Reportagem sobre os estilos musicais da nova Idade Média. A música antiga e a idade média
Música era medieval - período de desenvolvimentocultura musical, abrangendo um período de tempo de aproximadamente 5 a 14 séculos dC .Durante a Idade Média na Europa um novo tipo de cultura musical está surgindo - feudal que combina arte profissional, música amadora e folclore. Desde a igreja domina em todas as áreas da vida espiritual, a base da arte musical profissional é a atividade dos músicos em templos e mosteiros . A arte profissional secular era inicialmente representada apenas por cantores que criavam e encenavam contos épicos na corte, nas casas da nobreza, entre guerreiros, etc. ( bardos, escaldos e etc). Com o tempo, desenvolveram-se formas amadoras e semi-profissionais de fazer música. cavalaria: na França - a arte dos trovadores e trouveurs (Adam de la Halle, século XIII), na Alemanha - minnesingers ( Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, séculos XII-XIII ), bem como urbano artesãos. Em castelos feudais e nas cidades todos os tipos de gêneros são cultivados, gêneros e formas de canções (épica, "amanhecer", rondo, le, virele, baladas, canzones, laudas, etc.).
Novas pessoas entram na vidainstrumentos musicais, incluindo aqueles que vieram de Oriente (viola, alaúde etc.), surgem conjuntos (de composições instáveis). O folclore floresce entre os camponeses. Existem também os "profissionais do povo": contadores de histórias , artistas sintéticos itinerantes ( malabaristas, mímicos, menestréis, shpilmans, bufões ). A música novamente desempenha funções principalmente aplicadas e espirituais-práticas. A criatividade atua em unidade comdesempenho(geralmente em uma pessoa).
E no conteúdo da música, e em sua forma domina coletividade ; o princípio individual obedece ao geral, sem dele se destacar (o músico-mestre é o melhor representante comunidades ). Reinado estrito em tudo tradição e canonicidade . Consolidação, preservação e divulgação tradições e padrões.
Gradualmente, embora lentamente, o conteúdo da música, sua gêneros, formas , meio de expressão. EM Europa Ocidental dos séculos 6 a 7 . um sistema estritamente regulado monofônico (monódico ) música de igreja baseado modos diatônicos ( Canto gregoriano), combinando recitação (salmodia) e canto (hinos ). Na virada do 1º e 2º milênio, o polifonia . Novo vocal (coral ) e vocal-instrumental (coro eórgão) gêneros: organum, moteto, regência e depois missa. França no século XII o primeiro escola de compositores (criativos) em Catedral de Notre Dame(Leonin, Perotin). Na virada do Renascimento (estilo ars nova na França e na Itália, século XIV) em música profissionala monofonia está sendo forçada a sair polifonia , a música começa a se libertar gradativamente de funções puramente práticas (servir à igreja ritos ), aumenta o valor secular gêneros, incluindo música Guilherme de Machaux).
Renascimento.
Música no período dos séculos XV-XVII.Na Idade Média, a música era prerrogativa da Igreja, por isso a maioria das obras musicais eram sagradas, baseadas em hinos da igreja(canto gregoriano), que fazem parte do credo desde o início do cristianismo. No início do século XVII, as melodias de culto, com a participação direta do Papa Gregório I, foram finalmente canonizadas. O canto gregoriano era executado por cantores profissionais. Depois que a música sacra dominou a polifonia, o canto gregoriano permaneceu a base temática das obras polifônicas de culto (missas, motetos, etc.).
A Idade Média foi seguida pelo Renascimento, que foi para os músicos uma era de descoberta, inovação e exploração, um renascimento de todas as camadas da expressão cultural e científica da vida, da música e pintura à astronomia e matemática.
Embora a música permanecesse em grande parte religiosa, o enfraquecimento do controle da igreja sobre a sociedade abriu maior liberdade para compositores e intérpretes exibirem seus talentos.
Com a invenção da imprensa, tornou-se possível imprimir e distribuir partituras, e a partir desse momento começa o que chamamos de música clássica.
Nesse período, surgiram novos instrumentos musicais. Os mais populares eram os instrumentos nos quais os amantes da música podiam tocar com facilidade e simplicidade, sem exigir habilidades especiais.
Foi nessa época que surgiu a viola, antecessora do violino. Os trastes (tiras de madeira no braço da guitarra) facilitavam a execução e o som era silencioso, suave e tocava bem em locais pequenos.
Instrumentos de sopro também eram populares - flauta doce, flauta e trompa. A música mais complexa foi escrita para o cravo recém-criado, virginal (cravo inglês, caracterizado por tamanho pequeno) e órgão. Ao mesmo tempo, os músicos não se esqueceram de compor músicas mais simples, que não exigiam habilidades de alto desempenho. Ao mesmo tempo, houve mudanças na escrita musical: pesados blocos de impressão de madeira foram substituídos por letras móveis de metal inventadas pelo italiano Ottaviano Petrucci. As obras musicais publicadas se esgotaram rapidamente, mais e mais pessoas começaram a se juntar à música.
O fim do Renascimento foi marcado pelo acontecimento mais importante da história musical- o nascimento da ópera. Um grupo de humanistas, músicos e poetas reuniu-se em Florença sob os auspícios de seu líder, o conde Giovanni De Bardi (1534 - 1612). O grupo era chamado de "kamerata", seus principais membros eram Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (pai do astrônomo Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri e Ottavio Rinuccini na juventude.
A primeira reunião documentada do grupo ocorreu em 1573, e os anos mais ativos de trabalho "câmera florentina "foram 1577 - 1582. Eles acreditavam que a música estava "estragada" e buscavam retornar à forma e ao estilo Grécia antiga, acreditando que a arte da música pode ser melhorada e, consequentemente, a sociedade também vai melhorar. A Camerata criticou a música existente pelo uso excessivo da polifonia em detrimento da inteligibilidade do texto e da perda da componente poética da obra, e propôs a criação de um novo estilo musical em que o texto em estilo monódico fosse acompanhado por música instrumental. Seus experimentos levaram à criação de uma nova forma vocal-musical - recitativo, usado pela primeira vez por Emilio de Cavalieri, posteriormente diretamente relacionado ao desenvolvimento da ópera.
