Flöjt: historia, video, intressanta fakta, lyssna. Tvärflöjt Flöjtdesign med varje dels funktion

Flöjten vinner äntligen de stora kompositörernas hjärtan olika länder och stilar, mästerverk av flöjtrepertoaren dyker upp efter varandra: sonater för flöjt och piano av Sergei Prokofiev och Paul Hindemith, konserter för flöjt och orkester av Carl Nielsen och Jacques Ibert, samt andra verk av kompositörerna Bohuslav Martin, Frank Martin, Olivier Messiaen. Flera verk för flöjt skrevs av de ryska kompositörerna Edison Denisov och Sofia Gubaidulina.

Österns flöjter

Di(från den gamla kinesiska hengchui, handi - tvärflöjt) - ett gammalt kinesiskt blåsinstrument, en tvärflöjt med 6 spelhål.

I de flesta fall är di-stammen gjord av bambu eller vass, men det finns di gjorda av andra träslag och även av sten, oftast jade. Nära den stängda änden av pipan finns ett hål för att blåsa luft, bredvid det är ett hål täckt med den tunnaste vassen eller vassfilmen; 4 ytterligare hål placerade nära den öppna änden av pipan används för justering. Flöjtens pipa är vanligtvis bunden med svartlackerade gängringar. Spelsättet är detsamma som på tvärflöjten.

Först trodde man att flöjten fördes till Kina från Centralasien under perioden mellan 140 och 87 f.Kr. e. Under de senaste arkeologiska utgrävningarna har dock tvärgående benflöjter med anor som går tillbaka till cirka 8 000 år, mycket lika i design som moderna di (men utan ett karakteristiskt förseglat hål), vilket vittnar till förmån för hypotesen om ett kinesiskt ursprung av di. Legenden säger att den gule kejsaren beordrade sina dignitärer att göra den första bambuflöjten.

Det finns två sorters di: qudi (i kongqu musikaliska dramaorkester) och bandi (i bangzi musikaliska dramaorkester i de norra provinserna). En variant av flöjten utan ett tätat hål kallas mandi.

Shakuhachi(kinesisk chi-ba) - en längsgående bambuflöjt som kom till Japan från Kina under Nara-perioden (710-784). Det finns cirka 20 varianter av shakuhachi. Standardlängden - 1,8 japanska fot (54,5 cm) - bestämde själva instrumentets namn, eftersom "shaku" betyder "fot" och "hachi" betyder "åtta". Enligt vissa forskare kommer shakuhachi från det egyptiska instrumentet sabi, som gjorde en lång resa till Kina genom Mellanöstern och Indien. Till en början hade verktyget 6 hål (5 framför och 1 bakom). Senare, tydligen på modellen av den längsgående xiao-flöjten, som också kom från Kina under Muromachi-perioden, modifierad i Japan och blev känd som hitoyogiri (bokstavligen - "ett knä av bambu"), fick den ett modernt utseende med 5 fingrar hål. Shakuhachi är gjord av rumpan av madake bambu (Phyllostachys bambusoides). Rörets genomsnittliga diameter är 4–5 cm, och insidan av röret är nästan cylindrisk. Längden varierar beroende på stämningen av ensemblen av koto och shamisen. En skillnad på 3 cm ger en skillnad i tonhöjd med en halvton. Standardlängden på 54,5 cm används för att Shakuhachi spelar solokompositioner. För att förbättra ljudkvaliteten täcker hantverkare noggrant insidan av bambupipan med lack, precis som flöjten som används i gagaku, i Noh-teatern. Pjäserna i Fuke-sektens honkyoku-stil (30-40 stycken har överlevt) bär på zenbuddhismens idéer. Honkyoku från Kinko-skolan använder repertoaren från fuke shakuhachi, men ger mer artisteri åt sättet de framförs på.

