Hem › Recensioner › De mest ovanliga och chockerande artisterna i världen. De mest ovanliga målningarna av kända konstnärer: foton och beskrivningar av de 20 konstigaste målningarna i världen

De mest ovanliga och chockerande artisterna i världen. De mest ovanliga målningarna av kända konstnärer: foton och beskrivningar av de 20 konstigaste målningarna i världen

Bland ädla verk konster som behagar ögat och bara orsak positiva känslor, det finns dukar, milt sagt, konstiga och chockerande. Vi presenterar för din uppmärksamhet 20 målningar som tillhör penseln över hela världen kända artister som gör dig rädd...

"Tappa förståndet över materia"

En målning målad 1973 av den österrikiske konstnären Otto Rapp. Han skildrade ett förfallande mänskligt huvud, sätta på en fågelbur, i vilken ligger en bit kött.

"Suspended living Negro"

Denna hemska skapelse av William Blake föreställer en negerslav som hängdes i galgen med en krok gängad genom revbenen. Verket är baserat på historien om den holländska soldaten Steadman – ett ögonvittne till en sådan grym massaker.

"Dante och Vergilius i helvetet"

Adolphe William Bouguereaus målning inspirerades av en kort scen om en strid mellan två fördömda själar från Dantes Inferno.

"Helvete"

Målning "Helvete" tysk konstnär Hans Memling, skriven 1485, är en av sin tids mest fruktansvärda konstnärliga skapelser. Det var meningen att hon skulle driva människor mot dygd. Memling förstärkte scenens fruktansvärda effekt genom att lägga till bildtexten "Det finns ingen förlösning i helvetet."

"Den stora röda draken och havsmonstret"

Den berömda engelske poeten och konstnären från 1200-talet William Blake skapade i ett ögonblick av insikt en serie akvarellmålningar som föreställer den stora röda draken från Uppenbarelseboken. Den röda draken var djävulens förkroppsligande.

"Vattenanda"

Konstnären Alfred Kubin anses vara den största representanten symbolism och expressionism och är känd för sina mörka symboliska fantasier. "Vattnets Ande" är ett av dessa verk, som skildrar människans maktlöshet inför havet.

"Necronom IV"

Denna skrämmande skapelse av den kända konstnären Hans Rudolf Giger inspirerades av filmen Alien. Giger led av mardrömmar och alla hans målningar var inspirerade av dessa visioner.

"Flying Marsyas"

Skapad av en tidernas konstnär Italiensk renässans Titians målning "The Flaying of Marsyas" är just nu aktuell Nationalmuseum i Kroměříž i Tjeckien. Konstverk skildrar en scen från grekisk mytologi, där satyren Marsyas flåddes för att han vågade utmana guden Apollo.

"Frestelsen av Sankt Antonius"

Matthias Grunewald skildrade medeltidens religiösa scener, även om han själv levde under renässansen. Sankt Antonius sades ha utsatts för prövningar av sin tro när han bad i öknen. Enligt legenden dödades han av demoner i en grotta, sedan återuppstod han och förstörde dem. Denna målning föreställer Sankt Antonius som attackeras av demoner.

"avhuggna huvuden"

Mest anmärkningsvärt arbete Théodore Géricault är Medusas flotte, en enorm målning målad i romantisk stil. Gericault försökte bryta klassicismens gränser genom att gå över till romantiken. Dessa målningar var inledande skede hans kreativitet. För sitt arbete använde han riktiga lemmar och huvuden, som han hittade i bårhus och laboratorier.

"Skrika"

Detta berömd målning Den norske expressionisten Edvard Munch inspirerades av en lugn kvällspromenad där konstnären bevittnade den blodröda solnedgången.

"Marats död"

Jean-Paul Marat var en av ledarna franska revolutionen. Han led av en hudsjukdom och tillbringade större delen av sin tid i badrummet, där han arbetade med sina inspelningar. Där dödades han av Charlotte Corday. Marats död har skildrats flera gånger, men det är Edvard Munchs verk som är särskilt grymt.

"Stilleben av masker"

Emil Nolde var en av de tidiga expressionistiska målarna, även om hans berömmelse överskuggades av andra som Munch. Nolde målade denna tavla efter att ha studerat masker i Berlin Museum. Under hela sitt liv har han varit fascinerad av andra kulturer och detta arbete är inget undantag.

"Gallowgate ister"

Den här målningen är inget annat än ett självporträtt av den skotske författaren Ken Currie, som specialiserat sig på mörka, socialt realistiska målningar. Currys favoritämne är den skotska arbetarklassens trista stadsliv.

"Saturnus slukar sin son"

Ett av de mest kända och olycksbådande verken spansk konstnär Francisco Goya målades på väggen i hans hus 1820-1823. Handlingen bygger på grekisk myt om titanen Chronos (i Rom - Saturnus), som fruktade att han skulle störtas av ett av sina barn och åt dem direkt efter födseln.

"Judith Killing Holofernes"

Avrättningen av Holofernes skildrades av så stora konstnärer som Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach den äldre och många andra. På målning av Caravaggio, skriven 1599, skildrar det mest dramatiska ögonblicket i denna berättelse - halshuggningen.

"Mardröm"

Målningen av den schweiziska målaren Heinrich Fuseli visades första gången på Royal Academys årliga utställning i London 1782, där den chockade både besökare och kritiker.

