Uma Breve História da Orquestra Sinfônica. Milagre sonoro (sobre uma orquestra sinfônica) Uma história sobre uma orquestra sinfônica para crianças

A música é, antes de tudo, sons. Eles podem ser altos e baixos, rápidos e lentos, rítmicos e nem tanto…

Mas cada um deles, cada nota que soa de uma certa maneira afeta a consciência de quem ouve música, seu estado de espírito. E se isso é música orquestral, certamente não pode deixar ninguém indiferente!

Orquestra. Tipos de orquestras

Uma orquestra é um grupo de músicos que tocam instrumentos musicais, obras que são projetadas especificamente para esses instrumentos.

E pelo que é essa composição, a orquestra tem diferentes possibilidades musicais: em termos de timbre, dinâmica, expressividade.

Que tipos de orquestras existem? Os principais são:

• sinfônico;
• instrumental;
• orquestra de instrumentos folclóricos;
• vento;
• jazz;
• pop.

Há também uma banda militar (que executa canções militares), uma banda escolar (que inclui crianças em idade escolar) e assim por diante.

Orquestra Sinfónica

Este tipo de orquestra contém instrumentos de corda, sopro e percussão.

Há uma pequena orquestra sinfônica e uma grande.

Maly é quem toca a música de compositores do final do século 18 - início do século 19. Seu repertório pode incluir variações modernas. Uma grande orquestra sinfônica difere de uma pequena por agregar mais instrumentos à sua composição.

A composição do pequeno contém necessariamente:

• violinos;
• alto;
• violoncelos;
• contrabaixos;
• fagotes;
• chifres;
• tubos;
• tímpanos;
• flautas;
• clarinete;
• oboé.

O grande inclui as seguintes ferramentas:

• flautas;
• oboés;
• clarinetes;
• contrafagotes.

A propósito, pode incluir até 5 instrumentos de cada família. E também em grande orquestra estão presentes:

• chifres;
• trompetes (baixo, pequeno, alto);
• trombones (tenor, tenorbass);
• tubo.

E, claro, instrumentos de percussão:

• tímpanos;
• sinos;
• pequeno e grande tambor;
• triângulo;
• placa;
• tom-tom indiano;
• harpa;
• piano;
• cravo.

Uma característica de uma pequena orquestra é que há cerca de 20 instrumentos de corda nela, enquanto em uma grande há cerca de 60.

O maestro dirige a orquestra sinfônica. Ele interpreta artisticamente a obra executada pela orquestra com o auxílio da partitura - uma notação musical completa de todas as partes de cada instrumento da orquestra.

orquestra instrumental

Este tipo de orquestra difere em sua forma por não possuir um número claro de instrumentos musicais de determinados grupos. E também pode executar qualquer música (ao contrário de uma orquestra sinfônica, que executa exclusivamente clássica).

Não existem tipos específicos de orquestras instrumentais, mas convencionalmente incluem uma orquestra de variedades, bem como uma orquestra que executa clássicos no processamento moderno.

De acordo com contexto histórico, música instrumental começou a se desenvolver ativamente na Rússia apenas sob Pedro, o Grande. Ela, é claro, tinha influência ocidental sobre si mesma, mas não estava mais sob tal proibição como nos tempos anteriores. E antes que chegasse a tal ponto que era proibido não só tocar, mas queimar instrumentos musicais. A Igreja acreditava que eles não tinham alma nem coração e, portanto, não podiam glorificar a Deus. E, portanto, a música instrumental se desenvolveu principalmente entre as pessoas comuns.

Eles tocam em uma orquestra instrumental em flauta, lira, cítara, flauta, trompete, oboé, pandeiro, trombone, cachimbo, bico e outros instrumentos musicais.

Mais popular orquestra instrumental Século XX - esta é a orquestra de Paul Mauriat.

Ele era seu maestro, líder, arranjador. Sua orquestra tocou muitas obras musicais populares do século 20, bem como sua própria composição.

Orquestra Folclórica

Em tal orquestra, os principais instrumentos são folclóricos.

Por exemplo, para uma orquestra folclórica russa, os mais típicos são: domras, balalaicas, saltérios, acordeões de botões, gaitas, zhaleika, flautas, trompas de Vladimir, pandeiros. Além disso, instrumentos musicais adicionais para tal orquestra são uma flauta e um oboé.

Uma orquestra folclórica apareceu pela primeira vez no final do século XIX, organizada por V.V. Andreev. Esta orquestra viajou muito e ganhou grande popularidade na Rússia e no exterior. E no início do século XX orquestras folclóricas começaram a aparecer em todos os lugares: em clubes, em palácios de cultura e assim por diante.

banda de metais

Este tipo de orquestra sugere que inclui vários instrumentos de sopro e percussão. Ele vem em pequeno, médio e grande.

orquestra de jazz

Outra orquestra desse tipo era chamada de banda de jazz.

Consiste em tais instrumentos musicais: saxofone, piano, banjo, violão, percussão, trompetes, trombones, contrabaixo, clarinetes.

Em geral, o jazz é uma direção da música que se desenvolveu sob a influência dos ritmos e folclore africanos, bem como da harmonia europeia.

O jazz apareceu pela primeira vez no sul dos Estados Unidos no início do século XX. E logo se espalhou para todos os países do mundo. Em casa, essa direção musical se desenvolveu e foi complementada por novos traços característicos que apareceu em uma região ou outra.

Em certa época, na América, os termos "jazz" e "música popular" tinham o mesmo significado semântico.

As orquestras de jazz começaram a se formar ativamente na década de 1920. E assim permaneceram até os anos 40.

Via de regra, os participantes ingressavam nesses grupos musicais já na adolescência, realizando sua parte específica - memorizada ou a partir de notas.

A década de 1930 é considerada o auge da glória para as orquestras de jazz. Os líderes das orquestras de jazz mais famosas da época eram: Artie Shaw, Glenn Miller e outros. Suas obras musicais soavam em todos os lugares naquela época: no rádio, em boates e assim por diante.

Hoje em dia, orquestras de jazz e melodias escritas no estilo jazz também são muito populares.

E embora existam mais tipos de orquestras musicais, o artigo aborda as principais.

Orquestra(da orquestra grega) - uma grande equipe de músicos instrumentais. Ao contrário dos conjuntos de câmara, na orquestra alguns de seus músicos formam grupos tocando em uníssono, ou seja, desempenham as mesmas partes.
A própria ideia de fazer música simultaneamente por um grupo de artistas instrumentais remonta aos tempos antigos: mesmo no antigo Egito, pequenos grupos de músicos tocavam juntos em vários feriados e funerais.
A palavra "orquestra" ("orquestra") vem do nome da plataforma redonda em frente ao palco do antigo teatro grego, que abrigava o antigo coro grego, participante de qualquer tragédia ou comédia. Durante o Renascimento e além XVII No século XX, a orquestra transformou-se em fosso de orquestra e, consequentemente, deu o nome ao grupo de músicos nele instalado.
Existem muitos tipos diferentes de orquestra: orquestras militares de metais e sopros, orquestras de instrumentos folclóricos, orquestras de cordas. A maior em composição e a mais rica em termos de capacidades é a orquestra sinfônica.

sinfônicochamada de orquestra, composta por vários grupos heterogêneos de instrumentos - uma família de cordas, sopro e percussão. O princípio de tal associação desenvolveu-se na Europa em XVIII século. Inicialmente, a orquestra sinfônica incluía grupos instrumentos de arco, instrumentos de sopro de madeira e latão, que se juntavam a alguns instrumentos musicais de percussão. Posteriormente, a composição de cada um desses grupos se expandiu e se diversificou. Atualmente, entre várias variedades de orquestras sinfônicas, costuma-se distinguir entre uma pequena e uma grande orquestra sinfônica. A Pequena Orquestra Sinfônica é uma orquestra de composição predominantemente clássica (tocando música do final do século XVIII - início do século XIX, ou pastiche moderno). É composto por 2 flautas (raramente uma pequena flauta), 2 oboés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 (raramente 4) trompas, por vezes 2 trompetes e tímpanos, grupo de string não mais de 20 instrumentos (5 primeiros e 4 segundos violinos, 4 violas, 3 violoncelos, 2 contrabaixos). A grande orquestra sinfônica (BSO) inclui trombones obrigatórios no grupo de cobre e pode ter qualquer composição. Frequentemente os instrumentos de madeira (flautas, oboés, clarinetes e fagotes) chegam a 5 instrumentos de cada família (às vezes mais clarinetes) e incluem variedades (flautas palheta e alto, oboé cupido e oboé inglês, clarinetes pequenos, altos e baixos, contrafagote). O grupo de cobre pode incluir até 8 trompas (incluindo tubas especiais de Wagner), 5 trompetes (incluindo pequeno, alto, baixo), 3-5 trombones (tenor e tenorbass) e uma tuba. Os saxofones são frequentemente usados ​​(em uma orquestra de jazz, todos os 4 tipos). O grupo de cordas atinge 60 ou mais instrumentos. Os instrumentos de percussão são numerosos (embora tímpanos, sinos, tambores pequenos e grandes, triângulo, pratos e tambores indianos formem sua espinha dorsal), harpa, piano e cravo são frequentemente usados.
Para ilustrar o som da orquestra, usarei a gravação concerto final"Orquestra Sinfônica do YouTube". O show aconteceu em 2011 na cidade australiana de Sydney. EM ao vivo foi assistido na televisão por milhões de pessoas em todo o mundo. A YouTube Symphony é dedicada a promover o amor pela música e mostrar a vasta diversidade criativa da humanidade.

O programa do concerto incluiu obras conhecidas e pouco conhecidas de compositores conhecidos e pouco conhecidos.