P nästan samtidigt med uppkomsten av shakuhachi i Japan föddes idén om heligheten av musik som spelades på flöjten. Tradition kopplar hennes mirakulösa kraft till namnet prins Shotoku Taishi (548-622). En enastående statsman, arvtagare till tronen, en aktiv buddhistisk predikant, författare till historiska skrifter och de första kommentarerna till buddhistiska sutras, blev han en av de mest auktoritativa gestalterna i japansk historia. Så i de skriftliga källorna från den tidiga medeltiden sades det att när prins Shotoku spelade shakuhachi på vägen till templet på bergssidan, steg himmelska älvor ner till ljudet av flöjten och dansade. Shakuhachi från Horyuji-templet, som nu visas permanent i Tokyo Nationalmuseum, anses vara unikt verktyg Prins Shotoku, från vilken den heliga flöjtens väg i Japan började. Shakuhachi nämns också i samband med namnet på den buddhistiske prästen Ennin (794-864), som studerade buddhismen i Tang Kina. Han introducerade ackompanjemanget av shakuhachi under recitationerna av Amida Buddha sutra. Enligt hans åsikt prydde flöjtens röst inte bara bönen, utan uttryckte dess väsen med större penetration och renhet. Zhukoai. Flöjtfe i rött

Ett nytt skede i bildandet av den heliga flöjttraditionen förknippas med en av Muromachi-periodens mest framstående personligheter, Ikkyu Sojun (1394-1481). En poet, målare, kalligraf, religiös reformator, excentrisk filosof och predikant, i slutet av sitt liv abboten för det största Daitokuji-templet i huvudstaden, han påverkade nästan alla områden av sin tids kulturliv: från teceremonin och Zen-trädgården till No-teatern och shakuhachi-musik. Ljud, enligt hans åsikt, spelade en stor roll i teceremonin: bruset från kokande vatten i en kastrull, knackandet av en visp när du vispar te, gurglandet av vatten - allt var designat för att skapa en känsla av harmoni, renhet, respekt, tystnad. Samma atmosfär åtföljde spelet av shakuhachi, när den mänskliga andedräkten från själens djup, som passerade genom en enkel bambupipa, blev livets andetag. I en diktsamling skrivna i den klassiska kinesiska stilen "Kyounshu" ("Crazy Clouds Gathering"), genomsyrad av bilder av shakuhachis ljud och musik, ljudfilosofin som ett sätt att väcka medvetande, skriver Ikkyu om shakuhachi. som universums rena röst: "Om du spelar shakuhachi ser du osynliga sfärer, det finns bara en sång i hela universum."

Från om tidiga XVII V. olika berättelser om pastor Ikkyu och shakuhachi-flöjten cirkulerade. En av dem berättade hur Ikkyu tillsammans med en annan munk, Ichiroso, lämnade Kyoto och slog sig ner i en hydda i Uji. Där skar de bambu, gjorde shakuhachi och lekte. Enligt en annan version levde en viss munk vid namn Roan i avskildhet, men var vän och kommunicerade med Ikkyu. Han dyrkade shakuhachi, extraherade ljud med ett andetag, uppnådde upplysning och tillägnade sig namnet Fukedosya eller Fuketsudosha (följde vindens och hålens väg) och var den första komuso (lett. "munk av intet och tomhet"). Flöjten, som enligt legenden spelades av en mästare, har blivit en nationell relik och ligger i Hosun'in-templet i Kyoto. Den första informationen om vandrande munkar som spelar flöjter går tillbaka till första hälften av 1500-talet. De kallades munkarna i komo (komoso), det vill säga "halmmattans munkar". I det poetiska verk av XVI-talet. vandrarens melodier som var oskiljaktiga från flöjten liknades vid vinden bland vårblommorna, påminnande om livets svaghet, och smeknamnet komoso började skrivas i hieroglyfer "ko" - tomhet, icke-existens, "mo" - en illusion, "co" - en munk. 1600-talet i historien japansk kultur blev ett nytt skede i den heliga flöjtens historia. De dagliga aktiviteterna för komusomunkarna kretsade kring att spela shakuhachi. På morgonen brukade abboten spela låten "Kakureisei". Det var en uppvaknande pjäs som startade dagen. Munkarna samlades runt altaret och sjöng melodin "Teka" ("Morgonsång"), varefter deras dagliga gudstjänster började. Under dagen omväxlande spelade de shakuhachi, sittande zazen-meditation, kampsport och tiggeri. På kvällen, innan man började zazen igen, spelades pjäsen "Banka" ("Aftonsång"). Varje munk var tvungen att gå och tigga minst tre dagar i månaden. Under den sista av dessa lydnad - att vandra efter allmosor - sådana melodier som "Tori" ("Passage"), "Kadozuke" ("Crossroads") och "Hachigaeshi" ("Skålens återkomst" - här menades tiggskålen) spelades. ). När två komusô träffades på vägen fick de spela "Yobitake". Det var ett slags samtal som utfördes på shakuhachi, vilket betydde "Call of Bamboo". Som svar på hälsningen var man tvungen att spela "Uketake", vars betydelse är "att ta emot och plocka upp bambun". På vägen, eftersom de ville stanna vid ett av deras ordens tempel, utspridda över hela landet, spelade de pjäsen "Hirakimon" ("Öppna portarna") för att släppa in dem för natten. Alla rituella pjäser, allmosor som utfördes på shakuhachi, till och med de stycken som verkade vara mer som munkarnas underhållning, var en del av zenpraxis som kallas suizen (sui - "att blåsa, spela ett blåsinstrument").