"Massager på de oskyldiga"

Detta enastående konstverk av Peter Paul Rubens, bestående av två målningar, skapades 1612 och tros ha influerats av den berömda verken. italiensk konstnär Caravaggio.

"Studie av porträttet av Innocentius X Velasquez"

Denna skrämmande bild av en av 1900-talets mest inflytelserika konstnärer, Francis Bacon, är baserad på en parafras berömt porträtt Påven Innocentius X av Diego Velasquez. Stänkt av blod, med ett smärtsamt förvrängt ansikte, avbildas påven sittande i en metallrörformad struktur, som vid närmare granskning är en tron.

"The Garden of Earthly Delights"

Detta är Hieronymus Boschs mest kända och skrämmande triptyk. Hittills finns det många tolkningar av målningen, men ingen av dem har definitivt bekräftats. Kanske representerar Boschs verk Edens lustgård, de jordiska njutningarnas lustgård och det straff som kommer att behöva utstå för dödliga synder som begåtts under livet.

Vissa konstverk verkar slå betraktaren i huvudet, förstummade och fantastiska. Några av dem drar dig in i tankar och på jakt efter semantiska lager, hemlig symbolik. Vissa målningar är täckta med hemligheter och mystiska mysterier, och några överraskar med ett orimligt pris.

"Weirdness" är en ganska subjektiv term, och alla har sina egna fantastiska målningar som sticker ut från ett antal andra konstverk.

Edvard Munch "Scream"

1893, kartong, olja, tempera, pastell. 91×73,5 cm

Nationalgalleriet, Oslo

The Scream anses vara en landmärke expressionistisk händelse och en av de mest kända målningar i världen.
"Jag gick längs stigen med två vänner - solen höll på att gå ner - plötsligt blev himlen blodröd, jag pausade, kände mig utmattad och lutade mig mot staketet - jag tittade på blodet och lågorna över den blåsvarta fjorden och stad - mina vänner fortsatte, och jag stod och darrade av upphetsning och kände det ändlösa skriket genomträngande naturen, sa Edvard Munch om målningens historia.
Det finns två tolkningar av det som avbildas: det är hjälten själv som grips av fasa och tyst skriker, trycker händerna mot hans öron; eller så sluter hjälten sina öron för världens rop och naturen som låter omkring honom. Munch skrev 4 versioner av Skriet, och det finns en version att denna bild är frukten av en mano-depressiv psykos som konstnären led av. Efter en behandling på kliniken kom Munch inte tillbaka till arbetet på duken.

Paul Gauguin "Var kommer vi ifrån? Vilka är vi? Vart är vi på väg?"

1897-1898, olja på duk. 139,1×374,6 cm

Museum bild och form, Boston

En djupt filosofisk bild av postimpressionisten Paul Gauguin skrevs av honom på Tahiti, dit han flydde från Paris. I slutet av arbetet ville han till och med begå självmord, eftersom "jag tror att den här duken inte bara är överlägsen alla mina tidigare, och att jag aldrig kommer att skapa något bättre eller ens liknande." Han levde ytterligare 5 år, och så blev det.
På ledning av Gauguin själv bör bilden läsas från höger till vänster - de tre huvudgrupperna av figurer illustrerar frågorna som ställs i titeln. Tre kvinnor med ett barn representerar livets början; mellangruppen symboliserar den dagliga tillvaron av mognad; i den sista gruppen, enligt konstnären, "verkar en gammal kvinna som närmar sig döden försonad och övergiven till sina tankar", vid hennes fötter "representerar en märklig vit fågel ... ordens meningslöshet."

Pablo Picasso "Guernica"

1937, olja på duk. 349×776 cm

Reina Sofia-museet, Madrid

Den enorma fresken "Guernica", målad av Picasso 1937, berättar om razzian av Luftwaffes volontärenhet på staden Guernica, som ett resultat av vilket den sextusente staden totalförstördes. Bilden målades på bara en månad - de första arbetsdagarna på bilden jobbade Picasso i 10-12 timmar och redan i de första skisserna kunde man se huvudtanken. Detta är en av de bästa illustrationerna fascismens mardröm, såväl som mänsklig grymhet och sorg.
Guernica presenterar scener av död, våld, grymheter, lidande och hjälplöshet, utan att specificera deras omedelbara orsaker, men de är uppenbara. Det sägs att Pablo Picasso 1940 kallades till Gestapo i Paris. Samtalet gick genast över till målningen. "Gjorde du det?" "Nej, du gjorde det."

Jan van Eyck "Porträtt av Arnolfinis"

1434, olja på trä. 81,8×59,7 cm

London National Gallery, London

Porträttet av Giovanni di Nicolao Arnolfini och hans fru är ett av de mest komplexa verk Västerländsk målarskola från den norra renässansen.
Den berömda målningen är helt och hållet fylld med symboler, allegorier och olika referenser - upp till signaturen "Jan van Eyck var här", som gjorde den inte bara till ett konstverk, utan till ett historiskt dokument som bekräftar en verklig händelse som konstnären var på plats.
I Ryssland senare år bilden fick stor popularitet på grund av Arnolfinis porträttlikhet med Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel "Sittande demon"

1890, olja på duk. 114×211 cm

Tretjakovgalleriet, Moskva

Målningen av Mikhail Vrubel överraskar med bilden av en demon. Den ledsna långhåriga killen är inte alls som de universella idéerna om hur han ska se ut ond ande. Konstnären själv talade om sin mest kända målning: "Demonen är inte så mycket en ond ande som en lidande och sorgsen, med allt detta en dominerande, majestätisk ande." Detta är en bild av styrkan i den mänskliga anden, inre kamp, tvivel. Demonen håller tragiskt ihop sina händer och sitter med sorgsna, enorma ögon riktade i fjärran, omgiven av blommor. Kompositionen betonar begränsningen av demonens figur, som om den var inklämd mellan ramens övre och nedre tvärbalkar.