O primeiro oficialmente reconhecidoópera , correspondente aos padrões modernos, foi a ópera "Daphne" (Daphne), apresentada pela primeira vez em 1598. Os autores de "Daphne" foram Jacopo Peri e Jacopo Corsi, libreto de Ottavio Rinuccini. Esta ópera não sobreviveu. A primeira ópera sobrevivente é "Eurydice" (1600) dos mesmos autores - Jacopo Peri e Ottavio Rinuccini. Esta união criativa ainda deu origem a muitas obras, muitas das quais se perderam.
Música barroca precoce (1600-1654)
A criação de seu estilo recitativo pelo compositor italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) e o desenvolvimento consistente da ópera italiana podem ser considerados um ponto de transição condicional entre as eras barroca e renascentista. O início das apresentações de ópera em Roma e principalmente em Veneza já significava o reconhecimento e a difusão do novo gênero por todo o país. Tudo isso foi apenas parte de um processo maior que capturou todas as artes e se manifestou especialmente claramente na arquitetura e na pintura.Os compositores renascentistas prestavam atenção à elaboração de cada parte de uma obra musical, prestando pouca ou nenhuma atenção à justaposição dessas partes. Separadamente, cada parte poderia soar excelente, mas o resultado harmonioso da adição era mais uma questão de acaso do que de regularidade. O surgimento do baixo cifrado indicou uma mudança significativa no pensamento musical - a saber, aquela harmonia, que é "a adição de partes em um todo", é tão importante quanto as próprias partes melódicas (polifonia). Cada vez mais, polifonia e harmonia pareciam dois lados da mesma ideia de compor música eufônica: ao compor sequências harmônicas, a mesma atenção era dada aos trítonos ao criar dissonância. O pensamento harmônico também existia entre alguns compositores da era anterior, como Carlo Gesualdo, mas na era barroca tornou-se geralmente aceito.
As partes das obras em que é impossível separar claramente a modalidade da tonalidade, ele marcou como mista maior ou mista menor (mais tarde, para esses conceitos, ele introduziu os termos "monal maior" e "monal menor", respectivamente). A tabela mostra como a harmonia tonal já no início do período barroco quase suplanta a harmonia da época anterior.
A Itália torna-se o centro de um novo estilo. O papado, embora capturado pela luta contra a reforma, mas ainda possuindo enormes recursos financeiros reabastecidos pelas campanhas militares dos Habsburgos, buscava maneiras de espalhar a fé católica por meio da expansão da influência cultural. Com o esplendor, a grandeza e a complexidade da arquitetura, das artes plásticas e da música, o catolicismo, por assim dizer, discutia com o protestantismo ascético. As ricas repúblicas e principados italianos também competiam vigorosamente nas artes plásticas. Um de centros importantes arte musical era Veneza, que na época estava sob patrocínio secular e eclesiástico.
Giovanni Gabrieli foi uma figura significativa no início do período barroco, cuja posição estava ao lado do catolicismo, que se opunha à crescente influência ideológica, cultural e social do protestantismo. Suas obras pertencem ao estilo da "Alta Renascença" (o auge da Renascença). No entanto, algumas das suas inovações no campo da instrumentação (atribuição de tarefas específicas a um determinado instrumento) indicam claramente que foi um dos compositores que influenciou o surgimento de um novo estilo.
Uma das exigências impostas pela igreja à composição da música sacra era que os textos das obras com voz fossem legíveis. Isso exigia um afastamento da polifonia para as técnicas musicais, onde as palavras saíam em primeiro plano. Os vocais se tornaram mais complexos, ornamentados em comparação com o acompanhamento. Foi assim que a homofonia se desenvolveu.
Cláudio Monteverde(1567-1643), compositor italiano. Nada o atraiu como a exposição do interior, paz de espírito uma pessoa em suas dramáticas colisões e conflitos com o mundo exterior. Monteverdi é o verdadeiro fundador da dramaturgia de conflito do plano trágico. Ele é um verdadeiro cantor de almas humanas. Ele se esforçou persistentemente pela expressividade natural da música. "A fala humana é a dona da harmonia, e não sua serva."
"Orfeu" (1607) - A música da ópera é focada em revelar mundo interior herói trágico. Sua parte é extraordinariamente multifacetada; várias correntes emocionais e expressivas e linhas de gênero se fundem nela. Ele clama entusiasticamente por suas florestas e costas nativas ou lamenta a perda de sua Eurídice em canções folclóricas ingênuas.
Música do barroco maduro (1654-1707)
O período de centralização do poder supremo na Europa costuma ser chamado de absolutismo. O absolutismo atingiu seu apogeu sob o rei francês Luís XIV. Para toda a Europa, a corte de Louis foi um modelo. Incluindo a música executada no tribunal. A maior disponibilidade de instrumentos musicais (especialmente teclados) deu impulso ao desenvolvimento da música de câmara.O barroco maduro difere do barroco inicial na onipresença do novo estilo e na maior separação das formas musicais, especialmente na ópera. Como na literatura, o advento da impressão em streaming de obras musicais levou a uma expansão do público; o intercâmbio entre os centros de cultura musical se intensificou.
