikalen My Fair Lady basert på hennes motiver.

Shaws senere skuespill inkluderer The Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), det historiske dramaet Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) og andre.

Forestillingen, som har blitt selve symbolet på engelsk vidd, har skapt mer enn 50 verk for teatret. Da den store dramatikeren gikk bort, slo teatre i mange deler av verden av lyset i sorg.

Et betydelig bidrag til utviklingen av det engelske teateret ble gitt av forfatteren Oscar Wilde (1854-1900). I likhet med Shaw ble han født i Dublin, sønn av en kjent kirurg. Utdannet ved Oxford University. Wildes første verk var diktet "Ravenna" (1878) og samlingen "Dikt" (1881).

Berømmelse brakte forfatteren hans lyriske historier og eventyr ("Star Boy", etc.), filosofisk roman"Bildet av Dorian Grey". For teatret skapte Wilde en rekke skuespill med et samfunnskritisk fokus (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). Stykket "Salome" ble skrevet på fransk, utgitt i England i 1894, oversatt av Alfred Douglas med illustrasjoner av kunstneren Aubrey Beardsley. Dette stykket dannet grunnlaget for Richard Strauss' berømte opera med samme navn (1904).

På slutten av 1800-tallet begynte den engelske dramatikeren Henry Arthur Jones (1851-1929) å skrive for teatret. Han kom fra en fattig bondefamilie og tjente til livets opphold ved å handle.

Jones ble ikke berømt som skuespiller, og vendte seg til dramatikk, men hans første skuespill ga heller ikke den ønskede suksessen. Teatre nektet å ta verkene hans, og først i 1878, i et av de provinsielle teatrene, ble Jones' skuespill "It's just around the corner" akseptert for produksjon.

Den etterlengtede suksessen kom til dramatikeren etter at hans Sølvkonge ble satt opp på Princess Theatre. Blant de fleste betydelige arbeider John kan kalles skuespillene "Saints and Sinners", "The Dancer", "Rebellious Susannah", "The Triumph of the Hypnots", "Michael and His Lost Angel", "Protection of Mrs. Dane". Mange av Jones' dramaer fordømmer den hellige moralen i det viktorianske samfunnet (The Liars, 1897; The Lies, 1914), selv om en fascinasjon for melodramatiske teknikker reduserer deres betydning noe. Men til tross for dette, er det trygt å si at arbeidet til Jones hadde innvirkning på dannelsen av en realistisk trend i teaterkunsten i England på slutten av 1800-tallet. Jones samarbeidet med Bernard Shaw, og sistnevnte satte stor pris på verkene hans.

Den engelske scenekunsten på slutten av 1800-tallet er assosiert med navnet på skuespilleren og gründeren Arthur Voucher (1863-1927). I 1884 ble den unge skuespilleren, utdannet ved Eton og senere i Oxford, en av grunnleggerne av Oxford University Dramatic Society. På scenen hans spilte han i Shakespeares skuespill ("Henry IV", "Twelfth Night", "The Merry Wives of Windsor", "Julius Caesar").

Vouchers debut var rollen som Jacques i Shakespeares komedie As You Like It, fremført i 1889 på den profesjonelle scenen i Wolverhampton. Forestillingen brakte berømmelse til skuespilleren, og i 1889-1894 spilte han i forskjellige engelske og amerikanske teatre.

I 1895-1896 ledet Voucher Det Kongelige Teater, og hans kone, E. Vanbrugh, var en ledende skuespillerinne som spilte hovedrollene i komedier og farser. Mellom 1900 og 1906 hadde Voucher stillingen kunstnerisk leder"Garrick tietra". På denne tiden spilte han mange roller i skuespillene til Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. I 1910 sluttet skuespilleren seg til troppen til Beerbom Tree (Hiz majestis tietr), hvor han legemliggjorde bildene av Henry VIII og Foundation i Shakespeares skuespill Henry VIII og A Midsummer Night's Dream. En veldig temperamentsfull og emosjonell artist, Voucher spilte spesielt vellykket lyse, karakteristiske roller (John Silver i "Treasure Island" basert på romanen av R. L. Stevenson).

På slutten av 1800-tallet begynte skuespilleren og gründeren Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) sin karriere i teatret. Han debuterte som Fritz i stykket "The Old Jew" av Grnadi, satt opp i 1895 på Garrick Theatre. Samme år ble han med i Beerbom Three-troppen og dro på turné i USA med den. I 1899-1901 besøkte han igjen Amerika, denne gangen sammen med den kjente engelske skuespillerinnen Patrick Campbell.

Skuespillerens mest betydningsfulle scenearbeid på dette tidspunktet var rollen som Sandford Cleave i The Famous Mrs. Ebbsmith og Captain Ardale i Pineros The Second Mrs. Tanqueray. I 1902 ble Du Maurier gründer i troppen til Ch. Froman (Duke of York Theatre), hvor han med stor suksess skapte bildene av Ernest Wooller (Delightful Crichton av J. Barry), Hook and Darling (Peter Pan av samme forfatter).

Mest av alt lyktes Du Maurier i komiske roller. Evnen til å oppføre seg naturlig, oppriktig og enkelt hjalp skuespilleren til å vinne publikums kjærlighet. Hans beste verk var bildene av Montgomery Brewster i McCachons Brewster's Millions og Hugh Drummond i Bulldog Drummond, en dramatisering av McNeils roman.

I perioden fra 1910 til 1925 ledet Du Maurier sammen med F. Curzon Wyndhams Theatre, og fra 1925 til 1929 ledet sammen med G. Miller St. James Theatre. Sceneproduksjonen av Lonsdales skuespill The Last Days of Mrs. Cheney (1925) brakte teatret stor suksess. I fremtiden iscenesatte Du Maurier flere forestillinger på forskjellige teatre (Wallace's Bell Ringer, 1926, Wyndham's Theatre; Maugham's Letter, 1927, Playhouse Theatre; Mortons Alibi basert på Christies roman, 1928, Prince of Wells tietr "; "Doctor Pygmalion" Owen, 1932, "Playhouse tietr", etc.).

En fremtredende skikkelse i det engelske teateret på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet var skuespilleren, regissøren og den berømte læreren Frank Robert Benson (1858-1939). Fra en tidlig alder deltok han aktivt i alle slags amatørforestillinger. Hans første profesjonelle scene var London-teatret "Lyceum", ledet av G. Irving. Et år senere åpnet den unge skuespilleren sitt eget mobile teater, som ga forestillinger ikke bare i London, men også i Stratford, så vel som andre provinsbyer.

Bensons favorittdramatiker var Shakespeare. På bare noen få år satte regissøren opp nesten alle stykkene til den store dramatikeren, med unntak av Titus Andronicus og Troilus og Cressida. Fra 1886 til 1919 spilte selskapet, ledet av Benson, på Shakespeare Memorial Theatre i Stratford-on-Avon. I Shakespeares hjemland, med hennes deltakelse, ble det holdt årlige festivaler med Shakespeares skuespill.

En fantastisk skuespiller og regissør, Benson var også en talentfull lærer som trente mange fantastiske artister. Pennen hans tilhører skuespillet. Skrev Benson og en bok med memoarer. De siste årene av sitt liv var han engasjert i filmskaping.

Som skuespiller begynte den berømte engelske skuespilleren, regissøren og dramatikeren Harley Grenville-Barker (1877-1946) sin teaterkarriere. I 1891 ble han med i troppen til S. Thorne i Marget. Året etter opptrådte Grenville-Barker allerede på London Comedy Theatre.

Fra 1904 til 1907 drev Grenville-Barker, sammen med dramatikeren Bernard Shaw, Royal Court Theatre, en del av den frie teaterbevegelsen, som fokuserte på seriøst realistisk drama.

Grenville-Barker, som fremmet scenerealisme, drømte om å åpne et nasjonalteater med et permanent repertoar, men hans forsøk på å lage det lyktes dessverre ikke.

Blant verkene til Grenville-Barker inntar forestillinger basert på Shakespeares skuespill en viktig plass. Regissøren ga ut et 5-binds verk "Forord to Shakespeare", der han i detalj analyserte de vanskeligste Shakespeare-skuespillene for scenegjennomføring og ga praktiske råd i sin produksjon i det moderne teateret. Grenville-Barkers skuespill The Marriage of Anna Leith (1902), Voisey's Heritance (1905), Madras House (1910), Weather in Khen og andre var viden kjent.

Etter første verdenskrig fikk England en rekke tyske kolonier og en del av Midtøsten-landene som tilhørte Tyrkia. Den britiske økonomien, undergravd av krigen, begynte å gjenopplives, men dette varte ikke lenge. Allerede i 1921 begynte inflasjonsveksten og et fall i befolkningens levestandard.

I 1924 kom Labour-regjeringen til makten, men til tross for all innsats, endret ikke den økonomiske og politiske situasjonen i landet seg, og de konservative som erstattet laborittene forverret situasjonen enda mer. I mai 1924 begynte en generalstreik i England. Anlegg og fabrikker stoppet helt, jernbaner og gruver sluttet å fungere. Regjeringen klarte en stund å avlaste spenningen i landet, men allerede i 1929 brøt det ut en alvorlig økonomisk krise.

1930-årene var også plagsomme. Hitler kom til makten i Tyskland, og i England, med samvittighet fra Baldwin og Chamberlain, som erstattet ham, startet British Union of Fascists sine aktiviteter.

Da andre verdenskrig begynte, viste det seg at England var helt uforberedt på den. Etter nederlaget ved Dunkirk forlot den britiske ekspedisjonsstyrken kontinentet. Etter å ha okkupert Frankrike, forberedte nazistene seg allerede på å starte en invasjon av de britiske øyer, men de ble forhindret av slaget om Storbritannia, vunnet av britiske fly, og deretter begynte fiendtlighetene mot Sovjetunionen.

