Artistas do Japão - desde os tempos antigos até os dias atuais. Enciclopédia Escolar Arte Japão

artelino

« uma grande onda em Kanagawa" de Katsushika Hokusai (1760-1849) é uma das gravuras mais famosas e a primeira folha da série Trinta e seis vistas de Fuji. No início da década de 1830, Katsushika Hokusai, encomendado pela editora Eijudo, começou a criar uma série de 46 folhas (36 principais e 10 adicionais), e A Grande Onda de Kanagawa foi uma gravura que abre toda a série.

Essas coleções de gravuras serviam para os habitantes da cidade da época como uma espécie de " viagens virtuais”, uma forma de satisfazer a curiosidade - conveniente e barata. Impressões do tipo Fuji custam cerca de 20 meses - quase o mesmo que uma porção dupla de macarrão em um restaurante japonês da época. No entanto, o sucesso foi tão grande que em 1838 o custo das folhas de Hokusai havia crescido para quase 50 meses e, após a morte do mestre, apenas a Onda foi reimpressa de novas pranchas mais de 1.000 vezes.

É surpreendente que, apesar do tema declarado de toda a série, Fuji em The Wave funcione como papel menor. Chefe" ator”nesta gravura há uma onda e, em primeiro plano, uma cena dramática da luta de um homem com os elementos se desenrola. As bordas da crista de espuma parecem os dedos retorcidos de um fantástico demônio raivoso, e a falta de rosto e a inatividade das figuras humanas nos barcos não deixam dúvidas de quem será o vencedor nesta luta. Porém, não é esse confronto que é o conflito que cria a trama da gravura.
Ao parar no momento em que os barcos batem, Hokusai permite ao espectador ver Fuji por um momento contra o céu cinza, escurecendo em direção ao horizonte. Embora os gravadores japoneses já estivessem familiarizados com os princípios da perspectiva linear e aérea européia naquela época, eles não sentiram a necessidade dessa técnica. O fundo escuro, bem como a longa jornada do olho desde o primeiro plano com barcos através do movimento da onda até Fuji, convencem o olho de que montanha sagrada separado de nós pelo mar.

Fuji ergue-se longe da costa como um símbolo de estabilidade e constância, em oposição aos elementos tempestuosos. A unidade e a interdependência dos opostos sustentam a ideia de ordem cósmica e harmonia absoluta na visão de mundo do Extremo Oriente, e foram eles que se tornaram o tema principal da gravura "A Grande Onda de Kanagawa", que abriu a série de Katsushika Hokusai.

"Beleza Nanivaya Okita" de Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Instituto de Arte de Chicago

Kitagawa Utamaro (1753-1806) pode ser chamado de cantor beleza feminina em impressão japonesa ukiyo-e: ele criou uma série de imagens canônicas de belezas japonesas ( bijinga) - os habitantes das casas de chá e do famoso bairro de entretenimento Yoshiwara na capital do Japão, Edo edo — o nome de Tóquio antes de 1868..

Na gravura bijinga, nem tudo é o que parece ao observador moderno. Damas nobres ricamente vestidas eram, via de regra, envolvidas em um ofício vergonhoso e pertenciam à classe baixa, e as gravuras com retratos de belezas tinham uma função publicitária aberta. Ao mesmo tempo, a gravura não dava uma ideia da aparência da menina e, embora Okita, da casa de chá Nanivaya, perto do templo de Asakusa, fosse considerada a primeira beldade de Edo, seu rosto na gravura é completamente desprovida de individualidade.

Desde o século 10, as imagens femininas na arte japonesa estão sujeitas ao cânone do minimalismo. "Olho de linha, nariz de gancho" - recepção hikime-kagihana permitiu ao artista apenas indicar que uma determinada mulher foi retratada: na cultura tradicional japonesa, a questão da beleza física era frequentemente omitida. Nas mulheres de nascimento nobre, a “beleza do coração” e a educação eram muito mais valorizadas, e os habitantes dos bairros alegres se esforçavam para imitar os exemplos mais elevados em tudo. De acordo com Utamaro, Okita era realmente linda.

A folha “Beauty Nanivaya Okita” foi impressa em 1795-1796 na série “Belezas Famosas Comparadas a Seis Poetas Imortais”, na qual um dos escritores do século IX correspondia a cada beleza. Na folha com o retrato de Okita no canto superior esquerdo está a imagem de Arivara no Narihira (825-880), um dos poetas mais venerados do Japão, a quem tradicionalmente se atribui o romance Ise Monogatari. Este nobre nobre e poeta brilhante também se tornou famoso por seus casos de amor, alguns dos quais formaram a base do romance.

Esta folha é um uso peculiar da técnica mitar(comparações) em gravura japonesa. As qualidades de um “protótipo” autoritário são transferidas para a beleza retratada, e a elegante cortesã, de rosto sereno servindo uma xícara de chá ao hóspede, já é lida pelo espectador como uma dama habilidosa em poesia e atos de amor. A comparação com Arivara no Narihira foi verdadeiramente um reconhecimento de sua superioridade entre as belezas de Edo.

Ao mesmo tempo, Utamaro cria uma imagem surpreendentemente lírica. Equilibrando manchas escuras e claras na folha e delineando a forma com linhas melodiosas e elegantes, ele cria uma imagem verdadeiramente perfeita de graça e harmonia. A "publicidade" recua e a beleza capturada por Utamaro permanece atemporal.

Tela "Íris" de Ogata Korin, década de 1710

Wikimedia Commons / Museu Nezu, Tóquio

Um par de telas de íris de seis painéis - agora um tesouro nacional do Japão - foi criado por Ogata Korin (1658-1716) por volta de 1710 para o templo Nishi Hongan-ji em Kyoto.

Desde o século 16, a pintura em painéis de parede e telas de papel tornou-se um dos principais gêneros de arte decorativa no Japão, e Ogata Korin, o fundador da escola de arte Rinpa, foi um de seus maiores mestres.

As telas no interior japonês desempenharam um papel importante. As espaçosas instalações do palácio não eram estruturalmente diferentes das habitações de um simples japonês: quase não tinham paredes internas e o espaço era dividido em telas dobráveis. Com pouco mais de um metro e meio de altura, as telas foram pensadas para que a tradição japonesa comum a todas as classes viva no chão. No Japão, cadeiras altas e mesas não eram usadas até o século 19, e a altura da tela, assim como a composição de sua pintura, é projetada para a visão de uma pessoa sentada de joelhos. É desse ponto de vista que surge um efeito surpreendente: as íris parecem envolver a pessoa sentada - e a pessoa pode se sentir à beira do rio, cercada de flores.

As íris são pintadas de maneira não contornada - pinceladas largas e quase impressionistas de azul escuro, lilás e têmpera roxa transmitem a exuberante magnificência desta flor. O efeito pitoresco é reforçado pelo brilho opaco do ouro, contra o qual as íris são retratadas. As telas retratam apenas flores, mas sua linha angular de crescimento sugere que as flores se dobram em torno do curso sinuoso do rio ou dos ziguezagues de pontes de madeira. Seria natural para os japoneses verem uma ponte faltando na tela, uma "ponte de oito pranchas" especial ( yatsuhashi ouça)), associado a íris na literatura clássica japonesa. O romance Ise Monogatari (século IX) descreve a triste jornada de um herói expulso da capital. Tendo se acomodado com sua comitiva para descansar na margem do rio perto da ponte Yatsuhashi, o herói, vendo íris, lembra-se de sua amada e compõe poemas:

minha amada em roupas
Graciosa lá, na capital,
Amor partiu...
E penso com saudade quanta
estou longe dela... Tradução de N.I. Konrad.

“Então ele desistiu e todos derramaram lágrimas em seu arroz seco, de modo que inchou com a umidade”, acrescenta o autor e herói lírico da história, Arivara no Narihira.

Para um japonês educado, a conexão entre íris pela ponte e Ise monogatari, íris e o tema do amor partido era clara, e Ogata Korin evita verbosidade e ilustração. Com a ajuda da pintura decorativa, cria apenas um espaço ideal repleto de luz, cor e conotações literárias.

Pavilhão Dourado Kinkakuji, Kyoto, 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006

O Templo Dourado é um dos símbolos do Japão, que, ironicamente, foi glorificado mais pela sua destruição do que pela sua construção. Em 1950, um monge mentalmente instável do Mosteiro Rokuonji, ao qual este edifício pertence, ateou fogo a um lago que se erguia na superfície do
pavilhão Durante um incêndio em 1950, o templo foi quase destruído. O trabalho de restauração em Kinkaku-ji começou em 1955, em 1987 a reconstrução como um todo foi concluída, mas a substituição do completamente perdido decoração de interior continuou até 2003.. Os verdadeiros motivos de seu ato permaneceram obscuros, mas na interpretação do escritor Yukio Mishima, a culpa era da beleza inatingível, quase mística deste templo. De fato, por vários séculos, Kinkakuji foi considerado o epítome da beleza japonesa.