Aqui está o programa dele:

Hector Berlioz - Carnaval Romano - Abertura, Op. 9 (com Android Jones - artista digital)
Conheça Maria Chiossi
Percy Grainger - Arrival on a Platform Humlet from in a Nutshell - Suite
Johan Sebastián Bach
Conheça Paulo Calligopoulos - Guitarra elétrica e violino
Alberto Ginastera - Danza del trigo (Wheat Dance) e Danza final (Malambo) do balé Estancia (regido por Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell "idol mio" - Canon em três vozes, K562 (apresentando o Sydney Children's Choir e a soprano Renee Fleming via vídeo)
Conheça a Missa Xiomara - Oboé
Benjamin Britten - Guia para Orquestra para Jovens, Op. 34
William Barton - Kalkadunga (com participação de William Barton - Didgeridoo)
Timothy Constable
Conheça Roman Riedel - Trombone
Richard Strauss - Fanfare for the Vienna Philharmonic (com participação de Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker e regido por Edwin Outwater)
*ESTREIA* Mason Bates - Mothership (composta especialmente para a Orquestra Sinfônica do YouTube 2011)
Conheça Su Chang
Felix Mendelssohn - Concerto para Violino em Mi menor, Op. 64 (Finale) (com Stefan Jackiw e conduzido por Ilyich Rivas)
Conheça Ozgur Baskin - Violino
Colin Jacobsen e Siamak Aghaei - Ascending Bird - Suíte para orquestra de cordas (com Colin Jacobsen, violino, e Richard Tognetti, violino, e Kseniya Simonova - artista de areia)
Conheça Stepan Grytsay - Violino
Igor Stravinsky - O Pássaro de Fogo (Infernal Dance - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (com Eugene Izotov - oboé e Andrew Mariner - clarinete)

História da orquestra sinfônica

A orquestra sinfônica foi formada ao longo dos séculos. seu desenvolvimento por muito tempo aconteceu nas profundezas da ópera e conjuntos de igrejas. Tais equipes em XV - XVII séculos eram pequenos e variados. Eles incluíam alaúdes, violas, flautas com oboés, trombones, harpas e tambores. Gradualmente, os instrumentos de arco de cordas ganharam a posição dominante. As violas foram substituídas por violinos com seu som mais rico e melodioso. De volta ao topo XVIII v. eles já reinavam supremos na orquestra. Um grupo separado e instrumentos de sopro (flautas, oboés, fagotes) se uniram. Da orquestra da igreja, eles mudaram para os trompetes e tímpanos sinfônicos. O cravo era um membro indispensável dos conjuntos instrumentais.
Tal composição era típica de J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi.
do meio XVIII v. gêneros sinfônicos começam a se desenvolver e concerto instrumental. A saída do estilo polifônico levou os compositores a buscarem a diversidade de timbres, o relevo que destaca as vozes orquestrais.
As funções das novas ferramentas estão mudando. O cravo, com seu som fraco, vai perdendo gradativamente seu protagonismo. Logo, os compositores o abandonaram completamente, contando principalmente com o grupo de cordas e sopros. No fim XVIII v. formou-se a chamada composição clássica da orquestra: cerca de 30 cordas, 2 flautas, 2 oboés, 2 fagotes, 2 tubos, 2-3 trompas e tímpanos. O clarinete logo se juntou aos metais. J. Haydn, W. Mozart escreveu para tal composição. Tal é a orquestra nas primeiras composições de L. Beethoven. EM XIX v.
O desenvolvimento da orquestra foi principalmente em duas direções. Por um lado, aumentando a composição, foi enriquecido com instrumentos de vários tipos (o mérito dos compositores românticos, principalmente Berlioz, Liszt, Wagner, é ótimo para isso), por outro lado, as capacidades internas da orquestra se desenvolveram: as cores sonoras ficaram mais limpas, a textura mais clara, os recursos expressivos são mais econômicos (como é a orquestra de Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov). Enriqueceu significativamente a paleta orquestral e muitos compositores do final XIX - 1ª metade do XX v. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich e outros).

Composição da orquestra sinfônica

Uma orquestra sinfônica moderna consiste em 4 grupos principais. A base da orquestra é um grupo de cordas (violinos, violas, violoncelos, contrabaixos). Na maioria dos casos, as cordas são as principais portadoras do início melódico da orquestra. O número de músicos tocando cordas é de aproximadamente 2/3 de toda a banda. O grupo de instrumentos de sopro inclui flautas, oboés, clarinetes, fagotes. Cada um deles geralmente tem um partido independente. Cedendo aos de arco em saturação de timbre, propriedades dinâmicas e uma variedade de técnicas de execução, os instrumentos de sopro têm grande potência, som compacto, matizes coloridos brilhantes. O terceiro grupo de instrumentos de orquestra são os metais (trompa, trompete, trombone, trompete). Eles trazem novas cores vivas para a orquestra, enriquecendo suas capacidades dinâmicas, dando potência e brilho ao som, além de servirem como contrabaixo e suporte rítmico.
Todos maior valor adquirir instrumentos de percussão em uma orquestra sinfônica. Sua principal função é rítmica. Além disso, criam um fundo sonoro e sonoro especial, complementam e decoram a paleta orquestral com efeitos de cores. De acordo com a natureza do som, os tambores são divididos em 2 tipos: alguns têm um certo tom (tímpanos, sinos, xilofone, sinos, etc.), outros não têm um tom exato (triângulo, pandeiro, tambor pequeno e grande, pratos) . Dos instrumentos que não fazem parte dos grupos principais, o papel da harpa é o mais significativo. Ocasionalmente, os compositores incluem celesta, piano, saxofone, órgão e outros instrumentos da orquestra.
Mais informações sobre os instrumentos de uma orquestra sinfônica - grupo de cordas, sopros, metais e percussão podem ser encontradas em site.
Não posso ignorar outro site útil, "Children about Music", que descobri durante a preparação do post. Não precisa se intimidar com o fato de ser um site para crianças. Há algumas coisas bem sérias nele, contadas apenas em uma linguagem mais simples e compreensível. Aqui link nele. A propósito, também contém uma história sobre uma orquestra sinfônica.

Ao longo de sua história, milhares e milhares de anos, a humanidade criou instrumentos musicais e os combinou em várias combinações. Mas foi apenas cerca de quatrocentos anos atrás que essas combinações de instrumentos se desenvolveram em uma forma já próxima à de uma orquestra moderna.

Antigamente, quando os músicos se reuniam para tocar, usavam os instrumentos que estivessem por perto. Se houvesse três tocadores no alaúde, dois na harpa e dois na flauta, era assim que eles tocavam. No início do século XVI, uma era conhecida como Renascimento, a palavra "ensemble" era usada para se referir a um grupo de músicos, às vezes cantores, que executavam música juntos ou "em um conjunto".

Compositores início do renascimento eles geralmente não especificavam para qual instrumento escreveram a parte. Isso significava que as partes podiam ser tocadas em qualquer instrumento disponível. Mas no início do século XVII, na Itália, o compositor Claudio Monteverdi escolheu quais instrumentos deveriam acompanhar sua ópera Orfeu (1607), e indicou exatamente para quais instrumentos as partes foram escritas: quinze violas de vários tamanhos, dois violinos, quatro flautas ( dois grandes e dois médios), dois oboés, duas cornetas (pequenas flautas de madeira), quatro trompetes, cinco trombones, uma harpa, dois cravos e três pequenos órgãos.

Como visto, " orquestra renascentista“Monteverdi já se parecia com o que imaginávamos que fosse uma orquestra: os instrumentos são organizados em grupos, são muitos instrumentos de corda com arco, uma grande variedade.

No século seguinte (até 1700, época de J.S. Bach), a orquestra se desenvolveu ainda mais. A família dos violinos (violino, viola, violoncelo e baixo) substituiu as violas, na orquestra barroca a família dos violinos era muito mais representativa do que as violas na orquestra renascentista. A liderança musical na orquestra barroca era realizada pelos teclados, os músicos que tocavam o cravo ou às vezes o órgão atuavam como líderes. Quando J.S. Bach trabalhava com uma orquestra, ele sentava-se ao órgão ou cravo e conduzia a orquestra de seu assento.

Na era barroca, um maestro musical às vezes regia uma orquestra em pé, mas essa ainda não era a regência que conhecemos hoje. Jean-Baptiste Lully, que estava encarregado da música na corte do rei francês em 1600, costumava marcar o ritmo para seus músicos com uma longa vara no chão, mas um dia ele acidentalmente machucou a perna, desenvolveu gangrena, e ele morreu!

No século XIX seguinte, época de Haydn e Beethoven, houve mudanças ainda mais profundas na orquestra. Instrumentos de arco de cordas tornaram-se mais importantes do que nunca, e instrumentos de teclado pelo contrário, eles foram para as sombras. Os compositores começaram a escrever para um instrumento musical específico. Isso significava conhecer a voz de cada instrumento, entender que tipo de música soaria melhor e seria mais fácil de tocar no instrumento escolhido. Os compositores tornaram-se mais livres e até mesmo aventureiros na combinação de instrumentos para produzir sons e tons mais ricos e variados.

O primeiro violinista (ou acompanhante) dirigia de sua cadeira a execução da orquestra, mas às vezes tinha que dar instruções com gestos e, para ser melhor visualizado, primeiro usava uma folha comum de papel branco enrolada em um tubo. Isso levou ao surgimento da batuta do maestro moderno. No início de 1800, compositores-maestros como Carl Maria von Weber e Felix Mendelssohn foram os primeiros a liderar músicos de um pódio no centro em frente à orquestra.

À medida que as orquestras se tornavam cada vez maiores, nem todos os músicos podiam ver e seguir o acompanhante. No final do século XIX, a orquestra atingiu o tamanho e as proporções que conhecemos hoje e até ultrapassou as modernas. Alguns compositores, como Berlioz, começaram a compor música apenas para grandes orquestras.

O design, a construção e a qualidade dos instrumentos musicais têm sido constantemente aprimorados, criados novos instrumentos musicais que encontraram seu lugar na orquestra, como flautim (piccolo) e trompete. Muitos compositores, incluindo Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler e Richard Strauss, tornaram-se regentes. A sua experimentação com a orquestração (a arte de distribuir o material musical entre os instrumentos de uma orquestra de forma a tirar o máximo proveito de cada instrumento) abriu caminho para o século XX.