Den 26. mai 1942 signerte England og Sovjetunionen en avtale om militær allianse og samarbeid i fredstid, men Churchill forsinket en stund åpningen av en andre front. På slutten av andre verdenskrig skuffet til slutt de konservatives politikk folket, og ved valget i 1945 vant Arbeiderpartiet en knusende seier.

Den sosiale situasjonen i landet kunne ikke annet enn å gjenspeiles i det engelske dramaet i første halvdel av 1900-tallet. I løpet av disse årene jobbet så kjente forfattere som Somerset Maugham og John Boynton Priestley i landet.

Ris. 60. Somerset Maugham

Den engelske forfatteren William Somerset Maugham (1874-1965) ( ris. 60) ble født i Paris, i familien til den juridiske rådgiveren for den engelske ambassaden. I en alder av ti ble han stående uten foreldre og ble oppdratt i England av slektninger. Etter å ha blitt syk av tuberkulose, bosatte Maugham seg i Sør-Frankrike, og flyttet deretter til Tyskland, hvor han ble frivillig ved Universitetet i Heidelberg. I Tyskland fremtidig forfatter ble nær Ibsen

og Wagner. Det var Ibsens skuespill som vekket hos Maugham ønsket om å bli dramatiker.

Da han kom tilbake til England, begynte Maugham å studere ved en medisinsk skole. I tre år jobbet han som ambulansepersonell i en ambulanse, noe som ga ham kunnskap om vanlige menneskers liv (som en del av yrket hans besøkte Somerset de fattigste bydelene i London). Romanen hans Lisa of Lambeth, skrevet i 1897, forteller om slummen i London. Han ga den unge forfatteren den første berømmelse. Deretter skapte Maugham en rekke romaner som gir et bredt panorama av livet i det engelske samfunnet (The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

Teateret har alltid tiltrukket Maugham, men det var ikke lett å oppnå suksess på dette området. Ønsket om en realistisk refleksjon av virkeligheten skremte noen ganger gründere bort fra forfatteren. Bidro ikke til forfatterens popularitet i kommersiell kunst og produksjonen av hans skuespill "Man of Honor" (1903).

Til slutt, i 1907, klarte Maugham å iscenesette komedien Lady Frederick, som ble mottatt med entusiasme av publikum. Etter det åpnet teatre i London dørene for dramatikeren, og samme år, 1907, dukket det opp ytterligere tre forestillinger basert på skuespillene hans.

Dramatikeren skapte en type skuespill som han kalte "smart". Den moderne virkeligheten i arbeidet hans vises gjennom et sammenstøt av karakterer, og handlingen blir ofte avbrutt slik at karakterene kan diskutere situasjonen. Når han lager sine skuespill, bruker Maugham ofte teknikkene som er karakteristiske for verkene til Shaw og Ibsen, men som oftest vender han seg til den engelske komedien fra restaureringstiden. Det er fra dramaturgien til den andre halvparten av XVI- begynnelsen av det XVIII århundre er kunsten å karakter og intriger, til stede i verkene til Maugham. I mange av stykkene hans er det også en interesse for tradisjonene i det franske teateret.

Maughams tidlige skuespill "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw", som ble satt opp i London-teatrene i 1907, ble skrevet i stil med salongkomedie. I fremtiden gikk dramatikeren bort fra lett satire og vendte seg til seriøse realistiske dramaer om «folk som vet alt». I 1913 dukket The Promised Land opp, og fortalte om skjebnen til den stakkars jenta Nora. Oppvokst i et borgerlig engelsk miljø, havner hun i Canada, til bondebroren. Uegnet til arbeid og prøver å oppføre seg som en dame, gjør hun sin brors kone sint. Men etter å ha blitt kone til en nabobonde, forandrer Nora seg gradvis, og når hun får muligheten til å vende tilbake til sitt tidligere liv i London, nekter hun, og innser at hun ikke lenger vil være i stand til å leve blant ledige og verdiløse mennesker.

Tema etter krigen Engelsk liv stykket The Hearth and the Beautiful Wife (1919) er viet. Første verdenskrig tok slutt, og majoren vendte hjem, som alle anser som død. Hans kone Victoria giftet seg med vennen hans, også en major. Venner konkurrerer i adel, og gir hverandre rett til å bo hos den vakre Victoria, men hun skiller seg fra begge og blir kona til en spekulant som tjente en formue på militære forsyninger. Denne pengesekken som rømte foran kjører en Cadillac og har muligheten til å få mat. Både eksmann uforlignelige Victoria hevder at de alltid gjettet om hennes ondskap og grådighet. Dette er ildstedet som britene kjempet for i krigen.

Temaet ekteskap i det borgerlige samfunnet videreføres av Maughams berømte skuespill The Circle (1919). Elizabeth, kona til en ung politiker, er skuffet over mannen sin og beundrer moren hans, som hun aldri har sett: i ungdommen flyktet hun fra mannen sin sammen med vennen hans, Lord Proteus, som stilte som statsminister. Men etter en slik handling ble inngangen til samfunnet stengt for elskerne, og bare Elizabeth inviterte dem i hemmelighet til hennes sted. Hva var skuffelsen hennes da hun i stedet for et romantisk par så en foryngende gammel kvinne og en dårlig oppførsel, ond gammel mann. Mye ble klart for den unge kvinnen, men hun ga ikke opp kjærligheten og forlot huset til en velstående ektemann for å reise med en ung kolonialtjenestemann til det fjerne Malaya.

Mellom 1928 og 1933 dukket det opp ytterligere fire Maugham-skuespill: The Sacred Flame (1928), The Breadwinner (1930), Military Merit (1932) og Sheppey (1933). Provinsadvokaten i dramaet "For Military Merit" mener at rettferdighet og velstand råder i samfunnet, selv om hans egen familie dør under omstendighetenes press.

Sønnen Sydney kom hjem fra krigen blind, og en av søstrene tar seg av ham, selv om det tynger og plager henne. Hun drømmer om å slutte seg til sin skjebne med en mann som også nylig har kommet tilbake fra fronten, men forloveden hennes, som ikke klarer å finne seg selv i dette samfunnet, begår selvmord, og den uheldige jenta mister vettet. Søsteren hennes blir kona til en demobilisert offiser - en arrogant og uoppdragen person. Skjebnen til den tredje datteren er også tragisk. I et forsøk på å rømme fra en dyster situasjon, flykter hun hjemmefra med en velstående spekulant som har tjent formuen på skitne transaksjoner. Krigen brøt skjebnen til alle familiemedlemmer. Sidneys ord er fylt med bitterhet: «Jeg vet at vi alle har vært dukker i hendene på middelmådige idioter som styrte landene våre. Jeg vet at vi alle har blitt ofret til deres forfengelighet, grådighet og dumhet. Og det verste er at, så vidt jeg forstår, har de ikke lært noe.»

Historien om hovedpersonen fra dramaet «Sheppy» er trist. Sheppey, en middelaldrende frisør, ble den stolte eieren av en stor seier.

Han drømmer om å hjelpe de som trenger det, men datteren og forloveden tror at disse pengene vil hjelpe dem med å komme inn i storpolitikken, og søke anerkjennelse av Sheppey som gal.

Den ikke-kommersielle kunstproduksjonen til Sheppey mislyktes, og Maugham bestemte seg for å forlate skuespillet og aldri gå tilbake for å jobbe for teatret.

Ris. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( ris. 61) ble født i byen Bradford (Yorkshire), i familien til en lærer. I 1914 ble han student ved Cambridge University, men med utbruddet av første verdenskrig meldte han seg frivillig til fronten. Priestley fullførte studiene ved universitetet etter krigens slutt. Han fikk snart berømmelse som forfatter av essays, så vel som litteraturviter og kritiker. Romanen The Good Companions, som ble skrevet i 1929, introduserte leseren til livet til omreisende skuespillere, ga Priestley stor suksess. Den første og uvanlig vellykkede opplevelsen av forfatteren i drama var stykket "Dangerous Turn", iscenesatt i 1932.

Akkurat som Maugham, var Priestley i stand til nøyaktig å formidle mennesketyper og skape intriger. Samtidig er skuespillene hans mer problematiske enn verkene til Maugham og Shaw.

I «A Dangerous Turn» avslører Priestley, i likhet med Maugham, hva som skjuler seg bak livets ytre velvære. Det som dukker opp bak lagene av løgner og bedrag er virkelig forferdelig. Dramatikeren bygger skuespill etter prinsippet om «detektiv i lukket rom». Det er begått et drap i en smal krets av nære bekjentskaper, alle er under mistanke, og samtidig blir de alle amatørdetektiver.

Gradvis avvikles en kjede av avsløringer, startet ved et uhell falt ord på en fest hos forlaget Robert Kaplan, som får vite at hans elskede bror Martin var en sexgal og ikke begikk selvmord, slik man offisielt trodde, men ble drept av en kvinne . Nesten alle slektningene hans var involvert i hans død. Da Robert fikk vite den forferdelige sannheten, tok Robert sitt eget liv. Men dette er bare en hypotetisk versjon av hendelsene. Det påfølgende mørket forsvinner, og atmosfæren fra første akt dukker igjen opp foran betrakterens øyne. Karakterene fører den samme samtalen, og frasen som fungerte som begynnelsen på eksponeringen er ikke utviklet. «Farlig sving» passert trygt, fortsetter festen. Men hva som faktisk skjuler seg bak livets rolige gang er allerede kjent for betrakteren.

