Musikromantik är en vanlig egenskap. Musikkonst från romantikens era-presentation på Moskvas konstteater

Musiken har tagit en speciell plats i romantikens estetik. Det förklarades som en modell och norm för alla konstområden, eftersom den, på grund av sin specificitet, kan uttrycka själens rörelser fullt ut."Musik börjar när orden slutar" (G. Heine).

Musikromantiken som riktning utvecklades i börjanXIXårhundradet och utvecklades i nära anslutning till olika trender inom litteratur, måleri och teater. Första stadiet musikalisk romantik representeras av verk av F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; nästa steg (1830-50-talet) - verk av F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi. Romantikens sena skede sträcker sig till slutetXIXårhundrade. Således, om i litteratur och målning den romantiska riktningen i princip fullbordar sin utveckling i mittenXIXårhundraden är musikromantikens liv i Europa mycket längre.

I musikalisk romantik, precis som i andra former av konst och litteratur, gav motsättningen av världen av vackra, ouppnåeliga ideal och vardagsliv genomsyrad av känselförnimmelsens anda å ena sidan upphov till dramatiska konflikter, dominansen av tragiska motiv av ensamhet, hopplöshet, vandrande etc. med den andre - idealiseringen och poetiseringen av det avlägsna förflutna, folklivet, naturen. I likhet med en persons sinnestillstånd är naturen i romantikernas verk vanligtvis färgad med en känsla av disharmoni.

Liksom andra romantiker var musikerna övertygade om att känslor är ett djupare lager av själen än sinnet:"sinnet har fel, känslor - aldrig" (R. Schumann).

Det speciella intresset för den mänskliga personligheten som är inneboende i romantisk musik tog sig uttryck i övervägande avpersonlig ton . Avslöjandet av personligt drama fick ofta en klang bland romantiker.självbiografi, som förde en speciell uppriktighet till musiken. Så till exempel många pianoverk Schumann är kopplade till historien om hans kärlek till Clara Wieck. Berlioz skrev den självbiografiska "Fantastiska" symfonin. Den självbiografiska karaktären hos hans operor betonades starkt av Wagner.

Mycket ofta sammanflätad med temat "lyrisk bekännelse"naturtema .

Den verkliga upptäckten av romantiska kompositörer varfantasy tema. Musik lärde sig för första gången att förkroppsliga fantastiska-fantastiska bilder med rent musikaliska medel. I operorXVII - XVIIIårhundradens "ojordiska" karaktärer (som Nattens drottning från Mozarts " trollflöjt”) talade på det "allmänt accepterade" musikspråket och skilde sig lite från bakgrunden till verkliga människor. Romantiska tonsättare har lärt sig att förmedla fantasivärlden som något helt specifikt (med hjälp av ovanliga orkester- och harmoniska färger). Ett slående exempel är "Wolf Gulch Scene" i Webers Magic Shooter.

Om XVIIIårhundradet var eran för virtuosa improvisatörer av universell typ, lika skickliga i att sjunga, komponera, spela olika instrument, dåXIXårhundradet var en tid av aldrig tidigare skådad entusiasm för konsten av virtuosa pianister (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms).

Romantikens era förändrade helt "världens musikaliska geografi". Under inflytande av det aktiva uppvaknandet av det nationella självmedvetandet hos folken i Europa, avancerade unga tonsättarskolor i Ryssland, Polen, Ungern, Tjeckien och Norge till den internationella musikarenan. Kompositörerna i dessa länder, som förkroppsligar bilderna av nationell litteratur, historia, inhemsk natur, förlitade sig på intonationer och rytmer av inhemsk folklore.

Mycket utmärkande för musikromantiken är intresset förfolkkonst . Som de romantiska poeterna som på folktrons bekostnad berikade och uppdaterade litterärt språk, musiker vände sig vida till nationell folklore - folkvisor, ballader, epos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg, etc.). De förkroppsligade bilderna av nationell litteratur, historia, inhemsk natur och förlitade sig på intonationerna och rytmerna av nationell folklore, vilket återupplivade de gamla diatoniska sätten.Under inflytande av folklore har innehållet i europeisk musik förändrats dramatiskt.

Nya teman och bilder krävde romantikernas utvecklingnya sätt för musikaliskt språk och principerna för formning, individualisering av melodi och införande av talintonationer, expansion av klangfärg och harmonisk palett av musik (naturliga band, färgglada sammanställningar av dur och moll, etc.).

Eftersom romantikernas fokus inte längre är mänskligheten som helhet, utan en specifik person med sin unika känsla, respektiveoch i uttrycksmedlen ger det allmänna alltmer plats för individen, individuellt unik. Andelen generaliserade intonationer i melodi, vanligt använda ackordförlopp i harmoni och typiska mönster i textur minskar - alla dessa sätt individualiseras. Inom orkestrering gav principen om ensemblegrupper vika för solo av nästan alla orkesterröster.

Den viktigaste punktenestetik musikalisk romantik varidén om konstsyntes , som fick sitt mest levande uttryck i Wagners operaverk och iprogrammusik Berlioz, Schumann, Liszt.

Musikgenrer i verk av romantiska kompositörer

I romantisk musik framträder tre genregrupper tydligt:

• genrer som intog en underordnad plats i klassicismens konst (främst sång och pianominiatyr);
• genrer som uppfattades av romantikerna från den tidigare eran (opera, oratorium, sonat-symfonicykel, ouvertyr);
• fria, poetiska genrer (ballader, fantasier, rapsodier, symfoniska dikter). Intresset för dem förklaras av romantiska kompositörers önskan om fritt självuttryck, den gradvisa omvandlingen av bilder.

Förgrunden in musikalisk kultur romantikens förespråkarelåt som en genre som är mest lämpad för att uttrycka en konstnärs innersta tankar (medan det i kompositörernas professionella arbeteXVIIIårhundradet tilldelades den lyriska sången en blygsam roll - den tjänade främst till att fylla fritiden). Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg och andra arbetade inom sångområdet.

Den typiska romantiska kompositören skapar mycket direkt, spontant, på uppdrag av sitt hjärta. Romantisk förståelse av världen är inte ett konsekvent filosofiskt grepp om verkligheten, utan en omedelbar fixering av allt som berörde konstnärens själ. I detta avseende, under romantikens tidevarv, blomstrade genrenminiatyrer (oberoende eller kombinerad med andra miniatyrer i en cykel). Detta är inte bara en sång och en romans, utan också instrumentala kompositioner -musikaliska ögonblick, impromptu, preludier, etuder, nocturner, valser, mazurkas (i samband med beroendet av folkkonst).

Många romantiska genrer har sitt ursprung till poesin, dess poetiska former. Sådana är sonetter, sånger utan ord, noveller, ballader.

En av de ledande idéerna för romantisk estetik - idén om en syntes av konsten - placerade naturligtvis problemet med opera i centrum för uppmärksamheten. Nästan alla romantiska kompositörer vände sig till operagenren med sällsynta undantag (Brahms).

Den personliga, konfidentiella uttryckstonen som är inneboende i romantiken förvandlar fullständigt de klassiska genrerna för symfonin, sonaten och kvartetten. De fårpsykologisk och lyrisk-dramatisk tolkning. Innehållet i många romantiska verk förknippas medprogrammering (pianocykler Schumann, Liszts vandringsår, Berlioz symfonier, Mendelssohns ouvertyr).

franska romantik

En konstnärlig rörelse som växte fram i slutet av 1700-talet och början av 1800-talet. först inom litteraturen (Tyskland, Storbritannien, andra länder i Europa och Amerika), sedan inom musik och annan konst. Begreppet "romantik" kommer från epitetet "romantik"; före 1700-talet han påpekade vissa egenskaper hos litterära verk skrivna på romanska språk (det vill säga inte på språken i den klassiska antiken). Det var romanser (spansk romantik), såväl som dikter och romaner om riddare. I kon. 1700-talet "romantisk" förstås bredare: inte bara som äventyrlig, underhållande, utan också som uråldrig, originell folkmusik, avlägsen, naiv, fantastisk, andligt sublim, spöklik, såväl som fantastisk, skrämmande. "Romantiker romantiserade allt som de gillade från det senaste och avlägsna förflutna", skrev F. Blume. De uppfattar arbetet av Dante och W. Shakespeare, P. Calderon och M. Cervantes, J. S. Bach och J. W. Goethe som "sitt eget", mycket under antiken; de lockas också av poesin av Dr. East och medeltida minnesångare. Baserat på de drag som noterats ovan kallade F. Schiller sin "Maid of Orleans" för en "romantisk tragedi", och i bilderna av Mignon och Harper ser han romantiken i Goethes "Years of Wilhelm Meisters Teachings".

Romantik som litterär term dyker först upp i Novalis som musikalisk term- E. T. A. Hoffmann. Men till sitt innehåll skiljer den sig inte mycket från motsvarande epitet. Romantiken var aldrig ett klart definierat program eller stil; Detta bred cirkel ideologiska och estetiska trender, där den historiska situationen, landet, konstnärens intressen skapade vissa accenter, bestämde olika mål och medel. Den romantiska konsten av olika formationer har dock också viktiga gemensamma drag vad gäller både ideologisk ställning och stil.

Efter att ha ärvt många av dess progressiva drag från upplysningen är romantiken samtidigt förknippad med djup besvikelse både i själva upplysningen och i framgångarna för hela den nya civilisationen som helhet. För tidiga romantiker som ännu inte kände till resultatet av den store franska revolutionen, en besvikelse var den allmänna processen att rationalisera livet, dess underordning under en genomsnittlig nykter "förnuft" och själlös praktiskhet. I framtiden, särskilt under imperiets och restaureringsåren, blev den sociala innebörden av romantikernas ställning - deras antiborgerlighet - allt tydligare skisserad. Enligt F. Engels visade sig "de offentliga och politiska institutioner som etablerades genom förnuftets seger vara en ond, bittert nedslående karikatyr av upplysningarnas lysande löften" (Marx K. och Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, sid. 387).

I romantikernas arbete förenas personlighetens förnyelse, bekräftelsen av dess andliga styrka och skönhet, med avslöjandet av filisternas rike; fullfjädrad mänsklig, kreativ motsätter sig medelmåttig, obetydlig, fast i fåfänga, fåfänga, småkalkyl. Vid Hoffmanns och J. Byrons, V. Hugo och George Sands, H. Heines och R. Schumanns tid hade samhällskritiken av den borgerliga världen blivit ett av romantikens huvudelement. På jakt efter källor till andlig förnyelse idealiserade romantiker ofta det förflutna, försökte inspirera nytt liv in i religiösa myter. Därmed föddes en motsättning mellan romantikens allmänna progressiva inriktning och de konservativa tendenser som uppstod i dess egen kanal. I arbetet med romantiska musiker spelade dessa trender inte en märkbar roll; de manifesterade sig främst i de litterära och poetiska motiven i vissa verk, men i den musikaliska tolkningen av sådana motiv vägde den levande, verkligt mänskliga principen vanligtvis tyngre.

Musikromantiken, som manifesterade sig påtagligt under 1800-talets andra decennium, var ett historiskt nytt fenomen och avslöjade samtidigt djupa successiva band med musikaliska klassiker. Arbetet av framstående kompositörer från tidigare tid (inklusive inte bara wienska klassiker, utan också musiken från 1500- och 1600-talen) fungerade som ett stöd för odlingen av en hög konstnärlig rang. Det var denna typ av konst som blev modellen för romantikerna; enligt Schumann, "kan endast denna rena källa ge näring till den nya konstens krafter" ("On Music and Musicians", vol. 1, M., 1975, s. 140). Och detta är förståeligt: ​​endast det höga och perfekta kunde framgångsrikt motsättas det musikaliska tomgångspratet om den sekulära salongen, scenens spektakulära virtuositet och opera scen, likgiltig traditionalism av hantverksmusiker.

De musikaliska klassikerna från post-Bach-eran fungerade som grund för musikromantiken i samband med deras innehåll. Från och med C. F. E. Bach, elementet av känsla manifesterade sig mer och mer fritt i det, musik bemästrade nya medel som gjorde det möjligt att uttrycka både styrkan och subtiliteten i känslolivet, lyriken i sin individuella version. Dessa strävanden fick många musiker under andra hälften av 1700-talet att släkta. med den litterära rörelsen Sturm und Drang. Hoffmanns inställning till K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart, och särskilt till L. Beethoven, som konstnärer av ett romantiskt lager, var ganska naturlig. Sådana bedömningar återspeglade inte bara förkärleken för romantisk uppfattning, utan också uppmärksamhet på de drag av "förromantiken" som faktiskt var inneboende hos de stora kompositörerna under andra hälften av 1700-talet och början av 1800-talet.

