Musikinstrument från barocktiden. Instrumentalmusik från 1600-talet Vilka instrument var populära på 1600-talet

Organ

Ett komplext musikinstrument som består av en luftfläkt, en uppsättning trä- och metallrör olika storlekar och från den uppträdande konsolen (predikstolen), på vilken registerrattar, flera tangentbord och pedaler finns.

Cembalo

Jungfrulig

Spinett

Spinetten är ett litet cembalo som är kvadratiskt, rektangulärt eller femkantigt till formen.

Claviciterium

Claviciterium är ett cembalo med en vertikal kropp.

Klavikord

Strängsträngar

barock fiol

Huvudartikel: barock fiol

kontrabas

Det största och djupast klingande stråkinstrumentet i orkestern. Den spelas stående eller sittande på en hög pall.

Strängplockad

barock luta

På 1500-talet var den sexsträngade lutan vanligast (femsträngade instrument var kända på 1400-talet), under övergången till 1600-talet (senbarocken) nådde antalet strängar tjugofyra. Oftast var det från 11 till 13 strängar (9-11 par och 2 singlar). Bygg-ackord i d-moll (ibland dur).

Theorbo

Theorbo är en basversion av lutan. Antalet strängar är från 14 till 19 (mest enkla, men det fanns även instrument med par).

Quitarrone

Kitarrone - bas variation av den så kallade. Italiensk gitarr (ett instrument med oval kropp, i motsats till det spanska g.). Antalet strängar är 14 singlar. Quitarrone ser praktiskt taget inte annorlunda ut än theorbo, men har ett annat ursprung från det.

arkilut

Mindre än theorbo. Oftast hade den 14 strängar, de första sex i stämningen som är typisk för renässansen - (till skillnad från barocklutan, där de första sex strängarna gav ett d-moll-ackord) byggdes i en ren quart, förutom 3:an och 4:an, som byggdes i stora tredje.

Angelica

Mandora

Gallichon

Cittra

archicitra

Mandolin

barockgitarr

Huvudartikel: barockgitarr

Barockgitarren hade vanligtvis fem par (körer) tarmsträngar. De första barock- eller femkörsgitarrerna är kända från slutet av 1500-talet. Det var då som den femte kören lades till gitarren (innan det var den försedd med fyra parade strängar). Rasgeado-stilen gör detta instrument extremt populärt.

Sträng andra

hård gurdy

Hurdy gurdy har sex till åtta strängar, varav de flesta låter samtidigt, vibrerande som ett resultat av friktion mot hjulet som vrids av höger hand. En eller två separata strängar, vars klingande del är förkortad eller förlängd med hjälp av stavar med vänster hand, återger melodin, och de återstående strängarna avger ett monotont brum.

Mässing

Fransk horn

Barockhornet hade ingen mekanik och gjorde det möjligt att utvinna endast tonerna av den naturliga skalan; för att spela i var och en av tangenterna användes ett separat instrument.

horn

Blåsmässings munstycke musikinstrument utan ventiler, med en konisk pipa.

Trombon

Trombonen ser ut som ett stort, ovalt metallrör. Munstycket placeras i dess övre del. Trombonens nedre böj är rörlig och kallas vingarna. Att dra ut klockan sänker ljudet, trycker man in den höjs ljudet.

Träblåsare

tvärflöjt

Blockflöjt

Chalumot

Oboe

Fagott

kvartsfagott

Quartbassoon - en förstorad fagott. I skrift skrivs kvartfagottstämman på samma sätt som fagotten, men det låter en perfekt kvart under den skrivna tonen.

kontrafagott

Kontrafagotten är en basversion av fagotten.

Trummor

pukor

Timpani är ett slagverksinstrument med en viss tonhöjd. Stigningen justeras med skruvar eller en speciell mekanism, oftast i form av en fotpedal.

KAPITEL 2. Gitarren erövrar Europa

På 1600-talet fortsatte gitarren att erövra Europa.
En av dåtidens gitarrer tillhör museet vid Royal College of Music i London. Skapad i Lissabon 1581 av en viss Melchior Dias.
Strukturen på denna gitarr har egenskaper som kommer att upprepas i deras arbete av mästare på musikinstrument i mer än två århundraden.

Italiensk battentegitarr från 1600-talet från samlingen av slottet Sforza, Milano.

Alla dåtidens gitarrer var rikt prydda. För tillverkning av ett sådant utsökt föremål använder hantverkare värdefulla material: sällsynta träslag (särskilt svart - ebenholts), elfenben, sköldpadda. Nedre däck och sidor är dekorerade med inlägg. Det översta däcket, tvärtom, förblir enkelt och är gjord av barrträ (oftast gran). För att inte dämpa vibrationer är endast resonatorhålet och kanterna på höljet längs hela dess omkrets trimmade med trämosaik.
Det huvudsakliga dekorativa elementet är en rosett gjord av präglat läder. Denna rosett konkurrerar inte bara med hela skåpets skönhet, utan mjukar också upp ljuden som produceras. Uppenbarligen var ägarna till dessa lyxiga instrument inte så mycket intresserade av styrka och kraft som av sofistikeringen av ljud.
Ett av de första exemplen på gitarrer från 1600-talet som har kommit till oss finns i samlingen av Museet för musikinstrument vid konservatoriet i Paris. Den bär namnet på hantverkaren, den venetianska Cristofo Coco, och datumet 1602. Den platta kroppen är helt gjord av elfenbensplåtar fästa med smala remsor av brunt trä.

Augustine Quesnel gitarrist 1610

På 1600-talet spreds razgueado-stilen, hämtad från Spanien, där den var populär, till en stor del av Europa. Gitarren tappar omedelbart den betydelse den brukade ha för seriösa musiker. Från och med nu används den endast för ackompanjemang, för att "sjunga, spela, dansa, hoppa ... stampa dina fötter", som Louis de Briseno skriver i förordet till sin "Metod" (Paris, 1626).
Teoretikern från Bordeaux, Pierre Trichet, noterar också med beklagande (ca 1640): "Gitarren, eller hyterna, är ett mycket använt instrument bland fransmännen och italienarna, men särskilt bland spanjorerna, som använder den så ohämmat som ingen annan. nation." Hon fungerar som ett musikaliskt ackompanjemang till danser som dansar, "rycker överallt, gestikulerar löjligt och löjligt, så att instrumentspelet blir otydligt och förvirrat." Och indignerad över vad han har att observera, fortsätter Pierre Trichet: "I Frankrike försöker damer och kurtisaner som är bekanta med spanskt mode att imitera det. I detta liknar de dem som istället för att äta gott i sitt eget hem går till en granne för att äta bacon, lök och svart bröd.

David Teniers juniorgitarrist

Mattia Pretti Konsert 1630-talet

Trots detta är gitarren fortfarande populär i Frankrike. Gitarren är lätt att använda i baletter. I The Fairy of Saint-Germain's Forest (1625) och The Rich Widow (1626) spelar musiker klädda i spanska kostymer gitarr för större trovärdighets skull. I den första baletten "anpassar chaconne-artisterna ljuden av sina gitarrer till fötternas kvicka rörelser". I den andra, iscensatt av Hans Majestät i Louvrens stora sal, vecklas också grenadjärernas entre upp till ackompanjemang av gitarren. Enligt Mercure de France ackompanjerade Ludvig XIII själv de två sarabandedansarna på gitarren i denna föreställning.

Gerrit van Honthorst spelar gitarr 1624

Jan Vermeer gitarrist 1672

I mitten av 1600-talet börjar en ny storhetstid för gitarren. Och den här gången kommer uppdateringen från Frankrike. För att lära ut gitarren till den unge franske kungen kallas den berömde läraren och musikern Francesco Corbetta (1656) till domstolen. Att inte våga påstå (till skillnad från vissa hovmän) att Ludvig XIV på arton månader överträffade sin lärare, kan dock inte tvivla på kungens sanna passion för instrumentet. Under hans regeringstid blir gitarren återigen aristokratins och kompositörernas älskling. Och återigen erövrar modet för gitarren hela Europa.

Gravyr från omslaget till en gammal upplaga av Pieces for Guitar. 1676

Francisco Goya dans på flodstranden 1777

Francisco Goya, den blinde gitarristen 1788

Ramon Baie En ung man med en gitarr. Pradomuseet 1789. Madrid

I slutet av Ludvig XIV:s (d. 1715) regeringstid kommer en vändpunkt i gitarrens historia - det kungliga hovet blir likgiltigt för det.
Men det är fortfarande populärt bland folket. Mademoiselle de Charolais i porträttet som hon beställt presenteras med en gitarr i händerna och plockar lätt i dess strängar. Watteau och Lancret introducerar gitarren i skildringen av kärleksscener. Och samtidigt är det ett verktyg för farsartade skådespelare och ambulerande komiker!
Verket av Watteau och Lancre och gitarren är en separat sida fransk målning, så jag bestämde mig för att dedikera separata gallerier till dessa konstnärer i detta material.

Jean Antoine Watteau
Jean Antoine Watteau

Rosalba Carriere Porträtt av Jean-Antoine Watteau 1721

Fransk målare och tecknare, grundare och rokokostilens största mästare. 1698-1701 studerade Watteau med den lokala konstnären Gerin, på vars insisterande han kopierade verk av Rubens, Van Dyck och andra flamländska målare. 1702 reste Watteau till Paris och fann snart en lärare och beskyddare i Claude Gillots person, en teaterkonstnär och dekoratör som målade scener från den moderna teaterns liv. Watteau överträffade snabbt sin lärare i skicklighet och ca. 1708 gick in i ateljén hos dekoratören Claude Audran. År 1709 försökte Watteau utan framgång vinna Konsthögskolans Grand Prix, men hans arbete väckte uppmärksamhet från flera inflytelserika personer, bland vilka var filantropen och kännaren av att måla Jean de Julienne, konsthandlaren Edmond Francois Gersin, bankiren. och samlaren Pierre Crozat, i vars hus konstnären bodde en tid, etc. 1712 introducerades Watteau för titeln akademiker och blev 1717 medlem av Royal Academy of Painting and Sculpture. Watteau dog i Nogent-sur-Marne den 18 juli 1721.

Jean-Antoine Watteau Italiensk komedi 1714

Jean Antoine Watteau Utsikt genom träden i parken Pierre Crozat 1714-16

Jean-Antoine Watteau Gilles med sin familj 1716

Jean Antoine Watteau Pierrots berättelse

Jean Antoine Watteau Song of Love 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancre
Nicolas Lancret

Nicolas Lancre självporträtt 1720

Fransk konstnär, född i Paris. Han studerade först hos Pierre Dulin, och sedan omkring 1712 arbetade han i flera år under ledning av Claude Gillot, genom vilken han träffade Jean Antoine Watteau, som hade ett stort inflytande på hans arbete. Lancre vände sig till samma ämnen som Watteau: han skrev karaktärerna från den italienska commedia dell'arte och scener av "galant festligheter". Dessutom illustrerade han fablerna om La Fontaine och skapade genremålningar. Lancret dog i Paris 1743.

Nicola Lancret Konsert i parken 1720

Nicola Lancre Semester i trädgården

Nicola Lancre Konsert i parken

Nicola Lancre galant konversation

Den nya framväxten av gitarren, enligt Michel Brenet, är förknippad med framväxten av två begåvade sångare som uppträder i salonger. De framför duetter och ackompanjerar sig själva. Dessa är de berömda Pierre Geliot och Pierre de la Garde.
Michel Bartolomeo Oliviers berömda målning Tea in English and a Concert at the House of the Princess de Conti förmedlar atmosfären av dessa sekulära sammankomster.

Från Wikipedia, den fria encyklopedin

Tangentbord

Organ

Ett komplext musikinstrument som består av en luftinsprutningsmekanism, en uppsättning trä- och metallrör i olika storlekar och en framförande konsol (talstol), på vilken registerrattar, flera tangentbord och pedaler finns.

Cembalo

Jungfrulig

Spinett

Spinetten är ett litet cembalo som är kvadratiskt, rektangulärt eller femkantigt till formen.

Claviciterium

Claviciterium är ett cembalo med en vertikal kropp.

Klavikord

Strängsträngar

barock fiol

Baryton

Bas viola "fot" (gamba) typ. Ljudet på barytonen extraherades med en båge av sex tarmsträngar, med sympatiska strängar placerade under dem. Från de sympatiska (extra) strängarna extraherades ljudet med en nypa med tummen på vänster hand.

Violone

Bas viola "fot" (gamba) typ.

Liron

Bas viola "fot" (gamba) typ. Speciellt anpassad för att spela ackord.

Cello

Cellon är ett stråkinstrument i bas-tenorregistret. 4 strängar stäms i kvint (till och salt av en stor oktav, D liten, la först). Cellon dök upp i slutet av 1400-talet och början av 1500-talet. Klassiska cellor skapades av italienska mästare från 1600- och 1700-talen. Antonio Amati och Girolamo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari.

kontrabas

Det största och djupast klingande stråkinstrumentet i orkestern. Den spelas stående eller sittande på en hög pall.

Strängplockad

barock luta

På 1500-talet var den sexsträngade lutan vanligast (femsträngade instrument var kända på 1400-talet), under övergången till 1600-talet (senbarocken) nådde antalet strängar tjugofyra. Oftast var det från 11 till 13 strängar (9-11 par och 2 singlar). Bygg-ackord i d-moll (ibland dur).

Theorbo

Theorbo är en basversion av lutan. Antalet strängar är från 14 till 19 (mest enkla, men det fanns även instrument med par).

Quitarrone

Kitarrone - bas sort av den så kallade. Italiensk gitarr (ett instrument med oval kropp, i motsats till det spanska g.). Antalet strängar är 14 singlar. Quitarrone ser praktiskt taget inte annorlunda ut än theorbo, men har ett annat ursprung från det.

arkilut

Mindre än theorbo. Oftast hade den 14 strängar, de första sex i stämningen som är typisk för renässansen - (till skillnad från barocklutan, där de första sex strängarna gav ett d-moll-ackord) byggdes i en ren quart, förutom 3:an och 4:an, som byggdes i stora tredje.

Angelica

Mandora

Gallichon

Cittra

archicitra

Mandolin

barockgitarr

Barockgitarren hade vanligtvis fem par (körer) tarmsträngar. De första barock- eller femkörsgitarrerna är kända från slutet av 1500-talet. Det var då som den femte kören lades till gitarren (innan det var den försedd med fyra parade strängar). Rasgeado-stilen gör detta instrument extremt populärt.

Sträng andra

hård gurdy

Hurdy gurdy har sex till åtta strängar, varav de flesta låter samtidigt, vibrerande som ett resultat av friktion mot hjulet som vrids av höger hand. En eller två separata strängar, vars klingande del är förkortad eller förlängd med hjälp av stavar med vänster hand, återger melodin, och de återstående strängarna avger ett monotont brum.

Mässing

Fransk horn

Barockhornet hade ingen mekanik och gjorde det möjligt att utvinna endast tonerna av den naturliga skalan; för att spela i var och en av tangenterna användes ett separat instrument.

horn

Blåsmässings munstycke musikinstrument utan ventiler, med en konisk pipa.

Trombon

Trombonen ser ut som ett stort, ovalt metallrör. Munstycket placeras i dess övre del. Trombonens nedre böj är rörlig och kallas vingarna. Att dra ut klockan sänker ljudet, trycker man in den höjs ljudet.

Träblåsare

tvärflöjt

Blockflöjt

Chalumot

Oboe

Fagott

kvartsfagott

Quartbassoon - en förstorad fagott. I skrift skrivs kvartfagottstämman på samma sätt som fagotten, men det låter en perfekt kvart under den skrivna tonen.

kontrafagott

Kontrafagotten är en basversion av fagotten.

Trummor

pukor

Timpani är ett slagverksinstrument med en viss tonhöjd. Stigningen justeras med skruvar eller en speciell mekanism, oftast i form av en fotpedal.