I 1937 dukket Priestleys skuespill Time and the Conway Family opp, der forfatteren bruker hendelsesvendingsteknikken. Handlingen starter i 1919 med en familieferie. En vennlig og velstående familie feirer Kates bursdag. Jenta er tjueen år gammel, hun er full av håp om en lykkelig fremtid og drømmer om å bli forfatter.

Den andre akten viser til 1937. Karakterene er de samme, men de er alle ulykkelige. En fest som fant sted for mange år siden var en begivenhet som snudde familiens liv i den retningen som førte alle medlemmene til et trist resultat.

Tredje akt viser igjen til 1919, men nå for seeren, som har fått vite hva som skjedde mange år senere, virker ikke familieselskapet muntert og lykkelig.

Priestley tok også opp tidsmotivet i sine videre skuespill: «I was here before» (1937), «Music at night» (1938), «Johnson beyond the Jordan» (1939). For å gjøre karakteristikkene hans dypere, plasserer forfatteren dem i et uvanlig miljø, som avslører det som tidligere var skjult ikke bare for andre, men også for dem selv.

I en rekke skuespill bruker Priestley dristige eksperimenter. Således, i dramaet "From Paradise Times" (1939), som fant sted på scenene til teatre i mange europeiske land, kommer skuespillerne inn i karakteren rett foran øynene til publikum og bytter til og med roller.

Den engelske dramatikeren verdsatte Tsjekhovs arbeid høyt. Hans innflytelse er mest tydelig i stykket "Eden End" (1934). Eden End, som minner om Tsjekhovs Kirsebærhagen, forteller historien om en kvinne som rømte fra foreldrenes hus for mange år siden for å bli skuespiller. Nå vendte hun tilbake til det rolige og komfortable hjemmet til faren sin og drømte om å føle seg lykkelig igjen. Men fortiden kan ikke vendes tilbake, og karakterene i stykket, uansett hvor godt de ønsker det, kan ikke starte et nytt liv.

Komedie inntar en viktig plass i Priestleys dramaturgi. I denne sjangeren skapte forfatteren en rekke uvanlig vittige verk som kritiserer samfunnets liv. Komediene hans var ekstremt populære i europeiske land, men brakte ikke mye suksess til dramatikeren i hjemlandet.

Komedien The Rocket Grove (1933) var viden kjent. En umerkelig og beskjeden eier av et lite papirvarehus innrømmer plutselig overfor familien sin at han faktisk leder en gjeng med falsknere. Slektninger, etter å ha hørt om dette, viser ham all respekt, selv om de tidligere behandlet ham med forakt. De mener alle at han ikke er verre enn de store finansmagnatene som slo ham konkurs under den økonomiske krisen og gjorde ham til en kriminell.

Noen komedier vitner om Priestleys interesse for livet til representanter for visse yrker (Love by the Light of Jupiter, 1936; Good Night, Kids, 1941).

Stykket «Bier om bord på et skip» (1936) står noe fra hverandre, som forfatteren selv kalte «en farseaktig tragedie i to akter» og «en politisk satire i farseform». Mannskapet, forlatt på et havskip som ble forlatt av eierne til sin skjebne under den økonomiske krisen, prøver å redde skipet sitt fra alle slags attentatforsøk. I finalen dør skipet av en eksplosjon organisert av selskapet - eieren av rutebåten.

Priestleys drama-utopi «They Came to the City» (1943), inspirert av den utopiske romanen, er også uvanlig. engelsk kunstner og forfatter William Morris's News from Nowhere, or the Age of Happiness (1891). Heltene i Priestleys skuespill bor i en by der det ikke er privat eiendom, de er glade og blide. Ved å bruke teknikken "skift i tid", introduserer forfatteren i stykket karakterer fra forskjellige lag i det moderne engelske samfunnet, som oppfattet den uvanlige byen og dens innbyggere annerledes.

Ytterligere to skuespill av Priestley ble mottatt med stor interesse: The Inspector Came (1945) og The Linden Family (1947).

I det første stykket bruker dramatikeren igjen sin favorittteknikk med å «skifte seg i tid». Industrimannen Berlings familie er i ferd med å feire datterens forlovelse. Plutselig dukker det opp en politiinspektør i huset, som etterforsker selvmordet til en jente som heter Eva Smith. Det viser seg at alle familiemedlemmer er skyldige i hennes død. Beurling sparket henne fra virksomheten hans, datteren hans sørget for at Eva ble kastet ut av butikken, og forloveden hennes forførte og forlot den uheldige. På toppen av det hele sørget Burlings kone, som hadde innflytelse i veldedige organisasjoner, for at jenta ble nektet hjelp.

Etter å ha funnet ut alt, går inspektøren, og Berling-familien, overrasket over at handlingene deres refererer til den samme jenta, begynner å ringe sykehuset og politiet. De får vite at det ikke var tilfeller av selvmord, og inspektøren med det navnet jobber ikke for politiet. Berlingerne roet seg, men som det viste seg, for tidlig. Plutselig ringte telefonen, og familiens overhode ble informert om at en jente som tidligere jobbet på fabrikken hans hadde dødd på sykehuset, og en politiinspektør kom for å avklare omstendighetene rundt dødsfallet.

På 1950-tallet fortsatte Priestley å jobbe med dramatikk, men han kunne ikke lenger skrive noe vesentlig.

Et stort bidrag til utviklingen av engelsk drama ble gitt av poeten Thomas Stearns Eliot (1888-1965) (Fig. 62), som drømte om å skape et nytt poetisk drama basert på tradisjonene fra antikkens og middelalderkunsten.

Ris. 62. Thomas Stearns Eliot

Eliot ble født i USA. I 1910 kom han til Europa for å studere ved Sorbonne. Hans dannelse som forfatter skjedde under påvirkning av modernistiske trender som dukket opp på begynnelsen av århundret. Misfornøyd med moderne borgerlig kultur, vendte Eliot seg til nyklassisismen, basert på tradisjonene fra antikken og middelalderen.

Eliots overgang fra tekster til drama henger sammen med hans brennende ønske om å formidle «ekte spiritualitet», humanismens idealer til flere. Dette målet forfølges av alle skuespillene hans som dukket opp på 1930-tallet, og deretter på 1940- og 1950-tallet (Murder in the Cathedral, 1935; Family Reunion, 1938; Cocktail Party, 1949; Privatsekretær), 1953; "Den eldre statsmann" , 1958).

Spørsmålet om en persons personlige ansvar for alt som skjer i verden, reises av stykket "Mordet i katedralen", som var et levende eksempel på Eliots poetiske tragedie. Da han skapte sitt verk i fredstid, så det ut til at dramatikeren forutså den kommende verdenskrigen, før som det fortsatt var fem år igjen.

"Murder in the Cathedral" var ment å vises på Canterbury-festivalen, hvor andre verk som forteller om skjebnen til Thomas Becket, erkebiskopen av Canterbury, som levde på 1100-tallet, ble presentert. Becket hjalp Henry II med å kjempe for et sentralisert monarki, men ble senere en motstander av kongen, som han betalte med livet for. Etter hans død ble erkebiskopen kanonisert av kirken som en helgen. Personligheten til Becket forårsaker fortsatt kontrovers blant historikere og forfattere. Eliot presenterte helten sin som en mann hvis handlinger ble drevet av ønsket om høy åndelighet, og det er grunnen til at han kjempet mot monarkens og hans undersåtters basale interesser. Ved å akseptere martyrdøden tok Becket på seg menneskehetens synder og åpnet veien for mennesker til humanisme og sannhet.

Stykket, som kombinerer poetisk språk med prosa, er ikke bare basert på historisk materiale, men også på 1930-tallets realiteter. Talene til ridderne som drepte erkebiskopen er derfor svært like talene til ytre høyre med trusler om en "natt med lange kniver" til alle som ikke er enig i deres ideer.

De største representantene for engelsk venstreorientert dramaturgi var poeten Whiston Hugh Auden (1907-1973) og romanforfatteren Christopher Isherwood (født i 1904), som gjorde et forsøk på å skape et moderne poetisk drama basert på tradisjonene i den engelske musikkhallen. .

I 1933 skrev Auden skuespillet Dødsdansen, som spådde slutten på det moderne borgerlige samfunnet. I 1936 ble det iscenesatt av regissør Rupert Doone på scenen til Londons Group Theatre. I fremtiden jobbet dramatikeren i samarbeid med Isherwood.

Auden og Isherwoods skuespill The Dog Under the Skin (1935), satt opp i 1936, ble møtt med interesse. Dette verket, som inkluderte elementer av parodi, høy poesi, agitprop, eventyr, ekspresjonisme, hadde samtidig en enhet av stil.

Hvert år sender landsbyboerne i Pressen Embo en av de unge mennene på jakt etter Sir Francis, arvingen til boet som plutselig har forsvunnet. Turen kom til Alan Norman, en ærlig og enkel mann. Sammen med ham kommer hunden Francis, som bor i en eller annen familie, på veien. Reisende besøkte mange land og møtte forskjellige mennesker, men arvingen ble aldri funnet. Alan hadde allerede bestemt seg for å forlate ytterligere søk da han oppdaget at hunden hans var den ettersøkte Sir Francis. Hundeskinnet hjalp ham til å lære mye, å forstå hvor råttent det sosiale grunnlaget var. Da han kom tilbake til landsbyen sin, så Francis at ideene om fascismen i den seiret over alle de andre. Sammen med en gruppe unge mennesker drar arvingen for å kjempe mot urettferdighet og ondskap.