Um destacado representante dos compositores da corte de Luís XIV foi Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Já aos 21 anos, recebeu o título de "compositor da corte de música instrumental". trabalho criativo Lully esteve fortemente associada ao teatro desde o início. Após a organização da música de câmara da corte e a composição de "airs de cour", começou a escrever música para balé. O próprio Luís XIV dançou em balés, que eram então o entretenimento favorito da nobreza da corte. Lully era uma excelente dançarina. Ele passou a participar de produções, dançando com o rei. Ele é conhecido por sua colaboração com Molière, cujas peças ele escreveu música. Mas o principal na obra de Lully ainda era escrever óperas. Surpreendentemente, Lully criou um tipo completo ópera francesa; a chamada tragédia lírica na França (fr. tragedie lyrique), e alcançou indubitável maturidade criativa nos primeiros anos de sua obra em ópera. Lully costumava usar o contraste entre o som majestoso da seção orquestral e os simples recitativos e árias. linguagem musical Lully não é muito complexo, mas certamente novo: a clareza da harmonia, a energia rítmica, a clareza da articulação da forma, a pureza da textura falam da vitória dos princípios do pensamento homofônico. Em grande parte, seu sucesso também foi facilitado por sua capacidade de selecionar músicos para a orquestra e por seu trabalho com eles (ele mesmo conduzia os ensaios). Um elemento integral de seu trabalho foi a atenção à harmonia e ao instrumento solo.
Na Inglaterra, o barroco maduro foi marcado pelo gênio genial de Henry Purcell (1659-1695). Morreu jovem, aos 36 anos, tendo escrito um grande número de obras e tornando-se amplamente conhecido durante sua vida. Purcell estava familiarizado com o trabalho de Corelli e outros compositores barrocos italianos. No entanto, seus patronos e clientes eram de um tipo diferente da nobreza secular e eclesiástica italiana e francesa, de modo que os escritos de Purcell são muito diferentes da escola italiana. Purcell trabalhou em uma ampla gama de gêneros; de simples hinos religiosos a música de marcha, de composições vocais de grande formato a música encenada. Seu catálogo contém mais de 800 obras. Purcell se tornou um dos primeiros compositores de música para teclado, cuja influência se estende até o presente.
Ao contrário dos compositores acima, Dietrich Buxtehude (1637-1707) não era um compositor da corte. Buxtehude trabalhou como organista, primeiro em Helsingborg (1657-1658), depois em Elsinore (1660-1668) e depois de 1668 em St. Maria em Lübeck. Ele não ganhava dinheiro publicando suas obras, mas executando-as, e preferia compor música a textos religiosos e executar suas próprias obras de órgão ao patrocínio da nobreza. Infelizmente, nem todas as obras deste compositor foram preservadas. A música de Buxtehude é amplamente construída na escala de ideias, riqueza e liberdade de imaginação, uma propensão para pathos, drama e entonação um tanto oratória. Sua obra teve forte influência em compositores como J. S. Bach e Telemann.
Música barroca tardia (1707-1760)
A linha exata entre o barroco maduro e tardio é uma questão de debate; situa-se entre 1680 e 1720. Grande parte da complexidade de sua definição é o fato de que em diferentes países os estilos mudaram fora de sincronia; inovações já aceitas como regra em um lugar eram novas descobertas em outroAs formas descobertas pelo período anterior atingiram maturidade e grande variabilidade; o concerto, a suite, a sonata, o concerto grosso, o oratório, a ópera e o balé já não tinham características nacionais nitidamente expressas. Esquemas de obras geralmente aceitos foram estabelecidos em todos os lugares: uma forma repetida de duas partes (AABB), uma forma simples de três partes (ABC) e um rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Compositor italiano, nascido em Veneza. Em 1703 ele recebeu o posto de padre católico. Foi para eles, ainda desenvolvendo gêneros instrumentais (sonata barroca e concerto barroco), que Vivaldi deu sua contribuição mais significativa. Vivaldi compôs mais de 500 concertos. Ele também deu títulos programáticos a algumas de suas obras, como o famoso The Four Seasons.
Domenico Scarlatti (1685-1757) foi um dos principais compositores de teclado e intérpretes de seu tempo. Mas talvez o mais famoso compositor da corte tenha sido Georg Friedrich Handel (1685-1759). Nasceu na Alemanha, estudou na Itália por três anos, mas deixou Londres em 1711, onde iniciou sua brilhante e comercial carreira. carreira de sucesso um compositor de ópera independente realizando encomendas para a nobreza. Possuindo energia incansável, Handel retrabalhou o material de outros compositores e constantemente retrabalhou seu próprias composições. Por exemplo, ele é conhecido por ter retrabalhado o famoso oratório "Messias" tantas vezes que agora não há versão que possa ser chamada de "autêntica".
Após sua morte, ele foi reconhecido como um dos principais compositores europeus e foi estudado por músicos da era clássica. Handel misturou em sua música as ricas tradições de improvisação e contraponto. A arte dos ornamentos musicais atingiu um nível muito elevado de desenvolvimento em suas obras. Ele viajou por toda a Europa para estudar a música de outros compositores, em relação aos quais ele tinha um círculo muito amplo de conhecidos entre compositores de outros estilos.
Johann Sebastian Bach Nasceu em 21 de março de 1685 em Eisenach, Alemanha. Durante sua vida, compôs mais de 1.000 obras em vários gêneros, exceto ópera. Mas durante sua vida, ele não alcançou nenhum sucesso significativo. Movendo-se muitas vezes, Bach mudou uma posição não muito alta após a outra: em Weimar, ele era um músico da corte no Weimar Duke Johann Ernst, depois tornou-se o zelador do órgão na igreja de São Petersburgo. Boniface em Arnstadt, alguns anos depois aceitou o cargo de organista na igreja de St. Vlasia em Mühlhausen, onde trabalhou apenas cerca de um ano, após o que regressou a Weimar, onde ocupou o lugar de organista da corte e organizador de concertos. Ele ocupou esse cargo por nove anos. Em 1717, Leopold, Duque de Anhalt-Köthen, contratou Bach como Kapellmeister, e Bach começou a viver e trabalhar em Köthen. Em 1723 Bach mudou-se para Leipzig, onde permaneceu até sua morte em 1750. Nos últimos anos de sua vida e após a morte de Bach, sua fama como compositor começou a declinar: seu estilo era considerado antiquado em comparação ao florescente classicismo. Ele era mais conhecido e lembrado como intérprete, professor e pai dos Bachs Jr., principalmente Carl Philipp Emmanuel, cuja música era mais famosa.