Wagner foi ainda mais longe, projetou e fabricou um trompete baixo ( wagner trompete), combinando elementos de corneta e trompete para introduzir um som novo e especial à sua ópera imortal Der Ring des Nibelungen. Ele também foi o primeiro maestro a virar as costas para o público para melhor controlar a orquestra. Em uma de suas sinfonias, Strauss escreveu parte para chifre alpino, um instrumento folclórico de madeira com 3,6 metros de comprimento. Agora o chifre alpino está sendo substituído por um cachimbo. Arnold Schoenberg criou sua obra "Songs Gurre" (Gurrelieder) para orquestra com 150 instrumentos.

O século 20 foi um século de liberdade e novas experiências com a orquestra. Os maestros se tornaram pessoas completamente individuais e suas próprias superestrelas surgiram entre eles. A responsabilidade aumentou muitas vezes, mas o reconhecimento do público também.

A base da orquestra era como era no final do século 19, e os compositores às vezes acrescentavam ou retiravam instrumentos, dependendo do efeito que desejavam. Às vezes era um grupo extremamente extenso de instrumentos de percussão ou sopros e metais. Mas a composição da orquestra tornou-se fixa e basicamente permanece constante: um grande grupo de instrumentos de arco e pequenos grupos de instrumentos de sopro, percussão, harpas e teclado.

Depois de tantos anos, ainda funciona!

, violoncelos , contrabaixos . Reunidos, nas mãos de músicos experientes, sujeitos à vontade do maestro, formam um instrumento musical capaz de expressar e transmitir com sons qualquer conteúdo musical, qualquer imagem, qualquer pensamento. Muitas combinações de instrumentos da orquestra fornecem um conjunto quase inesgotável de sons diversos - de estrondosos, ensurdecedores a quase inaudíveis, de agudos agudos a acariciantes suaves. E acordes de vários andares de qualquer complexidade, e plexos padronizados e sinuosos de ornamentos melódicos heterogêneos, e tecido fino como teia de aranha, pequenos "cacos" sonoros quando, de acordo com expressão figurativa S. S. Prokofiev, “como se estivessem espanando a orquestra”, e poderosos uníssonos de muitos instrumentos tocando simultaneamente os mesmos sons - tudo isso está sujeito à orquestra. Qualquer um dos grupos orquestrais - cordas, sopros, percussão, dedilhado, teclado - é capaz de se separar dos demais e conduzir sua própria narração musical enquanto os demais se calam; mas todos eles completamente, parcialmente ou como representantes individuais, fundindo-se com outro grupo ou parte dele, formam uma complexa liga de timbres. Por mais de dois séculos, os pensamentos mais queridos dos compositores, os marcos mais brilhantes na história da arte dos sons, estiveram ligados à música concebida, escrita e às vezes até arranjada para uma orquestra sinfônica.

Arranjo de instrumentos musicais de uma orquestra sinfônica.

Todo mundo que ama música conhece e lembra os nomes de J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi , P. I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin. M. P. Mussorgsky , S. V. Rachmaninov , A. K. Glazunov , I. F. Stravinsky , S. S. Prokofiev , N. Ya. Myaskovsky , D. D. Shostakovich , A. I. Khachaturian , K. Debussy, M. Ravel, B. Bartok e outros mestres cujas sinfonias, suítes, aberturas, poemas sinfônicos , pinturas, fantasias, concertos instrumentais acompanhados por orquestra e, finalmente, cantatas, oratórios, óperas e balés são escritos para uma orquestra sinfônica ou envolvem sua participação. A capacidade de escrever para ele é a área mais alta e complexa da arte da composição musical, exigindo profundo conhecimento especial, ampla experiência, prática e, o mais importante - especial habilidade musical, superdotação, talento.

A história do surgimento e desenvolvimento de uma orquestra sinfônica é a história da reestruturação gradual do antigo e da invenção de novos instrumentos, um aumento em sua composição, a história do aprimoramento das formas como as combinações de instrumentos são usadas, ou seja, a história daquela área da ciência musical que se chama orquestração ou instrumentação e, por fim, a história da música sinfônica, da ópera, do oratório. Todos esses quatro termos, os quatro lados do conceito de "orquestra sinfônica", estão intimamente relacionados. A influência de um sobre o outro foi e ainda é diversa.

A palavra "orquestra" na Grécia Antiga significava uma área semicircular em frente ao palco do teatro, onde ficava o coro - participante indispensável nas apresentações dramáticas da época de Esquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes. Por volta de 1702, esta palavra denotou pela primeira vez um pequeno espaço destinado a um conjunto de instrumentistas que acompanhavam a ópera. Os chamados grupos instrumentais na música de câmara. Em meados do século XVIII. introduziu uma distinção decisiva para a história da orquestra - uma grande orquestra se opôs à pequena música de câmara - um conjunto. Até então, não havia uma linha clara entre música de câmara e música orquestral.

O conceito de "orquestra sinfônica" surgiu na era do classicismo, quando K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart viveram e trabalharam. Já surgiu depois que os compositores começaram a escrever com precisão nas notas os nomes de cada instrumento que tocava esta ou aquela voz, esta ou aquela linha musical. Já no início do século XVII. K. Monteverdi em "Orpheus" antes de cada número listava apenas os instrumentos que poderiam executá-lo. A questão de quem deveria jogar qual linha permaneceu em aberto. Portanto, em qualquer um dos 40 casas de ópera em Veneza, sua terra natal, uma performance de Orfeu podia ser diferente de outra. J. B. Lully, compositor, violinista, maestro, foi provavelmente o primeiro a escrever para um conjunto específico de instrumentos, para os chamados "24 Violinos do Rei" - um conjunto de cordas formado na corte de Luís XIV e liderado pelo próprio Lully . Ele tinha a voz superior do grupo de cordas também apoiada por oboés e a voz inferior por fagotes. Oboés e fagotes sem cordas, em contraste com a composição completa, participaram das seções intermediárias de suas composições.

Ao longo do século XVII e a primeira metade do século XVIII. a base inicial da orquestra é formada - o grupo de cordas. Gradualmente, são adicionados representantes da família dos ventos - flautas, oboés e fagotes e, em seguida, trompas. O clarinete entrou na orquestra muito mais tarde devido à sua extrema imperfeição na época. M. I. Glinka em suas "Notas sobre Instrumentação" chama o som do clarinete de "ganso". Ainda grupo de vento como parte de flautas, oboés, clarinetes e trompas (dois ao todo) aparece na Sinfonia de Praga de Mozart, e antes disso com seu contemporâneo francês, F. Gossec. Nas Sinfonias de Londres de Haydn e nas primeiras sinfonias de L. Beethoven, aparecem dois trompetes, assim como tímpanos. No século 19 o grupo de sopro na orquestra é ainda mais aprimorado. Pela primeira vez na história da música orquestral, uma flauta flautim, um contrafagote e três trombones, antes usados ​​apenas em óperas, participam do final da 5ª sinfonia de Beethoven. R. Wagner acrescenta outra tuba e eleva o número de tubos para quatro. Wagner é principalmente um compositor operístico, mas ao mesmo tempo é considerado um notável sinfonista e reformador da orquestra sinfônica.

O desejo dos compositores dos séculos XIX-XX. O enriquecimento da paleta sonora levou à introdução na orquestra de uma série de instrumentos com capacidades técnicas e tímbricas especiais.

PARA final do século XIX v. a composição da orquestra é levada a proporções impressionantes e às vezes gigantescas. Assim, a 8ª sinfonia de Mahler não é acidentalmente chamada de "a sinfonia de mil participantes". Nas telas sinfônicas e óperas de R. Strauss, aparecem inúmeras variedades de instrumentos de sopro: flautas alto e baixo, oboé barítono (haeckelphone), clarinete pequeno, clarinete contrabaixo, tubos alto e baixo, etc.

No século XX. a orquestra é reabastecida principalmente com instrumentos de percussão. Antes disso, os membros habituais da orquestra eram 2–3 tímpanos, pratos, baixo e caixa, um triângulo, com menos frequência um pandeiro e tom-toms, sinos, um xilofone. Agora os compositores usam um conjunto de sinos orquestrais que dão uma escala cromática, a celesta. Eles introduzem na orquestra instrumentos como flexatone, sinos, castanholas espanholas, uma caixa de madeira barulhenta, um chocalho, um estalo de chicote (seu golpe é como um tiro), uma sirene, máquinas de vento e trovão, até mesmo o canto de um rouxinol gravado em disco especial (foi usado V poema sinfônico Compositor italiano O. Respighi "Os Pinheiros de Roma").

Na segunda metade do século XX. do jazz à orquestra sinfônica vêm instrumentos de percussão como vibrafone, tomtons, bongôs, combinados bateria- com "Charleston" ("hi-hat"), maracas.

Quanto aos grupos de cordas e sopros, sua formação em 1920 estava basicamente concluída. A orquestra às vezes inclui representantes individuais do grupo de saxofone (nas obras de Wiese, Ravel, Prokofiev), uma banda de metais (cornetas de Tchaikovsky e Stravinsky), cravo, domra e balalaica, violão, bandolim, etc. para composições parciais de uma orquestra sinfônica: para cordas sozinhas, para cordas e metais, para um grupo de sopros sem cordas e percussão, para cordas com percussão.

Compositores do século XX escrever muita música para orquestra de câmara. É composto por 15-20 cordas, uma madeira cada, uma ou duas trompas, um grupo de percussão com um intérprete, uma harpa (em vez dela pode haver um piano ou cravo). A par destas surgem obras para um conjunto de solistas, onde existe um representante de cada casta (ou de alguma delas). Tais são as sinfonias de câmara e peças de A. Schoenberg, A. Webern, a suíte de Stravinsky "A História de um Soldado", as obras de compositores soviéticos - nossos contemporâneos M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov e outros. Cada vez mais, os autores se voltam para composições incomuns ou, como dizem, emergenciais. Necessitam de sonoridades inusitadas, raras, pois o papel do timbre na Música contemporânea cresceu como nunca antes.