Skriv en recension om artikeln "Musikinstrument från barocktiden"

Anteckningar

Ett utdrag som karaktäriserar barockens musikinstrument

"Kommer det någon order från din höga adel?" – sa han till Denisov, la handen mot sitt visir och återvände till adjutantens och generalens lek, som han hade förberett sig för, – eller skulle jag stanna med din ära?
"Beställningar?" sa Denisov eftertänksamt. - Kan du stanna till imorgon?
- Åh, snälla... Får jag stanna hos dig? Petya skrek.
– Ja, hur exakt blev du beordrad från genegen "ala - nu att komma ut"? frågade Denisov. Petya rodnade.
Ja, han sa ingenting. Jag tror att det är möjligt? sa han frågande.
"Jaha, okej", sa Denisov. Och när han vände sig till sina underordnade gav han order om att sällskapet skulle gå till den utsedda viloplatsen nära vakthuset i skogen och att officeren på en kirgizisk häst (denna officer fungerade som adjutant) gick för att leta efter Dolokhov, ta reda på var han var och om han skulle komma på kvällen . Denisov själv, med esaulen och Petya, hade för avsikt att köra upp till skogskanten, med utsikt över Shamshev, för att titta på platsen för fransmännen, som skulle riktas mot morgondagens attack.
”Ja, Guds ode”, vände han sig till bondekonduktören, ”för mig till Shamshev.
Denisov, Petya och esaulen, åtföljda av flera kosacker och en hussar som bar en fånge, körde till vänster genom ravinen, till skogskanten.

Regnet hade passerat, bara dimma och vattendroppar föll från trädens grenar. Denisov, esaulen och Petja följde tysta bonden i mössan, som lätt och ljudlöst steg med fötterna utvända i bastskor över rötterna och blöta löv, ledde dem till skogskanten.
När bonden kom ut till izvolok gjorde han en paus, såg sig omkring och gick mot den tunna trädväggen. Vid en stor ek, som ännu inte fällt sina löv, stannade han och vinkade mystiskt till honom med handen.
Denisov och Petya körde fram till honom. Från platsen där bonden stannade var fransmännen synliga. Nu gick ett källfält ner bakom skogen som en halvkulle. Till höger, över en brant ravin, kunde man se en liten by och en herrgård med rasade tak. I den här byn, i herrgården och längs hela kullen, i trädgården, vid brunnarna och dammen, och längs hela vägen uppför från bron till byn, högst tvåhundra sazhens bort, massor av människor kunde ses i den vaclande dimman. Deras icke-ryska rop hördes tydligt vid hästarna i vagnarna som slet upp berget och ropade på varandra.
"Ge fången här," sa Denisop tyst och tog inte blicken från fransmännen.
Kosacken steg av sin häst, tog bort pojken och gick tillsammans med honom fram till Denisov. Denisov, som pekade på fransmännen, frågade vilken typ av trupper de var. Pojken, som stack in sina kyliga händer i sina fickor och höjde ögonbrynen, tittade rädd på Denisov och, trots sin uppenbara önskan att säga allt han visste, blev han förvirrad i sina svar och bekräftade bara vad Denisov frågade. Denisov, rynkade pannan, vände sig bort från honom och vände sig till esaulen och berättade för honom sina tankar.
Petya vände på huvudet med snabba rörelser och tittade först på trummisen, sedan på Denisov, sedan på esaulen, sedan på fransmännen i byn och på vägen, och försökte inte missa något viktigt.
- Pg "kommer, inte pg" är Dolokhov, du måste bg "vid! .. Va?" sa Denisov och blixtrade glatt.
"Stället är bekvämt," sa esaulen.
"Vi skickar infanteri underifrån - genom träsk," fortsatte Denisov, "de kommer att krypa upp till trädgården; du kommer att ringa med kosackerna därifrån, "Denisov pekade på skogen utanför byn," och jag är härifrån, med mina gusags.
"Det kommer inte att vara möjligt i en fördjupning - det är en grävmyr", sa esaulen. - Du kommer att mylla ner hästarna, du måste gå runt till vänster ...
Medan de pratade i en underton på detta sätt, nedanför, i hålan från dammen, klickade ett skott, rök började bli vit, ett annat och ett vänligt, som om det var glatt, rop från hundratals röster från fransmännen som var på halvberget hördes. I den första minuten lutade sig både Denisov och esaulen tillbaka. De var så nära att det verkade för dem som att de var orsaken till dessa skott och skrik. Men skotten och skriken tillhörde inte dem. Nedanför, genom träsken, sprang en man i något rött. Uppenbarligen sköt fransmännen på honom och skrek på honom.
- Det här är trots allt vår Tikhon, - sa esaulen.
- Han! dom är!
"Eka skurk," sa Denisov.
- Lämna! - Skruva ihop ögonen, sa esaulen.
Mannen som de kallade Tikhon sprang upp till floden, floppade in i den så att sprayen flög, och gömde sig ett ögonblick, helt svart från vattnet, gick ut på alla fyra och sprang vidare. Fransmännen, som sprang efter honom, stannade.
- Nåväl, smart, - sa esaulen.
- Vilket odjur! sade Denisov med samma uttryck av irritation. Och vad har han gjort hittills?
- Vem är det? frågade Petya.
- Det här är vår plast. Jag skickade honom för att ta upp språket.
"Ah, ja," sa Petya från Denisovs första ord och nickade med huvudet som om han förstod allt, även om han definitivt inte förstod ett enda ord.
Tikhon Shcherbaty var en av de mest behövda personerna i partiet. Han var en bonde från Pokrovsky nära Gzhatya. När Denisov i början av sina handlingar kom till Pokrovskoye och, som alltid, ringde chefen och frågade vad de visste om fransmännen, svarade chefen, eftersom alla cheferna svarade, som om de försvarade sig själva, att de inte visste vad som helst, vet att de inte vet. Men när Denisov förklarade för dem att hans mål var att slå fransmännen, och när han frågade om fransmännen hade vandrat in i dem, sa chefen att det säkert hade förekommit plundrare, men att i deras by var det bara Tishka Shcherbaty som var engagerad i dessa frågor. Denisov beordrade att Tikhon skulle kallas till honom och berömde honom för hans verksamhet, sade han några ord inför överhuvudmannen om den lojalitet mot tsaren och fosterlandet och hatet mot fransmännen, som fäderneslandets söner borde iaktta.
"Vi skadar inte fransmännen", sa Tikhon, uppenbarligen blyg över dessa ord från Denisov. – Vi bara så, menar, på jakt pysslade med killarna. Det är som att två dussin Miroderov misshandlades, annars gjorde vi inget dåligt ... - Nästa dag, när Denisov, helt glömde bort den här bonden, lämnade Pokrovsky, fick han besked om att Tikhon hade hållit fast vid partiet och bad att bli kvar med det. Denisov beordrade att lämna honom.
Tikhon, som till en början rättade till det ringa arbetet med att elda ut, leverera vatten, flå hästar etc., visade snart stor vilja och förmåga att gerillakrig. Han gick ut på natten för att plundra och hade varje gång med sig en klänning och franska vapen, och när han beordrades, tog han med sig fångar. Denisov lämnade Tikhon från jobbet, började ta honom på resor med honom och skrev in honom i kosackerna.
Tikhon gillade inte att rida och gick alltid och hamnade aldrig bakom kavalleriet. Hans vapen var en blunderbuss, som han bar mer för skratt, en lans och en yxa, som han ägde som en varg äger tänder, lika lätt att plocka loppor ur ull och bita tjocka ben med dem. Tikhon klyvde lika troget med all sin kraft stockar med en yxa och tog yxan i rumpan, skar ut tunna pinnar med den och skar ut skedar. I Denisovs parti ockuperade Tikhon sin egen speciella, exceptionella plats. När det var nödvändigt att göra något särskilt svårt och fult - att vända en vagn i leran med sin axel, att dra en häst ur träsket i svansen, flå den, klättra in i mitten av fransmännen, gå fem mil en dag - alla pekade, skrattande, på Tikhon.
"Vad i helvete gör han, rejäla merenina", sa de om honom.
En gång sköt en fransman, som Tikhon tog, honom med en pistol och slog honom i hans rygg. Detta sår, från vilket Tikhon endast behandlades med vodka, internt och externt, var föremål för de gladaste skämten i hela avdelningen och skämt som Tikhon villigt gav efter för.
"Vad, bror, gör du inte?" Kryade Ali? kosackerna skrattade åt honom, och Tikhon, som medvetet hukade och gjorde miner, låtsades vara arg, skällde ut fransmännen med de löjligaste förbannelser. Denna incident hade bara den effekt på Tikhon att han, efter hans sår, sällan tog med fångar.

Ukrainas ministerium för utbildning och vetenskap

SevNTU

Institutionen: Ukrainska studier. Kulturologi. Pedagogik.

Uppsats om kulturvetenskap

Ämne: "Instrumentell musik från barocktiden (XVII-1:a hälften av XVIII-talet). Genrernas ursprung - symfoni, konsert. Antonio Vivaldis verk.

Görs av en elev

grupp IM-12d

Stupko M.G.

Kontrollerade:

Kostennikov A.M.

Sevastopol 2007

Planen:

Introduktion.

Huvudsak:

1) Skillnader i barockmusik:

Från renässansen.

Från klassicismen.

2) Allmänna egenskaper hos barockens instrumentalgenrer.

3) Instrumentalmusikens historia i Västeuropa.

Sista delen.

1) Barockinstrumentalmusikens inflytande på senare musik.

Övergång till klassicismens era (1740-1780).

Barockens tekniker och teknikers inflytande efter 1760.

Jazz.

2) Slutsats.

IV. Lista över källor.

Introduktion:

Barocktiden (XVII-talet) är en av de mest intressanta epoker i världskulturens historia. Det är intressant för dess dramatik, intensitet, dynamik, kontrast och på samma gång harmoni, integritet, enhet.

En speciell roll i denna era upptas av musikalisk konst, som så att säga börjar med en avgörande vändpunkt, med en kompromisslös kamp mot den gamla "stränga stilen".

Musikkonstens uttrycksmöjligheter vidgas, samtidigt finns det en tendens att skilja musiken från ordet – till den intensiva utvecklingen av instrumentalgenrer, till stor del förknippade med barockens estetik. Storskaliga cykliska former förekommer (concerto grosso, ensemble och solosonater), i vissa sviter växlar teateruvertyrer, fugor, improvisationer av orgeltyp fantasifullt. Jämförelsen och sammanvävningen av polyfoniska och homofoniska principer för musikaliskt skrivande blir typisk.Barockens skriv- och framförandeteknik har blivit en integrerad och betydande del av den klassiska musikaliska kanonen. Den tidens verk är mycket utförda och studerade.

Skillnader i barockmusik

från renässansen

Barockmusiken tog över från renässansen bruket att använda polyfoni och kontrapunkt. Dessa tekniker användes dock annorlunda. Under renässansen byggdes musikalisk harmoni på det faktum att i polyfonins mjuka och lugna rörelse uppträdde konsonanser sekundära och som av en slump. Inom barockmusiken blev dock den ordning i vilken konsonanser uppträdde viktig: den manifesterade sig med hjälp av ackord byggda enligt ett hierarkiskt schema av funktionell tonalitet (eller ett funktionellt dur-moll modalt system). Omkring 1600 var definitionen av vad tonalitet var till stor del felaktig, subjektiv. Till exempel såg vissa en viss tonal utveckling i madrigalernas kadenser, medan i själva verket, i de tidiga monodierna, tonaliteten fortfarande var väldigt obestämd. Den svaga utvecklingen av teorin om enhetligt temperamentsystem hade effekt. Enligt Sherman föreslog italienaren Giovanni Maria Lanfranco för första gången först 1533 och införde ett system med lika temperament i praktiken av orgelklavierframförande. Och systemet blev utbrett långt senare. Och först 1722 dyker det vältempererade klaveret av J.S. Bach upp. En annan skillnad mellan barockens och renässansens musikaliska harmoni var att i den tidiga perioden inträffade toniska skiftningen oftare i tredjedelar, medan under barocken dominerade modulering i fjärdedelar eller femtedelar (framträdandet av begreppet funktionell tonalitet hade en effekt ). Dessutom använde barockmusiken längre melodiska linjer och en mer rigorös rytm. Huvudtemat utökades antingen av sig självt eller med hjälp av ett basso continuo-ackompanjemang. Sedan dök hon upp med en annan röst. Senare, huvudämne började komma till uttryck genom basso continuo, inte bara med hjälp av huvudrösterna. Hierarkin av melodi och ackompanjemang var suddig.

Stilistiska skillnader bestämde övergången från ricerbilar, fantasier och kanzoner från renässansen till fugor, en av de viktigaste formerna av barockmusik. Monteverdi kallade denna nya, fria stil seconda pratica (andra formen) i motsats till prima pratica (första formen), som karakteriserade motetter och andra kyrkliga koralformer av sådana mästare från renässansen som Giovanni Pierluigi da Palestrina. Monteverdi själv använde båda stilarna; hans mässa "In illo tempore" är skriven i gammal stil, och hans "Vespers of the Blessed Virgin" i den nya stilen.

Det fanns andra, djupare skillnader i barock- och renässansstilar. Barockmusik strävade efter en högre nivå av känslomässig tillfredsställelse än renässansmusik. Barockskrifter beskrev ofta en enda specifik känsla (jubel, sorg, fromhet och så vidare; jfr.affektteori). Barockmusik skrevs ofta för virtuosa sångare och musiker, och var vanligtvis mycket svårare att framföra än renässansmusik, trots att detaljerad inspelning av instrumentala delar var en av barockens viktigaste innovationer. Det blev nästan obligatoriskt att användamusikaliska dekorationer, ofta framförd av musikern i formimprovisation. Uttryck som t.exkonstaterar inegalesblev universell; framförs av de flesta musiker, ofta med stor tillämpningsfrihet.

En annan viktig förändring var att passionen för instrumentalmusik överträffade passionen för vokalmusik. Vokalstycken som t.exmadrigaler Och arior, faktiskt, oftare sjöngs de inte, utan framfördes instrumentalt. Detta bevisas av vittnesmål från samtida, såväl som antalet manuskript av instrumentala stycken, vars antal översteg antalet verk som representerade det sekulära sångmusik . Det gradvisa uppkomsten av en ren instrumental stil, skild från 1500-talets sångpolyfoni, var ett av de viktigaste stegen i övergången från renässansen till barocken. Fram till slutet av 1500-talet skilde sig instrumentalmusik knappast från vokalmusik och bestod huvudsakligen av dansmelodier, arrangemang av välkända populära sånger och madrigaler (främst för klaviatur ochluter) samt polyfoniska stycken som skulle kunna karakteriseras sommotetter, kanzon, madrigalerutan poesi.

Även om olika variationsbehandlingar,toccata, fantasier Och förspelför lut- och klaviaturinstrumenten har varit kända sedan länge, ensemblemusiken har ännu inte vunnit en självständig existens. Den snabba utvecklingen av sekulära vokalkompositioner i Italien och andra europeiska länder var dock en ny impuls till skapandet av kammarmusik för instrument.

Till exempel i Englandutbredd spelkonstaltfiol- stränginstrument av olika omfång och storlek. Violspelare gick ofta med i sånggruppen och fyllde i för saknade röster. Denna praxis blev vanlig, och många utgåvor märktes "Fit for Voices or Violas".

Många vokalarior och madrigaler framfördes som instrumentala stycken. Till exempel madrigalen"Silver svan"Orlando Gibbonsi dussintals samlingar, märkta och presenterade som ett instrumentalt stycke.