Av stor interesse er Auden og Isherwoods skuespill On the Border (1938), full av symbolikk, som forteller om to familier som bor i samme rom. Mellom dem ligger en usynlig linje som har gjort dem til to stridende parter. Blant karakterene i stykket er unge elskere som tilhører disse familiene, forent først etter døden, kynikeren, som forklarer naturen til fascismen (lederen for ståltrusten), og lederen, demagogen, som blir matet av Kyniker.

Deretter gikk Auden og Isherwood fra sine tidligere ideer. I 1966 ble Isherwoods roman Farewell to Berlin (1939), som forteller om Tyskland før nazistene kom til makten, satt opp i musikalen Cabaret, og i 1972 – den kjente filmen med samme navn.

Den første verdenskrig og tiden før den ødela systemet med teaterbedrifter som var blitt dannet tilbake på 1800-tallet, ledet av skuespillerne G. B. Tree, G. Irving, J. Alexander. Det kommersielle teateret i West End kom i forgrunnen i teaterlivet i England, og ga folk som var lei av krigen muntre og spektakulære forestillinger. Farser, melodramaer, lette komedier, samt musikalske show var veldig populære.

Situasjonen i teaterverden har ikke endret seg etterkrigsårene. Lyse sjangre hersket fortsatt på scenen, og seriøse skuespill av Strindberg, Ibsen, Tsjekhov kunne bare sees på scenene til små London-teatre (Evryman, Barnes) og teaterklubber. Den amerikanske kritikeren T. Dickinson skrev om datidens engelske teater: «De britiske øyer er politisk isolerte. Det engelske teateret befinner seg i lignende isolasjon. På 1920-tallet viste teateret i Storbritannia seg stort sett ute av stand til å svare på de dype impulsene som ledet teatret på kontinentet.

Den engelske ungdommen, som avviste tradisjonene fra viktoriansk tid og ønsket en amerikanisert livsstil, kjedet seg over Shakespeare, hvis dramaer hadde forsvunnet fra West End-scenen.

Forestillingene til Cambridge Festival Theatre, ledet av Terence Gray i 1926-1933, ble ekte parodier på den store Shakespeare. Så i The Merchant of Venice leverte Portia sin berømte monolog om barmhjertighet med et kjedelig blikk, en fullstendig uttrykksløs stemme, og dommerne som satt foran henne gjespet. Adelsmennene i Henry VIII, iscenesatt av Gray, er kledd i kostymer av kortknekter og dronninger, og i stedet for noen karakterer, så publikum mock-ups av spillekort.

Det er interessant at engelske regissører fra den tiden, fornekte klassikerne, ofte vendte seg til komedien fra restaureringstiden. Blant dem var kjent skuespiller, regissør og eier av Lyric Theatre i London, Nigel Playfair, som satte opp en rekke gamle komedier. På Lyrica-scenen ble det også satt opp forestillinger basert på skuespill av komikere fra 1700-tallet, tolket i tidsånden. For eksempel mistet John Gays Beggar's Opera, som ikke hadde forlatt den lyriske scenen på tre år, sitt satiriske fokus og ble til et lett, muntert skue. I Playfairs tolkning representerte Gays skuespill en bekymringsløs og munter alder, hvis atmosfære ble hjulpet til å formidle lysene som ble tent i lysekronene i auditoriet, parykkene til musikerne i teaterorkesteret, samt musikken til Handel og Purcell . N. Marshall beskrev meget nøyaktig Playfairs stilistiske dyktighet som regissør: "I datidens stilløse engelske teater ga han et eksempel på en elegant og helhetlig scenestil."

Stjernen i Lyric Theatre var skuespillerinnen Edith Evans (1888-1976), som begynte med rollene som unge komedieheltinner under restaureringen. Stor suksess i 1924 ga henne bildet av Milliment i stykket "Slik gjør de i verden" basert på stykket av Congreve. Milliment, akkurat som Sallen i Farkers "Cunning Plan of the Dandies", er en usedvanlig munter og grasiøs skapning som streber etter å kjenne alle livets gleder.

Stykkene til Bernard Shaw, spilt på scenene i West End og i eksperimentelle små teatre, nøt stor suksess hos det engelske publikummet på 1920-tallet. St. Joan, som ble satt opp på Det nye teatret, ga skaperne en stor kommersiell suksess. Forestillingen forlot ikke scenen på lenge, og tålte mer enn to hundre og førti forestillinger. Rollen som Jeanne ble spilt av den kjente tragiske skuespillerinnen Sybil Thorndike (1886-1976).

Rollen som Jeanne var tiltenkt Sybil Thorndike av Bernard Shaw selv. Han øvde med henne og andre skuespillere, og prøvde å imponere dem ideen om at de spilte et moderne skuespill, og ikke et kostymedrama dedikert til fortiden. Sybil Thorndike spilte en heltinne hvis hovedtrekk ikke var romantikk, men et nøkternt sinn og moralsk styrke. Når de så på Zhanna, forsto publikum at denne enkle bondejenta, som beviste seg i langvarige kamper, kunne bli heltinnen fra den moderne første verdenskrig.

På slutten av 1920-tallet i teaterkretser ideen ble født om å holde årlige festivaler med skuespillene til Bernard Shaw i den lille byen Malvern. Den første Malvern-festivalen fant sted tidlig i 1929 og åpnet med Shaws skuespill The Apple Cart. Rolle hovedperson skuespillerinnen Edith Evans spilte i denne forestillingen. Festivalen varte til utbruddet av andre verdenskrig.

Barry Jackson (1879-1961), som ledet Birmingham Repertory Theatre, spilte en stor rolle i organiseringen av Malvern-festivalen. Dette teatret ble åpnet i 1913, omtrent samtidig med repertoarteatrene i Bristol, Manchester, Liverpool. I motsetning til kommersielle hadde de en fast tropp og satte opp seriøse, problematiske stykker. På scenen i Birmingham repertoarteater det var forestillinger basert på verkene til D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser og, selvfølgelig, B. Shaw. I 1923 iscenesatte Barry Jackson sin pentalogi Back to Methuselah, der kjente London-skuespillere, inkludert Edith Evans, spilte sammen med representanter for Birmingham teatertroppen. Shaw deltok også på prøvene.

I 1925, i London, viste troppen til Barry Jackson "Hamlet" (regissør - G. Eilif). London-publikummet har aldri vært så overrasket: Hamlet var kledd i treningsdress, Laertes i Oxford-bukser kom på scenen med en koffert med et lysende klistremerke: «Passenger to Paris». Polonius hadde en frakk, og Claudius hadde på seg en morgenkåpe av skarlagenrød silke. Kongens hoffmenn spilte bridge og drakk whisky. Det danske riket har blitt til det moderne England med sine veletablerte tradisjoner. Det var inn i denne gamle hyklerske verden Hamlet gikk inn med sin sannhet, hentet fra skyttergravene under første verdenskrig.

På 1920-tallet dukket Tsjekhovs skuespill opp på repertoaret til teatre i England. En betydelig rolle i å gjøre det engelske publikum kjent med Tsjekhovs verk ble spilt av regissøren Fyodor Komissarzhevsky (1882-1954), invitert i 1925 av gründer Philip Ridgway til Barnes Theatre. Den første forestillingen iscenesatt av en russisk regissør på Barnes-scenen var Ivanov ( hovedrolle den ble fremført av R. Farkerson). Deretter ble Three Sisters (1926) satt opp, tolket av Komissarzhevsky som et romantisk opphøyet og ekstraordinært poetisk skue. Regissøren brukte sterkt lys og fargeeffekter, uvanlig for Chekhovs stil. Samme år, 1926, så publikum til "Barnes" ytterligere to Tsjekhovs dramaer - "Onkel Vanya" og "Kirsebærhagen".

I de årene Tsjekhovs skuespill ble satt opp bare i små teatre, og først på 1930-tallet kunne de se nesten hele den engelske offentligheten. Samtidig dukket det opp en hel galakse i landet dyktige skuespillere. Sammen med stjernene fra 1920-tallet (Sybil Thorndike, Edith Evans, etc.), strålte Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness på den engelske scenen. Du kunne se dem spille hovedsakelig på Old Vic og Gielguds entreprise på New og Queens teatre.

Old Vic, som ligger på Waterloo Road, ble åpnet på 1800-tallet, men ble viden kjent før første verdenskrig. I 1918-1923 ble Shakespeares skuespill fremført på scenen, der de beste engelske skuespillerne spilte, som nektet de høye honorarene til West End for ekte kunsts skyld. Edith Evans ble invitert til alle teatrene i West End, men hun foretrakk en liten lønn på Old Vic. I Shakespeares skuespill spilte hun mange roller, inkludert Katarina, Viola, Rosalind.

