Tente comparar a imagem da cidade renascentista ideal. Renascimento

A idade da cidade atingiu seu esplêndido apogeu, mas já há sinais de que está morrendo. O século foi tempestuoso e cruel, mas inspirador. Originou-se das cidades-estados da Grécia Antiga (3 mil anos antes do Renascimento), que deram origem ao ideal do homem livre que governa a si mesmo. Porque, de fato, tal cidade consistia em um grupo de pessoas que, após muitas gerações de brigas e conflitos civis, desenvolveu um efetivo sistema de autogoverno. Esse sistema variava de cidade para cidade. Em qualquer um deles, o número de pessoas capazes de reivindicar a cidadania plena sempre foi pequeno. A massa dos habitantes permaneceu em uma posição mais ou menos servil e exerceu seus direitos apenas por meio de revoltas violentas e cruéis contra as camadas superiores. No entanto, em toda a Europa, especialmente na Itália, Alemanha e Holanda, havia algum acordo social sobre os objetivos, se não os métodos, de governo, ou seja, a estrutura da sociedade, na qual os governantes eram escolhidos por alguns dos governados. A partir desse conceito cívico começaram as guerras sangrentas sem fim. O preço que os cidadãos pagavam por sua liberdade era medido por sua disposição de pegar em armas para defender sua cidade contra seus rivais.

A verdadeira voz da cidade era o grande sino da prefeitura ou da catedral, que soava o alarme diante da aproximação dos habitantes armados de uma cidade hostil. Ele convocou todos os que foram capazes de segurar as armas nas paredes e nos portões. Os italianos transformaram o sino em uma espécie de templo móvel, uma espécie de Arca secular, que conduzia os exércitos à batalha. Na batalha com as cidades vizinhas pela posse de um pedaço de terra arável, na batalha contra um imperador ou rei pelos direitos civis, na batalha contra hordas de soldados errantes ... Durante essas batalhas, a vida na cidade congelou. Todos os homens aptos, de quinze a setenta anos, sem exceção, interromperam suas atividades normais para lutar. Por fim, para a sobrevivência econômica, começaram a contratar profissionais que soubessem lutar, enquanto o poder civil, entretanto, se concentrava nas mãos de um dos cidadãos proeminentes. Como ele controlava dinheiro e armas, esse cidadão foi gradualmente transformado no governante de uma cidade outrora livre. Nos países que reconheceram a monarquia central, a cidade reconciliou-se com o trono (simplesmente por exaustão). Algumas cidades, como Londres, mantiveram maior autonomia. Outros se viram completamente absorvidos na estrutura da monarquia. No entanto, ao longo do Renascimento, as cidades continuaram a existir como entidades vivas, desempenhando a maioria das funções que na sociedade moderna estão sob a jurisdição do governo central. Eles não eram nem bairros industriais, nem parques de diversões, que muitos deles se tornaram mais tarde, mas estruturas orgânicas que combinavam carne humana e construção de pedra em seu próprio ritmo de vida reconhecível.

forma da cidade

Cidades com as quais a Europa foi cravejada como roupas formais pedras preciosas, pelo Renascimento já eram antigos. Eles passaram de século em século, mantendo uma forma surpreendentemente regular e tamanho constante. Só na Inglaterra não se sentiam simétricas, pois, com raras exceções, as cidades inglesas não eram construídas de acordo com um plano pré-determinado, mas cresciam a partir de modestos assentamentos, e sua estrutura era informe, pois o prédio se ligava ao prédio da forma mais desordenada. caminho. No continente, a tendência continuou a criar novas cidades em vez de expandir as antigas a proporções incontroláveis. Somente na Alemanha, 2.400 cidades foram fundadas em 400 anos. É verdade que, pelos padrões de hoje, é difícil dizer se eram pequenas cidades ou grandes aldeias. Orange na França tinha apenas 6.000 habitantes até o século XIX. E uma cidade com um quarto de milhão de habitantes era considerada simplesmente um gigante, e havia poucos deles. A população de Milão, capital do ducado, era de 200 mil pessoas, ou seja, o dobro da população de sua principal rival, Florença (ver fig. 53, foto 17), então tamanho não era de forma alguma uma medida de poder.

Arroz. 53. Florença no final do século XV De uma xilogravura moderna

Reims, o local das coroações, um grande centro comercial, tinha 100 mil habitantes, e Paris algo em torno de 250 mil. A população da maioria das cidades europeias pode ser estimada em 10 a 50 mil pessoas. Mesmo as perdas da peste não afetaram a população por muito tempo. O número de vítimas da peste sempre foi exagerado, embora, talvez, em poucos meses tenha levado cerca de um quarto dos habitantes. No entanto, após uma geração, a cidade voltou ao seu nível populacional normal. O excedente de habitantes fluiu para novas cidades. O modelo italiano, quando várias cidades, unidas por laços militares ou comerciais, são anexadas a cidade grande, em graus variados, podem ser rastreados em toda a Europa. Em tal federação, o sistema de governo e os costumes locais inerentes a cada cidade eram zelosamente observados, mas a cobrança de impostos e proteção era controlada pelo centro da cidade.

A cidade cresceu como uma árvore, mantendo sua forma, mas crescendo em tamanho, e as muralhas da cidade, como anéis cortados, marcaram os marcos de seu crescimento. Fora dos muros da cidade viviam os pobres, mendigos, proscritos de todos os tipos, que construíam suas cabanas ao redor dos muros, criando uma confusão nojenta de ruas miseráveis. Às vezes, eles eram dispersos pelo município enérgico, mas com mais frequência eram autorizados a permanecer onde estavam até que algum plano surgisse. Moradores ricos se instalaram fora da cidade em vilas no meio de grandes propriedades, protegidas por suas próprias muralhas. Quando, finalmente, a necessidade econômica ou o orgulho cívico exigiram a expansão da cidade, outro anel de muralhas foi erguido ao redor. Eles assumiram nova terra e deixou espaço adicional para o desenvolvimento. E as velhas paredes continuaram de pé por mais alguns séculos, se não fossem desmanteladas predatóriamente para a construção de novos edifícios. As cidades retomaram sua forma, mas não buscaram novos materiais de construção, de modo que o mesmo pedaço de tijolo ou pedra lavrada pudesse estar em meia dúzia de prédios diferentes em mil anos. Ainda se podem ver vestígios das antigas muralhas desaparecidas, porque mais tarde se transformaram em circulares ou, com menos frequência, em avenidas.

As muralhas da fortaleza definiram a forma e determinaram o tamanho da cidade. Na Idade Média, eles serviam como uma poderosa proteção para os habitantes, que tinham água e comida. Um líder militar que estava prestes a sitiar uma cidade deveria ter se preparado para muitos meses de espera até que o inimigo ficasse sem suprimentos. As paredes foram mantidas em ordem às custas do público e, o que quer que tenha caído em desuso, elas foram cuidadas antes de tudo. A parede desmoronada era sinal de uma cidade em ruínas, e a primeira tarefa do invasor vitorioso foi eliminá-la da face da terra. A menos que ele fosse morar lá. No entanto, gradualmente as muralhas da fortaleza perderam seu significado, o que se refletiu na maneira como as cidades começaram a ser representadas. No século XVI, foi largamente utilizada a vista de topo, a planta, onde se atribuiu especial importância às ruas. Eles foram pintados na borda das casas. Edifícios importantes foram destacados. Mas aos poucos tudo foi se formalizando, achatando, e o plano se tornando mais preciso, embora menos espetacular e pitoresco. Mas antes que o plano entrasse em uso, a cidade era retratada como se um viajante, aproximando-se, a visse de longe. Era antes uma obra de arte, na qual a cidade aparecia, como na vida, com paredes, torres, igrejas, pressionadas umas contra as outras, como um enorme castelo (ver Fig. 54).

Arroz. 54. Muralha como estrutura militar. Nuremberg em 1493. De uma gravura moderna

Essas cidades existem até hoje, como Verona, localizada na encosta de uma colina. Em seu plano, o desenho feito pelos construtores é claramente visível. No sul, especialmente na Itália, dominavam as grandes casas em forma de torre, dando à paisagem urbana a aparência de uma floresta petrificada. Essas casas eram resquícios de uma época mais violenta, quando rixas entre famílias e facções destruíam as cidades. Então, aqueles que podiam construir cada vez mais alto, ainda mais alto, ganhavam vantagem sobre seus vizinhos. O habilidoso governo da cidade conseguiu reduzir seus números, mas muitos ainda buscaram se elevar dessa maneira, colocando em risco a segurança interna da cidade e privando avidamente as ruas estreitas de ar e luz.

Arroz. 55. Portão da cidade, onde são cobrados os impostos de todas as mercadorias que chegam à cidade

Os portões da cidade que cortavam as paredes (ver fig. 55) desempenhavam um papel duplo. Eles desempenhavam não apenas uma função defensiva, mas também contribuíam para a renda da cidade. Guardas foram colocados ao redor deles, cobrando uma taxa por tudo que era trazido para a cidade. Às vezes, eram produtos agrícolas, colheitas colhidas nos campos circundantes, pomares e pomares. E às vezes - especiarias exóticas trazidas de milhares de quilômetros - tudo no portão estava sujeito à inspeção e taxas alfandegárias. Certa vez, quando a alfândega florentina caiu perigosamente, um dos funcionários sugeriu dobrar o número de portões e, assim, dobrar sua lucratividade. Em uma reunião na Câmara Municipal, ele foi ridicularizado, mas essa proposta impensada partiu da crença de que a cidade era uma entidade independente. Os aldeões odiavam essas extorsões, recebendo apenas promessas duvidosas de proteção armada para eles. Eles recorreram a todo tipo de truques, apenas para evitar o pagamento. Sacchetti tem uma história muito verdadeira sobre um camponês que escondeu ovos de galinha em suas calças largas para enganar os guardas. Mas aqueles, advertidos pelo inimigo do camponês, obrigaram-no a sentar-se enquanto examinavam a carga. O resultado é claro.

Nas cidades, os portões desempenhavam o papel de olhos e ouvidos. Eles eram o único ponto de contato com o mundo exterior. Foi do mundo exterior que veio a ameaça, e os guardas do portão informaram meticulosamente ao governante sobre a chegada e partida de estrangeiros e de todo tipo de estranhos em geral. Nas cidades livres, os portões fechados eram um símbolo de independência. O viajante tardio, que chegou após o pôr do sol, foi forçado a pernoitar fora dos muros da cidade. Daí o costume de construir hotéis do lado de fora, no portão principal. O próprio portão era como uma pequena fortaleza. Eles abrigavam uma guarnição que guardava a cidade. Os enormes castelos que se erguiam sobre as cidades medievais eram, na verdade, uma simples continuação das principais portarias das fortalezas.

No entanto, a ausência de um plano de construção nas cidades medievais era mais aparente do que real. É verdade: as ruas se contorciam sem rumo, circulavam, davam voltas, até se dissolviam em alguns pátios, mas afinal não deveriam proporcionar uma passagem direta de um ponto da cidade a outro, mas criar uma moldura, cenário para vida pública. O estrangeiro, tendo passado pelos portões da cidade, poderia facilmente encontrar o caminho para o centro da cidade, porque as ruas principais irradiavam da praça central. "Piazza", "place", "prade ground", "square", como se chamava na língua local, era o herdeiro direto do fórum romano, um lugar onde as pessoas ansiosas se reuniam em dias de guerra e por onde vagavam, se divertindo, em tempo de paz. . Mais uma vez, apenas a Inglaterra não tinha esse ponto de encontro. Os britânicos preferiram transformar a rua principal em um mercado. Servia ao mesmo propósito, mas carecia de um senso de coesão e unidade e, com o aumento do tráfego, perdeu sua importância como ponto de encontro central. No entanto, no continente, esse eco da Roma Antiga continuou a existir.

Arroz. 56. Piazza (praça) San Marco, Veneza

Poderia ser uma área modesta, não pavimentada, sombreada por árvores, talvez cercada por casas precárias. E poderia ser enorme, incrível, como as praças principais de Siena ou Veneza (ver Fig. 56), poderia ser planejado de forma que parecesse um enorme salão sem teto. No entanto, por mais que parecesse, ela permanecia a face da cidade, o lugar onde os habitantes se reuniam e os órgãos vitais da cidade, os centros de governo e justiça, alinhados ao seu redor. Em algum outro lugar poderia haver outro centro naturalmente formado: por exemplo, uma catedral com edifícios auxiliares, geralmente construídos em uma pequena praça. Do portão principal, uma estrada bastante larga, reta e limpa levava à praça e depois à catedral. Ao mesmo tempo, afastadas do centro, as ruas tornaram-se, por assim dizer, veias periféricas que atendem às necessidades locais. Eles foram deliberadamente estreitos - tanto para proteger os transeuntes do sol e da chuva quanto para economizar espaço. Às vezes, os andares superiores dos edifícios ficavam a apenas alguns metros de distância. A estreiteza das ruas também servia de proteção durante as guerras, pois a primeira ação dos atacantes era galopar por elas antes que os habitantes tivessem tempo de erguer barreiras. As tropas não podiam manter a ordem militar marchando sobre eles. Sob tais circunstâncias, uma multidão hostil, armada com pedregulhos simples, poderia impedir com sucesso a passagem de soldados profissionais. Na Itália, as ruas começaram a ser pavimentadas já no século 13 e, no século 16, todas as ruas principais da maioria das cidades europeias foram pavimentadas. Não havia separação entre calçada e calçada, porque todos andavam ou andavam. As tripulações começaram a aparecer apenas no século XVI. Aos poucos, o tráfego de veículos cresceu, as ruas se endireitaram para facilitar a passagem dele e, em seguida, os pedestres foram atendidos, enfatizando ainda mais a diferença entre ricos e pobres.

Culto de Vitrúvio

As cidades do Renascimento tinham uma coisa em comum: cresciam e se desenvolviam espontaneamente, conforme a necessidade. Apenas as muralhas da cidade foram planejadas, que foram colocadas e construídas como um todo, e dentro da cidade, apenas o tamanho de um determinado edifício definiu o layout do território adjacente. A catedral determinava a estrutura de todo o distrito com ruas e praças contíguas, mas em outros lugares as casas apareciam conforme a necessidade ou eram reconstruídas a partir das existentes. Até mesmo o próprio conceito de planejamento urbano esteve ausente até a segunda metade do século XV, quando as ideias do arquiteto romano Vitruvius Polio foram revividas. Vitrúvio foi o arquiteto da Roma Augusta, e sua obra On Architecture data de cerca de 30 aC. Ele não era um dos arquitetos famosos, mas seu livro era o único sobre o assunto, e agradou ao mundo obcecado pela antiguidade. As descobertas na arquitetura foram feitas da mesma forma que na geografia: o autor antigo deu impulso a mentes capazes de sua própria criatividade e pesquisa. As pessoas que acreditam estar seguindo Vitrúvio, na verdade, usaram seu nome para formular suas próprias teorias. Vitrúvio considerava a cidade como uma unidade autossuficiente, que deveria ser planejada, como uma casa, todas as partes subordinadas ao todo. Esgotos, estradas, praças, prédios públicos, proporções de canteiros de obras - tudo tem seu lugar neste plano. O primeiro tratado baseado no conceito de Vitrúvio foi escrito pelo florentino Leon Battista Alberti. Foi publicado em 1485, apenas treze anos após a sua morte, e encabeçou uma longa linha de obras que se estendeu até ao século XIX, obras de grande impacto no urbanismo. A maioria dessas obras era incrivelmente ilustrada, até mesmo requintadamente. Dada a base matemática desse culto, não surpreende que os seguidores levassem tudo ao extremo. A cidade foi inventada, assim como um problema de geometria, sem dar atenção aos fatores humanos e geográficos. A perfeição teórica levou na prática à secura sem vida.

Arroz. 57. Palma Nova, Itália: um plano urbanístico rigoroso

Apenas uma sorte que apenas algumas cidades foram construídas de acordo com os princípios de Vitrúvio. De vez em quando havia uma necessidade, mais frequentemente militar, em uma nova cidade. Às vezes, poderia ser construído de acordo com essa nova teoria (por exemplo, Palma Nova (ver fig. 57) no estado veneziano). Na maioria das vezes, porém, os arquitetos tiveram que se contentar com o desenvolvimento parcial, porque raramente tiveram a oportunidade de demolir completamente os prédios antigos e reconstruir em seu lugar. O arquiteto enfrentou resistência passiva, basta lembrar como foi atendida a proposta de Leonardo da Vinci de construir assentamentos satélites em torno de Milão. A terrível praga de 1484 ceifou 50.000 habitantes, e Leonardo queria construir dez novas cidades com 5.000 casas e ali instalar 30.000 pessoas, "a fim de neutralizar a aglomeração de pessoas que se amontoaram em rebanhos como cabras... espaço com fedor e infecção de sementes de semeadura e morte. Mas nada disso foi feito, porque nem ganhos monetários nem vantagens militares estavam previstos nisso. E o governante de Milão optou por gastar o ouro na decoração de sua própria corte. Assim foi em toda a Europa. As cidades já tomaram forma e não há mais espaço para um planejamento em larga escala. Roma foi a única exceção a essa regra.