Em 1394, Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), que subjugou quase todo o Japão à sua vontade, aposentou-se formalmente e estabeleceu-se em uma villa especialmente construída no norte de Kyoto. O edifício de três andares no lago artificial Kyokoti ("lago-espelho") desempenhou o papel de uma espécie de eremitério, um pavilhão isolado para relaxamento, leitura e oração. Continha uma coleção de pinturas do shogun, uma biblioteca e uma coleção de relíquias budistas. Localizada na água perto da costa, Kinkakuji tinha apenas comunicação de barco com a costa e era a mesma ilha das ilhas artificiais com pedras e pinheiros espalhados ao redor de Kyokoti. A ideia da "ilha dos celestiais" foi emprestada da mitologia chinesa, na qual a ilha de Penglai, a ilha dos imortais, servia como a imagem da morada celestial. O reflexo do pavilhão na água já evoca associações budistas com ideias sobre a natureza ilusória do mundo mortal, que é apenas um pálido reflexo do esplendor do mundo da verdade budista.

Embora todas essas conotações mitológicas sejam especulativas, a localização do pavilhão confere a ele uma incrível harmonia e harmonia. A reflexão esconde o agachamento do edifício, tornando-o mais alto e mais estreito; ao mesmo tempo, é a altura do pavilhão que permite avistá-lo de qualquer margem da lagoa, sempre sobre um fundo escuro de verde.

Permanece, no entanto, não totalmente claro o quão dourado era este pavilhão em forma original. Provavelmente, sob Ashikaga Yoshimitsu, foi de fato coberto com folha de ouro e uma camada protetora de verniz. Mas se você acredita nas fotos do século 19 - início do século 20 e Yukio Mishima, então, em meados do século 20, o dourado quase havia descascado e seus restos eram visíveis apenas na camada superior do edifício. Nessa época, ele antes tocava a alma com o encanto da desolação, os vestígios do tempo, inexoráveis ​​até para as coisas mais belas. Esse encanto melancólico correspondia ao princípio estético sabi altamente reverenciado na cultura japonesa.

De uma forma ou de outra, o esplendor deste edifício não era de ouro. A requintada severidade das formas de Kinkakuji e sua impecável harmonia com a paisagem fazem dele uma das obras-primas da arquitetura japonesa.

Bowl "Iris" no estilo de karatsu, séculos XVI-XVII

Diane Martineau /pinterest.com/O Metropolitan Museum of Art, Nova York

A palavra meibutsu- uma coisa com um nome. Apenas o nome desta taça realmente sobreviveu, pois nem a hora e o local exatos de sua criação, nem o nome do mestre foram preservados. No entanto, é classificado como um tesouro nacional do Japão e é um dos exemplos claros cerâmica no estilo nacional.

No final do século XVI, a cerimónia do chá cha-no-yu abandonou o sofisticado porcelana chinesa e cerâmicas com esmaltes que lembram materiais preciosos. Sua beleza espetacular parecia muito artificial e franca para os mestres do chá. Itens perfeitos e caros - tigelas, vasos de água e caixas de chá - não correspondiam aos cânones espirituais quase ascéticos do Zen Budismo, no espírito do qual a cerimônia do chá se desenvolveu. Uma verdadeira revolução na ação do chá foi o apelo à cerâmica japonesa, muito mais simples e sem arte numa época em que as oficinas do Japão apenas começavam a dominar as tecnologias da cerâmica continental.

A forma da tigela Iris é simples e irregular. A ligeira curvatura das paredes, as amolgadelas do oleiro visíveis por todo o corpo conferem à taça uma facilidade quase ingénua. O fragmento de argila é coberto com esmalte claro com uma rede de rachaduras - craquelure. Na frente, que se dirige ao convidado durante a cerimônia do chá, a imagem de uma íris é aplicada sob o esmalte: o desenho é ingênuo, mas executado com um pincel enérgico, exatamente, como se fosse um movimento, no espírito do Zen caligrafia. Parece que tanto a forma quanto a decoração poderiam ter sido feitas espontaneamente e sem a aplicação de forças especiais.

Essa espontaneidade reflete o ideal wabi- simplicidade e simplicidade, dando origem a uma sensação de liberdade e harmonia espiritual. Qualquer pessoa ou mesmo um objeto inanimado na visão dos seguidores japoneses do Zen Budismo tem a natureza iluminada do Buda, e os esforços do adepto visam descobrir essa natureza em si mesmo e no mundo ao seu redor. As coisas usadas na cerimônia do chá, por toda a sua falta de jeito, deveriam ter evocado uma profunda experiência da verdade, a relevância de cada momento, forçada a perscrutar as formas mais comuns e ver nelas a verdadeira beleza.

O contraste com a textura áspera da taça e a sua simplicidade é o restauro com uma pequena laca dourada lascada (a esta técnica chama-se kintsugi). A restauração foi realizada no século 18 e demonstra a reverência com que os mestres do chá japoneses tratavam os utensílios para a cerimônia do chá. Assim, a cerimónia do chá proporciona aos participantes uma "maneira" de descobrir a verdadeira beleza das coisas, como a taça Iris. Implicidade, sigilo tornou-se a base do conceito estético de wabi e uma parte importante da visão de mundo japonesa.

Retrato do Monge Gandzin, Nara, 763

Toshodaiji, 2015

No século VIII, a escultura tornou-se a principal forma de expressão artística da época, a era Nara (710-794), associada à formação do estado japonês e ao fortalecimento do budismo. Os mestres japoneses já passaram do estágio de aprendizado e imitação cega de técnicas e imagens continentais e começaram a expressar livre e vividamente o espírito de seu tempo na escultura. A disseminação e o crescimento da autoridade do budismo causaram o aparecimento de um retrato escultural budista.

Uma das obras-primas desse gênero é o retrato de Gandzin, criado em 763. Feita na técnica de laca seca (construindo camadas de laca sobre uma moldura de madeira coberta com tecido), a escultura é quase tamanho real foi pintado de forma realista e, na semi-escuridão do templo, Ganjin sentou-se em uma pose de meditação "como se estivesse vivo". Essa semelhança com a vida era a principal função de culto de tais retratos: o professor deveria estar sempre dentro dos muros do mosteiro Todaiji na cidade de Nara e estar presente nos serviços divinos mais importantes.

Mais tarde, nos séculos XI-XIII, os retratos escultóricos atingiram um ilusionismo quase impiedoso, retratando a enfermidade senil de veneráveis ​​professores, suas bocas encovadas, bochechas flácidas e rugas profundas. Esses retratos olham para os adeptos do budismo com olhos vivos, incrustados com cristal de rocha e madeira. Mas o rosto de Gandzin parece embaçado, não há contornos claros e formas claras nele. As pálpebras dos olhos semicerrados e sem incrustações parecem inchadas; a boca tensa e os sulcos nasolabiais profundos expressam a cautela habitual, e não a concentração da meditação.

Todas essas características revelam a dramática biografia deste monge, a história de incrível ascetismo e tragédias. Ganjin, um monge budista chinês, foi convidado ao Japão para a cerimônia de consagração do maior mosteiro de Nara, Todaiji. O navio foi capturado por piratas, pergaminhos de valor inestimável e esculturas budistas que se destinavam a um distante templo japonês foram perdidos no incêndio, Ganjin queimou o rosto e perdeu a visão. Mas ele não deixou o desejo de pregar na periferia distante da civilização - ou seja, como o Japão era percebido pelo continente naquela época.

Várias outras tentativas de cruzar o mar terminaram da mesma forma malsucedida, e apenas na quinta tentativa, o já de meia-idade, cego e doente Ganjin chega à capital japonesa de Nara.

No Japão, Ganjin não ensinou a lei budista por muito tempo: os acontecimentos dramáticos de sua vida prejudicaram sua saúde. Mas sua autoridade era tão alta que, provavelmente, mesmo antes de sua morte, decidiu-se criar sua escultura. Sem dúvida, os monges-artistas buscaram dar à escultura o máximo de semelhança possível com o modelo. Mas isso não foi feito para salvar aparência de uma pessoa, mas para capturar sua experiência espiritual individual, aquele caminho difícil que Ganjin percorreu e para o qual o ensinamento budista o chamava.