Musikromantiken förbereddes också historiskt av rörelsen som föregick den för litterär romantik i Tyskland bland "Jenian" och "Heidelberg" romantikerna (W. G. Wackenroder, Novalis, bröderna F. och A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. Arnim, C. Brentano och andra), från författaren Jean Paul, som stod dem nära, senare från Hoffmann, i Storbritannien, från poeterna i den sk. "Sjöskolan" (W. Wordsworth, S. T. Coleridge och andra) hade redan fullt utvecklat romantikens allmänna principer, som sedan tolkades och utvecklades inom musiken på sitt eget sätt. I framtiden påverkades musikalisk romantik avsevärt av sådana författare som Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz och andra.

De viktigaste områdena för kreativitet av romantiska musiker inkluderar texter, fantasy, folkmusik och nationella original, naturliga, karaktäristiska.

Texternas största betydelse i det romantiska. konsten, särskilt inom musiken, underbyggdes i grunden av honom. R. teoretiker. För dem är "romantiskt" i första hand "musikaliskt" (den mest hedervärda platsen gavs i konsthierarkin inom musiken), eftersom känslan är den högsta i musiken, och därför finner en romantisk konstnärs verk sitt högsta mål i det. Därför är musik texten. I den abstrakta filosofiska aspekten, enligt teorin om lit. R., låter en person smälta samman med "världens själ", med "universum"; i aspekten av det konkreta livet är musik till sin natur prosanens motpod. verkligheten, det är hjärtats röst, kapabel att med högsta fullständighet berätta om en person, hans andliga rikedom, om hans liv och strävanden. Det är därför på området för texter av muser. R. hör till det ljusaste ordet. Lyrik, omedelbarhet och uttryck, individualisering av lyrik som uppnåddes av romantiska musiker var nytt. uttalanden, överföring av psykologiska. utvecklingen av en känsla full av nya värdefulla detaljer i alla dess skeden.

Skönlitteratur som kontrast till prosa. verkligheten är besläktad med texter och är ofta, särskilt inom musiken, sammanflätad med den senare. Fantasy avslöjar i sig olika aspekter som är lika väsentliga för R. Den fungerar som frihet för fantasin, ett fritt spel av tanke och känsla, och samtidigt. som kunskapsfrihet, djärvt rusande in i en värld av "konstigt", underbart, okänt, som i trots av känslomässigt praktiskt, eländigt "sunt förnuft". Fantasy är också en sorts romantisk skönhet. Samtidigt gör science fiction det möjligt att i en indirekt form (och därför med maximal konstnärlig generalisering) kollidera det vackra och det fula, det goda och det onda. I konst. R. gjorde ett stort bidrag till utvecklingen av denna konflikt.

Romantikernas intresse för livet "utanför" är oupplösligt kopplat till det allmänna konceptet för sådana begrepp som folklig och nationell identitet, naturlig, karakteristisk. Det var en önskan att återskapa äktheten, företrädet, integriteten som förlorats i den omgivande verkligheten; därav intresset för historia, för folklore, naturkulten, tolkad som primordial, som den mest fullständiga och oförvrängda förkroppsligandet av "världens själ". För en romantiker är naturen en fristad från civilisationens problem, den tröstar och botar en rastlös person. Romantikerna gjorde ett enormt bidrag till kunskapen, till konsten. återupplivande av människor poesi och musik från tidigare epoker, såväl som "fjärma" länder. Enligt T. Mann är R. ”en längtan efter det förflutna och samtidigt ett realistiskt erkännande av rätten till originalitet för allt som någonsin verkligen funnits med sin egen lokala färg och atmosfär” (Coll. soch., v. 10, M., 1961, s. 322), startade i Storbritannien på 1700-talet. samling av nationella folktron fortsatte på 1800-talet. W. Scott; i Tyskland var det romantikerna som först samlade in och offentliggjorde våningssängarnas skatter. deras lands kreativitet (samling av L. Arnim och K. Brentano "The Magic Horn of a Boy", "Barn- och familjesagor" av brodern Grimm), som hade stor betydelse och för musik. Önskan om en trogen överföring av det nationella-nat. konst. stil ("lokal färg") - ett vanligt inslag hos romantiska musiker från olika länder och skolor. Detsamma kan sägas om musik. landskap. Skapad i detta område av kompositörer 18 - tidigt. 1800-talet vida överträffad av romantikerna. I musiken naturens gestaltning nådde R. en förut okänd bildlig konkrethet; detta serverades av de nyupptäckta expresserna. musik, främst harmonisk och orkester (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

"Karakteristisk" lockade romantiker i vissa fall som original, integrerad, original, i andra - som märklig, excentrisk, karikerad. Att lägga märke till kännetecknet, att avslöja det betyder att bryta igenom den utjämnande grå slöjan av den vanliga perceptionen och beröra det verkliga, bisarrt färgstarka och sjudande livet. I strävan efter detta mål, en typisk för romantiker art-in lit. och musik. porträtt. Ett sådant påstående förknippades ofta med konstnärens kritik och ledde till att parodiska och groteska porträtt skapades. Från Jean Paul och Hoffmann överförs tendensen till en karaktäristisk porträttskiss till Schumann och Wagner. I Ryssland, inte utan inflytande från den romantiska. musiktraditioner. porträtt utvecklat bland kompositörer nat. realistisk. skolor - från A. S. Dargomyzhsky till M. P. Mussorgsky och N. A. Rimsky-Korsakov.

R. utvecklade inslag av dialektik i tolkningen och uppvisningen av världen och stod i detta avseende nära honom samtida. klassisk filosofi. I kostymen förstärks förståelsen för relationen mellan individen och det allmänna. Enligt F. Schlegel, romantisk. poesin är "universell", den "innehåller allt poetiskt, från konstens största system, som återigen inkluderar hela system, till en suck, till en kyss, när de uttrycker sig i ett barns konstlösa sång" ("Fr. Schlegels) Jugendschriften”, hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Obegränsad variation med dold ext. enhet – det är vad romantiker värdesätter till exempel. i Don Quijote av Cervantes; F. Schlegel kallar den brokiga väven i denna roman för "livets musik" (ibid., s. 316). Det här är en roman med "öppna horisonter" - konstaterar A. Schlegel; enligt hans iakttagelse tillgriper Cervantes "ändlösa variationer", "som om han vore en sofistikerad musiker" (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Sådan konst. position genererar särskild uppmärksamhet vad gäller otd. intryck, och deras kopplingar, till skapandet av ett gemensamt koncept. Direkt i musik. känslan blir filosofisk, landskapet, dansen, genrescen, porträtt genomsyras av lyrik och leder till generaliseringar. R. visar ett speciellt intresse för livsprocessen, för det som N. Ya Berkovsky kallar "livets direkta flöde" ("Romanticism in Germany", Leningrad, 1973, s. 31); detta gäller även musik. Det är typiskt för romantiska musiker att sträva efter oändliga förvandlingar av den ursprungliga tanken, efter "ändlös" utveckling.

Sedan R. såg i alla anspråk en enda betydelse och ett enda kapitel. Målet är att smälta samman med livets mystiska väsen, idén om konstsyntes fick en ny innebörd. ”En konsts estetik är en annans estetik; bara materialet är annorlunda”, konstaterar Schumann (”On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, s. 87). Men kombinationen av "olika material" ökar den konstnärliga helhetens imponerande kraft. I den djupa och organiska sammansmältningen av musik med poesi, med teater, med måleri, öppnade sig nya möjligheter för konsten. Inom området instr. musik, får principen om programmerbarhet en viktig roll, d.v.s. inkludering både i kompositörens idé och i processen att uppfatta musik, tänd. och andra föreningar.

R. är särskilt brett representerad i Tysklands och Österrikes musik. På ett tidigt stadium - arbetet av F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; vidare av Leipzig-skolan, i första hand av F. Mendelssohn-Bartholdy och R. Schumann; i 2:a våningen. 1800-talet - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. I Frankrike medverkade R. redan i operorna av A. Boildieu och F. Aubert, då i en mycket mer utvecklad och originell form av Berlioz. Romantisk i Italien tendenser återspeglades märkbart hos G. Rossini och G. Verdi. Gemensam europeisk värde fått arbetet med den polska datorn. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, italienare. - N. Paganini (Liszts och Paganinis verk var också höjdpunkten av romantisk prestation), tyska. - J. Meyerbeer.

Under villkoren för nationella R. skolor behöll mycket gemensamt och visade samtidigt en märkbar originalitet i idéer, intrig, favoritgenrer och även i stil.

På 30-talet. varelser hittades. oenighet mellan honom. och franska skolor. Det finns olika uppfattningar om det tillåtna måttet på stilistisk. innovation; kontroversiell var också frågan om estetikens tillåtlighet. konstnärens kompromisser för att behaga "publikens smak". Antagonisten till Berlioz innovation var Mendelssohn, som bestämt försvarade normerna för en moderat "klassisk-romantisk" stil. Schumann, som ivrigt försvarade Berlioz och Liszt, accepterade inte desto mindre vad som tycktes honom vara fransmännens ytterligheter. skolor; han föredrog den mycket mer balanserade Chopin framför författaren till den fantastiska symfonin, extremt högt placerade Mendelssohn och A. Henselt, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett och andra närstående denna kompositör. Schumann kritiserar Meyerbeer med utomordentlig skärpa, seende i hans spektakulära teatralitet, bara demagogi och strävan efter framgång. Heine och Berlioz, tvärtom, uppskattar författarens "Huguenots"-dynamik. musik dramaturgi. Wagner utvecklar kritisk Schumanns motiv går dock i sitt arbete långt ifrån normerna för en moderat romantiker. stil; att följa (till skillnad från Meyerbeer) strikta estetiska kriterier. urval, han följer djärva reformers väg. Alla R. 1800-talet som en opposition till Leipzigskolan, den s.k. Ny tysk- eller Weimarskola; Liszt blev dess centrum under hans Weimar-år (1849-61), anhängare var R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff m.fl.. Weimarianerna var anhängare av programmusik, musik. dramer av Wagner-typ och andra radikalt reformerade typer av ny musik. rättegång. Sedan 1859 har den nya tyska skolans idéer representerats av "General German Ferein" och tidskriften skapad redan 1834 av Schumann. "Neue Zeitschrift für Musik", Krym sedan 1844 regisserades av K. F. Brendel. I det motsatta lägret fanns tillsammans med kritikern E. Hanslik, violinisten och kompositören J. Joachim m.fl. J. Brahms; den senare strävade inte efter kontroverser och försvarade sina principer endast i kreativitet (1860 satte Brahms på egen hand sin signatur under en polemisk artikel - ett kollektivt tal mot vissa idéer från "weimariterna", publicerat i Berlins tidskrift "Echo" ). Vad kritiker var benägna att betrakta konservatism i Brahms verk var i själva verket en levande och originell konst, där den romantiska. traditionen uppdaterades och upplevde ett nytt kraftfullt inflytande från klassikern. musik från det förflutna. Utsikterna för denna väg visades av Europas utveckling. musik nästa. decennier (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev och andra). På samma sätt visade sig "weimariternas" insikter vara lovande. I framtiden blir tvisterna mellan de två skolorna historiskt sett föråldrade.

Eftersom det i mainstream av R. var framgångsrika sökningar efter nat. autenticitet, social och psykologisk. sanningshalten var denna rörelses ideal nära sammanflätade med realismens ideologi. Sådana kopplingar är uppenbara till exempel i Verdi och Bizets operor. Samma komplex är typiskt för ett antal nat. musik skolor på 1800-talet På ryska Romantisk musik. element är tydligt representerade redan av M. I. Glinka och A. S. Dargomyzhsky, i andra halvan. 1800-talet - från kompositörerna av The Mighty Handful och från P. I. Tchaikovsky, senare från S. V. Rachmaninov, A. N. Skrjabin, N. K. Medtner. Under starkt inflytande av R. utvecklades unga muser. kulturer i Polen, Tjeckien, Ungern, Norge, Danmark, Finland (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius och andra), samt spanska. musik 2:a våningen. 19 - tigg. 1900-talet (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).