Vasilij Vereshchagin "Krigets apoteos"

1871, olja på duk. 127×197 cm

Statens Tretjakovgalleri, Moskva

Vereshchagin är en av de främsta ryska stridsmålarna, men han målade krig och strider inte för att han älskade dem. Tvärtom försökte han förmedla till folk sin negativa inställning till kriget. En gång utbrast Vereshchagin, i känslornas hetta: "Mer stridsmålningar Jag kommer inte att skriva - det är det! Jag tar det jag skriver för nära mitt hjärta, ropar (bokstavligen) sorgen över alla sårade och dödade. Förmodligen var resultatet av detta utrop den fruktansvärda och förtrollande målningen "Krigets apoteos", som föreställer ett fält, kråkor och ett berg av mänskliga skallar.
Bilden är skriven så djupt och känslomässigt att bakom varje skalle som ligger i denna hög, börjar du se människor, deras öden och öden för dem som inte längre kommer att se dessa människor. Vereshchagin själv, med sorglig sarkasm, kallade duken ett "stilleben" - det skildrar "död natur".
Alla detaljer i bilden, inklusive den gula färgen, symboliserar död och förödelse. Den klarblå himlen framhäver bildens dödlighet. Idén om "Apotheosis of War" uttrycks också av ärren från sablar och kulhål på skallarna.

Grant Wood "American Gothic"

1930, olja. 74×62 cm

Art Institute of Chicago, Chicago

« amerikansk gotik"- en av de mest igenkännliga bilderna i amerikansk konst på 1900-talet, den mest kända konstnärliga memen från 1900- och 2000-talen.
Bilden med en dyster far och dotter svämmar över av detaljer som indikerar svårighetsgraden, puritanismen och retrograden hos de avbildade personerna. Arga miner, en höggaffel precis i mitten av bilden, gammaldags kläder även med 1930 års mått mätt, en exponerad armbåge, sömmar på bondens kläder som upprepar formen av en höggaffel, och därför ett hot som riktar sig till vem som helst som inkräktar på. Alla dessa detaljer kan tittas på oändligt och krypa av obehag.
Intressant nog uppfattade domarna i tävlingen vid Art Institute of Chicago "gotisk" som en "humoristisk valentin", och folket i Iowa blev fruktansvärt kränkta av Wood för att de porträtterade dem i ett så obehagligt ljus.

Rene Magritte "Lovers"

1928, olja på duk

Målningen "Lovers" ("Lovers") finns i två versioner. På den ena kysser en man och en kvinna, vars huvuden är insvepta i ett vitt tyg, och på den andra "tittar" de på betraktaren. Bilden överraskar och fascinerar. Med två figurer utan ansikten förmedlade Magritte idén om kärlekens blindhet. Om blindhet i alla avseenden: älskare ser ingen, vi ser inte deras sanna ansikten, och dessutom är älskare ett mysterium även för varandra. Men med denna skenbara klarhet fortsätter vi fortfarande att titta på Magritte-älskarna och tänka på dem.
Nästan alla Magrittes målningar är pussel som inte kan lösas helt, eftersom de väcker frågor om själva essensen av att vara. Magritte pratar hela tiden om det synligas bedrägeri, om dess dolda mysterium, som vi vanligtvis inte lägger märke till.

Marc Chagall "Walk"

1917, olja på duk

Statens Tretjakovgalleri

Vanligtvis extremt seriös i sin målning skrev Marc Chagall ett förtjusande manifest om sin egen lycka, fyllt med allegorier och kärlek. "Walk" är ett självporträtt med sin fru Bella. Hans älskade svävar i himlen och ser ut att dras in i flyget och Chagall, som står på marken betänkligt, som om han bara rörde henne med tårna på sina skor. Chagall har en mes i sin andra hand - han är glad, han har en mes i händerna (förmodligen sin målning), och en trana i himlen.

Hieronymus Bosch "The Garden of Earthly Delights"

1500-1510, olja på trä. 389×220 cm

Prado, Spanien

"The Garden of Earthly Delights" - Hieronymus Boschs mest berömda triptyk, som fick sitt namn från temat för den centrala delen, är tillägnad vällustens synd. Hittills har ingen av de tillgängliga tolkningarna av bilden erkänts som den enda sanna.
Den bestående charmen och samtidigt det konstiga i triptyken ligger i det sätt som konstnären uttrycker huvudidén genom många detaljer. Bilden är full av genomskinliga gestalter, fantastiska strukturer, monster som blivit hallucinationer, infernaliska verklighetskarikatyrer, som han betraktar med en sökande, extremt skarp blick. Vissa forskare ville se i triptyken en bild av mänskligt liv genom prismat av dess fåfänga och bilder av jordisk kärlek, andra - vällustighetens triumf. Men den oskuld och en del lösryckning, varmed enskilda gestalter tolkas, liksom den gynnsamma inställningen till detta arbete från de kyrkliga myndigheternas sida, gör att man tvivlar på att förhärligandet av kroppsliga njutningar skulle kunna vara dess innehåll.