Bland de stora fenomenen inom japansk musik som påverkade bildandet av honkyokus tonsystem, bör man nämna teorin och den musikaliska praktiken av buddhistiska sånger, shomyo, teorin och praktiken av gagaku, och senare traditionerna för ji-uta, sokyoku. XVII-XVIII århundraden - tiden för shakuhachis ökande popularitet i stadsmiljön. Utvecklingen av spelteknik gjorde det möjligt att spela musik av nästan vilken genre som helst på shakuhachi. Den började användas för framförande av folksånger (minyo), i sekulär ensemblemusikskapande, på 1800-talet, och ersatte äntligen böjt instrument kokyu från den tidens vanligaste sankyoku-ensemble (koto, shamisen, shakuhachi). Shakuhachi har sorter:

Gagaku shakuhachi är den tidigaste typen av instrument. Tempuku - från den klassiska shakuhachi kännetecknas den av en något annorlunda form på munöppningen. Hitoyogiri shakuhachi (eller bara hitoyogiri) - som namnet indikerar är den gjord av ett knä av bambu (hito - ett, yo - knä, giri - tonande kiri, snitt). Fuke shakuhachi är den omedelbara föregångaren till den moderna shakuhachi. Bansuri, bansri (Bansuri) - Indiskt blåsinstrument, det finns 2 typer: klassisk tvär- och längsgående flöjt, som används i norra Indien. Tillverkad av bambu eller käpp. Har vanligtvis sex hål, men det har funnits en tendens att använda sju hål - för att öka flexibiliteten och korrigera intonationen i höga register. Tidigare fanns bansuri endast i folkmusik, men idag har det blivit utbrett i den klassiska musiken i Indien. Ett liknande instrument som är vanligt i södra Indien är Venu. W
min flöjt(Serpent Flut) - Indisk rörinstrument av två pipor (en - bourdon, den andra - med 5-6 spelhål) med en resonator gjord av trä eller torkad kalebass.

Ormflöjten spelas i Indien av vandrande fakirer och ormtjusare. Vid spelning används kontinuerlig, så kallad permanent (kedje)andning.

Blaireller Gambu- Indonesisk längsgående flöjt med en visselpipa. Den är vanligtvis gjord av ebenholts, dekorerad med sniderier (in det här fallet i form av en drake), har 6 spelhål. Används som solo- och ensembleinstrument.

Malaysisk flöjt- en längsgående flöjt i form av en drake, med en visselpipa. Tillverkad av redwood. Det används i religiösa ceremonier för att lugna drakens ande - en helig varelse som är vördad i Malaysia.

tvärflöjt- ett musikinstrument av trä. Den tillhör mässingen och tillhör sopranregistret. ändras genom omblåsning. Under spelet sker också öppning och stängning av hål med ventiler.

allmän information

Bambu tvärflöjten är ganska sällsynt idag, eftersom moderna musikinstrument av denna typ vanligtvis är gjorda av metall (platina, guld, silver, nickel), ibland även glas, plast eller andra kompositmaterial. Omfånget är över tre oktaver. Noter för tvärflöjten skrivs in baserat på det faktiska ljudet. Klangen är genomskinlig och tydlig i mellanregistret, i den nedre - döv, i den övre - något skarp. Flöjten finns i en mängd olika tekniker. Ofta framför hon ett orkestersolo. Den används i blås- och symfoniorkestrar. Används även i kammarensembler. Symfoniorkestrar använder från 1 till 5 flöjter. Oftare är deras antal från två till tre.

Instrumentets historia

Tvärflöjten har varit känd för mänskligheten under lång tid. Den tidigaste avbildningen av henne hittades på en etruskisk relief. Det skapades 100 eller 200 f.Kr. Sedan styrdes verktyget åt vänster. Endast i en illustration till en 1500-talsdikt hålls den till höger.