Muser. R. bidrog aktivt till utvecklingen av kammarsångstexter och opera. I enlighet med R:s ideal i wokreformen. musik kap. roll spelas av fördjupningen av syntesen av art-in. Wok. melodin svarar känsligt på uttrycksfullheten i det poetiska. ord, blir mer detaljerad och individuell. Verktyg festen tappar karaktären av neutralt ”komp” och blir alltmer mättat med bildligt innehåll. I Schuberts, Schumanns, Franz, Wolfs verk kan en väg spåras från en handlingsutvecklad sång till "musik. dikt." Bland wok. genrer, balladens roll, monolog, scen, dikt ökar; sånger i pl. fall kombineras i cykler. I det romantiska opera, som utvecklades i dec. riktningar, kopplingen mellan musik, ord, teater ökar stadigt. handlingar. Detta syfte tjänas av: systemet av muser. egenskaper och ledmotiv, utvecklingen av talintonationer, sammansmältningen av musikens logik. och scen utveckling, användning av rika möjligheter symfoniska. orkester (Wagners partitur tillhör de högsta prestationerna inom operasymfonin).

I instr. musik, romantiska kompositörer är särskilt benägna att FP. miniatyr. En kort pjäs blir en fixering av ögonblicket, önskvärd för en romantisk konstnär: en översiktlig skiss av en stämning, ett landskap, en karaktäristisk bild. Den uppskattar och relaterar. enkelhet, närhet till musikens vitala källor - till sång, dans, förmågan att fånga en fräsch, originell smak. Populära varianter av romantiska. kort stycke: ”sång utan ord”, nocturne, preludium, vals, mazurka, samt stycken med programnamn. I instr. miniatyr ger högt innehåll, reliefbilder; med en kompakt form kännetecknas den av ett ljust uttryck. Som i wok. texter, här finns en tendens att förena otd. pjäser i cykler (Chopin - Preludier, Schumann - "Barnscener", Liszt - "Vandringsår", etc.); i vissa fall handlar det om cykler av en "genom" struktur, där de mellan de enskilda är relativt oberoende. spel uppstår diff. typ av intonation. kommunikation (Schumann - "Fjärilar", "Karneval", "Kreisleriana"). Sådana "genom" cykler ger redan en uppfattning om romantikens huvudsakliga tendenser. tolkning av en stor instr. formulär. Å ena sidan betonar det kontrasten, mångfalden hos individen. episoder stärks å andra sidan helhetens enhet. Under dessa tendensers tecken ges en ny kreativitet. tolkning av klassikern sonat och sonatcykel; samma strävanden bestämmer logiken i endelade "fria" former, som vanligtvis kombinerar egenskaperna hos en sonata allegro, en sonatcykel och variation. "Fria" former var särskilt bekväma för programmusik. I deras utveckling, i stabiliseringen av genren av den enstämmiga "symfonin. dikter" Liszts förtjänst är stor. Den konstruktiva princip som ligger bakom Liszts dikter – den fria förvandlingen av ett tema (monotematism) – skapar ett uttryck. kontrasterar och säkerställer samtidigt den maximala enheten i hela kompositionen (Preludes, Tasso, etc.).

I musikens stil R. den viktigaste rollen spelas av modala och harmoniska medel. Sökandet efter ny uttrycksfullhet är förknippat med två parallella och ofta relaterade processer: med förstärkningen av funktionell och dynamisk. sidor av harmonier och med förstärkning av övertonen. färgglatthet. Den första av dessa processer var den ökande mättnaden av ackord med förändringar och dissonanser, vilket förvärrade deras instabilitet, ökade spänningen som krävde upplösning i framtida övertoner. rörelse. Sådana egenskaper hos harmoni uttryckte bäst den för R. typiska "languor", strömmen av "oändligt" utvecklande känslor, som förkroppsligades med särskild fullständighet i Wagners "Tristan". Färgglada effekter dök upp redan vid användningen av möjligheterna i det dur-moll modala systemet (Schubert). Nya, mycket olika färger. nyanser extraherades från den sk. naturliga lägen, med vars hjälp Nar framhölls. eller ålderdomlig. musikens natur; en viktig roll - särskilt inom science fiction - tilldelades band med heltons- och "ton-halvton"-skalor. Färgglada egenskaper hittades också i ett kromatiskt komplicerat, dissonant ackord, och det var vid denna tidpunkt som processerna som noterats ovan tydligt berörde. Färsk ljudeffekter uppnåddes också genom jämförelser av ackord eller moder inom diatoniken. skala.

I det romantiska melodiskt handlade följande kap. tendenser: i strukturen - önskan om bredd och kontinuitet i utvecklingen, och dels för formens "öppenhet"; i rytm - övervinna traditioner. regelbundenhetsmått. accenter och eventuell automatisk upprepning; till intonation. komposition - detaljering, fyllande med uttrycksfullhet inte bara de ursprungliga motiven, utan också hela melodiska. teckning. Wagners ideal om "ändlös melodi" innefattade alla dessa trender. Till dem hör också konsten av 1800-talets största melodiister. Chopin och Tjajkovskij. Muser. R. berikade mycket, individualiserade presentationssätten (textur), vilket gjorde dem till en av de viktigaste delarna av muserna. bilder. Detsamma gäller användningen av instr. kompositioner, särskilt symfoniska. orkester. R. utvecklad färg. orkesterns medel och orkens dramaturgi. utveckling till en höjd som tidigare tidsepoker inte kände till.

Sen musik. R. (slutet av 1800-talet - början av 1900-talet) gav fortfarande "rika plantor", och bland dess största efterföljare den romantiska. traditionen uttryckte fortfarande det progressiva, humanistiska idéerna. påståenden (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).

Ny kreativitet förknippas med förstärkning och kvalitativ omvandling av R:s tendenser. prestationer inom musik. Nya detaljerade bilder odlas - både i sfären av yttre intryck (impressionistisk färgstarka) och i utsökt subtil överföring av känslor (Debussy, Ravel, Scriabin). Musikens möjligheter vidgas. figurativitet (R. Strauss). Förfining, å ena sidan, och ökad uttrycksförmåga, å andra sidan, skapar en bredare skala av emotionell uttrycksförmåga hos musik (Scriabin, Mahler). Samtidigt, i sena R., som var nära sammanflätad med de nya trenderna vid 1800- och 1900-talets skift. (impressionism, expressionism), symtomen på krisen växte. I början. 1900-talet R:s utveckling avslöjar en hypertrofi av den subjektiva principen, en gradvis degeneration av förfining till amorfhet och orörlighet. En polemiskt skarp reaktion på dessa krisdrag var musan. 10-20-talets antiromantik (I. F. Stravinsky, ung S. S. Prokofiev, kompositörer av de franska "Sex" etc.); framlidne R. motsatte sig önskan om saklighet i innehållet, efter klarhet i formen; uppstod ny våg"klassicism", kulten av de gamla mästarna, kap. arr. före Beethoven-eran. Mitten av 1900-talet visade dock livskraften av de mest värdefulla traditionerna av R. Trots de destruktiva tendenser som intensifierats i västerländsk musik, behöll R. sin andliga grund och berikad med nya stilistiska. element, utvecklades av många. framstående kompositörer från 1900-talet. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok och andra).

Litteratur: Asmus V., Philosophical Romanticisms musikaliska estetik, "SM", 1934, nr 1; Nef K., Västeuropeisk musiks historia, översatt från franska. Redigerad av B.V. Asafiev. Moskva, 1938. Sollertinsky I., Romantiken, dess allmänna och musikaliska estetik, i sin bok: Historical etudes, L., 1956, vol. 1, 1963; Zhitomirsky D., Notes on Musical Romanticism (Chopin och Schumann), "SM", 1960, nr 2; sin egen, Schumann och romantiken, i sin bok: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., 1800-talets romantiska sång, M., 1966; Konen, V., History of Foreign Music, vol. 3, M., 1972; Mazel L., Problems of classical harmony, M., 1972 (kap. 9 - Om den klassiska harmonins historiska utveckling under 1800-talet och början av 1900-talet); Skrebkov S., Konstnärliga principer musikaliska stilar, M., 1973; Musikalisk estetik i Frankrike på 1800-talet. Comp. texter, intro. artikel och intro. essäer av E. F. Bronfin, M., 1974 (Monument of musical and aesthetic thought); Musik från Österrike och Tyskland på 1800-talet, bok. 1, M., 1975; Druskin M., Historien om utländsk musik, vol. 4, M., 1976.

D.V. Zhitomirsky

Ideologisk konstnärlig riktning, som utvecklades i alla länder i Europa och norr. Amerika i kon. 18 - 1:a våningen. 1800-talet R. uttryckte det borgerliga samhällets missnöje. förändringar, motsätter sig klassicism och upplysning. F. Engels noterade att "... de sociala och politiska institutioner som etablerades genom "förnuftets seger" visade sig vara en ond, bittert nedslående karikatyr av upplysningarnas lysande löften." Kritiken mot det nya sättet att leva, skisserat i huvudströmmen av upplysning bland sentimentalisterna, var ännu tydligare bland romantikerna. Världen föreföll dem medvetet orimlig, full av mystiska, oförstående och fientliga människor. personlighet. För romantiker var höga ambitioner oförenliga med omvärlden, och oenigheten med verkligheten visade sig vara nästan den viktigaste. funktion R. Lowlands och vulgaritet i den verkliga världen R. motsatte sig religion, natur, historia, fantastisk. och exotiska. sfärer, adv. kreativitet, men mest av allt - människans inre liv. Framställningar om hennes R. ytterst berikade. Om antiken var klassicismens ideal, så vägleddes R. av medeltidens och moderna tiders konst, med tanke på A. Dante, W. Shakespeare och J. W. Goethe som sina föregångare. R. hävdade konst, inte tillhandahållen av modeller, utan skapad av konstnärens fria vilja, förkroppsligande av hans inre värld. R. accepterade inte den omgivande verkligheten, R. kände den faktiskt djupare och mer fullständigt än klassicismen. den högsta konsten ty R. var musiken, som förkroppsligandet av livets fria element. Hon nådde stora framgångar under den tiden. R. var också en period av ovanligt snabb och betydande utveckling av balett. De första stegen av en romantiker baletter gjordes i England, Italien, Ryssland (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky och andra). R. tog dock mest fullständigt och konsekvent form på franska. balettteater, vars inflytande återspeglades i andra länder. En av förutsättningarna för detta var den höga utvecklingen av klassisk teknik i Frankrike vid den tiden. dans, särskilt kvinnor. Helt klart romantiskt. tendenser visade sig i F. Taglionis baletter ("La Sylphide", 1832, etc.), där handlingen vanligtvis utspelade sig parallellt i de verkliga och fantastiska världarna. Fantasin befriade dansen från behovet av privata vardagliga motiveringar, öppnade utrymme för användning av den ackumulerade tekniken och dess vidareutveckling för att avslöja de väsentliga egenskaperna hos de karaktärer som avbildas i dansen. I den kvinnliga dansen, som kom i förgrunden i R:s balett, infördes hopp mer och mer vida, dans på spetsskor etc., som perfekt motsvarade utseendet. ojordiska varelser- Willis, sylf. I baletten dominerade R. dansen. Nya kompositionsformer av det klassiska dans har rollen som unison corps de ballet kvinnlig dans ökat kraftigt. Ensemble, duett och solodans. Rollen som den ledande ballerinan ökade, och började med M. Taglioni. En tunika dök upp som en permanent kostym för en dansare. Musikens roll har ökat, ofta före landslagets. Danssymfonin började. handlingar. Romantikens höjdpunkt. balett - "Giselle" (1841), iscensatt av J. Coralli och J. Perrot. Perraults verk markerade en ny scen i balett R. Föreställningen förlitade sig nu mycket på lit. den ursprungliga källan ("Esmeralda" enligt Hugo, "Corsair" enligt Byron, etc.), och följaktligen blev dansen mer dramatiserad, effekten av effektiva kompositioner (pas d "action" ökade), dansfolklore användes mer Liknande strävanden manifesterade sig i arbetet av de mest framstående datum Balettdansös i augusti Bournonville Dancers F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya kom fram.

