Artistas estrangeiros do Renascimento. Grandes artistas renascentistas italianos

Sandro Botticelli(1 de março de 1445 - 17 de maio de 1510) - profundo homem religioso, trabalhou em todas as grandes igrejas de Florença e na Capela Sistina do Vaticano, mas na história da arte permaneceu principalmente como autor de telas poéticas de grande formato sobre temas inspirados na antiguidade clássica - "Primavera" e "O Nascimento de Vênus". .

Por muito tempo, Botticelli esteve à sombra dos gigantes da Renascença que trabalharam depois dele, até que ele entrou em meados do século XIX século redescoberto pelos pré-rafaelitas britânicos, que reverenciavam a frágil linearidade e o frescor primaveril de suas telas maduras como o ponto mais alto no desenvolvimento da arte mundial.

Nasceu na família de um rico cidadão Mariano di Vanni Filipepi. Recebeu uma boa educação. Estudou pintura com o monge Filippo Lippi e herdou dele aquela paixão pela representação de motivos tocantes que distingue as pinturas históricas de Lippi. Então ele trabalhou para o famoso escultor Verrocchio. Em 1470 ele organizou sua própria oficina.

Adotou a sutileza e a precisão das linhas do segundo irmão, que era joalheiro. Por algum tempo ele estudou com Leonardo da Vinci na oficina de Verrocchio. A característica original do próprio talento de Botticelli é sua inclinação para o fantástico. Ele foi um dos primeiros a introduzir antigos mitos e alegorias na arte de seu tempo, e trabalhou com amor especial em temas mitológicos. Especialmente espetacular é sua Vênus, que nada nua no mar em uma concha, e os deuses dos ventos a regam com uma chuva de rosas e levam a concha até a costa.

A melhor criação de Botticelli são considerados os afrescos que ele começou em 1474 na Capela Sistina do Vaticano. Concluiu muitas pinturas encomendadas pelos Medici. Em particular, ele pintou a bandeira de Giuliano Medici, irmão de Lorenzo, o Magnífico. Nas décadas de 1470 e 1480, o retrato torna-se gênero independente na obra de Botticelli ("Homem com Medalha", c. 1474; "Jovem", década de 1480). Botticelli tornou-se famoso por seu delicado gosto estético e por obras como A Anunciação (1489-1490), A Mulher Abandonada (1495-1500), etc. últimos anos de sua vida, Botticelli, aparentemente, deixou a pintura..

Sandro Botticelli está enterrado no túmulo da família na igreja Ognisanti em Florença. De acordo com o testamento, ele foi enterrado perto do túmulo de Simonetta Vespucci, que inspirou o mais belas imagens mestres.

Leonardo de Ser Piero da Vinci(15 de abril de 1452, a aldeia de Anchiano, perto da cidade de Vinci, perto de Florença - 2 de maio de 1519, - o grande artista italiano (pintor, escultor, arquiteto) e cientista (anatomista, naturalista), inventor, escritor, um de principais representantes arte do Alto Renascimento, um excelente exemplo do "homem universal". .

Leonardo é conhecido principalmente por nossos contemporâneos como artista. Além disso, é possível que Da Vinci tenha sido um escultor: pesquisadores da Universidade de Perugia - Giancarlo Gentilini e Carlo Sisi - afirmam que a cabeça de terracota que encontraram em 1990 é a única obra escultórica de Leonardo da Vinci que caiu para nós. No entanto, o próprio da Vinci em diferentes períodos de sua vida se considerou principalmente um engenheiro ou cientista. Ele não dedicou muito tempo às artes plásticas e trabalhou devagar. É por isso patrimônio artístico Leonardo não é grande em número e várias de suas obras foram perdidas ou seriamente danificadas. No entanto, sua contribuição para o mundo cultura artísticaé extremamente importante mesmo no contexto da coorte de gênios que o Renascimento italiano deu. Graças ao seu trabalho, a arte da pintura passou a um patamar qualitativamente novo palco de seu desenvolvimento. Os artistas renascentistas que precederam Leonardo abandonaram decisivamente muitas das convenções da arte medieval. Foi um movimento em direção ao realismo e muito já foi conquistado no estudo da perspectiva, anatomia, maior liberdade nas decisões composicionais. Mas em termos de pitoresco, trabalho com tinta, os artistas ainda eram bastante convencionais e restritos. A linha na imagem delineava claramente o assunto e a imagem tinha a aparência de um desenho pintado. O mais condicional era a paisagem, que jogava papel menor. .

Leonardo percebeu e implementou um novo técnica de pintura. A linha dele tem direito a borrar, porque é assim que a gente enxerga. Ele percebeu o fenômeno da dispersão da luz no ar e o aparecimento de sfumato - neblina entre o observador e o objeto representado, que suaviza contrastes de cores e linhas. Como resultado, o realismo na pintura mudou para um nível qualitativamente novo. . pintura renascentista botticelli renascimento

Rafael Santi(28 de março de 1483 - 6 de abril de 1520) - o grande pintor, artista gráfico e arquiteto italiano, representante da escola da Úmbria ..