Somente a representação da Paixão segundo Mateus, de Mendelssohn, 79 anos após a morte de J.S. Bach, reavivou o interesse por sua obra. Agora J.S. Bach é um dos compositores mais populares
Classicismo
Classicismo - estilo e direção na arte XVII - início do XIX séculos
Esta palavra vem do latim classicus - exemplar. O classicismo baseava-se na crença na racionalidade do ser, no fato de que a natureza humana é harmoniosa. Eles viram seu ideal dos clássicos na arte antiga, que era considerada a mais alta forma de perfeição.
No século XVIII, começa uma nova etapa no desenvolvimento da consciência social - a Era do Iluminismo. A velha ordem social está sendo destruída; ideias de respeito pela dignidade humana, liberdade e felicidade são de suma importância; o indivíduo adquire independência e maturidade, usa sua mente e pensamento crítico. Os ideais da era barroca com sua pompa, grandiloquência e solenidade estão sendo substituídos por um novo estilo de vida baseado na naturalidade e na simplicidade. Está chegando a hora das visões idealistas de Jean-Jacques Rousseau, pedindo um retorno à natureza, à virtude natural e à liberdade. Junto com a natureza, a Antiguidade é idealizada, pois se acreditava que foi durante a Antiguidade que as pessoas conseguiram concretizar todas as aspirações humanas. A arte antiga é chamada de clássica, é reconhecida como exemplar, a mais verdadeira, perfeita, harmoniosa e, ao contrário da arte da era barroca, é considerada simples e compreensível. No centro das atenções, junto com outros aspectos importantes, estão a educação, a posição das pessoas comuns na estrutura social, o gênio como propriedade de uma pessoa.
A razão também reina no art. Desejando enfatizar o elevado propósito da arte, seu papel social e cívico, o filósofo e educador francês Denis Diderot escreveu: "Cada obra de escultura ou pintura deve expressar alguma grande regra de vida, deve ensinar."
O teatro era ao mesmo tempo um livro didático da vida e da própria vida. Além disso, no teatro a ação é altamente ordenada, medida; divide-se em atos e cenas, que, por sua vez, se dividem em réplicas separadas de personagens, criando um ideal de arte tão caro ao século XVIII, onde tudo está em seu lugar e está sujeito a leis lógicas.
A música do classicismo é extremamente teatral, parece copiar a arte do teatro e imitá-la.
A divisão de uma sonata clássica e uma sinfonia em grandes seções - partes, em cada uma das quais existem muitos "eventos" musicais, é como dividir uma peça em ações e cenas.
Na música da era clássica, muitas vezes está implícito um enredo, uma certa ação que se desenrola diante do público da mesma forma que a ação teatral se desenrola diante do público.
O ouvinte só precisa ativar a imaginação e reconhecer os personagens de uma comédia ou tragédia clássica em "roupas musicais".
A arte do teatro ajuda a explicar as grandes mudanças na execução da música ocorridas no século XVIII. Anteriormente, o principal local onde a música soava era o templo: nele, uma pessoa ficava embaixo, em um grande espaço, onde a música parecia ajudá-la a olhar para cima e dedicar seus pensamentos a Deus. Agora, no século XVIII, a música é ouvida em um salão aristocrático, no salão de uma propriedade nobre ou em uma praça da cidade. O ouvinte do Age of Enlightenment parece tratar a música “para você” e não sente mais o deleite e a timidez que ela lhe inspirou quando tocou no templo.
O som poderoso e solene do órgão não está mais na música; o papel do coro diminuiu. Música estilo clássico soa leve, tem muito menos sons, como se "pesasse menos" do que a música pesada e em camadas do passado. O som do órgão e do coro foi substituído pelo som de uma orquestra sinfônica; árias sublimes deram lugar a música leve, rítmica e dançante.
Graças à fé ilimitada nas possibilidades da mente humana e no poder do conhecimento, o século 18 passou a ser chamado de Idade da Razão ou Idade do Iluminismo.
O auge do Classicismo vem na década de 80 do século XVIII. Em 1781, J. Haydn criou várias obras inovadoras, incluindo seu Quarteto de Cordas op. 33; a estreia da ópera de V.A. "Rapto do Serralho" de Mozart; O drama de F. Schiller "Robbers" e "Criticism mente pura» I. Kant.
Os representantes mais brilhantes do período clássico são os compositores da Escola Clássica de Viena Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven. Sua arte encanta com a perfeição da técnica composicional, a orientação humanística da criatividade e o desejo, especialmente perceptível na música de W. A. Mozart, de exibir a beleza perfeita por meio da música.
O próprio conceito da Escola Clássica de Viena surgiu logo após a morte de L. Beethoven. A arte clássica se distingue por um delicado equilíbrio entre sentimento e razão, forma e conteúdo. A música do Renascimento refletia o espírito e a respiração de sua época; na época barroca, os estados humanos tornaram-se objeto de reflexão na música; a música da era do Classicismo canta as ações e feitos de uma pessoa, as emoções e sentimentos por ela experimentados, a mente humana atenta e holística.
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Compositor alemão, muitas vezes considerado o maior compositor de todos os tempos.
Sua obra é atribuída tanto ao classicismo quanto ao romantismo.
Ao contrário de seu predecessor Mozart, Beethoven compôs com dificuldade. Os cadernos de Beethoven mostram como gradualmente, passo a passo, uma composição grandiosa emerge de esboços incertos, marcados por lógicas convincentes de construção e rara beleza. é a logica principal fonte A grandeza de Beethoven, sua capacidade incomparável de organizar elementos contrastantes em um todo monolítico. Beethoven apaga as tradicionais cesuras entre seções da forma, evita a simetria, funde partes do ciclo, desenvolve construções estendidas a partir de motivos temáticos e rítmicos, que à primeira vista não contêm nada de interessante. Em outras palavras, Beethoven cria espaço musical pelo poder de sua mente, por sua própria vontade. Ele antecipou e criou aquelas tendências artísticas que se tornaram decisivas para a arte musical do século XIX.