Romantisk typ. föreställning, etablerad i baletterna Taglioni, Perrot, Bournonville, fortsatte att existera till slutet. 1800-talet Men den interna strukturen av dessa föreställningar, främst i arbetet med balett. M. I. Petipa, förvandlad.

Önskan om en romantisk väckelse. balett i sin ursprungliga skepnad manifesterade sig i verk av några balettmästare på 1900-talet. M. M. Fokin gav R. i baletten nya drag av impressionismen.

Balett. Encyclopedia, SE, 1981

I Music (av grekiskans musike, bokstavligen musernas konst) är en typ av konst som speglar verkligheten och påverkar en person genom meningsfulla och speciellt organiserade ljudsekvenser, huvudsakligen bestående av toner ... ... Stora sovjetiska encyklopedien

- (grekiska moysikn, av mousa muse) en typ av dräkt som speglar verkligheten och påverkar en person genom ljudsekvenser som är meningsfulla och speciellt organiserade i höjd och tid, huvudsakligen bestående av toner ... ... Musikuppslagsverk

Innehåll 1 Historiska aspekter 2 Litteratur 2.1 Ursprung 2.2 Realism ... Wikipedia

Denna term är baserad på grekiskan ή μουσική (antyder τέχνη konst), det vill säga musernas konst (främst sång- och dansgudinnorna). Senare fick det en bredare betydelse från grekerna, i betydelsen av den harmoniska utvecklingen av anden i allmänhet, och med oss ​​igen ... ... Encyclopedic Dictionary F.A. Brockhaus och I.A. Efron

ANDLIG MUSIK- musik. Kristi gärningar. innehåll som inte är avsett att framföras under gudstjänst. D. m. är ofta motståndare till sekulär musik, och i denna mening hänvisas ibland ett extremt brett spektrum av fenomen från liturgisk musik till detta område ... ... Ortodox uppslagsverk

Rötterna till N. m går tillbaka till forntiden. Arkeologiska data. studier visar att det finns andra bakterier. stammar av olika slag av andar. verktyg (lurs), tillverkningen av krykh går tillbaka till bronsåldern. Belyst. och historiska ... ... Musikuppslagsverk

Funktioner av bildandet av muser. USA:s kultur, som började i kon. 1600-talet, bestämdes till stor del av den koloniala typen av utveckling i landet. Förflyttad till Amer. musikens grund traditionerna i Europa, Afrika, senare Asien assimilerades och interagerar, ... ... Musikuppslagsverk

R. m.s ursprung går tillbaka till österlandets arbete. ära. stammar som bebodde Dr. Rus' före uppkomsten på 900-talet. den första ryssen gos va. HANDLA OM gamla arteröster ära. musik kan hypotetiskt bedömas av otd. historisk bevis... ... Musikuppslagsverk

Ursprunget till F. m. går tillbaka till folkloren för de keltiska, galliska och frankiska stammarna som levde i gamla tider på det nuvarande Frankrikes territorium. Nar. sångkonsten, liksom den gallo-romerska kulturen, blev grunden för utvecklingen av F. m. Ancient lit. Och … … Musikuppslagsverk

I slutet av XVIII - tidiga XIXårhundradet dök en sådan konstnärlig riktning som romantiken upp. I denna era drömde människor om en ideal värld och "flyr" i fantasin. Denna stil hittade sin mest levande och figurativa förkroppsligande i musik. Bland representanterna för romantiken, sådana kompositörer från 1800-talet som Carl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt och Richard Wagner.

Franz Liszt

Framtiden föddes i en cellists familj. Hans far lärde honom musik från tidig ålder. Som barn sjöng han i kör och lärde sig spela orgel. När Franz var 12 år flyttade hans familj till Paris för att pojken skulle studera musik. Han blev dock inte antagen till konservatoriet, sedan 14 års ålder har han komponerat sketcher. Sådant 1800-tal som Berlioz, Paganini, hade ett stort inflytande på honom.

Paganini blev Liszts riktiga idol, och han bestämde sig för att finslipa sina egna pianokunskaper. Konsertverksamheten 1839-1847 åtföljdes av en lysande triumf. Under dessa år skapade Ferenc den berömda samlingen av pjäser "Years of Wanderings". En virtuos av pianospel och en favorit bland allmänheten har blivit en sann förkroppsligande av eran.

Franz Liszt komponerade musik, skrev flera böcker, undervisade och ledde öppna lektioner. Till honom kom tonsättare från 1800-talet från hela Europa. Vi kan säga att nästan hela sitt liv var han engagerad i musik, eftersom han arbetade i 60 år. Än i dag är hans musikaliska talang och skicklighet en förebild för moderna pianister.

Richard Wagner

Snillet skapade musik som inte kunde lämna någon oberörd. Hon hade både beundrare och hårda motståndare. Wagner var fascinerad av teatern sedan barndomen, och vid 15 års ålder bestämde han sig för att skapa en tragedi med musik. Vid 16 års ålder tog han med sig sina kompositioner till Paris.

I 3 år försökte han förgäves att iscensätta en opera, men ingen ville ha att göra med en okänd musiker. Sådan populära tonsättare 1800-talet, liksom Franz Liszt och Berlioz, som han träffade i Paris, ger honom inte lycka. Han är i fattigdom, och ingen vill stödja hans musikaliska idéer.

Efter att ha misslyckats i Frankrike återvänder kompositören till Dresden, där han börjar arbeta som dirigent i hovteatern. 1848 emigrerade han till Schweiz, eftersom han efter att ha deltagit i upproret förklarades som brottsling. Wagner var medveten om det borgerliga samhällets ofullkomlighet och konstnärens beroende ställning.

1859 sjöng han kärlek i operan Tristan und Isolde. I Parsifal presenteras universellt broderskap på ett utopiskt sätt. Ondskan är besegrad, och rättvisa och visdom vinner. Alla de stora kompositörerna på 1800-talet var influerade av Wagners musik och lärde sig av hans verk.

På 1800-talet bildades en nationell komponerande och uppträdande skola i Ryssland. Det finns två perioder i rysk musik: tidig romantik och klassiskt. Den första inkluderar sådana ryska kompositörer från 1800-talet som A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Mikhail Glinka

Mikhail Glinka grundade en skola för tonsättare i vårt land. Den ryska andan är närvarande i alla hans berömda operor som "Ruslan och Lyudmila", "Livet för tsaren" är genomsyrade av patriotism. Glinka sammanfattade folkmusikens karaktäristiska drag med hjälp av gamla toner och rytmer av folkmusik. Kompositören var också en nyskapare inom musikdramaturgi. Hans verk är uppkomsten av nationell kultur.

Ryska kompositörer gav världen många verk av genialitet som fortfarande vinner människors hjärtan idag. Bland de briljanta ryska kompositörerna från 1800-talet förevigas sådana namn som M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky.

Klassisk musik återspeglar levande och sensuellt en persons inre värld. Den strikta rationalismen ersattes av 1800-talets romantik.

Romantisk period

Den romantiska perioden inom musiken varade ungefär från 1830-talet till 1910-talet. Till viss del är ordet "romantisk" bara en etikett, ett begrepp som inte kan definieras noggrant, precis som många andra. Många av de verk som nämns i alla kapitel i vår bok utan undantag kan med rätta kallas "romantiska".

Den största skillnaden från denna period från andra är att kompositörerna från den eran ägnade mer uppmärksamhet åt känslor och uppfattning av musik och försökte uttrycka känslomässiga upplevelser med dess hjälp. I detta skiljer de sig från den klassiska periodens kompositörer, för vilka det viktigaste inom musiken var formen och som försökte följa vissa regler för att konstruera komposition.

Samtidigt kan inslag av romantik ses hos vissa kompositörer från den klassiska perioden, och inslag av klassicism kan ses hos kompositörerna från den romantiska perioden. Så allt vi pratade om ovan är inte en hård och snabb regel alls, utan bara generella egenskaper.

Historien stod inte stilla, och alla människor blev plötsligt inte romantiker, som bara är intresserade av sina känslomässiga upplevelser. Detta är tiden för socialismens födelse, postreformen och grundandet av Frälsningsarmén. Samtidigt upptäcktes vitaminer och radium, Suezkanalen byggdes; Daimler designade den första bilen och bröderna Wright gjorde den första flygningen. Marconi uppfann radion genom att framgångsrikt skicka ett trådlöst meddelande en och en halv mil bort. Drottning Victoria satt på Storbritanniens tron ​​längre än någon annan engelsk monark. Guldrushen fick tusentals människor att resa till Amerika.

Om du bläddrar i vår bok kommer du att märka att detta är det största av alla dess kapitel, där inte mindre än trettiosju tonsättare nämns. Många av dem bodde och arbetade samtidigt i olika länder. Därför har vi delat upp det här kapitlet i tre avsnitt: "Tidiga romantiker", "Nationalkompositörer" och "Senromantiker".

Som du säkert redan gissat, gör inte heller denna uppdelning anspråk på att vara helt korrekt. Ändå hoppas vi att det hjälper till att hålla berättelsen konsekvent, om än inte alltid i kronologisk ordning.

Det är tonsättare som har blivit en slags bro mellan den klassiska perioden och senromantikens period. Många av dem arbetade samtidigt med "klassikerna", och Mozart och Beethoven hade stort inflytande på deras arbete. Samtidigt gjorde många av dem sitt personliga bidrag till den klassiska musikens utveckling.

Vår första kompositör från den romantiska perioden var en riktig stjärna på sin tid. Under sina framträdanden visade han violinvirtuositetens under och uppträdde otroliga stunts. Som den virtuose rockgitarristen Jimi Hendrix, som föddes hundra sextio år senare, Niccolo Paganini imponerade alltid på publiken med sitt passionerade framträdande.

Paganini kunde spela hela stycket på två violinsträngar istället för fyra. Ibland

han fick till och med medvetet strängarna att gå sönder mitt under föreställningen, varefter han ändå briljant avslutade verket till publikens högljudda applåder.

Som barn var Paganini uteslutande engagerad i musik. Men hans far straffade honom till och med för att han inte tränade tillräckligt genom att inte ge honom mat eller vatten.

Som vuxen spelade Paganini fiol så virtuost att det ryktades att han hade slutit en pakt med djävulen själv, eftersom ingen dödlig kunde spela så storartat. Efter musikerns död vägrade kyrkan först till och med att begrava honom på sin egen mark.

Paganini förstod utan tvekan själv alla fördelarna med sina offentliga tal och sa:

"Jag är ful, men när kvinnor hör mig spela, kryper de upp på fötterna."

Musikkompositionernas stil och struktur fortsatte att utvecklas både i instrumentala kompositioner och i opera. I Tyskland ledde operans avantgarde Carl Maria von Weber,även om han levde i år som många inte tillskriver den romantiska perioden.

Man kan säga att för Webers var opera en familjeangelägenhet och Carl reste mycket med sin fars operakompani som barn. Hans opera Free Shooter (Magic Shooter) kom in i musikhistorien på grund av att folkmotiv användes i den.

Lite senare kommer du att lära dig att en sådan teknik övervägs karaktäristiskt drag romantisk period.

Weber skrev också flera klarinettkonserter, för vilka han idag är till stor del känd.

Italien är operans födelseplats, och i ansiktet Gioacchino Antonio Rossini Italienarna hade turen att hitta en ny hjälte i denna genre. Han skrev operor av både komiskt och tragiskt innehåll med lika stor framgång.

Rossini var en av de tonsättare som komponerade snabbt, och det tog honom vanligtvis bara några veckor att skriva en opera. På höjden av sin berömmelse sa han en gång:

"Ge mig tvätträkningen så sätter jag musik på den."

Det säger de Frisör från Sevilla Rossini komponerade på bara tretton dagar. En sådan hög arbetstakt ledde till att hans nya operor ständigt sattes upp på alla teatrar i Italien. Men han behandlade inte alltid artisterna av hans kompositioner positivt och talade en gång till och med nedsättande om dem:

"Vilken underbar opera skulle vara om det inte fanns några sångare i den!"

Men vid trettiosju års ålder slutade Rossini plötsligt skriva operor, och under de senaste fyra decennier av sitt liv från stora verk som han enbart skapade Stabat mater.