Daibutsu - Grande Buda do Templo Todaiji, Nara, meados do século VIII

Todd/flickr.com

Em meados do século VIII, o Japão sofria com desastres naturais e epidemias, e as intrigas da influente família Fujiwara e a rebelião que eles levantaram obrigaram o imperador Shomu a fugir da capital, a cidade de Nara. No exílio, ele jurou seguir o caminho dos ensinamentos budistas e em 743 ordenou a construção do principal templo do país e a fundição de uma colossal estátua de bronze do Buda Vairochana (Buda Grande Sol ou Luz que Tudo Ilumina). Esta divindade foi considerada a encarnação universal de Buda Shakyamuni, o fundador dos ensinamentos budistas, e deveria se tornar o fiador da proteção do imperador e de todo o país durante o período de agitação e rebelião.

O trabalho começou em 745 e foi modelado na estátua gigante de Buda nos templos da caverna de Longmen, perto da capital chinesa Luoyang. A estátua em Nara, como qualquer imagem do Buda, deveria mostrar "grandes e pequenos sinais do Buda". Este cânone iconográfico incluía lóbulos das orelhas alongados, lembrando que Buda Shakyamuni veio de uma família principesca e desde a infância usava brincos pesados, uma elevação no topo da cabeça (ushnisha), um ponto na testa (urna).

A altura da estátua era de 16 metros, a largura do rosto era de 5 metros, o comprimento da palma estendida era de 3,7 metros e a urna era maior que uma cabeça humana. A construção consumiu 444 toneladas de cobre, 82 toneladas de estanho e uma enorme quantidade de ouro, cuja busca foi especialmente realizada no norte do país. Um salão, o Daibutsuden, foi erguido ao redor da estátua para proteger o santuário. Em seu pequeno espaço, uma figura de Buda sentada ligeiramente curvada preenche todo o espaço, ilustrando um dos principais postulados do budismo - a ideia de que a divindade é onipresente e onipenetrante, ela abraça e preenche tudo. A calma transcendental do rosto e o gesto da mão da divindade (mudra, o gesto de conceder proteção) complementam a sensação de calma grandeza e poder do Buda.

No entanto, apenas alguns fragmentos da estátua original permanecem hoje: incêndios e guerras causaram enormes danos à estátua nos séculos XII e XVI, e a estátua moderna é principalmente uma fundição do século XVIII. Durante a restauração do século XVIII, a figura de bronze não era mais coberta de ouro. O zelo budista do imperador Shomu no século 8 praticamente esvaziou o tesouro e sangrou o país já chocado, e os governantes posteriores não podiam mais arcar com tais gastos imoderados.

No entanto, o significado de Daibutsu não está no ouro e nem mesmo na autenticidade confiável - a própria ideia de uma personificação tão grandiosa dos ensinamentos budistas é um monumento a uma época em que a arte monumental japonesa experimentou um florescimento genuíno, libertou-se de cópia cega de amostras continentais e alcançou integridade e expressividade, que posteriormente foram perdidas.

Os japoneses descobriram a beleza escondida nas coisas nos séculos IX-XII, na era Heian (794-1185) e até a designaram com um conceito especial " mono não avare"(Japonês: 物の哀れ (もののあわれ)), que significa "o triste encanto das coisas." “O encanto das coisas” é uma das primeiras definições de beleza na literatura japonesa, está associada à crença xintoísta de que cada coisa tem sua própria divindade - kami - e seu próprio charme único. Avaré é a essência interior das coisas, aquilo que causa deleite, emoção.

- Washi (wasi) ou wagami (wagami).
Fabricação manual de papel. Os japoneses medievais valorizavam o washi não apenas por suas qualidades práticas, mas também por sua beleza. Ela era famosa por sua sutileza, quase transparência, que, no entanto, não a privou de força. Washi é feito da casca da árvore kozo (amoreira) e algumas outras árvores.
O papel Washi foi preservado por séculos, prova disso são os álbuns e volumes da antiga caligrafia japonesa, pinturas, telas, gravuras que chegaram ao longo dos séculos até os dias atuais.
O papel de Vasya é fibroso, se você olhar através de um microscópio, verá rachaduras por onde penetram o ar e a luz do sol. Essa qualidade é utilizada na fabricação de biombos e lanternas tradicionais japonesas.
As lembranças Washi são muito populares entre os europeus. Muitos itens pequenos e úteis são feitos desse papel: carteiras, envelopes, leques. Eles são bastante duráveis, mas leves.

- Gohei.
mascote de tiras de papel. Gohei - um bastão ritual de um sacerdote xintoísta, ao qual são anexadas tiras de papel em zigue-zague. As mesmas tiras de papel são penduradas na entrada de um santuário xintoísta. O papel do papel no xintoísmo tem sido tradicionalmente muito grande, e o significado esotérico sempre foi atribuído aos produtos feitos a partir dele. E a crença de que cada coisa, cada fenômeno, até mesmo as palavras, contêm um kami - uma divindade - explica o aparecimento desse tipo Artes Aplicadas como Gohei. O xintoísmo é um pouco semelhante ao nosso paganismo. Para os xintoístas, o kami está especialmente disposto a residir em qualquer coisa fora do comum. Por exemplo, no papel. E ainda mais em um gohei torcido em um intrincado zigue-zague, que hoje paira em frente à entrada dos santuários xintoístas e indica a presença de uma divindade no templo. Existem 20 maneiras de dobrar o gohei, e aquelas que são dobradas de maneira incomum atraem o kami. Gohei é predominantemente branco, mas ouro, prata e muitos outros tons também são encontrados. Desde o século IX, existe o costume no Japão de fortalecer o gohei nos cinturões dos lutadores de sumô antes do início da luta.

-Anesama.
Esta é a fabricação de bonecas de papel. No século 19, as esposas dos samurais faziam bonecas de papel com as quais as crianças brincavam, vestindo-as com roupas diferentes. Nos tempos em que não havia brinquedos, a anesama era a única interlocutora das crianças, “desempenhando” o papel de mãe, irmã mais velha, criança e amiga.
A boneca é dobrada em papel washi japonês, o cabelo é feito de papel amassado, tingido com tinta e coberto com cola, que dá brilho. característica distintivaé um narizinho bonito em um rosto alongado. Hoje, este brinquedo simples, que não requer nada além de mãos hábeis, de forma tradicional, continua a ser feito da mesma forma que antes.

- Origami.
A antiga arte de dobrar papel (折り紙, lit.: "papel dobrado"). A arte do origami tem suas raízes na China antiga onde o papel foi inventado. Inicialmente, o origami foi usado em cerimônias religiosas. Por muito tempo, esse tipo de arte esteve ao alcance apenas de representantes das classes altas, onde sinal de bom gosto era a posse de técnicas de dobradura de papel. Somente após a Segunda Guerra Mundial, o origami foi além do Oriente e chegou à América e à Europa, onde imediatamente encontrou seus fãs. O origami clássico é dobrado de uma folha quadrada de papel.
Existe um certo conjunto de símbolos convencionais necessários para esboçar o esquema de dobragem até mesmo do produto mais complexo. A maioria dos sinais convencionais foram colocados em prática em meados do século XX pelo famoso mestre japonês Akira Yoshizawa.
O origami clássico prescreve o uso de uma folha de papel quadrada uniformemente colorida sem cola e tesoura. As formas de arte contemporânea às vezes se desviam desse cânone.

-Kirigami.
Kirigami é a arte de cortar várias formas de uma folha de papel dobrada várias vezes com a ajuda de uma tesoura. Um tipo de origami que permite o uso de tesoura e recorte de papel no processo de confecção do modelo. Esta é a principal diferença entre kirigami e outras técnicas de dobragem de papel, que é enfatizada no nome: 切る (kiru) - corte, 紙 (gami) - papel. Todos nós adoramos cortar flocos de neve na infância - uma variante do kirigami, você pode cortar não apenas flocos de neve, mas também várias figuras, flores, guirlandas e outras coisas fofas de papel usando essa técnica. Esses produtos podem ser usados ​​como estênceis para impressões, decorações de álbuns, cartões postais, porta-retratos, design de moda, design de interiores e outras decorações diversas.

-Ikebana.
Ikebana, (Jap 生け花 ou いけばな) traduzido do idioma japonês- ike” - vida, “bana” - flores, ou “flores que vivem”. A arte japonesa de arranjos florais é uma das mais belas tradições do povo japonês. Ao compilar o ikebana, junto com as flores, são utilizados galhos cortados, folhas e brotos. O princípio fundamental é a simplicidade requintada, para alcançar o que eles tentam enfatizar beleza natural plantas. Ikebana é a criação de uma nova forma natural, na qual a beleza de uma flor e a beleza da alma do mestre que cria a composição se combinam harmoniosamente.
Hoje no Japão existem 4 grandes escolas de ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Além deles, existem cerca de mil direções e tendências diferentes que aderem a uma dessas escolas.