O filho do pintor Giovanni Santi fez uma formação artística inicial em Urbino com seu pai Giovanni Santi, mas ainda jovem acabou no estúdio excelente artista Pietro Perugino. Exatamente linguagem artística e a figuratividade das pinturas de Perugino, com sua gravitação em direção a uma composição simétrica e equilibrada, clareza de resolução espacial e suavidade na resolução de cores e iluminação, teve uma influência primária na maneira do jovem Rafael.

Também é necessário estipular que o estilo criativo de Rafael incluía uma síntese de técnicas e achados de outros mestres. A princípio, Raphael contou com a experiência de Perugino, posteriormente - com as descobertas de Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. .

Trabalhos iniciais(“Madonna Conestabile” 1502-1503) são imbuídos de graça, lirismo suave. A existência terrena do homem, a harmonia do espiritual e força física glorificado nos murais das salas do Vaticano (1509-1517), tendo alcançado um impecável senso de proporção, ritmo, proporções, eufonia de cores, unidade de figuras e majestosos fundos arquitetônicos..

Em Florença, tendo entrado em contato com as obras de Michelangelo e Leonardo, Raphael aprendeu com eles a imagem anatomicamente correta do corpo humano. Aos 25 anos, o artista vai para Roma, e a partir desse momento começa o período de maior florescimento de sua obra: realiza monumentais murais no Palácio do Vaticano (1509--1511), entre os quais se destaca a indiscutível obra-prima do mestre - o afresco "A Escola de Atenas", escreve composições de altar e pinturas de cavalete, distingue-se pela harmonia de desenho e execução, trabalha como arquiteto (por algum tempo Raphael até supervisiona a construção da Catedral de São Pedro). Na busca incansável de seu ideal, personificado para o artista na imagem da Madona, ele cria sua criação mais perfeita - a "Madonna Sistina" (1513), símbolo da maternidade e da abnegação. As pinturas e murais de Rafael foram reconhecidas por seus contemporâneos, e logo Santi se tornou uma figura central na vida artística de Roma. Muitos nobres da Itália queriam se casar com o artista, incluindo o amigo íntimo de Raphael, o cardeal Bibbiena. O artista morreu aos trinta e sete anos de insuficiência cardíaca. As pinturas inacabadas da Villa Farnesina, das Loggias do Vaticano e outras obras foram concluídas pelos alunos de Raphael de acordo com seus esboços e desenhos.

Um dos maiores representantes da arte do Alto Renascimento, cujas pinturas se caracterizam pelo acentuado equilíbrio e harmonia do todo, pelo equilíbrio da composição, pela regularidade do ritmo e pelo uso delicado das possibilidades da cor. O domínio impecável da linha e a capacidade de generalizar e destacar o principal fizeram de Raphael um dos mais destacados mestres do desenho de todos os tempos. O legado de Rafael serviu como um dos pilares do processo de formação do academicismo europeu. Adeptos do classicismo - os irmãos Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov e muitos outros artistas - exaltaram o legado de Rafael como o fenômeno mais perfeito da arte mundial.

Ticiano Vecellio(1476/1477 ou 1480-1576) - Pintor renascentista italiano. O nome de Ticiano está no mesmo nível de artistas renascentistas como Michelangelo, Leonardo da Vinci e Rafael. Ticiano pintou quadros sobre temas bíblicos e mitológicos, tornou-se famoso como pintor de retratos. Ele foi comissionado por reis e papas, cardeais, duques e príncipes. Ticiano não tinha nem trinta anos quando foi reconhecido como o melhor pintor de Veneza.

De seu local de nascimento (Pieve di Cadore na província de Belluno), às vezes é chamado de da Cadore; também conhecido como Ticiano, o Divino.

Ticiano nasceu na família de Gregorio Vecellio, estadista e líder militar. Aos dez anos, foi enviado com seu irmão a Veneza para estudar com o famoso mosaicista Sebastian Zuccato. Alguns anos depois, ele entrou no estúdio de Giovanni Bellini como aprendiz. Ele estudou com Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) e vários outros artistas que mais tarde se tornaram famosos.

Em 1518, Ticiano pinta a pintura "A Ascensão da Mãe de Deus", em 1515 - Salomé com a cabeça de João Batista. De 1519 a 1526 pinta vários altares, incluindo o altar da família Pesaro.

Ticiano viveu vida longa. Antes últimos dias ele não parou de trabalhar. Meu Última foto, "Lamentação de Cristo", escreveu Ticiano para sua própria lápide. O artista morreu de peste em Veneza em 27 de agosto de 1576, tendo contraído a doença de seu filho enquanto cuidava dele.

O imperador Carlos V convocou Ticiano para si e cercou-o de honra e respeito e disse mais de uma vez: “Posso criar um duque, mas onde posso conseguir um segundo Ticiano”. Quando um dia o artista deixou cair o pincel, Carlos V o pegou e disse: "É uma honra servir a Ticiano até mesmo para o imperador." Tanto os reis espanhóis quanto os franceses convidaram Ticiano para seu lugar, para se estabelecer na corte, mas o artista, tendo cumprido as ordens, sempre voltava para sua terra natal Veneza... Uma cratera em Mercúrio foi nomeada em homenagem a Ticiano. .