Gustav Klimt "The Three Ages of Woman"

1905, olja på duk. 180×180 cm

Nationalgalleriet samtida konst, Rom

"Three Ages of Woman" är både glädjefylld och sorglig. I den är berättelsen om en kvinnas liv skriven i tre gestalter: slarv, frid och förtvivlan. Den unga kvinnan är organiskt invävd i livets prydnad, den gamla kvinnan sticker ut från den. Kontrasten mellan den stiliserade bilden av en ung kvinna och den naturalistiska bilden av en gammal kvinna blir symbolisk betydelse: den första fasen av livet för med sig oändliga möjligheter och metamorfoser, den sista för med sig konstant beständighet och konflikt med verkligheten.
Duken släpper inte taget, den kommer in i själen och får dig att tänka på djupet i konstnärens budskap, samt på livets djup och oundviklighet.

Egon Schiele "Familj"

1918, olja på duk. 152,5×162,5 cm

Belvedere Gallery, Wien

Schiele var en elev av Klimt, men som alla utmärkta elever kopierade han inte sin lärare utan letade efter något nytt. Schiele är mycket mer tragisk, märklig och skrämmande än Gustav Klimt. I hans verk finns mycket av det som kan kallas pornografi, olika perversioner, naturalism och samtidigt värkande förtvivlan.
"Familj" - hans senaste arbete, där desperationen förs till det absoluta, trots att detta är den minst märkliga bilden av honom. Han målade den strax före sin död, efter att hans gravida fru Edith dog i spanska sjukan. Han dog vid 28 års ålder bara tre dagar efter Edith, efter att ha lyckats rita henne, sig själv och deras ofödda barn.

Frida Kahlo "The Two Fridas"

Hård livshistoria Mexikansk konstnär Frida Kahlo blev vida känd efter släppet av filmen "Frida" med Salma Hayek i ledande roll. Kahlo målade mestadels självporträtt och förklarade det enkelt: "Jag målar mig själv för att jag tillbringar mycket tid ensam och för att jag är det ämne jag kan bäst."
Frida Kahlo ler inte i något självporträtt: ett allvarligt, till och med sorgligt ansikte, sammansmälta tjocka ögonbryn, en något märkbar mustasch över hårt sammanpressade läppar. Idéerna till hennes målningar krypteras i detaljerna, bakgrunden, figurerna som dyker upp bredvid Frida. Symboliken i Kahlo är baserad på nationella traditioner och är nära förbunden med den indiska mytologin från den pre-spansktalande perioden.
I en av de bästa bilderna- "Två Fridas" - hon uttryckte det maskulina och feminin, ansluten i den av ett enda cirkulationssystem, vilket visar dess integritet.

Claude Monet Waterloo Bridge. Dimeffekt»

1899, olja på duk

Statens Eremitage, Sankt Petersburg

När man tittar på bilden på nära håll, ser betraktaren ingenting annat än duken, på vilken täta tjocka oljedrag appliceras. All magi i verket avslöjas när vi gradvis börjar röra oss bort från duken till ett större avstånd. Först börjar obegripliga halvcirklar dyka upp framför oss, passerar genom mitten av bilden, sedan ser vi de tydliga konturerna av båtarna och, efter att ha flyttat sig en sträcka på cirka två meter, är alla anslutningsverk skarpt ritade och uppradade i en logisk kedja framför oss.

Jackson Pollock "Nummer 5, 1948"

1948, fiberskiva, olja. 240×120 cm

Det märkliga med denna bild är att duken av den amerikanske ledaren för abstrakt expressionism, som han målade och hällde färg över en bit fiberskiva utspridda på golvet, är den mest dyr bild i världen. 2006, på Sotheby's-auktionen, betalade de 140 miljoner dollar för det. David Giffen, en filmproducent och samlare, sålde den till den mexikanske finansmannen David Martinez.
"Jag fortsätter att gå bort från konstnärens vanliga verktyg, som staffli, palett och penslar. Jag föredrar pinnar, spadar, knivar och att hälla färg eller en blandning av färg med sand eller krossat glas eller vad som helst. När jag är inne i en målning är jag inte medveten om vad jag gör. Förståelsen kommer senare. Jag är inte rädd för att förändra eller förstöra bilden, då målningen har ett eget liv. Jag hjälper henne bara att komma ut. Men tappar jag kontakten med tavlan är det smutsigt och rörigt. Om inte, så är detta ren harmoni, lättheten i hur du tar och ger.

Joan Miro "Man och kvinna framför en hög med exkrementer"

1935, koppar, olja, 23×32 cm

Joan Miro Foundation, Spanien

Bra titel. Och vem kunde tro att den här bilden berättar om inbördeskrigens fasor.
Målningen gjordes på en kopparplåt veckan mellan 15 och 22 oktober 1935. Enligt Miro är detta resultatet av ett försök att skildra tragedin inbördeskrig i Spanien. Miro sa att det här är en bild om en period av oro. Målningen föreställer en man och en kvinna som sträcker ut efter varandras armar, men inte rör sig. Förstorade könsorgan och olycksbådande färger har beskrivits som "fulla av avsky och vidrig sexualitet".

Jacek Jerka "Erosion"

Den polske nysurrealisten är känd över hela världen för sitt fantastiska bilder där verkligheter förenas och skapar nya. Det är svårt att betrakta hans extremt detaljerade och i viss mån rörande verk ett efter ett, men så är formatet på vårt material, och vi var tvungna att välja ett - för att illustrera hans fantasi och skicklighet. Vi rekommenderar att läsa.

