pintura renascentista. Grandes artistas renascentistas Artistas renascentistas dos séculos XII a XVI

A conquista indubitável do Renascimento foi a construção geometricamente correta da imagem. O artista construiu a imagem usando as técnicas que desenvolveu. O principal para os pintores da época era observar as proporções dos objetos. Até a natureza caiu sob os métodos matemáticos de cálculo da proporcionalidade da imagem com outros objetos na imagem.

Em outras palavras, os artistas do Renascimento buscavam transmitir uma imagem precisa, por exemplo, de uma pessoa tendo como pano de fundo a natureza. Se comparada com os métodos modernos de recriar uma imagem vista em algum tipo de tela, então, provavelmente, uma fotografia com ajuste subseqüente ajudará a entender o que os artistas do Renascimento buscavam.

Os pintores renascentistas acreditavam que tinham o direito de corrigir as falhas da natureza, ou seja, se uma pessoa tinha traços faciais feios, os artistas os corrigiam de forma que o rosto ficasse doce e atraente.

Leonardo da Vinci

O Renascimento tornou-se assim graças a muitas personalidades criativas que viveram naquela época. O mundialmente famoso Leonardo da Vinci (1452 - 1519) criou um grande número de obras-primas, cujo custo é estimado em milhões de dólares, e os conhecedores de sua arte estão prontos para contemplar suas pinturas por muito tempo.

Leonardo iniciou seus estudos em Florença. Sua primeira tela, pintada por volta de 1478, é Benois Madonna. Depois, houve criações como "Madonna in the Grotto", "Mona Lisa", a "Última Ceia" mencionada acima e uma série de outras obras-primas escritas pela mão de um titã do Renascimento.

A severidade das proporções geométricas e a reprodução exata da estrutura anatômica de uma pessoa - é isso que caracteriza a pintura de Leonard da Vinci. Segundo suas convicções, a arte de retratar certas imagens na tela é uma ciência, e não apenas uma espécie de hobby.

Rafael Santi

Raphael Santi (1483 - 1520) conhecido no meio artístico como Raphael criou suas obras na Itália. Suas pinturas são imbuídas de lirismo e graça. Rafael é um representante do Renascimento, que retratou um homem e seu ser na terra, adorava pintar as paredes das catedrais do Vaticano.

As pinturas traíam a unidade das figuras, as correspondências proporcionais do espaço e das imagens, a eufonia da cor. A pureza da Virgem foi a base de muitas das pinturas de Rafael. Sua primeira imagem da Mãe de Deus é a Madona Sistina, pintada por um artista famoso em 1513. Os retratos criados por Raphael refletiam a imagem humana ideal.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445 - 1510) também é um pintor renascentista. Uma de suas primeiras obras foi a pintura "A Adoração dos Magos". A poesia sutil e o devaneio foram suas maneiras originais no campo da transferência de imagens artísticas.

No início dos anos 80 do século XV grande artista pintou as paredes da Capela do Vaticano. Os afrescos feitos por ele ainda são incríveis.

Com o tempo, suas pinturas se caracterizaram pela tranquilidade dos edifícios da antiguidade, pela vivacidade dos personagens retratados, pela harmonia das imagens. Além disso, é conhecido o fascínio de Botticelli por desenhos de obras literárias famosas, o que também acrescentou apenas glória à sua obra.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarotti (1475-1564) foi um pintor italiano que também trabalhou durante o Renascimento. O que só esta pessoa conhecida por muitos de nós não fez. E escultura, pintura e arquitetura, assim como poesia. Michelangelo, como Raphael e Botticelli, pintou as paredes dos templos do Vaticano. Afinal, apenas os pintores mais talentosos da época estavam envolvidos em um trabalho tão responsável como desenhar imagens nas paredes das catedrais católicas. Mais de 600 metros quadrados da Capela Sistina ele teve que cobrir com afrescos representando várias cenas bíblicas. A obra mais famosa desse estilo é conhecida por nós como O Juízo Final. O significado da história bíblica é expresso plena e claramente. Essa precisão na transferência de imagens é característica de toda a obra de Michelangelo.

Época Alta Renascença(final do século XV - primeiro quartel do século XVI) - o tempo da perfeição e da liberdade. Como outras formas de arte desta época, a pintura é marcada por uma profunda fé no homem, em seus poderes criativos e no poder de sua mente. Nas pinturas dos mestres do Alto Renascimento reinam os ideais de beleza, humanismo e harmonia, a pessoa nelas é a base do universo.

Os pintores desta época usam facilmente todos os meios de representação: a cor, enriquecida com ar, luz e sombra, e o desenho, livre e nítido; possuem perspectiva e volumes perfeitamente. As pessoas respiram e se movem nas telas dos artistas, seus sentimentos e experiências parecem profundamente emocionais.

Esta era deu ao mundo quatro gênios - Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Ticiano. Em sua pintura, as características do Alto Renascimento - idealidade e harmonia, combinadas com a profundidade e vitalidade das imagens - se manifestaram com mais clareza.

Leonardo da Vinci

Em 15 de abril de 1452, na pequena cidade italiana de Vinci, localizada perto de Florença, nasceu um filho ilegítimo do tabelião Piero da Vinci. Eles o chamaram de Leonardo di ser Piero d'Antonio. A mãe do menino, uma certa Katerina, casou-se com um camponês um pouco mais tarde. O pai não abandonou o filho ilegítimo, acolheu-o e deu-lhe uma boa educação. Um ano após a morte do avô de Leonardo, Antonio, em 1469, o tabelião parte com a família para Florença.

Desde cedo, Leonardo desperta a paixão pelo desenho. Percebendo isso, o pai manda o menino estudar com um dos mais famosos mestres da escultura, pintura e joalheria da época, Andrea Verrocchio (1435-1488). A glória da oficina de Verrocchio era extraordinariamente grande. Dos nobres habitantes da cidade, constantemente recebiam muitas encomendas para a execução de pinturas e esculturas. Não foi por acaso que Andrea Verrocchio gozava de grande prestígio entre seus alunos. Os contemporâneos o consideravam o sucessor mais talentoso das idéias do Renascimento florentino na pintura e na escultura.

A inovação de Verrocchio como artista está associada principalmente ao repensar da imagem, que adquire do pintor traços naturalistas. Da oficina de Verrocchio, pouquíssimas obras sobreviveram até hoje. Os pesquisadores acreditam que o famoso "Batismo de Cristo" foi criado nesta oficina. Além disso, foi estabelecido que a paisagem ao fundo da pintura e os anjos em sua parte esquerda pertencem ao pincel de Leonardo.

Já neste trabalho inicial, a individualidade criativa e a maturidade do futuro artista famoso se manifestaram. A paisagem, pintada pela mão de Leonardo, difere marcadamente das pinturas da natureza feitas pelo próprio Verrocchio. Pertencente a um jovem artista, é como se estivesse envolto em uma leve névoa e simboliza o infinito e o infinito do espaço.

As imagens criadas por Leonardo também são originais. O profundo conhecimento da anatomia do corpo humano, bem como de sua alma, permitiu ao artista criar imagens de anjos extraordinariamente expressivas. O domínio do jogo de luz e sombra ajudou o artista a retratar figuras vivas e dinâmicas. Parece que os anjos congelaram apenas por um tempo. Mais alguns minutos se passarão - e eles ganharão vida, se moverão, falarão ...

Críticos de arte e biógrafos de da Vinci afirmam que em 1472 Leonardo deixou a oficina de Verrocchio e se tornou mestre na oficina de pintores. A partir de 1480, voltou-se para a escultura, que, segundo Leonardo, era a forma mais simples de expressar a dinâmica dos movimentos do corpo humano. Desde então, trabalha na Academia de Letras - assim se chamava a oficina localizada no jardim da Praça de São Marcos, criada por iniciativa de Lourenço, o Magnífico.

Em 1480, Leonardo recebeu uma encomenda da Igreja de San Donato Scopeto para a composição artística "A Adoração dos Magos".

Leonardo não viveu muito em Florença. Em 1482 parte para Milão. Provavelmente, essa decisão foi muito influenciada pelo fato de o artista não ter sido convidado a ir a Roma para trabalhar na pintura da Capela Sistina. De uma forma ou de outra, logo o mestre apareceu diante do duque da famosa cidade italiana Ludovico Sforza. Os milaneses receberam Leonardo calorosamente. Ele se estabeleceu e viveu por muito tempo no bairro de Porta Ticinese. E no ano seguinte, 1483, escreveu um retábulo encomendado para a Capela da Imaculada na Igreja de San Francesco Grande. Esta obra-prima mais tarde ficou conhecida como a Madona das Rochas.

Na mesma época, Leonardo está trabalhando em um monumento de bronze para Francesco Sforza. No entanto, nem esboços, nem esboços de teste e peças fundidas poderiam expressar a intenção do artista. A obra ficou inacabada.

No período de 1489 a 1490, Leonardo da Vinci pintou o Castello Sforzesco no dia do casamento de Gian Galeazzo Sforza.

Quase todo o ano de 1494, Leonardo da Vinci se dedica a uma nova ocupação para si mesmo - a hidráulica. Por iniciativa do mesmo Sforza, Leonardo desenvolve e implementa um projeto de drenagem do território da Planície Lombarda. Porém, já em 1495 o maior mestre das artes plásticas voltou à pintura. É este ano que se torna a etapa inicial da história da criação do famoso afresco "A Última Ceia", que adornava as paredes da sala do refeitório do mosteiro, localizado próximo à igreja de Santa Maria delle Grazie.

Em 1496, em conexão com a invasão do Ducado de Milão pelo rei francês Luís XII, Leonardo deixou a cidade. Ele se muda primeiro para Mântua e depois se estabelece em Veneza.

Desde 1503, o artista vive em Florença e, junto com Michelangelo, trabalha na pintura do Salão do Grande Conselho no Palazzo Signoria. Leonardo deveria retratar a "Batalha de Anghiari". No entanto, o mestre, que está constantemente em busca criativa, muitas vezes abandona o trabalho que iniciou. Assim aconteceu com a "Batalha de Anghiari" - o afresco permaneceu inacabado. Os historiadores da arte sugerem que foi então que a famosa Gioconda foi criada.

De 1506 a 1507, Leonardo vive novamente em Milão. Desde 1512, o duque Maximilian Sforza governou lá. 24 de setembro de 1512 Leonardo decide deixar Milão e se estabelecer com seus alunos em Roma. Aqui ele não apenas pinta, mas também se volta para o estudo da matemática e outras ciências.

Tendo recebido um convite do rei francês Francisco I em maio de 1513, Leonardo da Vinci mudou-se para Amboise. Aqui ele vive até a morte: pinta, decora feriados e trabalha na aplicação prática de projetos que visam o aproveitamento dos rios da França.

2 de maio de 1519 morre o grande artista. Leonardo da Vinci está enterrado na igreja Amboise de San Fiorentino. No entanto, durante o auge das guerras religiosas (século XVI), a sepultura do artista foi destruída e completamente destruída. Suas obras-primas, que foram consideradas o auge da arte nos séculos 15 a 16, são assim até hoje.

Entre as pinturas de da Vinci, o afresco da Última Ceia ocupa um lugar especial. A história do famoso afresco é interessante e surpreendente. A sua criação remonta a 1495-1497. Foi encomendado pelos monges da ordem dominicana, que desejavam decorar as paredes do refeitório de seu mosteiro, localizado perto da igreja de Santa Maria delle Grazie, em Milão. O afresco retratava uma história do evangelho bastante conhecida: a última refeição de Jesus Cristo com seus doze apóstolos.

Esta obra-prima é reconhecida como o auge de toda a obra do artista. As imagens de Cristo e dos apóstolos criadas pelo mestre são extraordinariamente brilhantes, expressivas e vivas. Apesar da concretude e realidade da situação retratada, o conteúdo do afresco revela-se repleto de profundo significado filosófico. Aqui o tema eterno do conflito entre o bem e o mal, a complacência e a insensibilidade espiritual, a verdade e a mentira foi incorporado. As imagens derivadas não são apenas um conjunto de traços de caráter individual (cada indivíduo em toda a diversidade de seu temperamento), mas também uma espécie de generalização psicológica.

A imagem é muito dinâmica. O público sente realmente a emoção que tomou conta de todos os presentes na refeição após as palavras proféticas proferidas por Cristo sobre a traição iminente que um dos apóstolos teria que cometer. A tela acaba sendo uma espécie de enciclopédia dos tons mais sutis das emoções e humores humanos.

Leonardo da Vinci concluiu a obra com uma rapidez surpreendente: depois de apenas dois anos, a pintura estava totalmente concluída. No entanto, os monges não gostaram: a forma de sua execução era muito diferente do estilo de escrita pictórica anteriormente aceito. A inovação do mestre consistia não só e nem tanto no uso de tintas de nova composição. Atenção especial é dada à maneira de representar a perspectiva na imagem. Feito em uma técnica especial, o afresco, por assim dizer, expande e amplia o espaço real. Parece que as paredes da sala retratadas na foto são uma continuação das paredes do refeitório do mosteiro.

Os monges não apreciaram e não entenderam a intenção criativa e as realizações do artista, então eles não se importaram muito em preservar a pintura. Já dois anos após a pintura do afresco, suas tintas começaram a se deteriorar e desbotar, a superfície da parede com a imagem aplicada parecia estar coberta com a matéria mais fina. Isso acontecia, por um lado, pela má qualidade das tintas novas e, por outro, pela constante exposição à umidade, ar frio e vapor que penetrava da cozinha do mosteiro. A aparência da pintura foi completamente arruinada quando os monges decidiram cortar uma entrada adicional para o refeitório na parede com o afresco. Como resultado, a imagem foi cortada na parte inferior.

Tentativas de restaurar a obra-prima foram feitas desde o século XIII. No entanto, todos eles provaram ser em vão, a pintura continua a se deteriorar. A razão para isso é atualmente a deterioração da situação ambiental. A qualidade do afresco é afetada pelo aumento da concentração de gases de escape no ar, bem como por substâncias voláteis emitidas para a atmosfera por fábricas e fábricas.

Agora podemos até dizer que os primeiros trabalhos de restauro da pintura revelaram-se não só desnecessários e sem sentido, como também tiveram o seu lado negativo. No processo de restauração, os artistas frequentemente adicionavam ao afresco, mudando a aparência dos personagens apresentados na tela e no interior retratado. Então, recentemente, soube-se que um dos apóstolos originalmente não tinha uma barba longa e curvada. Além disso, as telas pretas representadas nas paredes do refeitório nada mais eram do que pequenos tapetes. Apenas
no século 20 conseguiram descobrir e restaurar parcialmente seu ornamento.

Os restauradores modernos, entre os quais se destacou o grupo que trabalhou sob a direção de Carlo Berteli, decidiram restaurar a aparência original do afresco, libertando-o de elementos aplicados posteriormente.

O tema da maternidade, as imagens de uma jovem mãe admirando seu filho, permaneceram por muito tempo fundamentais na obra do grande mestre. Verdadeiras obras-primas são suas pinturas "Madonna Litta" e "Madonna with a Flower" ("Madonna Benois"). Atualmente, "Madonna Litta" está guardada em Hermitage Estadual em São Petersburgo. A pintura foi comprada pelo imperador russo Alexandre II em 1865 da família do duque italiano Antonio Litta, a quem havia sido um presente dos duques de Visconti. Por ordem do czar russo, a pintura foi transferida da madeira para a tela e pendurada em uma das salas do famoso museu de São Petersburgo.

Os estudiosos da arte acreditam (e Pesquisa científica provou isso) que o trabalho de criação da imagem não foi concluído pelo próprio autor. Foi concluído por um dos alunos de Leonardo, Boltraffio.

A tela é a expressão mais marcante do tema da maternidade na pintura do período renascentista. A imagem da Madona Mãe é brilhante e espiritual. O olhar voltado para o bebê é extraordinariamente gentil, expressa simultaneamente
tristeza, paz e paz interior. Aqui, mãe e filho parecem formar seu próprio mundo único, formam um todo único e harmonioso. O pensamento da imagem pode ser expresso nas seguintes palavras: dois seres vivos, mãe e filho, contêm a base e o significado da vida.

A imagem da Madona com uma criança nos braços é monumental. O acabamento e o requinte conferem-lhe uma transição suave e especial de luz e sombra. A ternura e a fragilidade da figura são enfatizadas pelas cortinas do manto jogado sobre os ombros da mulher. As pinturas das janelas retratadas ao fundo equilibram e completam a composição, enfatizando a separação de duas pessoas próximas do resto do mundo.

A tela “Madonna with a Flower” (“Madonna Benois”), de aproximadamente 1478, foi comprada de seus últimos proprietários russos pelo czar Nicolau II em 1914 especialmente para o Hermitage. Seus primeiros proprietários permanecem desconhecidos. Existe apenas uma lenda que conta que um ator itinerante italiano trouxe a pintura para a Rússia, após a qual foi comprada em Samara em 1824 pelo comerciante Sapozhnikov. Posteriormente, a tela foi herdada de pai para filha, M. A. Sapozhnikova (por seu marido - Benois), de quem o imperador a comprou. Desde então, a pintura teve dois nomes: "Madonna with a Flower" (do autor) e "Madonna Benois" (após o nome do último proprietário).

A imagem, que mostra a Mãe de Deus com o bebê, reflete os sentimentos comuns e terrenos de uma mãe brincando com seu filho. Toda a cena é construída em contraste: uma mãe rindo e uma criança estudando seriamente uma flor. O artista, focalizando essa oposição particular, mostra o desejo de conhecimento de uma pessoa, seus primeiros passos no caminho da verdade. Isso é o que mente idéia principal telas.