Shklovsky Viktor Borisovich

forfatter Vasiliev, (kunstkritiker) Alexander Alexandrovich

Fra bok Hverdagen Moskva suverene på 1600-tallet forfatter Chernaya Lyudmila Alekseevna

Engelsk oversetters forord Historiske dokumenter som forklarer de grunnleggende konseptene knyttet til bushido (begrepet "bushido", som "samurai", har gått inn i vestlige språk som et lånord som betegner "nasjonal, spesielt militær, Japans ånd; tradisjonell

Fra boken Moscow Addresses av Leo Tolstoj. Til 200-årsjubileet for den patriotiske krigen i 1812 forfatter

En engelsk klassisk roman om hvordan Fielding brukte anerkjennelse for å bringe sin roman til en vellykket avslutning. Hvordan skiller denne anerkjennelsen seg fra anerkjennelsen av gammelt drama?Mennesker i verden er ikke like - noen var rike, andre var fattige, alle var vant til dette. Det fantes i

Fra boken Moskva under Romanovene. Til 400-årsjubileet for Romanov-dynastiet forfatter Vaskin Alexander Anatolievich

Engelsk melange Jeg kom først til London i 1983. Den gang, nedover Kings Road i Chelsea, streifet fantastiske punkere, høstløv blandet med regn sang noe fra Britten til oss, røde dobbeltdekkere gjentok den klassisk matte røde telefonen

Fra boken Folketradisjoner i Kina forfatter Martyanova Ludmila Mikhailovna

Teater Det første hoffteateret, som eksisterte i 1672-1676, ble definert av tsar Alexei Mikhailovich selv og hans samtidige som en slags nymotens "moro" og "kulhet" i bildet og likheten til teatre til europeiske monarker. Teateret ved det kongelige hoff dukket ikke opp umiddelbart. russere

Fra bok 5 O'clock og andre tradisjoner i England forfatter Pavlovskaya Anna Valentinovna

Fra forfatterens bok

The Sprout of Civil Society: Den engelske klubben "Concordia et laetitia" Det var under Catherine-tiden at den engelske klubben oppsto i Moskva, det skjedde i 1772. Siden klubber som et fenomen i det sosiale livet i Russland var et resultat av utelukkende vestlig påvirkning, er det ganske

Det første teateret i London, som ble kalt Theatre, ble åpnet i 1577 av skuespilleren James Burbage i Shoreditch. Noen måneder senere ble et annet teater åpnet i nærheten, kalt Curtain. Snart organiserte Burbage og sønnen Thomas, som ble mer kjent enn faren, Black Brothers Theatre - til ære for den monastiske dominikanerordenen, siden scenen var satt i refektoriet til det gamle klosteret. Imidlertid ble alle teatrene konstant angrepet av myndighetene i London, som forbannet disse etablissementene som en djevel til helvete og en kilde til ulykke, et sted for lediggang og utskeielser, en samling ondskapsfulle mennesker som ble begeistret av synet av gutter i kvinneklær. – med andre ord et sted for dem som heller ved trompetlyden skynder seg for å se et teaterstykke enn å høre en preken til lyden av en bjelle.

I Southwark hadde skuespillerne mer viljestyrke enn i byen, der teatrenes liv var sterkt begrenset av reglene fastsatt av myndighetene. I tillegg kunne Tula lett nås med båt eller bro. På tidspunktet for stengingen av klostrene ble en del av Southwark, som tidligere hadde tilhørt klosteret Bermondsey og klosteret til den hellige jomfru Maria, kongen. I 1550 ble den solgt til byen for rundt tusen pund. Bare to tomter forble usolgte, som forble utenfor jurisdiksjonen til byen. På det ene sto et fengsel, det andre ble kalt ("Paris Garden"); det var på disse to stedene at teatre dukket opp på dronning Elizabeths tid, fri fra Londons forbud og sensur. I Rose Theatre, bygget i 1587, ble Marlowes skuespill satt opp for første gang, og Edward Alleyns talent blomstret på scenen her. Så kom teatrene "Svane" (i 1596), "Globe" (i 1599; en tidel av det tilhørte Shakespeare) og i 1613 - "Håp".

Londonboere ble lokket til disse og andre teatre av høylytte trompeter og vaiende flagg. Penger ble samlet inn fra besøkende rett i teatret og plassert i en spesiell boks, som deretter ble låst inn i et lite rom - billettkontoret (i "kasseskapet"). Tilskuerne satt i lenestoler arrangert i lag rundt scenen, eller på benker rett på scenen, og forestillingen begynte med sine høye utrop. Skuespillere spilte sine roller, og publikum avbrøt dem med indignerte eller bifallende rop, fornærmelser eller ros. Dette fortsatte til slutten av akten, hvoretter scenen fyltes med dansere, gjøglere og akrobater; pedlars med brett og kurver klemt langs gangene mellom setene til tilskuerne, som selger paier, frukt, urtemidler, hefter; menn var hyggelige mot kvinner. Teaterarbeidere røykte ofte, luften var fylt med tobakksrøyk, trestoler tok ofte fyr, og publikum skyndte seg til dørene. brant ned samme år som Nadezhda åpnet; bare én person ble skadet i prosessen - buksene hans tok fyr, men han slukket dem raskt ved å helle øl fra en flaske.

I nærheten av teatrene var det hager med bjørner, arenaer for å lokke en bundet okse med hunder, grunnlag for hanekamper, som tiltrakk seg et mangfoldig publikum - rike og fattige, edle og vanlige mennesker. Etter å ha gledet seg over forestillingen til Othello eller Edward II, gikk publikum dagen etter for å se bjørnen bli agnet av hunder i Paris Garden, kamphanene, som, etter å ha sluppet sporene, dekket sanden på arenaen med blod og fjær, hundene som flyr langt fra slag fra gale okser (hunder ble fanget i kurvfeller for at de ikke skulle bli forkrøplede når de falt og kunne fortsette å kjempe), på folk som hacket med sverd, skar av hverandres ører og fingre under den høylytte godkjenningen av mengden.

West End teatre

Ansiktet til gatene i West End har endret seg dramatisk. Mange bygninger fra XVIII århundre. ble rekonstruert både ute og inne i samsvar med tidens smak. Således, i Grafton Street (nå Salon of Helena Rubinstein), viste fru Arthur James frem rikdommen sin med en imponerende renovering av et hus designet på 1750-tallet. Sir Robert Taylor.

Mange bygninger bygget i georgisk, Regency og Viktorianske stiler, fødte nye teatre som Duke of York's Theatre, Nytt teater, The Rock, Palladium, Gaiety, Her Highness Theatre, London Pavilion, Palace, Apollo, Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwych, Globe ”, “Queens” og “Coliseum”. Alle ble bygget i løpet av de siste ti årene av dronning Victorias regjeringstid og ni år av Edward selv.

Hundrevis av gamle bygninger ble revet for å gi plass til butikker, storslåtte handlehaller med overdådige plateglassvinduer og mahognidører innlagt med messing. I 1901 begynte terrakottaveggene til Harrods General Store på Brompton Road å reise seg. Det ble raskt fulgt av byggingen av nye gatebutikker i overdreven barokkstil, som Wearing and Gillows (1906), kolossale i størrelse, spesielt den staselige bygningen som kjøpmannen begynte å bygge i 1909 Harry Selfridge fra Wisconsin.

Da Selfridges butikk sto ferdig, hadde Regent Street endret seg fullstendig; Aldwych Loop krysset labyrinten av gater nord for Strand overfor Somerset House, ble omkranset av monumentale bygninger, og Kingsway Street strakte seg nordover til Holborn.

Dramatisk kunst i Storbritannia dukket opp for lenge siden. Det stammer fra gateforestillinger som ble holdt på kirkelige høytider og fungerte som en slags moralisering. I renessansen får alle kunstområder en mer sekulær karakter og beveger seg bort fra religiøse temaer. Det var på denne tiden at det revolusjonerende teateret på den tiden dukket opp, hvor W. Shakespeare, nå kjent for hele verden, satte opp skuespill.

Den moderne utviklingen av teatret streber etter den ytterste realisme på alle sine sfærer, og revurderer selv klassiske plott. Nå forbløffer teatrene i England ikke bare med interessante forestillinger, men også med original arkitektur, så vel som uvanlige regissørbeslutninger.

Hvis du planlegger en tur til London, sørg for å besøke Piccadilly Theatre. Den har eksistert i mer enn åtte tiår og gleder kjennere av teaterkunst ikke bare med moderne, men også med tradisjonelle klassiske produksjoner.

Et av de eldste teatrene i London er Aldwych Theatre, som har samlet hele byen rundt seg i over et århundre. Slike eminente skuespillere som Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone og andre opptrådte en gang på scenen.

Fans av lyse musikalske opptredener Verdt å besøke er New London Theatre. Det var musikalene som brakte det ganske unge teateret på 70-80-tallet av forrige århundre ekte berømmelse blant unge mennesker. Til nå gleder han publikum med opptredener på verdensnivå, med levende sceneopptredener og god musikk.

Et annet teater i London, kjent for forestillinger i stil med en musikal og komedie, er Shaftesbury Theatre. For ikke så lenge siden feiret han hundreårsdagen - teatrets arbeid stoppet ikke selv under andre verdenskrig. Bygningen av dette teateret fortjener spesiell oppmerksomhet på grunn av dets uvanlige gamle design.

Blant moderne teatre London skiller seg ut Pinkock Theatre. Den tåler tilstrekkelig konkurranse med gamle teatre på grunn av sin innovative tilnærming til klassisk dramaturgi. Scenen bruker ofte elementer av moderne street dans og til og med akrobatiske tall for å forsterke effekten av stykket.

Bygningen til Grand Opera i Belfast imponerer med sin skjønnhet. Bygget tilbake på 1800-tallet, er det ikke bare et arkitektonisk landemerke i orientalsk stil, men gleder også teaterfans med sitt klassiske repertoar og utmerkede akustikk.

Hovedsenteret for dramatisk kunst i Storbritannia kalles kongelig teater Drury Lane. Det ligger i London og spilte en viktig rolle i utviklingen av teatret i landet. I løpet av dens eksistens klarte mange eminente skuespillere å besøke scenen.

Et annet arkitektonisk monument i Storbritannia er Her Majesty's Theatre. Teateret ble opprettet på begynnelsen av 1700-tallet, og på slutten av 1800-tallet flyttet det til et stort nytt bygg, hvor det fortsatt ligger. Det er av stor historisk og kulturell verdi, og det klassiske repertoaret vil appellere til alle elskere av denne kunstformen. Dette teateret ligger i London, vest i Westminster.