Medeltiden

Tvärflöjten finns även vid arkeologiska utgrävningar. De första sådana hittar i Västeuropa hör till XII-XIV-talen. annons. En av de tidigaste bilderna från den tiden finns på sidorna i ett uppslagsverk som heter Hortus Deliciarum. Forskare föreslår att instrumentet tillfälligt gick ur bruk i Europa och sedan återvände dit, från Asien, igenom Bysantinska imperiet. På medeltiden bestod konstruktionen av en enda komponent, ibland var de två. Verktyget hade en cylindrisk form, samt sex hål med samma diameter.

Renässans och barock

Tvärflöjten ändrade inte sin design alltför mycket under den efterföljande perioden. Instrumentet hade en räckvidd på 2,5 oktaver. Han tillät att ta hela listan av toner av den kromatiska skalan med god behärskning av fingersättningen. Den sista var väldigt svår. Mellanregistret lät bäst. Kända originalinstrument av denna typ förvaras i Verona i ett museum som heter Castel Vecchio. De första betydande förändringarna i instrumentets design gjordes av familjen Otteter. Dess representant, Jacques Martin, delade upp flöjten i 3 delar. Därefter var det 4 av dem. Instrumentets kropp var som regel uppdelad i hälften. Uttern ändrade borrningen till konisk. Därmed förbättrades intonationen mellan oktaverna.

På 1700-talet lades ett stort antal ventiler till instrumentet. Som regel finns det 4 - 6. Viktiga innovationer gjordes av Johann Joachim Quantz och Georg Tromlitz. Under Mozarts liv användes oftast tvärflöjten, som har en ventil. I början av 1800-talet började antalet av dessa element att öka snabbt. Musiken till detta instrument är mer virtuos. Ytterligare ventiler underlättade i sin tur utförandet av de svåraste passagerna.

Det fanns många designalternativ. I Frankrike var flöjten med fem ventiler populär. I England fanns det 7 eller 8. I Italien, Österrike och Tyskland fanns det många olika system. Här kunde antalet ventiler nå 14 eller till och med fler. Verktygen fick namnen på uppfinnarna: Ziegler, Schwedler, Meyer. Det fanns ventilsystem gjorda speciellt för att underlätta den eller den passagen. På 1800-talet skapades även flöjter av wienertyp, de inkluderade ljudet av G i en liten oktav.

Sopranregister. Tonhöjden på flöjten ändras genom att blåsa (utvinna harmoniska konsonanser med läpparna), samt genom att öppna och stänga hål med ventiler. Moderna flöjter är vanligtvis gjorda av metall (nickel, silver, guld, platina), mindre ofta - från trä, ibland - från glas, plast och andra kompositmaterial.

Flöjtområde - mer än tre oktaver: från h eller c 1 (si liten oktav eller upp till den första) till c 4 (upp till den fjärde) och uppåt. Anteckningar skrivs in G-klav enligt det faktiska ljudet. Klangen är klar och genomskinlig i mellanregistret, väsande i nedre registret och något skarp i det övre. Flöjten finns i en mängd olika tekniker, och är ofta anförtrodd med ett orkestersolo. Det används i symfoni- och blåsband, och tillsammans med klarinett, oftare än andra träblås, i kammarensembler. I symfoni orkester en till fem flöjter används, oftast två eller tre, och en av dem (oftast den sista till antalet) kan under framförandet ändras till en liten eller altflöjt.

Instrumentets historia

Medeltida skildring av flöjtister som håller instrument till vänster

Den tidigaste avbildningen av en tvärflöjt hittades på en etruskisk relief, som går tillbaka till hundra eller tvåhundra år f.Kr. På den tiden hölls tvärflöjten till vänster sida, endast en illustration till en dikt från 1000-talet e.Kr. för första gången skildrar sättet att hålla instrumentet på höger sida.

Medeltiden

De första arkeologiska fynden av tvärflöjter från västern går tillbaka till 1100-1300-talen e.Kr. En av den tidens tidigaste bilder finns i uppslagsverket Hortus Deliciarum. Förutom den tidigare nämnda 1000-talsillustrationen visar alla medeltida europeiska och asiatiska skildringar spelarna som håller tvärflöjten till vänster, medan antika europeiska skildringar visar flöjtspelare som håller instrumentet till höger. Därför antas det att tvärflöjten tillfälligt gick ur bruk i Europa, och sedan återvände dit från Asien genom det bysantinska riket.