O jogo de luz e sombra dá um tom especial e íntimo a toda a composição. Mãe e bebê estão em seu próprio mundo, separados da vaidade terrena. Apesar de alguma angularidade e rigidez das cortinas representadas, o pincel de Leonardo da Vinci é bastante fácil de reconhecer pelas transições suaves e suaves dos tons das cores usadas e pelas combinações de luz e sombra. A tela é pintada com cores suaves e calmas, sustentadas em um único sistema de cores, o que confere à imagem um caráter suave e evoca uma sensação de harmonia e tranquilidade cósmica sobrenatural.

Leonardo da Vinci é um reconhecido mestre do retrato. Entre suas pinturas mais famosas estão "Dama com Arminho" (cerca de 1483-1484) e "Retrato de um Músico".

Críticos de arte e historiadores sugerem que a tela “Lady with an Armine” retrata Cecilia Gallerani, que era a favorita do duque de Milão Ludovic Moreau antes de seu casamento. Preservou-se a informação de que Cecília era uma mulher muito educada, o que era uma raridade na época. Além disso, historiadores e biógrafos da famosa artista também acreditam que ela conheceu de perto Leonardo da Vinci, que uma vez decidiu pintar seu retrato.

Esta tela chegou até nós apenas em uma versão reescrita e, portanto, os cientistas há muito duvidam da autoria de Leonardo. No entanto, as partes bem preservadas da pintura representando um arminho e o rosto de uma jovem nos permitem falar com segurança sobre os estilos do grande mestre da Vinci. Também é interessante que o denso fundo escuro, assim como alguns detalhes do penteado, sejam desenhos adicionais feitos posteriormente.

"Lady with an Ermine" é uma das telas psicológicas mais brilhantes da galeria de retratos do artista. Toda a figura da menina expressa dinamismo, avançando, testemunha um caráter humano extraordinariamente obstinado e forte. As características faciais corretas apenas enfatizam isso.

O retrato é realmente complexo e multifacetado, a harmonia e a completude da imagem são alcançadas pela fusão de vários elementos: expressões faciais, rotação da cabeça, posição das mãos. Os olhos de uma mulher refletem uma mente extraordinária, energia, percepção. Lábios bem comprimidos, nariz reto, queixo pontudo - tudo enfatiza a vontade, determinação, independência. Uma virada graciosa da cabeça, um pescoço aberto, uma mão com dedos longos acariciando um animal gracioso enfatizam a fragilidade e harmonia de toda a figura. Não é por acaso que a senhora está segurando um arminho nos braços. A pelagem branca do animal, semelhante à primeira neve, simboliza aqui a pureza espiritual de uma jovem.

O retrato é surpreendentemente dinâmico. O mestre conseguiu captar com precisão o momento em que um movimento deve transitar suavemente para outro. É por isso que parece que a menina está prestes a ganhar vida, vire a cabeça e sua mão deslizará sobre o pelo macio do animal ...

A extraordinária expressividade da composição se dá pela clareza das linhas que formam as figuras, bem como pelo domínio e uso da técnica de transição da luz para a sombra, com a qual são criadas formas na tela.

"Retrato de um Músico" é o único retrato masculino entre as obras-primas de Leonardo da Vinci. Muitos pesquisadores identificam o modelo com o regente da Catedral de Milão, Francino Gaffurio. No entanto, vários cientistas refutam essa opinião, dizendo que não é um regente representado aqui, mas um jovem comum, um músico. Apesar da presença de alguns detalhes característicos da técnica de escrita de da Vinci, os historiadores da arte ainda duvidam da autoria de Leonardo. Provavelmente, essas dúvidas estão ligadas ao uso na tela de elementos característicos de tradições artísticas Pintores de retratos lombardos.

A técnica do retrato lembra em muitos aspectos a obra de Antonello da Messina. Contra o fundo de cabelos cacheados exuberantes, linhas claras e rígidas do rosto se destacam de forma um tanto nítida. Aparece perante o público homem esperto com um caráter forte, embora ao mesmo tempo se possa captar algo sobrenatural, espiritualizado em seus olhos. Talvez seja neste momento que uma nova melodia divina nasça na alma do músico, que depois de algum tempo conquistará o coração de muita gente.

Porém, não se pode dizer que o artista esteja tentando exaltar artificialmente uma pessoa. O mestre transmite sutil e habilmente toda a riqueza e amplitude da alma humana, sem recorrer à hipérbole e ao pathos.

Um dos mais pinturas famosas da Vinci é a famosa "Madonna das Rochas" (1483-1493). Foi feito por Leonardo por ordem dos monges da igreja de San Francesco Grande em Milão. A composição destinava-se a decorar o altar da Capela Imaculada.

Existem duas versões da pintura, uma das quais é mantida no Louvre, em Paris, e a outra na National Gallery, em Londres.

Foi o Louvre "Madonna in the Rocks" que adornou o altar da igreja. Os cientistas sugerem que o próprio artista o deu ao rei francês Luís XII. Ele fez isso, segundo os historiadores, como forma de agradecimento pela participação do rei na resolução do conflito que surgiu entre os clientes das pinturas e os artistas performáticos.

A versão doada foi substituída por outra pintura, que agora está na London National Gallery. Em 1785, um certo Hamilton comprou e trouxe para a Inglaterra.

Uma característica distintiva da "Madonna in the Rocks" é a fusão de figuras humanas com a paisagem. Este é o primeiro quadro do grande artista, onde as imagens dos santos se entrelaçam harmoniosamente com a natureza inspirada por sua presença. Pela primeira vez na obra do mestre, as figuras são retratadas não tendo como pano de fundo nenhum elemento de uma estrutura arquitetônica, mas como se estivessem encerradas em uma paisagem rochosa agreste. Essa sensação também é criada na composição devido ao jogo especial de luz e sombras caindo.

A imagem da Madonna é apresentada aqui como incomumente espiritual e sobrenatural. A luz suave cai sobre os rostos dos anjos. O artista fez muitos esboços e esboços antes que seus personagens ganhassem vida e suas imagens se tornassem brilhantes e expressivas. Um dos esboços mostra a cabeça de um anjo. Não sabemos se é menina ou menino. Mas uma coisa pode ser dita com certeza: esta é uma criatura sobrenatural, cheia de ternura, bondade, pureza. Toda a imagem está imbuída de uma sensação de calma, paz e tranquilidade.

A versão pintada pelo mestre posteriormente difere da primeira em vários detalhes: auréolas aparecem sobre as cabeças dos santos, o pequeno João Batista segura uma cruz, a posição do anjo muda. E a própria técnica de execução tornou-se um dos motivos para atribuir a autoria da pintura aos alunos de Leonardo. Aqui todas as figuras são apresentadas mais próximas, em escala maior, e além disso, as linhas que as formam se mostram mais perceptíveis, ainda mais pesadas, mais pontiagudas. Esse efeito é criado ao engrossar as sombras e destacar certos locais da composição.

A segunda versão da imagem, segundo os historiadores da arte, é mais mundana e mundana. Talvez a razão para isso tenha sido o fato de a pintura ter sido concluída pelos alunos de Leonardo. No entanto, isso não diminui o valor da tela. A intenção do artista é claramente visível nele, a tradição do mestre em criar e expressar imagens está bem traçada.

Não menos interessante é a história da famosa pintura de Leonardo da Vinci, A Anunciação (década de 1470). A criação da pintura pertence ao período inicial da obra do artista, à época de seus estudos e trabalhos no ateliê de Andrea Verrocchio.

Vários elementos da técnica de escrita permitem afirmar com segurança que o autor da famosa obra-prima é Leonardo da Vinci e excluir a participação de Verrocchio ou de seus outros alunos em sua escrita. No entanto, alguns detalhes na composição são característicos da tradição artística da escola de Verrocchio. Isso sugere que o jovem pintor, apesar da originalidade e do talento já manifestado na época, ainda foi em alguma medida influenciado por seu professor.

A composição da imagem é bastante simples: uma paisagem, uma vila rural, duas figuras - Maria e um anjo. No fundo
vemos navios, alguns edifícios, um porto. A presença de tais detalhes não é totalmente característica da obra de Leonardo, e não são os principais aqui. Para o artista, é mais importante mostrar as montanhas escondidas em uma névoa enevoada, que estão longe, e o céu brilhante, quase transparente. As imagens espiritualizadas de uma jovem esperando pela boa nova e um anjo são extraordinariamente belas e ternas. As linhas de suas formas são desenhadas à maneira de da Vinci, o que tornou possível definir a tela como uma obra-prima pertencente ao pincel do jovem Leonardo.

Característica da tradição mestre famosoé também a técnica de execução de pequenos detalhes: bancos polidos, um parapeito de pedra, uma estante de livros, decorada com ramos intrincadamente retorcidos de plantas fabulosas. O protótipo deste último, aliás, é o sarcófago da tumba de Giovanni e Piero de Medici, que está instalado na igreja de San Lorenzo. Esses elementos, inerentes à escola de Verrocchio e característicos da obra deste, são um tanto repensados ​​por da Vinci. Eles estão vivos, volumosos, harmoniosamente entrelaçados na composição geral. Parece que o autor se propôs, tomando como base o repertório de seu professor, revelar o mundo de seu talento, utilizando sua própria técnica e meios de expressão artística.

Atualmente, uma versão da pintura está na Galeria Uffizi, em Florença. A segunda versão da composição é mantida no Louvre em Paris.

A pintura do Louvre é um pouco mais complexa do que sua versão anterior. Aqui você pode ver claramente as linhas geometricamente corretas das paredes do parapeito de pedra, cujo padrão é repetido pelos bancos localizados atrás da figura de Maria. As imagens trazidas à tona são colocadas na composição de forma adequada e lógica. As roupas de Maria e do anjo, em comparação com a primeira versão, são desenhadas de forma mais expressiva e consistente. Maria, com a cabeça baixa, vestida com um vestido azul escuro com uma capa azul celeste sobre os ombros, parece uma criatura sobrenatural. As cores escuras da roupa destacam mais e realçam a brancura de seu rosto. Não menos expressiva é a imagem do anjo que trouxe a boa nova a Nossa Senhora. Veludo amarelado, um rico manto vermelho com cortinas descendo suavemente completam a imagem fabulosa de um anjo gentil.

Particularmente interessante na composição tardia é a paisagem sutilmente pintada pelo mestre: desprovida de qualquer convenção, árvores quase realmente visíveis crescendo ao longe, um céu azul claro e transparente, montanhas escondidas por uma leve névoa, flores frescas sob os pés de um anjo.

A pintura "São Jerônimo" refere-se ao período de trabalho de Leonardo da Vinci na oficina de Andrea Verrocchio (o chamado período florentino da obra do artista). A pintura permaneceu inacabada. O tema principal da composição é um herói solitário, um pecador penitente. Seu corpo estava seco de fome. No entanto, seu olhar, cheio de determinação e vontade, é uma expressão vívida da resistência e força espiritual de uma pessoa. Em nenhuma imagem criada por Leonardo, encontraremos dualidade, ambigüidade do olhar.

Os personagens em suas pinturas sempre expressam o mais alto grau de uma paixão e sentimento profundos e bem definidos.

A cabeça de um eremita pintada com maestria também atesta a autoria de Leonardo. Não é exatamente a volta usual que fala de um excelente domínio da técnica de pintura e do conhecimento do mestre das complexidades da anatomia do corpo humano. Embora seja necessário fazer uma pequena reserva: em muitos aspectos, o artista segue as tradições de Andrea del Castagno e Domenico Veneziano, que, por sua vez, vêm de Antonio Pollaiolo.

A figura de Jerônimo é extraordinariamente expressiva. Parece que o eremita ajoelhado está todo direcionado para a frente. Na direita
ele segura uma pedra na mão, mais um momento - e com ela se atingirá no peito, açoitando seu corpo e amaldiçoando sua alma pelos pecados cometidos ...

A composição da pintura também é interessante. Tudo acaba por estar, por assim dizer, encerrado numa espiral, que começa com rochedos, continua com a figura de um leão, situada aos pés do penitente, e termina com a figura de um eremita.

Talvez a mais popular de todas as obras-primas da arte mundial seja a Gioconda. Um fato interessante é que, tendo concluído o trabalho do retrato, o artista não se desfez dele até sua morte. Mais tarde, a pintura chegou ao rei francês Francisco I, que a colocou no Louvre.

Todos os estudiosos da arte concordam que o quadro foi pintado em 1503. No entanto, ainda há controvérsias sobre o protótipo da jovem retratada no retrato. É geralmente aceito (a tradição vem do famoso biógrafo Giorgio Vasari) que o retrato retrata a esposa do cidadão florentino Francesco di Giocondo, Mona Lisa.

Olhando para a foto, podemos dizer com segurança que o artista alcançou a perfeição na criação da imagem humana. Aqui o mestre se afasta da maneira anteriormente aceita e difundida de realizar um retrato. Gioconda é escrita sobre fundo claro e, além disso, gira três quartos de volta, seu olhar é direcionado diretamente para o espectador - isso era uma novidade na arte retratista da época. Graças à paisagem aberta atrás da menina, a figura desta acaba por ser, por assim dizer, parte da paisagem, funde-se harmoniosamente com ela. Isso é conseguido devido à técnica artística e visual especial criada por Leonardo e utilizada por ele em sua obra - sfumato. Sua essência reside no fato de que as linhas de contorno não são claramente delineadas, são borradas, e isso cria na composição uma sensação de fusão, interpenetração de suas partes individuais.

No retrato, esta técnica (a fusão da figura humana com a paisagem natural em grande escala) torna-se uma forma de expressão ideia filosófica: o mundo humano é tão grande, amplo e diverso quanto o mundo natural que nos rodeia. Mas, por outro lado, o tema principal da composição também pode ser representado como a impossibilidade de conhecimento completo do mundo natural pela mente humana. É com esse pensamento que muitos historiadores da arte associam o sorriso irônico congelado nos lábios da Mona Lisa. Ela parece estar dizendo: "Todos os esforços de uma pessoa para conhecer o mundo são absolutamente em vão e em vão."

O retrato da Mona Lisa, segundo os historiadores da arte, é uma das maiores conquistas de Leonardo da Vinci. Nele, o artista foi realmente capaz de incorporar e expressar de forma mais completa a ideia de harmonia e a imensidão do mundo, a ideia da prioridade da razão e da arte.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti, pintor, escultor, arquiteto e poeta italiano, nasceu na cidade de Caprese, perto de Florença, em 6 de março de 1475. O pai de Michelangelo, Lodovico Buonarroti, era o prefeito da cidade de Caprese. Ele sonhou que seu filho logo o substituiria no cargo. Porém, contrariando a vontade de seu pai, Michelangelo decide dedicar sua vida à pintura.

Em 1488, Michelangelo foi para Florença e ali ingressou na escola de arte, então dirigida pelo famoso mestre das belas artes Domenico Ghirlandaio. Um ano depois, em 1489, o jovem artista já trabalha em uma oficina fundada por Lorenzo Medici. Aqui o jovem aprende pintura com outro famoso artista e escultor de sua época, Bertoldo di Giovanni, que foi aluno de Donatello. Nesta oficina, Michelangelo trabalhou com Angelo Poliziano e Pico della Mirandola, que influenciaram muito a formação método artístico jovem pintor. No entanto, a obra de Michelangelo não acabou fechada no espaço do círculo de Lorenzo Medici. Seu talento está em constante evolução. A atenção do artista foi cada vez mais atraída para grandes imagens heroicas obras dos grandes Giotto e Masaccio.

Na primeira metade dos anos 90. No século XV, aparecem as primeiras esculturas feitas por Michelangelo: “Madonna at the Stairs” e “Batalha dos Centauros”.

Na "Madonna" pode-se perceber a influência da forma de representação artística geralmente aceita na arte da época. Na obra de Michelangelo há o mesmo detalhamento das figuras plásticas. No entanto, já aqui se pode ver a técnica puramente individual do jovem escultor, que se manifestou na criação de imagens elevadas e heróicas.

No relevo "Batalha dos Centauros" não há vestígios de influência estranha. Este trabalho é o primeiro trabalho independente de um mestre talentoso, mostrando seu estilo individual. No relevo diante do espectador, na plenitude do conteúdo, há uma imagem mitológica da batalha dos lápitas com os centauros. A cena se distingue pelo drama e realismo extraordinários, expressos pela plasticidade transmitida com precisão das figuras representadas. Esta escultura pode ser considerada um hino ao herói, força e beleza humana. Apesar de todo o drama da trama, a composição geral contém uma profunda harmonia interior.

Estudiosos da arte consideram a "Batalha dos Centauros" o ponto de partida da obra de Michelangelo. Dizem que a genialidade do artista se origina justamente nessa obra. O relevo, referente às primeiras obras do mestre, é uma espécie de reflexo da riqueza do jeito artístico de Michelangelo.

De 1495 a 1496 Michelangelo Buonarroti está em Bolonha. Aqui conhece as telas de Jacopo della Quercia, que chamaram a atenção do jovem artista pela monumentalidade das imagens criadas.

Em 1496, o mestre instalou-se em Roma, onde estudou a plasticidade e a forma de execução dos recém descobertos esculturas antigas, entre os quais estão "Laocoön" e "Belvedere Torso". A maneira artística dos antigos escultores gregos foi refletida por Michelangelo em Baco.

De 1498 a 1501, o artista trabalhou na criação de um grupo de mármore, chamado "Pieta" e trouxe fama a Michelangelo como um dos primeiros mestres da Itália. Toda a cena, representando uma jovem mãe chorando sobre o corpo de seu filho assassinado, é permeada por um sentimento de extraordinária filantropia e ternura. Não é por acaso que o artista escolheu uma jovem como modelo - uma imagem que personifica a pureza espiritual.