Från klassicismen

I klassicismens tidevarv som följde på barocken minskade kontrapunktens roll (även om utvecklingen av kontrapunktkonsten inte stannade), och musikverkens homofoniska struktur kom i förgrunden. Det finns mindre ornament i musik. Verk började luta mot en tydligare struktur, särskilt de skrivna i sonatform. Modulationer (nyckelbyte) har blivit ett strukturerande element; verken började lyssnas på som en resa full av dramatik genom tangentsekvensen, en serie avgångar och ankomster till tonikan. Moduleringar fanns även i barockmusiken, men hade ingen strukturerande funktion.

I den klassiska erans verk avslöjades ofta många känslor inom en del av verket, medan en del i barockmusiken bar en tydligt tecknad känsla. Och slutligen, i klassiska verk, nåddes vanligtvis en känslomässig höjdpunkt, som löstes i slutet av verket. I barockverk, efter att ha nått denna kulmen, till den allra sista tonen, fanns en liten känsla av huvudkänslan kvar. Den mångfald av barockformer fungerade som en utgångspunkt för utvecklingen av sonatformen och utvecklade många varianter av de grundläggande kadenserna.

Allmänna kännetecken för barockens instrumentalgenrer.

Genrernas ursprung - symfoni, konsert. Sonat på 1600-talet

Symfonins prototyp kan betraktas som den italienska ouvertyren, som tog form under Scarlatti i slutet av 1600-talet. Denna form kallades redan då en symfoni och bestod av allegro, andante och allegro, sammanslagna till en. Symfonins föregångare var däremot orkestersonaten, som bestod av flera stämmor i de enklaste former och mestadels i samma tonart. I en klassisk symfoni har endast de första och sista delarna samma tonarter, och de mellersta är skrivna i tonarter relaterade till den huvudsakliga, vilket bestämmer tonarten för hela symfonin. Senare anses Haydn vara skaparen av den klassiska formen av symfonin och orkesterfärgen; Mozart och Beethoven gjorde ett betydande bidrag till dess utveckling.

Ordet Konsert, som namnet på en musikalisk komposition, dök upp i Italien i slutet av 1500-talet. En konsert i tre delar utkom i slutet av 1600-talet. Italienaren Corelli (se) anses vara grundaren till denna form av konsert.

Konserten består vanligtvis av 3 delar (de extrema partierna är i snabb rörelse). På 1700-talet kallades en symfoni där många av instrumenten framförde solo på sina ställen en concerto grosso. Senare blev symfonin, där ett instrument fick en mer självständig betydelse i jämförelse med andra, känd som symphonique concertante, concertirende Sinfonie. Genetiskt förknippas concerto grosso med formen av en fuga baserad på sekventiell passage av ett tema genom röster, omväxlande med icke-tematiska konstruktioner - mellanspel. Concerto grosso ärver denna princip, med skillnaden att den ursprungliga konstruktionen av konserten är polyfonisk. Det finns 3 typer av textur i concerto grosso:

polyfon;

homofonisk;

kör (choral).

(de finns nästan aldrig i sin rena form. Syntetisk textur råder - homofon-polyfonisk lager).

Sonata (inte att förväxla med sonatform). Fram till slutet av 1600-talet kallades en samling instrumentalstycken, samt en vokalmotett, arrangerad för instrument, en sonat. Sonater delades in i två typer: kammarsonater (ital. sonata av kameran ), som bestod av preludier, arioso, danser etc., skrivna i olika tonarter, och en kyrkosonat (ital. sonata da chiesa ), där den kontrapunktiska stilen rådde. Ett antal instrumentala stycken skrivna för många orkesterinstrument kallades inte en sonat, utan en storslagen konsert (ital. concerto grosso ). Sonaten används också i konserter för ett soloinstrument med en orkester, samt i symfonier.

Barockens huvudsakliga instrumentalgenrer.

concerto grosso ( concerto grosso)

Fuga

Svit

Allemande

Courant

Sarabande

Gigue

Gavott

Menuett

Sonat

Kammarsonat Sonata för kamera

kyrkosonat sonata da chiesa

Triosonat

Klassisk sonat

Uvertyr

Fransk ouvertyr (fr. uvertyr)

Italiensk ouvertyr (italienska) synfonia)

Partita

Canzona

Symfoni

Fantasi

Reachercar

Toccata

Förspel

Chaconne

Passacaglia

Körpreludium

Grundläggande instrument från barocktiden.

Orgeln i sakral och sekulär kammarmusik blev barockens främsta musikinstrument. Cembalo, plockade och stråkade strängar samt träblåsinstrument användes också flitigt: violer, barockgitarr, barockfiol, cello, kontrabas, olika flöjter, klarinett, oboe, fagott. Under barocktiden reducerades funktionerna hos ett så utbrett plockat stränginstrument som lutan till stor del till basso continuo-ackompanjemanget, och gradvis ersattes det i denna form. klaviaturinstrument. Hurdy-gurdyn, som förlorade sin popularitet under den tidigare renässansen och blev ett instrument för de fattiga och vagabonder, fick en andra födelse; fram till slutet av 1700-talet. gurdyn förblev en fashionabel leksak för de franska aristokraterna, som var förtjusta i livet på landsbygden.

Instrumentalmusikens historia i Västeuropa.

Instrumental musik i Italien.

1600-talets Italien spelade rollen som en slags enorm experimentell studio, där ihållande sökningar och den gradvisa bildningen av nya progressiva genrer och former av instrumentalmusik ägde rum. Dessa innovativa uppdrag har lett till skapandet av stora konstskatter.

Sådana öppna, demokratiska former av musikskapande uppträdde som kyrkokonserter, där inte bara andlig, utan också sekulär musik framfördes. Dessa konserter arrangerades för församlingsmedlemmar i kyrkor och katedralers lokaler på söndagar efter att mässan hade firats. Olika metoder för att variera folkmelodier har i stor utsträckning trängt in i professionell musik.

Instrumentalmusikens historia på 1600-talet. I Italien är detta historien om skapandet av instrumentala ensembler med fiolens ledande roll, eftersom den först nu äntligen har ersatt den kammarutsökta sexsträngade violen med sitt kvartstertsystem, undanskjuten lutan. Det femte systemet gör fiolen till ett instrument som särskilt överensstämmer med harmonins uttrycksmöjligheter, som alltmer tränger in i instrumentalmusiken.

Venedig skapade den första violinskolan i Italien, där för första gången kompositionen av en professionell stråktrio (två violiner och bas) bildades och den genre som blev typisk för denna ensemble definierades: den mångstämmiga triosonaten.

I mitten av seklet bildas en sonat, som en cykel av en ny typ.

Detta gav upphov till:

1) sökandet efter en ny tematisk, bildlig säkerhet, konkrethet;

2) utöka omfattningen av sammansättning, självbestämmande av delar;

3) kontrast mellan dynamik och texter i makro- och mikroskalor.

Gradvis förvandlas sonaten från en kontrastsammansatt form till en cykel.

Svitgenren utvecklas också. En typ av konsert skapas successivt - grosso, denna genre

Representanter för italiensk instrumentalmusik:

Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

Grundaren av den italienska orgelskolan på XVII-talet. Han komponerade: canzones, toccatas, richercats, anpassningar av koralen för orgel, samt cembalofugor, canzones och partitor. Han avvek från de senaste århundradenas strikta skrift och lade grunden för en ny fri stil. De melodiska teman fick en mängd olika genredrag, vilket förde dem närmare det vardagliga, vardagliga livet. Frescobaldi skapade känslomässigt levande och individualiserade teman. Allt detta var ett nytt och fräscht ord i instrumental polyfoni, i melodi och harmoniskt tänkande från den tiden.

Arcangelo Corelli. (1653 -1713)

1600-talets största violinist. Det kreativa arvet finns i sex opus: - Tolv triosonater (med orgelackompanjemang) - 1685.

Tolv triosonater (med cembaloackompanjemang) - 1685.

Tolv triosonater (med orgelackompanjemang) - 1689.

Tolv triosonater (med cembaloackompanjemang) - 1694.

Elva sonater och variationer för violin (med cembaloackompanjemang) - 1700.

Tolv concerto grosso - 1712

Karakteristiskt: frånvaron av tematiska kontraster inom delarna; sammanställning av solo och tutti (utspelning) för att aktivera det musikaliska tyget; klar och öppen fantasifull värld.

Corelli gav sonaten en klassisk formfullhet. Blev grundaren av genren concerto grosso.

Antonio Vivaldi (1678-1741). Skapande.

Italiensk kompositör, violinist, dirigent, lärare. Han studerade hos sin far Dzhevan Battista Vivaldi, violinist vid San Marco-katedralen i Venedig, möjligen också hos G. Legrenzi. 1703—25 lärare, sedan orkesterdirigent och konsertchef samt direktör (sedan 1713) för Pietas kvinnokonservatorium (1735 var han åter kapellmästare en kort tid). Han komponerade musik till åtskilliga sekulära och andliga konserter på konservatoriet. Samtidigt skrev han operor för teatrarna i Venedig (deltog i deras produktion). Som virtuos violinist gav han konserter i Italien och andra länder. Senaste åren tillbringade i Wien.

I Vivaldis verk nådde concerto grosso sin högsta topp. Baserat på A. Corellis prestationer etablerade Vivaldi en 3-delad cyklisk form för concerto grosso, som pekade ut solistens virtuosa del. Han skapade genren solo instrumental konsert, bidragit till utvecklingen av virtuos violinteknik. Vivaldis musikstil kännetecknas av melodi, generositet, dynamik och uttrycksfullhet i ljudet, transparens hos späckhuggaren i skrivandet, klassisk harmoni i kombination med känslomässig rikedom. Vivaldis konserter fungerade som modeller för konsertgenren för många kompositörer, inklusive J. S. Bach (han transkriberade omkring 20 Vivaldi violinkonserter för cembalo och orgel). Cykeln "Årstider" är ett av de tidigaste exemplen på programorkestermusik.

Vivaldis bidrag till utvecklingen av instrumentering är betydande (han var den första som använde gaboer, horn, fagotter och andra instrument som oberoende och inte duplicerade). Vivaldis instrumentalkonsert var ett skede på vägen mot bildandet av en klassisk symfoni. I Siena skapades det italienska institutet efter Vivaldi (som leds av F. Malipiero).

Kompositioner:

operor (27)-
inklusive Roland - en imaginär galning (Orlando fiato pozzo, 1714, teatern "Sant'Angelo", Venedig), Nero, som blev Caesar (Nerone fatto Cesare, 1715, ibid), Coronation of Darius (L "incoronazione di Daria, 1716) , ibid.), Bedrägeri triumferande i kärlek (L "inganno trionfante in amore, 1725, ibid.), Farnache (1727, ibid., senare även kallad Farnache, härskare över Pontus), Cunegonda (1727, ibid.), Olympias ( 1734, ibid.), Griselda (1735, teater "San Samuele", Venedig), Aristides (1735, ibid.), Oracle in Messenia (1738, teater "Sant'Angelo", Venedig), Ferasp (1739, ibid. ) ;

oratorium-
Moses, faraos gud (Moyses Deus Pharaonis, 1714), Triumphant Judith (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), Adorazione of the Magi (L "Adorazione delli tre Re Magi, 1722);

sekulära kantater (56)-
inklusive 37 för röst med basso continuo, 14 för röst med stråkar, orkester, storkantat Gloria och Hymen (1725);

kultmusik (ca 55 stycken) -
inklusive Stabat Mater, motetter, psalmer, etc.;

instrumental. Arbetar-
76 sonater (med basso continuo), inklusive 30 för violin, 19 för 2 violiner, 10 för cello, 1 för violin och cello, 2 för lut och fiol, 2 för oboe; 465 konserter, inklusive 49 concerti grossi, 331 för ett instrument med basso continuo (228 för violin, 27 för cello, 6 för viol d "amour, 13 för tvärgående, 3 för längsgående flöjter, 12 för oboe, 38 för fagott, 1 för mandolin) 38 för 2 instrument med basso continuo (25 för violin, 2 för cello, 3 för violin och cello, 2 för horn, 1 för mandoliner), 32 för 3 eller fler instrument med basso continuo.

Domenico Scarlatti (1685–1757).

Kompositör, den största mästaren inom italiensk klavermusik. De flesta av de lysande klaversonater med titeln Essercizi (Övningar ), skriven av Domenico för sin begåvade elev Maria Barbara, som förblev hängiven läraren hela sitt liv. Man tror att en annan berömd student av Domenico var den spanska kompositören Padre Antonio Soler.

Originaliteten i Scarlattis klaverstil avslöjades i 30 sonater daterade 1738. Scarlattis sonater är den mest autentiska och raffinerade återspeglingen av den spanska musikstilen, de fångar med stor livlighet andan och rytmen i spanska danser och gitarrkultur. Dessa sonater har ofta en strikt binär form (AABB), men dess interna innehåll är mycket varierande.

Bland de mest slående dragen i kompositörens stil är briljansen av dissonanta harmonier och djärva moduleringar. Det unika med Scarlattis klaverskrift är förknippat med texturens rikedom: detta hänvisar till korsningen av vänster och höger hand, repetitioner, triller och andra typer av ornament. Idag anses Domenicos sonater vara bland de mest originella verk som någonsin skrivits för klaviaturinstrument.

Instrumental musik i Tyskland.

I instrumentalmusik från 1600-talet. orgel tog en stolthet. I de första generationerna av tyska orgelkompositörer var figurerna Scheidt (1587-1654) och Johann Froberger (1616-1667) de mest intressanta. Deras betydelse är stor för historien om flerstämmiga former på vägen till fuga och arrangemang för koralen. Froberger förde samman orgel- och cembalomusik (improvisation, patos, virtuositet, rörlighet, fin bearbetning av detaljer). Bland Bachs närmaste föregångare finns Johann Adam, Georg Böhm, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtelhude. Stora och originella konstnärer, de representerar så att säga olika sidor av orgelkonsten före Bach: Pachelbel - den "klassiska" linjen, Buxtelhude - "barocken". Buxtelhudes verk kännetecknas av en spridning av komposition, fantasifrihet, en förkärlek för patos, dramatik och oratoriska intonationer.

Johann Sebastian Bach.

Den mesta instrumentalmusiken är rent sekulär (ett undantag är musik för orgel). Inom instrumentalmusik finns en process av interaktion och ömsesidig berikning av olika områden, genrer, typer av presentation. Musik för klaver och orgel står i centrum.

Klavieran är ett kreativt laboratorium. Bach tänjde på repertoarens gränser och ställde extrema krav på instrumentet. Klavierstilen kännetecknas av sin energiska och majestätiska, återhållsamma och balanserade känslomässiga struktur, rikedom och variation av textur, intonationsrikedom. Bach introducerade nya speltekniker. Verk: stycken för nybörjare (små preludier, fughettas), preludier och fugor (HTK), sviter, konserter (italienska), toccatas, fantasier (fri improvisation, patetiskt förhöjd ton, virtuos textur), "The Art of Fugue" (skapade en klassisk fuga).

En stor roll i Bachs verk tillhör orgeln. Orgelstilen satte sin prägel på kompositörens hela instrumentella tänkande. Det är orgeln som tillhör genren som förbinder instrumentalmusik med andliga kantater och passioner - arrangemang av koraler (mer än 150). Orgelverk drogs mot etablerade former, traditionella genrer, som Bach gav en kvalitativt ny tolkning: preludium och fuga (han särskiljde två kompositionssfärer, förbättrade dem, återförenade dem i en ny syntes).

Bach skrev också för andra instrument: cellosviter, kammarensembler, sviter för orkester, konserter, som spelade en stor roll i den fortsatta musikaliska utvecklingen.

Bachs stora arv har en moralisk inverkan. Han steg långt bortom en stil, en era.

Instrumental musik i England.

Inom området för engelsk instrumentalmusik tog klavierskolan form (verzhdinelists - vid instrumentets namn). Representanter: Bird, Bull, Morny, Gibbons... De mest intressanta av deras verk är variationer på temat danser och sånger.