Bill Stoneham "Hands Resist Him"

Detta verk kan naturligtvis inte rankas bland världskonstens mästerverk, men att det är konstigt är ett faktum.
Runt bilden med en pojke, en docka och handflatorna tryckta mot glaset finns legender. Från "på grund av den här bilden dör de" till "barnen i den lever." Bilden ser riktigt läskig ut, vilket ger upphov till många rädslor och gissningar hos personer med svagt psyke.
Konstnären å sin sida försäkrade att målningen föreställde honom själv vid fem års ålder, att dörren var en representation av skiljelinjen mellan den riktiga världen och drömmarnas värld, och dockan är en guide som kan leda pojken genom denna värld. Händerna representerar alternativa liv eller möjligheter.
Målningen blev känd i februari 2000 när den listades till försäljning på eBay med en bakgrund som sa att målningen var "hemsökt". "Hands Resist Him" köptes för $1 025 av Kim Smith, som sedan översvämmades med brev från läskiga historier och kräver att tavlan ska brännas.

Världen är full kreativa människor och varje dag kommer det hundratals nya målningar, nya sånger skrivs. Naturligtvis finns det några felsteg i konstens värld, men det finns sådana mästerverk av riktiga mästare som helt enkelt är hisnande! Vi kommer att visa er deras arbete idag.

penna förstärkt verklighet

Fotokonstnären Ben Heine fortsatte att arbeta med sitt projekt, som är en blandning av blyertsteckningar och fotografi. Först gör han en frihandsskiss med en penna på papper. Sedan fotograferar han teckningen mot bakgrunden av ett verkligt objekt och förfinar den resulterande bilden i Photoshop och lägger till kontrast och mättnad. Resultatet är magiskt!

Illustrationer av Alisa Makarova

Alisa Makarova - begåvad artist från Sankt Petersburg. I en tid då de flesta bilderna skapas med hjälp av en dator, respekteras vår landsmans intresse för traditionella målningsformer. Ett av hennes senaste projekt är triptyken "Vulpes Vulpes", som visar charmiga eldröda rävar. Skönhet och mer!

Fin gravyr

Träkonstnärerna Paul Rodin och Valerie Lou har tillkännagivit skapandet av en ny gravyr med titeln "Moth". Omsorgsfullt arbete och författarnas graciösa hantverk lämnar inte ens de mest envisa skeptiker likgiltiga. Gravyren kommer att visas på en kommande utställning i Brooklyn den 7 november.

Kulspetspenna ritningar

Förmodligen, åtminstone en gång i föreläsningarna, i stället för att skriva ner lärarens ord, ritade alla olika figurer i en anteckningsbok. Var konstnären Sarah Esteje (Sarah Esteje) bland dessa elever är okänt. Men att hennes teckningar med kulspetspenna är imponerande är ett obestridligt faktum! Sarah bevisade precis att man inte behöver ha något speciellt material alls för att skapa något riktigt intressant.

Surrealistiska världar av Artem Chebokha

Den ryske konstnären Artem Chebokha skapar otroliga världar där det bara finns hav, himmel och oändlig harmoni. Till sina nya verk valde konstnären mycket poetiska bilder - en vandrare som reser genom okända platser och valar som cirkulerar i moln-vågor - denna mästares fantasiflykt är helt enkelt obegränsad.

Spot porträtt

Någon tänker på slagtekniken, någon tänker på kontrasten mellan ljus och skugga, men konstnären Pablo Jurado Ruiz ritar med prickar! Konstnären utvecklade idéerna om pointillism-genren, som fortfarande var inneboende i författarna av neo-impressionismens era, och skapade sin egen egen stil där detaljerna är absolut allt. Tusentals beröringar på papper som ett resultat skapar realistiska porträtt som du vill titta på.

Bilder från disketter

I en tid då många saker och tekniker blir föråldrade i hastigheten av en express som passerar, måste man ganska ofta göra sig av med onödigt skräp. Men som det visade sig är inte allt så sorgligt, och gamla föremål kan göras mycket jämna samtida verk konst. engelsk konstnär Nick Gentry samlade in fyrkantiga disketter från vänner, tog en burk färg och målade fantastiska porträtt på dem. Det blev väldigt fint!

På gränsen till realism och surrealism

Berlinkonstnären Harding Meyer älskar att måla porträtt, men för att inte bli ännu en hyperrealist bestämde han sig för att experimentera och skapade en serie porträtt på gränsen till verklighet och surrealism. Dessa verk ger inblick i mänskligt ansikte som något mer än bara ett "torrt porträtt", som lyfter fram dess grund - bilden. Som ett resultat av sådana sökningar uppmärksammades Hardings verk av Gallery of Modern Art i München, som kommer att ställa ut konstnärens verk den 7 november.

Fingermålning på iPad

Många samtida konstnärer experimenterade med material för att skapa målningar, men japansken Seikou Yamaoka (Seikou Yamaoka) överträffade dem alla och tog sin Ipad som en duk. Han installerade helt enkelt ArtStudio-applikationen och började inte bara rita utan reproducera mest kända mästerverk konst. Dessutom gör han detta inte med några speciella penslar, utan med fingret, som beundras även av människor som är långt från konstens värld.