Esta obra de um jovem mestre, mostrando heróis ideais, difere significativamente das esculturas criadas no século XV. As imagens de Michelangelo são mais profundas e psicológicas. Os sentimentos de pesar e tristeza são sutilmente transmitidos por meio da expressão especial do rosto da mãe, da posição de suas mãos, do corpo, cujas curvas são enfatizadas pelas cortinas macias das roupas. A imagem deste último, aliás, pode ser considerada uma espécie de retrocesso na obra do mestre: o detalhamento detalhado dos elementos da composição (neste caso, as dobras do vestido e do capuz) é uma característica da arte do pré-renascimento. A composição geral é extraordinariamente expressiva e patética, característica distintiva da obra do jovem escultor.

Em 1501, Michelangelo, já um famoso mestre da escultura na Itália, parte novamente para Florença. É aqui que seu mármore "David". Ao contrário de seus predecessores (Donatello e Verrocchio), Michelangelo retratou o jovem herói apenas se preparando para a batalha. A enorme estátua (sua altura é de 5,5 m) expressa a vontade extraordinariamente forte de uma pessoa, a força física e a beleza de seu corpo. A imagem de uma pessoa na mente de Michelangelo é semelhante às figuras dos titãs gigantes mitológicos. David aparece aqui como a personificação da ideia de uma pessoa perfeita, forte e livre, pronta para superar qualquer obstáculo em seu caminho. Todas as paixões que fervilham na alma do herói são transmitidas pelo giro do corpo e pela expressão do rosto de David, que fala de seu caráter decidido e obstinado.

Não é por acaso que a estátua de David adornava a entrada do Palazzo Vecchio (prédio da prefeitura de Florença) como símbolo do poder, força extraordinária e independência da cidade-estado. Toda a composição expressa a harmonia de uma alma humana forte e um corpo igualmente forte.

Em 1501, juntamente com a estátua de David, surgiram as primeiras obras de pintura monumental (“Batalha de Kashin”) e de cavalete (“Madonna Doni”, formato redondo). Este último está atualmente na Galeria Uffizi, em Florença.

Em 1505, Michelangelo retorna a Roma. Aqui ele está trabalhando na criação da tumba do Papa Júlio II. De acordo com o plano, a tumba deveria ser uma grandiosa estrutura arquitetônica, em torno da qual estariam 40 estátuas esculpidas em mármore e relevos de bronze. No entanto, depois de algum tempo, o Papa Júlio II recusou sua ordem, e os planos grandiosos de Michelangelo não estavam destinados a se tornar realidade. Fontes atestam que o cliente tratou o mestre com bastante grosseria, pelo que ele, profundamente ofendido, decidiu deixar a capital e voltar mais uma vez a Florença.

No entanto, as autoridades florentinas persuadiram o famoso escultor a fazer as pazes com o Papa. Logo ele se voltou para Michelangelo com uma nova proposta - decorar o teto da Capela Sistina. O mestre, que se considerava principalmente um escultor, aceitou a encomenda com relutância. Apesar disso, ele criou uma tela que ainda é uma reconhecida obra-prima da arte mundial e que deixou a memória do pintor por muitas gerações.

Deve-se notar que Michelangelo trabalhou na pintura do teto, cuja área é superior a 600 metros quadrados. m, completamente sozinho, sem assistentes. No entanto, quatro anos depois, o afresco foi totalmente concluído.

Toda a superfície do teto para pintura foi dividida em várias partes. O lugar central é ocupado por nove cenas que retratam a criação do mundo, bem como a vida das primeiras pessoas. Nos cantos de cada uma dessas cenas há figuras de jovens nus. À esquerda e à direita desta composição estão afrescos com imagens de sete profetas e cinco adivinhos. O teto, as abóbadas arqueadas e os despojos são decorados com cenas bíblicas individuais. Deve-se notar que as figuras de Michelangelo aqui são de diferentes escalas. Essa técnica especial permitiu ao autor focar a atenção do espectador nos episódios e imagens mais importantes.

Até agora, os historiadores da arte estão intrigados com o problema conceito ideológico afrescos. O fato é que todos os enredos que o compõem são escritos em violação da sequência lógica do desenvolvimento do enredo bíblico. Assim, por exemplo, a pintura "A Embriaguez de Noé" precede a composição "Separação da Luz das Trevas", embora devesse ser o contrário. No entanto, tal dispersão de parcelas em nada afetou a habilidade artística do pintor. Aparentemente, era ainda mais importante para o artista não revelar o conteúdo da narrativa, mas novamente (como na estátua de David) mostrar a harmonia da bela e exaltada alma de uma pessoa e seu corpo poderoso e forte.
Isso é confirmado pela imagem do ancião de Sabaoth semelhante a um titã (o afresco "Criação do Sol e da Lua"), que cria os luminares.

Em quase todos os afrescos que falam sobre a criação do mundo, um homem gigantesco aparece diante do público, no qual, a pedido do criador, vida, determinação, força e vontade despertam. A ideia de independência perpassa a pintura “A Queda”, onde Eva, alcançando o fruto proibido, como se desafiasse o destino, expressa um desejo resoluto de liberdade. As imagens do afresco “The Flood” estão cheias da mesma inflexibilidade e sede de vida, cujos heróis acreditam na continuação da vida e da bondade.

As imagens das sibilas e profetas são representadas por figuras de pessoas, personificando fortes sentimentos e brilhante individualidade de personagens. O sábio Joel é aqui o oposto do desesperado Ezequiel. O espectador fica maravilhado com as imagens do Isaías espiritualizado e da bela, mostrada no momento da previsão, a Sibila de Delfos com grandes olhos claros.

Acima, o pathos e a monumentalidade das imagens criadas por Michelangelo foram notados mais de uma vez. Um fato interessante é que mesmo os chamados. as figuras auxiliares acabam sendo dotadas pelo mestre das mesmas características dos personagens principais. As imagens dos jovens, localizadas nos cantos das pinturas individuais, são a personificação da alegria de viver vivida por uma pessoa e a consciência de sua própria força espiritual e corporal.

Os historiadores da arte consideram, com razão, a pintura da Capela Sistina a obra que completou o período do desenvolvimento criativo de Michelangelo. Aqui o mestre dividiu o teto com tanto sucesso que, apesar de toda a variedade de temas, o afresco como um todo dá a impressão de harmonia e unidade das imagens criadas pelo artista.

Durante todo o tempo de trabalho de Michelangelo no afresco, o método artístico do mestre mudou gradualmente. Personagens posteriores são apresentados maiores - isso aumentou muito sua monumentalidade. Além disso, tal escala da imagem levou ao fato de que a plasticidade das figuras se tornou muito mais complicada. No entanto, isso não afetou a expressividade das imagens. Talvez aqui, mais do que em qualquer outro lugar, tenha se manifestado o talento do escultor, que conseguiu transmitir sutilmente cada linha de movimento da figura humana. Tem-se a impressão de que as pinturas não são pintadas com tintas, mas são relevos tridimensionais habilmente moldados.

A natureza dos afrescos em diferentes partes do teto é diferente. Se a parte central expressa os humores mais otimistas, então nas abóbadas arqueadas existem imagens que personificam todos os tons de sentimentos sombrios: paz, tristeza e ansiedade são substituídas aqui por confusão e dormência.

A interpretação das imagens dos ancestrais de Cristo apresentadas por Michelangelo também é interessante. Alguns deles expressam sentimentos de unidade familiar. Outros, ao contrário, estão cheios de malícia e ódio uns pelos outros, o que não é típico dos heróis bíblicos chamados a trazer luz e bondade ao mundo. Os historiadores da arte consideram os desenhos posteriores da capela uma manifestação de um novo método artístico, o início de um período qualitativamente novo na obra do famoso mestre pintor.

Nos anos 20. No século XVI, surgiram as obras de Michelangelo, destinadas a decorar o túmulo do Papa Júlio II. A ordem para a construção deste último foi recebida por um famoso escultor dos herdeiros do Papa. Nesta versão, a tumba deveria ter um tamanho um pouco menor com um número mínimo de estátuas. Logo o mestre terminou o trabalho na execução de três esculturas: estátuas de dois escravos e Moisés.

Michelangelo trabalhou em imagens de cativos de 1513. tema chave deste trabalho torna-se um homem lutando com forças hostis a ele. Aqui, as figuras monumentais de heróis vitoriosos são substituídas por personagens que morrem numa luta desigual contra o mal. Além disso, essas imagens acabam não subordinadas a nenhum objetivo e tarefa do artista, mas representam um entrelaçamento de emoções e sentimentos.

A versatilidade da imagem se expressa com o auxílio de uma espécie de método artístico e visual utilizado pelo mestre. Se até então Michelangelo se esforçava para mostrar uma figura ou um grupo escultórico de um lado, agora a imagem criada pelo artista torna-se plástica, mutante. Dependendo de qual lado da estátua o observador está, ela assume certos contornos, enquanto este ou aquele problema é aguçado.

Uma ilustração do acima pode servir como o "Prisioneiro Vinculado". Assim, se o observador caminhar ao redor da escultura no sentido horário, facilmente verá o seguinte: primeiro, a figura de um cativo amarrado com a cabeça jogada para trás e um corpo indefeso expressa sofrimento inumano pela consciência de sua própria impotência, a fraqueza da alma e do corpo humano. No entanto, à medida que você avança pela escultura, a imagem muda significativamente. A antiga fraqueza do prisioneiro desaparece, seus músculos se enchem de força, sua cabeça se ergue com orgulho. E agora diante do espectador não está mais um mártir exausto, mas uma figura poderosa de um herói titã, que, por algum acidente absurdo, acabou algemado. Parece que outro momento - e os grilhões serão quebrados. No entanto, isso não acontece. Seguindo em frente, o espectador vê como o corpo humano enfraquece novamente, sua cabeça afunda. E aqui novamente temos um prisioneiro miserável, resignado com seu destino.

A mesma variabilidade pode ser rastreada na estátua "The Dying Prisoner". Conforme você avança, o espectador vê como o corpo, batendo em agonia, gradualmente se acalma e fica entorpecido, evocando o pensamento de paz e tranquilidade eternas.

As esculturas dos cativos são extraordinariamente expressivas, criadas devido à transferência realista da plasticidade do movimento das figuras. Eles ganham vida diante dos olhos do espectador. Em termos de poder de execução, as estátuas dos cativos só podem ser comparadas com a escultura mais antiga do mestre - “Batalha dos Centauros”.

A estátua de Moisés, ao contrário dos Cativos, tem um caráter um tanto mais contido, mas não menos expressivo. Aqui Michelangelo novamente se refere à criação da imagem de um titânico herói humano. A figura de Moisés é a personificação de um líder, um líder, um homem com uma vontade extraordinariamente forte. Sua essência é mais plenamente revelada em comparação com Davi. Se o último simboliza a confiança na própria força e invencibilidade, então Moisés aqui é a personificação da ideia de que a vitória requer um tremendo esforço. Essa tensão espiritual do herói é transmitida pelo mestre não apenas por meio de uma expressão formidável em seu rosto, mas também com a ajuda da plasticidade da figura: as linhas fortemente refratadas das dobras das roupas, os fios da barba de Moisés voltados para cima .

Desde 1519, Michelangelo trabalha na criação de mais quatro estátuas de cativos. No entanto, eles permaneceram inacabados. Posteriormente, eles decoraram a gruta nos Jardins de Boboli, localizados em Florença. Atualmente, as estátuas são mantidas na Academia Florentina. Nessas obras, surge um novo tema para Michelangelo: a conexão entre uma figura escultórica e um bloco de pedra tomado como material de origem. O escultor apresenta aqui a ideia do objetivo principal do artista: libertar a imagem dos grilhões da pedra. Devido ao fato de as esculturas estarem inacabadas e de peças brutas de pedra serem claramente visíveis em sua parte inferior, o espectador pode ver todo o processo de criação da imagem. Aqui se mostra um novo conflito artístico: o homem e o mundo que o cerca. Além disso, esse conflito não é resolvido em favor da pessoa. Todos os seus sentimentos e paixões são suprimidos pelo ambiente.

A pintura da Capela dos Médici em Florença foi uma obra que marcou o fim do Alto Renascimento e ao mesmo tempo uma nova etapa na obra de Michelangelo. A obra durou 15 anos, de 1520 a 1534. Por algum tempo, o artista foi obrigado a suspender as obras devido aos acontecimentos políticos então ocorridos na Itália. Em 1527, em resposta à derrota de Roma, Florença declarou-se uma república.

Michelangelo, como partidário do sistema de estado republicano, foi eleito para o cargo de chefe das obras de fortificação e deu uma grande contribuição para a defesa da cidade. Quando Florença caiu e os Medici voltaram ao poder, uma séria ameaça de morte pairou sobre o famoso artista, agora também político. A salvação veio inesperadamente. O Papa Clemente VII Medici, sendo um homem orgulhoso e vaidoso, expressou o desejo de deixar a memória de si mesmo e de seus parentes para a posteridade. Quem senão Michelangelo, famoso pela arte de escrever fotos maravilhosas e executar estátuas excelentes, poderia fazê-lo?

Assim, os trabalhos de construção da Capela dos Médici foram retomados. Este último é um pequeno edifício com paredes altas, coroado por uma cúpula na parte superior. Existem dois túmulos na capela: os duques Giuliano de Nemours e Lorenzo de Urbino, localizados ao longo das paredes. Na terceira parede, oposta ao altar, encontra-se uma estátua da Madona. À esquerda e à direita dela estão esculturas representando as imagens dos santos Cosme e Damião. Está estabelecido que foram feitos pelos alunos do grande mestre. Os pesquisadores sugerem que foi para a tumba dos Medici que também foram feitas as estátuas de Apolo (outro nome é David) e do Menino Agachado.

Ao lado das esculturas dos duques, que não apresentavam semelhança externa com seus protótipos, foram colocadas figuras alegóricas: "Manhã", "Dia", "Noite" e "Noite". Eles são apresentados aqui como símbolos da transitoriedade do tempo terreno e da vida humana. As estátuas localizadas em nichos estreitos evocam a impressão de depressão, a chegada iminente de algo terrível e formidável. figuras volumétricas duques, que acabaram sendo esmagados por todos os lados por paredes de pedra, expressam a fragilidade espiritual e o vazio interior das imagens.

O mais harmonioso neste conjunto é a imagem da Madonna. Extraordinariamente expressivo e cheio de lirismo, é inequívoco e não sobrecarregado por linhas sombrias.

A Capela dos Médici é de particular interesse do ponto de vista da unidade artística das formas arquitetônicas e escultóricas. As linhas do edifício e das estátuas estão aqui subordinadas a uma ideia do artista. A capela é o exemplo mais claro da síntese e harmonia da interação de duas artes - escultura e arquitetura, onde partes de uma complementam harmoniosamente e desenvolvem o significado dos elementos da outra.

A partir de 1534, Michelangelo deixou Florença e se estabeleceu em Roma, onde permaneceu até o fim de sua vida. O período romano da obra do grande mestre decorreu nas condições da luta da Contra-Reforma contra as ideias cantadas pelos escritores, pintores e escultores do Renascimento. A obra destes últimos está a ser substituída pela arte dos maneiristas.

Em Roma, Michelangelo se aproxima das pessoas que compunham o círculo religioso e filosófico, liderado pela famosa poetisa italiana da época, Vittoria Colonna. No entanto, como na juventude, os pensamentos e ideias de Michelangelo estavam longe daqueles que pairavam nas cabeças do círculo. De fato, o mestre viveu e trabalhou em Roma em um ambiente de incompreensão e solidão espiritual.

Foi nessa época (1535-1541) que apareceu o afresco do Juízo Final, que adornava a parede do altar da Capela Sistina.

A história bíblica aqui é repensada pelo autor. A imagem do Juízo Final é percebida pelo espectador não como um começo positivo, o triunfo da justiça suprema, mas sim como uma tragédia universal da morte de toda a família, como o Apocalipse. Enormes figuras de pessoas aumentam o drama da composição.

A natureza elementar da imagem corresponde totalmente à tarefa do artista - mostrar uma pessoa perdida na massa geral. Graças a esta decisão da imagem artística, o espectador tem uma sensação de solidão neste mundo e impotência perante forças hostis com as quais não vale a pena lutar. As notas trágicas adquirem um som mais penetrante também porque o mestre não tem aqui uma imagem integral e monolítica de um grupo de pessoas (como será apresentado nas telas de artistas do Renascimento tardio), cada um deles vive a sua própria vida. No entanto, o mérito inquestionável do pintor já pode ser considerado o fato de ele ter mostrado uma massa humana, embora ainda incoerente, mas não mais impessoal.

Em O Juízo Final, Michelangelo apresenta uma técnica colorística incomumente expressiva. O contraste de corpos nus claros e o céu escuro em preto e azul aumenta a impressão de tensão trágica e depressão na composição.

Michelangelo. Julgamento terrível. Afresco na Capela Sistina, no Vaticano. Fragmento. 1535-1541

No período de 1542 a 1550, Michelangelo estava trabalhando na pintura das paredes da Capela Paolina no Vaticano. O grande mestre pintor pintou dois afrescos, um dos quais mais tarde foi chamado de "A Conversão de Paulo" e o outro - "A Crucificação de Pedro". Neste último, nos personagens que assistem à execução de Pedro, a ideia de consentimento tácito, inação e obediência de uma pessoa ao seu destino é totalmente apresentada. As pessoas não têm força física nem mental para resistir de alguma forma à violência e ao mal.

No final da década de 1530. há outra escultura de Michelangelo - um busto de Brutus. Esta obra serviu como uma espécie de resposta do famoso mestre ao assassinato do despótico duque Alessandro de Medici, cometido por seu parente Lorenzo. Independentemente dos verdadeiros motivos, o ato deste último foi bem recebido pelo artista - um apoiador dos republicanos. O pathos civil está repleto da imagem de Brutus, representado por um mestre nobre, orgulhoso e independente, um homem de grande inteligência e coração caloroso. Aqui Michelangelo parece retornar à imagem pessoa perfeita com altas qualidades espirituais e intelectuais.