Romantismo.
abrange condicionalmente 1800-1910
Os compositores românticos tentaram expressar a profundidade e a riqueza do mundo interior de uma pessoa com a ajuda de meios musicais. A música torna-se mais em relevo, individual. Os gêneros musicais estão se desenvolvendo, incluindo a balada.
Os principais representantes do romantismo na música são: emÁustria - Franz Schubert
; Na Alemanha - Ernest Theodor Hoffmann,
Carlos Maria Weber, Ricardo Wagner , Félix Mendelssohn, Robert Schumann , Ludwig Spohr ; V
etc..............
A cultura musical profissional da Idade Média na Europa está associada principalmente à igreja, ou seja, à área da música de culto. Cheia de religiosidade, a arte é canônica e dogmática, mas, mesmo assim, não congelou, passou da agitação mundana para o mundo desapegado de servir ao Senhor. Porém, junto com essa música "superior", havia também o folclore e o trabalho de músicos itinerantes, bem como uma nobre cultura de cavalaria.
Cultura musical espiritual do início da Idade Média
na época início da Idade Média a música profissional soava apenas nas catedrais e nas escolas de canto que lhes eram anexas. O centro da cultura musical da Idade Média na Europa Ocidental era a capital da Itália - Roma - a mesma cidade onde estavam localizadas as "autoridades supremas da igreja".
Nos anos 590-604, o Papa Gregório I realizou uma reforma do canto de culto. Ele ordenou e coletou vários cantos na coleção "Antifonário gregoriano". Graças a Gregório I, uma direção chamada canto gregoriano está sendo formada na música sacra da Europa Ocidental.
coral- trata-se, via de regra, de um canto monofônico, que reflete as tradições seculares dos povos europeus e do Oriente Médio. Era essa suave melodia monofônica que pretendia guiar os paroquianos a compreender os fundamentos do catolicismo e aceitar uma única vontade. Basicamente, o coral era executado pelo coro, e apenas algumas partes por solistas.
A base do canto gregoriano era um movimento gradual ao longo dos sons dos modos diatônicos, mas às vezes no mesmo canto também havia salmodias lentas e severas e canto melismático de sílabas individuais.
A execução dessas melodias não era confiada a qualquer um, pois exigia habilidades vocais profissionais dos cantores. Assim como a música, o texto dos hinos em língua latina, incompreensível para muitos paroquianos, evoca humildade, distanciamento da realidade e contemplação. Muitas vezes, o desenho rítmico da música também dependia de seguir o texto. O canto gregoriano não pode ser tomado como música ideal, é antes um canto de um texto orante.
Massa – gênero principal compositor de música da idade média
missa Católica é a principal liturgia da igreja. Ela combinou tipos de canto gregoriano como:
- antifonal (quando dois coros cantam alternadamente);
- responsorial (cantando alternadamente solistas e coro).
A comunidade participava apenas no canto das orações comuns.
Mais tarde, no século XII. hinos (salmos), sequências e tropos apareceram na missa. Eram textos adicionais que tinham uma rima (ao contrário do coral principal) e uma melodia especial. Esses textos religiosos rimados foram muito mais lembrados pelos paroquianos. Cantando junto com os monges, eles variaram a melodia, e elementos do folclore começaram a se infiltrar na música sacra e serviram de ocasião para a criatividade autoral (Notker Zaika e o monge Tokelon - o mosteiro de São Golene). Mais tarde, essas melodias geralmente substituíram as partes salmódicas e enriqueceram significativamente o som do canto gregoriano.
As primeiras amostras de polifonia vêm de mosteiros, como organum - movimento em quartas ou quintas paralelas, gimel, foburdon - movimento em acordes de sexta, regência. Representantes dessa música são os compositores Leonin e Perotin (Catedral Notre-Dame de Paris- séculos XII-XIII).
Cultura musical secular da Idade Média
O lado secular da cultura musical da Idade Média foi representado por: na França - malabaristas, mímicos, menestréis , Na Alemanha - shpilmans, na Espanha - vendedores ambulantes, na Rússia - bufões. Todos eles eram artistas itinerantes e combinavam em seus trabalhos tocar instrumentos, cantar, dançar, fazer mágica, espetáculo de marionetas, arte circense.
Outro componente da música secular era cavalheiresco, o chamado cultura cortês . Foi formado um código especial de cavalaria, que afirmava que cada um dos cavaleiros deveria ter não apenas coragem e bravura, mas também maneiras refinadas, educação e devoção à Bela Dama. Todos esses aspectos da vida dos cavaleiros se refletem na obra trovadores(sul da França - Provença), Trouvers(norte da França), minnesingers(Alemanha).
Seu trabalho é apresentado principalmente em letras de amor, seu gênero mais comum era a canzona (albs - “Morning Songs” entre os minnesingers). Aplicando amplamente a experiência dos trovadores, os trouveurs criaram seus próprios gêneros: “canções de maio”, “canções de tecelagem”.
A área mais importante dos gêneros musicais de representantes da cultura cortesã eram os gêneros de música e dança, como rondo, virele, balada, épico heróico. O papel dos instrumentos era muito insignificante, reduzia-se a enquadrar as melodias vocais com introdução, interlúdio, poslúdio.
Idade Média madura séculos XI-XIII.
Um traço característico da Idade Média madura é o desenvolvimento cultura burguesa . Seu foco era a anti-igreja, o pensamento livre, a conexão com o folclore cômico e carnavalesco. Surgem novos gêneros de polifonia: moteto, que se caracteriza pela dissimilaridade melódica das vozes, além disso, em um moteto cantam simultaneamente textos diferentes e mesmo em idiomas diferentes; madrigal - canção língua materna(italiano), caccia é uma peça vocal com letra que descreve uma caçada.
Desde o século XII até Arte folclórica juntaram-se os vagantes e os goliardos, que, ao contrário dos demais, eram alfabetizados. As universidades tornaram-se portadoras da cultura musical da Idade Média. Como o sistema modal da Idade Média foi desenvolvido por representantes da música sacra, eles passaram a ser chamados de modos de igreja (modo jônico, modo eólico).