Hittills är det inte helt klart vad han vägleddes av när han fattade ett sådant beslut, men vid det laget hade en ansenlig summa samlats på hans bankkonto - royalties från produktioner.

Förutom musik hade Rossini en passion för matlagningskonsten, och många fler rätter är uppkallade efter honom än andra kompositörer. Du kan till och med ordna en hel middag, som inkluderar Rossini-sallad, Rossini Omelet och Rossini Tournedo. (Turnedos är remsor av kött stekt i ströbröd, serverad med paté och tryffel.)

Franz Schubert, som bara levde trettioen år, redan vid sjutton års ålder hade etablerat sig som en begåvad kompositör. För mig själv långt liv totalt skrev han mer än sexhundra sånger, nio symfonier, elva operor och omkring fyrahundra andra verk. Bara 1815 komponerade han hundrafyrtiofyra sånger, två mässor, en symfoni och ett antal andra verk.

1823 drabbades han av syfilis och fem år senare, 1828, dog han i tyfoidfeber. Ett år tidigare deltog han i begravningen av sin idol Ludwig van Beethoven.

Det är anmärkningsvärt att Schubert var en av de första stora kompositörerna som blev känd tack vare framförandet av andras verk. Själv gav han bara en stor konsert under hans dödsår, och redan då hamnade han i skuggan av Paganinis uppträdande, som kom till Wien ungefär samtidigt. Så stackars Schubert fick aldrig den respekt han förtjänade under sin livstid.

Ett av Schuberts största mysterier är Symfoni nr 8, känd under namnet Oavslutat. Han skrev bara två delar av den, och slutade sedan arbeta. Ingen vet varför han gjorde detta, men den här symfonin är fortfarande ett av hans mest populära verk.

Hector Berlioz föddes i en läkares familj, så att han, till skillnad från många andra kompositörer som nämns i vår bok, inte fick en fullvärdig musikalisk utbildning.

Först bestämde han sig för att gå i sin fars fotspår och bli läkare, för vilket han åkte till Paris, men där började han spendera mer och mer tid på operan. Så småningom bestämde han sig för att ägna sig åt musik, till sina föräldrars förtret.

Bilden av Berlioz kan tyckas karikerad för människor så långt ifrån att skriva

alla kompositörer presenteras: mycket nervösa och irriterade, impulsiva, med skarpa humörsvängningar och, naturligtvis, ovanligt romantiska i relationer med det motsatta könet. En gång attackerade han sin tidigare älskare med en pistol i handen och hotade att förgifta henne; en annan förföljde han, klädd i kvinnokläder.

Men huvudämnet för Berlioz romantiska strävanden var skådespelerskan Harriet Smithson, som senare drabbades av ett allvarligt nervsammanbrott - uppenbarligen är hon skyldig dem till stor del Berlioz själv. Han såg henne första gången 1827, men han lyckades träffa henne personligen först 1832. Först avvisade Smithson Berlioz, och han, som ville uppnå ömsesidighet, skrev fantastisk symfoni. 1833 gifte de sig ändå, men som väntat blev Berlioz några år senare kär i en annan kvinna.

När det gäller musik älskade Berlioz räckvidd. Ta till exempel hans Requiem, skriven för en enorm orkester och kör, samt fyra blåsorkestrar placerade i varje hörn av scenen. En sådan förkärlek för stora former bidrog inte mycket till hans postuma berömmelse. Att framföra sina verk i den form han tänkte ut dem i kan vara mycket dyrt, och ibland till och med omöjligt. Men sådana hinder störde honom inte alls, och han fortsatte att komponera musik med all den passion han var kapabel till. En gång sa han:

"Varje kompositör är bekant med smärtan och förtvivlan som kommer av att inte ha tillräckligt med tid att skriva ner vad han har kommit på."

Varje skolpojke som läser den här boken borde vara avundsjuk på sådana Felix Mendelsohn, till människor som blev kända i barndomen.

Som vi ser av många exempel är detta långt ifrån ovanligt i den klassiska musikens värld.

Men Mendelssohn lyckades inte bara inom musiken; han var en av få personer som lyckades uppnå ett bra resultat i allt de tar sig an - inom måleri, poesi, sport, språk.

Det var inte svårt för Mendelssohn att bemästra allt detta.

Mendelssohn hade tur - han föddes i en förmögen familj och växte upp i den kreativa atmosfären i Berlins konstnärskretsar. Som barn träffade han många duktiga artister och musiker som kom för att hälsa på hans föräldrar.

Mendelssohn gjorde sitt första offentliga framträdande vid nio års ålder, och när han var sexton år hade han redan komponerat Stråkoktett. Ett år senare skrev han en ouvertyr till Shakespeares pjäs En dröm i en sommarnatt. Men han skapade resten av musiken till denna komedi först efter sjutton år (inklusive den berömda Bröllopsmarsch, som fortfarande ofta framförs vid bröllop).

Mendelssohns personliga liv utvecklades också framgångsrikt: under åren av ett långt och varaktigt äktenskap fick han och hans fru fem barn.

Han arbetade och reste mycket, inklusive i Skottland, om invånarna som han inte talade alltför gillande om:

"... [de] producerar inget annat än whisky, dimma och dåligt väder."

Men detta hindrade honom inte från att skriva två underbara verk tillägnade Skottland. Tretton år efter att den första resan var över Skotsk symfoni; grunden Ouvertyrer av Hebriderna Skotska melodier låg nere. Mendelssohn var också kopplad till Storbritannien genom sitt oratorium Elijah, som först sattes upp i Birmingham 1846. Han träffade till och med drottning Victoria och gav musiklektioner till prins Albert.

Mendelssohn dog av en stroke i en relativt ung ålder vid trettioåtta. Visst kan man säga att han inte skonade sig och överansträngde sig från överdrivet arbete, men till stor del påskyndades hans död av hans älskade syster Fanny, som också var en begåvad musiker.

Framför oss är en annan romantiker till benmärgen. Vart i Frederic Chopin han kännetecknades också av en passionerad hängivenhet till ett instrument, och detta är en stor sällsynthet för de tonsättare som nämns i vår bok.

Att säga att Chopin älskade pianot är en underdrift. Han beundrade den, han ägnade hela sitt liv åt att komponera pianokompositioner och förbättra teknikerna för att spela det. Det var som om det inte fanns några andra instrument för honom, förutom kanske som ackompanjemang i orkesterkompositioner.

Chopin föddes 1810 i Warszawa; hans far var fransk från födseln och hans mor var polsk. Frederick började uppträda vid sju års ålder, och hans första kompositioner går tillbaka till samma tid. Det måste sägas att hans kännetecken alltid haft fokus på framtiden.

Därefter blev Chopin känd i Paris, där han började ge musiklektioner till rika människor, tack vare vilka han själv blev rik. Han höll alltid stenkoll på sin utseende och att hålla sin garderob uppdaterad med det senaste modet.

Som kompositör var Chopin metodisk och noggrann. Han lät sig aldrig slarva, varje verk fulländades av honom till perfektion. Inte överraskande var att komponera musik en smärtsam process för honom.

Totalt komponerade han etthundrasextionio soloverk för piano.

I Paris blev Chopin kär i Amandine Aurora Lucile Dupin, en välkänd fransk författare med ett fint namn, mer känd under pseudonymen George Sand. Hon var en ganska märklig person: hon kunde ofta hittas på Paris gator när hon gick omkring i herrkläder och rökte cigarrer, vilket hon chockade den väluppfostrade allmänheten. Romansen mellan Chopin och George Sand fortsatte stormigt och slutade i ett smärtsamt avbrott.

Precis som en del andra kompositörer från den romantiska perioden levde Chopin inte länge - han dog i tuberkulos vid trettionio års ålder, kort efter uppehållet med George Sand.

Robert Schumann– ytterligare en tonsättare som levde ett kort och spännande liv, även om allt i hans fall var kryddat med en hel del galenskap. Numera är verk för piano, sånger och kammarmusik av Schumann kända.

Schumann var en lysande kompositör, men under sin livstid befann han sig i skuggan av sin fru Clara Schumann, dåtidens lysande pianist. Som kompositör är hon mindre känd, även om hon också skrev ganska intressant musik.

Robert Schumann själv kunde inte uppträda som pianist på grund av en handskada, och det var svårt för honom att leva bredvid en kvinna som blev känd på detta område.

Kompositören led av syfilis och ett nervöst sammanbrott; en gång försökte han till och med begå självmord genom att kasta sig i Rhen. Han räddades och placerades på ett psykiatriskt sjukhus, där han dog två år senare.

Schumann behandlade konsten pragmatiskt. Följande uttalande är känt:

"För att komponera behöver du bara komma på en melodi som ingen annan har tänkt på."

Om Paganini kan kallas kungen av violinister och artister, så tillhör denna titel med rätta bland romantiska pianister Franz Liszt. Han var också engagerad i undervisningsverksamhet och framförde outtröttligt verk av andra tonsättare, särskilt Wagner, som kommer att diskuteras senare.

Liszts pianokompositioner är extremt svåra att framföra, men han skrev enligt sin spelteknik, väl medveten om att ingen skulle spela dem bättre än han.

Dessutom transkriberade Liszt till pianot verk av andra kompositörer: Beethoven, Berlioz, Rossini och Schubert. Under hans fingrar fick de en bisarr originalitet och började låta på ett nytt sätt. Med tanke på att de ursprungligen skrevs för orkestern, återstår det att förundras över skickligheten hos musikern, som återger dem förvånansvärt exakt på ett enda instrument.

Liszt var en riktig stjärna på sin tid; hundra år före uppfinningen av rock and roll levde han ett liv värdigt vilken rockmusiker som helst, inklusive olika kärleksaffärer. Inte ens beslutet att ta heliga order hindrade honom från att starta en affär.

Liszt populariserade också framträdanden med piano och orkester, en genre som fortsätter till denna dag. Han gillade att fånga fansens beundrande blickar och lyssna på de entusiastiska ropen från publiken som såg hans fingrar flyga över tangenterna. Så han vände på pianot så att publiken kunde följa pianistens spel. Innan dess satt de med ryggen mot publiken.

Allmänheten vet Georges Bizet som skaparen av operan Carmen men listan som publicerades i slutet av vår bok innehöll ett annat av hans verk, Au Fond du Temple Saint(också känd som Duett av Nadir och Zurgi) från operan Pärlsökare. Den har konsekvent legat i toppen av listorna sedan vi började sammanställa listan över de mest populära låtarna bland Classic FM-lyssnare 1996.

Bizet är ett annat underbarn som har visat sitt exceptionella musikalisk förmågaäven i barndomen. Han skrev sin första symfoni vid sjutton års ålder. Det är sant att han också dog tidigt, vid en ålder av trettiosex, och lade till listan över förtida bortgångna genier.

Trots sin talang uppnådde Bizet aldrig verkligt erkännande under sin livstid. Opera pärlsökare arrangerades med blandad framgång, och premiären Carmen och slutade helt i ett misslyckande - den fashionabla allmänheten på den tiden accepterade det inte. Gillas av kritiker och sanna musikkännare Carmen erövrades först efter kompositörens död. Sedan dess har det satts i alla ledande operahus fred.

Här är en annan extremt vag definition. Inte bara alla romantiska kompositörer, utan också, i viss mån, många representanter för barocken och den klassiska perioden kan med rätta kallas "nationalister".

Icke desto mindre kommer vi i detta avsnitt att lista fjorton ledande kompositörer från den romantiska perioden, vars verk är skrivna i en sådan stil att även lyssnare som inte är särskilt bekanta med klassisk musik kan se var den eller den mästaren kommer ifrån.

Ibland klassas dessa tonsättare som tillhörande en eller annan nationell musikskola, även om detta synsätt inte är helt korrekt.

Vanligtvis, när ordet "skola" används, presenteras ett klassrum där barn, under ledning av en lärare, utför samma uppgift.

Om vi ​​talar om kompositörer förenades de av en gemensam riktning, och de följde var och en sin egen väg och försökte hitta sina egna unika sätt att uttrycka sig.

Om rysk klassisk musik har en grundare, så är det utan tvekan, Mikhail Ivanovich Glinka. Nationalistiska musiker utmärker sig just genom att de använder folkmelodier i sina verk. Glinka introducerades för ryska sånger av sin mormor.