Os últimos anos da obra de Michelangelo transcorreram em uma atmosfera de perda de amigos e parentes e uma reação pública ainda mais agravada. As inovações dos contra-reformistas não podiam deixar de afetar as obras do mestre, nas quais se manifestavam as ideias mais progressistas do Renascimento: humanismo, amor à liberdade, rebeldia ao destino. Basta dizer que por decisão de um dos ferrenhos admiradores das contra-reformas, Paulo IV Caraffa, foram feitas alterações na composição do Juízo Final do famoso pintor. O Papa considerou figuras nuas obscenas retratadas no afresco de pessoas. Por ordem dele, o aluno de Michelangelo, Daniele da Volterra, escondeu a nudez de algumas das imagens de Michelangelo com cortinas de capas.

O humor sombrio e doloroso da solidão e o colapso de todas as esperanças estão imbuídos últimos trabalhos Michelangelo - uma série de desenhos e esculturas. São essas obras que refletem mais claramente as contradições internas do mestre reconhecido.

Assim, Jesus Cristo na "Pieta" de Palestrina é apresentado como um herói, quebrado sob o ataque de forças externas. A mesma imagem na "Pieta" ("O Sepultamento") da Catedral de Florença já é mais mundana e humanizada. Não é mais um titã. Acontece que é mais importante para o artista mostrar aqui a força espiritual, as emoções e as experiências dos personagens.

Os contornos quebrados do corpo de Cristo, a imagem de uma mãe curvada sobre o cadáver de seu filho, Nicodemos baixando o corpo
Jesus no túmulo - tudo está subordinado a uma tarefa: retratar a profundidade das experiências humanas. Além disso, verdadeiro
A vantagem dessas obras é a superação do mestre da desunião das imagens. As pessoas na foto estão unidas por um sentimento de profunda compaixão e pela amargura da perda. Esta técnica de Michelangelo foi desenvolvida na próxima etapa da formação da arte da Itália, nas obras de artistas e escultores do final do Renascimento.

O auge da última etapa da obra de Michelangelo pode ser considerado uma escultura, mais tarde chamada de Pieta Rondanini. As imagens aqui mostradas são apresentadas como a personificação da ternura, espiritualidade, profunda tristeza e tristeza. Aqui, mais do que nunca, o tema da solidão humana em um mundo onde há tantas pessoas soa agudo.

Os mesmos motivos ressoam nas obras gráficas tardias do grande mestre, que considerava o desenho o princípio fundamental da escultura, da pintura e da arquitetura.

As imagens das obras gráficas de Michelangelo não diferem dos heróis de suas composições monumentais: os mesmos majestosos heróis titãs são apresentados aqui. No último período de criatividade, Michelangelo se volta para o desenho como um gênero artístico e visual independente. Então, nos anos 30-40. O surgimento das composições mais marcantes e expressivas do mestre pertence ao século XVI, como: “A Queda de Phaeton” e “A Ressurreição de Cristo”.

A evolução do método artístico do mestre é facilmente rastreada nos exemplos de obras gráficas. Se os primeiros desenhos feitos com uma caneta contêm imagens bastante específicas de figuras com contornos bastante nítidos, as imagens posteriores tornam-se mais vagas e suaves. Essa leveza é criada pelo fato de o artista usar um lápis sangüíneo ou italiano, com o qual são criadas linhas mais finas e delicadas.

No entanto, o último trabalho de Michelangelo é marcado não apenas de maneiras tragicamente sem esperança. As estruturas arquitetônicas do grande mestre, datadas dessa época, parecem dar continuidade às tradições do Renascimento. Sua Catedral de São Pedro e o conjunto arquitetônico do Capitólio de Roma são a personificação das idéias renascentistas de alto humanismo.

Michelangelo Buonarroti morreu em Roma em 18 de fevereiro de 1564. Seu corpo, na mais estrita confidencialidade, foi retirado da capital e enviado para Florença. O grande artista foi enterrado na igreja de Santa Croce.

O trabalho do mestre da pintura e escultura desempenhou um grande papel na formação e desenvolvimento do método artístico de muitos seguidores de Michelangelo. Entre eles estão Rafael, os maneiristas, que muitas vezes copiavam as linhas das imagens criadas pelo famoso pintor. A arte de Michelangelo não foi menos importante para os representantes da era barroca. Porém, dizer que as imagens do barroco (uma pessoa levada adiante não por impulsos internos, mas por forças externas) se assemelham aos heróis de Michelangelo, glorificando o humanismo, a vontade e força interior pessoa estaria errada.

Rafael Santi

Rafael Santi nasceu na pequena cidade de Urbino em 1483. Não foi possível estabelecer a data exata de nascimento do grande pintor. Segundo uma fonte, ele nasceu em 26 ou 28 de março. Outros estudiosos afirmam que a data de nascimento de Raphael foi 6 de abril de 1483.

No final do século XV, Urbino tornou-se uma das maiores centros culturais países. Biógrafos sugerem que Rafael estudou com seu pai, Giovanni Santi. Desde 1495, o jovem trabalha na oficina de arte do mestre Urbino Timoteo della Vite.

As primeiras obras sobreviventes de Rafael são consideradas as miniaturas "O Sonho do Cavaleiro" e "As Três Graças". Já nessas obras, os ideais humanísticos pregados pelos mestres do Renascimento estão plenamente refletidos.

Em “O Sonho do Cavaleiro” há uma espécie de repensar o tema mitológico de Hércules, diante de uma escolha: Valor ou Prazer?.. Rafael retrata Hércules como um jovem cavaleiro adormecido. À sua frente estão duas jovens: uma com um livro e uma espada nas mãos (símbolos de conhecimento, valor e façanhas de armas), o outro - com um ramo florido, personificando o prazer e o gozo. Toda a composição é colocada no cenário de uma bela paisagem.

As "Três Graças" apresentam novamente imagens antigas, tiradas, com toda a probabilidade, de um antigo camafeu grego (uma imagem em uma pedra preciosa ou semipreciosa).

Apesar de haver muitos empréstimos nas primeiras obras do jovem artista, a individualidade criativa do autor já se manifesta com bastante clareza aqui. Expressa-se no lirismo das imagens, na especial organização rítmica da obra, na suavidade das linhas que formam as figuras. Como artista da Alta Renascença, a extraordinária harmonia das imagens pintadas, característica das primeiras obras de Rafael, bem como a clareza e clareza composicionais, falam do artista.

Em 1500, Raphael deixa sua cidade natal e vai para Perugia, a principal cidade da Úmbria. Aqui ele estuda pintura na oficina de Pietro Perugino, que foi o fundador da escola de arte da Úmbria. Os contemporâneos de Rafael testemunham: um aluno capaz adotou o estilo de escrita de seu professor tão profundamente que suas telas nem podiam ser distinguidas. Muitas vezes, Rafael e Perugino cumpriam o pedido, trabalhando juntos em uma pintura.

No entanto, seria errado dizer que o talento original do jovem artista não se desenvolveu durante esse período. Isso é confirmado pelo famoso Conestabile Madonna, criado por volta de 1504.

Nesta tela, pela primeira vez, aparece a imagem da Madonna, que no futuro ocupará um dos lugares de destaque na obra do artista. Madonna é pintada tendo como pano de fundo uma paisagem maravilhosa com árvores, colinas e um lago. As imagens se unem pelo fato de o olhar da Madona e do bebê estar voltado para o livro, que a jovem mãe está ocupada lendo. A completude da composição é transmitida não apenas pelas figuras dos personagens principais, mas também pela própria forma do quadro - tondo (redondo), que em nada limita a liberdade das imagens. Eles são volumosos e leves. A impressão de naturalidade e realismo é criada através do uso de cores claras e frias na composição e suas combinações especiais: o manto azul profundo da Madona, o céu azul transparente, árvores verdes e água do lago, montanhas cobertas de neve com topos brancos. Tudo isso, ao olhar para a foto, cria uma sensação de pureza e ternura.

Outra obra não menos famosa de Rafael, também relacionada ao período inicial de sua obra, é uma tela criada em 1504 chamada "O Noivado de Maria". A pintura está atualmente na Galeria Brera, em Milão. De particular interesse aqui é a estrutura composicional. O ato religioso e ritual do noivado foi transferido pelo pintor das paredes da igreja, visíveis ao longe, para a rua. O sacramento é realizado sob um céu azul claro e claro. No centro da imagem está um padre, à esquerda e à direita dele estão Maria e José, ao lado dos quais meninas e meninos estão em pequenos grupos. Colocada na perspectiva da composição, a igreja é uma espécie de pano de fundo sobre o qual ocorre o noivado. Ela é um símbolo da disposição divina e favor de Maria e José. A completude lógica do quadro é dada pela moldura semicircular da tela em sua parte superior, repetindo a linha da cúpula da igreja.

As figuras da foto são extraordinariamente líricas e ao mesmo tempo naturais. Aqui, os movimentos, a plasticidade do corpo humano são transmitidos com muita precisão e sutileza. Um exemplo vívido disso é a figura de um menino, localizado no primeiro plano da composição, quebrando um bastão no joelho. Graciosos, quase etéreos, Maria e José parecem ao espectador. Seus rostos espiritualizados estão cheios de amor e ternura. Apesar de certa simetria na disposição das figuras, a tela não perde sua sonoridade lírica. As imagens criadas por Raphael não são esquemas, são pessoas vivas em toda a variedade de seus sentimentos.

Foi nesta obra que pela primeira vez, em comparação com obras anteriores, o talento do jovem mestre se manifestou mais claramente na capacidade de organizar subtilmente o ritmo da composição. Devido a esta propriedade, foto grande imagens de estruturas arquitetônicas acabam sendo harmoniosamente incluídas, que não são apenas um elemento da paisagem de Rafael, mas também se equiparam aos personagens principais, revelam sua essência e caráter.

A vontade de criar um ritmo especial na obra também é ditada pelo uso de tintas de determinados tons pelo artista. Assim, a composição de "O Noivado de Maria" é construída em apenas quatro cores.

Os tons amarelo-dourado, verde e vermelho, combinados nas roupas dos heróis, paisagem, arquitetura e estabelecendo o ritmo necessário da composição geral, formam harmonia com os tons de azul claro do céu.

Muito em breve, a oficina de arte de Perugino torna-se pequena demais para o crescimento do talento do pintor. Em 1504, Raphael decide se mudar para Florença, onde as ideias e a estética da arte da Alta Renascença estão sendo desenvolvidas. Aqui Raphael conhece as obras de Michelangelo e Leonardo da Vinci. É seguro dizer que eles foram os professores do jovem pintor nesta fase da formação de seu método criativo. Nas obras desses mestres, o jovem artista encontrou algo que não estava na escola da Úmbria: o estilo original de criar imagens, a plasticidade expressiva das figuras retratadas, uma representação mais volumosa da realidade.

Novas soluções artísticas e visuais já se refletiam nas obras realizadas por Raphael em 1505. Retratos de Angelo Doni, conhecido mecenas das artes florentinas da época, e sua esposa estão atualmente guardados na Galeria Pitti. As imagens são desprovidas de qualquer pathos heróico e hiperbolização. Esse pessoas comuns dotado, porém, das melhores qualidades humanas, entre as quais a determinação e a força de vontade.

Aqui, em Florença, Raphael pinta um ciclo de pinturas dedicadas à Madona. Suas telas “Madonna in the Green”, “Madonna with a Goldfinch”, “Madonna the Gardener” aparecem. Estas composições são variantes da mesma peça. Todas as telas retratam a Madona e o Menino com o pequeno João Batista. As figuras são colocadas contra o pano de fundo de uma paisagem fabulosamente bela. As imagens de Raphael são extraordinariamente líricas, suaves e gentis. Sua Madona é a personificação do amor maternal sereno e perdoador. Nessas obras, há certo sentimentalismo e admiração excessiva pela beleza externa dos personagens.

Uma característica distintiva do método artístico do pintor neste período é a falta de uma visão clara da cor, inerente a todos os mestres da escola florentina. Não há cores dominantes nas telas. As imagens são renderizadas em cores pastel. A cor para o artista não é o principal aqui. Mais importante para ele é transmitir com a maior precisão possível as linhas que formam a figura.

Em Florença, foram criados os primeiros exemplos de pintura monumental de Rafael. Entre eles, o mais interessante é criado no período de 1506 a 1507 “Madonna com John the Baptist and St. Nicholas" (ou "Madonna de Ansidei"). Sobre método criativo o artista foi amplamente influenciado pelas telas de pintores florentinos, principalmente Leonardo da Vinci e Fra Bartolomeo.

Em 1507, querendo comparar com os melhores mestres da escola florentina, eles eram Leonardo da Vinci e Michelangelo, Raphael criou uma tela bastante grande, chamada "O Sepultamento". Elementos separados das imagens da composição são repetições de pintores famosos. Assim, a cabeça e o corpo de Cristo são emprestados da escultura "Pieta" de Michelangelo (1498-1501), e a imagem de uma mulher apoiando Maria é da tela do mesmo mestre "Madonna Doni". Muitos historiadores da arte não consideram esta obra de Rafael como original, revelando seu talento original e características do método artístico e visual.

Apesar do último trabalho malsucedido, as conquistas de Rafael na arte foram significativas. Logo, os contemporâneos notam e reconhecem as obras do jovem artista, e o próprio autor se equipara aos destacados mestres do Renascimento. Em 1508, sob o patrocínio do famoso arquiteto Bramante, conterrâneo Rafael, o pintor viaja para Roma, onde está entre os convidados da corte papal.

Júlio II, que na época ocupava o trono papal, era conhecido como uma pessoa vaidosa, determinada e obstinada.
Foi durante seu reinado que as possessões papais foram grandemente expandidas com a ajuda das guerras. A mesma política "ofensiva" foi realizada em relação ao desenvolvimento da cultura e das artes. Assim, os artistas, escultores e arquitetos mais famosos foram convidados para a corte papal. Roma, decorada com numerosos edifícios arquitetônicos, começou a mudar visivelmente: Bramante construiu a Catedral de São Pedro; Michelangelo, tendo suspendido temporariamente a construção da tumba de Júlio II, começou a pintar o teto da Capela Sistina. Gradualmente, um círculo de poetas e cientistas se formou em torno do Papa, pregando altos princípios e idéias humanistas. Rafael Santi, que chegou de Florença, caiu nessa atmosfera.

Chegando a Roma, Rafael começou a pintar os aposentos do Papa (as chamadas estrofes). Os afrescos foram criados no período de 1509 a 1517. Eles se distinguem das obras de natureza semelhante de outros mestres por uma série de características. Em primeiro lugar, é a escala das pinturas. Se nas obras dos pintores anteriores havia várias pequenas composições em uma parede, Rafael tem uma parede separada para cada pintura. Assim, as figuras representadas também “cresceram”.

Além disso, é necessário notar a saturação dos afrescos de Rafael com uma variedade de elementos decorativos: tetos decorados com mármore artificial e dourado, composições de afrescos e mosaicos e piso pintado com um padrão extravagante. Tal diversidade não cria, porém, a impressão de excesso e caos. Dispostos em seus lugares e elementos decorativos habilmente dispostos evocam uma sensação de harmonia, ordem e um certo ritmo definido pelo mestre. Como resultado de tais inovações criativas e técnicas, as imagens criadas pelo artista nas pinturas são claramente visíveis para o espectador e, portanto, adquirem a clareza e clareza necessárias.

Todos os afrescos deveriam obedecer a um tema comum: a glorificação da Igreja Católica e seu líder. Nesse sentido, as pinturas são construídas sobre cenas bíblicas e da história do papado (com imagens de Júlio II e seu sucessor Leão X). No entanto, em Rafael, tais imagens específicas adquirem um significado alegórico generalizado, revelando a essência das ideias humanísticas do Renascimento.

De particular interesse deste ponto de vista é a Stanza della Senyatura (sala exclusiva). Os afrescos da composição são uma expressão de quatro áreas da atividade espiritual humana. Assim, o afresco "Disputa" mostra teologia, "A Escola de Atenas" - filosofia, "Parnaso" - poesia, "Sabedoria, Moderação e Força" - justiça. A parte superior de cada afresco é coroada com uma imagem alegórica de uma figura que representa um determinado tipo de atividade. Nos cantos das abóbadas existem pequenas composições, semelhantes em tema a um ou outro afresco.

A composição da pintura na Stanza della Senyatura é baseada em uma combinação de temas bíblicos e gregos antigos (bíblico - "A Queda", antigo - "Vitória de Apolo sobre Marsias"). O próprio fato de uma combinação de temas mitológicos, pagãos e seculares ter sido usada para decorar os aposentos papais atesta a atitude das pessoas da época em relação aos dogmas religiosos. Os afrescos de Rafael expressam a prioridade do início secular sobre o religioso da igreja.

O mais marcante e refletindo mais plenamente o afresco do culto religioso foi a pintura "Disputa". Aqui a composição parece estar dividida em duas partes: o céu e a terra. Abaixo, no chão, estão figuras dos pais da igreja, além de clérigos, anciãos e jovens. Suas imagens são extraordinariamente naturais, criadas com a ajuda de uma transferência realista da plasticidade dos corpos, giros e movimentos das figuras. Entre a massa de pessoas aqui você pode facilmente reconhecer Dante, Savonarola, o pintor Fra Beato Angelico.

Acima das figuras de pessoas estão imagens que simbolizam a Santíssima Trindade: Deus Pai, um pouco abaixo dele - Jesus Cristo com a Mãe de Deus e João Batista, abaixo deles - uma pomba - a personificação do Espírito Santo. No centro da composição geral, como símbolo de comunhão, encontra-se uma hóstia.