A primeira cidade do cristianismo na Idade Média entrou em decadência. O auge de seus infortúnios foi a transferência do papado para residência em Avignon em 1305. Por mais de cem anos, não houve um poder na Cidade Eterna forte o suficiente para conter as ambições das grandes famílias e a selvageria brutal da multidão. Outras cidades da Itália ficaram mais bonitas e prosperaram, enquanto Roma se cobriu de mofo e desmoronou. A cidade de Augusta foi construída com firmeza, sobreviveu e não sucumbiu aos ataques do tempo e aos ataques dos bárbaros, mas morreu nas mãos de seus próprios cidadãos. As guerras foram parcialmente culpadas, mas principalmente o fato de que enormes edifícios antigos eram uma fonte de materiais de construção prontos. Em 1443, o grande cisma terminou e o papado foi novamente estabelecido em Roma. Pela primeira vez, o Papa Nicolau V chamou a atenção para o estado deplorável Cidade Eterna... Ele entendeu que, para reconhecer Roma como a capital do mundo, ela precisa ser reconstruída (ver Fig. 58). Uma tarefa enorme! A cidade já abrigou cerca de um milhão de pessoas - o maior número de habitantes até século 19. Antes da revolução industrial, que levou à expansão da construção, nenhuma cidade europeia se comparava em tamanho à Roma de Augusto. E em 1377 tinha apenas cerca de 20 mil habitantes. Sete de suas colinas foram abandonadas, a população preferiu viver nas margens pantanosas do Tibre. O gado percorria as ruas desertas ladeadas por casas em ruínas. O fórum perdeu a antiga glória e ganhou o apelido de "Campo Vacchino", ou seja, "Campo da Vaca". Os animais mortos nunca eram limpos e apodreciam onde morriam, acrescentando o cheiro de fumegante e podridão à lama imunda sob os pés. Não houve cidade na Europa que se afundasse tão baixo de tão grandes alturas.

Arroz. 58. Panorama de Roma em 1493, com São Pedro (acima). De uma gravura moderna no livro de Schedel "A Crônica do Mundo"

Mais de 160 anos se passaram desde que o Papa Nicolau V concebeu sua reconstrução, e até o momento em que Bernini completou a colunata da Catedral de São Pedro, mais de 160 anos se passaram. E todos os papas que governaram neste século e meio, do virtuoso ao vicioso, do mais erudito Nicolau ao depravado Alexandre Bórgia, compartilharam uma paixão que deu vida nova à primeira de todas as cidades do Renascimento, uma amor pela arte e pela arquitetura, um desejo de transformar a cidade antiga em uma capital digna de uma paz cristã.

A lista de nomes de arquitetos e artistas que ali trabalharam soa exatamente como uma lista de chamada da fama: Alberti, o primeiro dos Vitruvianos, Bramante, Sangallo, Bernini, Rafael, Michelangelo e tantos outros que caíram na sombra dos grandes, mas são capazes de decorar a corte de qualquer governante. Algumas coisas que foram feitas são lamentáveis: por exemplo, a destruição da antiga Catedral de São Pedro para construir um novo templo de Bramante em seu lugar causou uma tempestade de protestos. Mas a absoluta autoridade papal foi suficiente para concluir um dos maiores projetos urbanísticos da história. O resultado não foi apenas um magnífico monumento a algum governante. Uma série de benefícios foram para os cidadãos comuns: o abastecimento de água melhorou, o antigo sistema de esgoto foi restaurado, a ameaça de incêndios e pragas diminuiu drasticamente.

Vida urbana

A cidade era um palco onde, diante de todas as pessoas honestas, acontecia o que acontecia agora no silêncio dos escritórios. Detalhes impressionantes em sua variabilidade eram impressionantes: a irregularidade dos edifícios, os estilos excêntricos e a variedade de trajes, as inúmeras mercadorias produzidas nas ruas - tudo isso dava à cidade renascentista um brilho ausente na monótona monotonia das cidades modernas . Mas havia também uma certa homogeneidade, uma fusão de grupos que proclamavam a unidade interior da cidade. No século XX, o olhar habituou-se às divisões criadas pela expansão urbana: o trânsito de peões e automóveis ocorre em mundos diferentes, a indústria está separada do comércio e ambos estão separados espacialmente das áreas residenciais, que, por sua vez, são subdivididos de acordo com a riqueza de seus habitantes. Um morador da cidade pode viver toda a sua vida sem ver como o pão que ele come é assado ou como os mortos são enterrados. Quanto maior a cidade se tornava, mais uma pessoa se afastava de seus concidadãos, até que o paradoxo da solidão no meio da multidão se tornou um fenômeno comum.

Em uma cidade murada de, digamos, 50.000 habitantes, onde a maioria das casas eram barracos miseráveis, a falta de espaço encorajava as pessoas a passar mais tempo em público. O lojista vendia as mercadorias quase da barraca, por uma pequena vitrine. As persianas dos primeiros andares eram feitas em dobradiças para reclinar rapidamente, formando uma prateleira ou mesa, ou seja, um balcão (ver Fig. 60). Ele morava com sua família nos cômodos superiores da casa e, apenas tendo ficado significativamente mais rico, podia manter uma loja separada com balconistas e morar em um subúrbio com jardim.

Arroz. 60. Comerciantes da cidade, incluindo: um comerciante de roupas e têxteis (esquerda), um barbeiro (centro) e um confeiteiro (direita)

Um habilidoso artesão também utilizava o andar inferior da casa como oficina, às vezes colocando seus produtos à venda ali mesmo, na hora. Artesãos e comerciantes estavam muito inclinados a mostrar comportamento de rebanho: cada cidade tinha sua própria rua Tkatskaya, Myasnitsky Ryad e sua própria Rybnikov Lane. E se não houvesse espaço suficiente em pequenas salas lotadas, ou mesmo apenas com bom tempo, o comércio se deslocava para a rua, que se tornava indistinguível do mercado. Os desonestos eram punidos publicamente, na praça, no mesmo local onde ganhavam a vida, ou seja, em público. Eles foram amarrados a um pelourinho e bens inúteis foram queimados a seus pés ou pendurados em seus pescoços. Um vinicultor que vendia vinho ruim foi forçado a beber uma grande quantidade dele, e o resto foi derramado sobre sua cabeça. Rybnik foi forçado a cheirar peixe podre ou até mesmo manchar o rosto e o cabelo com ele.

À noite, a cidade mergulhava em completo silêncio e escuridão. Mesmo onde não havia "hora de extinção de incêndios" obrigatória, o sábio tentava não sair tarde e depois de escurecer sentava-se em segurança atrás de portas fortes com ferrolhos. Um transeunte, pego pelos guardas à noite, teve que se preparar para explicar de forma convincente o motivo de sua caminhada suspeita. Não havia tais tentações que pudessem atrair um homem honesto de casa à noite, porque o entretenimento público terminava ao pôr do sol, e os habitantes da cidade aderiam ao hábito de ir para a cama ao pôr do sol. Velas de sebo estavam disponíveis, mas ainda muito caras. E pavios malcheirosos embebidos em trapos de gordura também eram usados ​​com moderação, porque a gordura custava mais do que a carne. A jornada de trabalho, que ia do amanhecer ao anoitecer, deixava poucas forças para uma noite tempestuosa de diversão. Com o amplo desenvolvimento da impressão, tornou-se costume em muitos lares ler a Bíblia. Outra diversão doméstica era fazer música para quem tinha dinheiro para comprar um instrumento musical: alaúde, viola ou flauta, além de cantar para quem não tinha dinheiro para isso. A maioria das pessoas passava as breves horas de lazer entre o jantar e a hora de dormir conversando. No entanto, a falta de entretenimento noturno foi mais do que compensada durante o dia às custas do público. Os feriados religiosos frequentes reduziram o número de dias úteis por ano a um valor, talvez menor do que hoje.

Arroz. 61. Procissão religiosa

Os dias de jejum eram estritamente observados e apoiados pela força da lei, mas os feriados eram entendidos literalmente. Eles não apenas incluíram a liturgia, mas se transformaram em diversão selvagem. Nos dias de hoje, a solidariedade dos habitantes da cidade manifestou-se claramente em procissões e procissões religiosas lotadas (ver Fig. 61). Havia poucos observadores então, porque todos queriam participar deles. Albrecht Dürer testemunhou uma procissão semelhante em Antuérpia, e seu olhar de artista contemplou com deleite a interminável procissão de cores e formas. Foi no dia da Assunção da Virgem, “... e toda a cidade, independentemente da posição e ocupação, reuniu-se ali, cada um vestido com o melhor traje de acordo com a sua posição. Todas as guildas e propriedades tinham seus próprios sinais pelos quais podiam ser reconhecidas. Nos intervalos, eles carregavam enormes velas caras e três longas trombetas francas de prata. Havia também tambores e flautas feitos no estilo alemão. Sopravam e batiam alto e ruidosamente... Havia ourives e bordadores, pintores, pedreiros e escultores, marceneiros e carpinteiros, marinheiros e pescadores, tecelões e alfaiates, padeiros e curtidores... verdadeiros trabalhadores de todos os tipos, assim como muitos artesãos e pessoas diferentes, ganhando a vida. Eles foram seguidos por arqueiros com rifles e bestas, cavaleiros e soldados de infantaria. Mas à frente de todos eles estavam as ordens religiosas ... Uma grande multidão de viúvas também participou desta procissão. Eles se sustentavam com seu trabalho e observavam regras especiais. Eles estavam vestidos da cabeça aos pés com roupas brancas, costuradas especialmente para esta ocasião, era triste olhar para eles ... Vinte pessoas carregavam a imagem da Virgem Maria com nosso Senhor Jesus, luxuosamente vestida. No decorrer da procissão, muitas coisas maravilhosas foram mostradas, magnificamente apresentadas. Carroças foram puxadas, nas quais estavam navios e outras estruturas cheias de pessoas mascaradas. Eles foram seguidos por uma trupe, representando os profetas em ordem e cenas do Novo Testamento ... Do começo ao fim, a procissão durou mais de duas horas até chegar à nossa casa.

Os milagres que tanto encantaram Dürer em Antuérpia o teriam fascinado em Veneza e Florença, porque os italianos tratavam os feriados religiosos como uma forma de arte. Na festa de Corpus Christi em Viterbo, em 1482, toda a procissão foi dividida em seções, cada uma das quais ficou responsável por algum cardeal ou o mais alto dignitário da igreja. E cada um se esforçou para superar o outro decorando seu enredo com cortinas caras e fornecendo-lhe um palco no qual os mistérios eram representados, de modo que, como um todo, formava uma série de peças sobre a morte e ressurreição de Cristo. O palco usado na Itália para a realização dos mistérios era o mesmo que em toda a Europa: uma estrutura de três andares, onde os andares superior e inferior serviam respectivamente como Céu e Inferno, e a plataforma central principal representava a Terra (ver Fig. . 62).

Arroz. 62. Cenário para apresentação de mistérios

Acima de tudo, a atenção foi atraída pelo complexo mecanismo do palco, que permitia aos atores voar alto e flutuar no ar. Houve uma cena em Florença que consistia em uma bola suspensa, cercada por anjos, da qual, no momento certo, uma carruagem apareceu e desceu à terra. Leonardo da Vinci fez uma máquina ainda mais complexa para os duques de Sforza, que mostrava o movimento dos corpos celestes, cada um carregando seu próprio anjo da guarda.

As procissões seculares na Itália reencenaram os grandes triunfos da Roma clássica e receberam seus nomes. Às vezes, eles eram organizados em homenagem à chegada de algum líder militar soberano ou famoso, às vezes apenas por causa de um feriado. Os nomes gloriosos dos grandes romanos reviveram na memória, foram representados em togas e coroas de louros e transportados pela cidade em carros. Eles gostavam especialmente de retratar alegorias: a fé venceu a idolatria, a virtude exterminou o vício. Outra representação favorita são as três idades do homem. Cada evento terreno ou sobrenatural foi representado em grande detalhe. Os italianos não trabalharam o conteúdo literário dessas cenas, preferindo gastar dinheiro com a pompa do espetáculo, de modo que todas as figuras alegóricas eram criaturas diretas e superficiais e apenas proclamavam frases vazias e sonoras sem qualquer convicção, passando assim de performance ao desempenho. Mas o esplendor do cenário e dos figurinos encantava os olhos, e isso bastava. Em nenhuma outra cidade da Europa o orgulho cívico se manifestou com tanto brilho e brilho como no ritual anual do casamento com o mar, realizado pelo governante de Veneza, uma estranha mistura de arrogância comercial, gratidão cristã e simbolismo oriental . Este festival ritual começa em 997 após o nascimento de Cristo, quando o Doge de Veneza antes da batalha fez uma libação de vinho, derramando-o no mar. E após a vitória, foi celebrada no próximo Dia da Ascensão. Uma enorme barcaça estatal, chamada Bucentauro, foi remada até o mesmo ponto da baía, e ali o doge lançou uma argola ao mar, declarando que por esse ato a cidade estava casada com o mar, ou seja, com os elementos que tornou ótimo (ver. Fig. 63).

Arroz. 63. "Bucentauro" veneziano

"Bucentaur" participou majestosamente de todas as cerimônias civis. Procissões solenes em outras cidades moviam-se na poeira do calor, e os venezianos deslizavam ao longo da superfície lisa de sua grande rota marítima. O Bucentaur foi reformado de uma galera de batalha, que varreu todos os inimigos de Veneza do Adriático. Ela manteve a proa poderosa e cruel de um navio de guerra, mas agora o convés superior estava enfeitado com brocado escarlate e dourado, e uma guirlanda de folhas douradas esticada ao longo do lado brilhava deslumbrantemente ao sol. Na proa estava uma figura de Justiça de tamanho humano com uma espada em uma mão e escamas na outra. Os soberanos que vinham visitar eram escoltados neste navio até à cidade-ilha, rodeados por inúmeras pequenas embarcações, também enfeitadas com ricos tecidos e guirlandas. O hóspede foi levado até a porta da residência que lhe foi destinada. Não é de admirar que os carnavais venezianos, encenados com a mesma esplêndida desconsideração pelos gastos, resplandecentes com o mesmo gosto sensual, quase selvagem por cores vivas, atraíssem visitantes de toda a Europa. Durante esses dias, a população da cidade dobrou. Aparentemente, a moda dos bailes de máscaras saiu de Veneza, que depois se espalhou por todos os pátios da Europa. Outro cidades italianas atores mascarados foram introduzidos nos mistérios, mas foram os venezianos amantes do entretenimento com sua perspicácia comercial que apreciaram a máscara como uma adição picante ao carnaval.

As competições militares da Idade Média continuaram quase inalteradas no Renascimento, embora o status de seus participantes tenha diminuído um pouco. Assim, por exemplo, os peixeiros de Nuremberg organizaram seu próprio torneio. As competições de arco e flecha eram muito populares, embora o arco como arma tenha desaparecido do campo de batalha. Mas os mais amados eram os feriados, cujas raízes remontavam à Europa pré-cristã. Não conseguindo erradicá-los, a Igreja, por assim dizer, batizou alguns deles, ou seja, deles se apropriou, enquanto outros continuaram a viver de forma inalterada, tanto em países católicos como protestantes. O maior deles era o Primeiro de Maio, a reunião pagã da primavera (ver Fig. 64).

Arroz. 64. Comemoração do Primeiro de Maio

Nesse dia, tanto os pobres quanto os ricos viajavam e saíam da cidade para colher flores, dançar e festejar. Tornar-se Senhor de Maio foi uma grande honra, mas também um prazer caro, porque todas as despesas festivas recaíram sobre ele: aconteceu que alguns homens desapareceram da cidade por um tempo para fugir a esse cargo honorário. O feriado trouxe para a cidade uma partícula do campo, da vida na natureza, tão perto e tão longe. Em toda a Europa, a mudança das estações era celebrada com festividades. Eles diferiam entre si em detalhes e nomes, mas as semelhanças eram mais fortes do que as diferenças. O Senhor da Desordem ainda reinava em um dos dias de inverno - o herdeiro direto da saturnalia romana, que, por sua vez, era uma relíquia do festival pré-histórico do solstício de inverno. Repetidas vezes eles tentaram erradicá-lo, mas foi revivido nos carnavais locais com bobos da corte, guerreiros e dançarinos disfarçados, que apareceram pela primeira vez ao mundo em desenhos de cavernas. Chegou a hora e as férias de mil anos atrás se encaixam facilmente na vida das cidades, onde o rugido das impressoras e o barulho das carruagens marcaram o início de um novo mundo.