No entanto, para ter sempre a oportunidade de tocar música, tanto antiga como nova, e recente, a composição da orquestra sinfónica mantém-se estável. A orquestra sinfônica moderna é subdividida em grande orquestra sinfônica (cerca de 100 músicos), média (70 a 75), pequena (50 a 60). Com base em uma grande orquestra sinfônica, é possível selecionar para cada obra a composição necessária para sua execução: uma para “Oito canções folclóricas russas” de A.K. » Stravinsky ou o ardente Bolero de Ravel.

Como são os músicos no palco? Nos séculos XVIII-XIX. os primeiros violinos ficavam à esquerda do maestro e os segundos à direita, as violas ficavam atrás dos primeiros violinos e os violoncelos atrás do segundo. Atrás do grupo de cordas, eles se sentaram em fileiras: na frente do grupo de sopros e atrás dele o grupo de metais. Os contrabaixos estavam localizados ao fundo, à direita ou à esquerda. O resto do espaço foi dedicado a harpas, celesta, piano e percussão. Em nosso país, os músicos sentam-se de acordo com o esquema introduzido em 1945 pelo maestro americano L. Stokowski. De acordo com esse esquema, os violoncelos são colocados em primeiro plano, em vez dos segundos violinos à direita do maestro; seu antigo lugar agora é ocupado pelos segundos violinos.

Uma orquestra sinfônica é dirigida por um maestro. Ele une os músicos da orquestra e direciona todos os seus esforços para a realização de seu plano de atuação durante os ensaios e no concerto. A condução é baseada em um sistema de movimento de mão especialmente projetado. O maestro geralmente segura uma batuta na mão direita. O papel mais importante é desempenhado por seu rosto, aparência, expressões faciais. O maestro deve ser uma pessoa altamente educada. Ele precisa de conhecimento de música de várias épocas e estilos, instrumentos de orquestra e suas capacidades, ouvido aguçado, capacidade de penetrar profundamente na intenção do compositor. O talento do intérprete deve ser combinado com suas habilidades organizacionais e pedagógicas.

• fundo
• gêneros orquestrais e formulários
• Capela de Mannheim
• músicos da corte

fundo

Desde os tempos antigos, as pessoas sabem sobre o impacto do som de instrumentos musicais no humor humano: o toque suave, mas melodioso de uma harpa, lira, cítara, kemancha ou flauta de palheta evocava sentimentos de alegria, amor ou paz, e o som de chifres de animais (por exemplo, shofars hebraicos) ou tubos de metal contribuíram para o surgimento de solenidades e sentimentos religiosos. Os tambores e outras percussões, somados às trompas e trombetas, ajudaram a enfrentar o medo e despertaram a agressividade e a militância. Há muito se percebe que a execução conjunta de vários instrumentos semelhantes aumenta não apenas o brilho do som, mas também o impacto psicológico no ouvinte - o mesmo efeito que ocorre quando um grande número de pessoas canta a mesma melodia juntas. Portanto, onde quer que as pessoas se instalassem, gradualmente começaram a surgir associações de músicos, acompanhando com suas apresentações batalhas ou eventos solenes públicos: rituais no templo, casamentos, enterros, coroações, desfiles militares, diversões nos palácios.

As primeiras referências escritas a tais associações podem ser encontradas no Pentateuco de Moisés e nos Salmos de Davi: no início de alguns salmos há um apelo ao líder do coro com uma explicação de quais instrumentos devem ser usados ​​para acompanhar este ou aquele texto. Havia grupos de músicos na Mesopotâmia e nos faraós egípcios, na antiga China e Índia, Grécia e Roma. Na antiga tradição grega de representar tragédias, havia plataformas especiais nas quais os músicos se sentavam, acompanhando as apresentações de atores e dançarinos tocando instrumentos. Essas elevações de plataforma eram chamadas de "orquestra". Assim, a patente para a invenção da palavra "orquestra" permanece com os antigos gregos, embora na verdade as orquestras existissem muito antes.

Afresco de uma vila romana em Boscoreal. 50-40 aC e. O Museu Metropolitano de Arte

Na cultura da Europa Ocidental, a associação de músicos como orquestra não começou a ser chamada imediatamente. No início, na Idade Média e no Renascimento, era chamada de capela. Este nome foi associado a pertencer a um local específico onde a música era executada. Essas capelas foram a primeira igreja e depois o tribunal. E também havia capelas de aldeia, compostas por músicos amadores. Essas capelas foram praticamente um fenômeno de massa. E embora o nível dos artistas da aldeia e seus instrumentos não pudesse ser comparado com o tribunal profissional e as capelas do templo, não se deve subestimar a influência da tradição da aldeia e, posteriormente, da música instrumental folclórica urbana sobre grandes compositores e a cultura musical européia como um todo. A música de Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti é literalmente fertilizada pelas tradições de fazer música instrumental popular.

Assim como nas culturas mais antigas, na Europa não havia uma divisão inicial entre música vocal e música instrumental. A partir do início da Idade Média, a igreja cristã dominou tudo, e a música instrumental na igreja se desenvolveu como acompanhamento, suporte para a palavra evangélica, que sempre dominou - afinal, “no princípio era o Verbo”. Portanto, as primeiras capelas são tanto pessoas que cantam quanto pessoas que acompanham os cantores.

Em algum momento, a palavra "orquestra" aparece. Embora não em todos os lugares ao mesmo tempo. Na Alemanha, por exemplo, esta palavra foi estabelecida muito mais tarde do que nos países românicos. Na Itália, a orquestra sempre significou a parte instrumental e não a parte vocal da música. A palavra orquestra foi emprestada diretamente da tradição grega. As orquestras italianas surgiram na virada dos séculos 16 para 17, junto com o advento do gênero ópera. E por causa da extraordinária popularidade desse gênero, essa palavra conquistou rapidamente o mundo inteiro. Assim, é seguro dizer que a música orquestral contemporânea tem duas fontes: o templo e o teatro.

missa de natal. Miniatura do Magnífico Livro de Horas do Duque de Berry pelos irmãos Limburg. Século 15 EM. 65/1284, fol. 158r / Museu Conde / Wikimedia Commons

E na Alemanha por muito tempo eles mantiveram o nome do renascimento medieval de "capela". Até o século 20, muitas orquestras da corte alemã eram chamadas de capelas. Uma das orquestras mais antigas do mundo hoje é a capela do estado saxão (e no passado - a corte saxônica) em Dresden. Sua história remonta a mais de 400 anos. Ela apareceu na corte dos Eleitores Saxões, que sempre apreciaram o belo e estavam à frente de todos os seus vizinhos nesse aspecto. Ainda existem as Capelas Estaduais de Berlim e Weimar, além da famosa Capela do Tribunal de Meiningen, na qual Richard Strauss começou como maestro (atualmente maestro). A propósito, a palavra alemã "kapellmeister" (mestre de capela) ainda hoje é usada às vezes por músicos como equivalente à palavra "regente", mas mais frequentemente em um sentido irônico, às vezes até negativo (no sentido de um artesão, não é artista). E naquela época, essa palavra era pronunciada com respeito, como nome de uma profissão complexa: "o líder de um coro ou orquestra, que também compõe música". É verdade que em algumas orquestras alemãs essa palavra foi preservada como uma designação da posição - por exemplo, na Orquestra Gewandhaus de Leipzig, o maestro principal ainda é chamado de Gewandhaus Kapellmeister.

Séculos XVII-XVIII: a orquestra como decoração da corte

Luís XIV no Royal Ballet of the Night de Jean Baptiste Lully. Esboço de Henri de Gisset. 1653 Na produção, o rei fez o papel do sol nascente. Wikimedia Commons

As orquestras renascentistas e, mais tarde, as orquestras barrocas, eram principalmente da corte ou eclesiásticas. Seu propósito era acompanhar a adoração ou apaziguar e entreter os que estavam no poder. No entanto, muitos governantes feudais tinham um senso estético bastante desenvolvido e, além disso, gostavam de se exibir. Alguém se gabava do exército, alguém - de arquitetura bizarra, alguém projetava jardins e alguém mantinha um teatro ou orquestra da corte.

O rei francês Luís XIV, por exemplo, tinha duas dessas orquestras: o Ensemble of the Royal Stables, que consistia em instrumentos de sopro e percussão, e os chamados "24 violinos do rei", liderados por compositor famoso Jean Baptiste Lully, que também colaborou com Moliere e entrou para a história como o criador da ópera francesa e o primeiro maestro profissional. Mais tarde, o rei inglês Carlos II (filho do executado Carlos I), voltando da França durante a Restauração da monarquia em 1660, também criou seus "24 Violinos do Rei" na Capela Real de acordo com o modelo francês. A própria Capela Real existe desde o século 14 e atingiu seu auge durante o reinado de Elizabeth I - seus organistas da corte eram William Bird e Thomas Tallis. E na corte de Carlos II, o brilhante compositor inglês Henry Purcell serviu, combinando o cargo de organista na Abadia de Westminster e na Capela Real. Nos séculos 16 a 17, na Inglaterra, havia outro nome específico para uma orquestra, geralmente pequena - "consort". No final da era barroca, a palavra "consort" caiu em desuso, e em seu lugar surgiu o conceito de música de câmara, ou seja, música de "quarto".

Traje de guerreiro do Royal Ballet of the Night. Esboço de Henri de Gisset. 1653 Wikimedia Commons

As formas barrocas de entretenimento estavam se tornando final do século XVII- início do século XVIII, cada vez mais luxuoso. E já não era possível gerir com um pequeno número de ferramentas - os clientes queriam "maiores e mais caros". Embora, claro, tudo dependesse da generosidade do “ilustre patrono”. Se Bach foi forçado a escrever cartas a seus mestres, persuadindo-os a alocar pelo menos dois ou três violinos por parte instrumental, então em Handel, ao mesmo tempo, 24 oboístas, 12 fagotistas, 9 trompistas participaram da primeira apresentação de "Music for the Royal Fireworks" , 9 trompetistas e 3 tocadores de tímpanos (ou seja, 57 músicos para 13 partes prescritas). E na execução do "Messias" de Handel em Londres em 1784, 525 pessoas participaram (embora este evento pertença a uma época posterior, quando o autor da música não estava mais vivo). A maioria dos autores barrocos escreveu óperas, e a orquestra de ópera teatral sempre foi uma espécie de laboratório criativo para compositores - um lugar para todos os tipos de experimentos, inclusive com instrumentos incomuns. Assim, por exemplo, no início do século XVII, Monteverdi introduziu uma parte de trombone na orquestra de sua ópera Orfeo, uma das primeiras óperas da história, a retratar as fúrias infernais.