Till skillnad från många andra begåvade kompositörer som så ofta nämns på sidorna i vår bok, började Glinka på allvar studera musik i en relativt sen ålder - i början av tjugoårsåldern. Till en början tjänstgjorde han som tjänsteman i ministeriet för järnvägar.

När Glinka bestämde sig för att byta karriär åkte han till Italien, där han uppträdde som pianist. Det var där han utvecklade en djup kärlek till opera. När han återvände hem komponerade han sin första opera Livet för kungen. Allmänheten erkände honom omedelbart som den bästa ryska samtida kompositören. Hans andra opera Ruslan och Ludmila, var inte lika framgångsrik, även om den klarade tidens tand bättre.

Alexander Porfiryevich Borodin tillhör de tonsättare som vid sidan av musiken var aktivt engagerade i annan verksamhet. När det gäller Borodin började han sin karriär som vetenskapsman - kemist. Hans första komposition hette "Om verkan av etyljodid på hydrobensamid och amarin", och du kommer naturligtvis aldrig att höra den på Classic FM, eftersom det är vetenskapligt arbete som inte har med musik att göra.

Borodin var den oäkta sonen till en georgisk prins; Han tog över sin kärlek till musik och intresset för konst i allmänhet från sin mamma och behöll dem för livet.

På grund av ständig anställning lyckades han ge ut endast ett tjugotal verk, som inkluderar symfonier, sånger och kammarmusik.

Tillsammans med Mily Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Caesar Cui Och Modest Mussorgsky Borodin var medlem i Mighty Handfuls musikaliska community. Framgången för alla dessa kompositörer är ännu mer anmärkningsvärd eftersom de alla hade andra sysslor än musik.

I detta skiljer de sig tydligt från de flesta andra tonsättare som nämns i denna bok.

Borodins mest populära verk - Polovtsiska danser från hans opera Prins Igor. Det bör nämnas att han själv aldrig fullföljde den (även om han arbetade med den i sjutton år). Operan avslutades av hans vän Rimsky - Korsakov, om vilken vi kommer att prata mer i detalj senare.

Enligt vår uppfattning, Modest Petrovich Mussorgsky var den mest uppfinningsrika och inflytelserika av kompositörerna av "Mighty Handful", även om han, som en ovanlig person, inte undgick en eller två laster som var inneboende i många företrädare för kreativa yrken.

Efter att ha lämnat armén fick Mussorgsky ett jobb inom den offentliga tjänsten. I sin ungdom älskade han, som de säger, att ta en promenad, han kännetecknades av lättpåverkan, och mot slutet av sitt liv led han av alkoholism. Av denna anledning avbildas han ofta med rufsigt hår och en onaturligt röd näsa.

Mussorgskij avslutade ofta inte sina verk, och hans vänner gjorde det åt honom - ibland inte på det sätt han tänkt sig, så nu är vi inte säkra på vad författarens ursprungliga avsikt var. Orkestering av operan Boris Godunov gjorde om Rimsky-Korsakov, såväl som den berömda " musikalisk bild» Natt på Bald Mountain(används i Disney-filmen Fantasi). Orkestrering till Bilder från utställningen skrev Maurice Ravel, och i denna version är de kända i vår tid.

Trots att Mussorgskij kom från en förmögen familj och hade stor talang som pianist och kompositör, dog han endast fyrtiotvå år gammal av alkoholism.

Föräldrar Nikolai Rimsky-Korsakov drömde om att deras son skulle tjänstgöra i flottan, och han levde upp till deras förväntningar. Men efter att ha tjänstgjort i flera år i marinen och gjort ett antal sjöresor, blev han kompositör och musiklärare, vilket utan tvekan kom som en överraskning för hans familj. För att säga sanningen var Rimsky-Korsakov alltid intresserad av musik och började till och med komponera Symfoni nr 1, när hans fartyg låg förtöjt i industriområdet Gravesend vid Themsens mynning. Detta är förmodligen en av de minst romantiska platserna att komponera den musik som nämns i den här boken.

Förutom att Rimskij-Korsakov färdigställde och reviderade några av Mussorgskijs kompositioner, skapade han själv femton operor med teman från det ryska livet, även om inflytandet från exotiska länder också märks i hans verk. Till exempel, Scheherazade baserad på berättelsen från Tusen och en natt.

Rimsky-Korsakov var särskilt bra på att visa skönheten i ljudet av hela orkestern. Han fäste stor uppmärksamhet vid detta i sin undervisningsverksamhet och påverkade därmed många ryska tonsättare som arbetade efter honom, särskilt Stravinskij.

Peter Iljitj Tjajkovskij använde också ryska folkmelodier i sina kompositioner, men till skillnad från andra ryska nationalkompositörer bearbetade han dem på sitt eget sätt, som faktiskt hela Europas musikaliska arv.

Tchaikovskys personliga liv, höljt i olika hemligheter (det fanns utbredda rykten om hans homosexuella böjelser), var inte lätt. Han sa själv en gång:

"Det skulle verkligen vara något att bli galen om det inte vore för musiken!"

Som barn var han lättpåverkad, och som vuxen var han benägen att drabbas av melankoli och till och med depression. Mer än en gång hade han självmordstankar. I sin ungdom studerade han juridik och arbetade en kort stund i justitieministeriet, men lämnade snart tjänsten för att helt ägna sig åt musik. Vid en ålder av trettiosju gifte han sig oväntat, men hans äktenskap blev en verklig plåga för både honom själv och hans fru. Till slut hamnade hans fru på ett psykiatriskt sjukhus, där hon dog. Tjajkovskij själv led också länge av ett uppbrott som inträffade bara två månader efter bröllopet.

Tjajkovskijs tidiga verk kändes inte igen av allmänheten, och detta orsakade honom mycket lidande. Märkligt nog är många av dessa verk, inklusive Konsert för violin och orkester Och Pianokonsert nr 1, inär för närvarande mycket populära. Inspelning Pianokonsert nr 1 blev i allmänhet den första inspelningen av klassisk musik som fick statusen "Golden Disc" för att ha sålt en miljon exemplar.

Tjajkovskij skrev tio operor, bl.a Eugene Onegin, och musik för baletter som t.ex Nötknäppare, Törnrosa Och Svansjön. När du lyssnar på den här musiken inser du omedelbart all storheten i Tchaikovskys talang, som kunde skapa en extremt harmonisk och spännande melodi. Hans baletter sätts fortfarande ofta upp på världsscener och väcker allmänhetens oföränderliga beundran. Av samma anledning är musikaliska fraser från hans symfonier och konserter kända även för dem som inte är bekanta med klassisk musik.

I åratal åtnjöt Tjajkovskij förmånen av en förmögen änka vid namn Nadezhda von Meck, som skickade honom stora summor pengar under förutsättning att de aldrig träffades personligen. Det är möjligt att de i ett personligt möte inte skulle känna igen varandra.

Omständigheterna kring kompositörens död är fortfarande inte helt klara. Enligt den officiella slutsatsen dog Tjajkovskij av kolera: han drack virusinfekterat vatten. Men det finns en version enligt vilken han själv begick självmord av rädsla för att hans homosexuella relationer skulle offentliggöras.

Om Glinka anses vara den ryska klassiska musikens fader, spelas samma roll i tjeckisk klassisk musik av Bedrich Smetana.

Smetana har alltid inspirerats av tjeckiska folkkultur och naturen hemland. Detta märks särskilt i hans cykel av symfoniska dikter. Mitt fosterland, som tog Smetana åtta år att skriva.

För närvarande är det mest populära arbetet i denna cykel Vltava, tillägnad en av de största tjeckiska floderna som rinner genom Prag.

Mot slutet av sitt liv blev Bedřich Smetana allvarligt sjuk (förmodligen i syfilis), blev döv och tappade förståndet. Han dog vid sextio års ålder.

Hans musik påverkade nästa kompositör på vår lista, Antonín Dvořák, vars kompositioner är erkända långt utanför Tjeckien.

Antonin Dvorak var en riktig tjeckisk nationalhjälte som passionerat älskade sitt hemland. Hans landsmän återgäldade honom och avgudade honom.

Dvoraks verk främjades brett av Brahms (som kommer att diskuteras lite senare). Gradvis erkändes namnet Dvorak över hela världen. Så, till exempel, fick han fans i England, där han uppträdde på inbjudan av Royal Philharmonic Society, såväl som på festivaler i Birmingham och Leeds.

Därefter bestämde sig Dvorak för att åka till USA, där han på 1890-talet erbjöds tjänsten som dirigent för National Conservatory i New York, som han hade i tre år. Dvorak saknade sitt hemland mycket, men upphörde inte att vara intresserad av lokal musik. Hennes intryck återspeglas i hans Symfonier nr 9, som heter Från den nya världen.

Till slut bestämde sig Dvorak för att återvända hem och tillbringade de sista åren av sitt liv i Prag och undervisade.

Förutom musik var Dvorak intresserad av tåg och fartyg, och det var hans passion som uppenbarligen bidrog till att han gick med på att besöka USA, även om den höga avgiften som erbjöds honom också kunde spela en avgörande roll.

d Representanter för den nationella tjeckiska musikskolan inkluderar också Josef Suk, Leos Janacek Och Boguslav Martin.

norska Edvard Grieg tillhör kretsen av tonsättare som passionerat älskade sitt hemland. Och fosterlandet svarade honom i gengäld. I Norge är hans kompositioner fortfarande extremt populära. Men allt kunde ha blivit annorlunda, eftersom familjen Grieg egentligen var av skotskt ursprung - hans farfars farfars far emigrerade till Skandinavien efter nederlaget i striden med britterna nära Culloden.

Det bästa av allt var att Grieg visade verk av små genrer, som t.ex Lyric spelar för piano. Men hans mest kända konsert är Pianokonsert, med en imponerande inledning, där pianoklangen tycks regna ner under timpanitremolo.

d Representanter för Skandinaviska nationella musikskolan ingår också Carl Nielsen Och Johan Svendsen.

Trots att i XIX århundradet i Spanien skrev de också klassisk musik, det levde inte så många kompositörer som uppnådde världsberömmelse. Ett av undantagen är Isaac Albeniz, i sin ungdom utmärktes han inte av en klagande läggning.

De säger att Albeniz lärde sig spela piano vid ett års ålder. Tre år senare uppträdde han offentligt och vid åtta års ålder började han turnera. Vid femton års ålder hann han besöka Argentina, Kuba, USA och England.

Albeniz var särskilt framgångsrik i improvisation: han kunde komma på någon form av melodi i farten och omedelbart slå den i flera versioner. Han demonstrerade också underverken med att bemästra instrumentet - han spelade, stående med ryggen mot sig. Till råga på det klädde han ut sig till musketör varje gång, vilket bidrog till spektaklet av hans framträdanden.

I vuxen ålder slog han sig ner lite och förvånade publiken inte längre med sitt upprörande beteende, utan med sina kompositioner. Han är särskilt känd för sin cykel av pianostycken. Iberia. Tack vare sin framgång förde denna kompositör Spanien ut ur skuggorna och lockade till sig det världsmusikaliska samfundets uppmärksamhet.

d Albéniz hade ett stort inflytande på många andra tonsättare av den nationella skolan i Spanien, inklusive Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de Falla Och Heitora Villa - Lobosa(vem var brasiliansk).

Arthur Sullivan välkänd idag. Men historien behandlade honom inte rättvist, för idag är långt ifrån det bästa av hans verk ihågkommen. På 1870-talet började han samarbeta med poeten och librettisten W. S. Gilbert. Tillsammans skrev de flera komiska operetter: Rättegång av juryn, Pirates of Penzance, Hennes Majestäts fregatt Pinafore, Prinsessan Ida, The Mikado, Yeoman the Guard och andra.

Trots den enorma framgången med deras gemensamma arbete kom de två författarna inte särskilt bra överens med varandra och till slut, efter våldsamma bråk, slutade de kommunicera helt. Dessa bråk var dock tomma.

Så till exempel gällde en av dem en ny matta i Londons Savoy Theatre, där deras operetter vanligtvis sattes upp.

Sullivan drömde om att bli känd som en seriös kompositör, men vid det här laget har hans verk, som inte tillhör operettgenren, glömts bort.