På medeltiden bestod tvärflöjten av en stämma, ibland två för "bas"-flöjter i G (numera altflöjtens omfång). Verktyget hade en cylindrisk form och 6 hål med samma diameter.

Renässans

"Fem Landsknechts", Daniel Hopfer, 1500-tal, andra från vänster med tvärflöjt

Under renässansen förändrades tvärflöjtens utformning lite. Instrumentet hade en räckvidd på två och en halv oktav eller mer, vilket överskred räckvidden för de flesta blockflöjter på den tiden med en oktav. Instrumentet gjorde det möjligt att spela alla toner i den kromatiska skalan, med god kontroll över fingersättningen, vilket var ganska komplext. Mellanregistret lät bäst. Anmärkningsvärda original tvärflöjter från renässansen förvaras i Museo Castel Vecchio i Verona.

Barocktiden

De första stora förändringarna av tvärflöjtens utformning gjordes av familjen Otteter. Jacques Martin Otteter delade in instrumentet i tre delar: huvudet, kroppen (med hål som stängdes direkt med fingrarna) och knäet (som oftast hade en ventil, ibland fler). Därefter bestod de flesta tvärflöjter på 1700-talet av fyra delar - instrumentets kropp var delad i hälften. Ottern ändrade också instrumentets borrning till att vara avsmalnande för att förbättra intonationen mellan oktaverna.

Under de sista decennierna av 1700-talet lades fler och fler ventiler till tvärflöjten - vanligtvis från 4 till 6, eller fler. På vissa instrument blir det möjligt att ta c 1 (upp till första oktaven) med hjälp av ett långsträckt knä och två extra ventiler. Viktiga innovationer inom dåtidens tvärflöjtdesign gjordes av Johann Joachim Quantz och Johann Georg Tromlitz.

Klassisk och romantisk period

På Mozarts tid var enventils tvärflöjten fortfarande den vanligaste instrumentkonstruktionen. I tidiga XIXårhundraden lades fler och fler ventiler till tvärflöjtens design, eftersom musiken till instrumentet blev mer virtuos och ytterligare ventiler gjorde det lättare att spela svåra passager. Det fanns ett stort antal ventilalternativ. I Frankrike var tvärröret med 5 ventiler den mest populära, i England - med 7 eller 8 ventiler, i Tyskland, Österrike och Italien fanns det största antalet olika system samtidigt, där antalet ventiler kunde nå 14 eller mer, och systemen kallades av deras uppfinnares namn: "Meyer", "Schwedler-flöjt", "Ziegler-system" och andra. Det fanns till och med ventilsystem speciellt framtagna för att underlätta en viss passage. Under 1800-talets första hälft fanns flöjter av s.k. wiensk typ, till ljudet av salt av en liten oktav. I operan La Traviata, skriven av Giuseppe Verdi 1853, i slutscenen, anförtros 2:a flöjten en fras som består av lägre registerljud från till ned - si, si-flat, la, la-flat och salt av en liten oktav. Denna flöjt är nu ersatt av altflöjten

viktigt centrum utvecklingen av dåtidens flöjtskola var Berlin, där vid Fredrik II:s hov, som själv var flöjtist och en framstående kompositör, den tvärgående flöjten förvärvade speciell betydelse. Tack vare monarkens eviga intresse för hans favoritinstrument föddes många verk för tvärflöjten av Joachim Quantz (hovkompositören och läraren till Friedrich), C. F. E. Bach (hovcembalisten), Franz och hans son Friedrich Benda, Carl Friedrich Fasch och andra.

Bland barockrepertoarens mästerverk finns partitan i a-moll för flöjtsolo och 7 sonater för flöjt och bas av J.S. Bach (varav 3 kan ha skrivits av hans son C.F.E. Bach), 12 fantasier för flöjtsolo G F. Telemann , Sonat för flöjtsolo i a-moll av C. F. E. Bach.

1800-talets flöjtrepertoar domineras av virtuosa salongsverk av flöjtkompositörer - Jean-Louis Tulu, Giulio Bricchaldi, Wilhelm Popp, Jules Demerssmann, Franz Doppler, Cesare Ciardi, Anton Furstenau, Theobald Böhm, Joachim Andersen, Ernesto Köhler m.fl. - skriven av författare i huvudsak för sina egna föreställningar. Det finns fler och fler virtuosa konserter för flöjt och orkester - Willem Blodek, Saverio Mercadante, Bernard Romberg, Franz Danzi, Bernard Molik m.fl.