Bydepartementet for utdanning ved administrasjonen av Polysaevo

Informasjons- og metodesenter

Kommunal utdanningsinstitusjon

"Ungdomsskole nr. 35"

Historie om teater i Storbritannia

forskningsprosjekt

Polysaevo 2007

Bydepartementet for utdanning ved administrasjonen av Polysaevo

Informasjons- og metodesenter

Kommunal utdanningsinstitusjon

"Ungdomsskole nr. 35"

Historie om teater i Storbritannia

Daria Putintseva,

Foreslått forskning inneholder en beskrivelse av teaterhistorien i Storbritannia. Forskningsprosjektet preger det engelske teateret fra middelalderen til i dag, dets retninger og tendenser. Verket sporer dannelsen og utviklingen av de viktigste teatralske trendene, originaliteten til teatralsk kamp på forskjellige stadier av historisk utvikling. Spesiell oppmerksomhet rettes mot spørsmålet om de nasjonale detaljene til det engelske teatret.

Historie om teater i Storbritannia: forskning / . - Polysaevo: Informasjons- og metodologisk senter, 2007.

Forklarende merknad

Målet med arbeidet: bli kjent med en fremmed kultur.

Arbeidsoppgaver: utvide kulturell kunnskap om Storbritannia.

Engelsk teater er en integrert del av verdenskulturen. De beste tradisjonene for nasjonal engelsk kunst har beriket verdens teaterprosess. Arbeidet til engelske skuespillere, regissører og dramatikere vant kjærlighet og anerkjennelse langt utenfor Englands grenser.

Arbeidet til skuespillere, regissører, dramatikere i Storbritannia har lenge hatt anerkjennelse og kjærlighet i Russland.

Teatrets historie har lenge vært assosiert med menneskehetens historie. Fra den første siden av historien, mens menneskeheten husker seg selv, husker den også teatret, som har blitt dets evige følgesvenn.

Elsker du teater like mye som jeg elsker det? - spurte vår store landsmann Vissarion Belinsky sine samtidige, dypt overbevist om at en person ikke kan annet enn å elske teatret.

Elsker du teater? Med det samme spørsmålet for mer enn 20 århundrer siden kunne de store fedrene til det antikke teateret Aischylos og Sofokles, Euripides og Aristofanes ha vendt seg til tilskuerne sine, som fylte steinbenkene til de enorme amfiteatrene i friluft i Hellas.

Etter dem, allerede i andre århundrer, andre historiske epoker, med en lignende appell til deres samtid, kunne Shakespeare og Ben Jonson i England snu. Og alle sammen spurte menneskene i sin tid: "Liker du teatret?" - ville ha rett til å regne med et bekreftende svar.

Engelsk teater, litteratur, musikk er en integrert del av verdenskulturen. De beste tradisjonene i engelsk kultur har beriket verdens kulturelle prosess, vunnet kjærlighet og anerkjennelse langt utenfor Englands grenser.

Arbeidet til engelske dramatikere har lenge hatt anerkjennelse og kjærlighet i Russland. De største skuespillerne i det russiske teateret spilte i Shakespeares tragedier.

I den engelske kulturhistorien skilles følgende hovedperioder ut: middelalderen, renessansen, 1600-tallet, 1700-tallet (opplysningstiden), 1800-tallet (romantikk, kritisk realisme), perioden på slutten av 1800-tallet - tidlig på 1900-tallet (1871 - 1917) og 1900-tallet , der to perioder skilles: 1917 - 1945. og 1945 – i dag.

tidlig middelalder ( V – XI århundrer)

På 600-tallet f.Kr. ble de britiske øyer invadert av kelterne. I det 1. århundre e.Kr. ble Storbritannia erobret av romerne. Romerrikets styre fortsatte til det 5. århundre, da angelsakserne og jutene invaderte Storbritannias territorium. De angelsaksiske stammene brakte sitt språk, sin kultur og sin livsstil til de britiske øyer.

Middelalderteaterets historie er historien om idealistiske, religiøse livssyns kamp med folkets realistiske verdensbilde.

I mange århundrer i livet til folket i det føydale Europa ble tradisjonene for hedenske rituelle festligheter bevart, som inneholdt elementer av teatralisering: sammenstøtet mellom vinter og sommer, mailekene, hvor sketsjer ble fremført med deltakelse av kongen og Dronning av mai osv. osv. Tropper streifet rundt i Europa folkefornøyelser - historier. De visste hvordan de skulle gjøre alt: synge, danse, sjonglere, opptre. Ved å spille komiske scener underholdt de ofte ikke bare publikum, men latterliggjorde også de som undertrykte og undertrykte vanlige mennesker. Derfor forbød kirken rituelle spill, forfulgte histrioner, men var maktesløs til å ødelegge folks kjærlighet til teaterforestillinger.

I et forsøk på å gjøre gudstjenesten – liturgien – mer effektiv, begynner presteskapet selv å bruke teaterformer. Den første sjangeren av middelaldersk teater dukker opp - liturgisk drama (IX-XIII århundrer). Under liturgien fremførte prestene historier fra Den hellige skrift. Over tid blir forestillinger av liturgiske dramaer tatt ut av kirken og ut på verandaen og kirkegården.

XI – XV århundre

På 1000-tallet ble de britiske øyer erobret av normannerne. Dette bidro til den franske innflytelsen på kulturlivet i landet.

I XIII-XIV århundrer. vises og ny sjanger middelaldersk teaterforestilling – mirakl ("mirakel"). Plottene til miraklene er lånt fra legendene om helgenene og jomfru Maria.

Høydepunktet av middelalderteater – mysterium . Den utvikler seg i XIV-XV århundrer, under storhetstiden til middelalderbyer. Mysterier spilles på byens torg. Representasjonen av mysteriet var massiv - og i henhold til antall deltakere var Allegory" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> allegorisk. Moralkarakterer personifiserte vanligvis ulike menneskelige egenskaper, hans laster og dyder .

Moralens helt er en person generelt. "Every man" - det var navnet på den engelske moralen på slutten av 1400-tallet. I dette stykket dukket Døden opp for hver person og kalte ham på en "lang reise", slik at han kunne ta med seg en hvilken som helst følgesvenn. En person henvendte seg til vennskap, slektskap, rikdom, men ble nektet overalt. Styrke, skjønnhet, fornuft, fem sanser gikk med på å følge en person, men ved gravkanten forlot de ham alle. Bare gode gjerninger hoppet i graven med ham. Moralitt forlot bibelske emner, men beholdt religiøs oppbyggelse.

Farse - den første sjangeren av middelalderteater som brøt med religiøs moral. Farsen, en munter og satirisk sjanger, latterliggjorde de sosiale, politiske og moralske konseptene til det føydale samfunnet. Tåpe riddere, grådige kjøpmenn, vellystige munker opptrer i farsen. Men den sanne helten i denne sjangeren, av alle ikke veldig anstendige, men alltid morsomme, farseaktige plott, er en munter skurk fra vanlige folk. I en farse har den som overlistet alle rett.

Opplevelsen av farseaktige forestillinger ble mye brukt av teatret i påfølgende epoker. Shakespeares komedier tok i bruk ikke bare farsemetodene, men også ånden av populær fritenkning som fylte den.

Renessanse

I XV - XVI århundrer V europeiske land det er en "progressiv største omveltning av alt menneskeheten har opplevd frem til den tid", - overgangen fra den føydale middelalderen til den nye tid, preget av innledende periode utvikling av kapitalismen. Denne overgangstiden ble kalt renessansen, eller renessansen.

Det var epoken for fremveksten av en ny kultur, brudd med religiøse dogmer, epoken med den raske utviklingen av kunst og litteratur, som gjenopplivet antikkens idealer. Store muligheter for aktive kreativ aktivitet. I denne epoken skjer dannelsen av nasjonal kultur.

1500-tallet i England var dramatikkens storhetstid. Det engelske teatret reagerte på populære interesser og var uvanlig populært i en atmosfære av nasjonal oppgang. På slutten av 1500-tallet var det rundt tjue teatre i London; blant dem var James Burbage Theatre og Philip Hensloe Theatre spesielt kjente. Utviklingen av teaterkulturen gikk ikke uten vanskeligheter, hovedhindringen var handlingene til puritanerne, som anså teatret for å være en "demonisk" affære.

Dramatikere på den tiden inkluderte Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe og andre.

Skuespillene til Beaumont (1584-1616) og Fletcher (1579-1625) karakteriserer en annen epoke i historien til det engelske teateret. De forsøkte å aristokratisere teatret, å innføre en viss raffinement og anstendighet i sceneforestillinger. Edle, monarkistiske ideer blir gjenstand for spesiell oppmerksomhet i teateret til Beaumont og Fletcher. Oppfordringer til uselvisk tjeneste for kongen høres stadig fra scenen.

William Shakespeare

Teateret i den engelske renessansen skylder først og fremst William Shakespeare sin storhetstid. Dramaturgien til Shakespeare er resultatet av all den tidligere utviklingen av drama, teatrets høydepunkt.

"Tragedien ble født på torget" - skrev han og refererte til den fjerne opprinnelsen til Shakespeares verk - folketeateret for middelalderske mysterier. Tradisjonene til torgenes teater – en bred dekning av hendelser, vekslingen av komiske og tragiske episoder, handlingens dynamikk – ble bevart av Shakespeares forgjengere – dramatikerne R. Green, K. Marlo og andre. De brakte frihetselskende ideer til scenen, viste nye helter med sterk vilje og hel karakter.