Georg Friedrich Handel.

Instrumental musik - en indikation på kompositörens stil, är förknippad med sångverk, det är bilderna, musikens bildegenskaper med ordet som påverkar tematiken, pjäsens allmänna utseende, enskilda delar. I allmänhet är briljans, patos, ljudtäthet, festlig högtidlighet, full klang, kontraster av chiaroscuro, temperament, improvisationsspill karakteristiska.

Genren concerto grosso och konserten i allmänhet (för orgeln, för orkestern...) är mest utmärkande för den kreativa bilden. Handel tillät en fri sammansättning av konsertcykeln, höll sig inte till principen om "snabb-långsam". Hans konserter (inklusive de för orgeln) är rent sekulära verk, med inslag av danspartier. Den allmänna tonen domineras av festlighet, energi, kontrast, improvisation.

Händel arbetade också inom andra genrer av instrumentalmusik: sonater (triosonater), fantasier, capriccios, variationer, skrev underhållande musik (dubbelkonserter, "Music on the Water").

Ändå är det ledande kreativitetsfältet upptaget av syntetiska genrer: opera, oratorium.

Instrumental musik i Frankrike.

1600-talet är höjdpunkten i instrumentalmusikens historia. Världsmusikkulturens skattkammare inkluderar verk av de franska clavecin-virtuoserna Jacques Chambonnière, Louis Coupren och Francois Coupren. En favoritgenre var en svit av små dansstycken som följde på varandra. F. Kupren är skaparen av en ny genre inom instrumentalmusik rondo (konsten att spela cembalo). Stilen på cembalomusik kännetecknas av melodisk rikedom, överflöd av ornament, flexibel graciös rytm.

Sista delen.

Barockinstrumentalmusikens inflytande på senare musik.

Övergång till klassicismens era (1740-1780)

Övergångsfasen mellan senbarock och tidig klassicism, fylld av motstridiga idéer och försök att förena olika syn på världen, har flera namn. Det kallas för "tapper stil", "rokoko", "förklassisk period" eller "tidig klassisk period". Under dessa några decennier var de tonsättare som fortsatte att arbeta i barockstilen fortfarande framgångsrika, men de tillhörde redan inte nutiden, utan det förflutna. Musiken stod vid ett vägskäl: mästarna i den gamla stilen hade utmärkt teknik, och allmänheten ville redan ha en ny. Genom att utnyttja denna önskan uppnådde Carl Philipp Emmanuel Bach berömmelse: han var en utmärkt mästare i den gamla stilen, men arbetade hårt för att uppdatera den. Hans klaversonater är anmärkningsvärda för sin frihet i strukturen, djärvt arbete på verkets struktur.

I detta övergångsögonblick ökade skillnaden mellan helig och sekulär musik. Andliga kompositioner höll sig till övervägande del inom ramen för barocken, medan sekulär musik drogs mot den nya stilen.

Särskilt i de katolska länderna i Centraleuropa var barockstilen närvarande i andlig musik fram till slutet av 1700-talet, såväl som på dess tid. antik stil renässansen höll i sig fram till första hälften av 1600-talet. Haydns och Mozarts mässor och oratorier, klassiska i sin orkestrering och ornamentik, innehöll många barocktekniker i sina kontrapunktiska och harmoniska strukturer. Barockens nedgång åtföljdes av en lång period av samexistens av gamla och nya tekniker. I många tyska städer överlevde den barocka uppträdandet fram till 1790-talet, till exempel i Leipzig, där J.S. Bach arbetade i slutet av sitt liv.

i England säkerställde Händels varaktiga popularitet framgång för mindre kända kompositörer som komponerade i den numera blekande barockstilen: Charles Avison (Eng. Charles Avison ), William Boyes (eng. William Boyce ) och Thomas Augustine Arn (eng. Thomas Augustine Arne ). På kontinentala Europa har denna stil redan kommit att betraktas som gammaldags; innehav av det krävdes endast för att komponera helig musik och ta examen från det då framträdande i många konservatorier.

Inflytande av barocktekniker och tekniker efter 1760

Eftersom mycket inom barockmusiken blev grunden för musikalisk utbildning kvarstod barockstilens inflytande efter barockens avgång som uppträdande och tonsättarstil. Till exempel, även om den allmänna basövningen gick ur bruk, förblev den en del av den musikaliska notationen. På 1800-talet trycktes partituren från barockmästarna i fullständiga upplagor, vilket ledde till ett förnyat intresse för kontrapunkten med "strikt skrift" (till exempel skrev den ryske kompositören S. I. Taneyev redan i slutet av 1800-talet teoretiskt arbete "Mobil kontrapunkt för strikt skrivning").

1900-talet gav barocken dess namn. En systematisk studie av musiken från den tiden började. Barockformer och stilar har påverkat så olika kompositörer som Arnold Schoenberg, Max Reger, Igor Stravinsky och Bela Bartok. I början av 1900-talet återuppstod intresset för mogna barockkompositörer som Henry Purcell och Antonio Vivaldi.

Ett antal verk av samtida tonsättare har publicerats som "förlorade men återupptäckta" verk av barockmästare. Till exempel violakonserten, komponerad av Henri Casadesus (fr. Henri-Gustav Casadesus ), men av honom tillskriven Händel. Eller flera verk av Fritz Kreisler (tysk. Fritz Kreisler ), tillskriven av honom till de föga kända barockkompositörerna Gaetano Pugnani (ital. Gaetano Pugnani ) och Padre Martini (ital. Padre Martini ). Och i början av 2000-talet finns det kompositörer som uteslutande skriver i barockstil, till exempel Giorgio Paccioni (Ital. Giorgio Pacchioni).

På 1900-talet komponerades många verk i "nybarock"-stil, med fokus på imitation av polyfoni. Det är verk av kompositörer som Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston och Bohuslav Martinu. Musikforskare gör försök att avsluta de ofullbordade verken av kompositörer från barocktiden (den mest kända av dessa verk är J. S. Bachs Konsten att fuga). Eftersom den musikaliska barocken var kännetecknet för en hel era, dyker ofta samtida verk skrivna "under barocken" upp för tv- och filmbruk. Till exempel parodierar kompositören Peter Schickele klassiska och barockstilar under pseudonymen P. D. K. Bach.

I slutet av 1900-talet dök historiskt informerad performance (eller "autentisk performance" eller "autenticism") upp. Detta var ett försök att i detalj återskapa sättet att framföra musiker från barocktiden. Quantz och Leopold Mozarts verk låg till grund för studiet av aspekter av barockmusik. Autentiskt framförande involverade användning av strängar gjorda av senor snarare än metall, rekonstruktion av cembalo, användning av gamla sätt för ljudproduktion och bortglömda speltekniker. Flera populära ensembler har använt dessa innovationer. Dessa är Anonymous 4, Academy of Early Music, Boston Society of Haydn and Handel, Academy of St. Martin in Fields, William Christies Les Arts Florissants Ensemble, Le poeme harmonique, Catherine the Great's Orchestra och andra.

Vid 1900- och 2000-talsskiftet ökade intresset för barockmusik och först och främst för barockopera. Framstående operasångerskor som Cecilia Bartoli inkluderade barockverk i sin repertoar. Föreställningar genomförs både i konsert och i den klassiska versionen.

Jazz

Barockmusik och jazz har en viss gemensam grund. Barockmusik är, liksom jazz, huvudsakligen skriven för små ensembler (på den tiden fanns det ingen verklig möjlighet att samla en orkester med hundratals musiker), som påminner om en jazzkvartett. Dessutom lämnar barockverk ett brett fält för improvisation. Till exempel innehåller många barockvokalverk två sångstämmor: den första delen sjungs/spelas enligt kompositörens indikation, och sedan upprepas den, men vokalisten dekorerar improvisationsmässigt huvudmelodin med triller, graces och andra dekorationer. Men till skillnad från jazz är det ingen förändring i rytm och grundmelodi. Barockimprovisation kompletterar bara, men förändrar ingenting.

Som en del av den coola jazzstilen på 50-talet av 1900-talet fanns det en tendens att dra paralleller i jazzkompositioner med barockmusik. Efter att ha upptäckt gemensamma harmoniska och melodiska principer i sådana musikaliskt och estetiskt avlägsna perioder visade musikerna intresse för J.S. Bachs instrumentalmusik. Ett antal musiker och ensembler har tagit vägen för att utveckla dessa idéer. Bland dem finns Dave Brubeck, Bill Evans, Gerry Mulligan, men detta syftar i första hand på "Modern Jazz Quartet", ledd av pianisten John Lewis.

Slutsats.

Barocktiden lämnade efter sig ett kolossalt antal mästerverk av världskulturen, och inte en liten del av dem är skapelser av instrumental musik.Således lever barocken i den musikaliska vardagen, i den lätta musikens intonationer och rytmer, i det ökända "till Vivaldis musik", i skolans normer. musikaliskt språk. Genrerna födda ur barocktiden lever och utvecklas på sina egna sätt: fuga, opera, kantat, preludium, sonat, konsert, aria, variationer...Efter att ha spårat och analyserat dess historia är du övertygad om att nästan all modern musik på något sätt är kopplad till barocktidens musik, separat med instrumentalmusik. Än idag skapas ensembler av tidig musik, och det säger mycket...

Lista över källor:

Encyclopedic Dictionary of Brockhaus and Efron (1890-1907).

Sposobin I. "Musikalisk form." M., 1984

Sherman N. S. "Formation of Equal Temperament". M., 1964.

Livanova T.N., "History of Western European Music to 1789 (XVII century)", lärobok i 2 vols. T. 1. M., 1983

Rosensköld. "Berättelse utländsk musik fram till mitten av 1700-talet. M. "Musik" 1979

Kolesov. "Föreläsningar om världens historia konstnärlig kultur." Kiev-2000

en.wikipedia.org

muzlit.ru

krugosvet.ru

Skyddsduk.

Barocktiden (XVII-talet) är en av de mest intressanta epoker i världskulturens historia. En speciell roll i denna era upptas av musikkonsten, som så att säga börjar med en avgörande vändpunkt, med en kompromisslös kamp mot den gamla "strikta stilen".Dominans bestäms slutligen sekulär musik(även om kyrkan i Tyskland och vissa andra länder också har stor betydelse).

Barockmusiken blir mer komplex jämfört med renässansens musik, och klassicismens musik blir mer strukturerad med mindre ornamentik och avslöjar många känslor, medan en del i barockmusiken bar en tydligt spårad känsla.

Tack vare framstående musiker dyker nya musikgenrer upp, som symfonin och konserten, sonaten utvecklas, fugan når oöverträffad popularitet. Den viktigaste typen av konsert är grosso, denna genrebyggd på starka kontraster; instrument är uppdelade i de som deltar i ljudet av en hel orkester och i en mindre sologrupp. Musiken bygger på skarpa övergångar från högljudda till tysta partier, snabba passager står i motsats till långsamma.

Utan tvekan är barockinstrumentalmusikens vagga och centrum Italien, som gav världen det största antalet briljanta virtuosa kompositörer (Girolamo Frescobaldi (1583-1643),Domenico Scarlatti (1685–1757),Antonio Vivaldi (1678-1741), Arcangelo Corelli. (1653 -1713). Musiken av dessa största kompositörer slutar aldrig att glädja lyssnarna.

Försöker hålla jämna steg med Italien och andra västeuropeiska länder: Tyskland, Frankrike, England.

I Tyskland var den mest betydande siffran J.S. Bach, som gav orgeln en ledande roll i sitt arbete. Bachs stora arv har en moralisk inverkan. Han steg långt bortom en stil, en era.

Världsmusikkulturens skattkammare inkluderar verk av de franska clavecin-virtuoserna Jacques Chambonnière, Louis Coupren och Francois Coupren.

Inom den engelska instrumentalmusikens område tog klaverskolan form. Den mest framstående kompositören var Georg Friedrich Handel. Genren concerto grosso och konserten i allmänhet (för orgeln, för orkestern...) är mest utmärkande för den kreativa bilden. Handel tillät en fri sammansättning av konsertcykeln, höll sig inte till principen om "snabb-långsam". Hans konserter (inklusive de för orgeln) är rent sekulära verk, med inslag av danspartier.

Därefter hade barockinstrumentalmusik en betydande inverkan på all efterföljande musik och gemensamma drag finns även inom jazz.

Redan nu skapas ensembler av tidig musik.

Flöjten är ett av de äldsta musikinstrumenten. De är tvärgående och längsgående. De längsgående hålls rakt fram och blåser in luft i hålet i den övre änden av flöjten. De tvärgående hålls i horisontell riktning och blåser luft in i sidohålet på flöjten.

Det allra första omnämnandet av den längsgående flöjten finns i grekisk mytologi och Egyptens historia (tredje årtusendet f.Kr.).

I Kina går det första omnämnandet av en tvärflöjt med fem eller sex fingerhål tillbaka till det första årtusendet f.Kr., precis som i Japan och Indien. Revolutionära förändringar i flöjtens design skedde i mitten av artonhundratalet med hjälp av Theobald Boehm.

Även om moderna flöjter är träblåsinstrument, är de vanligtvis gjorda av metallegeringar med guld, silver och till och med platina. Detta ger dem ett ljusare ljud och lättare att spela än de träflöjter som föregick metallflöjter under tidigare århundraden.

Flöjten är ett av de mest virtuosa instrumenten i en symfoniorkester. Hennes parias är fulla av arpeggios och passager.

Mässingsmusikinstrument

Blåsinstrument - grupp blåsmusikinstrument , principen för att spela på vilken är att erhålla harmoniska konsonanser genom att ändra styrkan på det blåsta luftflödet eller läpparnas position.

Namnet "koppar" går historiskt tillbaka till materialet från vilket dessa verktyg tillverkades, i vår tid, förutom koppar, används de ofta för deras tillverkning. mässing, mer sällan silver , och några av medeltidens och barockens instrument med liknande sätt att producera ljud (t.ex. orm ) var gjorda av trä.

Blåsinstrument inkluderar moderna horn, trumpet, kornett, flygelhorn, trombon, tuba . En separat grupp är saxhorn . Gamla mässingsinstrument - sackbut (föregångaren till den moderna trombonen), orm Vissa folkinstrument är också koppar, till exempel de centralasiatiska karnay.

Mässingsinstrumentens historia

Konsten att blåsa hålet horn djur eller i ett skal var känt redan i gamla tider. Därefter lärde man sig att tillverka specialverktyg av metall, liknande horn och avsedda för militära, jakt- och religiösa ändamål.

Förfäderna till moderna mässingsinstrument var jakthorn, militära horn och stolphorn. Dessa verktyg, som inte hade en mekanism ventiler gav några ljudnaturlig skala , hämtas endast med hjälp av artistens läppar. Härifrån uppträdde militär- och jaktfanfarer och signaler baserade på ljuden från den naturliga skalan, som har blivit fast etablerade i musikalisk praktik.

Med förbättringen av tekniken för metallbearbetning och produktion av metallprodukter blev det möjligt att tillverka rör för vindinstrument av vissa dimensioner och önskad grad av finish. Med förbättringen av kopparvindrör och utvecklingen av konsten att extrahera en betydande mängd ljud från den naturliga skalan på dem dök konceptet uppnaturliga instrument , det vill säga instrument utan mekanism, som endast kan producera en naturlig skala.

I början av 1800-talet uppfanns ventilmekanismen, vilket dramatiskt förändrade prestandatekniken och ökade kapaciteten hos blåsinstrument i mässing.