Em "Disputa" Raphael aparece como um mestre insuperável da composição. Apesar dos muitos símbolos, a imagem se distingue pela extraordinária clareza das imagens e pela clareza dos pensamentos do autor. A simetria da disposição das figuras na parte superior da composição é suavizada pelas figuras quase caoticamente dispostas na parte inferior. E, portanto, algum esboço da imagem do primeiro torna-se quase imperceptível. O elemento compositivo transversal aqui é um semicírculo: um semicírculo localizado na parte superior dos santos e apóstolos nas nuvens e, como seu eco, um semicírculo de figuras livres e mais naturais de pessoas na parte inferior da imagem.

Um dos melhores afrescos e obras de Rafael deste período de sua obra é a pintura "A Escola de Atenas". Este afresco é a personificação de altos ideais humanísticos associados à arte. Grécia antiga. O artista retratou famosos filósofos e cientistas antigos. As figuras de Platão e Aristóteles são colocadas na parte central da composição. A mão de Platão aponta para a terra e Aristóteles - para o céu, que simboliza os ensinamentos dos antigos filósofos.

Do lado esquerdo de Platão está a figura de Sócrates, que conversa com um grupo de pessoas, entre as quais se destaca o rosto do jovem Alcibíades, cujo corpo está protegido por uma concha e a cabeça coberta por um capacete. Nos degraus está colocado Diógenes, o fundador escola filosófica cínicos. Ele é representado aqui como um mendigo parado na entrada do templo pedindo esmola.

Na parte inferior da composição estão dois grupos de pessoas. Do lado esquerdo está representada a figura de Pitágoras, rodeado de alunos. À direita - Euclides, desenhando algo em uma lousa, também rodeado de alunos. À direita do último grupo estão Zoroastro e Ptolomeu coroado com esferas nas mãos. Nas proximidades, o autor colocou seu auto-retrato e a figura do pintor Sodoma (foi ele quem começou a trabalhar na pintura de Stanza della Senyatura). À esquerda do centro, o artista colocou o pensativo Heráclito de Éfeso.

Comparadas com as imagens dos afrescos da Disputa, as figuras da Escola de Atenas são muito maiores e mais monumentais. Estes são heróis dotados de uma mente extraordinária e grande coragem. As principais imagens do afresco são Platão e Aristóteles. Seu significado é determinado não apenas e não tanto pelo lugar na composição (eles ocupam um lugar central), mas pela expressão facial e pela plasticidade especial dos corpos: essas figuras têm uma postura e um andar verdadeiramente reais. Um fato interessante é que Leonardo da Vinci se tornou o protótipo da imagem de Platão. O modelo para escrever a imagem de Euclides foi o arquiteto Bramante. O protótipo de Heráclito foi a figura retratada por Michelangelo no teto da Capela Sistina. Alguns estudiosos sugerem que a imagem de Heráclito foi copiada pelo mestre do próprio Michelangelo.

O tema também muda aqui: o afresco soa como uma espécie de hino à mente e à vontade humanas. É por isso que todos os personagens estão localizados no cenário de grandiosos edifícios arquitetônicos, simbolizando a infinidade da mente humana e do pensamento criativo. Se os personagens de "Disputas" são passivos, então as imagens apresentadas na "Escola Ateniense" são construtores ativos e enérgicos de suas vidas, transformadores da ordem social mundial.

As soluções composicionais do afresco também são interessantes. Assim, as figuras de Platão e Aristóteles localizadas ao fundo, pelo fato de serem mostradas em movimento, são as principais da imagem. Além disso, eles formam o centro dinâmico da composição. Saindo das profundezas, parecem avançar, em direção ao espectador, o que dá a impressão de dinâmica, de desenvolvimento da composição, que é emoldurada por um arco semicircular.

Rafal realizou entre 1511 e 1514 a pintura por trás da sala dos sinetes da Estância d'Eliodoro. Os temas dos afrescos desta sala foram lendas bíblicas e fatos da história do papado, embelezados com histórias nas quais o lugar principal foi dado à providência divina e a um milagre.

A sala recebeu esse nome após a conclusão do trabalho decorativo no afresco "A Expulsão de Eliodor", cujo enredo foi baseado na história do comandante sírio Eliodor, que desejava roubar as riquezas armazenadas no castelo de Jerusalém. No entanto, o cavaleiro do céu o impediu. O afresco serviu como um lembrete de como as tropas do Papa Júlio II derrotaram e expulsaram vergonhosamente o exército francês dos Estados papais.

No entanto, este afresco não se distingue pelo poder de expressar a intenção criativa do artista. Isso provavelmente se deve ao fato de que a composição geral é dividida em duas partes separadas. À esquerda está um belo cavaleiro que, junto com dois anjos, tenta atingir Eliodor. No lado direito do afresco está Júlio II, reclinado em uma maca. Entre os que sustentavam a maca, o pintor retratou o famoso pintor alemão Albrecht Dürer. Apesar do suposto pathos heróico da trama, as imagens de Rafael aqui são totalmente desprovidas de dinâmica e drama.

Um tanto mais forte em caráter e perfeito em estrutura composicional é um afresco chamado "Missa em Bolsena". Seu enredo é baseado na história de um padre incrédulo cuja hóstia foi manchada de sangue durante o sacramento. Testemunhas desse milagre na tela de Rafael foram o Papa Júlio II, localizado atrás dele, os cardeais e os suíços da guarda.

Uma característica distintiva desta obra do famoso artista foi o grande, em comparação com as obras anteriores, o grau de naturalidade e naturalidade na representação dos personagens. Não são mais figuras abstratas que surpreendem com sua beleza externa, mas pessoas bastante reais. A evidência mais marcante disso são as imagens dos suíços dos guardas papais, cujos rostos estão cheios de energia interna, expressando uma forte vontade humana. No entanto, seus sentimentos não são uma invenção criativa do artista. Estas são emoções humanas muito reais.

Nesta obra, o autor dá muita atenção à cor, à plenitude colorística da tela e das imagens. O pintor agora se preocupa não apenas com a transferência exata das linhas de contorno das figuras, mas também com a saturação de cores das imagens, a exibição de seu mundo interior por meio de um determinado tom.

Igualmente expressivo é o afresco "Produção de Pedro", retratando a cena da libertação do Apóstolo Pedro por um anjo. Os historiadores da arte acreditam que esta imagem é um símbolo da fabulosa libertação do legado papal Leão X (que mais tarde se tornou papa) do cativeiro francês.

De particular interesse neste afresco é a solução composicional e colorida encontrada pelo autor. Ele reproduz a iluminação noturna, o que aumenta a dramaticidade da composição geral. O fundo arquitetônico cuidadosamente selecionado também contribui para a revelação do conteúdo e maior conteúdo emocional da imagem: uma masmorra construída com tijolos maciços, uma pesada abóbada arqueada e grossas barras de treliça.

O quarto e último afresco da Stanza d'Eliodoro, mais tarde chamado de "Encontro do Papa Leão I com Átila", foi feito de acordo com os esboços de Rafael por seus alunos, Giulio Romano e Francesco Penny. A obra foi realizada no período de 1514 a 1517. O próprio mestre, que nessa época se tornara um artista extraordinariamente popular, cuja fama se estendia por toda a Itália e que recebia muitas encomendas, não conseguiu terminar de decorar os aposentos papais. Além disso, Rafael na época foi nomeado arquiteto-chefe da Catedral de São Pedro e também supervisionou as escavações arqueológicas que foram realizadas no território de Roma e seus arredores.

As pinturas que adornavam as Stanzas del Incendio foram baseadas em histórias da história do papado. Entre todos os afrescos, talvez apenas um mereça atenção especial - “O Fogo em Borgo”. Ela conta sobre um incêndio ocorrido em um dos bairros romanos em 847. O Papa Leão IV então participou da extinção do incêndio. Este afresco se distingue pelo pathos excessivo e drama artificial na imagem de pessoas tentando escapar do desastre: um filho carregando seu pai, um jovem escalando um muro, uma garota segurando uma jarra.

Os afrescos das estrofes do Vaticano mostram bem a evolução da obra de Rafael: o artista está gradualmente passando das imagens ideais das primeiras obras para o drama e, ao mesmo tempo, mais próximo da vida nas obras pertencentes ao período tardio ( composições de enredo e retratos).

Quase imediatamente após sua chegada a Roma, em 1509, Rafael, continuando o tema de Nossa Senhora, escreveu a tela “Madonna Alba”. Em comparação com as figuras da Madonna Conestabile, as imagens da Madonna Alba são muito mais complexas. Maria é retratada aqui como uma jovem com caráter forte, enérgico e confiante. Os movimentos do bebê são tão fortes. A pintura é em forma de tondo. No entanto, as figuras estão escritas aqui na íntegra, o que não era típico de telas redondas. Tal arranjo de figuras, no entanto, não leva ao aparecimento de imagens estáticas. Eles, assim como toda a composição como um todo, são mostrados em dinâmica. Essa sensação é criada pelo fato de o mestre transmitir com sutileza e precisão a plasticidade dos movimentos do corpo humano.

De particular importância para a formação do método criativo do artista foi a pintura “Madonna in the Chair” (ou “Madonna della sedia”), obra concluída por volta de 1516. Uma imagem um tanto idealizada da Madonna é realista aqui por introduzindo elementos específicos e reais na composição. Assim, por exemplo, o peito de Maria é coberto por um lenço largo e brilhante com franja. Esses lenços naquela época eram a roupa favorita de todas as camponesas italianas.

As figuras da Madona, do Menino Jesus e do pequeno João Batista estão localizadas próximas umas das outras. Parece que as imagens fluem suavemente umas para as outras. A imagem inteira está imbuída de um sentimento lírico incomumente brilhante. O tema sempre vivo do amor materno é transmitido aqui não apenas no olhar de Maria, mas também na plasticidade de sua figura. A forma do tondo confere a toda a composição uma completude lógica. As figuras de Maria e do bebê, colocadas em uma tela redonda, são um símbolo da unidade das duas pessoas mais próximas: mãe e filho. Esse
A pintura de Rafael foi reconhecida por seus contemporâneos como o ápice da pintura de cavalete, não apenas em termos de construção composicional, mas também devido à sutil transferência de linhas plásticas de imagens.

A partir dos anos 10. século 16 Raphael está trabalhando em composições para retábulos. Então, em 1511, a Foligno Madonna aparece. E em 1515, o famoso artista começa a criar uma tela, que mais tarde trará ao pintor a glória de um grande mestre e conquistará os corações de mais de uma geração de pessoas. "A Madona Sistina" é uma pintura que marcou a etapa final na formação do método artístico de Rafael. O tema da maternidade recebeu aqui, em comparação com trabalhos anteriores, maior desenvolvimento e a implementação mais completa.

Ao entrar na catedral, o olhar do espectador é imediatamente atraído para a majestosa figura de Nossa Senhora, carregando o menino Jesus Cristo em seus braços. Esse efeito é obtido por um arranjo composicional especial dos personagens. A cortina entreaberta, os olhos dos santos Sisto e Bárbara, voltados para Maria - tudo isso para destacar e colocar a jovem mãe no centro da composição.

Ao revelar a imagem da Madona, Rafael afastou-se dos artistas renascentistas. A Madonna aqui fala diretamente ao espectador. Ela não está ocupada com uma criança (como a Madonna de Leonardo da Vinci) e não está imersa em si mesma (como as heroínas das primeiras obras do mestre). Esta Maria, movendo-se pelas nuvens brancas como a neve em direção ao espectador, está conversando com ele. Em seus olhos arregalados, você pode ver amor de mãe, e alguma confusão, desesperança, humildade e profunda preocupação com o destino futuro de seu filho. Ela, como vidente, sabe tudo o que vai acontecer com seu filho. No entanto, para salvar as pessoas, a mãe está pronta para sacrificá-lo. A imagem do menino Cristo é dotada da mesma seriedade. Aos seus olhos, por assim dizer, o mundo inteiro está fechado, ele, como um profeta, nos conta o destino da humanidade e o seu próprio.

Rafael. Madona Sistina. 1515-1519

A imagem de Maria é cheia de drama e extraordinariamente expressiva. No entanto, é desprovido de idealização e não é dotado de características hiperbólicas. A sensação de completude, completude da imagem é criada aqui devido ao dinamismo da composição, que se expressa pela transferência precisa e fiel da plasticidade das figuras, e pela cortina das roupas dos heróis. Todas as figuras são apresentadas, vivas, móveis, brilhantes. O rosto de Maria, como o menino Cristo com olhos infantilmente tristes, expressa toda uma gama de sentimentos que mudam um após o outro literalmente diante dos olhos do espectador: tristeza, ansiedade, humildade e, finalmente, determinação.

Entre os historiadores da arte, a questão do protótipo da Madona Sistina ainda permanece em aberto. Alguns estudiosos identificam esta imagem com a imagem de uma jovem retratada no retrato "Lady in a Veil" (1514). No entanto, de acordo com o testemunho dos contemporâneos do artista, Maria na tela "Sistine Madonna" é mais um tipo generalizado de mulher, um ideal rafaeliano, do que uma imagem específica de alguém.

Entre os retratos de Rafael, é de grande interesse o retrato do Papa Júlio II, pintado em 1511. Uma pessoa real é mostrada aqui como uma espécie de ideal, característica do método criativo do pintor.

Destaca-se o retrato do conde Baldassare Castiglione, realizado em 1515, que retrata uma pessoa calma, equilibrada e harmoniosamente desenvolvida. Rafael aparece aqui como um maravilhoso mestre da cor. Ele usa combinações de cores complexas e transições de tons. O mesmo domínio do matiz é também distinguido por outra obra do pintor: um retrato feminino “Lady in a Veil” (“La donna velata”, 1514), onde a cor dominante é a tinta branca (o vestido branco da mulher realça um véu de luz).

Uma parte significativa da obra de Rafael é ocupada por obras monumentais. Entre suas obras semelhantes posteriores, a mais interessante é, antes de tudo, o afresco que adornava as paredes da Villa Farnesina em 1515 (anteriormente propriedade do rico Chigi) “O Triunfo de Galatea”. Esta imagem se distingue por um humor incomumente alegre. As imagens estão literalmente transbordando de felicidade. Um tom semelhante é criado por meio do uso de uma combinação especial de cores vivas e saturadas: corpos brancos nus são harmoniosamente combinados aqui com um céu azul transparente e ondas azuis do mar.

A última obra monumental de Rafael foi a decoração das paredes da galeria abobadada, localizada no segundo andar do Palácio do Vaticano. A decoração dos salões foi decorada com pinturas e mosaicos de mármore artificial. Os enredos dos afrescos foram desenhados pelo artista a partir de lendas bíblicas e assim chamadas. grotescos (pintura encontrada em antigos túmulos gregos - grutas). São 52 pinturas no total. Mais tarde, eles foram combinados em um ciclo sob o nome geral de "Bíblia de Rafael". Também é interessante que o famoso artista tenha realizado trabalhos de decoração dos salões do Palácio do Vaticano junto com seus alunos, entre os quais Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine ocuparam um lugar de destaque.

As últimas pinturas de cavalete de Raphael foram uma espécie de reflexão e expressão da crescente crise criativa do mestre. Seguindo o caminho da dramatização cada vez maior das imagens criadas pelos mestres da Alta Renascença, mas ao mesmo tempo mantendo-se fiel aos seus próprios métodos já estabelecidos de representação artística, Raphael chega às contradições do estilo. Seus meios e formas de expressar pensamentos acabam sendo muito poucos para criar imagens qualitativamente novas e mais perfeitas em termos de transmitir seu mundo interior e beleza externa. Exemplos vívidos que ilustram este período da obra de Rafael são "Carregando a Cruz" (1517), o ciclo "Sagradas Famílias" (aproximadamente 1518), a composição do altar "Transfiguração".

É bem possível que um pintor tão talentoso como Rafael tivesse encontrado uma saída para tal impasse criativo, não fosse a morte repentina que chocou todos os contemporâneos do mestre. Rafael Santi morreu em 6 de abril de 1520 aos 37 anos. Um luxuoso funeral foi realizado. As cinzas do grande pintor estão enterradas no Panteão de Roma.

As obras de Rafael até hoje continuam sendo obras-primas da arte mundial. Estas fotos são um exemplo arte clássica, foram chamados para mostrar à humanidade uma beleza perfeita e sobrenatural. Eles apresentaram ao espectador um mundo onde as pessoas têm sentimentos e pensamentos elevados. A obra de Rafael é uma espécie de hino à arte, que transforma a pessoa, tornando-a mais limpa, brilhante, bonita.

Ticiano (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio nasceu em uma família de militares na pequena cidade de Pieve di Cadore, localizada nas montanhas e parte das possessões venezianas. Os cientistas não conseguiram estabelecer com precisão a data e o ano do nascimento de Ticiano. Alguns acreditam que isso é 1476-1477, outros - 1485-1490.

Os cientistas sugerem que a família Vecellio era antiga e bastante influente na cidade. Vendo o talento precoce do menino para a pintura, os pais decidiram dar Tiziano para a oficina de arte do mestre de mosaico veneziano. Algum tempo depois, o jovem Vecellio foi designado para estudar na oficina, primeiro de Gentile Bellini e depois de Giovanni Bellini. Nessa época, o jovem artista conheceu Giorgione, cuja influência se refletiu em seus primeiros trabalhos.

Toda a obra do artista pode ser dividida em dois períodos: o primeiro - o chamado. dzhorzhonevsky - até 1515-1516 (quando a influência de Giorgione se expressa mais fortemente nas obras do pintor); o segundo - dos anos 40. Século XVI (neste momento, Ticiano é um mestre já estabelecido que representa a arte do Renascimento tardio).