A doutrina dos hexacordes também foi apresentada - apenas 6 passos foram usados nos trastes. O monge Guido Aretinsky fez um sistema mais perfeito de registro de notas, que consistia na presença de 4 linhas, entre as quais havia uma razão terçã e sinal de chave ou coloração de linha. Ele também introduziu o nome silábico dos degraus, ou seja, a altura dos degraus passou a ser indicada por letras.
Ars Nova séculos XIII-XV
O período de transição entre a Idade Média e o Renascimento foi o século XIV. Esse período na França e na Itália foi chamado de Ars Nova, ou seja, "nova arte". Chegou a hora de novos experimentos na arte. Os compositores começaram a compor obras cujo ritmo se tornou muito mais complicado do que os anteriores (Philippe de Vitry).
Também ao contrário da música sacra, os semitons foram introduzidos aqui, a partir dos quais começaram a ocorrer aumentos e quedas aleatórios de tons, mas isso ainda não é modulação. Como resultado de tais experimentos, foram obtidas obras interessantes, mas nem sempre eufônicas. O músico experimental mais brilhante da época era Solage. cultura musical A Idade Média é mais desenvolvida em comparação com a cultura mundo antigo, apesar das limitações de fundos e contém os pré-requisitos para o florescimento da música no Renascimento.
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livros
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- História Ilustrada da Arte. Arquitetura, escultura, pintura, música (para escolas, auto-estudo e informação), Lübke. Edição vida. São Petersburgo, 1884. Edição de A. S. Suvorin. Livro com 134 desenhos. Capa tipográfica. A segurança é boa. Pequenos rasgos na capa. Ricamente ilustrado…
Nas condições do início da Idade Média, toda a cultura musical é reduzida a dois "termos" principais. Em um de seus pólos está a música litúrgica profissional legalizada pela Igreja, que é em princípio a mesma para todos os povos que adotaram o cristianismo (a unidade da língua é o latim, a unidade do canto é o canto gregoriano). Do outro lado - música folclórica perseguida pela igreja em várias línguas locais, conectada com a vida folclórica, com as atividades de músicos errantes.
Apesar da absoluta desigualdade de forças (em termos de apoio do estado, condições materiais, etc.), a música folclórica desenvolveu-se intensamente e até mesmo penetrou parcialmente na igreja na forma de várias inserções no canto gregoriano canonizado. Entre eles, por exemplo, tropos e sequências criadas por músicos talentosos.
trilhas - são adições textuais e musicais inseridas no meio do coral. Uma espécie de trilha é uma sequência. Medievalsequências Estes são subtextos de vocalizações complexas. Um dos motivos que causaram sua ocorrência foi a grande dificuldade em lembrar melodias longas cantadas em uma vogal. Com o tempo, as sequências passaram a ser baseadas nas melodias do folk warehouse.
Um monge é nomeado entre os autores das primeiras sequências.Notker apelidado de Zaika do mosteiro de St. Gallen (na Suíça, perto lago de constância). Notker (840-912) foicompositor, poeta, teórico musical, historiador, teólogo. Ele ensinou na escola do mosteiro e, apesar de sua gagueira, era conhecido como um excelente professor. Para suas sequências, Notker usou parcialmente músicas famosas, parcialmente composta por ele mesmo.
Por decreto do Concílio de Trento (1545-63), quase todas as sequências foram expulsas do serviço religioso, com exceção de quatro. Dentre elas, a mais famosa foi a sequênciaDies irae ("Day of Wrath"), contando sobre o dia do julgamento . Mais tarde, a quinta sequência foi admitida no uso da Igreja Católica,Stabat mater ("Havia uma mãe de luto").
O espírito da arte mundana foi introduzido na vida da igreja ehinos - cantos espirituais, fechar músicas folk ao texto poético.
do final XIséculo em vida musical A Europa Ocidental inclui novos tipos de criatividade e produção musical associados à cultura cavalheiresca. Cantores-cavaleiros, em essência, marcaram o início da música secular. Sua arte estava em contato com a tradição musical folclórica cotidiana (o uso de entonações de canções folclóricas, a prática da cooperação com músicos folclóricos). Em vários casos, os trovadores provavelmente selecionaram melodias folclóricas comuns para seus textos.
A maior conquista da cultura musical da Idade Média foi o nascimento de um europeu profissionalpolifonia . Seu início se refere aIXséculo, quando a execução em uníssono do canto gregoriano foi às vezes substituída por uma a duas vozes. O tipo mais antigo de duas vozes era paraleloórgão , em que o canto gregoriano foi dublado em uma oitava, quarta ou quinta. Em seguida, um organum não paralelo apareceu com movimento indireto (quando apenas uma voz se movia) e oposto. Gradualmente, a voz que acompanhava o canto gregoriano tornou-se cada vez mais independente. Este estilo de voz dupla é chamadoagudos (na tradução - “pe-nie apart”).
Pela primeira vez tais organums começaram a ser escritosleonina , o primeiro compositor-polifonista conhecido (XIIséculo). Ele serviu como regente na famosa Catedral de Notre Dame, onde se desenvolveu uma grande escola polifônica.
O trabalho de Leonin foi associado comars antiqua (ars antiqua, que significa " arte antiga"). Este nome foi dado à polifonia cultXII- XIIImúsicos de séculos início do renascimento, que se opôsars nova ("nova arte").
Inicialmente XIIIséculos a tradição leonina continuouPerotin , de acordo com o apelido Grande. Já não compunha a duas vozes, mas a 3 x e 4 x - órgãos vocais. As vozes superiores de Perotin às vezes formam duas vozes contrastantes, às vezes ele usa habilmente a imitação.
Na época de Perotin formado e novo tipo polifonia -condutor , cuja base não era mais o canto gregoriano, mas uma melodia popular cotidiana ou composta livremente.