Viajantes

As principais cidades da Europa eram conectadas por um sistema postal muito eficiente. Um simples leigo poderia usá-lo livremente ... se não tivesse medo de que suas cartas fossem lidas. As autoridades que organizaram o correio estavam interessadas em espionagem quase tanto quanto em estabelecer comunicação entre cidades e países. Apesar do péssimo estado das estradas, o número de veículos aumentou. A onda de peregrinação atingiu um pico sem precedentes e, quando o fluxo de peregrinos começou a diminuir, os mercadores ocuparam seu lugar, pois o comércio estava se desenvolvendo ativamente. Os funcionários do estado eram onipresentes, o barulho das botas dos soldados na marcha não diminuiu por um minuto. Os viajantes que cuidam de seus negócios não são mais uma raridade. Pessoas como o inquieto Erasmo deslocavam-se de um centro científico para outro em busca de um lugar e meios de subsistência. Alguns até viam as viagens como um meio de educação combinado com prazer. Na Itália, surgiu uma nova escola de escritores da história local, que recomendava aos curiosos que visitassem lugares interessantes. Muitos viajavam a cavalo, mas as carruagens já haviam começado a aparecer (ver fig. 65), supostamente inventadas em Kotz ou Kosice (Hungria).

Arroz. 65. Carruagem alemã 1563. Viagem de longa distância exigia pelo menos 4 cavalos

A maioria dessas carruagens foi feita para exibição - eram extremamente desconfortáveis. O corpo era pendurado em cintos, que em teoria deveriam servir de molas, mas na prática transformavam a viagem em uma série de mergulhos e balanços nauseantes. A velocidade média era de vinte milhas por dia, dependendo da qualidade das estradas. Foram necessários pelo menos seis cavalos para puxar a carruagem pela espessa lama do inverno. Eles eram muito sensíveis aos solavancos que frequentemente encontravam ao longo do caminho. Uma vez na Alemanha, formou-se um buraco tão grande que três carruagens caíram nele de uma vez, e isso custou a vida de um infeliz camponês.

As estradas romanas ainda eram as principais artérias da Europa, mas mesmo seu esplendor não resistia à predação dos camponeses. Quando era necessário material para construir um celeiro ou celeiro, ou mesmo uma casa, os aldeões com habitual prontidão recorriam a grandes estoques de pedra já lavrada, que, de fato, era a estrada. Assim que as camadas superiores da superfície da estrada foram removidas, o clima e o transporte completaram o resto. Em algumas regiões, havia ordens para preservar e manter as estradas fora das cidades. Na Inglaterra, um moleiro que de repente precisou de argila para reparos cavou um buraco de 3 metros de diâmetro e 2,5 metros de profundidade e o jogou fora. O poço se encheu de água da chuva, um viajante caiu nele e se afogou. Chamado a prestar contas, o moleiro disse que não tinha intenção de matar ninguém, simplesmente não havia outro lugar para conseguir barro. Ele foi libertado sob custódia. Porém, o antigo costume prescrevia fazer estradas de largura mínima: em um lugar deveria permitir a passagem de duas carroças, no outro - passar um cavaleiro com uma lança em punho. Na França, onde as estradas romanas atravessavam florestas, sua largura foi aumentada de 20 pés para cerca de 78, como precaução contra bandidos, que se tornaram cada vez mais numerosos à medida que o caro tráfego de mercadorias aumentava. Um sábio sempre viajava acompanhado e todos andavam armados. O viajante solitário era visto com desconfiança e poderia acabar em uma prisão local se não mencionasse motivos dignos de sua estada nesta região.

Viajar pela Europa, mesmo em circunstâncias favoráveis, pode levar várias semanas. Portanto, hotéis de beira de estrada - pousadas (ver Fig. 66) adquiriram tanta importância.

Arroz. 66. Casa sala comum hotel de beira de estrada

Poderia ser um grande estabelecimento, como o famoso Bull Hotel em Pádua, onde até 200 cavalos eram alojados nos estábulos, ou poderia ser uma pequena e fétida taberna para os descuidados e ingênuos. Na Áustria, foi capturado um estalajadeiro que, como ficou provado, ao longo dos anos matou mais de 185 hóspedes e acumulou uma riqueza considerável com isso. No entanto, a maioria dos contemporâneos pinta um quadro bastante amigável. A simpática senhora, retratada por William Caxton no primeiro guia, deveria causar uma impressão agradável aos viajantes após um dia cansativo passado na estrada. Caxton teve seu livro impresso em 1483.

Entre outras coisas, ela forneceu a seus compatriotas monolíngues frases em francês suficientes para perguntar como sair da cidade, alugar um cavalo e conseguir hospedagem para a noite. A conversa no hotel ali citado é mais educada do que informativa, mas nos mostra quais situações se repetiam todas as noites em todas as cidades da Europa.

“Deus te abençoe, senhora.

- Bem-vindo, rapaz.

– Posso pegar uma cama aqui?

- Sim, bom e limpo, [mesmo que] haja uma dúzia de vocês.

Não, somos três. Você pode comer aqui?

- Sim, em abundância, graças a Deus.

“Traga-nos comida e dê feno aos cavalos e seque-os bem com palha.”

Os viajantes comiam, verificavam prudentemente a conta da refeição e pediam para adicionar seu custo ao cálculo da manhã. Então segue:

“Leve-nos para a cama, estamos cansados.

“Jeanette, acenda uma vela e mostre-lhes aquele quarto lá em cima. E traga-lhes água quente para lavar os pés e cubra-os com um colchão de penas.”

A julgar pela conversa, este é um hotel de primeira classe. Os viajantes são servidos com jantar na mesa, eles obviamente não trouxeram comida com eles, embora esse fosse o costume. Eles são levados para a cama com uma vela e recebem água morna. Talvez, se tivessem sorte, pudessem conseguir uma cama para cada um, e não compartilhá-la com um estranho. Mas quer se trate de um luxuoso hotel, onde também se oferece entretenimento aos hóspedes, ou de uma simples cabana junto à muralha da cidade, o viajante pode aí descansar durante várias horas, protegido não só das intempéries e dos animais selvagens, mas também dos seus semelhantes. humanos.

No início do século XV, houve grandes mudanças na vida e na cultura da Itália. Desde o século 12, os habitantes da cidade, comerciantes e artesãos da Itália travaram uma luta heróica contra a dependência feudal. Desenvolvendo o comércio e a produção, os habitantes da cidade enriqueceram gradualmente, livraram-se do poder dos senhores feudais e organizaram cidades-estados livres. Essas cidades italianas livres tornaram-se muito poderosas. Seus cidadãos estavam orgulhosos de suas conquistas. A enorme riqueza das cidades italianas independentes fez com que elas florescessem. A burguesia italiana olhava o mundo com outros olhos, acreditava firmemente em si mesma, na sua própria força. Eles eram alheios ao desejo de sofrimento, humildade, rejeição de todas as alegrias terrenas que lhes foram pregadas até agora. Cresceu o respeito pela pessoa terrena que desfruta das alegrias da vida. As pessoas começaram a ter uma atitude ativa perante a vida, a explorar o mundo com entusiasmo, a admirar sua beleza. Nesse período, nascem várias ciências, a arte se desenvolve.

Na Itália, muitos monumentos da arte da Roma Antiga foram preservados, então a era antiga foi novamente reverenciada como modelo, a arte antiga tornou-se objeto de admiração. Imitação da antiguidade e deu razão para chamar este período na arte - Renascimento o que significa em francês "Renascimento". Claro, não era uma repetição cega e exata da arte antiga, já era uma arte nova, mas baseada em modelos antigos. O Renascimento italiano é dividido em 3 fases: séculos VIII - XIV - Pré-renascentista (Proto-renascentista ou Trecento- com isso.); século XV - início do Renascimento (Quattrocento); final do século XV - início do século XVI - alto renascimento.

Escavações arqueológicas foram realizadas em toda a Itália, em busca de monumentos antigos. As estátuas, moedas, utensílios e armas recém-descobertas foram cuidadosamente preservadas e reunidas em museus especialmente criados para esse fim. Os artistas estudaram essas amostras da antiguidade, tiraram-nas da vida.

Trecento (pré-renascentista)

O verdadeiro início do Renascimento está associado ao nome Giotto di Bondone (1266? - 1337). Ele é considerado o fundador da pintura renascentista. O florentino Giotto fez grandes contribuições para a história da arte. Ele foi um renovador, o ancestral de toda a pintura européia após a Idade Média. Giotto deu vida às cenas do evangelho, criou imagens de pessoas reais, espiritualizadas, mas terrenas.

Giotto cria pela primeira vez volumes com a ajuda do claro-escuro. Ele gosta de cores claras e limpas em tons frios: rosas, cinzas perolados, roxos claros e lilases claros. As pessoas nos afrescos de Giotto são atarracadas, com passos pesados. Eles têm grandes características faciais, maçãs do rosto largas, olhos estreitos. Seu homem é gentil, atencioso, sério.

Das obras de Giotto, os afrescos dos templos de Pádua são os mais bem preservados. Ele apresentou as histórias do evangelho aqui como existentes, terrenas, reais. Nessas obras, ele fala sobre os problemas que preocupam as pessoas em todos os momentos: sobre bondade e compreensão mútua, engano e traição, sobre profundidade, tristeza, mansidão, humildade e eterno amor maternal que tudo consome.

Em vez de figuras individuais díspares, como na pintura medieval, Giotto conseguiu criar uma história coerente, toda uma narrativa sobre a complexa vida interior dos personagens. Em vez do fundo dourado convencional dos mosaicos bizantinos, Giotto introduz um fundo paisagístico. E se na pintura bizantina as figuras, por assim dizer, pairavam, pairavam no espaço, então os heróis dos afrescos de Giotto encontraram um solo sólido sob seus pés. A busca de Giotto pela transferência do espaço, a plasticidade das figuras, a expressividade do movimento fizeram de sua arte uma etapa completa do Renascimento.

Um de mestres famosos pré-avivamento -

Simone Martini (1284-1344).

Em sua pintura, as características do gótico do norte foram preservadas: as figuras de Martini são alongadas e, via de regra, sobre fundo dourado. Mas Martini cria imagens com a ajuda do claro-escuro, dá-lhes um movimento natural, tenta transmitir um certo estado psicológico.

Quattrocento (início do Renascimento)

A antiguidade desempenhou um papel enorme na formação da cultura secular do início do Renascimento. A Academia Platônica abre em Florença, a biblioteca Laurentiana contém a mais rica coleção de manuscritos antigos. O primeiro Museus de arte cheio de estátuas, fragmentos de arquitetura antiga, mármores, moedas, cerâmicas. No Renascimento, destacaram-se os principais centros da vida artística da Itália - Florença, Roma, Veneza.

Um de grandes centros Florença foi o berço da nova arte realista. No século XV, muitos mestres famosos do Renascimento viveram, estudaram e trabalharam lá.

Arquitetura do início do Renascimento

Os habitantes de Florença tinham uma alta cultura artística, participaram ativamente da criação de monumentos da cidade e discutiram opções para a construção de belos edifícios. Os arquitetos abandonaram tudo que lembrava o gótico. Sob a influência da antiguidade, os edifícios coroados por uma cúpula começaram a ser considerados os mais perfeitos. O modelo aqui foi o Panteão Romano.

Florença é uma das cidades mais bonitas do mundo, uma cidade-museu. Preservou sua arquitetura da antiguidade quase intacta, seus edifícios mais bonitos foram construídos principalmente durante o Renascimento. Acima dos telhados de tijolos vermelhos dos antigos edifícios de Florença ergue-se o enorme edifício da catedral da cidade Santa Maria del Fiore, que muitas vezes é chamada simplesmente de Catedral de Florença. Sua altura chega a 107 metros. Uma cúpula magnífica, cuja harmonia é enfatizada por nervuras de pedra branca, coroa a catedral. A cúpula é impressionante em tamanho (seu diâmetro é de 43 m), coroa todo o panorama da cidade. A catedral é visível de quase todas as ruas de Florença, claramente aparecendo contra o céu. Esta magnífica estrutura foi construída pelo arquiteto

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

O mais magnífico e famoso edifício abobadado do Renascimento foi Basílica de São Pedro em Roma. Foi construído ao longo de 100 anos. Os criadores do projeto original eram arquitetos Bramante e Michelangelo.

Os edifícios renascentistas são decorados com colunas, pilastras, cabeças de leão e "puti"(bebês nus), grinaldas de gesso com flores e frutas, folhas e muitos detalhes, cujas amostras foram encontradas nas ruínas de antigos edifícios romanos. De volta à moda arco semicircular. Pessoas ricas começaram a construir casas mais bonitas e confortáveis. Em vez de encostadas umas nas outras, as casas pareciam luxuosas palácios - palácio.

Escultura do início do Renascimento

No século XV, dois escultores famosos trabalharam em Florença - Donatello e Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- um dos primeiros escultores da Itália, que usou a experiência da arte antiga. Ele criou uma das melhores obras do início do Renascimento - a estátua de David.

Segundo a lenda bíblica, um simples pastor, o jovem Davi derrotou o gigante Golias, salvando assim os habitantes da Judéia da escravidão e posteriormente tornando-se rei. David foi uma das imagens favoritas do Renascimento. Ele é retratado pelo escultor não como um humilde santo da Bíblia, mas como jovem herói, vencedor, defensor da cidade natal. Em sua escultura, Donatello canta o homem como o ideal de uma bela personalidade heróica surgida no Renascimento. David é coroado com a coroa de louros do vencedor. Donatello não teve medo de apresentar um detalhe como um chapéu de pastor - um sinal de sua origem simples. Na Idade Média, a igreja proibia retratar um corpo nu, considerando-o um vaso do mal. Donatello foi o primeiro mestre que bravamente violou essa proibição. Ele afirma com isso que o corpo humano é belo. A estátua de David é a primeira escultura redonda naquela época.

Outra bela escultura de Donatello também é conhecida - a estátua de um guerreiro , comandante de Gattamelata. Foi o primeiro monumento equestre do Renascimento. Criado há 500 anos, este monumento ainda está em um pedestal alto, decorando a praça da cidade de Pádua. Pela primeira vez, não um deus, nem um santo, nem um homem nobre e rico foi imortalizado em escultura, mas um guerreiro nobre, valente e formidável com uma grande alma, que merecia fama por grandes feitos. Vestido com uma armadura antiga, Gattemelata (este é seu apelido, que significa "gato malhado") está sentado em um cavalo poderoso em uma pose calma e majestosa. Os traços do rosto do guerreiro enfatizam um caráter decidido e firme.

Andrea Verrocchio (1436-1488)

O aluno mais famoso de Donatello, que criou o famoso monumento equestre ao condottiere Colleoni, que foi colocado em Veneza na praça perto da igreja de San Giovanni. O principal que impressiona no monumento é o movimento energético conjunto do cavalo e do cavaleiro. O cavalo, por assim dizer, corre além do pedestal de mármore sobre o qual o monumento está erguido. Colleoni, de pé nos estribos, espreguiçou-se, erguendo a cabeça bem alto, espia a distância. Uma careta de raiva e tensão congelou em seu rosto. Em sua postura pode-se sentir grande vontade, o rosto lembra uma ave de rapina. A imagem está repleta de força indestrutível, energia, autoridade severa.

Pintura do início do Renascimento

O Renascimento também atualizou a arte da pintura. Os pintores aprenderam a transmitir corretamente espaço, luz e sombra, poses naturais, vários sentimentos humanos. Foi o início do Renascimento que foi o tempo de acumulação desse conhecimento e habilidades. As pinturas da época são imbuídas de luz e alto astral. O fundo é frequentemente pintado em cores claras, enquanto edifícios e motivos naturais são contornados com linhas nítidas, predominando as cores puras. Com diligência ingênua, todos os detalhes do evento são retratados, os personagens geralmente são alinhados e separados do fundo por contornos claros.

A pintura do início do Renascimento buscava apenas a perfeição, porém, graças à sua sinceridade, toca a alma do espectador.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, conhecido pelo nome Masaccio (1401 - 1428)

Ele é considerado um seguidor de Giotto e o primeiro mestre da pintura do início do Renascimento. Masaccio viveu apenas 28 anos, mas em uma vida tão curta deixou uma marca na arte que é difícil superestimar. Ele conseguiu completar as transformações revolucionárias na pintura iniciadas por Giotto. Sua pintura se distingue por uma cor escura e profunda. As pessoas nos afrescos de Masaccio são muito mais densas e poderosas do que nas pinturas da era gótica.

Masaccio foi o primeiro a dispor corretamente os objetos no espaço, levando em conta a perspectiva; ele começou a retratar as pessoas de acordo com as leis da anatomia.