Seguindo desde cedo o método artístico de Giorgione e dos pintores do Renascimento, Ticiano repensa as formas de resolução dos problemas artísticos. Sob o pincel do artista saem novas imagens, que diferem significativamente das figuras sublimes e refinadas, como Rafael e Leonardo da Vinci. Os heróis de Ticiano são mundanos, encorpados, sensuais, eles têm um começo pagão em grande medida. As primeiras telas do pintor distinguem-se por uma composição bastante simples, que, no entanto, é permeada por um humor invulgarmente alegre e pela consciência da felicidade sem nuvens, plenitude e infinitude da vida terrena.

Entre as obras desse período, que mais expressam o método criativo do artista, uma das mais marcantes é a pintura "Amor na Terra e no Céu", datada dos anos 10. século XVI. É importante para o autor não apenas transmitir o enredo, mas também mostrar uma bela paisagem que evoca pensamentos de paz e felicidade de ser, e a beleza sensual de uma mulher.

As figuras femininas são sem dúvida sublimes, mas não são abstraídas da vida e não são idealizadas pelo autor. A paisagem, pintada com cores suaves e colocada ao fundo, serve de excelente pano de fundo para imagens femininas específicas graciosas e elegantes, mas ao mesmo tempo bastante reais: Amor Terrestre e Amor Celestial. Uma composição habilmente composta e um sutil senso de cor ajudaram o artista a criar uma obra extraordinariamente harmoniosa, cada elemento da qual acaba sendo subordinado ao desejo do autor de mostrar a beleza natural da natureza terrena e do homem.

Na obra posterior de Ticiano, Assunta (ou Ascensão de Maria), datada de 1518, não há aquela calma contemplação e tranquilidade que soa na obra Amor Terrestre e Celestial. Há mais dinâmica, força, energia. A figura central da composição é Maria, representada como uma jovem cheia de beleza e força terrena. As visões dos apóstolos são dirigidas a ela, cujas imagens expressam a mesma vitalidade e energia interior. Uma espécie de hino à beleza humana e ao forte sentimento humano é a composição "Baco e Ariadne" (do ciclo "Bacanal", 1523).

Glorificação do terreno beleza feminina tornou-se tema de outra obra de Ticiano, chamada "Vênus de Urbino". Foi criada em 1538. Apesar de não haver absolutamente nenhuma sublimidade e espiritualidade da imagem, esta ainda não reduz o valor estético da tela. Vênus é muito bonita aqui. No entanto, sua beleza é mundana e natural, o que distingue a imagem criada por Ticiano da Vênus de Botticelli.

No entanto, seria errado dizer que as imagens do período inicial do desenvolvimento da obra do artista glorificavam apenas a beleza externa de uma pessoa. Toda a sua aparência retrata uma pessoa harmoniosa, cuja beleza externa é equiparada ao espiritual e é o reverso de uma alma igualmente bela.

Deste ponto de vista, de maior interesse é a imagem de Jesus Cristo na tela "Denário de César", criada no período de 1515 a 1520. O Jesus de Ticiano não é mostrado de forma alguma como um ser divino, exaltado e celestial. A expressão espiritualizada de seu rosto sugere que diante do espectador está uma pessoa nobre com uma organização mental perfeita.

As imagens criadas na composição do altar "Madonna Pesaro", escrita no período de 1519 a 1526, estão repletas da mesma espiritualidade.Esses heróis não são esquemas ou abstrações. A criação de uma imagem viva e real é amplamente facilitada pelo uso pelo mestre de uma variedade de cores: o véu branco como a neve de Maria, azul celeste, escarlate, vermelho brilhante, roupas douradas de heróis, rico tapete verde. Essa variedade de tons não introduz o caos na composição, mas, ao contrário, ajuda o pintor a criar um sistema harmonioso e harmonioso de imagens.

Na década de 1520 Ticiano criou a primeira obra de natureza dramática. Esta é a famosa pintura "The Entombment". A imagem de Cristo aqui é interpretada da mesma forma que na pintura "Denarius de César". Jesus é apresentado não como um ser que desceu do céu para salvar a humanidade, mas como um herói totalmente terreno que caiu em uma batalha desigual. Apesar de toda a tragédia e drama da trama, a tela não desanima o espectador. Pelo contrário, a imagem criada por Ticiano é um símbolo de otimismo e heroísmo, personificando a beleza interior de uma pessoa, a nobreza e a força de seu espírito.

Este personagem distingue significativamente esta obra do artista de sua obra posterior de mesmo nome, datada de 1559, na qual os ânimos otimistas são substituídos por uma tragédia sem esperança. Aqui, assim como em outra pintura de Ticiano - “O Assassinato de St. Pedro o Mártir”, cuja criação remonta ao período de 1528 a 1530, o mestre utiliza um novo método de representação artística. As imagens da natureza apresentadas nas telas (o pôr do sol em “The Entombment” veiculado em cores escuras e sombrias e as árvores curvando-se sob fortes rajadas de vento em “The Assassination of St. Peter the Martyr”) acabam sendo uma espécie de expressão dos sentimentos e paixões humanas. A Grande Mãe Natureza submete-se aqui ao Homem Soberano. Ticiano nas composições mencionadas acima, por assim dizer, afirma a ideia de que tudo o que acontece na natureza é causado por ações humanas. Ele é o senhor e governante do mundo (incluindo a natureza).

Uma nova etapa no desenvolvimento da habilidade do artista em criar composições multifiguradas foi a tela intitulada "Introdução ao Templo", datada de 1534-1538. Apesar do fato de Ticiano ter escrito muitas imagens aqui, todas elas se unem em um todo composicional pelo interesse em um evento significativo que está ocorrendo diante de seus olhos - a introdução de Maria no templo. A figura da personagem principal é separada das personagens secundárias (mas não menos significativas) por pausas espaciais: ela é separada da multidão de curiosos e padres por degraus de uma escada. Um clima festivo, uma sensação de significado do que está acontecendo é criado na composição por gestos e plasticidade das figuras. No entanto, devido à inclusão no quadro da figura do negociante de ovos, colocada em primeiro plano, reduz-se o excesso de pathos da obra e aumenta-se a impressão de realismo e naturalidade da situação descrita pela artista.

A introdução à composição de imagens folclóricas é uma característica do método artístico e visual de Ticiano no período a partir dos anos 30. século XVI. São essas imagens que ajudam o mestre a criar uma imagem vitalmente verdadeira.

A ideia criativa mais completa para mostrar uma pessoa harmoniosa, bonita tanto na alma quanto no corpo, foi incorporada nos retratos de Ticiano. Uma das primeiras obras dessa natureza é "Retrato de um jovem com uma luva". A criação da tela refere-se ao período de 1515 a 1520. A imagem de um jovem representa toda uma geração de pessoas da época - o Renascimento. O retrato incorpora a ideia de harmonia do espírito e do corpo humano. Ombros largos, plasticidade solta do corpo, colarinho desabotoado casualmente, calma confiança expressa no olhar de um jovem - tudo visa transmitir a ideia principal do autor sobre a alegria da existência humana e a felicidade de uma pessoa comum pessoa que não conhece a tristeza e não é dilacerada por contradições internas.

O mesmo tipo de pessoa feliz disposta harmoniosamente pode ser vista nas telas "Violante" e "Retrato de Tommaso Mosti" (ambas - 1515-1520).

Nos retratos criados muito mais tarde, o espectador não encontrará mais aquela franqueza e certeza clara da natureza das imagens, típicas de obras semelhantes do período de 1515-1520. A essência dos últimos personagens de Ticiano, em comparação com os primeiros, é muito mais complexa e multifacetada. Um exemplo vívido da mudança no método artístico do autor é a pintura "Retrato de Ippolito Riminaldi", criada no final da década de 1540. O retrato retrata um jovem cujo rosto, contornado por uma pequena barba, expressa uma profunda luta interior de sentimentos e emoções.

As imagens criadas por Ticiano nesse período não são típicas da arte da Alta Renascença: são complexas, em muitos aspectos contraditórias e dramáticas. Esses são os heróis da composição, chamada "Retrato do Papa Paulo III com Alessandro e Ottavio Farnese". A tela foi criada no período de 1545 a 1546. O Papa Paulo III é mostrado como uma pessoa astuta e desconfiada. Observa com preocupação e malícia Ottavio, seu sobrinho, conhecido bajulador e hipócrita da corte.

Ticiano mostrou-se um notável mestre da composição artística. A essência dos personagens das pessoas é revelada neste trabalho através da interação dos personagens entre si, através de seus gestos e posturas.

Um retrato retratando Charles V (1548) foi construído em uma combinação de majestosos elementos decorativos e realistas. O mundo interior do modelo é mostrado com precisão magistral. O espectador entende o que está à sua frente pessoa especial com um caráter complexo, cujas principais características são uma grande mente e fortaleza, bem como astúcia, crueldade, hipocrisia.

Nos retratos criados por Ticiano, mais simples em termos de construção composicional, toda a atenção do espectador está voltada para o mundo interior da imagem. Por exemplo, pode-se citar a tela “Retrato de Aretino”, datada de 1545. O modelo foi escolhido pelo artista como uma pessoa conhecida em Veneza na época, Pietro Aretino, que ficou famoso por sua extraordinária ganância por dinheiro e terreno prazeres. No entanto, apesar disso, ele apreciava muito a arte, ele próprio foi autor de vários artigos jornalísticos, um grande número de comédias, contos e poemas (embora nem sempre
conteúdo decente).

Ticiano decidiu capturar tal pessoa em uma de suas obras. Seu Aretino é uma imagem realista complexa, contendo os mais diversos, às vezes até contraditórios, sentimentos e traços de caráter.

O trágico conflito de uma pessoa com forças hostis a ela é retratado na pintura “Eis o Homem”, pintada em 1543. O enredo foi inspirado na crescente reação pública dos partidários da Contra-Reforma contra as ideias humanistas do Renascimento na Itália naquela época. Na composição, a imagem de Cristo como portador de elevados ideais universais se opõe a Pilatos, mostrado como cínico, perverso e feio. Naquilo
pela primeira vez, notas de negação dos prazeres e alegrias sensuais e terrenas aparecem na obra.

Ticiano. Retrato do Papa Paulo III com Alessandro e Ottavio Farnese. 1545-1546

O mesmo contraste marcante marcou as imagens da tela "Danae", escrita por volta de 1554. A obra se distingue por um alto grau de dramaticidade. Nele, o autor, como antes, canta a beleza e a felicidade do homem. No entanto, a felicidade é transitória e momentânea. Na imagem não há imutabilidade de humor e apaziguamento calmo dos personagens que distinguem as imagens criadas anteriormente (“Amor na terra e no céu”, “Vênus de Urbino”).

O tema principal da obra é a colisão do belo e do feio, do alto e do baixo. E se uma jovem expressa tudo de mais sublime que existe em uma pessoa, então uma velha solteirona tentando pegar moedas de chuva de ouro personifica as qualidades humanas mais baixas: interesse próprio, ganância, cinismo.

O drama é enfatizado na composição por uma certa combinação de tons escuros e claros. É com a ajuda da tinta que o artista coloca acentos semânticos na imagem. Então, uma jovem simboliza beleza e sentimentos brilhantes. E a velha, cercada por tons escuros e sombrios, contém uma expressão de começo vil.

Este período da obra de Ticiano é caracterizado não apenas pela criação de imagens contraditórias e cheias de drama. Paralelamente, a artista pinta uma série de obras, cujo tema é a beleza encantadora de uma mulher. No entanto, ainda é necessário observar o fato de que essas obras são desprovidas daquele clima otimista e de afirmação da vida, que soa, por exemplo, no Amor na Terra e no Céu e nas Bacanais. Entre as pinturas de maior interesse estão "Diana e Actaeon", "Pastor e Ninfa" (1559), "Vênus com Adonis".

Um de os melhores trabalhos Ticiano é uma pintura chamada "Kayushda Maria Madalena", criada nos anos 60. século XVI. Muitos artistas renascentistas recorreram a essa história bíblica. No entanto, Ticiano reinterpreta a imagem da penitente Maria Madalena. A figura de uma jovem, cheia de beleza e saúde, expressa mais do que arrependimento cristão, mas tristeza e saudade de uma felicidade perdida para sempre. O homem, como sempre, é lindo em Ticiano, mas seu bem-estar, calma e paz de espírito dependem de forças externas. São eles que, interferindo no destino de uma pessoa, destroem a harmonia do espírito. Não é por acaso que a imagem de Madalena, aflita, se apresenta tendo como pano de fundo uma paisagem sombria que coroa o céu escuro de nuvens negras iminentes - uma antecipação do
trovoadas.

O mesmo tema do sofrimento humano também é ouvido nas obras posteriores do famoso mestre: “Coroação com uma coroa de espinhos” (1570) e “Santo. Sebastião" (1570).

Em A Coroação de Espinhos, Jesus é apresentado pelo artista na forma de uma pessoa comum, superando seus algozes nas qualidades físicas e, principalmente, morais.

No entanto, ele está sozinho e só por isso não pode ser um vencedor. A intensidade dramática e emocional da cena é realçada por uma cor sombria e escura.

O tema de um herói solitário em conflito com o mundo exterior também é ouvido na obra “St. Sebastião". O protagonista é mostrado aqui como um titã majestoso - imagem característica da arte renascentista. No entanto, ele ainda é derrotado.

A paisagem, simbolizando forças hostis ao personagem, desempenha aqui um papel independente. Apesar do drama da trama, a composição como um todo é permeada por um clima de afirmação da vida.

Uma espécie de hino à mente humana, à sabedoria e à fidelidade aos ideais aceitos é o autorretrato do mestre, criado na década de 60. século 16

Uma das pinturas mais expressivas de Ticiano é reconhecida como "Pieta" (ou "Lamentação de Cristo"), escrita por volta de 1576. As figuras de mulheres aflitas são retratadas aqui tendo como pano de fundo um nicho de pedra e uma paisagem sombria. Maria, como uma estátua, congelou de dor. A imagem de Madalena é extraordinariamente brilhante e dinâmica: a figura de uma mulher avançando, uma mão levantada, cabelos ruivos de fogo para trás, uma boca ligeiramente entreaberta, da qual um grito de desespero está prestes a explodir. Jesus é mostrado não como um ser celestial divino, mas completamente pessoa real, derrotado em uma batalha desigual com forças hostis ao mundo humano. A tragédia das imagens é expressa na imagem com a ajuda de transições tonais e de luz e sombra. Os personagens principais acabam sendo, por assim dizer, arrebatados por raios de luz da escuridão da noite.

Esta obra de Ticiano glorifica um homem dotado de sentimentos profundos. A pintura "Pieta" foi uma espécie de canção de despedida dedicada aos heróis leves, sublimes e majestosos criados no Renascimento.

O grande pintor, que deu ao mundo belas imagens, morreu em 27 de agosto de 1576, provavelmente de peste. Ele deixou para trás muitas telas que ainda surpreendem o público com sua maestria de execução e um sutil senso de cor. Ticiano aparece diante de nós como um psicólogo maravilhoso, um conhecedor da alma humana. Entre seus alunos estavam artistas como Jacopo Nigreti (Palma, o Velho), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma, o Jovem.

Características da arte do Renascimento

Perspectiva. Para adicionar profundidade e espaço tridimensional ao seu trabalho, os artistas renascentistas emprestaram e expandiram bastante os conceitos de perspectiva linear, linha do horizonte e ponto de fuga.

§ Perspectiva linear. Pintar com perspectiva linear é como olhar pela janela e pintar exatamente o que você vê na vidraça. Os objetos da imagem passaram a ter dimensões próprias, dependendo da distância. Aqueles que estavam mais distantes do visualizador diminuíram e vice-versa.

§ Horizonte. Esta é uma linha à distância na qual os objetos encolhem até um ponto tão grosso quanto esta linha.

§ Ponto de fuga. Este é o ponto em que as linhas paralelas parecem convergir à distância, muitas vezes na linha do horizonte. Esse efeito pode ser observado se você ficar nos trilhos da ferrovia e olhar para os trilhos que vão para sim. eu.

Sombras e luz. Os artistas brincaram com interesse em como a luz incide sobre os objetos e cria sombras. Sombras e luz podem ser usadas para chamar a atenção para um ponto específico de uma pintura.

Emoções. Os artistas renascentistas queriam que o espectador, olhando para o trabalho, sentisse algo, experimentasse uma experiência emocional. Era uma forma de retórica visual em que o espectador se sentia inspirado a se tornar melhor em alguma coisa.

Realismo e naturalismo. Além da perspectiva, os artistas buscaram tornar os objetos, principalmente as pessoas, mais realistas. Eles estudaram a anatomia humana, mediram proporções e procuraram a forma humana ideal. As pessoas pareciam reais e mostravam emoções genuínas, permitindo ao espectador fazer inferências sobre o que as pessoas retratadas pensavam e sentiam.

A era do "Renascimento" é dividida em 4 etapas:

Proto-renascimento (2ª metade do século XIII - século XIV)

Renascimento (início do século XV - final do século XV)

Alta Renascença (final do século XV - primeiros 20 anos do século XVI)

Renascimento tardio (meados do século XVI - década de 1590)

proto-renascentista

O proto-renascimento está intimamente ligado à Idade Média, de fato, apareceu em final da idade média, com tradições bizantina, românica e gótica, este período foi o precursor do Renascimento. Está dividida em dois subperíodos: antes da morte de Giotto di Bondone e depois (1337). Artista e arquiteto italiano, fundador da era proto-renascentista. Uma das figuras-chave na história da arte ocidental. Tendo superado a tradição bizantina da pintura de ícones, ele se tornou o verdadeiro fundador da escola italiana de pintura, desenvolvendo uma abordagem completamente nova para representar o espaço. As obras de Giotto foram inspiradas em Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo. A figura central da pintura era Giotto. Os artistas renascentistas o consideravam um reformador da pintura. Giotto traçou o caminho que percorreu seu desenvolvimento: preenchimento de formas religiosas com conteúdo secular, transição gradual das imagens planas para imagens tridimensionais e em relevo, aumento do realismo, introdução de um volume plástico de figuras na pintura, representação de um interior na pintura .