- Oribana.
Em meados do século XVII, duas escolas de ohara (a forma principal de ikebana - oribana) e koryu (a forma principal - sek) partiram de ikenobo. A propósito, a escola ohara ainda estuda apenas oribanu. Como dizem os japoneses, é muito importante que o origami não se transforme em origami. Gomi significa lixo em japonês. Afinal, acontece que você dobrou um pedaço de papel e o que fazer com ele? Oribana oferece muitas ideias de buquês para decorar o interior. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Erro.
Um tipo de arte nascida da floricultura. A floricultura surgiu em nosso país há oito anos, embora exista no Japão há mais de seiscentos anos. Em algum momento da Idade Média, o samurai compreendeu o caminho de um guerreiro. E oshibana fazia parte desse caminho, assim como escrever hieróglifos e empunhar uma espada. O significado do erro foi que no estado de presença total no momento (satori), o mestre criou uma imagem de flores secas (flores prensadas). Então esta imagem poderia servir como uma chave, um guia para aqueles que estavam prontos para entrar no silêncio e experimentar o mesmo satori.
A essência da arte de "oshibana" é que, ao recolher e secar flores, ervas, folhas, cascas sob pressão e colá-las na base, o autor cria com a ajuda das plantas uma verdadeira obra de "pintura". Ou seja, errado é pintar com plantas.
Criatividade artística floristas baseia-se na preservação da forma, cor e textura do material vegetal seco. Os japoneses desenvolveram uma técnica para proteger as pinturas "oshibana" do desbotamento e escurecimento. A sua essência é que o ar é bombeado entre o vidro e a imagem e é criado um vácuo que evita que as plantas estraguem.
Atrai não só o não convencional desta arte, mas também a oportunidade de mostrar imaginação, bom gosto, conhecimento das propriedades das plantas. Os floristas criam ornamentos, paisagens, naturezas-mortas, retratos e pinturas de histórias.

- Bonsais.
O bonsai, como fenômeno, surgiu na China há mais de mil anos, mas essa cultura atingiu seu auge de desenvolvimento apenas no Japão. (bonsai - japonês 盆栽 lit. "planta em um vaso") - a arte de cultivar uma cópia exata de uma árvore real em miniatura. Estas plantas foram cultivadas por monges budistas vários séculos antes da nossa era e, posteriormente, tornaram-se uma das atividades da nobreza local.
Bonsai adornava casas e jardins japoneses. Na era Tokugawa, o design do parque recebeu um novo impulso: o cultivo de azáleas e bordos tornou-se um passatempo para os ricos. A produção de culturas anãs (hachi-no-ki - "árvore em uma panela") também se desenvolveu, mas os bonsai da época eram muito grandes.
Agora, as árvores comuns são usadas para bonsai, elas se tornam pequenas devido à poda constante e a vários outros métodos. Ao mesmo tempo, a proporção dos tamanhos do sistema radicular, limitado pelo volume da tigela, e a parte moída do bonsai corresponde às proporções de uma árvore adulta na natureza.

-Mizuhiki.
Analógico macramê. Esta é uma antiga arte aplicada japonesa de amarrar vários nós de cordas especiais e criar padrões a partir deles. Essas obras de arte tinham um escopo extremamente amplo - de cartões-presente e cartas a penteados e bolsas. Atualmente, o mizuhiki é amplamente utilizado na indústria de presentes - para cada evento na vida, um presente deve ser embrulhado e amarrado de uma maneira muito específica. Existem muitos nós e composições na arte do mizuhiki, e nem todo japonês os conhece de cor. Claro, existem os nós mais comuns e simples que são usados ​​\u200b\u200bcom mais frequência: para parabéns pelo nascimento de um filho, por um casamento ou comemoração, aniversário ou admissão na universidade.

-Kumihimo.
Kumihimo é um cordão trançado japonês. Ao tecer fios, são obtidas fitas e rendas. Esses cadarços são tecidos em máquinas especiais - Marudai e Takadai. A máquina Marudai é usada para tecer rendas redondas e a Takadai para rendas planas. Kumihimo em japonês significa "tecer cordas" (kumi - tecer, dobrar, himo - corda, renda). Apesar de os historiadores teimosamente insistirem que tecelagem semelhante pode ser encontrada entre os escandinavos e os habitantes dos Andes, a arte japonesa do kumihimo é de fato um dos tipos mais antigos de tecelagem. A primeira menção a ele remonta a 550, quando o budismo se espalhou por todo o Japão e as cerimônias especiais exigiam decorações especiais. Mais tarde, os cadarços de kumihimo começaram a ser usados ​​\u200b\u200bcomo fixador do cinto obi em um quimono feminino, como cordas para "empacotar" todo o arsenal de armas samurai (os samurais usavam o kumihimo para fins decorativos e funcionais para amarrar suas armaduras e armaduras de cavalo) e também para amarrar objetos pesados.
Uma variedade de padrões de kumihimo modernos são tecidos com muita facilidade em teares de papelão feitos em casa.

- Komono.
O que resta de um quimono depois de cumprir sua pena? Você acha que está sendo jogado fora? Nada como isto! Os japoneses nunca farão isso. Quimonos são caros. É impensável e impossível simplesmente jogá-lo fora assim... Junto com outros tipos de reciclagem de quimonos, as artesãs faziam pequenas lembrancinhas com pequenos retalhos. São brinquedinhos para crianças, bonecas, broches, guirlandas, bijuterias femininas e outros produtos, o velho quimono é utilizado na fabricação de pequenas coisinhas fofas, que são coletivamente chamadas de "komono". Pequenas coisas que vão ganhar vida própria, continuando o caminho do quimono. Isso é o que a palavra "komono" significa.

- Kanzashi.
A arte de decorar grampos de cabelo (na maioria das vezes decorados com flores (borboletas, etc.) feitos de tecido (principalmente seda). Kanzashi japonês (kanzashi) é um grampo longo para um penteado feminino japonês tradicional. Eles eram feitos de madeira, laca, prata, carapaça de tartaruga usada em penteados tradicionais chineses e japoneses. Cerca de 400 anos atrás, no Japão, o estilo dos penteados femininos mudou: as mulheres pararam de pentear o cabelo da forma tradicional - taregami (cabelo longo e liso) e começaram a estilizá-lo de forma intrincada e formas bizarras - nihongami. usava vários itens - grampos de cabelo, bastões, pentes. Foi então que mesmo um simples pente-pente kushi se transforma em um acessório elegante de beleza extraordinária, que se torna uma verdadeira obra de arte. O traje tradicional das mulheres japonesas não permitia jóias de pulso e colares, então os penteados eram beleza principal e um campo de autoexpressão - além de demonstrar o gosto e a espessura da carteira do dono. Nas gravuras, você pode ver - se olhar de perto - como as mulheres japonesas penduram facilmente até vinte kanzashi caros em seus penteados.
Agora há um ressurgimento da tradição de usar kanzashi entre as jovens japonesas que desejam adicionar sofisticação e elegância aos seus penteados, presilhas modernas podem ser adornadas com apenas uma ou duas delicadas flores artesanais.

-Kinusaiga.
Um incrível tipo de bordado do Japão. Kinusaiga (絹彩画) é um cruzamento entre batik e patchwork. A ideia principal é que novas pinturas sejam coletadas peça por peça de velhos quimonos de seda - verdadeiras obras arte.
Primeiro, o artista faz um esboço no papel. Então este desenho é transferido para uma placa de madeira. O contorno do padrão é recortado com sulcos, ou sulcos, e então pequenos retalhos, combinando em cor e tom, são cortados do velho quimono de seda, e as bordas desses retalhos preenchem os sulcos. Quando você olha para uma foto dessas, tem a sensação de estar olhando uma fotografia, ou mesmo apenas observando a paisagem pela janela, de tão realistas.

-Temari.
Estas são as tradicionais bolas geométricas japonesas bordadas feitas com pontos simples que já foram um brinquedo infantil e agora se tornaram uma forma de arte com muitos fãs não apenas no Japão, mas em todo o mundo. Acredita-se que há muito tempo esses produtos eram feitos por esposas de samurais para entretenimento. No início, eles eram realmente usados ​​como uma bola para um jogo de bola, mas aos poucos foram adquirindo elementos artísticos, transformando-se posteriormente em ornamentos decorativos. A beleza delicada dessas bolas é conhecida em todo o Japão. E hoje, produtos coloridos e cuidadosamente elaborados são um dos tipos de artesanato popular no Japão.