Desde a época da Camerata florentina (virada dos séculos XVI-XVII), em qualquer orquestra havia uma parte do baixo contínuo, que era tocada por todo um grupo de músicos e gravada em uma linha na clave de fá. Os números abaixo da linha do baixo denotavam certas sequências harmônicas - e os intérpretes tinham que improvisar toda a textura musical e decorações, ou seja, criar de novo a cada apresentação. Sim, e a composição variava de acordo com os instrumentos à disposição de uma determinada capela. A presença de um instrumento de teclado, na maioria das vezes o cravo, era obrigatória. música de igreja este instrumento era na maioria das vezes o órgão; um arco de cordas - violoncelo, viola da gamba ou violone (o precursor do contrabaixo moderno); um alaúde ou teorba de cordas dedilhadas. Mas aconteceu que no grupo de baixo contínuo seis ou sete pessoas tocavam ao mesmo tempo, incluindo vários cravos (Purcell e Rameau tinham três ou quatro deles). No século 19, teclados e instrumentos dedilhados desapareceram das orquestras, mas reapareceram no século 20. E desde a década de 1960, tornou-se possível usar quase qualquer instrumento do mundo em uma orquestra sinfônica - flexibilidade quase barroca na abordagem da instrumentação. Assim, podemos considerar que o barroco deu origem à orquestra moderna.

Instrumentação, estrutura, notação

Miniatura do Comentário sobre o Apocalipse de Beat de Lieban na lista do mosteiro de San Millan de la Cogoglia. 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón y de San Millán de la Cogolla

A palavra "orquestra" para o ouvinte moderno provavelmente está associada a trechos da música de Beethoven, Tchaikovsky ou Shostakovich; com aquele som massivamente monumental e ao mesmo tempo suavizado, que ficou na nossa memória ao ouvir orquestras modernas - ao vivo e em gravações. Mas as orquestras nem sempre soaram assim. Dentre as muitas diferenças entre as orquestras antigas e as modernas, a principal delas são os instrumentos utilizados pelos músicos. Em particular, todos os instrumentos soavam muito mais silenciosos do que os modernos, já que as salas em que a música era tocada eram (geralmente) muito menores do que as modernas. salas de concerto. E não havia buzinas de fábrica, nem turbinas nucleares, nem motores de combustão interna, nem aeronaves supersônicas - o som geral da vida humana era várias vezes mais silencioso do que hoje. Seu volume ainda era medido por fenômenos naturais: o rugido de animais selvagens, o trovão durante as tempestades, o barulho de cachoeiras, o crepitar de árvores caindo ou o estrondo de uma queda de montanha e o rugido da multidão na praça da cidade em uma feira dia. Portanto, a música poderia competir em brilho apenas com a própria natureza.

As cordas que eram amarradas nos instrumentos de corda eram feitas de tendão de boi (hoje são de metal), os arcos eram menores, mais leves e com formato ligeiramente diferente. Devido a isso, o som das cordas era "mais quente", mas menos "suavizado" do que hoje. De madeira instrumentos de vento não tinha todas as válvulas modernas e outros dispositivos técnicos que permitem tocar com mais confiança e precisão. Os sopros da época soavam mais individuais em termos de timbres, às vezes um tanto desafinados (tudo dependia da habilidade do intérprete) e várias vezes mais silenciosos que os modernos. Os instrumentos de sopro de sopro eram todos completamente naturais, ou seja, podiam produzir apenas os sons de uma escala natural, que na maioria das vezes eram suficientes apenas para tocar uma fanfarra curta, mas não uma melodia extensa. A pele de animal foi esticada sobre tambores e tímpanos (essa prática ainda existe hoje, embora instrumentos de percussão com membranas plásticas tenham aparecido há muito tempo).

A ordem da orquestra era geralmente menor do que hoje - em média meio tom e às vezes um tom inteiro. Mas mesmo aqui não havia uma regra única: o sistema tonal para a primeira oitava (segundo a qual a orquestra é tradicionalmente afinada) na corte de Luís XIV era 392 na escala Hertz. Na corte de Carlos II, eles afinaram Lá de 400 a 408 hertz. Ao mesmo tempo, os órgãos dos templos costumavam ser afinados em um tom mais alto do que os cravos que ficavam nas câmaras do palácio (talvez isso se devesse ao aquecimento, já que os instrumentos de corda sobem afinados com o calor seco e, ao contrário, diminuem do frio; os instrumentos de sopro geralmente têm tendência reversa). Portanto, na época de Bach, havia dois sistemas principais: o chamado kammer-ton (moderno "diapasão" - uma palavra derivada dele), ou seja, "sistema de sala" e orgel-ton, ou seja , "sistema de órgão" (também conhecido como "tom coral"). E a afinação da sala para A era de 415 hertz, enquanto a afinação do órgão era sempre mais alta e às vezes chegava a 465 hertz. E se os compararmos com a afinação de concerto moderna (440 hertz), o primeiro acaba sendo meio tom mais baixo e o segundo meio tom mais alto que o moderno. Assim, em algumas cantatas de Bach, escritas tendo em vista o sistema de órgãos, o autor escreveu as partes dos instrumentos de sopro imediatamente em transposição, ou seja, meio tom acima da parte do coro e do baixo contínuo. Isso se devia ao fato de que os instrumentos de sopro, utilizados principalmente na música de câmara da corte, não eram adaptados à afinação mais alta do órgão (flautas e oboés podiam até ser um pouco mais baixos que o camertone e, portanto, também havia um terceiro - camertone baixo). tom). E se, sem saber disso, hoje você tentar tocar tal cantata literalmente a partir das notas, obterá uma cacofonia que o autor não pretendia.

Essa situação de sistemas "flutuantes" persistiu no mundo até a Segunda Guerra Mundial, ou seja, não só em países diferentes, mas em diferentes cidades do mesmo país, os sistemas podem diferir significativamente entre si. Em 1859, o governo francês fez a primeira tentativa de padronizar a afinação ao emitir uma lei aprovando a afinação de A - 435 hertz, mas em outros países as afinações continuaram sendo extremamente diferentes. E só em 1955 organização Internacional Na padronização, a lei sobre a afinação de concerto de 440 hertz foi adotada até hoje.

Heinrich Ignaz Biber. Gravura de 1681 Wikimedia Commons

Autores barrocos e clássicos também realizaram outras operações no campo da afinação, relacionadas à música para instrumentos de corda. Estamos falando de uma técnica chamada "scordatura", ou seja, "afinar as cordas". Ao mesmo tempo, algumas cordas, digamos violinos ou violas, foram afinadas em um intervalo diferente e atípico para o instrumento. Graças a isso, o compositor teve a oportunidade de utilizar, dependendo da tonalidade da composição, um maior número de cordas soltas, o que levou a uma melhor ressonância do instrumento. Mas essa scordatura era frequentemente gravada não em som real, mas em transposição. Portanto, sem a preparação preliminar do instrumento (e do intérprete), tal composição é impossível de ser executada adequadamente. Um exemplo famoso de scordatura é o ciclo de sonatas para violino de Heinrich Ignaz Bieber, Rosário (Mistérios) (1676).

No Renascimento e no início do Barroco, a gama de modos e, mais tarde, as tonalidades em que os compositores podiam compor era limitada por uma barreira natural. O nome dessa barreira é vírgula pitagórica. O grande cientista grego Pitágoras foi o primeiro a sugerir instrumentos de afinação de acordo com uma quinta pura - um dos primeiros intervalos da escala natural. Mas descobriu-se que, se você afinar instrumentos de cordas dessa maneira, depois de passar por um círculo completo de quintas (quatro oitavas), a nota dó sustenido soa muito mais alta em dó. E desde os tempos antigos, músicos e cientistas tentaram encontrar um sistema ideal de afinação de instrumentos, no qual essa falha natural da escala natural - sua desigualdade - pudesse ser superada, o que permitiria o uso igual de todas as tonalidades.

Cada época tinha seus próprios sistemas de ordem. E cada um dos sistemas tinha características próprias, que parecem falsas aos nossos ouvidos acostumados ao som dos pianos modernos. Desde o início do século XIX, todos os instrumentos de teclado foram afinados em uma escala uniforme, dividindo uma oitava em 12 semitons perfeitamente iguais. A afinação uniforme é um compromisso muito próximo do espírito moderno, que permitiu resolver de vez o problema da vírgula pitagórica, mas sacrificando a beleza natural do som de terças e quintas puras. Ou seja, nenhum dos intervalos (exceto a oitava) tocados por um piano moderno corresponde à escala natural. E em todos os numerosos sistemas de afinação que existem desde o final da Idade Média, um certo número de intervalos puros foi preservado, devido ao qual todas as teclas receberam um som nitidamente individual. Mesmo após a invenção do bom temperamento (ver Cravo Bem Temperado de Bach), que possibilitou o uso de todas as teclas do cravo ou órgão, as próprias teclas ainda mantinham sua coloração individual. Daí o surgimento da teoria dos afetos, fundamental para a música barroca, segundo a qual toda meio de expressão- melodia, harmonia, ritmo, andamento, textura e a própria escolha da tonalidade estão inseparavelmente ligados a estados emocionais específicos. Além disso, a mesma tonalidade pode, dependendo da utilizada em este momento construindo para soar pastoral, inocente ou sensual, solenemente triste ou demonicamente intimidador.