No final do século 13, o edifício principal do templo, a Catedral de Santa Maria del Fiore, foi erguido em Florença, o autor era Arnolfo di Cambio, então Giotto continuou o trabalho.

As descobertas mais importantes, os mestres mais brilhantes vivem e trabalham no primeiro período. O segundo segmento está relacionado com a epidemia de peste que atingiu a Itália.

A arte do proto-renascimento se manifestou pela primeira vez na escultura (Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). A pintura é representada por duas escolas de arte: Florença e Siena.

início do renascimento

O período do chamado "Primeiro Renascimento" na Itália abrange o período de 1420 a 1500. Durante esses oitenta anos, a arte ainda não renunciou completamente às tradições do passado recente (a Idade Média), mas tenta misturar nelas elementos emprestados da antiguidade clássica. Só mais tarde, sob a influência de condições de vida e cultura cada vez mais mutáveis, os artistas abandonaram completamente os fundamentos medievais e usaram com ousadia exemplos de arte antiga, tanto no conceito geral de suas obras quanto em seus detalhes.

Enquanto a arte na Itália já seguia resolutamente o caminho da imitação da antiguidade clássica, em outros países ela manteve por muito tempo as tradições do estilo gótico. Ao norte dos Alpes, e também na Espanha, o Renascimento surge apenas no final do século XV, e seu Período inicial dura até cerca de meados do próximo século.

Artistas do início do Renascimento

Um dos primeiros e mais brilhantes representantes desse período é considerado Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), o famoso pintor italiano, o maior mestre da escola florentina, o reformador da pintura do Quattrocento.

Com sua obra, contribuiu para a transição do gótico para uma nova arte, glorificando a grandeza do homem e de seu mundo. A contribuição de Masaccio para a arte foi renovada em 1988, quando sua principal criação - Afrescos na Capela Brancacci em Santa Maria del Carmine, Florença- foram restaurados à sua forma original.

- Ressurreição do filho de Teófilo, Masaccio e Filippino Lippi

- Adoração dos Magos

- Milagre com stater

Outros representantes importantes desse período foram Sandro Botticelli. grande pintor renascentista italiano, representante da escola florentina de pintura.

- Nascimento de Vênus

- Vênus e Marte

- Primavera

- Adoração dos Magos

Alta Renascença

O terceiro período do Renascimento - a época do desenvolvimento mais magnífico de seu estilo - é comumente chamado de "Alto Renascimento". Estende-se na Itália de aproximadamente 1500 a 1527. Nesta época, o centro de influência da arte italiana de Florença mudou-se para Roma, graças à ascensão ao trono papal de Júlio II - um homem ambicioso, corajoso e empreendedor, que atraiu os melhores artistas da Itália para sua corte, ocupou-os com numerosos e trabalhos importantes e dando aos outros um exemplo de amor pela arte. Sob este Papa e sob seus sucessores imediatos, Roma torna-se, por assim dizer, a nova Atenas do tempo de Péricles: muitos edifícios monumentais são construídos nela, magníficas obras escultóricas são criadas, afrescos e pinturas são pintadas, que ainda são consideradas a pérolas de pintura; ao mesmo tempo, todos os três ramos da arte andam harmoniosamente de mãos dadas, ajudando-se mutuamente e agindo mutuamente uns sobre os outros. A Antigüidade está agora sendo estudada com mais profundidade, reproduzida com maior rigor e consistência; tranquilidade e dignidade substituem a beleza lúdica que era a aspiração do período anterior; as reminiscências do medieval desaparecem completamente e uma marca completamente clássica cai sobre todas as obras de arte. Mas a imitação dos antigos não sufoca sua independência nos artistas e, com grande desenvoltura e vivacidade de imaginação, eles processam e aplicam livremente aos negócios o que consideram apropriado tomar emprestado da antiga arte greco-romana.

A obra de três grandes mestres italianos marca o ápice do Renascimento, este é Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo de Ser Piero da Vinci grande pintor renascentista italiano, representante da escola florentina de pintura. Artista italiano (pintor, escultor, arquiteto) e cientista (anatomista, naturalista), inventor, escritor, músico, um dos maiores representantes da arte do Alto Renascimento, um exemplo vívido de " homem universal»

A última Ceia

Monalisa,

-homem Vitruviano ,

- Madonna Litta

- Madonna nas rochas

-Madonna com um fuso

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Escultor italiano, pintor, arquiteto [⇨], poeta [⇨], pensador [⇨]. . Um dos maiores mestres do Renascimento [⇨] e início do Barroco. Suas obras foram consideradas as maiores realizações da arte renascentista durante a vida do próprio mestre. Michelangelo viveu quase 89 anos, uma era inteira, desde a Alta Renascença até as origens da Contra-Reforma. Nesse período, treze papas foram substituídos - ele cumpriu ordens para nove deles.

Criação de Adão

Juízo Final

e Rafael Santi (1483-1520). grande pintor, artista gráfico e arquiteto italiano, representante da escola da Úmbria.

- Escola de Atenas

-Madona Sistina

- Transformação

- Jardineiro maravilhoso

Renascimento tardio

O Renascimento tardio na Itália abrange o período de 1530 a 1590-1620. A Contra-Reforma triunfou no sul da Europa ( contra reforma(lat. contra-reforma; de contra- contra e reformatio- transformação, reforma) - um movimento político-igreja católico na Europa em meados dos séculos XVI-XVII, dirigido contra a Reforma e destinado a restaurar a posição e o prestígio da Igreja Católica Romana.), que olhou com cautela para qualquer livre pensamento, incluindo o canto do corpo humano e a ressurreição dos ideais da antiguidade como pedras angulares da ideologia renascentista. As contradições da visão de mundo e um sentimento geral de crise resultaram em Florence na arte "nervosa" de cores rebuscadas e linhas quebradas - maneirismo. Em Parma, onde Correggio trabalhou, o Maneirismo só chegou após a morte do artista em 1534. As tradições artísticas de Veneza tiveram sua própria lógica de desenvolvimento; até o final da década de 1570, Palladio trabalhou lá (nome verdadeiro Andrea di Pietro). grande arquitecto italiano do final do Renascimento e do Maneirismo.( Maneirismo(do italiano maniera, maneiras) - Estilo literário e artístico da Europa Ocidental do século XVI - primeiro terço do século XVII. É caracterizada pela perda da harmonia renascentista entre o corpo e o espiritual, a natureza e o homem.) O fundador do Palladianismo ( paladianismo ou arquitetura palladiana- uma forma primitiva de classicismo, que surgiu das ideias do arquiteto italiano Andrea Palladio (1508-1580). O estilo é baseado na adesão estrita à simetria, levando em consideração as perspectivas e tomando emprestados os princípios da arquitetura clássica dos templos da Grécia e Roma Antigas.) E classicismo. Provavelmente o arquiteto mais influente da história.

A primeira obra independente de Andrea Palladio, como talentoso designer e talentoso arquiteto, é a Basílica de Vicenza, na qual se manifestou seu talento original e inimitável.

Entre as casas de campo, a criação mais destacada do mestre é a Villa Rotunda. Andrea Palladio construiu em Vicenza para um funcionário aposentado do Vaticano. É notável por ser o primeiro edifício secular do Renascimento, construído na forma de um antigo templo.

Outro exemplo é o Palazzo Chiericati, que é incomum porque o primeiro andar do edifício foi quase totalmente destinado ao uso público, o que era compatível com as exigências das autoridades municipais da época.

Entre as famosas construções urbanas de Palladio, deve-se definitivamente mencionar o Teatro Olímpico, desenhado em estilo de anfiteatro.

Ticiano ( Ticiano Vecellio) Pintor italiano, o maior representante da escola veneziana do Alto e Tardio Renascimento. O nome de Ticiano está no mesmo nível de artistas renascentistas como Michelangelo, Leonardo da Vinci e Rafael. Ticiano pintou quadros sobre temas bíblicos e mitológicos, tornou-se famoso como pintor de retratos. Ele foi comissionado por reis e papas, cardeais, duques e príncipes. Ticiano não tinha nem trinta anos quando foi reconhecido como o melhor pintor de Veneza.

De seu local de nascimento (Pieve di Cadore na província de Belluno, República de Veneza), ele é às vezes referido como da cadore; também conhecido como Ticiano, o Divino.

- Ascensão da Virgem Maria

- Baco e Ariadne

- Diana e Actaeon

- Vênus Urbino See More

- Rapto de Europa

cujo trabalho tinha pouco em comum com os fenômenos de crise na arte de Florença e Roma.

O início da pintura renascentista é considerado a era de Ducento, ou seja, final do século XIII. O Proto-renascimento ainda está intimamente ligado ao românico medieval. Tradições góticas e bizantinas. Artistas do final do século XIII - início do século XIV. ainda estão longe do estudo científico da realidade circundante. Eles expressam suas ideias sobre isso, ainda usando as imagens convencionais do sistema visual bizantino - colinas rochosas, árvores simbólicas, torres condicionais. Mas às vezes a aparência das estruturas arquitetônicas é reproduzida com tanta precisão que indica a existência de esboços da natureza. Personagens religiosos tradicionais estão começando a ser retratados em um mundo dotado das propriedades da realidade - volume, profundidade espacial, materialidade material. Começa a busca por métodos de transmissão no plano do volume e do espaço tridimensional. Os mestres desta época revivem o conhecido princípio da antiguidade da modelagem de formas em claro-escuro. Graças a ela, figuras e edifícios adquirem densidade e volume.

Aparentemente, o primeiro a aplicar a perspectiva antiga foi o florentino Cenny di Pepo (dados de 1272 a 1302), apelidado de Cimabue. Infelizmente, sua obra mais significativa - uma série de pinturas sobre temas do Apocalipse, a vida de Maria e do Apóstolo Pedro na igreja de San Francesco em Assis, chegou até nós quase em estado de ruína. Suas composições de altar, que estão em Florença e no Museu do Louvre, estão mais bem preservadas. Também remontam a protótipos bizantinos, mas mostram claramente as características de uma nova abordagem da pintura religiosa. Cimabue retorna da pintura italiana do século XIII, que adotou as tradições bizantinas, às suas origens imediatas. Ele sentiu neles o que permaneceu inacessível aos seus contemporâneos - o começo harmonioso e a sublime beleza helênica das imagens.

Grandes artistas aparecem como inovadores ousados ​​que rejeitam o sistema tradicional. Tal reformador na pintura italiana do século XIV deve ser reconhecido Giotto di Bondone(1266-1337). Ele é o criador de um novo sistema pictórico, o grande reformador de toda a pintura européia, o verdadeiro fundador da nova arte. Este é um gênio que se eleva muito acima de seus contemporâneos e muitos de seus seguidores.

Florentino de nascimento, trabalhou em muitas cidades italianas, de Pádua e Milão, no norte, a Nápoles, no sul. A mais famosa das obras de Giotto que chegaram até nós é o ciclo de murais na capela del Arena em Pádua, dedicado às histórias do Evangelho sobre a vida de Cristo. Este conjunto pictórico único é uma das obras marcantes da história da arte europeia. Em vez de cenas e figuras isoladas e separadas típicas da pintura medieval, Giotto criou um único ciclo épico. . Em vez do habitual fundo bizantino dourado, Giotto apresenta um fundo de paisagem. As figuras já não flutuam no espaço, mas adquirem terreno firme sob seus pés. E embora ainda estejam inativos, demonstram uma vontade de transmitir a anatomia do corpo humano e a naturalidade do movimento.

A reforma feita por Giotto na pintura impressionou profundamente todos os seus contemporâneos. Críticas unânimes sobre ele como um grande pintor, abundância de clientes e patronos, comissões honorárias em muitas cidades da Itália - tudo isso sugere que os contemporâneos entenderam perfeitamente o significado de sua arte. Mas as gerações seguintes imitaram Giotto como alunos tímidos, tomando emprestado dele detalhes.

A influência de Giotto adquiriu sua força e fecundidade somente depois de um século. Os artistas do Quattrocento realizaram as tarefas que foram definidas por Giotto.

A glória do fundador da pintura Quattrocento pertence ao artista florentino Masaccio que morreu muito jovem (1401-1428). Ele foi o primeiro a resolver os principais problemas da pintura renascentista - linear e perspectiva aérea. Em seus afrescos na Capela Brancacci da igreja florentina de Santa Maria del Carmine, figuras pintadas de acordo com as leis da anatomia estão conectadas entre si e com a paisagem.

A Igreja de Santa Maria del Carmine tornou-se uma espécie de academia, onde estudaram gerações de artistas influenciados por Masaccio: Paolo Uccello, Andrei Castagno, Domenico Veniziano e muitos outros até Michelangelo.

A escola florentina por muito tempo permaneceu líder na arte da Itália. Ele também tinha uma tendência mais conservadora. Alguns artistas dessa tendência eram monges, por isso na história da arte foram chamados de monásticos. Um dos mais famosos entre eles era fra (ou seja, irmão - o apelo dos monges uns aos outros) Giovanni Beato Angélico da Fiesole(1387-1455). Suas imagens de personagens bíblicos são escritas no espírito das tradições medievais, são cheias de lirismo, calma dignidade e contemplação. Seus fundos paisagísticos estão imbuídos de uma sensação de alegria, característica do Renascimento.

Um dos artistas mais destacados do Quattrocento - Sandro Botticelli(1445-1510) - expoente dos ideais estéticos da corte do famoso tirano, político, filantropo, poeta e filósofo Lorenzo de' Medici, apelidado de o Magnífico. A corte desse soberano sem coroa era o centro cultura artística, unindo filósofos famosos, cientistas, artistas.

O início do Renascimento durou cerca de um século. É completado pelo período do Alto Renascimento, que representa apenas cerca de 30 anos. Roma tornou-se o principal centro da vida artística nessa época.

Na virada dos séculos XV-XVI. incluem o início de uma longa intervenção estrangeira na Itália, a fragmentação e escravização do país, a perda da independência das cidades livres, o fortalecimento da reação católica feudal. Mas um sentimento patriótico cresceu entre o povo italiano, contribuindo para o ativismo político e o crescimento identidade nacional, o desejo de unificação nacional. Esse aumento na consciência popular criou uma ampla base popular para a cultura da Alta Renascença.

O fim do Cinquecento está associado a 1530, quando os estados italianos perderam a liberdade, tornando-se presa de poderosas monarquias europeias. A crise sociopolítica e econômica da Itália, baseada não na revolução industrial, mas no comércio internacional, estava sendo preparada há muito tempo. A descoberta da América e novas rotas comerciais privou as cidades italianas de vantagens em comércio internacional. Mas, como você sabe, na história da cultura, os períodos de florescimento da arte não coincidem com o desenvolvimento socioeconômico geral da sociedade. E em um período de declínio econômico e escravidão política, em tempos difíceis para a Itália, começa um curto século do Renascimento italiano - o Alto Renascimento. Foi nessa época que a cultura humanística da Itália se tornou patrimônio mundial, deixou de ser um fenômeno local. artistas italianos começaram a desfrutar de popularidade em toda a Europa, o que eles realmente mereciam.

Se a arte do Quattrocento é análise, busca, descoberta, o frescor de uma visão de mundo juvenil, então a arte do Alto Renascimento é um resultado, uma síntese, uma sábia maturidade. A busca de um ideal artístico no Quattrocento levou a arte a uma generalização, à revelação de padrões gerais. A principal diferença entre a arte da Alta Renascença é que ela renuncia a particularidades, detalhes, detalhes em nome de uma imagem generalizada. Toda experiência, toda busca de antecessores são comprimidas pelos grandes mestres do Cinquecento em uma generalização grandiosa.

O método realista dos artistas da Alta Renascença é peculiar. Eles estão convencidos de que o significativo só pode existir em uma bela concha. Portanto, eles tendem a ver apenas fenômenos excepcionais que se elevam acima da vida cotidiana. Artistas italianos criaram imagens de personalidades heróicas, pessoas bonitas e obstinadas.

Foi a era dos titãs do Renascimento, que deu à cultura mundial a obra de Leonardo, Rafael, Michelangelo. Na história da cultura mundial, esses três gênios, apesar de toda a sua dissimilaridade, individualidade criativa, personificam o principal valor do Renascimento italiano - a harmonia da beleza, poder e intelecto. Os destinos desses artistas (cuja poderosa individualidade humana e artística os obrigava a agir como rivais, a se tratar com hostilidade) tinham muito em comum. Os três foram formados na escola florentina e depois trabalharam nas cortes dos patronos, principalmente papas. Suas vidas são evidências da mudança de atitude da sociedade em relação à personalidade criativa do artista, característica do Renascimento. Os mestres da arte tornaram-se figuras proeminentes e valiosas na sociedade, foram justamente considerados as pessoas mais educadas de seu tempo.

Esta característica, talvez mais do que outras figuras do Renascimento, é adequada para Leonardo da Vinci(1452-1519). Ele combinou gênio artístico e científico. Leonardo era um cientista que estudava a natureza não por causa da arte, mas por causa da ciência. Portanto, tão poucas obras acabadas de Leonardo chegaram até nós. Ele começou as fotos e as abandonou assim que o problema lhe pareceu articulado. Muitas de suas observações antecipam o desenvolvimento da ciência e da pintura europeias durante séculos. Moderno descobertas científicas despertar interesse em seus desenhos de engenharia de ficção científica. As reflexões teóricas de Leonardo sobre as cores, que ele delineou em seu Tratado de Pintura, antecipam as principais premissas do impressionismo do século XIX. Leonardo escreveu sobre a pureza do som das cores apenas no lado claro do assunto, sobre a influência mútua das cores, sobre a necessidade de pintar ao ar livre. Essas observações de Leonardo não são usadas em sua pintura. Ele era mais teórico do que prático. Somente no século 20 começou a coleta ativa e o processamento de seu enorme patrimônio manuscrito (cerca de 7.000 páginas). O seu estudo conduzirá, sem dúvida, a novas descobertas e explicações dos mistérios da lendária obra deste titã do Renascimento.