Klassificering av kopparinstrument

Blåsinstrument är indelade i flera familjer:

• Ventilverktyg har flera grindar (vanligtvis tre eller fyra) som styrs av artistens fingrar. Ventilens princip är att omedelbart inkludera en extra krona i huvudröret, vilket ökar instrumentets längd och sänker hela dess system. Flera ventiler som förbinder rör av olika längd gör det möjligt att få en kromatisk skala. De flesta moderna mässingsinstrument är ventilförsedda - horn, trumpeter, tubor, saxhorn, etc. Det finns två utformningar av ventilen - "roterande" och "stående" (kolv).
• Ok verktyg använd ett speciellt U-format infällbart rör - en scen, vars rörelse ändrar längden på luften i kanalen, vilket sänker eller ökar de extraherade ljuden. Det huvudsakliga rockinstrumentet som används i musik är trombonen.
• naturliga instrument har inga extra rör och kan bara extrahera ljuden från den naturliga skalan. På 1700-talet, speciellnaturliga hornorkestrar . Fram till början av 1800-talet användes naturliga instrument i stor utsträckning i musik, sedan, med uppfinningen av ventilmekanismen, föll de i bruk. Naturliga instrument finns också ibland i partitur av kompositörer från 1800- och 1900-talen (Wagner, R. Strauss, Ligeti) för speciella ljudeffekter. Naturliga instrument inkluderar antika trumpeter och franska horn, samtalpint horn , fanfar, bugle, signalhorn (jakt, post) och liknande.
• Ventilinstrument har hål på kroppen, öppnas och stängs av artistens fingrar, som påträblås . Sådana instrument var utbredda fram till 1700-talet, men på grund av en del besvär med att spela på dem föll de också ur bruk. Grundläggande ventilmässingsinstrument - kornett (zink), orm , ophicleid, ventilrör . De inkluderar också posthorn.

Nuförtiden, med återupplivandet av intresset för tidig musik, blir det återigen att spela på natur- och ventilinstrument.

Mässingsinstrument kan också klassificeras efter deras akustiska egenskaper:

• Full― instrument på vilka du kan extrahera grundtonen i den harmoniska skalan.
• halv― instrument på vilka huvudtonen inte kan extraheras, och skalan börjar med den andra harmoniska konsonansen.

Användningen av blåsinstrument i musik

Blåsinstrument används ofta i olika musikgenrer och kompositioner. Som en del avsymfoni orkester de utgör en av dess huvudgrupper. Standardkompositionen för en symfoniorkester inkluderar:

• Horn (jämnt nummer från två till åtta, oftast fyra)
• Rör (från två till fem, oftast två till tre)
• Tromboner (vanligtvis tre: två tenor och en bas)
• Rör (vanligtvis ett)

I partituren från 1800-talet ingår också symfoniorkestern ofta kornetter , men med utvecklingen av prestationstekniker började deras delar utföras på rör. Andra blåsinstrument förekommer endast sporadiskt i orkestern.

Kopparinstrument är grundenblåsorkester , som förutom ovanstående verktyg även omfattar saxhorn olika storlekar.

Sololitteratur för mässing är ganska talrik - virtuosa artister på naturliga pipor och horn fanns redan under den tidiga barocktiden, och kompositörer skapade villigt sina kompositioner för dem. Efter en viss nedgång i intresset för blåsinstrument under romantikens tidevarv, upptäcktes på 1900-talet nya spelmöjligheter för blåsinstrument och en betydande utökning av deras repertoar.

I kammarensembler används blåsinstrument relativt sällan, men de kan själva kombineras till ensembler, varav de vanligaste mässingskvintett (två trumpeter, horn, trombon, tuba).

Trumpeter och tromboner spelar en viktig roll i jazz och ett antal andra genrer av samtida musik.

Xylofon

Klassificering
Relaterade instrument
Xylofon på Wikimedia Commons

Xylofon(från grekiska. ξύλον - träd + φωνή - ljud) -slagverksinstrument med en viss tonhöjd. Det är en serie träblock i olika storlekar, stämda till vissa toner. Stängerna slås med pinnar med sfäriska spetsar eller speciella hammare som ser ut som små skedar (på musikers jargong kallas dessa hammare "getben").

Klangfärg xylofonen är skarp och klickig i forte och mjuk i piano.

Instrumentets historia

Xylofon har gammalt ursprung- de enklaste instrumenten av denna typ har funnits och finns fortfarande bland olika folkslag Afrika, Sydöstra Asien , Latinamerika .

I Europa går det första omnämnandet av xylofonen tillbaka till början av 1500-talet: Arnolt Schlick nämner i en avhandling om musikinstrument ett liknande instrument som kallas hueltze glechter. Fram till 1800-talet var den europeiska xylofonen ett ganska primitivt instrument, bestående av cirka två dussin trästänger, bundna i en kedja och utlagda på en plan yta för spel. Bekvämligheten med att bära ett sådant instrument väckte uppmärksamhet från kringresande musiker.

Xylofon förbättrad av Guzikov

Förbättringen av xylofonen går tillbaka till 1830-talet. Vitrysk musiker Mikhoel Guzikov utökade sitt sortiment till två och en halv oktav, och ändrade även designen och arrangerade stängerna på ett speciellt sätt i fyra rader. Denna modell av xylofonen användes i mer än hundra år.

På en modern xylofon är stängerna arrangerade i två rader som pianotangenter, utrustade med resonatorer i form av plåtrör och placerade på ett speciellt bordsstativ för enkel rörelse.

Xylofonens roll i musik

Den första kända användningen av xylofonen i en orkester är Seven Variations.Ferdinand Cauer skriven 1810 år. Hans fester ingår i hans verk fransk kompositör Kastner. En av de mest kända kompositionerna där xylofonen är inblandad är en symfonisk diktCamille Saint-Saens "Döds dansen" ( 1872 ).

För närvarande används xylofonen isymfoni orkester , på scenen, extremt sällan - som soloinstrument ("Fantasi om japanska gravyrers teman" för xylofon och orkester, Op. 211, ( 1964) Alana Hovaness).

Domra

Domra är ett gammalt ryskt plockat stränginstrument. Hans öde är fantastiskt och unikt i sitt slag.

Var den kom ifrån, hur och när domra dök upp i Rus, är fortfarande ett mysterium för forskare. I historiska källor lite information om domra har överlevt, ännu färre bilder av forntida ryska domra har kommit till oss. Och om domras är avbildade på dokument som har kommit till oss, eller några andra plockade instrument som var vanliga på den tiden, är också okänt. Det första omnämnandet av domra hittades i källorna från 1500-talet. De pratar om domra som ett instrument som redan var ganska vanligt i Rus på den tiden.

För tillfället finns det två mest troliga versioner av domras ursprung. Den första och vanligaste är versionen om den ryska domras östra rötter. Verkligen, instrument som liknar design och metod för ljudextraktion existerade och existerar fortfarande i musikkulturerna i länderna i öst. Om du någonsin har sett eller hört den kazakiska dombraen, turkiska baglama eller tadzjikiska rubab, så kanske du har märkt att de alla har en rund eller oval form, en platt klangbotten, ljudet extraheras genom att träffa ett plektrum med olika frekvens och intensitet. Det är allmänt accepterat att alla dessa instrument hade en förfader - den östra tanburen. Det var tanburen som hade en oval form och en platt klangbotten; de spelade den med ett speciellt chip, snidat från improviserade material - ett plektrum. Förmodligen fördes instrumentet, som senare förvandlades till en domra, antingen under tiden för det tatarisk-mongoliska oket eller under handelsförbindelserna med länderna i öst. Och själva namnet "domra" har utan tvekan en turkisk rot.

En annan version utgår från antagandet att domra leder sin stamtavla från den europeiska lutan. I princip kallades vilken sträng som helst på medeltiden för luta. plockat instrument, som hade en kropp, hals och strängar. Lutan i sin tur härstammade också från ett orientaliskt instrument - det arabiska al-ud. Kanske har domrans utseende och design påverkats av instrumenten från de västra, europeiska, slaver, till exempel den polsk-ukrainska kobza och dess förbättrade version - bandura. Bara banduran lånade mycket direkt från lutan. Med tanke på att slaverna under medeltiden ständigt befann sig i komplexa historiska och kulturella relationer, kan givetvis domra också anses likna alla dåtidens europeiska stråkplockade instrument.

Baserat på den kunskap och forskning som ackumulerats hittills kan vi alltså dra slutsatsen att domran var ett typiskt ryskt instrument som kombinerade, liksom mycket i vår stats kultur och historia, både europeiska och asiatiska drag.

Icke desto mindre, oavsett domrans verkliga ursprung, är det väl etablerat att ett instrument med detta namn fanns i Ryssland och var en integrerad del av den ryska kulturen under 1500- och 1600-talen. Den spelades av buffonmusiker, vilket framgår av det välkända ordspråket till forskare "Jag är glad att bufflarna är om sina domras". Vid det kungliga hovet fanns det dessutom en hel "nöjeskammare", en sorts musik- och underhållningsgrupp, vars grund var buffoner med sina domras, harpor, horn och andra gamla ryska musikinstrument. Dessutom, enligt vissa forskare, hade domra vid den tiden redan bildat en familj av ensemblevarianter. Den minsta och pipiga kallades "domrishka", den största och lägst klingande - "basdomra".

Det är också känt att domra och domra artister - buffoner och "domrachi", åtnjöt avsevärd popularitet bland folket. Alla slags högtider, festligheter och folkfester i alla tider och bland alla folk åtföljdes av sånger och spelande av musikinstrument. I Ryssland på medeltiden var det "domracheev", "gåsmän", "skrypotchikov" och andra musiker att underhålla folket. På domra, som en harpa, ackompanjerade de folkepos, epos, legender och i folkvisor stödde domra den melodiska linjen. Det är autentiskt känt att hantverksproduktion av domras och domrasträngar etablerades, vars register över leveranserna till domstolen och Sibirien finns bevarade i historiska dokument ...

Förmodligen var tekniken för att göra domra följande: en kropp urholkades ur ett enda trästycke, en gam fästes vid den, snören eller djurvener drogs. De lekte med en flisa, en fjäder, ett fiskben. En relativt enkel teknik gjorde tydligen att instrumentet kunde användas i stor utsträckning i Ryssland.

Men här i domras historia kommer det mest dramatiska ögonblicket. Oroliga över utvecklingen av den sekulära kulturen, tog kyrkans ministrar till vapen mot musikerna och förklarade föreställningarna av buffons "demoniska spel". Som ett resultat, 1648, utfärdade tsar Alexei Mikhailovich ett dekret om massutrotning av oskyldiga instrument - verktygen för "demoniska spel". Det berömda dekretet lyder: "Var kommer domras, och surnar, och pip, och psalter, och hari, och alla möjliga surrande kärl ... beordrade att gripa och, efter att ha brutit de demoniska lekarna, beordrade att brinna." Enligt den tyske 1600-talsresenären Adam Olearius förbjöds ryssar från instrumentalmusik i allmänhet, och en gång togs flera vagnar lastade med instrument tagna från befolkningen över Moskvafloden och brändes där. Både musiker och bufflar i allmänhet förföljdes.

Kanske har en sådan verkligt tragisk vändning av ödet inte hänt något musikinstrument i världen. Så, vare sig som ett resultat av barbarisk utrotning och förbud, eller av andra skäl, men efter 1600-talet, hittar forskarna inte något betydande omnämnande av den gamla domran. Historien om det gamla ryska instrumentet slutar här, och man skulle kunna sätta stopp för det, men ... Domra var avsett att bokstavligen återfödas ur askan!

Detta hände tack vare aktiviteterna hos en enastående forskare och musiker, en ovanligt begåvad och extraordinär person - Vasily Vasilyevich Andreev. 1896, i Vyatka-provinsen, upptäckte han ett okänt instrument med en halvklotformad kropp. Förutsatt från sitt utseende att detta är domra, gick han till den berömda mästaren Semyon Ivanovich Nalimov. Tillsammans utvecklade de designen av ett nytt instrument, baserat på formen och designen av det hittade. Historiker tvistar fortfarande om huruvida instrumentet som hittats av Andreev verkligen var en gammal domra. Ändå kallades instrumentet som rekonstruerades 1896 "domra". En rund kropp, en medellång hals, tre strängar, ett fjärde system - så här såg den rekonstruerade domran ut.

Vid den tiden hade Andreev redan en balalajkaorkester. Men för att förverkliga hans briljanta idé behövde den stora ryska orkestern en ledande melodisk grupp av instrument, och den restaurerade domran, med sina nya möjligheter, var idealisk för denna roll. I samband med historien om skapandet av Great Russian Orchestra är det värt att nämna ytterligare en enastående person, utan vilken idén kanske inte skulle ha hittat sin förkroppsligande. Det här är pianisten och professionella kompositören Nikolai Petrovich Fomin, Andreevs närmaste medarbetare. Det var tack vare Fomins professionella inställning som Andreevs krets, till en början amatör, studerade notskrift, stod på professionell basis och sedan erövrade lyssnare både i Ryssland och utomlands med sina framträdanden. Och om Andreev i första hand var en generator av idéer, så blev Fomin den person tack vare vilken domras och balalajkor faktiskt gick in på utvecklingens väg som fullvärdiga akademiska instrument.

Men tillbaka till domra. Under perioden 1896-1890. V. Andreev och S. Nalimov designade ensemblevarianter av domra. Och de första decennierna efter sin nya födelse utvecklades domra i linje med orkester- och ensembleframträdanden.

Men nästan omedelbart avslöjades vissa begränsningar av kapaciteten hos Andreev domra, i samband med vilka försök gjordes att förbättra den konstruktivt. Huvuduppgiften var att utöka utbudet av verktyget. År 1908, på förslag av dirigenten G. Lyubimov, skapade mästare S. Burov en fyrsträngad domra med ett femte system. Den "fyrsträngade" fick en fiolomfång, men var tyvärr underlägsen den "tresträngade" när det gäller klang och färg. Därefter dök också dess ensemblevarianter och en orkester av fyrsträngade domras upp.

Intresset för domra växte för varje år, musikaliska och tekniska horisonter vidgades, virtuosa musiker dök upp. Slutligen, 1945, skapades den första instrumentalkonserten för domra med en orkester av ryska folkinstrument. berömd konsert g-moll Nikolai Budashkin skrevs på begäran av orkesterns konsertmästare. Osipov Alexey Simonenkov. Denna händelse öppnade en ny era i domras historia. Med tillkomsten av den första instrumentalkonserten blir domra ett solo, virtuost instrument.

1948 öppnades den första avdelningen för folkinstrument i Ryssland i Moskva vid State Musical and Pedagogical Institute uppkallad efter I.I. Gnesins. Den första domraläraren var den enastående kompositören Yu Shishakov, och sedan de unga solisterna i orkestern som är uppkallad efter. Osipova V. Miromanov och A. Alexandrov - skaparen av den första skolan för att spela tresträngad domra. Tack vare det högre professionell utbildning det ursprungligen folkliga instrumentet domra passerade på kort tid vägen på den akademiska scenen, på vilken symfoniorkesterns instrument tog århundraden (trots allt var fiolen en gång ett folkinstrument!).

Domras prestation går framåt i en gigantisk takt. 1974 hölls I All-Russian-tävlingen för artister på folkinstrument, vinnarna av tävlingen var enastående virtuosa domrister - Alexander Tsygankov och Tamara Volskaya (se avsnittet kreativ aktivitet som under decennier framöver bestämde riktningen för utvecklingen av domrakonsten både inom själva performanceområdet och inom domrarepertoaren.

Domra är idag ett ungt lovande instrument med en enorm, i första hand musikalisk och uttrycksfull potential, som har genuint ryska rötter och som ändå har tagit sig till den akademiska genrens höjder. Vad blir hans framtida öde? Ordet är ditt, kära domrister!

Balalajka

Beskrivning
Kroppen är limmad från separata (6-7) segment, huvudet på den långa halsen är lätt böjt bakåt. Metallsträngar (på 1700-talet var två av dem ådrade; moderna balalajkor har nylon- eller kolsträngar). På greppbrädan på en modern balalaika finns 16-31 metallband (fram till slutet av 1800-talet - 5-7 forcerade band).