Han skrev dock en opera Ivanhoe ganska intressant Symfoni i e-moll och hymn "Framåt, Kristi armé!"- kanske hans mest utförda verk.

d Representanter för English National School of Music inkluderar också Arnold Bucks, Hubert Parry, Samuel Coleridge-Taylor, Charles Villiers Stanford Och George Butterworth.

Den franska analogen av Gilbert och Sullivan operetter kan kallas verken Jacques Offenbach, en man som definitivt hade ett sinne för humor. Han föddes i Köln och skrev därför ibland som "O. från Köln” (”O. de Cologne” låter som ”Köln”).

1858 förvånade Offenbach parisarna cancan från en operett Orfeus i helvetet; för en förfinad publik verkade sådana danser av allmogen vilda och obscena, men själva operetten ansågs skandalös.

Förresten, om detta namn verkar bekant för dig, är det värt att komma ihåg att Peri, Monteverdi och Gluck skrev musik till myten om Orfeus under tidigare århundraden. Offenbachs version var satirisk, avsedd för underhållning och innehöll därför mycket oseriösa scener. Trots det första intrycket blev allmänheten så småningom förälskad i operetten, så att Offenbach själv knappast hade någon anledning att ångra det han skrivit.

Seriös opera är känd bland hans andra verk. Berättelser om Hoffmann där det låter Barcarolle.

Leo Delibes var inte mindre inflytelserik kompositör än Offenbach, även om nu bara en av hans operor är mest ihågkommen - Lakme, där den berömda blomma duo, används i många TV-skärmsläckare och reklamfilmer.

Bland Delibes bekanta fanns så stora musiker som Berlioz och Bizet, med vilka han arbetade som chef för kören på Lyric Theatre i Paris.

d Representanter för den franska nationalskolan för musik inkluderar också Alexis - Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante - Lub Och Jules Massenet, opera thailändare vilket, inklusive intermezzot Reflektioner (Meditation), populär bland många samtida violinister.

Våra två sista nationalkompositörer – romantik – är far och son, även om åldersskillnaden mellan dem (tjugoett år) inte är så stor för historien. Johann Strauss Senior anses vara "valsens fader". Han var en utmärkt violinist och ledde en orkester som uppträdde i hela Europa och fick rejäla pengar för detta.

Ändå tillhör titeln "valsens kung" rättmätigt hans son, som också kallades Johann Strauss. Hans far ville inte att han skulle bli violinist, men den yngre Johann ägnade ändå sitt liv åt musiken och organiserade sin egen orkester, som konkurrerade med sin fars. På yngre Strauss hade ett gott affärsmannaskap, tack vare vilket han lyckades stärka sin ekonomiska ställning.

Total Johann Strauss - son skrev hundra sextioåtta valser, inklusive de mest populära av dem - På den vackra blå Donau. Till slut fick så många som sex orkestrar namn efter Strauss, varav en leddes av Johanns bror, den yngre Joseph, och den andra av hans andra bror, Eduard (var och en av dem komponerade omkring trehundra kompositioner).

Johanns valser och polkor var riktiga hits i wienska kaffehus, och hans lätta och pigg stil blev standarden för dansmusik i hela Europa.

Vissa klassiska musikälskare anser fortfarande att Strauss kompositioner är för vulgära och oseriösa. Tro dem inte och ge efter för deras provokationer! Denna familj kunde skriva riktigt stora verk, upplyftande och minnesvärda under lång tid direkt efter den första lyssningen.

Många av kompositörerna från denna period fortsatte att skriva musik långt in på 1900-talet. Vi pratar dock om dem här, och inte i nästa kapitel, av den anledningen att det var just romantikens anda som var stark i deras musik.

Det bör noteras att några av dem behöll nära band och till och med vänskap med de tonsättare som nämns i underavsnitten "Tidiga romantiker" och "Nationalister".

Dessutom bör man komma ihåg att under denna period verkade så många utmärkta tonsättare i olika europeiska länder att varje uppdelning av dem enligt någon princip skulle vara helt godtycklig. Om det i olika litteratur som ägnas åt den klassiska perioden och barocken nämns ungefär samma tidsram, så definieras den romantiska perioden olika överallt. Det verkar som att gränsen mellan slutet av den romantiska perioden och början av 1900-talet inom musiken är mycket suddig.

Den ledande kompositören av 1800-talets Italien var utan tvekan Giuseppe Verdi. Den här mannen med tjock mustasch och ögonbryn, tittade på oss med lysande ögon, stod med huvud och axlar över alla andra operakompositörer.

Alla Verdis kompositioner är bokstavligen överfyllda av ljusa, minnesvärda melodier. Totalt skrev han tjugosex operor, varav de flesta regelbundet sätts upp till denna dag. Bland dem finns de mest kända och mest framstående verken av operakonst genom tiderna.

Verdis musik var högt värderad även under kompositörens livstid. på premiären Hades Publiken gav så långvariga ovationer att artisterna fick buga så många som trettiotvå gånger.

Verdi var en rik man, men pengar kunde inte rädda både fruar och två barn till kompositören från den tidiga döden, så det fanns tragiska ögonblick i hans liv. Han testamenterade sin förmögenhet till ett härbärge för gamla musiker byggt under hans ledning i Milano. Verdi själv ansåg att skapandet av ett härbärge, och inte musik, var hans största prestation.

Trots att namnet Verdi främst är förknippat med operor, på tal om honom, är det omöjligt att inte nämna Requiem, som anses vara ett av de finaste exemplen på körmusik. Den är full av dramatik, och några inslag i operan glider igenom den.

Vår nästa kompositör är inte på något sätt den mest charmiga personen. I allmänhet är detta den mest skandalösa och kontroversiella figuren av alla de som nämns i vår bok. Om vi ​​skulle göra en lista baserad enbart på personlighetsdrag, då Richard Wagner skulle aldrig träffa den. Men vi styrs enbart av musikaliska kriterier, och den klassiska musikens historia är otänkbar utan denna man.

Wagners talang är obestridlig. Från - under hans penna kom några av de mest betydelsefulla och imponerande musikaliska kompositioner för hela romantikens period - speciellt för opera. Samtidigt omtalas han som en antisemit, rasist, byråkrati, den siste bedragaren och till och med en tjuv som inte tvekar att ta allt han behöver, och oförskämda människor utan ånger. Wagner hade en överdriven självkänsla, och han trodde att hans geni höjde honom över alla andra människor.

Wagner är ihågkommen för sina operor. Den här kompositören tog tysk opera till en helt ny nivå, och även om han föddes samtidigt som Verdi, var hans musik mycket annorlunda från den tidens italienska kompositioner.

En av Wagners nyheter var att varje huvudperson fick sin egen musikaliskt tema, vilket upprepades varje gång han började spela en betydande roll på scenen.

Idag verkar det självklart, men på den tiden gjorde denna idé en riktig revolution.

Wagners största prestation var cykeln Nibelungens ring, bestående av fyra operor: Rhen Gold, Valkyrie, Siegfried Och gudarnas död. De läggs vanligtvis på fyra nätter i rad, och totalt håller de cirka femton timmar. Enbart dessa operor skulle räcka för att förhärliga deras kompositör. Trots all tvetydighet hos Wagner som person bör det erkännas att han var en enastående kompositör.

Ett utmärkande drag för Wagners operor är deras längd. Hans sista opera parsifal varar över fyra timmar.

Dirigenten David Randolph sa en gång om henne:

"Det här är den här typen av opera som börjar klockan sex, och när du tittar på ditt armbandsur efter tre timmar visar det sig att den visar 6:20."

Liv Anton Bruckner som kompositör är det här en lektion i hur man inte ger upp och insisterar på egen hand. Han övade tolv timmar om dagen, ägnade all sin tid åt arbete (han var organist) och lärde sig mycket i musik på egen hand, och avslutade sin skrivkunskap genom korrespondens i en ganska mogen ålder - vid trettiosju.

Idag minns Bruckners symfonier oftast, av vilka han skrev totalt nio stycken. Ibland greps han av tvivel om sin livsduglighet som musiker, men han fick ändå ett erkännande, om än mot slutet av sitt liv. Efter att ha utfört det Symfonier nr 1 kritikerna berömde slutligen kompositören, som vid den tiden redan hade fyllt fyrtiofyra år.

Johannes Brahms inte en av de där kompositörerna som föddes så att säga med en silverstav i handen. Vid tiden för hans födelse hade familjen förlorat sin tidigare rikedom och knappt klarat sig. Som tonåring försörjde han sig på att spela på bordellerna i hemstaden Hamburg. När Brahms blev vuxen hade han utan tvekan bekantat sig med långt ifrån livets mest attraktiva sidor.

Brahms musik främjades av hans vän, Robert Schumann. Efter Schumanns död blev Brahms nära Clara Schumann och blev så småningom till och med kär i henne. Det är inte känt exakt vilken typ av relation de hade, även om känslan för henne förmodligen spelade en viss roll i hans relationer med andra kvinnor - han gav inte sitt hjärta till någon av dem.

Som person var Brahms ganska ohämmad och irriterad, men hans vänner hävdade att det fanns en mjukhet i honom, även om han inte alltid visade det för omgivningen. En dag när han kom hem från en fest sa han:

"Om jag inte har förolämpat någon, ber jag deras förlåtelse."

Brahms skulle inte ha vunnit tävlingen om den mest fashionabla och elegant klädda kompositören. Han ogillade fruktansvärt att köpa nya kläder och bar ofta samma påsiga, lappade byxor, nästan alltid för korta för honom. Under en föreställning ramlade hans byxor nästan av. Vid ett annat tillfälle fick han ta av sig slipsen och använda den istället för ett bälte.

Brahms musikstil var starkt influerad av Haydn, Mozart och Beethoven, och vissa musikhistoriker hävdar till och med att han skrev i klassicismens anda, vid den tiden redan ur mode. Samtidigt äger han också flera nya idéer. Han var särskilt framgångsrik i att utveckla små musikstycken och repetera dem genom hela verket – det som kompositörer kallar ett ”repeterande motiv”.

Opera Brahms skrev inte, men han försökte sig på nästan alla andra genrer av klassisk musik. Därför kan han kallas en av de största kompositörerna som nämns i vår bok, en sann gigant av klassisk musik. Han sa själv så här om sitt arbete:

"Det är inte svårt att komponera, men det är förvånansvärt svårt att slänga extra toner under bordet."

Max Bruch föddes bara fem år efter Brahms, och den senare skulle säkert ha överskuggat honom, om inte för ett verk, Violinkonsert nr 1.

Bruch själv erkände detta faktum och påstod med blygsamhet som var ovanlig för många kompositörer:

"Om femtio år kommer Brahms att kallas en av de största kompositörerna genom tiderna, och jag kommer att bli ihågkommen för att ha skrivit violinkonserten i g-moll."

Och han visade sig ha rätt. Det är sant att Brujah själv har något att komma ihåg! Han komponerade många andra verk - omkring tvåhundra totalt - han har särskilt många verk för kör och operor, som sällan sätts upp nuförtiden. Hans musik är melodisk, men han bidrog inte med något särskilt nytt till dess utveckling. Mot hans bakgrund verkar många andra dåtida tonsättare vara riktiga innovatörer.

År 1880 utsågs Bruch till dirigent för Liverpool Royal Philharmonic Society, men återvände till Berlin tre år senare. Musikerna i orkestern var inte nöjda med honom.

På sidorna i vår bok har vi redan träffat många musikaliska underbarn, och Camille Saint-Sans upptar inte de flesta bland dem sista plats. Redan vid två års ålder plockade Saint-Saens upp melodier på pianot, och han lärde sig läsa och skriva musik samtidigt. Vid tre års ålder spelade han pjäser egen komposition. Vid tio års ålder framförde han perfekt Mozart och Beethoven. Han blev dock allvarligt intresserad av entomologi (fjärilar och insekter), och senare för andra vetenskaper, inklusive geologi, astronomi och filosofi. Det verkade som att ett så begåvat barn helt enkelt inte kunde begränsa sig till en sak.

Efter examen från konservatoriet i Paris arbetade Saint-Saens som organist i många år. Med åldern började han påverka musiklivet Frankrike, och det var tack vare honom som musiken av sådana kompositörer som J.S. Bach, Mozart, Handel och Gluck började framföras oftare.