Uma nova etapa na arte foi a pintura da parede do refeitório do mosteiro de Santa Maria delle Grazie no enredo de A Última Ceia, pintada por muitos artistas do Quattrocento. "A Última Ceia" é a pedra angular da arte clássica, realizou o programa do Alto Renascimento. Ele influencia pela consideração absoluta, coordenação das partes e do todo, pelo poder de sua concentração espiritual.

Leonardo trabalhou nesta peça por 16 anos.

Uma das pinturas mais famosas do mundo foi a obra de Leonardo "La Gioconda". Este retrato da esposa do comerciante del Giocondo atraiu a atenção por séculos, centenas de páginas de comentários foram escritas sobre ele, ele foi sequestrado, falsificado, copiado, foi creditado com poder de bruxaria. A expressão facial indescritível da Mona Lisa desafia a descrição e a reprodução exatas. A menor mudança de tonalidade (que pode depender simplesmente da iluminação do retrato) nos cantos dos lábios, nas transições do queixo para a bochecha, muda o caráter do rosto. Em diferentes reproduções, a Gioconda parece um pouco diferente, às vezes um pouco mais suave, às vezes mais irônica, às vezes mais pensativa. Elusividade na própria aparência de Mona Lisa, em seu olhar penetrante, como se seguisse inseparavelmente o espectador, em seu meio sorriso. Este retrato tornou-se uma obra-prima da arte renascentista. Pela primeira vez na história da arte mundial, o gênero retrato subiu ao mesmo nível das composições sobre um tema religioso.

As idéias da arte monumental do Renascimento encontraram uma expressão vívida na obra de Rafael Santi(1483-1520). Leonardo criou estilo classico, Rafael aprovou e popularizou. A arte de Raphael é muitas vezes definida como o "meio-termo". Sua composição supera tudo o que foi criado na pintura européia, com sua absoluta harmonia de proporções. Por cinco séculos, a arte de Rafael foi percebida como o marco mais alto na vida espiritual da humanidade, como um dos exemplos de perfeição estética. A obra de Rafael se distingue pelas qualidades dos clássicos - clareza, nobre simplicidade, harmonia. Com toda a sua essência, está ligada à cultura espiritual do Renascimento.

A mais notável das obras monumentais de Rafael são os murais nos aposentos do papa no Vaticano. Composições em grande escala com várias figuras cobrem todas as paredes dos três salões. Os alunos ajudaram Raphael na pintura. Os melhores afrescos, como, por exemplo, "A Escola de Atenas", ele executou com as próprias mãos. Os temas murais incluíam afrescos-alegorias das principais esferas da atividade espiritual humana: filosofia, poesia, teologia e justiça. Nas pinturas e afrescos de Rafael - uma imagem idealmente sublime de imagens cristãs, mitos antigos e história humana. Ele soube combinar os valores da existência terrena e as ideias ideais como nenhum outro dos mestres do Renascimento. O mérito histórico de sua arte é que ele conectou dois mundos em um todo - o mundo cristão e o mundo pagão. Desde aquela época, o novo ideal artístico foi firmemente estabelecido na arte religiosa da Europa Ocidental.

O brilhante gênio de Rafael estava longe da profundidade psicológica no mundo interior de uma pessoa, como a de Leonardo, mas ainda mais estranha à trágica visão de mundo de Michelangelo. Na obra de Michelangelo, o colapso do estilo renascentista foi indicado e os brotos de uma nova visão de mundo artística foram delineados. Michelangelo Buonarroti(1475-1564) viveu uma vida longa, difícil e heróica. Seu gênio se manifestou na arquitetura, pintura, poesia, mas mais claramente na escultura. Ele percebeu o mundo plasticamente, em todas as áreas da arte ele é principalmente um escultor. O corpo humano parece-lhe o tema mais digno da imagem. Mas este é um homem de uma raça especial, poderosa e heróica. A arte de Michelangelo é dedicada à glorificação do lutador humano, sua atividade heróica e sofrimento. Sua arte é caracterizada pela gigantomania, um começo titânico. Esta é a arte das praças, dos edifícios públicos e não dos salões do palácio, arte para o povo e não para os aristocratas da corte.

A mais grandiosa de suas obras foi a pintura da abóbada da Capela Sistina. Michelangelo fez um trabalho verdadeiramente titânico - por quatro anos ele pintou sozinho uma área de cerca de 600 metros quadrados. metros. Dia após dia, ele escrevia a 18 metros de altura, de pé no andaime e jogando a cabeça para trás. Após o fim da pintura, sua saúde foi completamente prejudicada e seu corpo foi desfigurado (seu peito afundou, seu corpo arqueou, um bócio cresceu; por muito tempo o artista não conseguiu olhar para frente e ler, erguendo o livro acima de sua cabeça). cabeça). A grandiosa pintura é dedicada às cenas da história sagrada, a partir da criação do mundo. Michelangelo pintou cerca de 200 figuras e composições figurativas no teto. Nunca e em nenhum lugar houve algo como o plano de Michelangelo em escopo e integridade. Na abóbada da Capela Sistina, ele criou um hino para a glória da humanidade heróica. Seus heróis são pessoas vivas, não há nada de sobrenatural neles, mas, ao mesmo tempo, são personalidades maravilhosas, poderosas e titânicas. Muito antes de Michelangelo, os mestres do Quattrocento ilustraram vários episódios da tradição da igreja nas paredes da capela; Michelangelo queria apresentar o destino da humanidade antes da redenção no cofre.

Qualquer pensamento de que a imagem é um avião desaparece. As figuras se movem livremente no espaço. Afrescos de Michelangelo rompem o plano da parede. Essa ilusão de espaço e movimento foi uma grande conquista da arte européia. A descoberta de Michelangelo de que a decoração pode empurrar para frente ou para trás uma parede e teto posteriormente faz uso da arte decorativa do barroco.

A arte, fiel às tradições do Renascimento, continua a viver no século XVI em Veneza, a cidade que mais tempo conservou a sua independência. Nesta rica república mercantil patrícia, que há muito mantém relações comerciais com Bizâncio, com o Oriente Árabe, os gostos e tradições orientais foram processados ​​\u200b\u200bà sua maneira. A principal influência da pintura veneziana está em sua cor extraordinária. O amor pela cor gradualmente levou os artistas da escola veneziana a um novo princípio pictórico. O volume, a materialidade da imagem não é alcançado pela modelagem em preto e branco, mas pela arte da modelagem colorida.

O Renascimento é um fenômeno fenomenal na história da humanidade. Nunca mais houve um flash tão brilhante no campo da arte. Escultores, arquitetos e artistas do Renascimento (a lista é longa, mas vamos tocar nos mais famosos), cujos nomes são conhecidos por todos, deram ao mundo um valor inestimável. Pessoas únicas e excepcionais se mostraram não em um campo, mas em vários de uma vez só.

Pintura do início do Renascimento

O Renascimento tem um período de tempo relativo. Começou na Itália - 1420-1500. Neste momento, a pintura e toda a arte em geral não são muito diferentes do passado recente. No entanto, elementos emprestados da antiguidade clássica começam a aparecer pela primeira vez. E somente nos anos seguintes, escultores, arquitetos e artistas do Renascimento (cuja lista é muito longa), sob a influência das condições de vida modernas e das tendências progressistas, finalmente abandonam fundações medievais. Eles adotam com ousadia os melhores exemplos da arte antiga para suas obras, tanto em geral quanto em detalhes individuais. Seus nomes são conhecidos por muitos, vamos nos concentrar nas personalidades mais brilhantes.

Masaccio - o gênio da pintura européia

Foi ele quem deu uma grande contribuição para o desenvolvimento da pintura, tornando-se um grande reformador. O mestre florentino nasceu em 1401 em uma família de artesãos, então o gosto e o desejo de criar estavam em seu sangue. Aos 16-17 anos mudou-se para Florença, onde trabalhou em oficinas. Donatello e Brunelleschi, os grandes escultores e arquitetos, são considerados seus professores. A comunicação com eles e as habilidades adquiridas não podiam deixar de afetar o jovem pintor. Desde o início, Masaccio emprestou uma nova compreensão da personalidade humana, característica da escultura. No segundo mestre - a base Os pesquisadores consideram o Tríptico de San Giovenale (na primeira foto) a primeira obra confiável, que foi descoberta em uma pequena igreja perto da cidade onde Masaccio nasceu. A principal obra são os afrescos dedicados à história da vida de São Pedro. O artista participou na criação de seis deles, a saber: “O Milagre com o Estadista”, “A Expulsão do Paraíso”, “O Baptismo dos Neófitos”, “A Distribuição dos Bens e a Morte de Ananias”, “A Ressurreição do filho de Teófilo", "São Pedro cura os enfermos com sua sombra" e "São Pedro no púlpito".

Os artistas italianos do Renascimento são pessoas que se dedicaram inteiramente à arte, não prestando atenção aos problemas comuns do dia a dia, que às vezes os levavam a uma existência pobre. Masaccio não é exceção: o brilhante mestre morreu muito cedo, aos 27-28 anos, deixando grandes obras e um grande número de dívidas.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Este é um representante da escola de pintores de Pádua. Ele recebeu o básico de habilidade de seu pai adotivo. O estilo foi formado sob a influência das obras de Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello e da pintura veneziana. Isso determinou a maneira um tanto dura e dura de Andrea Mantegna em comparação com os florentinos. Ele era um colecionador e conhecedor de obras culturais do período antigo. Graças ao seu estilo, diferente de qualquer outro, tornou-se famoso como inovador. Suas obras mais famosas são: "Cristo Morto", "Triunfo de César", "Judite", "Batalha dos Deuses do Mar", "Parnaso" (foto), etc. De 1460 até sua morte, trabalhou como pintor da corte na família dos duques de Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli é um pseudônimo nome real-Filipepi. Ele não escolheu imediatamente o caminho do artista, mas inicialmente estudou joalheria. Nas primeiras obras independentes (várias Madonas), sente-se a influência de Masaccio e Lippi. No futuro, ele também se glorificou como pintor de retratos, a maior parte das encomendas vinha de Florença. A natureza refinada e refinada de seu trabalho com elementos de estilização (generalização de imagens usando técnicas convencionais - simplicidade de forma, cor, volume) o distingue de outros mestres da época. Um contemporâneo de Leonardo da Vinci e do jovem Michelangelo deixou uma marca brilhante na arte mundial (“O Nascimento de Vênus” (foto), “Primavera”, “Adoração dos Magos”, “Vênus e Marte”, “Natal”, etc. .). Sua pintura é sincera e sensível, e sua trajetória de vida é complexa e trágica. A percepção romântica do mundo na juventude foi substituída pelo misticismo e pela exaltação religiosa na maturidade. Nos últimos anos de sua vida, Sandro Botticelli viveu na pobreza e no esquecimento.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Um pintor italiano e outro representante do início do Renascimento, originário da Toscana. O estilo do autor foi formado sob a influência da escola florentina de pintura. Além do talento da artista, Piero della Francesca tinha habilidades marcantes no campo da matemática, e dedicou os últimos anos de sua vida a ela, tentando conectá-la com Alta arte. O resultado foram dois tratados científicos: "Sobre a perspectiva na pintura" e "O livro dos cinco sólidos corretos". Seu estilo se distingue pela solenidade, harmonia e nobreza das imagens, equilíbrio compositivo, linhas e construção precisas, gama suave de cores. Piero della Francesca tinha um conhecimento incrível para aquela época lado técnico pintura e características de perspectiva, que lhe renderam grande prestígio entre seus contemporâneos. As obras mais famosas: "A História da Rainha de Sabá", "A Flagelação de Cristo" (foto), "O Altar de Montefeltro", etc.

alta pintura renascentista

Se o proto-renascimento e era inicial durou quase um século e meio e um século, respectivamente, então esse período abrange apenas algumas décadas (na Itália de 1500 a 1527). Foi um flash brilhante e deslumbrante que deu ao mundo toda uma galáxia de pessoas grandes, versáteis e brilhantes. Todos os ramos da arte andaram de mãos dadas, muitos mestres também são cientistas, escultores, inventores e não apenas artistas renascentistas. A lista é longa, mas o auge do Renascimento foi marcado pela obra de L. da Vinci, M. Buanarotti e R. Santi.

O Gênio Extraordinário de Da Vinci

Talvez esta seja a personalidade mais extraordinária e marcante da história da cultura artística mundial. Ele era uma pessoa universal no sentido pleno da palavra e possuía os conhecimentos e talentos mais versáteis. Artista, escultor, teórico da arte, matemático, arquiteto, anatomista, astrônomo, físico e engenheiro - tudo isso é sobre ele. Aliás, em cada uma das áreas, Leonardo da Vinci (1452-1519) revelou-se um inovador. Até agora, apenas 15 de suas pinturas, assim como muitos esboços, sobreviveram. Com incrível energia da vida e sedento de conhecimento, era impaciente, fascinado pelo próprio processo de conhecimento. Ainda muito jovem (20 anos) qualificou-se como mestre da Guilda de São Lucas. Suas obras mais importantes foram o afresco "A Última Ceia", as pinturas "Mona Lisa", "Madonna Benois" (foto acima), "Dama com Arminho", etc.

Retratos de artistas renascentistas são raros. Preferiram deixar suas imagens em pinturas com muitas faces. Assim, em torno do auto-retrato de da Vinci (na foto), as disputas não diminuem até hoje. Versões são apresentadas de que ele o fez aos 60 anos. Segundo o biógrafo, artista e escritor Vasari, o grande mestre morria nos braços de seu grande amigo, o rei Francisco I, em seu castelo Clos Luce.

Rafael Santi (1483-1520)

Artista e arquiteto originário de Urbino. Seu nome na arte está invariavelmente associado à ideia de beleza sublime e harmonia natural. Por uma vida bastante curta (37 anos), ele criou muitas pinturas, afrescos e retratos mundialmente famosos. As tramas que retratou são muito diversas, mas sempre foi atraído pela imagem da Mãe de Deus. Absolutamente justificadamente Raphael é chamado de "mestre das Madonas", aquelas que ele pintou em Roma são especialmente famosas. No Vaticano, trabalhou de 1508 até o fim de sua vida como artista oficial da corte papal.

Totalmente talentoso, como muitos outros grandes artistas do Renascimento, Raphael também foi arquiteto e também se envolveu em escavações arqueológicas. De acordo com uma versão, o último hobby está em correlação direta com a morte prematura. Presumivelmente, ele contraiu febre romana durante as escavações. O grande mestre está enterrado no Panteão. A foto é de seu autorretrato.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Os longos 70 anos deste homem foram brilhantes, deixaram aos seus descendentes criações imperecíveis não só da pintura, mas também da escultura. Como outros grandes artistas renascentistas, Michelangelo viveu em uma época cheia de eventos históricos e choques. Sua arte é uma bela nota final de todo o Renascimento.

O mestre colocou a escultura acima de todas as outras artes, mas por vontade do destino tornou-se um notável pintor e arquiteto. Sua obra mais ambiciosa e inusitada é a pintura (foto) no palácio do Vaticano. A área do afresco ultrapassa 600 metros quadrados e contém 300 figuras humanas. A mais impressionante e familiar é a cena do Juízo Final.

Os artistas renascentistas italianos eram talentos multifacetados. Então, poucos sabem que Michelangelo também foi um grande poeta. Essa faceta de seu gênio se manifestou plenamente no final de sua vida. Cerca de 300 poemas sobreviveram até hoje.

pintura renascentista tardia

O período final cobre o período de tempo de 1530 a 1590-1620. De acordo com a Encyclopædia Britannica, o Renascimento como período histórico terminou com a queda de Roma em 1527. Na mesma época, a Contra-Reforma triunfou no sul da Europa. A corrente católica olhava com apreensão para qualquer livre-pensamento, incluindo o canto da beleza do corpo humano e a ressurreição da arte do período antigo - ou seja, tudo o que foi os pilares do Renascimento. Isso resultou em uma tendência especial - o maneirismo, caracterizado pela perda de harmonia entre o espiritual e o físico, o homem e a natureza. Mas mesmo durante esse período difícil, alguns artistas renascentistas famosos criaram suas obras-primas. Entre eles estão Antonio da Correggio, (considerado o fundador do classicismo e paladianismo) e Ticiano.

Ticiano Vecellio (1488-1490 - 1676)

Ele é considerado um titã da Renascença, juntamente com Michelangelo, Rafael e da Vinci. Mesmo antes de completar 30 anos, Ticiano era conhecido como o "rei dos pintores e pintor dos reis". Basicamente, o artista pintou quadros sobre temas mitológicos e bíblicos, além disso, tornou-se famoso como um magnífico retratista. Os contemporâneos acreditavam que ser impresso com o pincel de um grande mestre significa ganhar a imortalidade. E de fato é. As ordens a Ticiano vinham das pessoas mais veneradas e nobres: papas, reis, cardeais e duques. Aqui estão apenas algumas, as mais famosas, de suas obras: "Vênus de Urbino", "O Rapto da Europa" (foto), "Carregando a Cruz", "Coroação de Espinhos", "Pesaro Madonna", "Mulher com um espelho", etc.

Nada é repetido duas vezes. A era do Renascimento deu à humanidade personalidades brilhantes e extraordinárias. Seus nomes estão inscritos em história do mundo letras de ouro de arte. Arquitetos e escultores, escritores e artistas do Renascimento - sua lista é muito longa. Tocamos apenas nos titãs que fizeram história, trouxeram as ideias de iluminismo e humanismo ao mundo.