- Yubinuki.
Dedais japoneses, ao costurar ou bordar à mão, são colocados na falange média do dedo médio da mão ativa, com a ajuda das pontas dos dedos a agulha recebe a direção desejada e a agulha é empurrada através do anel no meio dedo no trabalho. Inicialmente, os dedais yubinuki japoneses eram feitos de forma bastante simples - uma tira de tecido denso ou couro com cerca de 1 cm de largura em várias camadas era bem enrolada no dedo e presa com alguns pontos decorativos simples. Como os yubinuki eram um item necessário em todas as casas, eles começaram a ser decorados com bordados geométricos com fios de seda. Do entrelaçamento de pontos, coloridos e padrões intrincados. Yubinuki de um simples item doméstico também se transformou em um objeto para "admirar", decoração da vida cotidiana.
Yubinuki ainda são usados ​​em costura e bordado, mas também podem ser encontrados simplesmente usados ​​nas mãos em qualquer dedo, como anéis decorativos. O bordado estilo Yubinuki é usado para decorar vários objetos em forma de anel - argolas de guardanapo, pulseiras, suportes temari, decorados com bordados yubinuki, e também existem camas de agulhas bordadas no mesmo estilo. Os padrões Yubinuki podem ser uma grande inspiração para o bordado temari obi.

- Suibokuga ou sumie.
Pintura a tinta japonesa. Esse estilo chinês a pintura foi emprestada por artistas japoneses no século XIV e no final do século XV. tornou-se o mainstream da pintura no Japão. Suibokuga é monocromático. Caracteriza-se pelo uso de tinta preta (sumi), uma forma sólida carvão ou feito da fuligem da tinta chinesa, que é moída em um tinteiro, diluída em água e aplicada com pincel sobre papel ou seda. O monocromático oferece ao mestre uma escolha infinita de opções tonais, que os chineses há muito reconheceram como as “cores” da tinta. Suibokuga às vezes permite o uso de cores reais, mas limita-o a traços finos e transparentes que sempre permanecem subordinados à linha de tinta. A pintura a tinta compartilha com a arte da caligrafia características essenciais como expressão rigidamente controlada e domínio técnico da forma. A qualidade da pintura a tinta se resume, como na caligrafia, à integridade e resistência ao rasgo da linha desenhada a tinta, que, por assim dizer, mantém a obra de arte sobre si mesma, assim como os ossos mantêm os tecidos sobre si mesmos.

-Etegami.
Postais desenhados (e - imagem, marcado - carta). A confecção de cartões postais faça você mesmo é geralmente uma atividade muito popular no Japão e, antes do feriado, sua popularidade aumenta ainda mais. Os japoneses adoram enviar cartões postais para os amigos e também adoram recebê-los. Este é um tipo de carta rápida em espaços em branco especiais, pode ser enviada pelo correio sem envelope. Não em etegami regras especiais ou um técnico, pode ser qualquer pessoa sem treinamento especial. O Etagami ajuda a expressar com precisão o humor, as impressões, é um cartão postal feito à mão composto por uma foto e uma carta curta, transmitindo as emoções do remetente, como calor, paixão, cuidado, amor, etc. Eles enviam esses cartões postais para as férias e assim, retratando as estações do ano, atividades, vegetais e frutas, pessoas e animais. Quanto mais simples esta imagem for desenhada, mais interessante ela parecerá.

- Furoshiki.
Técnica de embrulho japonesa ou a arte de dobrar tecidos. Furoshiki entrou na vida dos japoneses por muito tempo. Antigos pergaminhos do período Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) foram preservados com imagens de mulheres carregando fardos de roupas enroladas em panos na cabeça. Esta técnica interessante se originou em 710 - 794 DC no Japão. A palavra "furoshiki" se traduz literalmente como "tapete de banho" e é um pedaço quadrado de tecido usado para embrulhar e carregar objetos de todas as formas e tamanhos.
Antigamente, era costume andar nos banhos japoneses (furo) em quimonos leves de algodão, que os visitantes traziam de casa. O banhista também trazia um tapete especial (shiki) sobre o qual ficava em pé enquanto se despia. Depois de vestir um quimono de "banho", o visitante enrolou suas roupas em um tapete e, após o banho, enrolou um quimono molhado em um tapete para trazê-lo para casa. Assim, o tapete de banho se tornou uma bolsa multifuncional.
O Furoshiki é muito fácil de usar: o tecido assume a forma do objeto que você embrulha e as alças facilitam o transporte da carga. Além disso, um presente embrulhado não em papel duro, mas em um tecido macio de várias camadas, adquire uma expressividade especial. Existem muitos esquemas para dobrar furoshiki para qualquer ocasião, cotidiana ou festiva.

- Amigurumis.
A arte japonesa de tricotar ou fazer crochê pequenos bichos de pelúcia e criaturas humanóides. Amigurumi (編み包み, lit.: “embrulhado em malha”) são na maioria das vezes animais fofos (como ursos, coelhos, gatos, cachorros, etc.), homenzinhos, mas também podem ser objetos inanimados dotados de propriedades humanas. Por exemplo, cupcakes, chapéus, bolsas e outros. Amigurumi é tricotado ou tricotado ou tricotado. Recentemente, o amigurumi de crochê se tornou mais popular e comum.
tricotado a partir de fios em um método simples de tricô - em espiral e, ao contrário do método europeu de tricô, os círculos geralmente não são conectados. Eles também são tricotados em um tamanho menor em relação à espessura do fio para criar um tecido muito denso, sem lacunas para a saída do enchimento. Os amigurumis costumam ser feitos de partes e depois montados, com exceção de alguns amigurumi, que não possuem membros, mas apenas cabeça e tronco, que são um todo. Os membros às vezes são preenchidos com pedaços de plástico para lhes dar peso vivo, enquanto o resto do corpo é preenchido com fibra.
A difusão da estética amigurumi é facilitada por sua fofura (“kawaii”).

Ele criou suas pinturas durante o período Taise (1912-26) e no início de Showa. Ele nasceu em 1891
ano em Tóquio, era filho do jornalista Kishida Ginko. Em 1908 ele se formou na escola, com a idade de
Aos 15 anos tornou-se cristão e dedicou-se às atividades da igreja, então Kishida
Ryūsei estudou estilos de arte ocidentais no estúdio Hakubakai sob
Seiki Kuroda (1866-1924), que foi um dos fundadores da Academia de Artes do Japão.
Já em 1910, o jovem artista começou a expor sua obra na feira anual
Exposição do Estado de Banten. Suas primeiras obras, especialmente paisagens, foram pintadas
fortemente influenciado e ecoa o estilo de seu professor Kuroda Seiki.

Reiko retrato

Mais tarde, o artista conheceu e tornou-se amigo de Musanoka Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu),
que apresentou o artista à sociedade Sirakaba (Bétula Branca) e o apresentou à sociedade
Fauvismo e Cubismo. A formação de Kishida Ryūsei como artista aconteceu no primeiro
década do século XX, quando muitos jovens artistas japoneses partiram para estudar
pintando no exterior, principalmente para Paris. Kishida Ryūsei nunca esteve na Europa e
não estudou com mestres europeus, mas a influência do pós-impressionismo europeu sobre ele
era enorme, especialmente a obra de Van Gogh e Cézanne. Do final de 1911 ao início
1912 inspirou-se na obra de artistas franceses contemporâneos, com cuja obra
Ele conheceu na revista Shirakaba e através de livros ilustrados. Seus primeiros trabalhos são claramente
criado sob a influência de Henri Matisse e os fauvistas.

Auto-retrato com chapéu, 1912
estilo: fauvismo

Em 1912, aos 21 anos, Kishida Ryūsei estreou como
artista profissional, sua primeira exposição individual ocorreu em
Galeria de Arte Rokando. No mesmo ano, o artista organizou sua
Fyizankai Art Circle para estudar e promover
pós-impressionismo.

Jardim do Presidente da South Manchurian Railway Company 1929

O círculo logo se desfez devido a conflitos internos após duas exposições.
Por volta de 1914, o artista abandonou o fauvismo, seu estilo inicial. Em 1915
ano, Kishida Reisai criou o grupo Shodosa, no qual seu principal camarada, aluno
e o artista Michisai Kono era um seguidor.

Caminho no início do verão de 1917
estilo: yoga ka

Desde então, ele desenvolveu seu próprio estilo único de um grande mestre, em japonês
no idioma é chamado de "shajitsu" ou "shasei", geralmente traduzido para o russo como realismo.
O artista simplifica as formas, encontra uma cor única, tudo isso vem da arte
Cézanne. Embora Kishida Reisai apreciasse muito a arte da França, mas no período posterior ele
considerava a arte oriental muito superior à arte ocidental.