Ele soube unir figuras e paisagem em uma única ação, transmitir a vida da natureza e das pessoas de forma dramática e ao mesmo tempo bastante natural - e esse é o grande mérito do pintor.

Esta é uma das poucas obras de cavalete encomendadas por Masaccio em 1426 para a capela da igreja de Santa Maria del Carmine em Pisa.

A Madona senta-se em um trono construído estritamente de acordo com as leis da perspectiva de Giotto. Sua figura é escrita com traços confiantes e claros, o que cria a impressão de um volume escultural. Seu rosto está calmo e triste, seu olhar distante não é direcionado a lugar nenhum. Envolta em um manto azul-escuro, a Virgem Maria segura nos braços o Menino, cuja figura dourada se destaca nitidamente sobre um fundo escuro. As dobras profundas do manto permitem ao artista brincar com o claro-escuro, o que também cria um efeito visual especial. O bebê come uvas pretas - um símbolo de comunhão. Anjos impecavelmente desenhados (o artista conhecia perfeitamente a anatomia humana) ao redor da Madona dão à imagem um som emocional adicional.

A única faixa pintada por Masaccio para um tríptico de dupla face. Após a morte prematura do pintor, o resto da obra, encomendada pelo Papa Martinho V para a igreja de Santa Maria em Roma, foi concluída pelo artista Masolino. Ele retrata duas figuras estritas e monumentalmente executadas de santos vestidos de vermelho. Jerome segura um livro aberto e uma maquete da basílica, um leão jaz a seus pés. João Batista é representado em sua forma usual: ele está descalço e segura uma cruz na mão. Ambas as figuras impressionam pela precisão anatômica e uma sensação de volume quase escultural.

O interesse por uma pessoa, a admiração por sua beleza eram tão grandes no Renascimento que isso levou ao surgimento de um novo gênero na pintura - o gênero retrato.

Pinturicchio (variante de Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Um nativo de Perugia na Itália. Por algum tempo pintou miniaturas, ajudou Pietro Perugino a decorar a Capela Sistina de Roma com afrescos. Adquiriu experiência na forma mais complexa de pintura mural decorativa e monumental. Alguns anos depois, Pinturicchio tornou-se muralista independente. Ele trabalhou em afrescos nos apartamentos Borgia no Vaticano. Ele fez pinturas murais na biblioteca da catedral de Siena.

O artista não apenas transmite a semelhança do retrato, mas busca revelar o estado interior de uma pessoa. Diante de nós está um adolescente, vestido com um estrito vestido rosa da cidade, com um pequeno boné azul na cabeça. Os cabelos castanhos caem até os ombros, emoldurando um rosto delicado, o olhar atento dos olhos castanhos é pensativo, um pouco ansioso. Atrás do menino está uma paisagem da Úmbria com árvores finas, um rio prateado, um céu ficando rosa no horizonte. A ternura primaveril da natureza, como eco do caráter do herói, está em harmonia com a poesia e o encanto do herói.

A imagem do menino é dada em primeiro plano, grande e ocupa quase todo o plano do quadro, e a paisagem é pintada ao fundo e bem pequena. Isso cria a impressão do significado de uma pessoa, seu domínio sobre natureza circundante, afirma que o homem é a mais bela criação da terra.

Aqui é apresentada a partida solene do Cardeal Kapranik para a Catedral de Basileia, que durou quase 18 anos, de 1431 a 1449, primeiro em Basileia e depois em Lausanne. O jovem Piccolomini também fazia parte da comitiva do cardeal. Numa elegante moldura de arco semicircular apresenta-se um grupo de cavaleiros, acompanhados de pajens e criados. O evento não é tão real e confiável, mas refinado com cavalheirismo, quase fantástico. Em primeiro plano, um belo cavaleiro montado em um cavalo branco, com vestido e chapéu luxuosos, virando a cabeça, olha para o espectador - este é Enéias Silvio. Com prazer, o artista escreve roupas ricas, belos cavalos em mantas de veludo. As proporções alongadas das figuras, movimentos levemente educados, leves inclinações da cabeça estão próximas do ideal da corte. A vida do Papa Pio II foi repleta de acontecimentos brilhantes, e Pinturicchio falou sobre os encontros do Papa com o Rei da Escócia, com o Imperador Frederico III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Havia lendas sobre a vida de Lippi. Ele próprio era monge, mas deixou o mosteiro, tornou-se um artista errante, raptou uma freira do mosteiro e morreu envenenado pelos parentes de uma jovem por quem se apaixonou em idade avançada.

Ele pintou imagens da Madona com o Menino, cheias de sentimentos e experiências humanas vivas. Em suas pinturas, ele retratou muitos detalhes: utensílios domésticos, ambiente, então seus temas religiosos eram semelhantes às pinturas seculares.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Ele pintou não apenas temas religiosos, mas também cenas da vida da nobreza florentina, sua riqueza e luxo, retratos de pessoas nobres.

Diante de nós está a esposa de um rico florentino, amigo do artista. Nesta jovem não muito bonita e luxuosamente vestida, a artista expressava calma, um momento de quietude e silêncio. A expressão no rosto da mulher é fria, indiferente a tudo, parece que ela antevê sua morte iminente: logo após pintar o retrato, ela morrerá. A mulher é retratada de perfil, o que é típico de muitos retratos da época.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Um dos nomes mais significativos da pintura italiana do século XV. Ele realizou inúmeras transformações nos métodos de construção da perspectiva de um espaço pitoresco.

O quadro foi pintado sobre uma tábua de choupo em têmpera de ovo - obviamente, nessa época o artista ainda não havia dominado os segredos da pintura a óleo, em cuja técnica seriam pintadas suas obras posteriores.

O artista captou a manifestação do mistério da Santíssima Trindade no momento do Batismo de Cristo. A pomba branca, abrindo as asas sobre a cabeça de Cristo, simboliza a descida do Espírito Santo sobre o Salvador. As figuras de Cristo, João Batista e os anjos ao lado deles são pintadas em cores contidas.
Seus afrescos são solenes, sublimes e majestosos. Francesca acreditava no alto destino do homem e em suas obras as pessoas sempre fazem coisas maravilhosas. Ele usou transições de cores sutis e suaves. Francesca foi a primeira a pintar en plein air (no ar).

problema de criação cidade ideal, apesar da relevância de hoje, foi especialmente aguda na era distante do Renascimento (séculos XIV - XVI). Este tema, sob o prisma da filosofia do antropocentrismo, torna-se o protagonista da arte urbanística deste período. Um homem com suas necessidades de felicidade, amor, luxo, conforto, conveniência, com seus pensamentos e ideias, torna-se a medida desse tempo, um símbolo do espírito antigo ressurgente, chamado a cantar este mesmo Homem com letra maiúscula. Ele move o pensamento criativo do Renascimento para a busca de soluções arquitetônicas e filosóficas únicas, às vezes utópicas, para o problema da formação da cidade. Este último passa a desempenhar um novo papel, é percebido como um espaço todo fechado e interligado, cercado e diferente da natureza, por onde passa toda a vida de uma pessoa.

Neste espaço, as necessidades e desejos físicos e estéticos de uma pessoa devem ser totalmente considerados, aspectos da permanência humana na cidade como conforto e segurança devem ser totalmente pensados. As novas armas de fogo tornaram indefesas as fortificações medievais de pedra. Isso predeterminou, por exemplo, a aparência de paredes com bastiões de terra ao longo do perímetro das cidades e determinou, ao que parece, uma bizarra linha em forma de estrela de fortificações da cidade. Uma ideia revivalista geral da "cidade ideal" está sendo formada - a cidade mais conveniente e segura para se viver. Em suma, tais tendências não são estranhas ao arquiteto moderno, mas o Renascimento então marcou uma nova fronteira, um novo sopro de vida na mente do criador, estabelecendo certas incógnitas. critérios, padrões e estereótipos anteriores, cujas consequências se fazem sentir na busca de uma cidade ideal hoje.

Os primeiros estudos nesse sentido foram realizados por Mark Vitruvius (segunda metade do século I aC), arquiteto e engenheiro do exército de Júlio César - em seu tratado Dez Livros de Arquitetura, Vitruvius colocou o problema do meio-termo dourado entre a teoria e a prática, descreveu os conceitos básicos de estética, a proporcionalidade do edifício e da pessoa, pela primeira vez na história investigou o problema da acústica musical das instalações.

O próprio Vitrúvio não deixou uma imagem da cidade ideal, mas isso foi feito por muitos pesquisadores e sucessores de suas ideias, das quais, como costuma ser notado, começou o próprio Renascimento.

Mas os argumentos sobre a cidade ideal, seus conceitos se originam nos tratados dos antigos filósofos gregos - então, por um segundo, vale a pena recorrer a uma era um pouco anterior à que estamos considerando - à antiguidade.

Sfortsinda - arco de casas típicas. Filarete (desenho de Leonardo da Vinci)

O processo centenário de construção de cidades-estado na capital da Grécia Antiga, Atenas, foi resumido nos escritos dos dois maiores filósofos da antiguidade: Platão (428 - 348 aC) e Aristóteles (384 - 322 aC).

Assim, o filósofo idealista Platão, associado aos círculos aristocráticos de seu tempo, era um adepto de um sistema rigidamente regulado estrutura do estado, não sem razão, ele também possuía uma história sobre o mítico país da Atlântida, governado por um rei e arcontes. Na interpretação de Platão, a Atlântida foi o protótipo histórico daquela cidade-estado ideal, que ele discutiu em suas obras “O Estado” e “Leis”.

Voltando ao Renascimento, digamos sobre Leon Batista Alberti, o primeiro verdadeiro teórico do planejamento urbano da história da humanidade, que descreve detalhadamente “como fazer uma cidade”, começando pela escolha de um lugar e terminando com sua estrutura interna . Alberti escreveu que “a beleza é uma estrita harmonia proporcional de todas as partes unidas por aquilo a que pertencem, de modo que nada pode ser adicionado, subtraído ou alterado sem torná-lo pior”. De fato, Alberti foi o primeiro a proclamar os princípios básicos do conjunto urbano renascentista, vinculando o antigo senso de proporção com o início racionalista de uma nova era. A dada relação entre a altura do edifício e o espaço localizado à sua frente (de 1:3 a 1:6), a consistência das escalas arquitetônicas dos edifícios principal e secundário, o equilíbrio da composição e a ausência de contrastes dissonantes - estes são os princípios estéticos dos urbanistas renascentistas.

Alberti em seu tratado "Dez livros de arquitetura" desenha uma cidade ideal, bela em planejamento racional e aparência edifícios, ruas, praças. Todo o ambiente de vida de uma pessoa é organizado aqui de forma a atender às necessidades do indivíduo, da família e da sociedade como um todo.

Bernardo Gambarelli (Rosselino), retomando ideias já existentes, contribui para o desenvolvimento da visão de uma cidade ideal, que resultou na cidade de Pienza (1459), que existe até hoje, incorporando elementos de muitos projetos que permaneceram no papel ou na criatividade as intenções dos criadores. Esta cidade é um exemplo claro da transformação do assentamento medieval de Corsignano em uma cidade renascentista ideal com ruas retas e um layout regular.

Antonio di Pietro Averlino (Filarete) (c. 1400 - c. 1469) em seu tratado dá uma ideia da cidade ideal de Sforzinda.

A cidade era uma estrela octogonal em planta, formada pela interseção em um ângulo de 45° de dois quadrados iguais com lado de 3,5 km. Nas bordas da estrela havia oito torres redondas e nos "bolsos" - oito portões da cidade. Os portões e as torres eram conectados ao centro por ruas radiais, algumas das quais eram canais de navegação. Na parte central da cidade, em uma colina, ficava a praça principal, de planta retangular, em cujos lados mais curtos deveria haver palácio principesco e a catedral da cidade, e ao longo das longas - instituições judiciais e municipais.

No centro da praça havia um lago e uma torre de vigia. Outras duas contíguas à praça principal, com as casas dos mais eminentes moradores da cidade. Mais dezesseis praças foram localizadas no cruzamento das ruas radiais com o anel viário: oito praças de comércio e oito de centros paroquiais e igrejas.

Pienza não foi a única cidade realizada na Itália que incorporou os princípios do planejamento "ideal". A própria Itália naquela época não era um estado unido, como o conhecemos agora, consistia em muitas repúblicas e ducados independentes separados. À frente de cada uma dessas áreas havia uma família nobre. Claro, todo governante queria ter em seu estado um modelo de cidade “ideal”, que lhe permitisse ser considerado uma pessoa renascentista educada e progressista. Assim, em 1492, o representante da dinastia D Este, duque Ercole I, decidiu reconstruir uma das principais cidades do seu ducado - Ferrara.

A reestruturação foi confiada ao arquiteto Biagio Rossetti. Ele se distinguiu pela amplitude de visão, bem como pelo amor à inovação, que se manifestou em quase todas as suas obras. Ele estudou minuciosamente o antigo layout da cidade e chegou a uma solução interessante. Se antes dele os arquitetos demoliam prédios antigos ou construíam do zero, então Biagio decidiu construir uma nova cidade em cima da antiga. Assim, ele simultaneamente incorporou o conceito de cidade renascentista com suas ruas retas e espaços abertos e enfatizou a integridade e a autossuficiência da cidade medieval. A principal inovação do arquiteto foi um uso diferenciado dos espaços. Ele não obedecia a todas as leis do urbanismo regular, que sugeriam praças abertas e ruas largas. Em vez disso, como a parte medieval da cidade foi deixada intacta, Biagio joga com os opostos: alterna estradas principais com ruas estreitas, praças iluminadas com becos sem saída escuros, grandes casas ducais com casas baixas de habitantes comuns. Além disso, esses elementos não se contradizem: a perspectiva reversa é combinada com a reta, e as linhas contínuas e os volumes crescentes não se contradizem.

O estudioso veneziano e estudioso da arquitetura Daniele Barbaro (1514-1570) dedicou a maior parte de sua vida ao estudo do tratado de Vitruvius, que resultou em seu livro intitulado "Dez livros sobre a arquitetura de Vitruvius com um comentário de Daniele Barbaro", escrito em 1556. Neste livro, a atitude em relação à arquitetura antiga foi refletida não apenas pelo próprio autor, mas também pela maioria dos arquitetos do século XVI. Daniele Barbaro ao longo de sua vida estudou minuciosamente o tratado e tentou recriar o esquema da cidade ideal, que refletisse as ideias de Vetrúvio e seus conceitos que complementassem sua visão.

Um pouco antes, o arquiteto renascentista Cesare Cesarino publicou seu comentário sobre os Dez Livros de Arquitetura em 1521 com numerosas ilustrações, incluindo diagramas teóricos de uma cidade ideal.

Entre os muitos desses teóricos do século XVI. Andrea Palladio (1508-1580) ocupou um lugar especial. Em seu tratado Quatro livros de arquitetura (italiano: Quattro Libri de HArchitettura), publicado em 1570, Palladio não destacou uma seção especial sobre a cidade, mas toda a sua obra foi essencialmente dedicada a esse tópico específico. Ele disse que "uma cidade nada mais é do que uma espécie de casa grande e vice-versa, uma casa é uma espécie de cidade pequena".

Colocando um sinal de igualdade entre um edifício residencial e uma cidade, Palladio enfatizou a integridade do organismo urbano e a interconexão de seus elementos espaciais. Ele reflete sobre a integridade do organismo urbano e a relação de seus elementos espaciais. Sobre o conjunto urbano, ele escreve: “A beleza é o resultado de uma bela forma e da correspondência do todo com as partes, das partes entre si e também das partes com o todo”. Um lugar de destaque no tratado é dado ao interior dos edifícios, suas dimensões e proporções. Palladio está tentando conectar organicamente o espaço externo das ruas com o interior das casas e pátios.

No final do século XVI. durante o cerco das cidades, armas de artilharia com projéteis explosivos começaram a ser usadas. Isso forçou os planejadores da cidade a reconsiderar a natureza das fortificações da cidade. As muralhas e torres da fortaleza foram substituídas por bastiões de terra, que, sendo levados além dos limites da cidade, eram capazes de repelir ataques inimigos e conduzir fogo de flanco contra o inimigo que se aproximava da cidade. Com base nisso, não houve necessidade de proteger os portões da cidade, que a partir de agora passaram de poderosos centros de defesa para as principais entradas da cidade. Essas inovações na forma de uma variedade de formas bizarras em forma de estrela são refletidas nos projetos das cidades ideais de Buonayuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di George Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle , Jacques Perret, Albrecht Dürer, Vicenzo Scamozzi , George Vasari Jr. e etc

E a cidade fortificada de Palmanova pode ser justamente considerada o ponto culminante da arquitetura fortificada do Renascimento, cujo plano, segundo o projeto do arquiteto Vicenzo Scamozzi, tem a forma de uma estrela de nove pontas, e as ruas irradiam de a praça localizada no centro. O território da cidade era rodeado por doze baluartes, e cada um dos baluartes foi planeado de forma a proteger os vizinhos, e tinha quatro portas da cidade, das quais se cruzavam duas ruas principais em ângulos retos. Em sua intersecção ficava a praça principal, com vista para o palácio, a catedral, a universidade e as instituições da cidade. Duas praças de comércio contíguas à praça principal a oeste e a leste, a praça de trocas localizava-se no norte e a praça de comércio de feno e lenha localizava-se no sul. O território da cidade era atravessado por um rio, e mais perto da sua periferia existiam oito igrejas paroquiais. O traçado da cidade era regular. A fortaleza era cercada por um fosso.