A Itália é um país que sempre foi famoso por seus artistas. Os grandes mestres que viveram na Itália glorificaram a arte em todo o mundo. Podemos dizer com certeza que se não fossem os artistas, escultores e arquitetos italianos, o mundo seria muito diferente hoje. O mais significativo em arte italiana, é claro, conta como . A Itália no Renascimento ou Renascimento alcançou uma ascensão e prosperidade sem precedentes. Artistas talentosos, escultores, inventores, verdadeiros gênios que surgiram naquela época ainda são conhecidos de todos os alunos. Sua arte, criatividade, ideias, desenvolvimentos hoje são considerados clássicos, o núcleo sobre o qual a arte e a cultura mundiais são construídas.

Um dos mais gênios famosos o Renascimento italiano é, claro, uma grande Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci era tão talentoso que alcançou grande sucesso em muitas áreas de atividade, incluindo belas-Artes ah e ciência. Outro artista famoso que é um mestre reconhecido é Sandro Botticelli(1445-1510). As pinturas de Botticelli são um verdadeiro presente para a humanidade. Hoje seus densos estão nas áreas mais museus famosos mundo e são verdadeiramente inestimáveis. Não menos famoso que Leonardo da Vinci e Botticelli é Rafael Santi(1483-1520), que viveu 38 anos, e durante esse tempo conseguiu criar toda uma camada de pintura deslumbrante, que se tornou um dos exemplos mais brilhantes do início do Renascimento. outro grande gênio renascimento italianoé sem dúvida Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Além da pintura, Michelangelo se dedicou à escultura, arquitetura e poesia, obtendo grandes resultados nessas artes. A estátua de Michelangelo chamada "David" é considerada uma obra-prima insuperável, um exemplo da maior conquista da arte da escultura.

Além dos artistas mencionados acima, os maiores artistas da Itália do Renascimento foram mestres como Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Ticiano, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi e outros. . Todos eles foram um excelente exemplo delicioso escola veneziana pintura. Para a Escola Florentina pintura italiana pertencem a artistas como: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Para listar todos os artistas que trabalharam durante o Renascimento, bem como durante o final do Renascimento e séculos depois, que se tornaram conhecidos em todo o mundo e glorificaram a arte da pintura, desenvolveram os princípios básicos e as leis que fundamentam todos os tipos e gêneros de pintura. artes plásticas, talvez sejam necessários vários volumes para escrever, mas esta lista é suficiente para entender que os Grandes Artistas Italianos são a própria arte que conhecemos, que amamos e que apreciaremos para sempre!

Pinturas de grandes artistas italianos

Andrea Mantegna - Afresco na Camera degli Sposi

Giorgione - Três Filósofos

Leonardo da Vinci - Monalisa

Nicolas Poussin - A Magnanimidade de Cipião

Paolo Veronese - Batalha de Lepanto

O Renascimento começou na Itália. Adquiriu seu nome devido ao intenso florescimento intelectual e artístico que teve início no século XIV e influenciou fortemente a sociedade e a cultura europeias. O Renascimento se expressou não apenas na pintura, mas também na arquitetura, na escultura e na literatura. Os representantes mais proeminentes do Renascimento são Leonardo da Vinci, Botticelli, Ticiano, Michelangelo e Rafael.

Nessa época, o principal objetivo dos pintores era imagem realista corpo humano, então eles pintaram principalmente pessoas, retrataram vários assuntos religiosos. O princípio da perspectiva também foi inventado, o que abriu novas oportunidades para os artistas.

Florença tornou-se o centro do Renascimento, seguida por Veneza e, mais tarde, mais perto do século XVI, Roma.

Leonardo é conhecido por nós como um talentoso pintor, escultor, cientista, engenheiro e arquiteto do Renascimento. Durante a maior parte de sua vida, Leonardo trabalhou em Florença, onde criou muitas obras-primas conhecidas em todo o mundo. Entre eles: "Mona Lisa" (caso contrário - "Gioconda"), "Dama com Arminho", "Madonna Benois", "João Batista" e "St. Ana com Maria e o Menino Jesus.

Este artista é reconhecido pelo estilo único que desenvolveu ao longo dos anos. Ele também pintou as paredes da Capela Sistina a pedido pessoal do Papa Sisto IV. Botticelli pintou pinturas famosas sobre temas mitológicos. Essas pinturas incluem "Primavera", "Pallas e o Centauro", "O Nascimento de Vênus".

Ticiano era o chefe da escola florentina de artistas. Após a morte de seu professor Bellini, Ticiano tornou-se o artista oficial e geralmente reconhecido da República de Veneza. Este pintor é conhecido pelos seus retratos em temas religiosos: "A Ascensão de Maria", "Danae", "Amor Terrestre e Amor Celestial".

O poeta, escultor, arquiteto e artista italiano retratou muitas obras-primas, das quais é a famosa estátua de "David" feita de mármore. Esta estátua se tornou uma grande atração em Florença. Michelangelo pintou a abóbada da Capela Sistina no Vaticano, que foi grande pedido Papa Júlio II. Durante o período de sua obra, ele prestou mais atenção à arquitetura, mas nos deu a "Crucificação de São Pedro", "O Sepultamento", "A Criação de Adão", "O Adivinho".