Para o compositor, a escolha de uma tonalidade ou de outra estava inextricavelmente ligada a um certo conjunto de emoções até a virada dos séculos XVIII para XIX. Além disso, se para Haydn Ré maior soava como “majestosa ação de graças, militância”, para Beethoven soava como “dor, angústia ou uma marcha”. Haydn associava Mi maior a "pensamentos de morte" e, para Mozart, significava "transcendência sublime e solene" (todos esses epítetos são citações dos próprios compositores). Portanto, entre as virtudes obrigatórias dos músicos que executam música antiga está um sistema multidimensional de conhecimento musical e cultural geral, que permite reconhecer a estrutura emocional e os "códigos" composições diferentes vários autores e, ao mesmo tempo, a capacidade de implementá-lo tecnicamente no jogo.

Além disso, também há problemas com a notação: os compositores dos séculos 17 a 18 registraram deliberadamente apenas parte das informações relacionadas à próxima execução da obra; fraseado, nuance, articulação e principalmente decoração requintada - parte integrante da estética barroca - tudo isso foi deixado à livre escolha dos músicos, que assim se tornaram co-criadores do compositor, e não apenas executores obedientes de sua vontade. Portanto, uma performance verdadeiramente magistral de música barroca e clássica antiga em instrumentos antigosé uma tarefa não menos (se não mais) difícil do que a masterização virtuosa da música posterior em instrumentos modernos. Quando, há mais de 60 anos, surgiram os primeiros entusiastas de tocar instrumentos antigos (“autenticistas”), eles frequentemente eram recebidos com hostilidade entre seus colegas. Isso se deveu em parte à inércia dos músicos da escola tradicional e em parte à habilidade insuficiente dos próprios pioneiros da autenticidade musical. Nos círculos musicais, havia uma espécie de atitude condescendentemente irônica em relação a eles como perdedores que não encontraram um uso melhor para si mesmos do que publicar falsos balidos melancólicos em “madeira murcha” (sopros de madeira) ou “sucata enferrujada” (sopros de sopro). E essa atitude (certamente infeliz) persistiu até recentemente, até que ficou claro que o nível de tocar em instrumentos antigos cresceu tanto nas últimas décadas que, pelo menos no campo do barroco e dos primeiros clássicos, os autenticistas há muito alcançaram e superou as orquestras modernas de som mais monótono e pesado.

Gêneros e formas orquestrais

Fragmento de um retrato de Pierre Moucheron com sua família. Autor desconhecido. 1563 Rijksmuseum Amsterdam

Assim como a palavra "orquestra" nem sempre significou o que queremos dizer com ela hoje, as palavras "sinfonia" e "concerto" originalmente tinham significados ligeiramente diferentes e só gradualmente, com o tempo, adquiriram seus significados modernos.

Show

A palavra "concerto" tem várias origens possíveis. A etimologia moderna tende a traduzir "chegar a um acordo" do italiano concertare ou "cantar juntos, louvar" do latim concinere, concino. Outra tradução possível é “disputa, competição” do latim concertare: intérpretes individuais (solistas ou um grupo de solistas) competem em música com uma equipe (orquestra). No início da era barroca, uma obra vocal-instrumental costumava ser chamada de concerto, mais tarde tornou-se conhecida como cantata - do latim canto, cantare ("cantar"). Com o tempo, os concertos tornaram-se puramente gênero instrumental(embora entre as obras do século XX também se encontre uma raridade como o Concerto para Voz e Orquestra de Reinhold Gliere). era barroca fez uma distinção entre um concerto solo (um instrumento e uma orquestra que o acompanha) e um "grande concerto" (concerto grosso), onde a música era transferida entre um pequeno grupo de solistas (concertino) e um grupo com mais instrumentos (ripieno, ou seja , "enchimento", "enchimento"). Os músicos do grupo ripieno eram chamados de ripienistas. Foram esses ripienistas que se tornaram os precursores dos músicos orquestrais modernos. Como ripieno, apenas instrumentos de cordas foram envolvidos, assim como o baixo contínuo. E os solistas podiam ser muito diversos: violino, violoncelo, oboé, flauta doce, fagote, viola d'amour, alaúde, bandolim, etc.

Havia dois tipos de concerto grosso: concerto da chiesa ("concerto de igreja") e concerto da câmera ("concerto de câmara"). Ambos entraram em uso principalmente graças a Arcangelo Corelli, que compôs um ciclo de 12 concertos (1714). Este ciclo teve uma forte influência em Handel, que nos deixou dois ciclos de concerto grosso, reconhecidos como obras-primas deste género. Os concertos de Brandemburgo de Bach também trazem as características claras de um concerto grosso.

O auge do concerto solo barroco está associado ao nome de Antonio Vivaldi, que compôs mais de 500 concertos para vários instrumentos acompanhados por cordas e baixo contínuo em sua vida (embora também tenha escrito mais de 40 óperas, um grande número de música coral de igreja e sinfonias instrumentais). Os recitais eram, via de regra, em três partes com andamentos alternados: rápido - lento - rápido; esta estrutura tornou-se dominante nas amostras posteriores do concerto instrumental - até o início do século XXI. A criação mais famosa de Vivaldi foi o ciclo "As Estações" (1725) para violino e orquestra de cordas, no qual cada concerto é precedido por um poema (talvez escrito pelo próprio Vivaldi). Os poemas descrevem os principais humores e eventos de uma determinada estação, que são então incorporados na própria música. Estes quatro concertos, que faziam parte de um ciclo maior de 12 concertos intitulado Concurso de Harmonia e Invenção, são hoje considerados um dos primeiros exemplos de música de programa.

Esta tradição foi continuada e desenvolvida por Handel e Bach. Além disso, Handel compôs, entre outras coisas, 16 concertos para órgão, e Bach, além dos concertos tradicionais da época para um e dois violinos, também escreveu concertos para cravo, que até então era um instrumento exclusivo do grupo de baixo contínuo. . Assim, Bach pode ser considerado o progenitor do concerto para piano moderno.

Sinfonia

Sinfonia em grego significa "consonância", "som conjunto". Nas antigas tradições gregas e medievais, a sinfonia era chamada de eufonia da harmonia (na linguagem musical de hoje - consonância), e em tempos mais recentes, vários instrumentos musicais passaram a ser chamados de sinfonia, como: saltério, sanfona, espineta ou virginal. E somente na virada dos séculos XVI-XVII a palavra "sinfonia" começou a ser usada como nome de uma composição para vozes e instrumentos. Os primeiros exemplos de tais sinfonias são as Sinfonias Musicais de Lodovico Grossi da Viadana (1610), as Sinfonias Sagradas de Giovanni Gabrieli (1615) e as Sinfonias Sagradas (op. 6, 1629 e op. 10, 1649) de Heinrich Schütz. Em geral, durante todo o período barroco, uma variedade de composições, tanto eclesiásticas quanto seculares, foram chamadas de sinfonias. Na maioria das vezes, as sinfonias faziam parte de um ciclo maior. Com o advento do gênero da ópera séria italiana (“ópera séria”), associado principalmente ao nome de Scarlatti, a introdução instrumental da ópera, também chamada de abertura, foi chamada de sinfonia, geralmente em três seções: rápida - devagar rápido. Ou seja, "sinfonia" e "abertura" por muito tempo significaram a mesma coisa. A propósito, na ópera italiana, a tradição de chamar a abertura de sinfonia sobreviveu até meados do século 19 (veja as primeiras óperas de Verdi, por exemplo, Nabucodonosor).

Desde o século 18, uma moda para sinfonias instrumentais de várias partes surgiu em toda a Europa. Eles desempenharam um papel importante em ambos os vida pública assim como nos cultos da igreja. No entanto, o principal local de origem e execução das sinfonias eram as propriedades dos aristocratas. Em meados do século 18 (época do surgimento das primeiras sinfonias de Haydn), havia três centros principais de composição de sinfonias na Europa - Milão, Viena e Mannheim. Foi graças às atividades desses três centros, mas especialmente da Mannheim Court Chapel e seus compositores, bem como da obra de Joseph Haydn, que o gênero sinfônico experimentou seu primeiro florescimento na Europa naquela época.

Capela de Mannheim

Jan Stamitz Wikimedia Commons

A capela, que surgiu sob o reinado do eleitor Carlos III Filipe em Heidelberg, e depois de 1720 continuou a existir em Mannheim, pode ser considerada o primeiro protótipo da orquestra moderna. Mesmo antes de se mudar para Mannheim, a capela era mais numerosa do que qualquer outra nos principados vizinhos. Em Mannheim cresceu ainda mais, e devido ao envolvimento dos músicos mais talentosos da época, a qualidade da performance também melhorou significativamente. Desde 1741, o coro era dirigido pelo violinista e compositor tcheco Jan Stamitz. Foi a partir dessa época que podemos falar da criação da escola de Mannheim. A orquestra incluía 30 instrumentos de cordas, instrumentos de sopro emparelhados: duas flautas, dois oboés, dois clarinetes (então ainda raros convidados em orquestras), dois fagotes, duas a quatro trompas, dois trompetes e tímpanos - uma grande composição para a época. Por exemplo, na capela do Príncipe Esterhazy, onde Haydn serviu por quase 30 anos como maestro, no início de sua atividade o número de músicos não ultrapassava 13-16 pessoas, no Conde Morzin, com quem Haydn serviu vários anos antes de Esterhazy e escreveu suas primeiras sinfonias, havia ainda mais músicos, menos - ali, a julgar pelas partituras de Haydn daqueles anos, não havia nem flautas. No final da década de 1760, a Capela Esterhazy cresceu para 16-18 músicos e em meados da década de 1780 atingiu seu número máximo de 24 músicos. E em Mannheim havia 30 pessoas só de cordas.