No ambiente de engenharia do Renascimento, questões de composição, harmonia, beleza e proporção são estudadas diligentemente. Nessas construções ideais, o planejamento da cidade é caracterizado pelo racionalismo, clareza geométrica, composição cêntrica e harmonia entre o todo e as partes. E, finalmente, o que distingue a arquitetura do Renascimento de outras épocas é a pessoa que está no centro, na base de todas essas construções. Muitos outros nomes e nomes de cidades podem servir de exemplo. Sobreviveu a Urbino com o seu grandioso Palácio Ducal, "uma cidade em forma de palazzo", criada pelo arquitecto Luciano Laurana para o Duque Federico da Montefeltro, Terradel Sole ("Cidade do Sol"), Vigevano na Lombardia, Valletta (capital da Malta). Quanto a esta última, esta majestosa cidade murada cresceu nas falésias íngremes e sem água da península do Monte Sciberras, erguendo-se entre os dois portos profundos de Marsamxett e Grand Harbour. Fundada em 1566, Valletta foi completamente construída, junto com impressionantes bastiões, fortes e uma catedral, em um tempo surpreendentemente curto - 15 anos.

Idéias gerais, conceitos do Renascimento fluíram muito além da virada do século XVII e se espalharam córrego tempestuoso, abrangendo gerações subsequentes de arquitetos e engenheiros.

Mesmo o exemplo de muitos projetos arquitetônicos modernos mostra a influência do Renascimento, que por vários séculos não perdeu sua ideia de humanidade e a primazia do conforto humano. Simplicidade, comodidade, "acessibilidade" da cidade para o habitante em todos os tipos de dispositivos variáveis ​​podem ser encontrados em muitos trabalhos, e cada um seguindo seu caminho, arquitetos e pesquisadores, todos como um, ainda assim pisaram na estrada já pavimentada pavimentada pelos mestres do Renascimento.

Nem todos os exemplos de “cidades ideais” foram considerados no artigo, cujas origens remontam às profundezas da era do belo Renascimento - em alguns, a ênfase está na comodidade e ergonomia de ser civil, em outros sobre a máxima eficiência das operações defensivas; mas em todos os exemplos que observamos uma ânsia incansável de melhoria, de obtenção de resultados, vemos passos confiantes para a comodidade e conforto de uma pessoa. Idéias, conceitos, até certo ponto, as aspirações do Renascimento fluíram muito além da virada do século XVII e se espalharam em uma corrente tempestuosa, abraçando gerações subsequentes de arquitetos e figuras da engenharia.

E o exemplo dos arquitetos modernos mostra claramente a influência dos conceitos das figuras renascentistas, um tanto modificados, mas sem perder a ideia de humanidade e a primazia do conforto humano nos projetos urbanísticos. Simplicidade, comodidade, "acessibilidade" da cidade para o morador em todos os tipos de dispositivos variáveis ​​podem ser encontrados em muitas outras obras, implementadas e de forma alguma - ficaram no papel. Cada um seguindo seu próprio caminho, arquitetos e pesquisadores, todos como um, no entanto pisaram na estrada pavimentada já pavimentada pelos mestres do Renascimento, seguindo a luz imortalmente relevante e sedutora da ideia de renascimento, o renascimento da alma humana , e os principais passos nessa direção foram dados no distante século XIV.

Os conceitos de cidade ideal do Renascimento, por toda a sua utopia e impossibilidade do ponto de vista pragmático de uma pessoa, especialmente moderna, não cessam completamente em seu esplendor ou pelo menos parcialmente, elementos se insinuam periodicamente na obra de arquitetos românticos, buscando não tanto a perfeição em seu difícil ofício criativo, quanto a perfeição em um ambiente mais complexo e imprevisível do que pergaminho e perspectiva - para a perfeição inatingível da alma e da consciência humana.

Palmanova - Catedral

Arte renascentista na Itália (séculos XIII-XVI).

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Características da arte do Renascimento na Itália.

A arte do Renascimento surgiu com base no humanismo (do latim humanus - “humano”) - uma tendência do pensamento social que se originou no século XIV. na Itália, e depois durante a segunda metade do século XV e no século XVI. se espalhou para outros países europeus. O humanismo proclamou o mais alto valor do homem e do seu bem. Os seguidores dessa tendência acreditavam que toda pessoa tem o direito de se desenvolver livremente como pessoa, realizando suas habilidades. As idéias do humanismo são mais plena e vividamente incorporadas na arte, tema principal que se tornou uma pessoa bonita e harmoniosamente desenvolvida com possibilidades espirituais e criativas ilimitadas. Os humanistas se inspiraram na antiguidade, que lhes serviu de fonte de conhecimento e modelo de criatividade artística. O grande passado da Itália, lembrando-se constantemente de si mesmo, era percebido na época como a mais alta perfeição, enquanto a arte da Idade Média parecia inepta e bárbara. O termo "renascimento", que surgiu no século XVI, significava o nascimento de uma nova arte, revivendo a cultura antiga clássica. No entanto, a arte do Renascimento deve muito à tradição artística da Idade Média. O velho e o novo estavam inextricavelmente ligados e confrontados. Com toda a diversidade contraditória de suas origens, a arte do Renascimento é marcada por uma novidade profunda e fundamental. Lançou as bases da cultura europeia dos tempos modernos. Todas as principais formas de arte - pintura e gráficos, escultura, arquitetura - mudaram tremendamente.
Na arquitetura, os princípios criativamente retrabalhados do antigo sistema de pedidos , surgiram novos tipos de edifícios públicos. A pintura foi enriquecida com uma perspectiva linear e aérea, conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano. O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. Aumento do interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens, retratos. Junto com as pinturas murais monumentais que adornavam as estruturas arquitetônicas, apareceu uma pintura; surgiu a pintura a óleo.
A arte ainda não deixou de ser um ofício, mas o primeiro lugar já ocupou individualidade criativa artista, cujas atividades na época eram muito diversas. O talento universal dos mestres do Renascimento é incrível - muitas vezes trabalharam simultaneamente no campo da arquitetura, escultura e pintura, combinaram sua paixão pela literatura, poesia e filosofia com o estudo das ciências exatas. O conceito de uma personalidade criativamente rica ou "renascentista" tornou-se mais tarde uma palavra familiar.
Na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente entrelaçados. Seu significado cognitivo estava inextricavelmente ligado à sublime beleza poética; em sua busca pela naturalidade, não desceu à mesquinha vida cotidiana. A arte tornou-se uma necessidade espiritual universal.
A formação da cultura renascentista na Itália ocorreu em cidades economicamente independentes. No surgimento e florescimento da arte do Renascimento, a Igreja e as magníficas cortes dos soberanos não coroados - as famílias ricas governantes, que eram os maiores patronos e clientes de obras de pintura, escultura e arquitetura, desempenharam um papel importante. Os principais centros da cultura renascentista foram inicialmente as cidades de Florença, Siena, Pisa, depois Pádua, Ferrara, Gênova, Milão e, mais tarde, na segunda metade do século XV, a rica Veneza mercantil. No século XVI. Roma tornou-se a capital do Renascimento italiano. Desde então, todos os outros centros culturais, exceto Veneza, perderam sua importância anterior.
Na era do Renascimento italiano, costuma-se distinguir vários períodos:

Proto-renascimento (segunda metade dos séculos XIII-XIV),

Renascimento (século XV),

Alta Renascença (final do século XV - primeiro terço do século XVI)

Renascimento tardio (últimos dois terços do século XVI).

proto-renascentista

Na cultura italiana dos séculos XIII-XIV. Contra o pano de fundo das ainda fortes tradições bizantina e gótica, começaram a aparecer características de uma nova arte, que mais tarde seria chamada de arte do Renascimento. Por isso, esse período de sua história foi denominado proto-renascentista(do grego "protos" - "primeiro", ou seja, preparou o início do Renascimento). Não houve período de transição semelhante em nenhum dos países europeus. Na própria Itália, a arte proto-renascentista surgiu e se desenvolveu apenas na Toscana e em Roma.
Na cultura italiana, as características do antigo e do novo estavam entrelaçadas. O último poeta da Idade Média e o primeiro poeta da nova era, Dante Alighieri (1265-1321), criou a língua literária italiana. O que Dante começou foi continuado por outros grandes florentinos do século XIV - Francesco Petrarca (1304-1374), o fundador da poesia lírica européia, e Giovanni Boccaccio (1313-1375), o fundador do gênero romance (conto) no mundo literatura. O orgulho da época são os arquitetos e escultores Niccolo e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio e o pintor Giotto di Bondone .
Arquitetura
A arquitetura italiana por muito tempo seguiu as tradições medievais, expressas principalmente no uso de um grande número de motivos góticos. Ao mesmo tempo, o próprio gótico italiano era muito diferente da arquitetura gótica do norte da Europa: gravitava em torno de grandes formas calmas, até mesmo luz, divisões horizontais e amplas superfícies de parede. Em 1296, a construção começou em Florença Catedral de Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio queria coroar o altar da catedral com uma enorme cúpula. Porém, após a morte do arquiteto em 1310, a construção foi adiada, tendo sido concluída já no período do início do Renascimento. Em 1334, de acordo com o projeto de Giotto, foi iniciada a construção da torre sineira da catedral, o chamado campanário - uma esbelta torre retangular com divisões horizontais por andares e elegantes janelas góticas, cuja forma de arco lancetado foi preservado na arquitetura italiana por muito tempo.
Entre os palácios mais famosos da cidade está o Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) em Florença. Acredita-se que foi construído por Arnolfo di Cambio. É um cubo pesado com uma torre alta, forrada com rusticação de pedra dura. A fachada de três andares é decorada com janelas duplas inscritas em arcos semicirculares, o que dá a todo o edifício uma impressão de austeridade contida. O edifício define a aparência do centro antigo da cidade, invadindo a praça com um volume áspero.
Escultura
Mais cedo do que na arquitetura e na pintura, as buscas artísticas se delinearam na escultura, e sobretudo na escola pisana, cujo fundador foi Niccolò Pisano (cerca de 1220 - entre 1278 e 1284). Niccolo Pisano nasceu na Apúlia, no sul da Itália. Acredita-se que ele estudou escultura nas escolas do sul, onde floresceu o espírito do renascimento das tradições clássicas da antiguidade. Sem dúvida, Niccolo estudou a decoração escultural dos sarcófagos romanos tardios e cristãos primitivos. A obra mais antiga conhecida do escultor é um hexágono púlpito de mármore, feito por ele para o batistério de Pisa (1260), - tornou-se uma obra marcante da escultura renascentista e teve grande impacto em seu desenvolvimento posterior. A principal conquista do escultor é que ele conseguiu dar volume e expressividade às formas, e cada imagem tem força corporal.
Da oficina de Niccolò Pisano vieram os notáveis ​​mestres da escultura do Proto-Renascimento - seu filho Giovanni Pisano e Arnolfo di Cambio, também conhecido como arquiteto. Arnolfo di Cambio (cerca de 1245 - depois de 1310) gravitou em torno da escultura monumental, na qual usou suas observações de vida. Um dos melhores trabalhos que fez junto com seu pai e filho Pisano - Fonte na Piazza Perugia(1278). A Fonte Maggiore, decorada com inúmeras estátuas e relevos, tornou-se o orgulho da cidade. Era proibido beber animais dele, levar água em barris de vinho ou em pratos sujos. O museu da cidade preservou fragmentos de figuras reclinadas feitas por Arnolfo di Cambio para a fonte. Nessas figuras, o escultor conseguiu transmitir toda a riqueza dos movimentos do corpo humano.
Pintura
Na arte do Renascimento italiano, a pintura mural ocupava um lugar dominante. Foi feito em técnica de afresco. Com tintas preparadas em água, eles escreveram em gesso úmido (na verdade, um afresco) ou seco - essa técnica é chamada de "a secco" (traduzido do italiano - "seco"). O principal aglutinante do gesso é a cal. Porque a cal demora um pouco para secar, a pintura a fresco tinha que ser feita rapidamente, muitas vezes em partes, entre as quais havia costuras de conexão. A partir da segunda metade do século XV. a técnica do afresco começou a ser complementada com a pintura a secco; esta última permitia um trabalho mais lento e permitia o acabamento das peças. O trabalho nos murais foi precedido pela produção de sinopia - desenhos auxiliares aplicados sob o afresco na primeira camada de gesso. Esses desenhos foram feitos com ocre vermelho, extraído da argila perto da cidade de Sinop, localizada na costa do Mar Negro. De acordo com o nome da cidade, a tinta se chamava Sinop, ou sinopia, depois os próprios desenhos passaram a ser chamados da mesma forma. Sinopia foi usada na pintura italiana do século XIII até meados do século XV. No entanto, nem todos os pintores recorreram à ajuda da sinopia - por exemplo, Giotto di Bondone, o representante mais proeminente da era do Proto-Renascimento, dispensou-os. Gradualmente, a sinopia foi abandonada. De meados do século XV. O papelão foi amplamente utilizado na pintura - desenhos preparatórios feitos em papel ou em tecido no tamanho de obras futuras. Os contornos do desenho foram transferidos para gesso úmido com o auxílio de pó de carvão. Foi soprado através dos orifícios perfurados no contorno e pressionado no gesso com alguma ferramenta afiada. Às vezes, a sinopia de um esboço se transformava em um desenho monumental acabado, e os cartões adquiriam o valor de obras de pintura independentes.

O fundador do novo estilo italiano de pintura é Cimabue (na verdade, Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue era famoso em Florença como um mestre de pinturas solenes e ícones de altares. Suas imagens são caracterizadas pela abstração e caráter estático. E embora Cimabue seguisse as tradições bizantinas em seu trabalho, em suas obras ele tentou expressar sentimentos terrenos, suavizar a rigidez do cânone bizantino.
Piero Cavallini (entre 1240 e 1250 - por volta de 1330) viveu e trabalhou em Roma. Ele é o autor dos mosaicos da Igreja de Santa Maria in Trastevere (1291), bem como dos afrescos da Igreja de Santa Cecilia in Trastevere (cerca de 1293). Em suas obras, Cavallini deu às formas volume e tangibilidade.
Conquistas que Cavallini adotou e deu continuidade Giotto di Bondone(1266 ou 1267 - 1337), maior artista Proto-renascentista. O nome de Giotto está associado a uma virada no desenvolvimento da pintura italiana, sua ruptura com os cânones artísticos medievais e as tradições da arte ítalo-bizantina do século XIII. As obras mais famosas de Giotto são as pinturas da Capela Arena em Pádua (1304-06). Os afrescos se distinguem pela clareza, narrativa descomplicada, presença de detalhes cotidianos que conferem vitalidade e naturalidade às cenas retratadas. Rejeitando o cânone da igreja que dominava a arte da época, Giotto retrata seus personagens como semelhantes a pessoas reais: com corpos atarracados e proporcionais, rostos redondos (em vez de alongados), o corte correto dos olhos etc. Seus santos não pairam acima do solo, mas permanecem firmes com os dois pés. Eles pensam mais no terreno do que no celestial, experimentando sentimentos e emoções completamente humanas. Pela primeira vez na história da pintura italiana, o estado de espírito dos heróis de uma pintura é transmitido por expressões faciais, gestos, postura. Em vez do tradicional fundo dourado, os afrescos de Giotto retratam paisagens, interiores ou grupos escultóricos nas fachadas das basílicas.
Na segunda metade do século XIV. a pitoresca escola de Siena vem à tona. O maior e mais refinado mestre da pintura sienense do século XIV. foi Simone Martini (c. 1284-1344). O pincel de Simone Martini é dono da primeira imagem na história da arte de um concreto evento histórico com um retrato de um contemporâneo. Esta imagem " Condottiere Guidoriccio da Fogliano"na sala Mappamondo (Mapas do Mundo) no Palazzo Publico (Siena), que foi o protótipo para numerosos futuros retratos equestres. O retábulo A Anunciação de Simone Martini, agora guardado na Galeria Uffizi, em Florença, goza de merecida fama.