"Trä" målning

Med hjälp av allt från bläck till te, har träbearbetningskonstnären Mandy Tsung skapat verkligt fascinerande målningar fyllda med passion och energi. Som huvudtema valde hon den mystiska bilden av en kvinna och hennes position i den moderna världen.

hyperrealist

Varje gång du hittar verk av hyperrealistiska konstnärer ställer du dig själv ofrivilligt frågan: "Varför gör de allt detta?" Var och en av dem har sitt eget svar på detta och ibland en ganska motsägelsefull filosofi. Men artisten Dino Tomik säger rakt ut: "Jag älskar bara min familj väldigt mycket." Dag och natt målade han och försökte inte missa en enda detalj från porträttet av sina släktingar. En sådan teckning tog honom minst 70 timmars arbete. Att säga att föräldrarna var glada betyder att inte säga något.

Soldatporträtt

Den 18 oktober på London Gallery lanserade Opera Gallery en utställning med verk av Joe Black (Joe Black) kallad "Ways of Seeing". För att skapa sina målningar använde konstnären inte bara färger, utan också de mest ovanliga materialen - bultar, märken och mycket mer. Huvudmaterialet var dock .... leksakssoldater! av de flesta intressanta utställningar Utställningar inkluderar porträtt av Barack Obama, Margaret Thatcher och Mao Zedong.

Sensuella oljeporträtt

Den koreanska konstnären Lee Rim (Lee Rim) var inte så känd för ett par dagar sedan, men hennes nya målningar "Girls in Paint" orsakade en bred respons och resonans i konstvärlden. Lee säger: huvudtema mitt arbete är mänskliga känslor och psykologiskt tillstånd. Även om vi bor i olika miljöer så känner vi någon gång samma sak när vi tittar på ett föremål." Kanske är det därför jag, när jag ser på hennes arbete, vill förstå den här tjejen och känna hennes tankar.

Att måla, om man inte tar hänsyn till realister, har alltid varit, är och kommer att bli konstigt. Metaforisk, letar efter nya former och uttrycksmedel. Men flera konstiga bilder främmare än andra.

Det är tydligt att "konstighet" är ett ganska subjektivt begrepp, och för alla finns det fantastiska målningar som sticker ut från en rad andra konstverk. Till exempel är verken av Salvador Dali medvetet inte inkluderade i detta urval, som helt faller under formatet av detta material och är de första som kommer att tänka på.

Salvador Dali

"En ung jungfru som begår sodomi med sin egen kyskhets horn"

1954

Edvard Munch "Scream"
1893, kartong, olja, tempera, pastell. 91x73,5 cm
Nationalgalleriet, Oslo

The Scream anses vara en landmärke expressionistisk händelse och en av de mest kända målningarna i världen.

"Jag gick längs stigen med två vänner - solen höll på att gå ner - plötsligt blev himlen blodröd, jag pausade, kände mig utmattad och lutade mig mot staketet - jag tittade på blodet och lågorna över den blåsvarta fjorden och stad - mina vänner gick vidare, och jag stod och darrade av upphetsning och kände det ändlösa ropet som genomträngde naturen, sa Edvard Munch om målningens historia.

Det finns två tolkningar av det som avbildas: det är hjälten själv som grips av fasa och tyst skriker, trycker händerna mot hans öron; eller så sluter hjälten sina öron för världens rop och naturen som låter omkring honom. Munch skrev 4 versioner av "Skriet", och det finns en version att denna bild är frukten av en mano-depressiv psykos som konstnären led av. Efter en behandling på kliniken kom Munch inte tillbaka till arbetet på duken.

Paul Gauguin "Var kom vi ifrån? Vilka är vi? Vart är vi på väg?"
1897-1898, olja på duk. 139,1x374,6 cm
Museum of Fine Arts, Boston

På ledning av Gauguin själv bör bilden läsas från höger till vänster - de tre huvudgrupperna av figurer illustrerar frågorna som ställs i titeln. Tre kvinnor med ett barn representerar livets början; mellangruppen symboliserar den dagliga tillvaron av mognad; i den sista gruppen, enligt konstnären, "tycks en gammal kvinna, som närmar sig döden, försonad och övergiven till sina tankar", vid hennes fötter "representerar en underlig vit fågel ... ordens meningslöshet."

Pablo Picasso "Guernica"
1937, olja på duk. 349x776 cm
Reina Sofia-museet, Madrid

"Guernica" presenterar scener av död, våld, brutalitet, lidande och hjälplöshet, utan att specificera deras omedelbara orsaker, men de är uppenbara. Det sägs att Pablo Picasso 1940 kallades till Gestapo i Paris. Samtalet gick genast över till målningen. "Gjorde du det?" - "Nej, du gjorde det."

Jan van Eyck "Porträtt av Arnolfini"
1434, olja på trä. 81,8x59,7 cm
London National Gallery, London

Porträttet, förmodligen av Giovanni di Nicolao Arnolfini och hans fru, är ett av de mest komplexa verken i den västerländska målarskolan från den norra renässansen.

Den berömda målningen är helt fylld med symboler, allegorier och olika referenser - upp till signaturen "Jan van Eyck var här", som gjorde den inte bara till ett konstverk, utan till ett historiskt dokument som bekräftar en verklig händelse, som deltog i av konstnären.

I Ryssland under de senaste åren har bilden vunnit stor popularitet på grund av porträttlikheten av Arnolfini med Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel "Sittande demon"
1890, olja på duk. 114x211 cm
Tretjakovgalleriet, Moskva

Målningen av Mikhail Vrubel överraskar med bilden av en demon. Den ledsna långhåriga killen är inte alls som de universella idéerna om hur en ond ande ska se ut. Konstnären själv talade om sin mest kända målning: "Demonen är inte så mycket en ond ande som en lidande och sorgsen, med allt detta en dominerande, majestätisk ande."