Ljudet är högt men mjukt. De vanligaste teknikerna för att extrahera ljud: skramlande, pizzicato, dubbel pizzicato, enkel pizzicato, vibrato, tremolo, bråk, gitarrtrick.

bygga

Fram till förvandlingen av balalajkan till ett konsertinstrument i slutet av 1800-talet av Vasilij Andreev, hade den inte ett permanent, allestädes närvarande system. Varje artist stämde instrumentet efter hans spelstil, den allmänna stämningen i de spelade styckena och lokala traditioner.

Systemet som introducerades av Andreev (två strängar unisont - tonen "mi", en - en kvart högre - tonen "la" (och "mi" och "la" i den första oktaven) blev utbredd bland konsertbalalajkaspelare och började att kallas "akademisk". Det finns också "folkligt" system - den första strängen är "salt", den andra - "mi", den tredje - "gör". I detta system är treklanger lättare att ta, nackdelen med det är svårigheten att spela på öppna strängar. Utöver ovanstående finns det också regionala traditioner att stämma instrumentet. sällsynta lokala inställningar når två dussin ..

Olika sorter

I en modern orkester av ryska folkinstrument används fem varianter av balalajkor: prima, sekund, viola, bas och kontrabas. Av dessa är bara primat ett solo, virtuost instrument, medan resten tilldelas rent orkestrala funktioner: andra och altfiol implementerar ackordsackompanjemang, medan bas och kontrabas utför basfunktionen.

Utbredning

Balalaika är ett ganska vanligt musikinstrument som studeras i akademiska musikaliska utbildningsinstitutioner i Ryssland, Vitryssland, Ukraina och Kazakstan.

Träningstiden för balalaika i en barnmusikskola är 5 - 7 år (beroende på elevens ålder) och i genomsnitt läroanstalt- 4 år, på högskola 4-5 år. Repertoar: arrangemang av folkvisor, arrangemang av klassiska verk, författares musik.

Berättelse
Det finns ingen enskild syn på tidpunkten för balalajkans uppkomst. Man tror att balalajkan har spridits sedan slutet av 1600-talet. Förbättrad tack vare V. Andreev tillsammans med mästarna Paserbsky och Nalimov. En familj av moderniserade balalajkor har skapats: piccolo, prima, sekund, viola, bas, kontrabas. Balalajkan används som solokonsert, ensemble och orkesterinstrument.

Etymologi
Själva namnet på instrumentet är redan konstigt, det är typiskt folkligt, vilket förmedlar karaktären av att spela på det med ljudet av stavelser. Roten till orden "balalaika", eller, som det också kallades, "balabayka", har länge uppmärksammats av forskare genom sin släktskap med sådana ryska ord som balakat, balabonit, balabolit, joker, vilket betyder att chatta, tömma samtal (gå tillbaka till det vanliga slaviska *bolbol av samma betydelse ). Alla dessa koncept, som kompletterar varandra, förmedlar essensen av balalajkan - ett instrument för ljus, roligt, "strummande", inte särskilt allvarligt.

För första gången finns ordet "balalaika" i skrivna monument som går tillbaka till Peter I:s regeringstid.

Det första skriftliga omnämnandet av balalajkan finns i ett dokument daterat den 13 juni 1688 - "Minne från Streltsy-orden till den lilla ryska orden" (RGADA), som bland annat rapporterar att Streltsy-orden fördes i Moskva. "<...>stadsmannen Savka Fedorov<...>Ja<...>bonden Ivashko Dmitriev, och med dem en balalajka fördes så att de red en vagnhäst i en vagn till Yausky-portarna, sjöng sånger och spelade balalajka i toi, och vakta bågskyttar som stod vid Yausky-portarna på vakt skällde ut.<...>».

Nästa skriftliga källa där balalajkan nämns är "Register" undertecknat av Peter I, med hänvisning till 1715: i St. Petersburg, under firandet av gycklarens bröllop av "Prince-Papa" N. M. Zotov, förutom andra instrument burna av mummers, fyra balalajkor namngavs.

För första gången intygades ordet på det ukrainska språket i början av 1700-talet (i dokument från 1717-1732) i form av "balabaika" (uppenbarligen är detta dess äldre form, även bevarad i Kursk- och Karachev-dialekterna ). På ryska för första gången i V. I. Maikovs dikt "Elisey", 1771, sång 1: "Du stämmer mig en visselpipa eller en balalajka."

Cello (italiensk violoncell, förkortning cello, tysk violoncello, fransk violoncell, engelsk cello)

Ett böjt stränginstrument av bas- och tenorregistret, känt från första början hälften av XVI talet, samma struktur som fiolen eller violan, men mycket större. Cellon har breda uttrycksmöjligheter och noggrant utvecklad framförandeteknik, den används som solo-, ensemble- och orkesterinstrument.

Historien om instrumentets uppkomst och utveckling

Cellons utseende går tillbaka till början av 1500-talet. Ursprungligen användes det som ett basinstrument för att ackompanjera sång eller spela ett instrument av ett högre register. Det fanns många varianter av cellon, som skilde sig från varandra i storlek, antal strängar och stämning (den vanligaste stämningen var en ton lägre än den moderna).
Under 1600- och 1700-talen skapade ansträngningarna från de enastående musikmästarna i de italienska skolorna (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana, etc.) en klassisk cellomodell med en fast etablerad kroppsstorlek. I slutet av 1600-talet dök de första soloverken för cello upp – sonater och ricerbilar av Giovanni Gabrieli. I mitten av 1700-talet började cellon användas som ett konsertinstrument, på grund av dess ljusare, fylligare ljud och förbättrade framförandeteknik, vilket slutligen förflyttade viola da gamba från musikutövning. Cellon ingår också i symfoniorkestern och kammarensembler. Det slutliga godkännandet av cellon som ett av de ledande instrumenten inom musik skedde på 1900-talet genom insatser från den enastående musikern Pablo Casals. Utvecklingen av prestationsskolor på detta instrument har lett till framväxten av många virtuosa cellister som regelbundet utför solokonserter.
Cellorepertoaren är mycket bred och inkluderar ett flertal konserter, sonater, kompositioner utan ackompanjemang.


]Teknik för att spela cello

Mstislav Rostropovich med en Duport-cello av Stradivari.
Principerna för spel och slag när man spelar på cello är desamma som på fiol, men på grund av instrumentets större storlek och spelarens olika position är tekniken att spela cello något begränsad. Flageolets, pizzicato, tumbet och andra speltekniker används. Cellons klang är saftigt, melodiskt och spänt, något komprimerat i det övre registret.
Cellosträngstruktur: C, G, d, a (do, salt av en stor oktav, re, la av en liten oktav), det vill säga en oktav under altfiolen. Cellons räckvidd, tack vare den utvecklade tekniken att spela på en sträng, är mycket brett - från C (till en stor oktav) till a4 (A i den fjärde oktaven) och högre. Tonerna skrivs i bas-, tenor- och diskantklav enligt det faktiska ljudet.


instrumentet hölls av vaderna på benen
När man spelar vilar artisten cellon på golvet med en kapstan, som blev utbredd först i slutet av 1800-talet (innan dess hölls instrumentet av vaderna på benen). På moderna cellon används den böjda kapstanen, uppfunnen av den franske cellisten P. Tortelier, flitigt, vilket ger instrumentet en plattare position, något som underlättar speltekniken.
Cellon används ofta som soloinstrument, cellogruppen används i stråk- och symfoniorkestrar, cellon är en obligatorisk medlem av stråkkvartetten, där den är lägst (förutom kontrabasen, som ibland används i it) av instrumenten i termer av ljud, och används också ofta i andra kammarensembler. I orkesterpartituren skrivs cellostämman mellan stämmorna i altfiol och kontrabas.

Historien om skapandet av fiolen

Musikhistorien anser att fiolen i sin mest perfekta form uppstod på 1500-talet. Vid den tiden var alla stråkinstrument som var aktiva under hela medeltiden redan kända. De var ordnade i en viss ordning, och den tidens vetenskapsmän kände med större eller mindre sannolikhet hela deras härstamning. Deras antal var enormt och nu finns det ingen anledning att fördjupa sig i djupet av denna fråga.

De senaste forskarna har kommit fram till att fiolen inte på något sätt är en reducerad "viola da gamba". Dessutom har det fastställts med tillräcklig noggrannhet att båda dessa typer av instrument i sin enhet har skarpt olika egenskaper från varandra. Alla instrument relaterade till "viole da gamba" hade en platt rygg, platta kanter, en hals delad av band, ett huvud mer sällan i form av en trefoil och oftare med en bild av ett djur eller ett människohuvud, utskärningar på instrumentets övre yta i konturerna av den latinska bokstaven "C", och slutligen , strängstämning i fjärdedelar och tredjedelar. Tvärtom, "viola da brachio", som den moderna fiolens närmaste föregångare, hade en femte stämning av strängarna, en konvex rygg, kanterna är något upphöjda, greppbrädan utan några band, huvudet i form av en rulla och skåror eller "efs", i konturerna av gemenerna vända mot varandra latinska f i kursiv stil.
Denna omständighet ledde till det faktum att den egentliga violfamiljen bestod av en successiv minskning av gamba. Sålunda uppstod en komplett komposition av den gamla "kvartetten" eller "kvintetten", bestående av endast altfiorer av olika storlekar. Men tillsammans med uppkomsten av en komplett familj av violer utvecklades och förbättrades ett instrument som hade alla de utmärkande och mest karaktärsdrag modern fiol. Och detta instrument är faktiskt inte ens en "handviola" i ordets bokstavliga mening, utan den så kallade "handlyran", som, som ett folkinstrument i de slaviska länderna, utgjorde grunden för det moderna familj av fioler. Stora Raphael(1483-1520), i en av hans målningar från 1503, ger en utmärkt skildring av detta instrument. Med tanke på det råder det inte minsta tvivel om att det finns mycket lite kvar för den fullständiga förvandlingen av "handlyran" till vår tids perfekta fiol. Den enda skillnaden som skiljer bilden av Raphael från den moderna fiolen ligger bara i antalet strängar - det finns fem av dem i närvaro av två bas - och i konturerna av pinnarna, som fortfarande starkt liknar pinnarna på en gammal viol.
Sedan dess har bevisen mångdubblats i en otrolig takt. De obetydliga korrigeringar som kunde göras i bilden av den antika "lyre da brachio" skulle ge den den mest oklanderliga likheten med den moderna fiolen. Dessa vittnesmål, i form av en gammal fiol, går så långt tillbaka som 1516 och 1530, då en bokhandlare i Basel valde gammal fiol med ditt varumärke. Samtidigt förekom ordet "fiol", i sin franska stil viool, först i franska ordböcker i början av 1500-talet. Henri Pruneer (1886-1942) hävdar att detta ord så tidigt som 1529 finns i vissa affärstidningar på den tiden. Indikationer på att begreppet "violon" förekom omkring 1490 bör dock anses tveksamma. I Italien började ordet violonista i betydelsen violinspelare dyka upp från 1462, medan själva ordet violin i betydelsen "fiol" kom till användning först hundra år senare, då det fick stor spridning. Engelsmännen antog den franska stavningen av ordet först 1555, som dock tre år senare ersattes av den helt engelska "fiolen".
I Rus, enligt vittnesmål från de äldsta monumenten, var stråkinstrument kända under mycket lång tid, men inget av dem utvecklades så mycket att det senare blev ett instrument för en symfoniorkester. Det äldsta forntida ryska båginstrumentet är pip. I sin renaste form hade den en oval, något päronformad träkropp, med tre snören spända över. De spelade visselpipan med en välvd båge, vilket inte hade något att göra med den moderna. Tiden när visselpipan uppstod är inte exakt känd, men det finns ett antagande om att "pipet" dök upp i Rus tillsammans med penetreringen av "östliga" instrument - domra, surna och smyk. Denna tid bestäms vanligtvis av andra hälften av XIV och början av XV-talet. Det är svårt att säga när "fioler" dök upp i ordets bokstavliga bemärkelse. Man vet bara med säkerhet att de första omnämnandena av violinisten i 1500- och 1600-talens alfabetböcker "likväl visar att tolkarna inte hade någon aning om det." I vilket fall som helst, enligt P. F. Findeisen (1868-1928), var detta instrument ännu inte känt i det inhemska och offentliga livet i Moskva Rus', och de första fiolerna i sin fullständigt fullbordade form dök upp i Moskva, uppenbarligen, först i början XVIII-talet. Men alfabetböckernas sammanställare, som en gång aldrig hade sett en äkta fiol, förstod bara att detta instrument måste vara ett stråkinstrument och liknade det därför felaktigt vid "gusli" och "Lilla ryska liran", som, naturligtvis var definitivt inte sant.
Mer eller mindre detaljerade beskrivningar av den nya fiolen i väst börjar dyka upp först från mitten av 1500-talet. Således citerar Philibert Jambes de Fair (1526-1572), som beskriver den samtida fiolens särdrag och särdrag, ett antal namn av vilka man kan dra slutsatsen att "fiolfamiljen" byggdes efter modellen och likheten med altfiol. Det var från denna tid, från 1556, som fiolen fanns fram till slutet av 1600-talet i flera varianter, kända under de franska namnen dessus, quinte, haute-contre, tailee och basse. I denna form etablerades violinfamiljens sammansättning när Peer Maryann (1588-1648) började skriva om honom. "Gang of twenty-four" - som Les vingt-quatre kallades en gång - bestod av samma instrument, men med namnen redan flyttade. Dessas följdes av haute-contre, och kvinten låg mellan tailee och basse, men deras volymer motsvarade exakt de tidigare uppgifterna, som nyss nämnts. Senare skedde ytterligare en förändring i denna sammansättning av violinerna, på grund av vilken haute-contre helt försvann och gav plats för dessus, och taileen förenade sig med kvinten och antog den senares ordning. Sålunda etablerades en ny typ av fyrstämmig stråkkombination, där dessus motsvarade första- och andraviolinerna, tailee eller kvinte - altfior och bas - cello.
Nu är det svårt att med exakthet fastställa när det slutliga färdigställandet av det instrumentet, som nu är känt under namnet "fiol", ägde rum. Troligtvis fortsatte denna förbättring i en kontinuerlig serie, och varje mästare tog med sig något eget. Ändå kan det tydligt konstateras att 1600-talet var "guldåldern" för fiolen, när det slutliga fullbordandet av relationerna i instrumentets struktur ägde rum och när det nådde den perfektion som inget försök att "förbättra" det kunde redan kliva över. Historien har behållit namnen på de stora violinomvandlarna i sitt minne och kopplat samman utvecklingen av detta instrument med namnen på tre familjer av violinmakare. Först och främst är detta Amati-familjen av Cremonese mästare, som blev lärare för Andrea Guarneri (1626?-1698) och Antonio Stradivari (1644-1736). Men fiolen har sin slutgiltiga färdigställande att tacka mest av allt till Giuseppe-Antonio Guarneri (1687-1745) och i synnerhet till Antonio Stradivari, som är vördad som den största skaparen av modern violin.
Men inte alla gillade allt i fiolen som redan vid den tiden hade etablerats av den store Cremonese. Många försökte ändra de förhållanden som Stradivari antog, och ingen lyckades naturligtvis med detta. Mest nyfiken av allt var dock önskan hos några av de mest efterblivna mästarna att återföra fiolen till det nära förflutna och påtvinga den violans föråldrade drag. Som ni vet hade fiolen inga band. Detta gjorde det möjligt att utöka ljudvolymen och fullända tekniken för fiolspel. Men i England verkade dessa egenskaper hos fiolen "tveksamma", och instrumentets "intonation" var inte tillräckligt exakt. Därför introducerades banden på violinens greppbräda för att eliminera den möjliga "oexaktheten" i utvinningen av ljud, och förlaget, ledd av John Playford (1623-1686?), tryckte från 1654 till 1730 om en manual. sammanställd enligt "modal tabulatur" . Rättvisa kräver dock att man säger att detta i allmänhet var det enda kända fallet i fiolspelets historia. Andra försök att förbättra och underlätta spelandet av detta instrument har reducerats till strängstämning eller den så kallade "scordatura". Detta var vettigt, och många framstående violinister, som Tartini (1692-1770), Lolli (1730-1802), Paganini (1784-1840) och några andra, stämde var och en sitt instrument på sitt eget sätt. Ibland används denna metod för strängstämning även nu, för att eftersträva speciella, konstnärliga mål.
Stradivarius fiol. Foto från gruhn.com Så, fiolen fick sin mest perfekta inkarnation i slutet av 1600-talet. Antonio Stradivari var den siste som förde den till sitt nuvarande tillstånd, och François Tourt, en mästare från 1700-talet, är vördad som skaparen av den moderna bågen. Men i utvecklingen av fiolen och dess genomförande i verkliga livet var saker och ting mindre framgångsrika. Det är mycket svårt att med några få ord förmedla hela den långa och varierande historien om denna utveckling och förbättring av violintekniken. Det räcker med att säga att fiolens utseende orsakade många motståndare. Många ångrade helt enkelt violans förlorade skönheter, medan andra kom med hela "avhandlingar" riktade mot den objudna främlingen. Bara tack vare de stora violinisterna, som fört fiolspelstekniken beslutsamt framåt, tog fiolen den plats den med rätta förtjänade. På 1600-talet var dessa virtuosa violinister Giuseppe Torelli och Arcangelo Corelli. I framtiden lade Antonio Vivaldi (1675-1743) mycket arbete till förmån för fiolen, och slutligen en hel galax av underbara violinister med Niccolò Paganini i spetsen. modern fiol har fyra strängar stämda i kvint. Den översta strängen kallas ibland den femte, och den nedersta strängen kallas för bas. Alla strängar på fiolen är ådrade eller tarmar, och bara "basen" är sammanflätad med en tunn silvertråd eller "gimp" för större fyllighet och skönhet i klangen. I dagsläget använder alla violinister en metallsträng för "femman" och exakt samma, men bara inlindad med en tunn aluminiumtråd för mjukhet, A-strängen, även om vissa musiker också använder en ren aluminiumsträng utan någon "gimp". I detta avseende gjorde metallsträngen för mi och aluminium för la det nödvändigt att förstärka klangen i re strängen, som då fortfarande var ådrad, vilket gjordes med hjälp av en aluminium "gimp" som lindades runt, som en "baskiska", detta senare och för övrigt som tjänade henne gott. Ändå upprör alla dessa händelser mycket de sanna kännarna, eftersom klangen och skärpan i ljudet av metallsträngar i andra fall är mycket märkbar och obehaglig, men det finns inget att göra och man får stå ut med omständigheterna.
Violinens strängar, stämda i enlighet med instrumentets krav, kallas öppna eller tomma och låter i ordningen fallande rena kvintdelar från mi av andra oktaven till ett litet salt. Ordningen på strängarna betraktas alltid från toppen till botten, och denna sed har bevarats sedan urminnes tider i förhållande till alla böjda och stränginstrument"med handtag" eller "stång". Noter för fiolen skrivs endast i "diskantklaven" eller nyckeln till G.
Konceptet "öppen" eller i orkesterbruk - en tom sträng, innebär ljudet av strängen i hela dess längd från stativet till muttern, det vill säga mellan de två punkter som bestämmer dess faktiska höjd under stämningen. Längden på strängen bestäms vanligtvis av samma punkter, eftersom det i orkestern är den klingande delen av strängen som tas i beaktande, och inte dess "absoluta värde" innesluten mellan underhalsen och tapparna. I noter indikeras en öppen sträng med en liten cirkel eller nolla placerad ovanför eller under noten.
I vissa fall, när det musikaliska tyget i verket kräver det, kan du stämma strängen nedåt en halvton för att få en Fis på en liten oktav för "baskiska" eller en andra D-skarp för "femte".
Källa music-instrument.ru