Características do Renascimento. proto-renascentista

Características do Renascimento

início do renascimento

No século XV. a arte da Itália ocupou uma posição dominante na vida artística da Europa. As bases de uma cultura secular humanista (ou seja, não eclesiástica) foram lançadas em Florença, o que empurrou Siena e Pisa para segundo plano. O poder político aqui pertencia a comerciantes e artesãos, a maior influência nos assuntos da cidade era exercida por várias famílias ricas, que competiam constantemente entre si. Esta luta terminou no final do século XIV. vitória da casa bancária Medici. Seu chefe, Cosimo de' Medici, tornou-se o governante tácito de Florença. Escritores, poetas, cientistas, arquitetos, artistas reuniram-se na corte de Cosimo Medici. A cultura renascentista de Florença atingiu seu auge sob Lorenzo de' Medici, apelidado de Magnífico. Lorenzo foi um grande patrono das artes e das ciências, o criador da Academia Platônica, onde as mentes proeminentes da Itália, poetas e filósofos se reuniam, onde eram realizados debates refinados que elevavam o espírito e a mente.

Arquitetura

Sob Cosimo e Lorenzo Medici, uma verdadeira revolução ocorreu na arquitetura de Florença: uma extensa construção foi lançada aqui, o que mudou significativamente a face da cidade. O ancestral da arquitetura renascentista na Itália foi Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arquiteto, escultor e cientista, um dos criadores da teoria científica da perspectiva. A maior conquista de engenharia de Brunelleschi foi a construção da cúpula. Catedral de Santa Maria del Fiore em Florença. Graças ao seu gênio matemático e técnico, Brunelleschi conseguiu resolver o problema mais difícil de sua época. A principal dificuldade que o mestre enfrentou foi causada pelo gigantesco vão da cruz do meio (42 m), que exigiu esforços especiais para facilitar o espalhamento. Brunelleschi resolveu o problema aplicando um projeto engenhoso: uma cúpula oca leve composta por duas conchas, um sistema de armação de oito nervuras de suporte conectadas por anéis que as circundam, uma lanterna de luz que fechava e carregava o arco. A cúpula da Catedral de Santa Maria del Fiore tornou-se a precursora de inúmeras igrejas abobadadas na Itália e em outros países europeus.

Brunelleschi foi um dos primeiros na arquitetura da Itália a compreender criativamente e interpretar originalmente o antigo sistema de ordem ( Ospedale degli Innocenti (Abrigo para enjeitados), 1421-44), marcou o início da criação de igrejas abobadadas baseadas na antiga ordem ( Igreja de São Lourenço ). Uma verdadeira joia do início da Renascença foi criada por Brunelleschi encomendada por uma rica família florentina Capela Pazzi(iniciado em 1429). O humanismo e a poesia da obra de Brunelleschi, a proporção harmoniosa, a leveza e a elegância de seus edifícios, mantendo contato com as tradições do gótico, a liberdade criativa e a validade científica de suas ideias determinaram a grande influência de Brunelleschi no desenvolvimento subsequente da arquitetura renascentista.

Uma das principais conquistas da arquitetura italiana do século XV. foi a criação de um novo tipo de palácios da cidade, o palazzo, que serviu de modelo para os edifícios públicos de uma época posterior. Características do palácio do século XV são uma divisão clara do volume fechado do edifício em três andares, um pátio aberto com arcadas de piso de verão, o uso de ferrugem (pedra com uma superfície frontal aproximadamente chanfrada ou convexa) para revestimento de fachada, bem como uma cornija decorativa fortemente estendida . Um exemplo marcante desse estilo é a construção da capital do aluno de Brunelleschi, Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), o arquiteto da corte da família Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), que serviu de modelo para a construção de muitos palácios florentinos. A criação de Michelozzo está próxima Palácio Strozzi(fundada em 1481), a que se associa o nome do arquitecto e escultor Benedetto da Maiano (1442-97).

Um lugar especial na história da arquitetura italiana é ocupado por Leon Batista Alberti(1404-72). Um homem amplamente talentoso e amplamente educado, ele foi um dos humanistas mais brilhantes de seu tempo. A gama de seus interesses era extraordinariamente diversa. Cobriu moralidade e direito, matemática, mecânica, economia, filosofia, poesia, música, pintura, escultura, arquitetura. Estilista brilhante, Alberti deixou inúmeras obras em latim e italiano. Na Itália e no exterior, Alberti conquistou a fama de notável teórico da arte. Pertencem à sua pena os famosos tratados “Dez Livros de Arquitectura” (1449-52), “Sobre a Pintura”, “Sobre a Estátua” (1435-36). Mas a arquitetura era a principal vocação de Alberti. No trabalho arquitetônico, Alberti gravitou em direção a soluções ousadas e experimentais, usando de forma inovadora o antigo patrimônio artístico. Alberti criou novo tipo palácio da cidade ( Palazzo Rucellai ). Na arquitetura religiosa, primando pela grandeza e simplicidade, Alberti usou motivos de arcos triunfais e arcadas romanas no desenho de fachadas ( Igreja de Sant'Andrea em Mântua, 1472-94). O nome Alberti é justamente considerado um dos primeiros entre os grandes criadores da cultura do Renascimento italiano.

Escultura

No século XV. A escultura italiana, que adquiriu um significado independente independente da arquitetura, está florescendo. As encomendas para a decoração de edifícios públicos começam a entrar na prática da vida artística; concursos de arte são realizados. Um desses concursos - para a fabricação de bronze da segunda porta norte do batistério florentino (1401) - é considerado um evento significativo que abriu uma nova página na história da escultura renascentista italiana. A vitória foi conquistada por Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Uma das pessoas mais cultas de seu tempo, o primeiro historiador da arte italiana, um brilhante desenhista, Ghiberti dedicou sua vida a um tipo de escultura - o relevo. O principal princípio de sua arte Ghiberti considerou o equilíbrio e a harmonia de todos os elementos da imagem. O auge da obra de Ghiberti foi portas leste do batistério de florença (1425-52), que imortalizou o nome do mestre. A decoração das portas inclui dez composições quadradas de bronze dourado (" Criação de Adão e Eva”), com sua expressividade incomum que lembra pinturas pitorescas. O artista conseguiu transmitir a profundidade do espaço, saturado de imagens da natureza, figuras de pessoas, estruturas arquitetônicas. Com a mão leve de Michelangelo, as portas orientais do batistério florentino começaram a ser chamadas "Portões do Paraíso".

A oficina Ghiberti tornou-se uma escola para toda uma geração de artistas, em particular, o famoso Donatello, o grande reformador, trabalhou lá. escultura italiana. A obra de Donatello (c. 1386-1466), que absorveu as tradições democráticas da cultura florentina no século XIV, é um dos picos do desenvolvimento da arte do início do Renascimento. Ele incorporou a busca de novos meios realistas de retratar a realidade, característica da arte do Renascimento, uma atenção especial ao homem e seu mundo espiritual. A influência da obra de Donatello no desenvolvimento da arte renascentista italiana foi enorme.

A segunda geração de escultores florentinos gravitou em direção a uma arte mais lírica, pacífica e secular. O papel principal pertenceu à família de escultores della Robbia. O chefe da família, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), tornou-se famoso pelo uso da técnica do vidrado em esculturas redondas e relevos. A técnica do esmalte (majólica), conhecida desde a antiguidade pelos povos da Ásia Menor, foi trazida para a Península Ibérica e para a ilha de Maiorca (daí o seu nome) na Idade Média, tendo depois se difundido amplamente na Itália. Lucca della Robbia criou medalhões com relevos sobre fundo azul profundo para edifícios e altares, guirlandas de flores e frutas, bustos de majólica da Madona, Cristo e santos. A arte alegre, elegante e gentil deste mestre recebeu um merecido reconhecimento de seus contemporâneos. Grande perfeição na técnica da majólica também foi alcançada por seu sobrinho Andrea della Robbia (1435-1525) ( relevos na fachada do Ospedale degli Innocenti).

Pintura

O grande papel que Brunelleschi desempenhou na arquitetura do início do Renascimento e Donatello na escultura, pertenceu a Masaccio (1401-1428) na pintura. Masaccio morreu jovem, antes de completar 27 anos, mas conseguiu fazer muito na pintura. O famoso historiador de arte Vipper disse: "Masaccio é um dos gênios mais independentes e consistentes da história da pintura européia, o fundador de um novo realismo ..." Continuando a busca por Giotto, Masaccio rompe corajosamente com as tradições artísticas medievais. Em afresco "Trindade"(1426-27), criado para a igreja de Santa Maria Novella em Florença, pela primeira vez em um mural pintura de Masaccio aplica perspectiva total. Nos murais da Capela Brancacci da Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença (1425-28) - a principal criação de sua curta vida - Masaccio dá às imagens uma vitalidade sem precedentes, enfatiza a fisicalidade e a monumentalidade de seus personagens, transmite com maestria o estado emocional da profundidade psicológica das imagens. Em Afresco "Expulsão do Paraíso" o artista resolve a tarefa mais difícil de seu tempo para retratar uma figura humana nua. A arte dura e corajosa de Masaccio teve um enorme impacto na cultura artística do Renascimento.

O desenvolvimento da pintura do início do Renascimento foi ambíguo: os artistas seguiram seus próprios caminhos, às vezes de maneiras diferentes. O início secular, o desejo de uma narrativa fascinante, o sentimento lírico terreno encontraram expressão vívida nas obras de Fra Filippo Lippi (1406-69), um monge da ordem carmelita. Mestre encantador, autor de muitos composições de altar, entre os quais a imagem é considerada a melhor « Adoração da Criança » criado para a capela em Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi conseguiu transmitir neles o calor humano e o amor poético pela natureza.

Em meados do século XV. a pintura da Itália Central experimentou um rápido florescimento, um exemplo marcante do que é o trabalho de Piero della Francesca(1420-92), o maior artista e teórico da arte do Renascimento. A criação mais notável de Piero della Francesca - ciclo de afrescos na igreja de San Francesco em Arezzo, que são baseados na lenda da Árvore da Cruz que dá vida. Os afrescos, dispostos em três níveis, traçam a história da cruz vivificante desde o início, quando uma árvore sagrada cresce da semente da árvore do paraíso do conhecimento do bem e do mal no túmulo de Adão. ("Morte de Adão") até o final, quando o imperador bizantino Heráclio devolve solenemente a relíquia cristã a Jerusalém (« Batalha entre Heráclio e Chosroes » ). A obra de Piero della Francesca ultrapassou as escolas locais de pintura e determinou o desenvolvimento da arte italiana em geral.

Na segunda metade do século XV, muitos artesãos talentosos trabalharam no norte da Itália nas cidades de Verona, Ferrara e Veneza. Entre os pintores desta época, o mais famoso é Andrea Mantegna (1431-1506) - mestre do cavalete e da pintura monumental, desenhista e gravador, escultor e arquiteto. A maneira pictórica do artista se distingue pela busca de formas e desenhos, pelo rigor e veracidade das imagens generalizadas. Graças à profundidade espacial e à natureza escultural das figuras, Mantegna consegue a impressão de uma cena real congelada por um momento - seus personagens parecem tão volumosos e naturais. A maior parte de sua vida, Mantegna viveu em Mântua, onde criou sua obra mais famosa - mural "Câmara degli Sposi" no castelo campestre do Marquês L. Gonzaga. Apenas por meio da pintura, ele criou aqui um luxuoso interior renascentista, um local para recepções cerimoniais e feriados. A arte de Mantegna, que gozou de grande fama, influenciou toda a pintura do norte da Itália.

Um lugar especial na pintura do início do Renascimento pertence a Sandro Botticelli(na verdade, Alessandro di Mariano Filipepi), nascido em 1445 em Florença, na família de um rico curtidor de couro. Em 1459-64. o jovem estuda pintura com o famoso mestre florentino Filippo Lippi. Em 1470 abriu sua própria oficina em Florença e em 1472 tornou-se membro da Guilda de São Lucas.

A primeira criação de Botticelli foi a composição "Força", que executou para a corte mercantil de Florença. O jovem artista rapidamente conquistou a confiança dos clientes e ganhou fama, o que atraiu a atenção de Lorenzo, o Magnífico, o novo governante de Florença, que se tornou seu mestre da corte e favorito. Botticelli executou a maioria de suas pinturas para as casas do duque e outras famílias nobres florentinas, bem como para igrejas, mosteiros e edifícios públicos em Florença.

Segunda metade das décadas de 1470 e 1480 tornou-se para Botticelli um período de florescimento criativo. Para a fachada principal da igreja de Santa Maria Novella, escreve a composição " Adoração dos Magos"- uma espécie de retrato de grupo mitificado da família Medici. Alguns anos depois, o artista cria sua famosa alegoria mitológica "Primavera".

Em 1481, o papa Sisto IV ordenou a um grupo de pintores, entre os quais Botticelli, que decorassem sua capela com afrescos, que mais tarde recebeu o nome de "Sistina". Afrescos na Capela Sistina de Botticelli Tentação de Cristo », « Cenas da vida de Moisés », « Punição da Coréia, Dathan e Aviron". Nos anos seguintes, Botticelli completou uma série de 4 afrescos baseados em contos do Decameron de Boccaccio, criou suas obras mitológicas mais famosas (“O Nascimento de Vênus”, “ Palas e Centauro”), bem como várias composições de altar para igrejas florentinas (“ Coroação da Virgem Maria », « Altar de São Barnabé"). Muitas vezes ele se voltou para a imagem da Madonna (" Madonna del Magnificat », « Madonna com romã », « Madonna com um livro”), também trabalhou no gênero retrato (“ Retrato de Giuliano Medici”, “Retrato de uma jovem”, “Retrato de um jovem”).

Na década de 1490, durante o período dos movimentos sociais que abalaram Florença e dos sermões místicos do monge Savonarola, notas moralizantes e dramáticas aparecem na arte de Botticelli (“Calúnia”, “ Lamentação por Cristo », « natal místico"). Sob a influência de Savonarola, num acesso de exaltação religiosa, o artista chegou a destruir algumas de suas obras. Em meados da década de 1490, com a morte de Lorenzo, o Magnífico, e a expulsão de seu filho Pietro de Florença, Botticelli perdeu a fama de grande artista. Esquecido, ele vive tranquilamente sua vida na casa do irmão Simon. Em 1510, o artista morreu.

A requintada arte de Botticelli com elementos de estilização (ou seja, generalização de imagens usando técnicas convencionais - simplificação de cor, forma e volume) é considerada um dos pináculos do desenvolvimento da pintura. A arte de Botticelli, ao contrário da maioria dos primeiros mestres do Renascimento, baseava-se na experiência pessoal. Excepcionalmente sensível e sincero, Botticelli percorreu um difícil e trágico caminho de busca criativa - da percepção poética do mundo na juventude ao misticismo e exaltação religiosa na idade adulta.

Avivamento precoce

Avivamento precoce

Alta Renascença

A Alta Renascença, que deu à humanidade grandes mestres como Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione, Ticiano, Bramante, abrange um período de tempo relativamente curto - o final do século XV e o primeiro terço do século XVI. Somente em Veneza, o florescimento da arte continuou até meados do século.

Mudanças fundamentais associadas aos eventos decisivos na história mundial, os sucessos do pensamento científico avançado, expandiram infinitamente as ideias das pessoas sobre o mundo - não apenas sobre a terra, mas também sobre o espaço. percepção do mundo e personalidade humana como se ampliado; V Criatividade artística isso se refletiu não apenas na escala majestosa de estruturas arquitetônicas, monumentos, ciclos solenes de afrescos e pinturas, mas também em seu conteúdo, expressividade das imagens. A arte da Alta Renascença é um processo artístico vivo e complexo com brilhos deslumbrantes e crises subsequentes.

Donato Bramante.

Roma tornou-se o centro da arquitetura do Alto Renascimento, onde, com base em descobertas e sucessos anteriores, um único estilo classico. Os mestres usaram criativamente o antigo sistema de ordem, criando estruturas cuja majestosa monumentalidade estava em sintonia com a época. Donato Bramante (1444-1514) tornou-se o maior representante da arquitetura do Alto Renascimento. Os edifícios de Bramante distinguem-se pela monumentalidade e grandeza, perfeição harmoniosa de proporções, integridade e clareza de soluções composicionais e espaciais e uso livre e criativo de formas clássicas. A maior conquista criativa de Bramante é a reconstrução do Vaticano (o arquiteto realmente criou um novo edifício, incluindo organicamente edifícios antigos espalhados nele). Bramante também foi o autor do projeto da Catedral de São Pedro em Roma. Com sua obra, Bramante determinou o desenvolvimento da arquitetura no século XVI.

Leonardo da Vinci.