Mas a principal virtude dos virtuosos de Mannheim não era sua quantidade, mas a incrível qualidade e coerência da atuação coletiva da época. Jan Stamitz, e depois dele outros compositores que escreveram música para esta orquestra, encontraram efeitos cada vez mais sofisticados, até então inéditos, que desde então se associaram ao nome da Capela de Mannheim: aumento conjunto do som (crescendo), atenuação do som (diminuendo), interrupção repentina conjunta do jogo (pausa geral), além de várias figuras musicais, como: o foguete Mannheim (a rápida ascensão da melodia de acordo com os sons de um acorde decomposto), os pássaros de Mannheim ( imitações de pássaros cantando em passagens solo) ou a culminação de Mannheim (preparação para um crescendo, e então no momento decisivo é a cessação da execução de todos os instrumentos de sopro e a execução ativa e enérgica de algumas cordas). Muitos desses efeitos encontraram sua segunda vida nas obras dos contemporâneos mais jovens de Mannheim, Mozart e Beethoven, e alguns ainda existem hoje.

Além disso, Stamitz e seus colegas gradualmente encontraram o tipo ideal de uma sinfonia a quatro vozes, derivada dos protótipos barrocos da sonata de igreja e da sonata de câmara, bem como da abertura da ópera italiana. Haydn chegou ao mesmo ciclo de quatro partes como resultado de seus muitos anos de experimentos. O jovem Mozart visitou Mannheim em 1777 e ficou profundamente impressionado com a música e a execução orquestral que ouviu lá. Com Christian Cannabih, que regeu a orquestra após a morte de Stamitz, Mozart manteve uma amizade pessoal desde sua visita a Mannheim.

músicos da corte

A posição dos músicos da corte, que recebiam salário, era muito vantajosa na época, mas, claro, exigia muito. Eles trabalharam muito e tiveram que cumprir qualquer capricho musical de seus mestres. Eles podem ser apanhados às três ou quatro da manhã e informados de que o proprietário deseja música divertida - para ouvir algum tipo de serenata. Os pobres músicos tiveram que entrar no salão, acender as lâmpadas e tocar. Muitas vezes, os músicos trabalhavam sete dias por semana - conceitos como taxa de produção ou jornada de trabalho de 8 horas, é claro, não existiam para eles (de acordo com os padrões modernos, um músico de orquestra não pode trabalhar mais de 6 horas por dia, quando se trata de ensaios para um concerto ou apresentação teatral). Tínhamos que jogar o dia todo, então jogamos o dia todo. No entanto, os proprietários amantes da música, na maioria das vezes entendia que um músico não pode tocar sem pausa por várias horas - ele precisa de comida e descanso.

Detalhe de uma pintura de Nicola Maria Rossi. 1732 Bridgeman Images/Fotodom

Capela Haydn e Príncipe Esterhazy

Diz a lenda que Haydn, escrevendo a famosa Sinfonia de Despedida, deu a entender a seu mestre Esterhazy sobre o descanso prometido, mas esquecido. No final, todos os músicos se levantaram, apagaram as velas e foram embora - a dica é perfeitamente compreensível. E o dono os entendeu e os deixou sair de férias - o que fala dele como uma pessoa perspicaz e com senso de humor. Mesmo que seja ficção, transmite de forma notável o espírito daquela época - em outros tempos, tais insinuações sobre os erros das autoridades poderiam custar muito caro ao compositor.

Como os patronos de Haydn eram pessoas bastante educadas e sensíveis à música, ele podia contar com o fato de que qualquer um de seus experimentos - fosse uma sinfonia em seis ou sete movimentos ou algumas incríveis complicações tonais no chamado episódio de desenvolvimento - não seria recebido com condenação. Parece até o contrário: quanto mais complexa e incomum era a forma, mais eles gostavam dela.
No entanto, Haydn tornou-se o primeiro excelente compositor, libertado dessa existência aparentemente conveniente, mas em geral servil do cortesão. Quando Nikolaus Esterházy morreu, seu herdeiro dissolveu a orquestra, embora ele mantivesse o título de Haydn e o (reduzido) salário de maestro. Assim, Haydn recebeu involuntariamente uma licença por tempo indeterminado e, aproveitando o convite do empresário Johann Peter Salomon, foi para Londres em idade bastante avançada. Lá ele realmente criou um novo estilo orquestral. Sua música tornou-se mais sólida e mais simples. Os experimentos foram cancelados. Isso se devia à necessidade comercial: ele descobriu que o público inglês em geral é muito menos educado do que os ouvintes sofisticados da propriedade de Esterhazy - para ela, você precisa escrever de forma mais curta, clara e sucinta. Embora cada sinfonia escrita por Esterhazy seja única, as sinfonias de Londres são do mesmo tipo. Todos eles foram escritos exclusivamente em quatro partes (naquela época era a forma mais comum de sinfonia, já em pleno uso pelos compositores da escola de Mannheim e Mozart): a sonata allegro obrigatória na primeira parte, a mais ou segunda parte menos lenta, o minueto e o final rápido. O tipo de orquestra e forma musical, bem como o tipo de desenvolvimento técnico dos temas utilizados nas últimas sinfonias de Haydn, já se tornaram um modelo para Beethoven.

Final do século 18 - século 19: a Escola Vienense e Beethoven

Interior do Theatre an der Wien em Viena. Gravação. século 19 Brigeman Images/Fotodom

Acontece que Haydn sobreviveu a Mozart, que era 24 anos mais novo que ele, e encontrou o início da carreira de Beethoven. Haydn trabalhou a maior parte de sua vida na Hungria de hoje e, no final de sua vida, teve um sucesso tempestuoso em Londres, Mozart era de Salzburgo e Beethoven era um flamengo nascido em Bonn. Mas os caminhos criativos dos três gigantes da música estavam ligados à cidade, que, durante o reinado da imperatriz Maria Teresa e depois de seu filho, o imperador José II, assumiu a posição de capital musical mundial - com Viena. Assim, a obra de Haydn, Mozart e Beethoven entrou para a história como o "estilo clássico vienense". É verdade que deve-se notar que os próprios autores não se consideravam de forma alguma "clássicos", e Beethoven se considerava um revolucionário, um pioneiro e até um subversor de tradições. O próprio conceito de "estilo clássico" é uma invenção muito posterior ( meados do XIX século). As principais características desse estilo são a unidade harmoniosa de forma e conteúdo, o equilíbrio do som na ausência de excessos barrocos e a antiga harmonia da arquitetônica musical.

A coroa dos vienenses estilo clássico no campo da música orquestral, são consideradas as sinfonias londrinas de Haydn, as últimas sinfonias de Mozart e todas as sinfonias de Beethoven. Nas últimas sinfonias de Haydn e Mozart, o léxico musical e a sintaxe do estilo clássico foram finalmente estabelecidos, assim como a composição da orquestra, que se cristalizou já na escola de Mannheim e ainda é considerada clássica: um grupo de cordas (dividido em primeiros e segundos violinos, violas, violoncelos e contrabaixos), um par de sopros de composição - geralmente duas flautas, dois oboés, dois fagotes. Porém, a partir das últimas obras de Mozart, os clarinetes também entraram com firmeza na orquestra e se firmaram. A paixão de Mozart pelo clarinete contribuiu em grande parte para a ampla distribuição deste instrumento como parte do grupo de sopros da orquestra. Mozart ouviu clarinetes em 1778 em Mannheim nas sinfonias de Stamitz e escreveu com admiração em uma carta a seu pai: "Oh, se ao menos tivéssemos clarinetes!" - significando por "nós" a Capela do Tribunal de Salzburgo, que introduziu os clarinetes apenas em 1804. Deve-se notar, no entanto, que já em 1769 os clarinetes eram usados ​​regularmente nas bandas militares do arcebispado principesco.

Duas trompas eram geralmente adicionadas aos sopros já mencionados e, às vezes, duas trombetas e tímpanos, que vinham da música sinfônica dos militares. Mas esses instrumentos eram usados ​​apenas em sinfonias, cujas tonalidades permitiam o uso de tubos naturais, que existiam em apenas algumas afinações, geralmente em ré ou dó maior; às vezes trombetas também eram usadas em sinfonias escritas em sol maior, mas nunca tímpanos. Um exemplo de tal sinfonia com trombetas, mas sem tímpanos, é a Sinfonia nº 32 de Mozart. A parte dos tímpanos foi posteriormente adicionada à partitura por uma pessoa não identificada e é considerada inautêntica. Pode-se supor que essa antipatia dos autores do século 18 pelo sol maior em conexão com os tímpanos é explicada pelo fato de que para os tímpanos barrocos (afinados não por pedais modernos convenientes, mas por parafusos de tensão manuais), eles tradicionalmente escreveu música composta por apenas duas notas - a tônica (1º grau de tonalidade) e dominantes (5º grau de tonalidade), que foram chamadas para apoiar os tubos que tocavam essas notas, mas a nota principal da chave G maior em a oitava superior nos tímpanos soava muito aguda e na inferior - muito abafada. Portanto, os tímpanos em sol maior foram evitados por causa de sua dissonância.

Todos os outros instrumentos eram considerados aceitáveis ​​apenas em óperas e balés, e alguns deles soavam até na igreja (por exemplo, trombones e trompas de basset no Requiem, trombones, trompas de basset e flautim em A Flauta Mágica, música de percussão "Janissary" em "O Rapto do Serralho" ou bandolim em "Don Giovanni" de Mozart, trompa de basset e harpa no balé de Beethoven "As Obras de Prometeu").

O baixo contínuo gradualmente caiu em desuso, primeiro desaparecendo da música orquestral, mas permanecendo por algum tempo na ópera para acompanhar recitativos (ver As Bodas de Fígaro, Todas as Mulheres Fazem e Don Giovanni de Mozart, mas também mais tarde - V início do XIX século, em algumas óperas cômicas de Rossini e Donizetti).