Sua obra foi formada sob a grande influência de Leonardo da Vinci e Michelangelo, graças aos quais adquiriu experiência e habilidade inestimáveis. Pintou os salões cerimoniais do Vaticano, representando atividade humana e retratando várias cenas da Bíblia. Entre pinturas famosas Rafael - " Madona Sistina”, “Três Graças”, “São Miguel e o Diabo”.

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

Os povos da Europa procuraram reviver os tesouros e as tradições perdidas devido a guerras de extermínio sem fim. As guerras tiraram as pessoas da face da terra e as grandes coisas que as pessoas criaram. A ideia de reviver a alta civilização mundo antigo trouxe à vida a filosofia, a literatura, a música, o surgimento das ciências naturais e, acima de tudo, o florescimento da arte. A época exigia pessoas fortes e educadas que não tivessem medo de nenhum trabalho. Foi no meio deles que se tornou possível o surgimento daqueles poucos gênios que são chamados de "titãs da Renascença". Aqueles a quem chamamos apenas pelo primeiro nome.

O Renascimento foi principalmente italiano. Portanto, não é de surpreender que tenha sido na Itália que a arte desse período atingiu seu maior auge e florescimento. É aqui que existem dezenas de nomes de titãs, gênios, grandes e simplesmente talentosos artistas.

MÚSICA LEONARDO.

Que homem de sorte! muitos dirão sobre ele. Ele era dotado de rara saúde, bonito, alto, de olhos azuis. Em sua juventude, ele usava cachos loiros, com uma estatura orgulhosa que lembrava o São Jorge de Donatella. Ele possuía uma força corajosa e inédita, destreza masculina. Ele cantou maravilhosamente, na frente do público compôs melodias e poemas. jogado em qualquer instrumento musical Além disso, ele mesmo os criou.

Para a arte de Leonardo da Vinci, contemporâneos e descendentes nunca encontraram outras definições além de "brilhante", "divino", "grande". As mesmas palavras valem para suas revelações científicas: inventou um tanque, uma escavadeira, um helicóptero, um submarino, um paraquedas, uma arma automática, um capacete de mergulho, um elevador, decidiu os problemas mais difíceis acústica, botânica, medicina, cosmografia, criou um projeto para um teatro redondo, inventou um pêndulo de relógio um século antes de Galileu, desenhou os atuais esquis aquáticos, desenvolveu a teoria da mecânica.

Que homem de sorte! - muitos dirão sobre ele e começarão a se lembrar de seus amados príncipes e reis, que procuravam com ele conhecidos, espetáculos e feriados que ele inventou como artista, dramaturgo, ator, arquiteto, e se divertia com eles como uma criança.

No entanto, o incansável fígado longo Leonardo estava feliz, cujo dia a dia dava às pessoas e ao mundo providência e percepção? Ele previu o terrível destino de suas criações: a destruição da "Última Ceia", o tiroteio do monumento a Francesca Sforza, o baixo comércio e o roubo vil de seus diários, pastas de trabalho. No total, apenas dezesseis pinturas sobreviveram até hoje. Poucas esculturas. Mas muitos desenhos, desenhos codificados: como os heróis da ficção científica moderna, ele mudou os detalhes de seu design, como se para que o outro não pudesse usá-lo.

Leonardo da Vinci trabalhou em tipos diferentes e gêneros de arte, mas a pintura trouxe-lhe a maior fama.

Uma das primeiras pinturas de Leonardo é Madonna com uma flor ou Benois Madonna. Já aqui o artista aparece como um verdadeiro inovador. Ele supera os limites do enredo tradicional e dá à imagem um significado mais amplo e universal, que é a alegria e o amor materno. Nesta obra, muitas características da arte do artista foram claramente manifestadas: uma composição clara de figuras e volume de formas, um desejo de concisão e generalização e expressividade psicológica.

A pintura “Madonna Litta” foi uma continuação do tema iniciado, onde se manifestou claramente outra característica do trabalho da artista – o jogo de contrastes. O tema foi completado com a pintura “Madonna in the Grotto”, que marca a solução composicional ideal, graças à qual as figuras retratadas de Nossa Senhora, Cristo e anjos se fundem com a paisagem em um todo único, dotado de equilíbrio e harmonia calmos.

Um dos pináculos da obra de Leonardo é o afresco " última Ceia» no refeitório do mosteiro de Santa Maria Della Grazie. Esta obra impressiona não só pela composição geral, mas também pela precisão. Leonardo não apenas transmite o estado psicológico dos apóstolos, mas o faz no momento em que atinge ponto crítico, se transforma em uma explosão psicológica e conflito. Essa explosão é causada pelas palavras de Cristo: "Um de vocês me trairá". Nesta obra, Leonardo fez pleno uso do método da justaposição concreta de figuras, graças ao qual cada personagem aparece como uma individualidade e personalidade únicas.

O segundo pináculo do trabalho de Leonard foi famoso retrato Mona Lisa, ou "La Gioconda". Esta obra marcou o início do gênero retrato psicológico V arte europeia. Quando foi criado Grande mestre usou brilhantemente todo o arsenal de meios expressividade artística: contrastes nítidos e subtons suaves, imobilidade congelada e fluidez e variabilidade gerais, as nuances e transições psicológicas mais sutis. Toda a genialidade de Leonardo reside na aparência incrivelmente viva de Mona Lisa, sua misteriosa e sorriso enigmático, névoa mística cobrindo a paisagem. Este trabalho é uma das obras-primas mais raras da arte.