Uma forma polifônica ainda mais ousada foimoteto - uma combinação de melodias com diferentes ritmos e diferentes textos, muitas vezes até em línguas diferentes. Moteto foi o primeiro gênero musical, igualmente comum na igreja e na vida da corte.
O desenvolvimento da polifonia, o afastamento da pronúncia simultânea de cada sílaba do texto em todas as vozes (em motetos), exigiu o aperfeiçoamento da notação, a designação exata das durações. Parecenotação mensural (do latim mensura - medida; literalmente - notação medida), que possibilitou fixar tanto a altura quanto a duração relativa dos sons.
Paralelamente ao desenvolvimento da polifonia, houve um processo de formaçãomassas - uma obra cíclica polifônica sobre o texto do principal serviço divino da Igreja Católica. O ritual da missa tomou forma ao longo de muitos séculos. Ele adquiriu sua forma final apenas paraXIve-ku. Quão holístico composição musical A missa tomou forma ainda mais tarde, emXIVséculo, tornando-se o principal gênero musical do Renascimento.
A Idade Média é uma grande época da história humana, a época da dominação do sistema feudal.
Periodização da cultura:
Alta Idade Média - 5º - 10º séculos
Idade Média madura - Séculos XI - XIV.
Em 395, o Império Romano se dividiu em duas partes: Ocidental e Oriental. Na parte ocidental, nas ruínas de Roma, nos séculos 5 a 9, havia estados bárbaros: ostrogodos, visigodos, francos, etc. No século 9, como resultado do colapso do império de Carlos Magno, três estados foram formados aqui : França, Alemanha, Itália. A capital da parte oriental era Constantinopla, fundada pelo imperador Constantino no local da colônia grega de Bizâncio - daí o nome do estado.
§ 1. Idade Média da Europa Ocidental
A base material da Idade Média eram as relações feudais. A cultura medieval é formada nas condições propriedade rural. Avançar base social cultura torna-se ambiente urbano - burgueses. Com a formação dos estados, formam-se os principais estamentos: o clero, a nobreza, o povo.
A arte da Idade Média está intimamente ligada igreja . credo cristão- a base da filosofia, da ética, da estética, de toda a vida espiritual desta época. Cheia de simbolismo religioso, a arte aspira do terreno, transitório, ao espiritual, eterno.
Juntamente com igreja oficial cultura (alta) existia secular cultura (popular) - folclore(classes sociais baixas) e cavaleiro(cortês).
focos principais profissional música do início da Idade Média - catedrais, escolas de canto anexadas a elas, mosteiros - os únicos centros de educação da época. Eles estudaram grego e latim, aritmética e música.
O principal centro de música sacra em Europa Ocidental Roma estava na Idade Média. No final do VI - início do século VII. a principal variedade de música sacra da Europa Ocidental está sendo formada - Canto gregoriano , em homenagem ao Papa Gregório I, que realizou a reforma do canto da igreja, reunindo e simplificando vários hinos da igreja. Canto gregoriano - monofônico Canto católico, no qual se fundiram as tradições seculares de canto de vários povos do Oriente Médio e da Europa (sírios, judeus, gregos, romanos, etc.). Era o desdobramento suave e monofônico de uma única melodia que pretendia personificar uma única vontade, o foco de atenção dos paroquianos de acordo com os princípios do catolicismo. A natureza da música é estrita, impessoal. O coral foi executado pelo coro (daí o nome), alguns trechos pelo solista. O movimento passo a passo baseado em modos diatônicos prevalece. O canto gregoriano permitia muitas gradações, variando de severamente lento salmodia coral e terminando aniversários(canto melismático de uma sílaba), exigindo habilidades vocais virtuosas para sua execução.
O canto gregoriano afasta o ouvinte da realidade, causa humildade, leva à contemplação, ao distanciamento místico. o texto sobre latim, massa incompreensível de paroquianos. O ritmo do canto era determinado pelo texto. É vago, indefinido, devido à natureza dos acentos da recitação do texto.
Os diversos tipos de canto gregoriano foram reunidos no principal culto da Igreja Católica - massa, em que foram estabelecidas cinco partes estáveis:
Kyrie eleison(Senhor tenha piedade)
gloria(glória)
Credo(acreditar)
Santo(sagrado)
Agnus Dei(Cordeiro de Deus).
Com o passar do tempo, os elementos começam a se infiltrar no canto gregoriano. música folclórica através hinos, sequências e tropos. Se a salmodia fosse executada por um coro profissional de cantores e clérigos, os hinos a princípio eram executados por paroquianos. Eram inserções no culto oficial (tinham características de música folclórica). Mas logo as partes do hino da missa começaram a suplantar as salmódicas, o que levou ao aparecimento massa polifônica.
As primeiras sequências eram um subtexto para a melodia do aniversário, de modo que um som da melodia tivesse uma sílaba separada. A sequência torna-se um gênero comum (o mais popular « veni, santo espírito» , « Morre irae», « Stabat mater» ). "Dies irae" foi usado por Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninov (muitas vezes como um símbolo da morte).
As primeiras amostras de polifonia vêm de mosteiros - órgão(movimento em quintas ou quartas paralelas), guimel, fobourdon(acordes de sexta paralelos), condutor. Compositores: Leonin e Perotin (séculos 12-13 - Catedral de Notre Dame).
transportadoras gente secular musica na idade media mímicos, malabaristas, menestréis na França, shpilmans- em países cultura alemã, hoglars - na Espanha, bufões - na Rússia. Esses artistas itinerantes eram mestres universais: combinavam cantar, dançar, tocar várias ferramentas com magia, arte circense, teatro de fantoches.
o outro lado cultura secular era cultura cavalheiresca (cortês) (cultura dos senhores feudais seculares). Quase todas as pessoas nobres eram cavaleiros - de guerreiros pobres a reis. Está sendo formado um código especial de cavalaria, segundo o qual um cavaleiro, junto com coragem e valor, deveria ter maneiras refinadas, ser educado, generoso, magnânimo, servir fielmente à Bela Dama. Todos os aspectos da vida cavalheiresca são refletidos na arte musical e poética trovadores(Provença - sul da França) , trovers(norte da França), minnesingers(Alemanha). A arte dos trovadores está associada principalmente às letras de amor. O gênero mais popular de letras de amor era canção(entre os minnesingers - "Morning Songs" - albs).