Se Haydn entrou para a história como o maior inventor da área música sinfônica, então Mozart experimentou muito mais com a orquestra em suas óperas do que em suas sinfonias. Estes últimos são incomparavelmente mais rigorosos no cumprimento das normas da época. Embora existam, é claro, exceções: por exemplo, nas sinfonias de Praga ou Paris não há minueto, ou seja, consistem em apenas três partes. Existe até uma sinfonia de um movimento nº 32 em sol maior (no entanto, é construída no modelo da abertura italiana em três seções, rápido - lento - rápido, ou seja, corresponde às normas pré-haydnianas mais antigas) . Mas, por outro lado, até quatro trompas estão envolvidas nesta sinfonia (como, aliás, na Sinfonia nº 25 em sol menor, bem como na ópera Idomeneo). Os clarinetes são introduzidos na Sinfonia nº 39 (o amor de Mozart por esses instrumentos já foi mencionado), mas os oboés tradicionais estão ausentes. E a Sinfonia nº 40 existe até em duas versões - com e sem clarinetes.

Em termos de parâmetros formais, Mozart move-se na maior parte das suas sinfonias segundo os esquemas mannheim e haydniano - claro, aprofundando-os e refinando-os com a força do seu génio, mas sem alterar nada de essencial ao nível das estruturas ou das composições. Porém, nos últimos anos de sua vida, Mozart começou a estudar detalhada e profundamente a obra dos grandes polifonistas do passado - Handel e Bach. Graças a isso, a textura de sua música é cada vez mais enriquecida com vários tipos de truques polifônicos. Um exemplo brilhante da combinação de um armazém homofônico típico de uma sinfonia do final do século 18 com uma fuga do tipo Bach é a última 41ª sinfonia de Mozart, "Júpiter". Começa o renascimento da polifonia como o método de desenvolvimento mais importante na gênero sinfônico. É verdade que Mozart seguiu o caminho percorrido por outros: os finais de duas sinfonias de Michael Haydn, nº 39 (1788) e 41 (1789), certamente conhecido por Mozart, também foram escritos em forma de fuga.

Retrato de Ludwig van Beethoven. Joseph Karl Stieler. 1820 Wikimedia Commons

O papel de Beethoven no desenvolvimento da orquestra é especial. Sua música é uma combinação colossal de duas épocas: clássica e romântica. Se na Primeira Sinfonia (1800) Beethoven é um aluno fiel e seguidor de Haydn, e no balé As Obras de Prometeu (1801) ele é o sucessor das tradições de Gluck, então na Terceira Sinfonia Heróica (1804) há é um repensar final e irrevogável da tradição Haydn-Mozart em uma chave mais moderna. A Segunda Sinfonia (1802) externamente ainda segue padrões clássicos, mas há muitas inovações nele, e a principal delas é a substituição do minueto tradicional por um scherzo camponês grosseiro (“piada” em italiano). Desde então, não foram mais encontrados minuetos nas sinfonias de Beethoven, com exceção do uso ironicamente nostálgico da palavra "minueto" no título do terceiro movimento da Oitava Sinfonia - "No ritmo do minueto" (pelo época em que a Oitava foi composta - 1812 - os minuetos já haviam caído em desuso em todos os lugares, e Beethoven aqui usa claramente essa referência ao gênero como um sinal de "um passado doce, mas distante"). Mas também a abundância de contrastes dinâmicos e a transferência consciente do tema principal do primeiro movimento para violoncelos e contrabaixos, enquanto os violinos desempenham um papel incomum para eles como acompanhantes, e a frequente separação das funções de violoncelos e contrabaixos (ou seja, a emancipação dos contrabaixos como voz independente) e estendida, desenvolvendo as codas nas partes extremas (transformando-se praticamente em segundos desenvolvimentos) são todos traços do novo estilo, que encontrou seu desenvolvimento impressionante no próximo, o Terceira Sinfonia.

Ao mesmo tempo, a Segunda Sinfonia traz o início de quase todas as sinfonias subsequentes de Beethoven, especialmente a Terceira e a Sexta, bem como a Nona. Na introdução da primeira parte da Segunda, há um motivo em Ré menor que é duas gotas semelhante ao tema principal da primeira parte da Nona, e a parte de ligação do final da Segunda é quase um esboço de “Ode à Alegria” do final da mesma Nona, ainda que com instrumentação idêntica.

A Terceira Sinfonia é a mais longa e a mais complexa de todas as sinfonias escritas até agora, e linguagem musical, e no estudo mais intensivo do material. Contém contrastes dinâmicos inéditos para a época (de três pianos a três fortes!) mas, por assim dizer, permeia todo o ciclo de quatro partes, criando uma sensação de narrativa única e indivisível. A Sinfonia Heróica não é mais uma sequência harmoniosa de partes contrastantes de um ciclo instrumental, mas um gênero completamente novo, na verdade, o primeiro romance sinfônico da história da música!

O uso da orquestra por Beethoven não é apenas virtuoso, ele leva os instrumentistas ao limite e muitas vezes vai além das limitações técnicas concebíveis de cada instrumento. A famosa frase de Beethoven, dirigida a Ignaz Schuppanzig, violinista e líder do Count Lichnowsky Quartet, o primeiro intérprete de muitos quartetos de Beethoven, em resposta à sua observação crítica sobre a "impossibilidade" de uma passagem de Beethoven, caracteriza notavelmente a atitude do compositor em relação aos problemas técnicos na música: "Que me importa seu infeliz violino, quando o Espírito fala comigo?!" A ideia musical vem sempre em primeiro lugar, e só depois dela devem existir formas de a concretizar. Mas, ao mesmo tempo, Beethoven estava bem ciente das possibilidades da orquestra de seu tempo. A propósito, a opinião amplamente difundida sobre as consequências negativas da surdez de Beethoven, supostamente refletidas em suas composições posteriores e, portanto, justificando intrusões posteriores em suas partituras na forma de todos os tipos de retoques, é apenas um mito. o suficiente para ouvir Boa performance suas sinfonias ou quartetos tardios sobre instrumentos autênticos, para garantir que não tenham falhas, mas apenas uma atitude altamente idealista e intransigente em relação à sua arte, baseada em um conhecimento detalhado dos instrumentos de seu tempo e de suas capacidades. Se Beethoven tivesse uma orquestra moderna com capacidades técnicas modernas à sua disposição, certamente teria escrito de uma maneira completamente diferente.

Em termos de instrumentação, em suas primeiras quatro sinfonias, Beethoven permanece fiel aos padrões das sinfonias posteriores de Haydn e Mozart. Embora a Sinfonia Heróica use três trompas em vez das tradicionais duas, ou as raras, mas tradicionalmente aceitáveis, quatro. Ou seja, Beethoven questiona o próprio princípio sagrado de seguir quaisquer tradições: ele precisa de uma voz de terceira trompa na orquestra - e ele a apresenta.

E já na Quinta Sinfonia (1808), Beethoven introduz no final os instrumentos de uma orquestra militar (ou teatral) - flauta flautim, contrafagote e trombones. A propósito, um ano antes de Beethoven, o compositor sueco Joachim Nicholas Eggert usou trombones em sua Sinfonia em Mi bemol maior (1807), e em todos os três movimentos, e não apenas no final, como fazia Beethoven. Assim, no caso dos trombones, a palma não é para o grande compositor, mas para seu colega bem menos famoso.

A Sexta Sinfonia (Pastoral) é o primeiro ciclo de programa na história da sinfonia, em que não só a sinfonia em si, mas também cada parte, é precedida por uma descrição de algum tipo de programa interno - uma descrição dos sentimentos de um citadino que se encontra na natureza. Na verdade, as descrições da natureza na música não são novas desde os tempos barrocos. Mas, ao contrário de The Seasons, de Vivaldi, e de outros exemplos barrocos de música de programa, Beethoven não lida com a escrita sonora como um fim em si mesmo.A Sexta Sinfonia, em suas próprias palavras, é "mais uma expressão de sentimentos do que uma pintura". A sinfonia pastoral é a única na obra de Beethoven em que o ciclo sinfônico de quatro partes é violado: o scherzo é seguido sem interrupção pelo quarto movimento, livre na forma, intitulado The Thunderstorm, e depois dele, também sem interrupção, o finale segue. Assim, existem cinco movimentos nesta sinfonia.

A abordagem de Beethoven para a orquestração desta sinfonia é extremamente interessante: no primeiro e no segundo movimentos, ele usa estritamente apenas cordas, sopros e duas trompas. No scherzo, dois trompetes são conectados a eles, em The Thunderstorm os tímpanos, uma flauta flautim e dois trombones se juntam, e no finale os tímpanos e flautim silenciam novamente, e os trompetes e trombones deixam de desempenhar sua função tradicional de fanfarra e fundem-se no coro geral de sopro da doxologia panteísta.

O ponto culminante da experiência de Beethoven no campo da orquestração foi a Nona Sinfonia: em seu final, não apenas os já mencionados trombones, flauta flautim e contrafagote são usados, mas também todo um conjunto de percussão "turca" - um bumbo, um prato e um triângulo, e o mais importante - o coro e os solistas! Aliás, os trombones no final da Nona são mais usados ​​como amplificação da parte coral, e isso já é uma referência à tradição da música oratória eclesial e secular, principalmente em sua refração Haydniana-Mozartiana (ver " Creation of the World" ou "The Seasons" de Haydn, Missa antes menor ou Requiem de Mozart), o que significa que esta sinfonia é uma fusão do gênero de sinfonia e oratório espiritual, escrita apenas em um texto poético e secular de Schiller. Outra grande inovação formal da Nona Sinfonia foi o rearranjo do movimento lento e do scherzo. O nono scherzo, estando em segundo lugar, não desempenha mais o papel de um alegre contraste que desencadeia o final, mas se transforma em uma continuação dura e totalmente “militarista” da trágica primeira parte. E o terceiro movimento lento torna-se o centro filosófico da sinfonia, caindo precisamente na zona da seção áurea - o primeiro, mas de forma alguma o último caso na história da música sinfônica.

Com a Nona Sinfonia (1824), Beethoven dá o salto para uma nova era. Isso coincide com o período das mais graves transformações sociais - com a transição final do Iluminismo para uma nova era industrial, cujo primeiro evento ocorreu 11 anos antes do final do século anterior; um evento testemunhado por todos os três representantes da escola clássica vienense. Estamos falando, é claro, da Revolução Francesa.