Todos que viram a Gioconda trazida do Louvre de Moscou lembram-se dos minutos de sua surdez total perto desta pequena tela, a tensão de tudo de melhor em si mesmo. Gioconda parecia uma "marciana", uma representante do desconhecido - deve ser o futuro, e não o passado da tribo humana, a personificação da harmonia, da qual o mundo não se cansou e nunca se cansará de sonhar .

Há muito mais a ser dito sobre ele. Surpreso que isso não é ficção ou fantasia. Aqui, por exemplo, podemos lembrar como ele propôs mudar a Catedral de San Giovanni - tal obra nos surpreende, habitantes do século XX.

Leonardo disse: bom artista deve ser capaz de escrever duas coisas principais: uma pessoa e uma representação de sua alma. Ou é dito sobre "Columbine" do St. Petersburg Hermitage? Alguns pesquisadores chamam isso, e não a tela do Louvre, de "La Gioconda".

O menino Nardo, esse era seu nome em Vinci: filho ilegítimo de um tabelião, que considerava os pássaros e os cavalos as melhores criaturas da Terra. Amado por todos e solitário, dobrando espadas de aço e desenhando homens enforcados. Inventor da ponte sobre o Bósforo e cidade perfeita, mais bonitas que as de Corbusier e Niemeyer. Cantando com voz suave de barítono e fazendo a Mona Lisa sorrir. Em um dos últimos cadernos, esse felizardo escreveu: "Pareceu-me que estava aprendendo a viver, mas estava aprendendo a morrer." No entanto, ele então resumiu: "Uma vida bem vivida é uma vida longa."

É possível discordar de Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli nasceu em Florença em 1445 na família de um curtidor de couro.

A primeira obra original de Botticelli é considerada A Adoração dos Magos (cerca de 1740), onde a principal propriedade de sua maneira original, o devaneio e a poesia sutil, já foram totalmente afetados. Ele era dotado de um senso inato de poesia, mas um toque claro de tristeza contemplativa brilhava nele literalmente em tudo. Até São Sebastião, atormentado pelas flechas de seus algozes, olha para ele pensativo e distante.

No final da década de 1470, Botticelli se aproximou do círculo do atual governante de Florença, Lorenzo Medici, apelidado de Magnífico. Nos luxuosos jardins de Lorenzo, reunia-se uma sociedade de pessoas, provavelmente as mais iluminadas e talentosas de Florença. Havia filósofos, poetas, músicos. Reinava um clima de admiração pela beleza, e não só a beleza da arte, mas também a beleza da vida era valorizada. A antiguidade, percebida, porém, pelo prisma das camadas filosóficas posteriores, foi considerada o protótipo da arte ideal e da vida ideal. Sem dúvida, sob a influência desta atmosfera, o primeiro foto grande Botticelli "Primavera (Primavera)". Esta é uma alegoria onírica, refinada e maravilhosamente bela do ciclo eterno, a constante renovação da natureza. É permeado pelo ritmo musical mais complexo e caprichoso. A figura de Flora, decorada com flores, dançando graças no Jardim do Éden, eram imagens de beleza que ainda não haviam sido vistas naquela época e, portanto, causavam uma impressão particularmente cativante. O jovem Botticelli imediatamente ocupou um lugar de destaque entre os mestres de seu tempo.

Foi a alta reputação do jovem pintor que lhe garantiu uma encomenda de afrescos bíblicos para a Capela Sistina do Vaticano, que ele criou no início da década de 1480 em Roma. Ele pintou "Cenas da Vida de Moisés", "O Castigo de Corá, Datã e Aviron", mostrando incrível habilidade composicional. A calma clássica dos edifícios antigos, contra os quais Botticelli desenrolou a ação, contrasta fortemente com o ritmo dramático dos personagens e paixões retratados; o movimento dos corpos humanos é complexo, intrincado, saturado de poder explosivo; tem-se a impressão de uma harmonia trêmula, indefesa do mundo visível diante do rápido ataque do tempo e da vontade humana. Os afrescos da Capela Sistina expressaram pela primeira vez a profunda ansiedade que vivia na alma de Botticelli, que se fortaleceu com o tempo. O incrível talento de Botticelli como pintor de retratos se refletiu nesses afrescos: cada um dos muitos rostos pintados é completamente original, único e inesquecível ...

Na década de 1480, voltando a Florença, Botticelli continuou a trabalhar incansavelmente, mas a clareza serena dos "Exemplos" já estava muito atrás. Em meados da década, ele escreveu seu famoso O Nascimento de Vênus. Os pesquisadores notam nas obras posteriores do mestre um moralismo, uma exaltação religiosa que antes era incomum para ele.

Talvez mais significativos do que a pintura tardia, os desenhos de Botticelli dos anos 90 são ilustrações para " Divina Comédia» Dante. Ele pintou com prazer óbvio e indisfarçável; as visões do grande poeta são transmitidas com amor e cuidado pela perfeição das proporções de numerosas figuras, a organização ponderada do espaço, a desenvoltura inesgotável na busca de equivalentes visuais da palavra poética...