Estrada cortada por uma colina, 1915
estilo: yoga ka

Retrato de Bernard Leach, 1913
estilo: fauvismo

Auto-retrato, 1915,
estilo: yoga ka

Auto-retrato, 1913,
estilo: yoga ka

Auto-retrato, 1917,
estilo: yoga ka

Retrato de um homem
estilo: yoga ka

Por volta de 1917, o artista mudou-se para Kugenuma Fujisawa na área de Kanagawa. Ele começou
estudar os estilos e técnicas de artistas renascentistas do norte da Europa, como
Durer e Van Dyck. Durante este período ele pintou sua famosa série de pinturas da filha de Reiko,
que combinam o realismo quase fotográfico com o surreal
elementos decorativos. No início da década de 1920, Kishida Ryūsei se interessou por
elementos da arte oriental, em particular, às pinturas chinesas "Canções" e
"Dinastia Yuan".

"Retrato de Sanada Hisakichi"

Durante o Grande Terremoto de Kanto em 1923, a casa do artista em Kugenum foi
destruído, Kishida Ryūsei mudou-se para Kyoto por um curto período, após o qual em fevereiro
1926 voltou a viver em Kamakura. Na década de 1920, o artista pintou inúmeras
artigos sobre a estética e a história da pintura japonesa.

Xícara de chá Tigela de chá e três maçãs verdes, 1917
estilo: sezannismo

Natureza morta, 1918,
estilo: sezannismo

Duas maçãs vermelhas, xícara de chá, tigela de chá e uma garrafa, 1918
estilo: sezannismo

Em 1929, com a ajuda da South Manchurian Railway, Kishida Ryūsei fez
a única viagem internacional da minha vida, visitando Dalian, Harbin e Fengtian
na Manchúria. No caminho de volta para casa, fez uma parada na cidade de Tokuyama, distrito
Yamaguchi, onde morreu repentinamente de auto-envenenamento agudo do corpo. Kishida Ryusei
criou seus retratos, paisagens e naturezas mortas até sua morte prematura na idade de
38 anos. O túmulo do artista está localizado no Cemitério Tama Reien, em Tóquio. Após a morte
Kishida Ryūsei a duas de suas pinturas Agência do Governo Japonês para Assuntos Culturais
agraciado com o título de "Nacional valor cultural". Em dezembro de 2000, um dos
seu retrato de sua filha Reiko com um lenço nos ombros foi vendido por 360 milhões de ienes, o que
tornou-se o preço mais alto em leilões de pintura japonesa.

A vasta região, convencionalmente chamada de Extremo Oriente, inclui China, Japão, Coréia, Mongólia e Tibete - países que têm várias semelhanças, mas ao mesmo tempo diferenças culturais significativas.

Todos os países do Extremo Oriente foram influenciados pelas antigas civilizações da China e da Índia, onde já no primeiro milênio aC surgiram ensinamentos filosóficos e religiosos que lançaram as bases para o conceito de natureza como um Cosmos abrangente - um mundo vivo e espiritualizado organismo que vive de acordo com suas próprias leis. A natureza esteve no centro das buscas filosóficas e artísticas de todo o período medieval, e suas leis eram consideradas universais, determinando a vida e as relações das pessoas. O mundo interior do homem foi comparado com as diversas manifestações da natureza. Isso influenciou o desenvolvimento do método simbólico nas artes visuais, definindo sua linguagem poética alegórica. Na China, Japão e Coréia, sob a influência de tal atitude para com a natureza, formaram-se tipos e gêneros de arte, construíram-se conjuntos arquitetônicos intimamente relacionados com a paisagem circundante, arte do jardim e, finalmente, houve o surgimento da pintura de paisagem. Sob a influência da antiga civilização indiana, o budismo começou a se espalhar e o hinduísmo também começou a se espalhar na Mongólia e no Tibete. Esses sistemas religiosos trouxeram não apenas novas ideias para os países do Extremo Oriente, mas também tiveram um impacto direto no desenvolvimento da arte. Graças ao budismo, uma nova linguagem artística de escultura e pintura até então desconhecida apareceu em todos os países da região, conjuntos foram criados, cuja característica era a interação da arquitetura e das artes plásticas.

As características da imagem das divindades budistas na escultura e na pintura evoluíram ao longo dos séculos como uma linguagem simbólica especial que expressava ideias sobre o universo, as leis morais e o destino do homem. Assim, a experiência cultural e as tradições espirituais de muitos povos foram consolidadas e preservadas. As imagens da arte budista incorporam as ideias do confronto entre o bem e o mal, a misericórdia, o amor e a esperança. Todas essas qualidades determinaram a originalidade e o significado universal das criações marcantes da cultura artística do Extremo Oriente.

O Japão está localizado nas ilhas do Oceano Pacífico, estendendo-se ao longo da costa leste do continente asiático de norte a sul. ilhas japonesas localizado em uma área propensa a terremotos e tufões frequentes. Os habitantes das ilhas estão acostumados a estar constantemente em guarda, contentando-se com uma vida modesta, restaurando rapidamente suas casas e famílias após desastres naturais. Apesar dos elementos naturais que constantemente ameaçam o bem-estar das pessoas, a cultura japonesa reflete o desejo de harmonia com o mundo exterior, a capacidade de ver a beleza da natureza em grandes e pequenos.

Na mitologia japonesa, os cônjuges divinos, Izanagi e Izanami, eram considerados os ancestrais de tudo no mundo. Deles veio uma tríade de grandes deuses: Amaterasu - a deusa do Sol, Tsukiyomi - a deusa da Lua e Susanoo - o deus da tempestade e do vento. De acordo com as idéias dos antigos japoneses, as divindades não tinham uma aparência visível, mas estavam incorporadas na própria natureza - não apenas no Sol e na Lua, mas também em montanhas e rochas, rios e cachoeiras, árvores e ervas, que eram reverenciados como espíritos-kami (eslovacos na tradução do japonês significa vento divino). Essa deificação da natureza persistiu durante todo o período da Idade Média e foi chamada de xintoísmo - o caminho dos deuses, tornando-se a religião nacional japonesa; Os europeus chamam de xintoísmo. As origens da cultura japonesa estão enraizadas na antiguidade. As primeiras obras de arte datam do 4º...2º milênio AC. O mais longo e frutífero para a arte japonesa foi o período da Idade Média (século VI...XIX).

O projeto de uma casa tradicional japonesa desenvolvida nos séculos XVII-XVIII. É uma moldura de madeira com três paredes móveis e uma fixa. As paredes não exercem a função de suporte, podendo ser afastadas ou mesmo removidas, servindo ao mesmo tempo de janela. Na estação quente, as paredes eram uma estrutura treliçada, colada com papel translúcido que deixava passar a luz, e na estação fria e chuvosa eram cobertas ou substituídas por painéis de madeira. Com alta umidade no clima japonês, a casa deve ser ventilada por baixo. Portanto, é elevado acima do nível do solo em 60 cm, para proteger os pilares de sustentação da deterioração, eles foram instalados em fundações de pedra.

A estrutura de madeira leve tinha a flexibilidade necessária, o que reduzia a força destrutiva do empurrão durante os frequentes terremotos no país. O telhado, de telha ou junco, tinha grandes copas que protegiam as paredes de papel da casa da chuva e do sol escaldante do verão, mas não retinham a pouca luz do sol no inverno, início da primavera e final do outono. Sob o dossel do telhado havia uma varanda.

O chão das salas de estar estava coberto de tapetes - tatames, nos quais eles se sentavam principalmente, não de pé. Portanto, todas as proporções da casa foram focadas em uma pessoa sentada. Como não havia móveis permanentes na casa, dormiam no chão, em colchões especiais grossos, que eram guardados nos armários durante o dia. Comiam sentados em esteiras, em mesas baixas, serviam também para várias ocupações. Divisórias internas deslizantes, forradas com papel ou seda, podiam dividir os ambientes internos conforme as necessidades, o que possibilitava usos mais diversificados, porém, era impossível para cada um de seus habitantes retirar-se totalmente dentro da casa, o que afetava intra -relações familiares na família japonesa, e em um sentido mais geral - nas características do caráter nacional dos japoneses. Detalhe importante em casa - um nicho localizado próximo a uma parede fixa - tokonama, onde poderia pendurar um quadro ou uma composição de flores - ikebana. Era o centro espiritual da casa. Na decoração do nicho, manifestaram-se as qualidades individuais dos habitantes da casa, os seus gostos e inclinações artísticas.

Uma continuação da casa tradicional japonesa era um jardim. Ele desempenhou o papel de cerca e ao mesmo tempo conectou a casa com ambiente. Quando as paredes externas da casa foram afastadas, o limite entre o espaço interno da casa e o jardim desapareceu e foi criada uma sensação de proximidade com a natureza, uma comunicação direta com ela. Era característica importante sentimento nacional. No entanto, as cidades japonesas cresceram, o tamanho do jardim diminuiu, muitas vezes foi substituído por uma pequena composição simbólica de flores e plantas, que cumpria o mesmo papel de contato entre a habitação e o mundo natural. mitologia japonesa casa ikebana netsuke

A arte de colocar flores em vasos - ikebbna (a vida das flores) - remonta ao antigo costume de colocar flores no altar de uma divindade, que se espalhou para o Japão com o budismo no século VI. Na maioria das vezes, a composição no estilo da época - rikka (flores plantadas) - consistia em um galho de pinheiro ou cipreste e lótus, rosas, narcisos, instalados em antigos vasos de bronze.