Os trovadores, usando amplamente a experiência dos trovadores, criaram seus próprios gêneros originais: tecendo canções», « músicas de maio". Uma importante área de gêneros musicais de trovadores, trouvers e minnesingers foi gêneros de música e dança: rondo, balada, virele(formas de refrão), bem como épico heróico(épico francês "Canção de Roland", alemão - "Canção dos Nibelungos"). Minnesingers eram comuns canções cruzadas.
Traços característicos da arte dos trovadores, trouvers e minnesingers:
monofonia- é consequência da indissociável ligação entre a melodia e o texto poético, que decorre da própria essência da arte musical e poética. A monofonia também correspondia à atitude em relação à expressão individualizada das próprias experiências, a uma avaliação pessoal do conteúdo da declaração (muitas vezes a expressão das experiências pessoais era emoldurada pela representação de imagens da natureza).
Principalmente desempenho vocal. O papel dos instrumentos não era significativo: reduzia-se à execução de introduções, interlúdios e poslúdios enquadrando a melodia vocal.
Ainda é impossível falar de arte cavalheiresca como profissional, mas pela primeira vez em condições secular criação musical, uma poderosa direção musical e poética foi criada com um complexo desenvolvido de meios expressivos e uma escrita musical relativamente perfeita.
Uma das conquistas importantes idade média madura a partir dos séculos X-XI, foi desenvolvimento Urbano(cultura burguesa) . As principais características da cultura urbana eram anti-igreja, orientação amante da liberdade, conexão com o folclore, seu caráter cômico e carnavalesco. O estilo arquitetônico gótico se desenvolve. Novos gêneros polifônicos estão sendo formados: dos séculos XIII-XIV ao XVI. - moteto(do francês - "palavra". Para um moteto, é típica uma dissimilaridade melódica de vozes, entoando textos diferentes ao mesmo tempo - muitas vezes até em idiomas diferentes), madrigal(do italiano - “canção na língua nativa”, ou seja, italiano. Os textos são líricos amorosos, pastorais), cachaça(do italiano - “caça” - uma peça vocal baseada em um texto que retrata a caça).
Músicos folclóricos errantes estão passando de um estilo de vida nômade para um sedentário, povoando quarteirões inteiros e formando uma espécie de "oficinas de músicos". A partir do século XII, músicos folclóricos se juntaram vagabundos e goliardos- pessoas desclassificadas de diferentes classes (estudantes de escola, monges fugitivos, clérigos errantes). Ao contrário dos malabaristas analfabetos - representantes típicos da arte da tradição oral - os vagantes e goliardos eram alfabetizados: conheciam a língua latina e as regras da versificação clássica, compunham músicas - canções (a gama de imagens está associada à ciência escolar e à vida estudantil) e mesmo composições complexas como regências e motetos.
Um importante centro de cultura musical tornou-se universidades. A música, mais precisamente - a acústica musical - juntamente com a astronomia, a matemática, a física faziam parte do quadrium, ou seja, um ciclo de quatro disciplinas cursadas em universidades.
Assim, na cidade medieval havia centros de cultura musical, diferentes em caráter e orientação social: associações de músicos folclóricos, música de corte, música de mosteiros e catedrais, prática musical universitária.
Teoria musical da Idade Média estava intimamente ligada à teologia. Nos poucos tratados teórico-musicais que chegaram até nós, a música era considerada uma "serva da igreja". Entre os tratados proeminentes do início da Idade Média, destacam-se 6 livros “Sobre a Música” de Agostinho, 5 livros de Boécio “Sobre o Estabelecimento da Música”, etc. doutrina do papel cósmico da música, etc.
O sistema modal medieval foi desenvolvido por representantes da igreja profissional arte musical- portanto, o nome “modos de igreja” foi atribuído aos trastes medievais. Jônico e Eólio se estabeleceram como os modos principais.
A teoria musical da Idade Média apresentou a doutrina dos hexacordes. Em cada traste, 6 passos foram usados na prática (por exemplo: do, re, mi, fa, salt, la). Xi foi então evitado, porque. formou, junto com o Fá, um movimento para uma quarta maior, que foi considerada muito dissonante e figurativamente chamada de "diabo na música".
A notação não obrigatória foi amplamente utilizada. Guido Aretinsky melhorou o sistema de notação musical. A essência de sua reforma foi a seguinte: a presença de quatro linhas, uma relação terciária entre linhas individuais, um sinal-chave (originalmente literal) ou coloração de linhas. Ele também introduziu a notação silábica para os primeiros seis passos do modo: ut, re, mi, fa, sal, la.
Introduzido notação mensural, onde uma determinada medida rítmica era atribuída a cada nota (latim mensura - medida, medida). Nomes de durações: maxim, longa, brevis, etc.
XIV século - o período de transição entre a Idade Média e o Renascimento. A arte da França e da Itália do século XIV foi chamada de " Ars nova"(do latim - nova arte), e na Itália tinha todas as propriedades do início do Renascimento. Principais características: recusa em usar exclusivamente gêneros musicais de igreja e voltando-se para gêneros seculares vocais e instrumentais de câmara (balada, kachcha, madrigal), reaproximação com a música cotidiana, uso de vários instrumentos musicais. Ars nova é o oposto do chamado. ars antiqua (lat. ars antiqua - arte antiga), implicando a arte da música antes do início do século XIV. Os maiores representantes ars nova foram Guillaume de Macho (século XIV, França) e Francesco Landino (século XIV, Itália).
Assim, a cultura musical da Idade Média, apesar dos meios relativamente limitados, representa um nível superior em comparação com a música do Mundo Antigo e contém os pré-requisitos para o florescimento da arte musical no Renascimento.