Na história da humanidade não é fácil encontrar outra igualmente personalidade brilhante, como o fundador da arte do Alto Renascimento Leonardo da Vinci(1452-1519). A abrangência das atividades desse grande artista, escultor, arquiteto, cientista e engenheiro ficou clara somente quando foram examinados manuscritos dispersos de seu legado, totalizando mais de sete mil folhas contendo projetos científicos e arquitetônicos, invenções e esboços. É difícil nomear a área do conhecimento que sua genialidade não teria tocado. O universalismo de Leonardo é tão incompreensível que o famoso biógrafo das figuras renascentistas, Giorgio Vasari, não poderia explicar esse fenômeno senão pela intervenção do céu: “Seja o que for que este homem faça, cada ação sua traz a marca da divindade”.

Em seu famoso "Tratado de Pintura" (1498) e outras notas, Leonardo prestou grande atenção ao estudo do corpo humano, informações sobre anatomia, proporções, relação entre movimentos, expressões faciais e estado emocional de uma pessoa. Leonardo também se ocupou com os problemas do claro-escuro, modelagem volumétrica, perspectiva linear e aérea. Leonardo prestou homenagem não apenas à teoria da arte. Ele criou uma série de magníficos retábulos e retratos. O pincel de Leonardo pertence a uma das obras mais famosas da pintura mundial - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo criou imagens esculturais monumentais, projetou e construiu estruturas arquitetônicas. Leonardo continua sendo uma das personalidades mais carismáticas do Renascimento até hoje. Um grande número de livros são dedicados a ele, da forma mais detalhada estudou sua vida. E, no entanto, muito em sua obra permanece um mistério e continua a excitar a mente das pessoas.

Rafael Sant.

A arte de Raphael Santi (1483-1520) também pertence ao apogeu do Renascimento italiano. A ideia de sublime beleza e harmonia está associada à obra de Rafael na história da arte mundial. É geralmente aceito que na constelação de mestres brilhantes da Alta Renascença, foi Rafael o principal portador da harmonia. A busca incessante por um começo brilhante e perfeito permeia toda a obra de Rafael, constitui seu significado interior. Seu trabalho é extraordinariamente atraente em sua elegância natural (" Madona Sistina"). Talvez seja por isso que o mestre ganhou uma popularidade tão extraordinária entre o público e teve muitos seguidores entre os artistas de todos os tempos. Raphael não era apenas um pintor incrível, pintor de retratos, mas também um muralista que trabalhava na técnica de afresco, arquiteto e decorador. Todos esses talentos se manifestaram com particular força em suas pinturas dos aposentos do Papa Júlio II no Vaticano ("Escola de Atenas"). Na arte de um artista brilhante, nasceu uma nova imagem de um homem renascentista - belo, harmonioso, perfeito física e espiritualmente.

Michelangelo Buonarotti.

Contemporâneo Leonardo da Vinci e Rafael era seu eterno rival - Michelangelo Buonarroti, o maior mestre do Alto Renascimento - escultor, pintor, arquiteto e poeta. Este titã do Renascimento começou sua carreira com a escultura. Suas estátuas colossais se tornaram um símbolo de um novo homem - um herói e um lutador ("David"). O mestre ergueu muitas estruturas arquitetônicas e escultóricas, sendo a mais famosa a Capela dos Médici em Florença. O esplendor dessas obras é construído na tensão colossal dos sentimentos dos personagens ( Sarcófago de Giuliano de' Medici). Mas especialmente famosas são as pinturas de Michelangelo no Vaticano, na Capela Sistina, nas quais ele provou ser um pintor brilhante. Talvez ninguém no mundo da arte, nem antes nem depois de Michelangelo, tenha criado personagens tão fortes de corpo e espírito (“ Criação de Adão"). O enorme e incrivelmente complexo afresco no teto foi feito apenas pelo artista, sem assistentes; até hoje continua sendo uma obra monumental insuperável da pintura italiana. Mas além dos murais do teto da Capela Sistina, o mestre, já na velhice, criou o ferozmente inspirador "Juízo Final" - um símbolo do colapso dos ideais de sua grande época.

Michelangelo trabalhou muito e frutuosamente na arquitetura, em particular, supervisionou a construção da Catedral de São Pedro e do conjunto Praça do Capitólio em Roma. A obra do grande Michelangelo constituiu toda uma época e estava muito à frente de seu tempo, desempenhou um papel colossal na arte mundial, em particular, influenciou a formação dos princípios do barroco.

Giorgione e Ticiano.

Na história da arte do Alto Renascimento, Veneza entrou em uma página brilhante, onde a pintura está no auge. Giorgione é considerado o primeiro mestre da Alta Renascença em Veneza. Sua arte é muito especial. O espírito de clara harmonia e alguma contemplação íntima especial e devaneio reina nele. Ele costumava escrever belezas deliciosas, verdadeiras deusas. Normalmente, esta é uma ficção poética - a personificação de uma quimera, a admiração por um sentimento romântico e uma mulher bonita. Em suas pinturas há um toque de paixão sensual, doce prazer, felicidade sobrenatural. Com a arte de Giorgione, a pintura veneziana adquiriu um significado totalmente italiano, afirmando suas características artísticas.

Ticiano em entrou para a história da arte italiana como titã e chefe da escola veneziana, como símbolo de seu apogeu. Na obra deste artista, o sopro de uma nova era se manifestou com força especial - tempestuosa, trágica, sensual. A obra de Ticiano se distingue por uma cobertura excepcionalmente ampla e versátil de tipos e gêneros de pintura. Ticiano foi um dos fundadores da pintura monumental do altar, da paisagem como gênero independente, de vários tipos de retratos, inclusive solenes e cerimoniais. Em sua obra coexistem imagens ideais com personagens vívidos, conflitos trágicos com cenas de alegria jubilosa, composições religiosas com pinturas mitológicas e históricas.

Ticiano desenvolveu um novo técnica de pintura, que teve uma influência excepcional no desenvolvimento posterior, até o século XX, das artes plásticas mundiais. Ticiano pertence aos maiores coloristas da pintura mundial. Suas pinturas brilham com ouro e uma gama complexa de vibrantes tons luminosos de cor. Ticiano, que viveu quase um século, sobreviveu ao colapso dos ideais renascentistas, a obra do mestre pertence à metade do Renascimento tardio. Seu herói, que entra na luta contra forças hostis, morre, mas mantém sua grandeza. A influência da grande oficina de Ticiano afetou toda a arte veneziana.

ALTO REAVIVAMENTO

ALTO REAVIVAMENTO

Renascimento tardio

Na segunda metade do século XVI. na Itália, crescia o declínio da economia e do comércio, o catolicismo entrava em luta com a cultura humanista, a arte estava em profunda crise. Fortaleceu as tendências anti-renascentistas, incorporadas no maneirismo. No entanto, o maneirismo quase não afetou Veneza, que na segunda metade século XVI tornou-se o foco principal da arte do final do Renascimento. Em linha com a alta tradição humanística renascentista, nas novas condições históricas de Veneza, desenvolveu-se a obra dos grandes mestres do Renascimento tardio, enriquecida com novas formas - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

A obra do arquiteto do norte da Itália Andrea Palladio (1508-80), baseada em um profundo estudo da arquitetura antiga e renascentista, é um dos pináculos da arte do final da Renascença. Palladio desenvolveu os princípios da arquitetura, que foram desenvolvidos na arquitetura do classicismo europeu dos séculos XVII-XVIII. e recebeu o nome de Palladianismo. O arquitecto expôs as suas ideias na obra teórica Quatro Livros de Arquitectura (1570). Os edifícios de Palladio (principalmente palácios e vilas urbanas) são cheios de graciosa beleza e naturalidade, integridade harmoniosa e estrita ordem, distinguem-se pela clareza e conveniência do planejamento e uma conexão orgânica com o meio ambiente ( Palazzo Chiericati). A capacidade de harmonizar a arquitetura com a paisagem circundante manifestou-se com particular força nas villas Palladio, imbuídas de um sentido elegíaco e iluminado da natureza e marcadas pela clareza clássica e simplicidade de formas e composição ( Vila Capra (Rotonda)). Palladio criou o primeiro edifício teatral monumental da Itália, o Teatro Olímpico. A influência de Palladio no desenvolvimento da arquitetura nos séculos seguintes foi enorme.

Veronese e Tintoretto..

A natureza festiva e de afirmação da vida do Renascimento veneziano foi mais claramente manifestada na obra de Paolo Veronese. Artista monumental, criou magníficos conjuntos decorativos de pinturas de parede e teto com muitos personagens e detalhes divertidos. Veronese criou seu próprio estilo: suas pinturas espetaculares e espetaculares são cheias de emoções, paixão e vida, e os heróis, a nobreza veneziana, geralmente estão localizados em palácios patrícios ou tendo como pano de fundo uma natureza luxuosa. Eles são levados por festas grandiosas ou festividades encantadoras (“Bodas de Caná”). Veronese era o mestre da alegre Veneza, seus triunfos, o poeta de seu brilho dourado. Veronese tinha um dom excepcional como colorista. Suas cores são permeadas de luz, intensas e não apenas dotam os objetos de cor, mas eles próprios se transformam em objeto, transformando-se em nuvens, tecido, corpo humano. Por isso, a beleza real das figuras e objetos é multiplicada pela beleza da cor e da textura, o que produz um forte impacto emocional no espectador.

O completo oposto de Veronese foi seu contemporâneo Tintoretto (1518-94) - o último grande mestre do Renascimento italiano. A abundância de influências artísticas externas dissolveu-se na individualidade criativa única de Tintoretto. Em sua obra, foi uma figura gigantesca, criadora de temperamento vulcânico, de paixões violentas e de intensidade heroica. Seu trabalho foi um enorme sucesso tanto entre os contemporâneos quanto entre as gerações subsequentes. Tintoretto distinguia-se por uma capacidade de trabalho verdadeiramente desumana, uma busca incansável. Ele sentiu a tragédia de seu tempo de forma mais aguda e profunda do que a maioria de seus contemporâneos. O mestre se rebelou contra as tradições estabelecidas nas artes visuais - a observância da simetria, equilíbrio estrito, estático; expandiu os limites do espaço, saturou-o com dinâmica, ação dramática, começou a expressar os sentimentos humanos de forma mais vívida. 1590 . A arte do maneirismo parte dos ideais renascentistas da percepção harmoniosa do mundo. O homem está à mercê de forças sobrenaturais. O mundo parece instável, instável, em estado de decadência. As imagens maneiristas estão cheias de ansiedade, inquietação, tensão. O artista se afasta da natureza, se esforça para superá-la, seguindo em sua obra o subjetivo " ideia interior”, cuja base não é o mundo real, mas a imaginação criativa; o meio de atuação é a "forma bonita" como a soma de certas técnicas. Entre eles estão o alongamento arbitrário das figuras, o complexo ritmo serpentino, a irrealidade do espaço e da luz fantásticos e, às vezes, cores frias e penetrantes.

Jacopo Pontormo (1494-1556) foi o maior e mais talentoso mestre do maneirismo, um pintor de complexo destino criativo. Em sua famosa pintura Descida da Cruz» a composição é instável, as figuras são pretensiosamente quebradas, as cores claras são nítidas. Francesco Mazzola, apelidado de Parmigianino (1503-40) adorava impressionar o espectador: por exemplo, ele escreveu seu " Autorretrato em espelho convexo". A deliberação deliberada distingue sua famosa pintura " Madonna com um pescoço longo ».

O pintor da corte Medici Agnolo Bronzino (1503-72) é conhecido por seus retratos cerimoniais. Eles ecoaram a era de atrocidades sangrentas e declínio moral que tomou conta dos mais altos círculos da sociedade italiana. Os nobres clientes do Bronzino estão, por assim dizer, separados do espectador por uma distância invisível; a rigidez de suas poses, a impassibilidade de seus rostos, a riqueza de suas roupas, os gestos de suas belas mãos frontais - tudo isso é como uma casca externa que esconde uma vida interna imperfeita. No retrato de Eleanor de Toledo com seu filho (c. 1545), a inacessibilidade da imagem fria e distante é reforçada pelo fato de que a atenção do observador é totalmente absorvida pelo grande padrão plano das magníficas roupas de brocado da duquesa. O tipo de retrato da corte criado pelos maneiristas influenciou a arte retratista dos séculos XVI-XVII. em muitos outros países europeus.

A arte do maneirismo era transitória: o Renascimento estava desaparecendo no passado, era hora de um novo estilo artístico europeu - o barroco.

Arte do Renascimento do Norte.

Os países do norte da Europa não tiveram seu passado antigo, mas o período renascentista se destaca em sua história: da viradaXV – XVIpara o segundo tempoXVIIséculo. Desta vez, distingue-se pela penetração dos ideais renascentistas em várias esferas da cultura e pela mudança gradual de seu estilo. Como no berço do Renascimento, na arte do Renascimento do Norte, o interesse por mundo real mudou a forma de arte. No entanto, a arte dos países do norte não se caracterizou pelo pathos da pintura italiana, glorificando o poder do man-titã. Os burgueses (os chamados cidadãos ricos) valorizavam mais a integridade, a fidelidade ao dever e à palavra, a santidade do voto conjugal e o lar. Nos círculos burgueses, seu próprio ideal de pessoa estava se desenvolvendo - claro, sóbrio, piedoso e profissional. A arte dos burgueses poetiza a pessoa comum e seu mundo - o mundo da vida cotidiana e das coisas simples.

Mestres renascentistas na Holanda.

Novas características da arte renascentista apareceram principalmente na Holanda, que era um dos países mais ricos e industrializados da Europa. Por causa de suas extensas conexões internacionais, a Holanda adotou novas descobertas muito mais rapidamente do que outros países nórdicos.

estilo renascentista na Holanda abriu Jan Van Eyck(1390-1441). Sua obra mais famosa é retábulo de Gent, no qual o artista começou a trabalhar com seu irmão, e continuou trabalhando sozinho após sua morte por mais 6 anos. O altar de Ghent, criado para a catedral da cidade, é uma dobra de dois níveis, em 12 tábuas das quais estão fotos do cotidiano, da vida cotidiana (nas tábuas externas, que eram visíveis quando a dobra foi fechada) e festiva, jubilosa, transfigurada vida (nas portas internas, que pareciam abertas durante os feriados da igreja). Este é um monumento de arte que glorifica a beleza da vida terrena. O sentimento emocional de Van Eyck - "o mundo é como um paraíso", cada partícula do qual é linda - é expresso de forma clara e clara. O artista contou com muitas observações da natureza. Todas as figuras e objetos têm volume e peso tridimensionais. Os irmãos Van Eyck foram os primeiros a descobrir as possibilidades da pintura a óleo; a partir desta época, começa o deslocamento gradual da têmpera por ela.

Na segunda metade do XVséculo XX, repleto de embates políticos e religiosos, na arte dos Países Baixos destaca-se uma arte complexa e peculiar Hieronymus Bosch(1450?-1516). Este é um artista muito curioso com uma imaginação extraordinária. Ele morava sozinho mundo assustador. Nas pinturas de Bosch há uma condensação de representações folclóricas medievais, montagens grotescas do vivo e do mecânico, do terrível e do cômico. Em suas composições, que não tinham centro, não há personagem principal. O espaço em várias camadas é preenchido com numerosos grupos de figuras e objetos: répteis monstruosamente exagerados, sapos, aranhas, criaturas terríveis nas quais partes de diferentes criaturas e objetos são combinados. O propósito das composições de Bosch é a edificação moral. Bosch não encontra harmonia e perfeição na natureza, suas imagens demoníacas lembram a vitalidade e a onipresença do mal mundial, do ciclo da vida e da morte.

O homem nas pinturas de Bosch é patético e fraco. Assim, no tríptico carruagem de feno» o artista revela a história da humanidade. A ala esquerda conta a história da queda de Adão e Eva, a direita retrata o Inferno e todos os horrores que aguardam os pecadores aqui. A parte central da imagem ilustra o provérbio popular "O mundo é um palheiro, cada um tira dele o que consegue agarrar." Bosch mostra como as pessoas lutam por um pedaço de feno, morrem sob as rodas de uma carroça, tentam subir nela. Em cima da carroça, renunciando ao mundo, os amantes cantam e se beijam. De um lado deles está um anjo e, do outro, o diabo: quem vencerá? Criaturas assustadoras arrastam o carrinho para o submundo. Por trás de todas as ações das pessoas, Deus parece perplexo. Um clima ainda mais sombrio está imbuído da imagem " carregando a cruz”: Cristo carrega sua pesada cruz, cercado por pessoas nojentas de olhos esbugalhados e bocas escancaradas. Por eles o Senhor se sacrifica, mas sua morte na cruz os deixará indiferentes.