I den første, "optimistiske" perioden av arbeidet hans, skrev Shakespeare komedier med lyse, gledelige stemninger. Men da "katastrofehavet" åpnet seg foran dikterens gjennomtrengende blikk, da historiens ubønnhørlige gang mer og mer skarpt avslørte motsetningene til føydalismen og den fremvoksende kapitalismen, ble den ideelle helten i verkene hans erstattet av en maktsyk, egoist og egeninteressert person, og noen ganger til og med en kriminell.

For første gang ble denne svingen avslørt i tragedien "Hamlet". Men Shakespeares helter bøyde seg ikke for ondskapens verden. Da de gikk inn i kampen og ble offer for sine allmektige motstandere, bekreftet heltene fra Shakespeares tragedier, selv ved selve deres død, troen på mennesket og dets lysende skjebne. Det er i dette at udødeligheten til Shakespeares tragedier og deres moderne lyd.

Shakespeare's Globe Theatre lå blant andre teatre - på sørbredden av Themsen, utenfor London, da myndighetene forbød briller i

William Shakespeare

Globus teater". Utseende.

selve byen. Bygningen ble kronet med et lite tårn, hvor det blafret et flagg under forestillingen.

Handlingen fant sted i friluft - en masse mennesker sto foran scenen, velstående borgere slo seg ned på galleriene, som omkranset teatrets runde vegger i tre nivåer. Scenen var delt inn i 3 deler: fronten - prosceniumet, baksiden, atskilt med to sidesøyler og dekket med en stråtak, og toppen - i form av en balkong. Scenen var pyntet med tepper og matter, og det ble hengt opp et panel ovenfra: svart - i tragedier og blått - i komedier. Scenen for handlingen ble indikert med en detalj (treet indikerte at handlingen fant sted i skogen, og tronen - det i palasset).

Sammensetningen av troppen var liten - bare 8-12 personer. Noen ganger måtte hver skuespiller utføre opptil tre eller flere roller i et teaterstykke. Heltinnene ble spilt av pene, skjøre unge menn. De store tragiske skuespillerne var Edward Alleyn, som spilte med særlig suksess i skuespillene til K. Marlowe, og Richard Burbage - den beste utøveren av rollene Hamlet, Lear, Othello og Macbeth. Richard Tarlton og William Kemp spilte hovedrollene i komiske roller.

XVII århundre

Hvis under renessansen i England, dramaturgi og teater var i sin storhetstid, teaterskikkene i London på den tiden var ganske frie, fullstendig letthet hersket både på scenen og i auditoriet, og skuespillere og tilskuere var ikke sjenerte for uttrykk, så i 1600-tallet ble de forfulgt av puritanerne.

I renessansen kunne man se en tryllekunstner med en hund på scenen, som avbildet «og kongen av England, prinsen av Wales, og når han sitter på ryggen, da paven og kongen av Spania». Noen fruer i en komedie kunne fortelle fra scenen at du kan gjette med urin, eller en gentleman - skriv ned hvor han tisset. «Scenen vår har noen ganger samme skitt og stank som Smithfield (en forstad til London hvor det ble holdt messer og noen ganger ble kjettere brent), sier Ben Jonson. "Alt der heter ved sitt rette navn," skrev Voltaire om den engelske scenen allerede på 1700-tallet.

Teatermoral kan utledes fra den anonyme "Protest eller klage over skuespillere mot undertrykkelsen av deres yrke og deres utvisning fra flere teatre" (1643). «Vi gir et løfte for fremtiden om aldri å ta inn i våre sekspenningslosjer promiskuøse kvinner som kommer dit bare for å bli tatt med dem av lærlinger og advokatfullmektiger, og ingen andre slike kvinner, bortsett fra de som kommer med sine ektemenn eller nære slektninger. Holdningen til tobakk vil også bli endret: den vil ikke bli solgt ... når det gjelder stygt språk og lignende elendigheter som kan skandalisere anstendige mennesker, og presse dårlige mennesker til utskeielser, vil vi fullstendig utvise dem sammen med umoralske og frekke forfattere - poeter .

Å lage skuespill og fremføre dem ble erklært som en syndig aktivitet; å besøke teatret ble resolutt fordømt og ansett som en skadelig og skadelig handling. Med puritanernes inntog til makten ble teaterforestillinger i England forbudt. Den 2. september 1642 stengte det engelske parlamentet teatrene og forbød alle forestillinger, og hevdet at skuespillene «ofte uttrykker uhemmet munterhet og lettsindighet», mens man bør rette sine tanker mot «omvendelse, forsoning og vending til Gud». Fem år senere bekreftet parlamentet denne resolusjonen, nå i strengere ordelag og beordret ulydige personer (skuespillere) til å bli sendt i fengsel som kriminelle. Kulturen opplevde en akutt krise. Kirken har lenge og sterkt kjempet mot teatralske skuespill. "Teatrene er fulle, men kirkene er tomme," klager puritanske prester. I teatret hersker «frie gester, løse taler, latter og latterliggjøring, kyss, klemmer og ubeskjedne blikk», er presteskapet indignert. "Guds ord blir krenket der og den guddommelige religionen som er etablert i vår stat er vanhelliget," sier overordføreren.

Teateret på 1600-tallet ble presentert for det puritanske borgerskapet i England som et teater for løssluppenhet og utskeielser, et teater som imøtekommer aristokratenes smak og korrumperer vanlige folk.

Det var også forsvarere. Dramatikeren Thomas Nash skrev i 1592 at handlingene til skuespillene er lånt fra de engelske krønikene, forfedrenes stordåd hentes fra "glemmens grav", og dermed blir fordømmelsen av "degenerert og bortskjemt modernitet" utstedt, at i skuespillene «disseres løgnen som er forgylt med ytre hellighet».

Kjennetegn ved kulturen ble bestemt av hendelsene under den borgerlige revolusjonen. Klassemotsetningene mellom borgerskapet og store grunneiere forverret seg, regjeringen i den borgerlige republikken ble ledet av Oliver Cromwell, deretter ble Stuart-monarkiet gjenopprettet.

Stuartene, som kom tilbake til makten, gjenåpnet teatre i 1660, og den strålende, men umoralske komedien fra restaureringstiden, bekreftet så å si den negative vurderingen som ble gitt til teatret av Cromwells medarbeidere.

Etter statskuppet kom Vilhelm III av Orange til makten. Folkebevegelsen vokste.

Wilhelm III stengte ikke teatrene, men ved dekret av 01.01.01 advarte han skuespillerne strengt om at «hvis de fortsetter å spille skuespill som inneholder uttrykk som er i strid med religion og anstendighet, og tillater blasfemi og umoral på scenen, da for dette må de svare med hodet.

Samme år, 1698, ble en avhandling utgitt av en viss puritansk teolog ved navn Jeremy Collier under den veldig fargerike tittelen " Kort anmeldelse umoral og ugudelighet på den engelske scenen. Teologen fordømte den eksisterende teaterpraksisen på det sterkeste. Han skrev at det var sinne og sinne på scenen. "Blod og barbari er nesten guddommeliggjort", at "æresbegrepet er pervertert, kristne prinsipper er ydmyket", at "djevler og helter er laget av samme metall", og krevde en radikal omstrukturering av teatrene, og gjorde dem til et en slags dydsskole, gode manerer og anstendighet: « Hensikten med skuespill er å oppmuntre til dyd og avsløre laster, å vise skjørheten i menneskelig storhet, skjebnens plutselige omskiftelser og de skadelige konsekvensene av vold og urettferdighet.

Det engelske borgerskapet ønsket ikke lenger nedleggelse av teatre, slik det hadde vært før, men deres tilpasning til klassens behov. Selv om den «herlige revolusjonen» i 1688 førte til en allianse mellom borgerskapet og den nye adelen, vedvarte fiendtligheten fortsatt. Godseiernes posisjoner var fortsatt sterke, selv om aristokratene underkastet seg tingenes tilstand, ble de på ingen måte helt forsonet. Angrep på aristokratiet ble også hørt ved teaterforestillinger.

I 1713 forsøkte Joseph Addison (1672-1719) å etablere den klassiske tragedien på den engelske scenen.

På dette tidspunktet dukket det opp en ny sjanger - drama, men komedie ønsket ikke å gi opp sine posisjoner. Tilskuerne, som felte voldsomme tårer ved forestillingene til The London Merchant og ble fylt av skrekk ved den dystre finalen av stykket, ønsket å le fra tid til annen. Denne muligheten ble gitt dem av Fielding, og senere av Oliver Goldsmith og Richard Brinsley Sheridan.

Goldsmith ønsket å gjenopplive "homokomedien" til Shakespeare og Ben Jonson. I sin avhandling An Essay on the Theatre, or a Comparison of Jolly and sentimental komedie”(1733), han snakket direkte om dette og skrev flere komediespill uten å moralisere, uten særlig tendensiøsitet, lystig å gjøre narr av uerfarenheten til unge mennesker som lett lar seg lure. Stykkene er fulle av morsomme feil, karakterene skildres ganske naturlig.

Imidlertid satte Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) det største preg på historien til engelsk drama i denne perioden. Han skrev en kort stund. Alle hans beste skuespill ble laget i løpet av fem år. Brannen i teateret hans på Drury Lane ga forfatteren det siste slaget.

Klassisismen i sin klassiske form kunne ikke finne fast grunn i England. Det var to grunner til dette: den politiske tilstanden i landet og autoriteten til Shakespeares teater.

Når det gjelder Shakespeare, så overskygget han prestasjonene til antikkens drama at etter ham var det rett og slett utenkelig å stole helt på eksemplet til antikke greske forfattere. Engelske dramatikere som jobbet for teatret kunne ikke følge Aischylos, Sofokles og Euripides så betingelsesløst som deres franske kolleger gjorde. Før dem var eksemplet til Shakespeare, som jobbet etter et helt annet system og oppnådde resultater uten sidestykke.