Apesar de quaisquer tempestades e crises mentais, Botticelli até o fim (ele morreu em 1510) permaneceu um grande artista, o mestre de sua arte. Isso é claramente evidenciado pela nobre escultura do rosto no "Retrato homem jovem”, característica expressiva do modelo, não deixando dúvidas sobre sua alta dignidade humana, o desenho sólido do mestre e seu olhar benevolente.

7 de agosto de 2014

Estudantes de universidades de arte e pessoas interessadas em história da arte sabem que na virada dos séculos 14 e 15 ocorreu uma grande virada na pintura - o Renascimento. Por volta da década de 1420, todos de repente se tornaram muito melhores no desenho. Por que as imagens de repente se tornaram tão realistas e detalhadas e por que as pinturas tinham luz e volume? Sobre isso por muito tempo ninguém pensou. Até que David Hockney pegou uma lupa.

Vamos descobrir o que ele achou...

Um dia ele estava olhando os desenhos de Jean Auguste Dominique Ingres, o líder da escola acadêmica francesa do século XIX. Hockney ficou interessado em ver seus pequenos desenhos em escala maior e os ampliou em uma copiadora. Foi assim que ele se deparou com o lado secreto da história da pintura desde o Renascimento.

Tendo feito fotocópias dos pequenos desenhos de Ingres (cerca de 30 centímetros), Hockney ficou surpreso com o quão realistas eles eram. E também parecia a ele que as falas de Ingres significavam algo para ele.
lembrar. Acontece que eles o lembram da obra de Warhol. E Warhol fez isso - ele projetou uma foto em uma tela e a contornou.

Esquerda: detalhe de um desenho Ingres. Direita: Desenho de Mao Zedong Warhol

Casos interessantes, diz Hockney. Aparentemente, Ingres usou a Camera Lucida - um dispositivo que é uma construção com um prisma, que é acoplado, por exemplo, a um suporte para tablet. Assim, o artista, olhando seu desenho com um olho, vê a imagem real, e com o outro - o desenho real e sua mão. Acontece uma ilusão de ótica que permite transferir com precisão proporções reais para o papel. E esta é precisamente a "garantia" do realismo da imagem.

Desenhando um retrato com uma câmera lúcida, 1807

Então Hockney ficou seriamente interessado neste tipo "óptico" de desenhos e pinturas. Em seu ateliê, ele e sua equipe penduraram nas paredes centenas de reproduções de pinturas criadas ao longo dos séculos. Trabalhos que pareciam "reais" e outros que não. Organizado por tempo de criação e regiões - norte no topo, sul no fundo, Hockney e sua equipe viram um ponto de virada na pintura na virada dos séculos 14 para 15. Em geral, todo mundo que conhece pelo menos um pouco sobre a história da arte conhece - o Renascimento.

Talvez eles tenham usado a mesma câmera-lúcida? Foi patenteado em 1807 por William Hyde Wollaston. Embora, de fato, tal dispositivo seja descrito por Johannes Kepler em 1611 em sua obra Dioptrice. Então talvez eles tenham usado outro dispositivo óptico - uma câmera escura? Afinal, ela é conhecida desde a época de Aristóteles e é uma sala escura na qual a luz entra por um pequeno orifício e, assim, em uma sala escura, obtém-se uma projeção do que está na frente do buraco, mas de cabeça para baixo. Tudo ficaria bem, mas a imagem que se obtém ao projetar uma câmera escura sem lente, para dizer o mínimo, não é de alta qualidade, não é nítida, requer muita luz forte, sem falar no tamanho da a projeção. Mas lentes de alta qualidade eram quase impossíveis de fabricar até o século 16, porque não havia como fabricar vidro de alta qualidade naquela época. Coisas, pensou Hockney, que já estava lutando com o problema com o físico Charles Falco.

No entanto, existe uma pintura de Jan van Eyck, mestre de Bruges, pintor flamengo do início do Renascimento, na qual se esconde uma pista. A pintura se chama "Retrato do Cheta Arnolfini".

Jan Van Eyck "Retrato do Arnolfini" 1434

A imagem simplesmente brilha com uma grande quantidade de detalhes, o que é bastante interessante, pois foi pintada apenas em 1434. E uma dica de como o autor conseguiu dar um salto tão grande no realismo da imagem é o espelho. E também um castiçal - incrivelmente complexo e realista.

Hockney estava cheio de curiosidade. Ele conseguiu uma cópia desse lustre e tentou desenhá-lo. O artista se deparou com o fato de que uma coisa tão complexa é difícil de desenhar em perspectiva. Outro ponto importante era a materialidade da imagem desse objeto de metal. Ao representar um objeto de aço, é muito importante colocar os destaques da forma mais realista possível, pois isso dá um realismo tremendo. Mas o problema com esses destaques é que eles se movem quando o olho do espectador ou do artista se move, o que significa que não é nada fácil capturá-los. E uma imagem realista de metal e brilho também é característica distintiva pinturas do Renascimento, antes disso, os artistas nem tentavam fazer isso.