Under andra hälften av 1900-talet skrev många tonsättare verk för soloföjt utan ackompanjemang, ofta med hjälp av moderna tekniker spelar instrumentet. Sekvensen av Luciano Berio framförs särskilt ofta, Etudes av Isan Yun, "Voice" av Toru Takemitsu, "Debla" av K. Halfter, och andra verk för flöjtsolo av kompositörerna Heinz Holliger, Robert Aitken, Elliot Carter, Gilbert Ami, Kazuo Fukishima, Brian Ferneyhow är också populära. , Franco Donatoni och andra.

Jazz och andra stilar

På grund av det tysta klangen slog inte flöjten rot in direkt jazz musik. Flöjtens penetration som soloinstrument i jazz är förknippad med namnen på sådana musiker som Herbie Mann, Jeremy Stig, Hubert Lowes. En av förnyarna inom jazzflöjtframträdandet var saxofonisten och flöjtisten Roland Kirk, som aktivt använder teknikerna att blåsa och spela med sin röst. Saxofonisterna Erik Dolfi och Józef Lateef spelade också flöjt.

Bland beröringspunkterna mellan jazz och klassisk musik inkluderar jazzsviter för fransk flöjt jazzpianist Claude Bolling, som framförs både akademiskt (Jean-Pierre Rampal, James Galway) och jazzmusiker.

I populärmusik

En välkänd rock- och popflöjtist är Ian Anderson från bandet Jethro Tull.

Utveckling av flöjtskolan i Ryssland

Tidig period

De första professionella flöjtspelarna i Ryssland var mestadels gästmusiker av utländskt ursprung, av vilka många stannade kvar i Ryssland till slutet av sina liv. Så vid Katarina II:s hov från 1792 till 1798 tjänstgjorde den berömde blinde flöjtist och kompositör Friedrich Dulon. Därefter var de berömda tyska och italienska flöjtisterna - Heinrich Susman (från 1822 till 1838), Ernst Wilhelm Heinemeier (från 1847 till 1859), Cesare Ciardi (från 1855) solister på Imperial Theatre i St. Petersburg. Från 1831 bosatte sig Joseph Guillou, professor vid konservatoriet i Paris, i Sankt Petersburg. Det finns också tidiga referenser till ryska flöjtister - så från 1827 till 1850 solisten Bolsjojteatern Dmitry Papkov var i Moskva - en livegen som fick sin frihet.

Andra hälften av 1800-talet

De största europeiska flöjtisterna kom till Ryssland på turnéer - på 1880-talet reste den tjeckiske flöjtvirtuosen Adolf Tershak över hela Ryssland med konserter, 1887 och 1889. den berömde franske flöjtisten Paul Taffanel besökte Moskva och St. Petersburg.

1900-talet

Den första ryske professorn vid S:t Petersburgs konservatorium var 1905 solist vid de kejserliga teatrarna Fjodor Stepanov. Under första hälften av 1900-talet arbetade tyskarna Max Berg och Karl Schwab, samt tjecken Julius Federgans, samtidigt med ryska artister i de kejserliga teatrarna i St. Petersburg. Efter Stepanovs död 1914 övergick hans klass till flöjtisten och kompositören Vladimir Tsybin, som gjorde ett stort bidrag till utvecklingen av inhemskt flöjtframträdande i Ryssland. Vladimir Tsybin kan med rätta anses vara grundaren av den ryska flöjtskolan.

Tsybins pedagogiska arbete fortsattes av hans studenter, professorer vid Moskvakonservatoriet - Nikolai Platonov och Yuli Yagudin. I början av 1900-talet undervisade P. Ya Fedotov och Robert Lambert vid St. Petersburgs konservatorium och senare den senares elever - Boris Trizno och Joseph Janus.

På 1950-talet vann de berömda sovjetiska flöjtisterna Alexander Korneev, Valentin Zverev stora internationella priser.

På 1960-talet gjorde Gleb Nikitin, professor vid Leningrads konservatorium, elev till Boris Trizno, och professor vid Moskvakonservatoriet, en elev till Nikolai Platonov, Yuri Dolzjikov, ett betydande bidrag till utvecklingen av den ryska flöjtskolan.