Detta är en bild av styrkan i den mänskliga anden, inre kamp, tvivel. Demonen håller tragiskt ihop sina händer och sitter med sorgsna, enorma ögon riktade i fjärran, omgiven av blommor. Kompositionen betonar begränsningen av demonens figur, som om den var inklämd mellan ramens övre och nedre tvärbalkar.

Vasilij Vereshchagin "Krigets apoteos"
1871, olja på duk. 127x197 cm
Statens Tretjakovgalleri, Moskva

Bilden är skriven så djupt och känslomässigt att bakom varje skalle som ligger i denna hög, börjar du se människor, deras öden och öden för dem som inte längre kommer att se dessa människor. Vereshchagin själv, med sorglig sarkasm, kallade duken "stilleben" - den skildrar "död natur".

Alla detaljer i bilden, inklusive den gula färgen, symboliserar död och förödelse. Den klarblå himlen framhäver bildens dödlighet. Idén om "Apotheosis of War" uttrycks också av ärren från sablar och kulhål på skallarna.

Grant Wood "American Gothic"
1930, olja. 74x62 cm
Art Institute of Chicago, Chicago

"American Gothic" är en av de mest igenkännliga bilderna i amerikansk konst på 1900-talet, den mest kända konstnärliga memen från 20- och 2000-talen.

Bilden med en dyster far och dotter svämmar över av detaljer som indikerar svårighetsgraden, puritanismen och retrograden hos de avbildade personerna. Arga miner, en höggaffel precis i mitten av bilden, gammaldags kläder även med 1930 års mått mätt, en exponerad armbåge, sömmar på bondens kläder som upprepar formen av en höggaffel, och därför ett hot som riktar sig till vem som helst som inkräktar på. Alla dessa detaljer kan tittas på oändligt och krypa av obehag.

Intressant nog uppfattade domarna i tävlingen vid Art Institute of Chicago "Gothic" som en "humoristisk Valentine", och folket i Iowa blev fruktansvärt kränkta av Wood för att de porträtterade dem i ett så obehagligt ljus.

Rene Magritte "Lovers"
1928, olja på duk

Målningen "Lovers" ("Lovers") finns i två versioner. På den ena kysser en man och en kvinna, vars huvuden är inlindade i ett vitt tyg, och på den andra "tittar" de på betraktaren. Bilden överraskar och fascinerar. Med två figurer utan ansikten förmedlade Magritte idén om kärlekens blindhet. Om blindhet i alla avseenden: älskare ser ingen, vi ser inte deras sanna ansikten, och dessutom är älskare ett mysterium även för varandra. Men med denna skenbara klarhet fortsätter vi fortfarande att titta på Magritte-älskarna och tänka på dem.

Nästan alla Magrittes målningar är pussel som inte kan lösas helt, eftersom de väcker frågor om själva essensen av att vara. Magritte pratar hela tiden om det synligas bedrägeri, om dess dolda mysterium, som vi vanligtvis inte lägger märke till.

Marc Chagall "Walk"
1917, olja på duk
Statens Tretjakovgalleri

Vanligtvis extremt seriös i sin målning skrev Marc Chagall ett förtjusande manifest om sin egen lycka, fyllt med allegorier och kärlek.

"Walk" är ett självporträtt med sin fru Bella. Hans älskade svävar i himlen och ser ut att dras in i flyget och Chagall, som står på marken betänkligt, som om han bara rörde henne med tårna på sina skor. Chagall har en mes i sin andra hand - han är glad, han har en mes i händerna (förmodligen sin målning), och en trana i himlen.

Hieronymus Bosch "The Garden of Earthly Delights"
1500-1510, olja på trä. 389x220 cm
Prado, Spanien

Den bestående charmen och samtidigt det konstiga i triptyken ligger i det sätt som konstnären uttrycker huvudidén genom många detaljer. Bilden är full av genomskinliga gestalter, fantastiska strukturer, monster som blivit hallucinationer, infernaliska verklighetskarikatyrer, som han betraktar med en sökande, extremt skarp blick.

Vissa forskare ville se i triptyken en bild av mänskligt liv genom prismat av dess fåfänga och bilder av jordisk kärlek, andra - vällustighetens triumf. Men den oskuld och en del lösryckning, varmed enskilda gestalter tolkas, liksom den gynnsamma inställningen till detta arbete från de kyrkliga myndigheternas sida, gör att man tvivlar på att förhärligandet av kroppsliga njutningar skulle kunna vara dess innehåll.

Gustav Klimt "The Three Ages of Woman"
1905, olja på duk. 180x180 cm
National Gallery of Modern Art, Rom

"Three Ages of Woman" är både glädjefylld och sorglig. I den är berättelsen om en kvinnas liv skriven i tre gestalter: slarv, frid och förtvivlan. Den unga kvinnan är organiskt invävd i livets prydnad, den gamla sticker ut från henne. Kontrasten mellan den stiliserade bilden av en ung kvinna och den naturalistiska bilden av en gammal kvinna får en symbolisk innebörd: den första fasen av livet för med sig oändliga möjligheter och metamorfoser, den sista är en oföränderlig beständighet och konflikt med verkligheten.