Ao recriar um modelo 3D preciso do lustre, a equipe de Hockney garantiu que o lustre em The Arnolfini fosse desenhado em perspectiva real com um único ponto de fuga. Mas o problema era que tais instrumentos ópticos precisos como uma câmera escura com uma lente não existiam até cerca de um século depois que a pintura foi criada.

Fragmento da pintura de Jan van Eyck "Retrato do casal Arnolfini" 1434

O fragmento ampliado mostra que o espelho na pintura "Retrato de Arnolfini" é convexo. Portanto, havia espelhos ao contrário - côncavos. Ainda mais, naquela época, esses espelhos eram feitos dessa maneira - uma esfera de vidro era tirada e seu fundo era coberto com prata, então tudo, exceto o fundo, era cortado. A parte de trás do espelho não estava escurecida. Então o espelho côncavo de Jan van Eyck pode ser o mesmo espelho que aparece na foto, só que com lado reverso. E qualquer físico sabe o que é um espelho, quando refletido projeta uma imagem do refletido. Foi aqui que seu amigo, o físico Charles Falco, ajudou David Hockney com cálculos e pesquisas.

Um espelho côncavo projeta na tela a imagem da torre do lado de fora da janela.

O tamanho da parte clara e focada da projeção é de cerca de 30 centímetros quadrados - e esse é exatamente o tamanho das cabeças em muitos retratos renascentistas.

Hockney esboça uma projeção de uma pessoa na tela

Este é o tamanho, por exemplo, do retrato do Doge Leonardo Loredan de Giovanni Bellini (1501), do retrato de um homem de Robert Campin (1430), do próprio retrato de Jan van Eyck de um "homem de turbante vermelho" e de muitos outros primeiros retratos holandeses.

retratos renascentistas

A pintura era um trabalho altamente remunerado e, claro, todos os segredos do negócio eram mantidos em sigilo absoluto. Foi benéfico para o artista que todos os não iniciados acreditassem que os segredos estavam nas mãos do mestre e não podiam ser roubados. O negócio era fechado para forasteiros - os artistas estavam na guilda, também consistia em uma variedade de artesãos - desde os que faziam selas até os que faziam espelhos. E na Guilda de São Lucas, fundada em Antuérpia e mencionada pela primeira vez em 1382 (então guildas semelhantes foram abertas em muitos cidades do norte, e uma das maiores era a guilda de Bruges - a cidade onde Van Eyck morava) também havia mestres que faziam espelhos.

Então Hockney recriou a maneira como você pode desenhar um candelabro complexo a partir de uma pintura de Van Eyck. Não surpreendentemente, o tamanho do lustre projetado por Hockney corresponde exatamente ao tamanho do lustre na pintura "Retrato do Arnolfini". E claro, os destaques no metal - na projeção eles ficam parados e não mudam quando o artista muda de posição.

Mas o problema ainda não está totalmente resolvido, pois antes do surgimento da ótica de alta qualidade, necessária para o uso da câmera escura, faltavam 100 anos, e o tamanho da projeção obtida com a ajuda de um espelho é muito pequeno . Como pintar quadros com mais de 30 centímetros quadrados? Eles foram criados como uma colagem - de uma variedade de pontos de vista, resultou em uma espécie de visão esférica com muitos pontos de fuga. Hockney percebeu isso porque ele próprio estava envolvido nessas fotos - ele fez muitas colagens de fotos que alcançam exatamente o mesmo efeito.

Quase um século depois, nos anos 1500, finalmente foi possível obter e processar bem o vidro - surgiram lentes grandes. E eles poderiam finalmente ser inseridos em uma câmera escura, cujo princípio de operação é conhecido desde os tempos antigos. A câmera escura com lente foi uma revolução incrível nas artes visuais, já que agora a projeção pode ser de qualquer tamanho. E mais uma coisa, agora a imagem não era "grande angular", mas sobre um aspecto normal - ou seja, quase igual ao que é hoje ao fotografar com uma lente com distância focal de 35-50mm.

No entanto, o problema de usar uma câmera escura com uma lente é que a projeção direta da lente é especular. Isso levou a muitos canhotos na pintura durante os estágios iniciais do uso da óptica. Como nesta pintura de 1600 do Museu Frans Hals, onde um casal canhoto dança, um velho canhoto os ameaça com um dedo e um macaco canhoto espia sob o vestido da mulher.

Todos nesta foto são canhotos.

O problema é resolvido instalando um espelho para o qual a lente é direcionada, obtendo assim a projeção correta. Mas, aparentemente, um espelho bom, uniforme e grande custava muito dinheiro, então nem todo mundo o tinha.

Outra questão era o foco. O fato é que algumas partes da imagem em uma posição da tela sob os raios da projeção estavam fora de foco, não claras. Nas obras de Jan Vermeer, onde o uso da ótica é bem visível, seus trabalhos geralmente se parecem com fotografias, você também pode notar lugares fora de “foco”. Você pode até ver o padrão que a lente dá - o notório "bokeh". Como por exemplo aqui, na pintura "A Leiteira" (1658), a cesta, o pão nela e o vaso azul estão fora de foco. Mas o olho humano não consegue enxergar “fora de foco”.