Bosch já havia morrido quando outro famoso artista holandês nasceu - Pieter Brueghel, o Velho(1525-1569), apelidado de Muzhitsky por muitas pinturas que retratam a vida dos camponeses. Brueghel tomou provérbios folclóricos e as preocupações cotidianas das pessoas comuns como base para muitos enredos. A completude das imagens das pinturas " casamento camponês" E " dança camponesa"carrega o poder dos elementos do povo. até as fotos histórias bíblicas As obras de Brueghel são habitadas pelos holandeses, e os eventos da distante Judéia acontecem tendo como pano de fundo as ruas cobertas de neve sob o céu escuro de seu país natal (“ Sermão de João Batista"). Mostrando aparentemente sem importância, menor, o artista fala sobre o principal na vida das pessoas, recria o espírito de seu tempo.

uma pequena tela Caçadores na neve” (janeiro) da série “The Seasons” é considerada uma das obras-primas insuperáveis ​​​​da pintura mundial. Caçadores cansados ​​​​com cães voltam para casa. Junto com eles, o espectador entra no morro, de onde se abre o panorama de uma pequena cidade. Margens do rio cobertas de neve, árvores espinhosas congeladas no ar límpido e gelado, pássaros voam, sentam-se em galhos de árvores e telhados de casas, as pessoas estão ocupadas com suas atividades diárias. Todas essas ninharias aparentes, junto com o azul do céu, as árvores negras, a neve branca, criam na imagem um panorama do mundo que o artista ama apaixonadamente.

A pintura mais trágica de Brueghel Parábola do Cego"Escrito pelo artista pouco antes de sua morte. Ele ilustra a história do evangelho "se um cego guiar outro cego, ambos cairão na cova". Talvez esta seja uma imagem da humanidade, cega por seus desejos, caminhando para a morte. Porém, Brueghel não julga, mas, compreendendo as leis da relação das pessoas entre si, com o meio ambiente, penetrando na essência da natureza humana, revela às próprias pessoas, seu lugar no mundo.

Pintura na Alemanha durante o Renascimento.

As características do Renascimento na arte da Alemanha aparecem mais tarde do que na Holanda. O apogeu do humanismo alemão, das ciências seculares e da cultura cai nos primeiros anosXVIv. Foi um breve período durante o qual a cultura alemã deu ao mundo os mais altos valores artísticos. Em primeiro lugar, devem incluir obras Albrecht Dürer(1471-1528) - o artista mais importante do Renascimento alemão.

Durer é um típico representante do Renascimento, foi pintor, gravador, matemático e engenheiro, escreveu tratados sobre fortificação e teoria da arte. Sobre autorretratos ele parece inteligente, nobre, concentrado, cheio de profundas reflexões filosóficas. Nas pinturas, Dürer não se contenta com a beleza formal, mas procura dar uma expressão simbólica de pensamentos abstratos.

Um lugar especial na herança criativa de Dürer pertence à série Apocalypse, que inclui 15 grandes xilogravuras. Dürer ilustra as previsões da "Revelação de João, o Teólogo", por exemplo, a folha " quatro cavaleiros"simboliza desastres terríveis - guerra, pestilência, fome, julgamento injusto. O pressentimento de mudanças, duras provações e desastres, expressos em gravuras, revelou-se profético (a Reforma e o Camponês e as guerras religiosas que se seguiram logo começaram).

Outro grande artista da época foi Lucas Cranach, o Velho(1472-1553). O Hermitage abriga suas pinturas Madonna e criança sob a macieira" E " retrato feminino". Neles vemos o rosto de uma mulher, capturado em muitas das pinturas do mestre (até se chama "Cranach"): um queixo pequeno, olhos estreitos, cabelos dourados. O artista escreve cuidadosamente jóias e roupas, suas pinturas são uma festa para os olhos. A pureza e a ingenuidade das imagens mais uma vez fazem você olhar para essas pinturas. Cranach foi um pintor de retratos maravilhoso, ele criou imagens de muitos contemporâneos famosos - Martinho Lutero (que era seu amigo), o duque Henrique da Saxônia e muitos outros.

Mas o pintor de retratos mais famoso do Renascimento do Norte pode, sem dúvida, ser reconhecido como outro pintor alemão. Hans Holbein, o Jovem(1497-1543). Durante muito tempo foi o pintor da corte do rei inglês HenriqueVIII. Em seu retrato, Holbein transmite perfeitamente a natureza imperiosa do rei, que não está familiarizado com a dúvida. Pequenos olhos inteligentes em um rosto carnudo traem um tirano nele. retrato de heinrich VIII era tão confiável que assustava as pessoas que conheciam o rei. Holbein pintou retratos de muitas pessoas famosas da época, em particular o estadista e escritor Thomas More, o filósofo Erasmo de Rotterdam e muitos outros.

O desenvolvimento da cultura renascentista na Alemanha, Holanda e alguns outros países europeus foi interrompido pela Reforma e pelas guerras religiosas que se seguiram. Em seguida, chegou a hora da formação de novos princípios na arte, que entraram na próxima etapa de seu desenvolvimento.

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Agencia Federal transporte ferroviário

Universidade Estatal de Transporte da Sibéria

Departamento de "Filosofia"

IMAGENS ARTÍSTICAS DO RENASCIMENTO

Ensaio

Na disciplina "Culturologia"

cabeça projetada

Professor aluno gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(assinatura) (assinatura)

08.12.2012

(data da inspeção) (data de envio para inspeção)

ano 2012

Introdução

O Renascimento é considerado um dos períodos mais brilhantes da história do desenvolvimento da cultura européia. Podemos dizer que o renascimento é toda uma era cultural no processo de transição da Idade Média para o novo tempo, durante o qual ocorreu uma convulsão cultural (uma virada, uma mudança). Mudanças fundamentais estão associadas à erradicação da mitologia.

Apesar da origem do termo Renascimento (fr. Renascimento, "Renascimento"), não houve renascimento da antiguidade e não poderia ser. O homem não pode voltar ao seu passado. O Renascimento, usando as lições da antiguidade, introduziu inovações. Ele não trouxe de volta à vida todos os gêneros antigos, mas apenas aqueles que eram característicos das aspirações de seu tempo e cultura. O Renascimento combinou uma nova leitura da antiguidade com uma nova leitura do cristianismo.

A relevância do tema escolhido deve-se à ligação entre a era moderna e o Renascimento - trata-se de uma revolução, antes de mais, no sistema de valores, na avaliação de tudo o que existe e em relação a ele.

O principal objetivo do trabalho é mostrar as mudanças fundamentais que ocorreram na visão de mundo das maiores figuras da época em questão.

1. Cultura do Renascimento

XIII-XVI Os séculos têm sido uma época de grandes mudanças na economia, na política e na cultura. O rápido crescimento das cidades e o desenvolvimento do artesanato, e mais tarde a transição para a produção manufatureira, transformaram a face da Europa medieval.

As cidades vieram à tona. Não muito antes disso, as forças mais poderosas do mundo medieval - o império e o papado - estavam em profunda crise. EM XVI No século XX, o decadente Sacro Império Romano da nação alemã tornou-se o cenário das duas primeiras revoluções antifeudais - a Grande Guerra dos Camponeses na Alemanha e a Revolta dos Países Baixos.

O carácter transitório da época, o processo de libertação dos caminhos medievais que se verificava em todos os domínios da vida, ao mesmo tempo que o ainda subdesenvolvimento das relações capitalistas que se iam estabelecendo, não podia deixar de afectar as características cultura artística e pensamento estético da época.

Segundo A. V. Stepanov, todas as mudanças na vida da sociedade foram acompanhadas por uma ampla renovação da cultura - o florescimento das ciências naturais e exatas, a literatura sobre línguas nacionais, Artes visuais. Com origem nas cidades da Itália, essa renovação conquistou outros países europeus. O autor acredita que, após o advento da imprensa, abriram-se oportunidades inéditas para a divulgação do conhecimento literário e trabalhos científicos, e uma comunicação mais regular e próxima entre os países contribuiu para a penetração de novas tendências artísticas.

Isso não significa que a Idade Média recuou diante das novas tendências: as ideias tradicionais foram preservadas na consciência de massa. A igreja resistiu às novas ideias, usando um meio medieval - a Inquisição. A ideia da liberdade da pessoa humana continuou a existir em uma sociedade dividida em classes. A forma feudal de dependência dos camponeses não desapareceu completamente, e em alguns países (Alemanha, em A Europa Central) houve um retorno à servidão. O sistema feudal mostrava bastante vitalidade. Cada país europeu viveu-o à sua maneira e no seu próprio quadro cronológico. O capitalismo existiu por muito tempo como forma de vida, abrangendo apenas uma parte da produção tanto na cidade quanto no campo. No entanto, a lentidão medieval patriarcal começou a retroceder no passado.

As grandes descobertas geográficas desempenharam um papel enorme neste avanço. Por exemplo, em 1492. H. Columbus, em busca de um caminho para a Índia, cruzou o Oceano Atlântico e pousou perto das Bahamas, descobrindo um novo continente - a América. Em 1498 O viajante espanhol Vasco da Gama, tendo contornado a África, trouxe com sucesso seus navios para a costa da Índia. COM XVI v. Os europeus estão penetrando na China e no Japão, dos quais antes tinham apenas uma vaga ideia. A partir de 1510, começa a conquista da América. EM XVII v. A Austrália foi descoberta. A ideia da forma da terra mudou: a volta ao mundo de F. Magalhães confirmou a conjectura de que ela tem a forma de uma bola.

O desprezo por tudo o que é terreno é agora substituído por um ávido interesse pelo mundo real, pelo homem, pela consciência da beleza e da grandeza da natureza, o que pode ser comprovado pela análise dos monumentos culturais do Renascimento. A primazia da teologia sobre a ciência, indiscutível na Idade Média, é abalada pela fé nas possibilidades ilimitadas da mente humana, que se torna a medida máxima da verdade. Enfatizando o interesse pelo humano em oposição ao divino, os representantes da nova intelectualidade secular se autodenominavam humanistas, derivando essa palavra do conceito de " studia humanitanis ”, significando o estudo de tudo relacionado à natureza humana e seu mundo espiritual.

Para as obras e a arte do Renascimento, tornou-se característica a ideia de um ser livre com possibilidades criativas ilimitadas. Está associado ao antropocentrismo na estética do Renascimento e à compreensão do belo, do sublime, do heróico. O princípio de uma bela personalidade humana artística e criativa foi combinado pelos teóricos do Renascimento com uma tentativa de calcular matematicamente todos os tipos de proporções, simetria e perspectiva.

O pensamento estético e artístico desta época é baseado pela primeira vez na percepção humana como tal e em uma imagem sensualmente real do mundo. Aqui também é marcante a sede subjetivista-individualista de sensações da vida, independentemente de sua interpretação religiosa e moral, embora esta última, em princípio, não seja negada. A estética do Renascimento concentra a arte na imitação da natureza. No entanto, em primeiro lugar aqui não é tanto a natureza quanto o artista, que em sua atividade criativa é comparado a Deus.

E. Chamberlin considera o prazer um dos princípios mais importantes para a percepção das obras de arte, pois indica uma significativa tendência democrática em oposição ao "aprendizado" escolástico das teorias estéticas anteriores.

O pensamento estético do Renascimento contém não apenas a ideia de absolutização do indivíduo humano em oposição à personalidade divina na Idade Média, mas também uma certa consciência dos limites de tal individualismo, baseado na autoafirmação absoluta de o indivíduo. Daí os motivos da tragédia, encontrados nas obras de W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo e outros. Esta é a natureza contraditória de uma cultura que se afastou dos antigos absolutos medievais, mas devido às circunstâncias históricas ainda não encontrou novos fundações confiáveis.

A ligação entre arte e ciência é um dos traços característicos da cultura. Os artistas buscavam apoio nas ciências, muitas vezes estimulando seu desenvolvimento. O Renascimento é marcado pelo surgimento de artistas-cientistas, entre os quais o primeiro lugar pertence a Leonardo da Vinci.

Assim, uma das tarefas do Renascimento é a compreensão pelo homem de um mundo pleno de beleza divina. O mundo atrai uma pessoa porque ela é espiritualizada por Deus. Mas no Renascimento, havia outra tendência - o sentimento de uma pessoa sobre a tragédia de sua existência.

2. A imagem do mundo e do homem nas obras dos grandes mestres renascimento

O termo "Renaissance" (tradução do termo francês "Renaissance") indica a conexão da nova cultura com a antiguidade. Como resultado do conhecimento do Oriente, em particular de Bizâncio, durante a era das Cruzadas, os europeus conheceram antigos manuscritos humanísticos, vários monumentos da antiga arte e arquitetura. Todas essas antiguidades começaram a ser parcialmente transportadas para a Itália, onde foram coletadas e estudadas. Mas mesmo na própria Itália havia muitos monumentos romanos antigos, que também começaram a ser cuidadosamente estudados por representantes da intelectualidade urbana italiana. Na sociedade italiana, surgiu um profundo interesse pelas línguas clássicas antigas, filosofia antiga, história e literatura. A cidade de Florença desempenhou um papel particularmente importante neste movimento. De Florença veio uma linha figuras eminentes nova cultura.

Usando a ideologia antiga, criada uma vez nas cidades mais vivas, no sentido econômico, da antiguidade, a nova burguesia a reelaborou à sua maneira, formulando sua nova visão de mundo, nitidamente oposta à visão de mundo do feudalismo que prevalecia antes. O segundo nome da nova cultura italiana - o humanismo apenas prova isso.

A cultura humanista colocava o próprio homem (humanus - humano) no centro de suas atenções, e não o divino, sobrenatural, como ocorria na ideologia medieval. O ascetismo não tinha mais lugar na cosmovisão humanista. O corpo humano, suas paixões e necessidades não eram vistos como algo "pecaminoso" que deveria ser suprimido ou torturado, mas como um fim em si mesmo, como o mais importante da vida. A existência terrena foi reconhecida como a única real. O conhecimento da natureza e do homem foi declarado a essência da ciência. Em contraste com os motivos pessimistas que dominavam a visão de mundo dos escolásticos e místicos medievais, os motivos otimistas prevaleciam na visão de mundo e no humor do povo da Renascença; eles foram caracterizados pela fé no homem, no futuro da humanidade, no triunfo da razão e da iluminação humanas. Uma constelação de eminentes poetas e escritores, estudiosos e artistas de todos os tipos participou desse grande novo movimento intelectual. A glória da Itália foi trazida por artistas tão maravilhosos: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Rafael, Ticiano.

A conquista indubitável do Renascimento foi a construção geometricamente correta da imagem. O artista construiu a imagem usando as técnicas que desenvolveu. O principal para os pintores da época era observar as proporções dos objetos. Até a natureza caiu sob truques matemáticos.

Em outras palavras, os artistas do Renascimento buscavam transmitir uma imagem precisa, por exemplo, de uma pessoa tendo como pano de fundo a natureza. Se comparada com os métodos modernos de recriar uma imagem vista em algum tipo de tela, então, provavelmente, uma fotografia com ajuste subseqüente ajudará a entender o que os artistas do Renascimento buscavam.

Os pintores renascentistas acreditavam que tinham o direito de corrigir as falhas da natureza, ou seja, se uma pessoa tinha traços faciais feios, os artistas os corrigiam de forma que o rosto ficasse doce e atraente.

Descrevendo cenas bíblicas, os artistas renascentistas tentaram deixar claro que as manifestações terrenas de uma pessoa podem ser representadas com mais clareza se as histórias bíblicas forem usadas ao mesmo tempo. Você pode entender o que é queda, tentação, inferno ou céu, se começar a se familiarizar com o trabalho dos artistas da época. A mesma imagem da Madonna nos transmite a beleza de uma mulher e também carrega uma compreensão do amor humano terreno.

Assim, na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente entrelaçados. Seu significado cognitivo estava inextricavelmente ligado à sublime beleza poética; em sua busca pela naturalidade, não desceu à mesquinha vida cotidiana. A arte tornou-se uma necessidade espiritual universal.

Conclusão

Assim, o Renascimento, ou Renascimento, é uma época na vida da humanidade, marcada por uma ascensão colossal da arte e da ciência. O Renascimento proclamou o homem como o mais alto valor da vida.

Na arte, o tema principal era uma pessoa com possibilidades espirituais e criativas ilimitadas.A arte do Renascimento lançou as bases da cultura européia da Nova Era, mudou radicalmente todos os principais tipos de arte.

Na arquitetura, novos tipos de edifícios públicos se desenvolveram.A pintura foi enriquecida com uma perspectiva linear e aérea, conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano.O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. Aumento do interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens, retratos. Apareceu uma foto, surgiu a pintura a óleo. A individualidade criativa do artista ocupou o primeiro lugar na arte.

Na arte do Renascimento, os caminhos da compreensão científica e artística do mundo e do homem estavam intimamente entrelaçados.A arte tornou-se uma necessidade espiritual universal.

Sem dúvida, o Renascimento é uma das épocas mais belas da história da humanidade.

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