Com desenvolvimento cultura secular nos séculos X...XII, arranjos de flores foram instalados em palácios e bairros residenciais de representantes da classe aristocrática. Na corte imperial, concursos especiais para arranjos de buquês tornaram-se populares. Na segunda metade do século XV, surgiu uma nova direção na arte do ikebana, cujo fundador foi o mestre Ikenobo Sen'ei. As obras da escola Ikenobo se destacavam por sua especial beleza e sofisticação, eram instaladas em altares domésticos e oferecidas como presentes. No século 16, com a difusão das cerimônias do chá, formou-se um tipo especial de ikebana para decorar o nicho tokonoma no pavilhão do chá. A exigência de simplicidade, harmonia, cores contidas, apresentadas a todos os objetos do culto do chá, estendeu-se ao desenho das flores - tyabana (ikebana para a cerimônia do chá). O famoso mestre do chá Senno Rikyu criou um estilo novo e mais livre - nageire (flores colocadas descuidadamente), embora fosse na aparente desordem que residisse a especial complexidade e beleza das imagens desse estilo. Um dos tipos de nageire era o chamado tsuribana, quando as plantas eram colocadas em um vaso suspenso em forma de barco. Tais composições eram oferecidas a quem tomava posse ou se formava na escola, pois simbolizavam “sair para o mar aberto da vida”. Nos séculos 17...19, a arte do ikebana se difundiu e surgiu o costume de treinar compulsoriamente as meninas na arte de fazer buquês. No entanto, devido à popularidade do ikebana, as composições foram simplificadas e as regras estritas do stylerikka tiveram que ser abandonadas em favor do nageire, do qual surgiu outro novo estilo de seika ou shoka (flores vivas). No final do século XIX, o mestre Ohara Usin criou o estilo moribana, cuja principal inovação foi o fato de as flores serem colocadas em vasos largos.

Na composição do ikebana, via de regra, existem três elementos obrigatórios, denotando os três princípios: Céu, Terra e Homem. Eles podem ser incorporados como uma flor, galho e grama. Seu relacionamento entre si e elementos adicionais cria obras de diferentes estilos e conteúdos. A tarefa do artista não é apenas criar uma bela composição, mas também transmitir de maneira mais completa seus próprios pensamentos sobre a vida de uma pessoa e seu lugar no mundo. As obras de excelentes mestres de ikebana podem expressar esperança e tristeza, harmonia espiritual e tristeza.

Segundo a tradição do ikebana, a estação é necessariamente reproduzida, e a combinação de plantas forma votos simbólicos bem conhecidos no Japão: pinheiro e rosa - longevidade; peônia e bambu - prosperidade e paz; crisântemo e orquídea - alegria; magnólia - pureza espiritual, etc.

Escultura em miniatura - o netsuke se espalhou nos séculos 18-19 como um dos tipos de artes e ofícios. Sua aparência se deve ao fato de que o traje nacional japonês - quimono - não tem bolsos e todos os pequenos itens necessários (cachimbo, bolsa, caixa de remédios) são presos ao cinto por meio de um chaveiro de contrapeso. Netsuke, portanto, necessariamente tem um orifício para uma renda, com a ajuda da qual o objeto desejado é preso a ela. Antes eram usados ​​chaveiros em forma de bastões e botões, mas desde o final do século 18, mestres conhecidos já trabalhavam na criação de netsuke, colocando sua assinatura nas obras.

Netsuke é a arte da classe urbana, massificada e democrática. De acordo com as tramas dos netsuke, pode-se julgar as necessidades espirituais, interesses cotidianos, costumes e costumes das pessoas da cidade. Eles acreditavam em espíritos e demônios, que muitas vezes eram representados em esculturas em miniatura. Eles adoraram as estatuetas dos "sete deuses da felicidade", entre os quais os mais populares eram o deus da riqueza Daikoku e o deus da felicidade Fukuroku. As tramas constantes dos netsuke eram as seguintes: uma berinjela rachada com muitas sementes dentro - um desejo de uma grande prole masculina, dois patos - um símbolo felicidade familiar. Um grande número de netsuke se dedica a temas cotidianos e ao cotidiano da cidade. São atores e mágicos errantes, vendedores ambulantes, mulheres fazendo várias atividades, monges errantes, lutadores, até os holandeses em seu exótico, do ponto de vista dos japoneses, roupas - chapéus de abas largas, camisolas e calças. Distinguidos pela diversidade temática, os netsuke mantiveram a sua função original de porta-chaves, e esta função ditou aos artesãos uma forma compacta sem frágeis detalhes salientes, arredondada, agradável ao tacto. A escolha do material também está ligada a isso: não muito pesado, durável, constituído por uma peça. Os materiais mais comuns foram diferentes tipos de madeira, marfim, cerâmica, laca e metal.

A pintura japonesa é muito diversa não só no conteúdo, mas também na forma: são pinturas murais, telas, pergaminhos verticais e horizontais, executados em seda e papel, folhas de álbuns e leques.

SOBRE pintura antiga só pode ser julgado por referências em documentos escritos. As primeiras obras pendentes sobreviventes datam do período Heian (794-1185). Estas são ilustrações do famoso "O Conto do Príncipe Genji" do escritor Murasaki Shikibu. As ilustrações foram feitas em vários pergaminhos horizontais e complementadas com texto. São atribuídos ao pincel do artista Fujiwara Takayoshi (primeira metade do século XII).

Uma característica da cultura daquela época, criada por um círculo bastante estreito da classe aristocrática, era o culto à beleza, o desejo de encontrar em todas as manifestações da vida material e espiritual seu encanto inerente, às vezes indescritível e indescritível. A pintura da época, mais tarde chamada de yamato-e (literalmente pintura japonesa), não transmitia uma ação, mas um estado de espírito. Quando os duros e corajosos representantes da classe militar chegaram ao poder, a cultura da era Heian começou a declinar. Na pintura dos pergaminhos, o princípio narrativo foi estabelecido: são lendas sobre milagres cheios de episódios dramáticos, biografias de pregadores da fé budista, cenas de batalhas de guerreiros. Nos séculos 14-15, sob a influência dos ensinamentos da seita zen, com sua atenção especial à natureza, começou a se desenvolver a pintura de paisagem (inicialmente sob a influência de modelos chineses).

Por um século e meio, os artistas japoneses dominaram o sistema de arte chinês, tornando a pintura de paisagem monocromática propriedade da arte nacional. A sua floração mais elevada está associada ao nome do notável mestre Toyo Oda (1420...1506), mais conhecido pelo pseudónimo de Sesshu. Em suas paisagens, usando apenas os mais finos tons de tinta preta, ele conseguiu refletir toda a multicoloridade do mundo natural e seus incontáveis ​​estados: a atmosfera saturada de umidade do início da primavera, o vento invisível, mas sentido, e a fria chuva de outono, o imóvel quietude do inverno.

O século XVI abre a era da chamada final da idade média durou três séculos e meio. Nesta época, as pinturas murais se espalharam, decorando os palácios dos governantes do país e dos grandes senhores feudais. Um dos fundadores da nova direção da pintura foi o famoso mestre Kano Eitoku, que viveu na segunda metade do século XVI. A gravura em madeira (xilogravura), que floresceu nos séculos 18-19, tornou-se outro tipo de arte da Idade Média. A gravura, como a pintura de gênero, era chamada de ukiyo-e (imagens do mundo cotidiano). Além do artista que fez o desenho e escreveu seu nome na folha acabada, a gravura foi feita por um escultor e um impressor. No início, a gravura era monofônica, pintada à mão pelo próprio artista ou pelo comprador. Então a impressão em duas cores foi inventada e, em 1765, o artista Suzuki Harunobu (1725-1770) usou a impressão multicolorida pela primeira vez. Para isso, o escultor colocou um papel vegetal com um padrão em uma placa serrada longitudinal especialmente preparada (de pêra, cerejeira ou buxo japonês) e recortou o número necessário de placas impressas, dependendo do esquema de cores da gravura. Às vezes, havia mais de 30 deles. Em seguida, o impressor, escolhendo as tonalidades certas, fazia impressões em papel especial. Sua habilidade era conseguir uma correspondência exata dos contornos de cada cor, obtidos de diferentes tábuas de madeira. Todas as gravuras foram divididas em dois grupos: teatrais, que retratavam atores japoneses. teatro clássico Kabuki em vários papéis e na vida cotidiana, dedicado à imagem de belezas e cenas de suas vidas. O mestre mais famoso das gravuras teatrais foi Toshushai Syaraku, que fechar-se retratou os rostos dos atores, enfatizando as características do papel que desempenharam, traços de caráter uma pessoa reencarnada como personagem de uma peça: raiva, medo, crueldade, engano.