Alguns detalhes da imagem estão fora de foco

E diante de tudo isso, não é de se estranhar que bom amigo Jan Vermeer era Anthony Phillips van Leeuwenhoek, cientista e microbiologista, também mestre único que criou seus próprios microscópios e lentes. O cientista tornou-se o gerente póstumo do artista. E isso sugere que Vermeer retratou exatamente seu amigo em duas telas - "Geógrafo" e "Astrônomo".

Para ver qualquer parte em foco, você precisa alterar a posição da tela sob os raios de projeção. Mas, neste caso, apareceram erros de proporção. Como visto aqui: o enorme ombro de Anthea por Parmigianino (por volta de 1537), a pequena cabeça de Anthony van Dyck "Lady Genovese" (1626), os pés enormes de um camponês em uma pintura de Georges de La Tour.

Erros nas proporções

Claro, todos os artistas usaram lentes de maneiras diferentes. Alguém para esboços, alguém feito de partes diferentes - afinal, agora era possível fazer um retrato, e finalizar todo o resto com um modelo diferente, ou mesmo com um manequim.

Quase não há desenhos deixados por Velasquez. No entanto, sua obra-prima permaneceu - um retrato do Papa Inocêncio 10 (1650). No manto do Papa - obviamente de seda - há um belo jogo de luzes. Brilho. E para escrever tudo isso de um ponto de vista, foi necessário tentar muito. Mas se você fizer uma projeção, toda essa beleza não vai fugir para lugar nenhum - o brilho não se move mais, você pode escrever exatamente com aqueles traços largos e rápidos como os de Velazquez.

Hockney reproduz uma pintura de Velasquez

Posteriormente, muitos artistas puderam pagar pela câmera escura e ela deixou de ser grande segredo. Canaletto usou ativamente a câmera para criar suas vistas de Veneza e não a escondeu. Essas pinturas, graças à sua precisão, permitem falar de Canaletto como documentarista. Graças a Canaletto, você pode ver não apenas linda foto mas também a própria história. Você pode ver qual foi a primeira ponte de Westminster em Londres em 1746.

Canaletto "Ponte de Westminster" 1746

O artista britânico Sir Joshua Reynolds possuía uma câmera escura e aparentemente não contou a ninguém sobre isso, já que sua câmera se dobra e se parece com um livro. Hoje está no London Science Museum.

Camera obscura disfarçada de livro

Finalmente, no início do século 19, William Henry Fox Talbot, usando uma câmera lúcida - aquela que você precisa olhar com um olho e desenhar com as mãos, amaldiçoou, decidindo que tal inconveniente deveria ser eliminado de uma vez e para todos, e tornou-se um dos inventores da fotografia química e, posteriormente, um divulgador que a tornou massiva.

Com a invenção da fotografia, o monopólio da pintura sobre o realismo da imagem desapareceu, agora a foto se tornou um monopólio. E aqui, finalmente, a pintura se libertou das lentes, continuando o caminho de onde saiu nos anos 1400, e Van Gogh se tornou o precursor de toda a arte do século XX.

Esquerda: mosaico bizantino século XII. Direita: Vincent van Gogh "Retrato do Sr. Trabuk" 1889

A invenção da fotografia é a melhor coisa que aconteceu à pintura em toda a sua história. Não era mais necessário criar imagens exclusivamente reais, o artista tornou-se livre. Claro, o público levou um século para alcançar os artistas em sua compreensão da música visual e parar de pensar que pessoas como Van Gogh eram "loucas". Ao mesmo tempo, os artistas começaram a usar ativamente as fotografias como " material de referência". Havia pessoas como Wassily Kandinsky, a vanguarda russa, Mark Rothko, Jackson Pollock. Na sequência foram lançados pintura, arquitetura, escultura e música. É verdade que a escola acadêmica russa de pintura está parada no tempo e hoje ainda é considerado uma pena nas academias e escolas usar a fotografia para ajudar, e a habilidade puramente técnica de desenhar o mais realisticamente possível com as próprias mãos é considerada a maior façanha .

Graças a um artigo do jornalista Lawrence Weshler, que esteve presente na pesquisa de David Hockney e Falco, outro fato interessante: O retrato de Van Eyck dos Arnolfinis é um retrato de um comerciante italiano em Bruges. O Sr. Arnolfini é florentino e, além disso, é representante do banco Medici (praticamente os mestres da Florença renascentista, considerados patronos da arte da época na Itália). O que isso diz? O fato de poder facilmente levar consigo o segredo da Guilda de São Lucas - um espelho - para Florença, onde, segundo a história tradicional, começou o Renascimento, e artistas de Bruges (e, consequentemente, outros mestres) são considerados "primitivos".

Há muita controvérsia em torno da teoria de Hockney-Falco. Mas certamente há um grão de verdade nisso. Quanto aos críticos de arte, críticos e historiadores, é até difícil imaginar quantos papéis científicos sobre história e arte, na verdade, acabou sendo um absurdo completo, mas isso muda toda a história da arte, todas as suas teorias e textos.

Os fatos do uso da ótica não diminuem em nada o talento dos artistas - afinal, a tecnologia é um meio de transmitir o que o artista deseja. E vice-versa, o que está nessas fotos é o mais realidade real, só lhes acrescenta peso - afinal, era assim que eram as pessoas daquela época, coisas, instalações, cidades. Estes são os documentos reais.