Historien om bygga elgitarr (elgitarr)

Teknikutvecklingen under 1900-talet bortsåg inte från den kulturella sidan av mänsklig tillvaro. Framväxten av elektroniska enheter för uppspelning och, viktigast av allt, ljudbehandling, i slutändan, kunde inte annat än påverka själva musikinstrumenten. Förutom försök att skapa i grunden nya musikinstrument gjordes även försök att "modernisera" de välkända gamla. Så Lloyd Loher 1924 designade den första magnetiska pickupen, en enhet som omvandlar vibrationerna från en metallsträng till en elektrisk signal. Den här begåvade ingenjören arbetade på den tiden, var skulle du tro? - på Gibson! Men som du förstår är skapandet av Les Paul fortfarande ganska långt borta - så mycket som 28 år, så de första massproducerade elgitarrerna producerades inte på något sätt av Gibson. Och detta gjordes av ett företag som heter Electro String Company, vars en av grundarna var Adolf Rickenbacker, som sedan grundade, som du säkert redan gissat, det mycket berömda Rickenbacker-företaget som släppte en signaturgitarr för John Lennon - 325JL. Kropparna på dessa första gitarrer var gjorda av aluminium, varför de fick det uppriktiga namnet "stekpannor". Denna händelse ägde rum 1931. Jag vet inte om det fanns några andra försök att fästa en pickup på en gitarr, förmodligen fanns det, men först 1951 fick de de där mycket klassiska och igenkännbara formerna. Och Leo Fender gjorde detta genom att släppa sin berömda Telecaster och det var redan ett genombrott, ungefär som att sätta en rymdfarkost i omloppsbana med en man, naturligtvis, ombord. Kroppen var gjord av trä, även om den inte hade något gemensamt i design med en klassisk gitarr. Av någon anledning tror många att elgitarrer är gjorda av vem vet vad: metall, plast och några andra ultramoderna material, nej - gitarrer tillverkades och tillverkas än idag, huvudsakligen av trä, precis som en person är 70% vatten.
Från det ögonblicket kan elgitarren sägas ha utspelat sig som ett musikinstrument och ett kulturellt fenomen. Gibson släpade naturligtvis inte efter och släppte sin legendariska Les Paul 1952. Och testskottet kom 1954, när Fender lanserade Stratocastern i omloppsbana. Blues, rock och countrymusiker började spela gitarrer av dessa modeller och tillverkare. Naturligtvis har det funnits många olika vackra och inte särskilt populära och inte populära gitarrer sedan dess, men det är osannolikt att någon till denna dag har kommit på något mer betydelsefullt, om man inte tar hänsyn till ljudbehandlingen. Det finns naturligtvis olika innovationer, som tillägget av en sjunde och till och med en åttonde sträng (som regel är dessa gitarrer avsedda för band och musiker med extrema stilar och trender), men alla dessa är fenomen som "inte gjorde det komma nära” i sin betydelse för de som anges ovan ”upptäckter”.
Men det mest intressanta är att gitarren fortfarande förblev en gitarr. Av någon anledning tror många som är långt ifrån musik att elgitarren är ett musikinstrument som inte har med den klassiska gitarren att göra. Skillnaden är förstås stor, från utseende till spelteknik, men det är ändå ett och samma instrument med samma (med vissa undantag) stämning och ackordfingersättningar, vilket gör att de kan spelas med lika stor framgång på både elektriska och akustiska gitarrer, med kunskap om sångernas ackord. .

EN KORT HISTORIA OM GITARREN OCH DESS NUVARANDE TILLSTÅND

Gitarren är, som ni vet, det spanska nationella instrumentet. Hittills har gitarrens ursprung inte fastställts exakt. Det måste antas att dess prototyp är den assyrisk-babyloniska kefaran eller den egyptiska citharan. Den kunde ha förts till den iberiska halvön av romarna (latin gitarr) eller araberna (morisk gitarr). På den första spelade de med "punteado"-tekniken, det vill säga med en nypa, på den andra, som hade en skarpare klang, spelade de med "rasgueado"-tekniken, det vill säga genom att skramla på strängarna med alla fingrar på höger hand.

Gitarren av den moderna typen, eller i alla fall nära den, härstammar förmodligen från sammansmältningen av dessa två varianter av den antika citharan inte tidigare än på 1500-talet. Vi har en indirekt indikation på detta dubbla ursprung för gitarren på ett annat sätt att spela den än idag: folkmusik - "rasgueado", - härstammar från att spela morisk gitarr och professionell - "punteado", - härstammar från den latinska gitarren .

Vid tiden för penetrationen i andra europeiska länder (XVI-XVII århundraden) hade gitarren fem strängar, stämda i ett fjärdedels förhållande, som den relaterade lutan. Det är inte säkert om den sjätte strängen lades till i Tyskland eller Italien. I denna slutliga form fick gitarren rättigheterna till ett seriöst instrument. Baserat på denna ökning av sina musikaliska möjligheter upplevde den sexsträngade gitarren sin första storhetstid (från slutet av 1700-talet till mitten av 1800-talet). Under denna period förde gitarren fram ett antal lysande virtuoser och kompositörer, som spanjorerna Aguado och Sor och italienarna Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Zani de Ferranti, Regondi, Moretti m.fl. Dessa gitarristers konsertverksamhet i europeiska länder höjde gitarren till en hög professionell nivå och vann den många anhängare bland de största musikerna, poeterna och författarna. Några av dem - kompositörerna Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - använde gitarren i sina operor; andra - kompositörerna Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - spelade själva gitarren; andra - Glinka, Tjajkovskij - älskade att lyssna på gitarren. Det bör särskilt noteras att den berömda violinisten Paganini samtidigt var en utmärkt gitarrist och skrev ett antal verk för gitarren. Poeter och författare: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoy, Baudelaire och många andra älskade gitarren och ägnade mer än en sida åt den i sina verk.

Gitarrens storhetstid, som varade nästan till slutet av 1800-talet, ersattes av dess nedgång, främst på grund av pianofortens utseende. Men sedan början av 1900-talet har vi bevittnat en period av en ny storhetstid för gitarren, uppenbarligen orsakad av en förändring i allmänhetens inställning till den, som ett uråldrigt och ett av de mest uttrycksfulla folkinstrumenten. . Som ett resultat dök ett antal exceptionellt begåvade gitarrvirtuoser upp, mest spanjorer: Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol och andra, som fulländade konsten att spela gitarr och ställde gitarren i paritet med andra traditionella soloinstrument. Och återigen, som under den första storhetstiden, lockar gitarren många vänner bland de mest framstående kompositörerna, som Turin, de Falla, Pons, Roussel och andra.

I vårt land, tillsammans med den sexsträngade gitarren, var dess variation utbredd - den sjusträngade gitarren, huvudsakligen med ett tertianskt system.

Dragspel, knappdragspel

Historia och varianter av rörinstrument (dragspel, knappdragspel, etc.)

Ett dragspel är ett musikinstrument där ljud skapas av fritt glidande metallrör - tunna plattor som vibrerar under inverkan av en luftström som pumpas av bälg. Med vänsterhanden styr artisten bälgen och trycker även på bas- och ackordknapparna för att ackompanjera melodin, som spelas med högerhanden.

I Ryssland, i Moskva, finns det bästa och mest omfattande museet för övertoner i världen (det finns 4 sådana museer i världen: det finns också museet för nationella övertoner i Tyskland i Klingenthal, museet för övertoner i Italien i Castelfidardo och dragspelsmuseet i USA i .Super Ior-Delucy).

Allmän historia om utvecklingen av vassinstrument

Det första kända instrumentet med reed-principen för ljudextraktion är den antika östliga Sheng (ursprunget i Burma, Tibet, Laos och Kina). Det exakta datumet då detta instrument skapades är okänt, men det tros vara över 2 000 år gammalt. Det ansågs vara ett "rent" instrument, det vill säga lämpligt för framförande av helig musik. Omkring 700 e.Kr sheng förbättrades populärt instrument, den kunde spelas i 12 tangenter, och en harmonilärobok skapades för dessa instrument.



Utseendet på munspel, knappdragspel och dragspel i Ryssland

Utseendet av övertoner i Ryssland går tillbaka till början av 40-talet av XIX-talet. privilegierade delar av befolkningen, som anges i litterära källor, köpte handmunspel utomlands och genom livegna tjänare dök munspel upp och blev populära i byarna. Det finns ett antagande att munspelen skulle kunna importeras av utländska hantverkare, beställda till Tulas vapenfabriker.
Bland Tula-hantverkare var det en åsikt att vapensmederna Sizov och Shkunaev uppfann munspel. Enligt vissa rapporter producerades de på 30-talet av XIX-talet. i Tula-provinsen är det dock inte känt om vilka övertoner i fråga- om labial eller manual.



Allmän information om enheten för övertoner

Munspel kan kallas alla musikinstrument, ljudet i vilket återges av en metalltunga (röst) som fritt glider igenom, vibrerande under inverkan av en luftström. Luften i munspelen tillförs med hjälp av en hand- eller fotbälg (handmunspel, harmonier), en fläkt (organolas, organetter) eller andas ut och inandas av utövarens lungor (munmunspel). I alla moderna munspel är vassen fäst med nitning i ena änden på en metallbas, kallad ram (chassi). Ramen tillsammans med den nitade tungan kallas stången.



Sheng (gonofui, ken, lusheng)

Sheng är ett av de äldsta instrumenten i munspelsfamiljen, med ursprung i Burma, Tibet, Laos och Kina. Enligt gamla kinesiska manuskript (2-3 tusen år f.Kr.) har forskare etablerat det tidigaste namnet på instrumentet - Yu. Sedan började det kallas chao, ho, sheng - beroende på formen och materialet som användes för dess tillverkning. Andra sorter av sheng är också kända - chonofui eller gonofui (Japan), ken (Laos), lusheng och hulusheng (sydvästra Kina). I Ryssland och andra europeiska länder kallades shengs ibland kinesiska munorgan.



Bibelharmonica, orchestrion, elodicon

När de första musikinstrumenten byggda på den nya principen om ljudproduktion (en glidande metalltunga) dök upp i Europa, använde orgelmakare de gamla formerna av musikinstrument: bärbar orgel, regalier, positiv (bärbar) orgel, etc. Detta syns tydligt i exemplet med de första instrumenten av detta slag.

Synthesizer

Ett elektroniskt musikinstrument som syntetiserar ljud med en eller flera ljudvågsgeneratorer. Det önskade ljudet uppnås genom att ändra egenskaperna hos den elektriska signalen (i analoga synthesizers) eller genom att justera parametrarna för den centrala processorn (i digitala synthesizers).

En synthesizer gjord i form av ett fodral med ett tangentbord kallas en tangentbordssynthesizer.
En synthesizer gjord i form av ett fodral utan keyboard kallas synthesizermodul och styrs från ett MIDI-keyboard.
Om en klaviatursynt är utrustad med en inbyggd sequencer kallas det en arbetsstation.
Typer av synthesizers:

Beroende på vilken teknik som används är synthesizers indelade i flera typer:

Analoga synthesizers implementerar additiva och subtraktiva typer av syntes. Huvuddragen hos analoga synthesizers är att ljudet genereras och bearbetas med hjälp av riktiga elektriska kretsar. Ofta görs anslutningen av olika syntesmoduler med hjälp av speciella kablar - patch-trådar, därför är "patchen" det vanliga namnet för en viss klang på en synthesizer bland musiker.

Den största fördelen med analoga synthesizers är att alla förändringar i ljudets natur över tiden, såsom rörelsen av filtrets cutoff-frekvens, sker extremt jämnt (kontinuerligt). Nackdelarna inkluderar en hög ljudnivå, problemet med inställningsinstabilitet har nu övervunnits. De mest kända analoga synthesizers som används idag inkluderar: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6.