Bland solisterna i stora orkestrar i Moskva och Leningrad på 1960- och 1970-talen fanns Albert Hoffman, Alexander Golyshev, Albert Ratsbaum, Eduard Shcherbachev, Alexandra Vavilina och andra, och senare den yngre generationen - Sergei Bubnov, Marina Vorozhtsova och andra.

För närvarande är professorer och docent vid Moskvakonservatoriet Alexander Golyshev, Oleg Khudyakov, Olga Ivusheykova, Leonid Lebedev; St Petersburgs konservatorium - Valentin Cherenkov, Alexandra Vavilina, Olga Chernyadieva. Mer än 50 ryska unga flöjtister, inklusive Denis Lupachev, Nikolai Popov, Nikolai Mokhov, Denis Buryakov, Alexandra Grot, Grigory Mordashov och andra, har också fått eller det här ögonblicket fortsätta sin utbildning utomlands.

flöjtstruktur

Den tvärgående räfflan är ett långsträckt cylindriskt rör med ett ventilsystem, stängt i ena änden, nära vilket det finns ett speciellt sidohål för applicering av läppar och blåsning av luft. Den moderna flöjten är uppdelad i tre delar: huvud, kropp och knä.

Huvud

Fil:Flöjthuvud.JPG

Svampar på flöjthuvudet

Den stora flöjten har ett rakt huvud, men det finns också böjda huvuden - på barninstrument, samt på alt- och basflöjter, så att instrumentet är bekvämare att hålla i. Huvudet kan göras av olika material och deras kombinationer - nickel, trä, silver, guld, platina. Huvudet på en modern flöjt är, till skillnad från instrumentets kropp, inte cylindriskt, utan konisk-parabolisk till formen. I den vänstra änden inuti huvudet finns en plugg, vars position påverkar instrumentets övergripande verkan och bör kontrolleras regelbundet (vanligtvis med hjälp av den bakre änden av verktygsrengöringsstaven - ramrod). Formen på huvudhålet, formen och kurvan på käkarna har stor inverkan på ljudet i hela instrumentet. Ofta använder artister huvuden från en annan tillverkare än huvudinstrumenttillverkaren. Vissa flöjtmakare - som Lafin eller Faulisi - specialiserar sig uteslutande på att tillverka huvuden.

flöjtkropp

Flöjtens kroppsstruktur kan vara av två typer: "inline" ("in line") - när alla ventiler bildar en linje, och "offset" - när saltventilen sticker ut. Det finns också två typer av ventiler - stängda (utan resonatorer) och öppna (med resonatorer). Öppna ventiler är vanligast, då de har flera fördelar jämfört med stängda: flöjtisten kan känna luftstrålens hastighet och ljudets resonans under fingrarna, med hjälp av öppna ventiler kan man korrigera intonationen, och när spelar samtida musik praktiskt taget oumbärlig utan dem. För barn- eller småhänder finns plastpluggar som vid behov tillfälligt kan stänga alla eller några av ventilerna på instrumentet.

Knä

Flöjtknä (C)

Två typer av knä kan användas på den stora flöjten: C-knäet eller B-knäet. På en flöjt med ett knä till lägre ljud är upp till första oktav, på flöjter med ett knä av si - si av en liten oktav, respektive. Knä si påverkar ljudet av instrumentets tredje oktav, och gör också instrumentet något tyngre i vikt. Det finns en "gizmo"-spak på B-knäet, som dessutom bör användas vid fingersättning upp till fjärde oktaven.

mi-mekanik

Många flöjter har den så kallade mi-mekaniken. Mi-mekaniken uppfanns i början av 1900-talet samtidigt, oberoende av varandra, av den tyske mästaren Emil von Rittershausen och den franske mästaren Jalma Julio för att göra det lättare att ta och förbättra intonationen i tredje oktavnoten mi . Många professionella flöjtister använder inte e-mekanik, eftersom goda instrumentala färdigheter gör det enkelt att plocka detta ljud utan dess hjälp. Det finns också alternativ till mi-mekanik - en platta som täcker hälften av det inre hålet i (andra paret) saltventilen, utvecklad av Powell, samt ett parventilsalt i reducerad storlek, utvecklat av Sankyo (används inte i stor utsträckning främst pga. till estetiska överväganden).