Mest berömd uppsats Saint - Sansa - djurkarneval, som kompositören förbjöd att framföra under sin livstid. Han var orolig för hur musikkritiker, efter att ha hört detta arbete, ansåg han inte att det var alltför oseriöst. Det är trots allt roligt när orkestern på scenen porträtterar ett lejon, höns med tupp, sköldpaddor, en elefant, en känguru, ett akvarium med fiskar, fåglar, en åsna och en svan.

Saint-Saens skrev några av sina andra kompositioner för inte så frekventa kombinationer av instrument, inklusive de berömda "Orgel" symfoni nr 3, lät i filmen "Babe".

Musiken från Saint-Saens påverkade andras arbete franska tonsättare, Inklusive Gabriel Faure. Denna unge man ärvde organisttjänsten i den parisiska kyrkan St. Magdalena, som tidigare innehafts av Saint-Saens.

Och även om Faures talang inte går att jämföra med hans lärares talang, var han en stor pianist.

Fauré var en fattig man och arbetade därför hårt, spelade orgel, ledde kören och gav lektioner. Han skrev in fritid, som förblev mycket få, men trots detta lyckades han publicera mer än tvåhundrafemtio av sina verk. Några av dem komponerades under mycket lång tid: till exempel arbeta på Requiem varade i över tjugo år.

1905 blev Fauré direktör för konservatoriet i Paris, det vill säga mannen som dåtidens franska musiks utveckling till stor del berodde på. Femton år senare gick Faure i pension. I slutet av sitt liv led han av hörselnedsättning.

Idag är Faure respekterad utanför Frankrike, även om han är mest uppskattad där.

För fans av engelsk musik, utseendet på en sådan figur som Edward Elgar, det måste ha verkat som ett riktigt mirakel. Många musikhistoriker kallar honom den första betydande engelska kompositören efter Henry Purcell, som arbetade under barocken, även om vi lite tidigare nämnde Arthur Sullivan.

Elgar var mycket förtjust i England, särskilt sitt hemland Worcestershire, där han tillbringade större delen av sitt liv och hittade inspiration på fälten i Malvern Hills.

Som barn var han omgiven av musik överallt: hans far ägde en lokal musikaffär och lärde lille Elgar att spela olika musikinstrument. Redan vid tolvårsåldern ersatte pojken organisten vid gudstjänsterna.

Efter att ha arbetat på ett advokatkontor bestämde sig Elgar för att ägna sig åt en mycket mindre ekonomiskt säker sysselsättning. Under en tid arbetade han deltid, gav violin- och pianolektioner, spelade i lokala orkestrar och till och med dirigerade lite.

Så småningom växte Elgars berömmelse som kompositör, även om han fick kämpa för att ta sig utanför sitt hemland. Berömmelse förde honom Variationer på ett originaltema, som nu är mer kända som Enigma variationer.

Nu upplevs Elgars musik som väldigt engelsk och låter under de största evenemangen i nationell skala. Vid första ljudet av det Cellokonsert den engelska landsbygden dyker upp omedelbart. Nimrod från Variationer spelade ofta vid officiella ceremonier, och Högtidlig och ceremoniell marsch nr 1, känd som Land av hopp och ära uppträdde på baler över hela Storbritannien.

Elgar var en familjefar och älskade ett lugnt, ordnat liv. Ändå satte han sin prägel på historien. Denna kompositör med en tjock frodig mustasch kan omedelbart märkas på tjugopundssedeln. Uppenbarligen fann sedeldesigners att sådant ansiktshår skulle vara mycket svårt att fejka.

I Italien var Giuseppe Verdis efterträdare inom operakonsten Giacomo Puccini, anses vara en av de erkända världsmästarna i denna konstform.

Familjen Puccini har länge varit förknippad med kyrkomusik men när Giacomo först hörde opera Aida Verdi, han insåg att detta var hans kallelse.

Efter studier i Milano komponerar Puccini en opera Manon Lesko, vilket gav honom hans första stora framgång 1893. Efter det följde en framgångsrik produktion efter den andra: Böhmenår 1896, Längtanår 1900 och Madam Butterflyår 1904.

Totalt komponerade Puccini tolv operor, varav den sista var Turandot. Han dog utan att fullborda denna komposition, och en annan kompositör fullbordade verket. Vid operans premiär stoppade dirigenten Arturo Toscanini orkestern precis där Puccini slutade. Han vände sig mot publiken och sa:

"Här har döden segrat över konsten."

Med Puccinis död slutade den italienska operakonstens storhetstid. Vår bok kommer inte längre att nämna italienska operakompositörer. Men vem vet vad framtiden har att erbjuda för oss?

I livet Gustav Mahler Han var mer känd som dirigent än som kompositör. Han dirigerade på vintern och på sommaren föredrog han att skriva.

Som barn ska Mahler ha hittat ett piano på vinden i sin mormors hus. Fyra år senare, vid tio års ålder, gjorde han redan sin första föreställning.

Mahler studerade vid Wiens konservatorium, där han började komponera musik. 1897 blev han direktör för Wiens statsopera och under de följande tio åren blev han avsevärd berömmelse på detta område.

Han började själv skriva tre operor, men blev aldrig färdig med dem. I vår tid är han mest känd som kompositör av symfonier. I den här genren äger han en av de riktiga "hitsen" - Symfoni nr 8, i framförandet av vilket mer än tusen musiker och sångare är inblandade.

Efter Mahlers död gick hans musik ur mode i femtio år, men under andra hälften av 1900-talet återtog den popularitet, särskilt i Storbritannien och USA.

Richard Strauss föddes i Tyskland och tillhörde inte den wienska Straussdynastin. Trots att denna kompositör levde nästan hela första hälften av 1900-talet anses han fortfarande vara en representant för tysk musikromantik.

Richard Strauss världsomspännande popularitet led något av det faktum att han bestämde sig för att stanna i Tyskland efter 1939, och efter andra världskriget anklagades han helt för att ha samarbetat med nazisterna.

Strauss var en utmärkt dirigent, tack vare vilken han perfekt förstod hur det ena eller det instrumentet i orkestern skulle låta. Han tillämpade ofta denna kunskap i praktiken. Han gav också olika råd till andra kompositörer, såsom:

"Titta aldrig på tromboner, du bara uppmuntrar dem."

”Svett inte när du uppträder; bara lyssnarna ska bli heta.”

Idag minns Strauss främst i samband med hans komposition Så talade Zarathustra, introt som Stanley Kubrick använde i sin film 2001: A Space Odyssey. Men han skrev också några av de bästa tyska operorna, bland dem - Rosenkavalier, Salome Och Ariadne på Naxos. Ett år före sin död komponerade han också mycket vackert Fyra sista låtarna för röst och orkester. Egentligen var dessa inte de sista låtarna av Strauss, men de blev en slags final på hans kreativa verksamhet.

Fram tills nu, bland de tonsättare som nämns i denna bok, fanns det bara en representant för Skandinavien - Edvard Grieg. Men nu är vi återigen transporterade till detta hårda och kalla land - denna gång till Finland, där Jean Sibelius, stort musikaliskt geni.

Sibelius musik absorberade myterna och legenderna från hans hemland. Hans största verk Finland, anses vara förkroppsligandet av finländarnas nationella anda, precis som i Storbritannien erkänns Elgars verk som en nationell skatt. Dessutom var Sibelius, liksom Mahler, en sann mästare på symfonierna.

När det gäller kompositörens andra passioner var han i sitt dagliga liv överdrivet förtjust i att dricka och röka, så att han vid en ålder av fyrtiotal år insjuknade i strupcancer. Han saknade också ofta pengar och staten gav honom pension så att han kunde fortsätta skriva musik utan att behöva oroa sig för sitt ekonomiska välbefinnande. Men mer än tjugo år före sin död slutade Sibelius att komponera någonting alls. Han levde resten av sitt liv i relativ ensamhet. Han var särskilt hård mot dem som fick pengar för recensioner av hans musik:

"Lyssna inte på vad kritikerna säger. Hittills har inte en enda kritiker fått en staty.”

Den siste på vår lista över romantiska tonsättare levde också till nästan mitten av 1900-talet, även om han skrev de flesta av sina mest kända verk på 1900-talet. Och ändå är han rankad bland romantikerna, och det verkar för oss att detta är det mest romantisk kompositör från hela gruppen.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov föddes i en adlig familj, som vid den tiden hade spenderat mycket pengar. Han utvecklade ett intresse för musik redan tidig barndom, och hans föräldrar skickade honom för att studera, först i St. Petersburg och sedan i Moskva.

Rachmaninov var en överraskande begåvad pianist, och han visade sig också vara en underbar kompositör.

Mina Pianokonsert nr 1 skrev han vid nitton. Han fick också tid för sin första opera, Aleko.

Men denna stora musiker var som regel inte särskilt nöjd med livet. På många av fotografierna ser vi en arg, rynkade man. En annan rysk kompositör, Igor Stravinsky, sa en gång:

"Rachmaninoffs odödliga väsen var hans rynka pannan. Han var sex och en halv fot av rynkad panna... han var en skräckinjagande man."

När den unge Rachmaninov spelade för Tjajkovskij var han så förtjust att han satte en femma med fyra plus på notbladet - det högsta betyget i Moskvakonservatoriets historia. Snart började hela staden prata om den unga talangen.

Ändå förblev ödet ogynnsamt för musikern under lång tid.

Kritikerna var mycket hårda mot honom. Symfonier nr 1, vars premiär slutade i misslyckande. Detta gav Rachmaninov svåra känslomässiga upplevelser, han förlorade tron ​​på sin egen styrka och kunde inte komponera någonting alls.

Till slut var det bara hjälpen av en erfaren psykiater Nikolai Dahl som gjorde att han kunde ta sig ur krisen. År 1901 hade Rachmaninoff avslutat pianokonserten, som han hade arbetat hårt under många år och tillägnat doktor Dahl. Denna gång hälsade publiken kompositörens verk med förtjusning. Sedan dess Pianokonsert nr 2 blev en favorit en klassiker utförs av olika musikaliska grupperÖver hela världen.

Rachmaninoff började turnera i Europa och USA. När han återvände till Ryssland dirigerade och komponerade han.

Efter revolutionen 1917 gick Rachmaninov och hans familj på konserter i Skandinavien. Han återvände aldrig hem. Istället flyttade han till Schweiz, där han köpte ett hus vid Luzernsjöns strand. Han älskade alltid vattendrag och nu, när han blev en ganska rik man, hade han råd att koppla av på stranden och beundra det öppna landskapet.

Rachmaninoff var en utmärkt dirigent och gav alltid följande råd till dem som ville utmärka sig på detta område:

”En bra konduktör måste vara en bra förare. Båda behöver samma egenskaper: koncentration, kontinuerlig intensiv uppmärksamhet och sinnesnärvaro. Dirigenten behöver bara känna till musiken lite...”

1935 bestämde sig Rachmaninoff för att bosätta sig i USA. Han bodde först i New York och flyttade sedan till Los Angeles. Där började han bygga åt sig själv nytt hus, helt identisk med det han lämnade i Moskva.

Med åldern dirigerade Rachmaninoff allt mindre och slutade nästan helt att komponera musik. Han nådde höjdpunkten av sin berömmelse som en utmärkt pianist.

Trots hemlängtan gillade Rachmaninov USA. Han var stolt över sin enorma Cadillac och bjöd ofta in gäster på en biltur bara för att visa upp sin bil.

Strax före sin död fick Rachmaninoff amerikanskt medborgarskap. I detta land begravdes han.

Vi har ägnat mycket mer uppmärksamhet åt den romantiska perioden i vår bok än till alla andra perioder av klassisk musik.

Under den här eran hände så många intressanta saker i olika länder att det helt enkelt är omöjligt att berätta om allt i en liten artikel. Klassisk musik har förändrats mycket, liksom dess sound, som har blivit tack vare bra symfoniorkestrar rikare och mer intensiv. På många sätt är Rachmaninoffs verk det perfekta exemplet på detta ljud. Om vi ​​jämför det med Beethoven blir det tydligt hur storslagna förändringarna var.

Men hur betydelsefulla dessa förändringar än ägde rum i musikens värld under omkring åttio år av romantiken, kan de inte jämföras med vad som hände senare. Och i framtiden blev musiken ännu mer mångsidig och ovanlig – vilket enligt vår uppfattning inte alltid gick till dess fördel.