Virtuella analoga synthesizers är en hybrid mellan en analog synthesizer och en digital, som bär en mjukvarukomponent i kroppen. De mest kända bland dem är: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

Digitala syntar inkluderar själva digitala syntar, såväl som deras varianter: virtuella syntar-plugins/fristående och interaktiva syntar. De implementerar olika typer av syntes. För att skapa och spela originalvågformer, modifiera ljudet med filter, kuvert, etc. digitala enheter baserade på en central processor och flera samprocessorer används.

Faktum är att en digital synthesizer är en mycket specialiserad dator. De mest avancerade modellerna av moderna digitala synthesizers (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros), som persondatorer, låter dig uppdatera operativ system, innehåller sidmenyer, inbyggda hjälpfiler, skärmsläckare och så vidare.

Virtuella syntar är en delmängd av digitala syntar, men de är en speciell typ av programvara. För att skapa ljud används den centrala processorn och RAM-minnet på en persondator, och för att mata ut ljud till en uppspelningsenhet används ett PC-ljudkort.

Virtuella synthesizers kan vara både fristående mjukvaruprodukter och plugin-program av ett visst format (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA, etc.) utformade för att köras inuti värdprogrammet, vanligtvis en multi-channel recorder (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour, etc.). Hög tillgänglighet leder till den växande populariteten för virtuella syntar, inklusive modeller av verkliga instrument (till exempel Native Pro53 - Prophet synthesizer emulator, Novation V-Station - Novation K-Station synthesizer emulator, Korg Legacy - Korg M1 synthesizer emulatorer, Wavestation , PolySix, MS20 etc.).

>Interaktiva syntar eller hemmasyntar är också en mängd olika digitala syntar designade speciellt för hem- och salongsamatörmusikframställning, såväl som för interaktiv musikutbildning. Vanligtvis har dessa synthesizers inte medel för avancerad ljudredigering, inklusive realtidskontroller. Tonvikten läggs på realistisk imitation av en mängd olika orkesterinstrument och användningen av den automatiska ackompanjemangsfunktionen. I det här fallet, för att spela något musikstycke, behöver artisten inte programmera röster eller spela in delar i sequencern - välj bara en färdig röst för en melodi och en stil för automatiskt ackompanjemang.

Naturligtvis är kontrollen av sådana synthesizers mycket enklare än den för professionella modeller och är ofta tillgänglig även för ett barn. Många synthesizers av denna typ inkluderar pedagogiska spel som "gissa noten" eller "gissa ackordet", samlingar av färdig musik för att lyssna och lära, en karaokefunktion med visning av texter på skärmen, etc. Denna kategori av synthesizers inkluderar familjerna Yamaha PSR, Casio CTK / WK, Roland E / VA / EXR, etc.

Ljudsyntestyper:

Beroende på metoden för att generera ljudvågor och deras transformation, kan ljudsyntes klassificeras enligt följande:

Summering (additiv) syntes, som använder principen om superposition (superposition) av flera vågor av en enkel (vanligtvis sinusformad) form med olika frekvenser och amplituder. I analogi med elektriska organ kallas dessa vågor register och betecknas som 16' (ton en oktav lägre än tagen), 8' (startton), 4' (ton en oktav högre än tagen), etc. (figuren är rörlängden för motsvarande orgelregister i fot). I sin rena form finns den i elektriska organ (Hammond, Farfisa) och deras digitala emulatorer (Korg CX-3, Roland VK-8, etc.). Instrumentets ljud är rikare, ju fler register används i designen.

Subtraktiv (subtraktiv) syntes, där den ursprungliga godtyckliga vågformen ändrar klangfärg när den passerar genom en mängd olika filter, enveloppgeneratorer, effektprocessorer, etc. Som en delmängd används denna typ av syntes flitigt i nästan alla moderna synthesizermodeller.

Operator (FM, från engelska Frequency Modulation) syntes, där interaktionen (frekvensmodulering och summering) av flera vågor av en enkel form äger rum. Varje våg, tillsammans med dess egenskaper, kallas en operator, en viss konfiguration av operatorer utgör en algoritm. Ju fler operatörer som används i utformningen av synthesizern, desto rikare blir ljudet av instrumentet. Till exempel har Yamaha DX-7 synthesizer (1984), som fortfarande är populär än i dag, 6 operatörer, som är konfigurerade av 36 olika algoritmer.

Fysisk syntes, där verkliga fysiska processer simuleras på grund av användningen av kraftfulla processorer i musikinstrument av en eller annan typ. Till exempel, för instrument för vindvisslingar som en flöjt, kommer parametrarna att vara rörets längd, profil och diameter, luftflöde, kroppsmaterial; för stränginstrument - kroppsstorlek, material, stränglängd och spänning, etc. Fysisk syntes används av sådana instrument som Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion, etc.

Wavetable (PCM) syntes, där ljudet skapas genom att spela upp fragment av ljudet från verkliga musikinstrument (samplar och multisamples) som tidigare spelats in i instrumentets minne. Den mest kända syntaren i denna grupp är Waldorf Wave, även känd som den dyraste synten i världen.

Hybridsyntes, som använder en eller annan kombination av olika ljudsyntesmetoder, till exempel "summera + subtrahera", "våg + subtrahera", "operator + subtrahera" etc. De flesta moderna instrument är skapade på basis av hybridsyntes, eftersom de har mycket kraftfulla verktyg för att variera klangfärgen över det bredaste utbudet.

Styrning av en modern synthesizer:

Styrningen av en modern professionell synthesizer är en komplex process förknippad med kontrollen av flera hundra, eller till och med tusentals, av olika parametrar som är ansvariga för vissa aspekter av ljudet. Vissa parametrar kan styras i realtid med hjälp av vridknappar, hjul, pedaler, knappar; andra parametrar används för förprogrammerade förändringar i tid av vissa egenskaper. I detta avseende kallas klangfärger (lappar) av digitala synthesizers också ofta för program.

Tangentbord och dynamisk spårning används för att spåra positionen och hastigheten för en tangenttryckning. Till exempel, när man flyttar från de lägre tangenterna till de övre kan klangfärgen smidigt ändras från cello till flöjt, och med ett kraftigare tryck på tangenten läggs pauker till det övergripande ljudet.

Ett envelopp används för att ändra en viss parameter för ett ljud icke-periodiskt. Envelope-grafen är vanligtvis en streckad linje bestående av attack (Attack), decay (Decay), support (Sustain) och decay (Release) (se även ADSR-envelope), men i olika synthesizermodeller är de enklare ( ADR ) samt mer komplexa flerstegskuvert. Total Envelope är en viktig egenskap hos en synthesizer.

Filtret används för att skära ut ett visst frekvensband från det totala signalspektrumet. Ofta är filtret också utrustat med resonans, vilket gör det möjligt att kraftigt öka frekvensbandet vid cutoff-gränsen. Genom att ändra filteregenskaperna med realtidskontroller, tangentbordsspårning och/eller kuvert kan du få extremt olika ljudalternativ. Det totala antalet filter är en viktig egenskap hos en synthesizer.

Ring-modulator låter dig modulera den ursprungliga signalen med en annan signal med en viss (fast eller flytande) frekvens, på grund av vilken det finns en betydande anrikning med övertoner. Namnet "Ring" (eng. "call") beror på det faktum att denna nod ofta tjänar till att få ett "klockliknande" ljud av instrumentet.

Lågfrekvensoscillatorn används för att periodiskt ändra vissa parametrar för ljudet, såsom tonhöjd, volym, filtergränsfrekvens, etc. Vid en cyklisk volymförändring skapas en tremoloeffekt, en förändring i tonhöjden skapar en vibratoeffekt, en periodisk förändring av filtrets cutoff-frekvens kallas "wah-wah"-effekten.

Effektbehandling används för att slutföra ljudet. Moderna synthesizers är vanligtvis utrustade med ett ganska stort antal effektprocessorer (till exempel Korg Karma - 8 processorer, Roland Fantom - 6 processorer, etc.). Processorerna fungerar oberoende av varandra, även om de kan kombineras till seriella kretsar om så önskas. Moderna effektprocessorer implementerar ett stort antal rumsliga (reverb, delay, eko), modulering (fläns, chorus, phaser) och andra (överförstärkare, frekvensförskjutning, harmonisk anrikning) effektalgoritmer.

De mest avancerade modellerna har möjlighet att styra effektparametrar från realtidskontroller, envelopper, LFO:er och mer.

Det moderna pianots mekanik uppfanns av den italienske mästaren Cristofori i slutet av 1600-talet ( officiellt datum- Okej. 1709), i hans design låg hamrarna under snören. Instrumentet kallades gravicembalo col piano e forte, - pianoforte - och senare blev pianots namn fixat.

Uppfinningen av Cristofori markerade början på utvecklingen av det engelska systemets mekanik. Andra typer av mekanik utvecklades av Marius i Frankrike (1716) och Schroeter i Tyskland (1717-21). Sebastian Erard uppfann den dubbla repetitionsmekaniken, som gjorde det möjligt att extrahera ljud genom att snabbt trycka på tangenten igen från halvvägs. I det engelska systemets mekanik var en sådan upprepning endast möjlig när nyckeln var helt upphöjd.

I Ryssland förknippades pianoverksamheten främst med S:t Petersburg. Bara under 1700-talet arbetade mer än 50 pianomästare där. Utvecklingen av fabrikstillverkningen av pianon under första hälften av 1800-talet påverkades av aktiviteterna hos den första ryska pianotillverkaren, leverantör av det kejserliga hovet, den engelske mästaren G. Faverier, de tyska mästarna I.-A. Tischner, K.-I. Wirth, A.-H. Schroeder, I. -F. Schroeder och sedan 1840 belgieren G.-G Lichtental. Hittills är namnen kända på mer än 600 pianomästare som arbetade i Ryssland före revolutionen 1917. Pianomästare vid St Petersburgs konservatorium, kandidat för filologiska vetenskaper Sergeev M. V. är engagerad i dessa studier.
I mitten av 1800-talet öppnade J. Blutner, K. Bechsteins fabriker i Tyskland, i USA - Steinway och söner, långa år enastående.
På 1900-talet uppträdde i grunden nya instrument - elektroniska pianon och syntar, såväl som en speciell form av ljudproduktion - ett förberett piano.

Det första musikstycket skrivet specifikt för piano dök upp 1732 (sonat av Lodovico Giustini). Men i massor började kompositörer fokusera på piano snarare än cembalo fyrtio eller femtio år senare, på Haydns och Mozarts dagar.

Pianon delas in i flyglar – instrument med horisontella strängar – och upprättstående pianon. Det första kända vertikala pianot tillskrivs K.-E. Friederici (Gera, Tyskland), som skapade det 1745. Men redan 1742 kom ett liknande instrument ut från Johann Söchers verkstad i Zanthofen (Bayern), och 1748 tillverkade även sådana G. Silbermann samma instrument. Varianter av vertikala pianon - pyramidal, piano-lyra, piano-byrå, piano-harpa, etc. Sedan mitten av 1800-talet har endast pianon och flyglar producerats.

Ljudet i pianot produceras genom att slå på strängarna med en hammare. Strängarna sträcks på en ram av gjutjärn med hjälp av stift (pinnar), passerar genom diskant- och baspinnarna limmade på resonansdäcket (i pianot är däcket i vertikalt läge, i flyglar - i en horisontellt läge). För varje ljud finns det en kör av strängar: tre för mellan- och högområdena, två eller en för låga. Omfånget för de flesta pianon är 88 halvtoner från A-subkontroktav till 5:e oktav (äldre instrument kan vara begränsade till A-tonen i 4:e oktaven ovanifrån; du kan hitta instrument med ett bredare omfång). I neutralläge är strängarna, förutom de sista en och en halv till två oktaverna, i kontakt med dämpare (ljuddämpare). När tangenterna trycks ned aktiveras en anordning med spakar, remmar och hammare, kallad pianomekanik. Efter pressning lämnar dämparen motsvarande strängkör så att strängen kan låta fritt, och en hammare, klädd med filt (filt), slår mot den.
Pianopedaler
Moderna pianon har två eller tre (de nyaste modellerna har fyra) pedaler. I tidigare instrument användes infällbara spakar för samma ändamål, som pianisten fick trycka på med knäna.
Den högra pedalen (ibland hänvisad till helt enkelt som "pedal" eftersom den används oftast) höjer alla dämpare på en gång, så att när tangenten släpps fortsätter motsvarande strängar att ljuda. Dessutom börjar alla andra strängar på instrumentet också vibrera och blir en sekundär ljudkälla. Den högra pedalen används för två syften: att göra sekvensen av extraherade ljud oskiljaktig (legatospelning) där det är omöjligt att göra det med fingrar på grund av tekniska svårigheter, och att berika ljudet med nya övertoner. Det finns två sätt att använda pedalen: en direktpedal - att trycka ned pedalen innan du trycker på de tangenter som ska hållas nere, och en fördröjd pedal, när pedalen trycks ned omedelbart efter att tangenten trycks ned och innan den släpps. I noter betecknas denna pedal med bokstaven P (eller förkortningen Ped.), och dess borttagande indikeras med en asterisk. I musiken av kompositörer från romantikens och impressionismens epoker finns dessa beteckningar ofta, vanligtvis för att ge ljudet en speciell smak.
Den vänstra pedalen används för att dämpa ljudet. I flyglar uppnås detta genom att hamrarna flyttas åt höger, så att de i stället för körens tre strängar bara slår två (förr, ibland bara en). I ett piano rör sig hamrarna närmare strängarna. Denna pedal används mycket mindre ofta. I noter är det märkt una corda, dess borttagande märks tre corde eller tutte le corde. Förutom att dämpa ljudet kan du genom att använda vänster pedal när du spelar piano mjuka upp ljudet, göra det varmare och vackrare på grund av vibrationerna från de släppta körsträngarna.
Den mellersta (eller tredje, sedan den historiskt lades till sist) pedalen, eller sostenutopedalen, tjänar till att selektivt höja dämparna. När den mellersta pedalen är nedtryckt förblir dämparna höjda när tangenterna trycks ned höjda tills pedalen tas bort. Den, liksom den högra pedalen, kan användas för att spela legato, men kommer inte att berika ljudet med vibrationerna från de andra strängarna. Denna pedal saknas på de flesta pianon idag och finns på de flesta flyglar. Det finns pianon där mittpedalen "glider" åt vänster och därmed är fixerad, medan ett speciellt tyg placeras mellan hammare och strängar, på grund av vilket ljudet blir väldigt tyst, vilket gör att musikern kan spela t.ex. på natten.
Pianot kan användas både som soloinstrument och tillsammans med en orkester (till exempel i pianokonserter med en orkester). Att spela piano är en aktivitet som kräver god teknik, uppmärksamhet och engagemang. Det rekommenderas att börja träna kl barndom. I barnens musikskolor(DMSh) i Ryssland tar utbildningen 5 eller 7 år, beroende på programmet stannar vissa elever ytterligare ett eller två år efter examen innan de börjar på en musikskola. Efter musikskola eller motsvarande utbildning kan du fortsätta dina studier på musikskola eller högskola och sedan på konservatorium, universitet, bli professionell pianist. I musikskolan är allmänpiano också ett obligatoriskt ämne för nästan alla huvudämnen. Enastående pianister XX-talet - Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould och andra.
Pianot kräver rätt underhållsförhållanden, såväl som regelbunden stämning, eftersom spänningen i instrumentets strängar med tiden försvagas. Frekvensen för inställning beror på instrumentets klass, kvaliteten på dess tillverkning, dess ålder, underhållsförhållanden och drift. Stämning görs som regel inte av artisten själv, utan av en specialist - en mästarpianostämmare, även om teoretiskt sett har en elektronisk stämmare till hands och känner till de exakta frekvensegenskaperna för var och en av strängarna, kan vem som helst göra stämning, även om han inte har ett musikaliskt öra.
Det är en av nomineringarna av Delphic Games.