Duken släpper inte taget, den kommer in i själen och får dig att tänka på djupet i konstnärens budskap, samt på livets djup och oundviklighet.

Egon Schiele "Familj"
1918, olja på duk. 152,5x162,5 cm
Belvedere Gallery, Wien

"Familj" är hans senaste verk, där förtvivlan förs till det absoluta, trots att detta är den minst märkliga bilden av honom. Han målade den strax före sin död, efter att hans gravida fru Edith dog i spanska sjukan. Han dog vid 28 års ålder bara tre dagar efter Edith, efter att ha lyckats rita henne, sig själv och deras ofödda barn.

Frida Kahlo "The Two Fridas"
1939

Historien om det svåra livet för den mexikanska konstnären Frida Kahlo blev allmänt känd efter släppet av filmen "Frida" med Salma Hayek i titelrollen. Kahlo målade mest självporträtt och förklarade det enkelt: "Jag målar mig själv för att jag tillbringar mycket tid ensam och för att jag är det ämne jag kan bäst."

Frida Kahlo ler inte i något självporträtt: ett allvarligt, till och med sorgligt ansikte, sammansmälta tjocka ögonbryn, en något märkbar mustasch över hårt sammanpressade läppar. Idéerna till hennes målningar krypteras i detaljerna, bakgrunden, figurerna som dyker upp bredvid Frida. Symboliken i Kahlo är baserad på nationella traditioner och är nära förbunden med den indiska mytologin från den pre-spansktalande perioden.

I en av de bästa målningarna - "Två Fridas" - uttryckte hon de maskulina och feminina principerna, kopplade i henne genom ett enda cirkulationssystem, vilket visar hennes integritet. För mer information om Frida, se HÄR ett vackert intressant inlägg

Claude Monet "Waterloo Bridge. Dimeffekt"
1899, olja på duk
State Hermitage Museum, St Petersburg

När man tittar på bilden på nära håll ser betraktaren inget annat än en duk på vilken täta tjocka oljedrag appliceras. All magi i verket avslöjas när vi gradvis börjar röra oss bort från duken till ett större avstånd.

Först börjar obegripliga halvcirklar dyka upp framför oss, passerar genom mitten av bilden, sedan ser vi de tydliga konturerna av båtarna och, efter att ha flyttat sig en sträcka på cirka två meter, är alla anslutningsverk skarpt ritade och uppradade i en logisk kedja framför oss.

Jackson Pollock "Nummer 5, 1948"
1948, fiberskiva, olja. 240x120 cm

Det märkliga med denna bild är att den amerikanska ledaren för abstrakt expressionism, som han målade genom att hälla färg över en bit fiberskiva utspridda på golvet, är den dyraste målningen i världen. 2006, på Sotheby's-auktionen, betalade de 140 miljoner dollar för det. David Giffen, en filmproducent och samlare, sålde den till den mexikanske finansmannen David Martinez.

"Jag rör mig hela tiden bort från en konstnärs vanliga verktyg, som ett staffli, palett och penslar. Jag föredrar pinnar, skopor, knivar och flytande färg, eller en blandning av färg med sand, krossat glas eller vad som helst. När Jag är inne i en målning, jag inser inte vad jag gör. Förståelse kommer senare. Jag är inte rädd för att förändra eller förstöra bilden, eftersom bilden har ett eget liv. Jag hjälper den bara att komma ut. Men om Jag tappar kontakten med bilden, den blir smutsig och rörig.Om inte så är det här ren harmoni, lättheten i hur man tar och ger.

Joan Miro "Man och kvinna framför en hög med avföring"
1935, koppar, olja, 23x32 cm
Joan Miro Foundation, Spanien

Bra titel. Och vem kunde tro att den här bilden berättar om inbördeskrigens fasor. Målningen gjordes på en kopparplåt veckan mellan 15 och 22 oktober 1935.

Enligt Miro är detta resultatet av ett försök att skildra tragedin under det spanska inbördeskriget. Miro sa att det här är en bild om en period av oro.

Målningen föreställer en man och en kvinna som sträcker ut efter varandras armar, men inte rör sig. Förstorade könsorgan och olycksbådande färger har beskrivits som "fulla av äckel och äcklig sexualitet".

Jacek Jerka "Erosion"

Den polske nysurrealisten är känd över hela världen för sina fantastiska målningar, där verkligheter möts för att skapa nya.

Bill Stoneham "Hands Resist Him"
1972

Detta verk kan förstås knappast betraktas som ett mästerverk inom världskonsten, men att det är konstigt är ett faktum.

Runt bilden med en pojke, en docka och handflatorna tryckta mot glaset finns legender. Från "på grund av den här bilden dör de" till "barnen i den lever." Bilden ser riktigt läskig ut, vilket ger upphov till många rädslor och gissningar hos personer med svagt psyke.

Konstnären försäkrade att bilden föreställer honom själv vid fem års ålder, att dörren är en representation av skiljelinjen mellan den verkliga världen och drömmarnas värld, och dockan är en guide som kan leda pojken genom denna värld. Händerna representerar alternativa liv eller möjligheter.

Målningen blev känd i februari 2000 när den listades till försäljning på eBay med en bakgrund som sa att målningen var "hemsökt".

"Hands Resist Him" köptes för 1 025 dollar av Kim Smith, som sedan översvämmades med brev med läskiga historier om hur hallucinationer dök upp, folk blev verkligen galna när de tittade på verket och krav på att få bränna målningen