Artistas notáveis ​​como Suzuki Harunobu e Kitagawa Utamaro tornaram-se famosos na gravura da vida cotidiana. Utamaro foi o criador imagens femininas personificando o ideal nacional de beleza. Suas heroínas parecem ter congelado por um momento e agora continuarão seu movimento suave e gracioso. Mas esta pausa é o momento mais expressivo em que a inclinação da cabeça, o gesto da mão, a silhueta da figura transmitem os sentimentos que vivem.

O gravador mais famoso foi o brilhante artista Katsushika Hokusai (1776-1849). O trabalho de Hokusai é baseado na centenária cultura pictórica do Japão. Hokusai fez mais de 30.000 desenhos e ilustrou cerca de 500 livros. Já com setenta anos, Hokusai criou uma das obras mais significativas - uma série de "36 Vistas de Fuji", que lhe permite equiparar-se aos artistas mais destacados da arte mundial. Mostrando o Monte Fuji - o símbolo nacional do Japão - de diferentes lugares, Hokusai pela primeira vez revela a imagem da pátria e a imagem do povo em sua unidade. O artista via a vida como um processo único em toda a sua diversidade de manifestações, desde os simples sentimentos de uma pessoa, suas atividades diárias e terminando com natureza circundante com seus elementos e beleza. A obra de Hokusai, que absorveu a experiência secular da arte de seu povo, é o último auge da cultura artística Japão medieval, seu notável resultado.

O Japão sempre se destacou por sua atitude reverente em relação à preservação e reprodução de suas antigas tradições, e esta característica marcante torna o País sol Nascente um lugar único onde as inovações modernas são combinadas harmoniosamente com tradições culturais seculares na vida do povo japonês comum.

Se você já esteve no Japão antes, sem dúvida se deparou com tigelas de sopa vermelhas e pretas, bandejas, pauzinhos e muito mais. objetos lacados(suas contrapartes de baixa qualidade podem ser encontradas em nosso país). A arte da laca é um dos ofícios tradicionais japoneses que se originou nos tempos antigos - os primeiros produtos foram descobertos no Japão já no período Jomon (14.000-300 aC) - e sobreviveram até hoje. Nos tempos modernos, a laca japonesa foi exportada ativamente e se tornou uma espécie de "marca" do país - não é por acaso que no mundo ocidental a palavra "japão" adquiriu um segundo significado - "verniz, laca, aplique verniz".

laca japonesa é matéria orgânica feito da seiva da árvore urushi (漆), que é extraída arranhando a árvore. O verniz resultante também é chamado. Acredita-se que essa palavra venha de outras duas palavras japonesas: uruwashii (麗しい), que significa "bonito, belo", e uruosu (潤す), que significa "hidratar". O próprio hieróglifo urushi, ao contrário de outros nomes de árvores, que são escritos com a chave "árvore" [木] (桜 - sakura, 梅 - ameixa, 松 - pinheiro, etc.), tem a chave "água" [氵], o que enfatiza que essa árvore é mais valorizada por causa da água, ou seja, do suco contido nela. Em japonês, a laca é chamada de shikki (漆器: 漆 "verniz, madeira envernizada" + 器 "ferramenta, acessórios") ou nurimono (塗物: 塗る "aplicar, pintar" + 物 "coisa, objeto").

A laca curada forma uma camada protetora que repele a água e evita que a peça apodreça, além de torná-la menos suscetível ao ataque de ácidos, álcalis, sais e álcool. Como material para produtos, são utilizados madeira (o material mais comum), couro, papel, cerâmica, vidro, metal e até plástico. Existem muitas maneiras de criar e decorar utensílios de laca. Vamos falar um pouco hoje sobre os tipos mais famosos desse artesanato japonês.

Louça Ouchi

A arte de laca Ouchi originou-se na Prefeitura de Yamaguchi (山口県) através dos esforços do senhor da guerra Ouchi Hiroyo (1325-1380). Em um esforço para transformar suas posses em uma espécie de capital da época, Kyoto (京都), ele convidou ativamente vários mestres e artesãos, resultando em uma combinação das habilidades e ideias dos artesãos de Kyoto com tradições locais gerou uma nova cultura única.

artigos de laca Kishu

Aproximadamente nos séculos XIV-XVI. Monges budistas no templo Negoroji (na área da moderna cidade de Iwade (岩出市), Prefeitura de Wakayama (和歌山県) iniciaram a produção de utensílios de laca utilitários - pauzinhos, bandejas, tigelas, bem como um religioso culto - objetos para orações e mantras.Como seu artesanato não era perfeito, em alguns lugares havia manchas nos itens acabados. estilo especial produtos foi nomeado Negoro. No século XVII, com o apoio das autoridades do principado de Kishu, as lacas dos monges tornaram-se famosas, sendo-lhes atribuído o nome desta zona.

Bastões Wakasa Lacados

Esses utensílios de cozinha laqueados são fabricados na cidade de Obama (小浜市), província de Fukui (福井県). Mais de 80% de todos os pauzinhos envernizados no Japão são produzidos aqui. Essas varinhas de extraordinária beleza e graça são um presente de casamento popular na Terra do Sol Nascente.

artigos de laca odawara

Prefeitura de Kanagawa (神奈川県). Esse tipo de arte em laca remonta ao período Kamakura (1185-1333), quando o forte e influente clã Hojo promoveu ativamente o desenvolvimento do artesanato, transformando a cidade de Odawara (小田原市) em um centro de produção de laca. No período Edo (1603-1868), um grande número desses produtos foi exportado para Edo (atual Tóquio) - tigelas, bandejas e até armaduras laqueadas.

artigos de laca Kagawa

Prefeitura de Kagawa (香川県). Em 1638, Daimyo Yorishige Matsudaira chegou a esses lugares por nomeação do xogunato. Distinguiu-se pelo seu amor pela laca e pelas esculturas, pelo que começou a desenvolver este tipo de artes e ofícios no seu domínio. Dois séculos depois, graças ao trabalho do mestre Tsukoku Tamakaji (1807-1869), a laca Kagawa tornou-se famosa em todo o país. O uso de métodos especiais de retificação e polimento satura os produtos com brilho extraordinário.

Wajima lacquerware

Prefeitura de Ishikawa (石川県). O exemplo mais antigo desse tipo de arte é o portão laqueado do Templo Shigezo na cidade de Wajima (輪島市), construído por volta de 1397. Durante o período Edo (1603-1868), foi inventado o pó zinoko, feito de argila cozida triturada, o que tornou essas peças de laca incrivelmente duráveis, o que influenciou muito sua demanda entre a população.

laca Aizu

A louça Aizu é uma das artes tradicionais da Prefeitura de Fukushima (福島県). O aparecimento deste ofício remonta a 1590, quando o senhor feudal local Gamo Ujisato começou a convocar mestres de suas antigas posses, passando-os tecnologia mais recente artesanato daquela época. Como resultado, Aizu tornou-se um dos maiores fabricantes de laca. A expansão da produção abriu a possibilidade de exportar produtos para China e Holanda, o que glorificou a região em outros países.

artigos de laca Tsugaru

Tsugaru é o nome da parte ocidental da Prefeitura de Aomori (青森県). A arte da laca de Tsugaru teve origem nos séculos XVII e XVIII, quando o desenvolvimento industrial foi incentivado nas cidades durante o período Edo. O estilo tsugaru surgiu desse surgimento, pois os artesãos e artesãos da área receberam o ímpeto e oportunidades para desenvolver ainda mais suas habilidades. Ao criar produtos, o método usado há mais de 300 anos ainda é usado hoje.

Examinamos vários dos principais estilos de arte japonesa em laca. Sem dúvida, existem muitos mais deles, e muitos são complementados com novas técnicas e aprimorados.

O ofício japonês de criar artigos de laca originou-se nos tempos antigos e sobreviveu até hoje, sendo um dos tipos de artesanato mais elegantes, harmoniosos e espetaculares do mundo. Esta é uma das tradições culturais, sem a qual não seremos capazes de perceber plenamente a visão do mundo, os princípios estéticos e o caráter do povo japonês.

Pode ser difícil para uma pessoa inexperiente entender todos os tipos de laca no início. Portanto, é melhor percorrer as lojas onde são vendidos, vê-los ao vivo, conversar com o vendedor e, se quiser comprar algo para você e seus amigos de presente, escolha um item de seu agrado.

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