I 1644 ble Shakespeares Globe Theatre revet, gjenoppbygd etter en brann i 1613, i 1649 - Fortune og Phoenix teatrene, i 1655 - Blackfriars. Skuespillere spredt rundt i landet, gikk inn i soldatene, forsvant sporløst, ifølge en anonym forfatter fra 1600-tallet (Historia histrionica).

I 1643 utarbeidet skuespillerne et rørende anonymt dokument: en klage på undertrykkelsen av yrket deres. "Vi henvender oss til deg, store Phoebus, og til deg, ni søstre - muser, beskyttere av sinnet og beskyttere av oss, stakkars ydmykede skuespillere," skrev de. "Hvis vi ved hjelp av din allmektige inngripen igjen kunne bli installert i våre tidligere teatre og vende tilbake til yrket vårt igjen ... "Skuespillerne skrev at komediene og tragediene de fremførte var" en levende gjengivelse av handlingene til mennesker , "at lasten i dem ble straffet, og dyd ble belønnet, at "engelsk tale ble uttrykt mest korrekt og naturlig." Phoebus og ni søstre - muser, beskyttere av kunsten, svarte ikke. Teateret har fått uopprettelig skade.

John Milton, den største engelske poeten på 1600-tallet, delte ikke puritanernes negative holdning til teaterforestillinger. Milton var spesielt resolutt mot dramatikerne og teateret fra restaureringstiden, som hadde en ettertrykkelig underholdende karakter. Milton anså tragedie for å være hovedsaken i den dramatiske kunsten, klassiske prøver gammel gresk kunst. Etter å ha imitert dem, introduserte han et kor som kommenterte hva som skjedde, og etablerte tidens enhet: varigheten av hendelsene i tragedien overstiger ikke 24 timer. Enheten mellom sted og handling opprettholdes strengt.

Restaureringsperiode

Restaureringsperioden begynte i England kort tid etter Cromwells død.

Forbudene puritanerne innførte mot teaterforestillinger og ulike typer underholdning ble opphevet. Teatrene ble gjenåpnet, men de var svært forskjellige fra det engelske teateret på 1500- og begynnelsen av 1600-tallet og i deres utvendig design, og skuespillenes natur. På scenen ble det brukt rik natur og praktfulle kostymer.

Komediene til William Wycherley (1640-1716) og William Congreve (1670-1729) nøt særlig suksess.

Engelske teatre "Drury Lane" og "Covent Garden"

La oss besøke teatrene i London nå. I 1663 ble Drury Lane Theatre bygget i London, som fikk rett til monopol i valg av repertoar. I 1732 dukket et annet stort teater opp - Covent Garden. Det var lite orden på teatrene i London. Publikum, som brast inn i auditoriet, skyndte seg rett frem langs benkene i bodene for å gripe seter nærmere scenen. Fra tid til annen var det særegne "teatralske opptøyer" - publikum, misfornøyd med forestillingen, prisøkningen, enhver utøver, overdøvet skuespillernes stemmer, kastet frukt på dem, og noen ganger brast det ut på scenen.

I dette urolige London på 1700-tallet prøvde skuespillerne å opptre dekorert og snakke med avmålte stemmer. Den engelske klassisismen var imidlertid ikke komplett, integrert - den ble stadig "korrigert" av den realistiske tradisjonen som kom fra Shakespeare.

Skuespiller Thomas Betterton (1635 - 1710) spilte rollen som Hamlet som Burbage en gang spilte den, etter å ha mottatt instruksjoner fra Shakespeare selv. Skuespiller James Quinn (1693 - 1766), som for britene virket for klassisistisk, spilte rollen som Falstaff ganske realistisk. I 1741 spilte Charles Maclean (1697-1797) realistisk Shylock i Shakespeares The Merchant of Venice. Samme år spilte David Garrick (1717 - 1779), som ble den viktigste realistiske skuespilleren på 1700-tallet, rollen som Richard III. Garrick spilte komiske og tragiske roller like godt. Som en etterligning kjente Garrick ingen like. Ansiktet hans kunne konsekvent skildre alle nyanser og overganger av følelser. Han visste hvordan han skulle være morsom, patetisk, majestetisk, skummel. Garrick var en meget intelligent skuespiller, med rikt utviklet og presis teknikk, og samtidig en følelsesskuespiller. En gang, mens han spilte Kong Lear i Shakespeares tragedie, ble Garrick så revet med at han rev av seg parykken og kastet den til side.

Garrick regisserte Drury Lane Theatre i mange år, hvor han samlet et bemerkelsesverdig selskap og iscenesatte 25 Shakespeare-skuespill. Før ham jobbet ingen så samvittighetsfullt og hardnakket med oppsetningene av Shakespeares skuespill. Etter Garrick lærte de å sette mye mer pris på Shakespeare enn før. Berømmelsen til denne skuespilleren tordnet over hele Europa.

Kreativitet Garrick oppsummerte utviklingen av teatret på XVIII århundre - fra klassisisme til realisme.

18. århundre

Opplysningstiden

På 1700-tallet begynte en overgangstid som kulminerte med den franske borgerlige revolusjonen. Frigjøringsbevegelsen utviklet seg, det ble nødvendig å ødelegge føydalismen og erstatte den med kapitalisme.

Engelsk litteratur

Den turbulente epoken brakte liv til blomstringen av demokratisk kultur, inkludert teatralsk kreativitet.

DIV_ADBLOCK660">

Det 20. århundre

1945 – i dag

Etter andre verdenskrig, i forbindelse med dannelsen av det sosialistiske verdenssystemet og veksten av den nasjonale frigjøringskrigen for folk, ble sammenbruddet av det britiske imperiet uunngåelig og naturlig. Teatre representerer turbulente, vannskillebegivenheter og sosiale omveltninger.

I de første årene etter andre verdenskrig var den mest populære forfatteren i England John Boynton Priestley. Han skrev over førti skuespill. De mest betydningsfulle av dem er "Dangerous Corner" (Dangerous Corner, 1932), "Time and the Conway Family" ("Time" og Conways, 1937).

I Priestleys skuespill er innflytelsen fra Tsjekhovs dramaturgi til å ta og føle på. Priestley streber etter å formidle hverdagslivets drama, å vise livet med alle dets halvtoner, å avsløre karakterene til ikke bare hovedpersonene, men også sekundære karakterer.

Skuespillene til John Osborne (1929) spilte en viktig rolle i engelsk kultur. Skuespillene til John Osborne stimulerte et oppsving i utviklingen av engelsk drama på 60-tallet.

I 1956 ble John Osbornes skuespill Look Back in Anger satt opp på Royal Court Theatre, som var en dundrende suksess. Dramatikeren formidlet veldig nøyaktig stemningen til den engelske ungdommen på den tiden. Jimmy Porter entret scenen - den unge "sinte" helten, som kritikerne kalte ham. Denne unge mannen fra bunnen, som tok seg inn i en fiendtlig sosialt miljø, dårlig forestilt hva en verdig tilværelse er. Han grep til våpen, og sparte ingen krefter, mot det eksisterende moralske verdier, den tradisjonelle måten for offentlig liv, delvis mot sosiale lover. Disse samme egenskapene skiller noen av karakterene, både moderne og historiske, i skuespillene til John Arden, Sheila Delaney og andre.

Ferdighetene til progressive skuespillere og regissører i noen land er perfeksjonert på klassisk dramatisk materiale, på de beste eksemplene på realistisk litteratur. De bruker klassikerne til å skape akutte samtidsproblemer. Den engelske skuespilleren Laurence Olivier i form av Othello formidlet en sint protest mot den fremvoksende borgerlige sivilisasjonen. Hamlet tjente Paul Scofield for å uttrykke de sørgelige, vanskelige tankene til den unge etterkrigsgenerasjonen av europeiske intellektuelle som følte seg ansvarlige for forbrytelsene som ble begått i verden.

Produksjonene av Shakespeares skuespill av den engelske regissøren Peter Brook nyter en velfortjent suksess hos publikum.

Den nyere tids teaterkunst er preget av mange små profesjonelle, semi-profesjonelle og ikke-profesjonelle tropper, som vandrer fra en lokalitet til en annen; revitalisering av studentteatre; den økende protesten fra skuespillere og regissører mot handel med kunst. Ungdom bruker ofte scenen til skarpe politiske diskusjoner. Teateret går ut i gatene, hvor det spilles semi-improvisasjonsforestillinger.

Nesten ethvert fenomen av teatralsk kreativitet i England er gjennomsyret av grusomme indre motsetninger, fulle av et sammenstøt av motstridende ideologiske og estetiske tendenser.

John Osborne er tilhenger av teatret som kritiserer den sosiale orden i den kapitalistiske verden, som er tidens mest overbevisende våpen.

Skuespillene til John Osborne bestemte utviklingen av engelsk drama på 1960-tallet.

Originaliteten til dramaturgien til Sean O'Casey, en fremragende anglo-irsk dramatiker, bestemmes av forbindelsen med den irske folklore-tradisjonen. Hans skuespill er preget av en bisarr kombinasjon av tragisk og

Laurence Olivier som Richard III

"Richard III" W. Shakespeare

komisk, ekte og fantastisk, hverdagslig og patetisk. O'Caseys dramaer bruker konvensjonene fra ekspresjonistisk teater.

Bevegelsen av folketeatre, hovedsakelig med pedagogiske mål, feide over hele Europa. I England oppsto Workshop Theatre og fikk stor berømmelse under regi av Joan Littlewood.