Modern flöjt av Boehm-system med stängda ventiler utanför linje, med mi-mekanik och upp-knä

Flöjt akustik

Enligt metoden för ljudproduktion tillhör flöjten de labiala instrumenten. Flöjtisten blåser en luftstråle mot framkanten av embouchurehålet. Luftflödet från musikerns läppar korsar det öppna embouchurehålet och träffar dess ytterkant. Således delas luftströmmen ungefär på mitten: inuti verktyget och utåt. En del av luften som fångas inuti instrumentet skapar en ljudvåg (kompressionsvåg) inuti flöjten, fortplantar sig till den öppna ventilen och återvänder delvis tillbaka, vilket får röret att resonera. En del av luften som har kommit in på utsidan av instrumentet orsakar lätta övertoner som vindbrus, som när korrekt iscensättningär bara hörbara för artisten själv, men blir omöjliga att särskilja på flera meters avstånd. Tonhöjden ändras genom att ändra hastigheten och riktningen för lufttillförseln av stödet (bukmusklerna) och läpparna, samt genom att fingersätta.

Namnet "flöjt" förenar en hel grupp av derayanska blåsinstrument musikinstrument. Det är sant, nuförtiden är flöjter också gjorda av andra material: plast, nickel, silver. Instrumentets namn kom från det latinska ordet "Flatus", som betyder "andning" i översättning. Flöjten anses vara ett av de äldsta musikinstrumenten i världen. Det är nästan omöjligt att ge ett specifikt datum för flöjtens uppfinning, men att döma av arkeologernas fynd fanns de första flöjterna redan 35-40 000 f.Kr.

Räckvidd och register för flöjten

Det undre registret har en matt, fyllig och något kall klang

Mellanregistret kännetecknas av ett mjukt och svagare ljud jämfört med andra register.

Det övre registret har en tydlig, lätt och lysande karaktär.

Det finns många varianter av flöjter, men de skiljer sig främst i längsgående och tvärgående. På längsgående räfflor vindhålet är i slutet, när han spelar håller musikern den längsgående flöjten vinkelrätt mot läpparnas linje.

På tvären är hålet på sidan, så du måste hålla det parallellt med läpparnas linje.
En av de vanligaste typerna av längsgående flöjt är blockflöjten. Det liknar flöjten och visselpipan. Den huvudsakliga grundläggande skillnaden mellan inspelaren och dessa instrument är att förutom sju fingerhål på framsidan finns det ytterligare ett - en oktavventil, som är placerad på baksidan.
Blockflöjten började användas aktivt i deras verk europeiska tonsättare tillbaka på 1500-talet. Bach, Vivaldi, Gendal och många andra inkluderade mycket ofta en blockflöjt i sina verk. Med tillkomsten av tvärflöjter märktes ett allvarligt minus av blockflöjten - inte tillräckligt högt. Men trots detta är detta instrument fortfarande ganska ofta närvarande i orkestern.
Trots det faktum att tvärflöjter dök upp långt före vår tideräkning i Kina, var populariteten för längsgående flöjter under en lång tid lät dem inte bli utbredda. Först efter att tvärflöjtens utformning förbättrats 1832 av mästaren från Tyskland, Theobald Behm, började den uppträda i orkestrar inte mindre ofta än den längsgående. Tvärflöjten låter dig spela ljud från första till fjärde oktaven.

Flöjten finns i fyra huvudvarianter som bildar en familj: den egentliga flöjten (eller storflöjten), piccolon (piccolo), altflöjten och basflöjten. Finns också, men används mycket mindre frekvent - stor flöjt i E-flat ( kubansk musik, latinamerikansk jazz), oktobasflöjten (modern musik och flöjtorkester) och hyperbasflöjten. Flöjter av lägre intervall finns också som prototyper.

Den stora flöjten har ett rakt huvud, men det finns också böjda huvuden - på barninstrument, samt på alt- och basflöjter, så att instrumentet är bekvämare att hålla i. Huvudet kan vara tillverkat av olika material och deras kombinationer - nickel, trä, silver, guld, platina. Huvudet på en modern flöjt är, till skillnad från instrumentets kropp, inte cylindriskt, utan konisk-parabolisk till formen. I den vänstra änden inuti huvudet finns en plugg, vars position påverkar instrumentets övergripande verkan och bör kontrolleras regelbundet (vanligtvis med hjälp av den bakre änden av verktygsrengöringsstaven - ramrod). Formen på huvudhålet, formen och kurvan på käkarna har stor inverkan på ljudet i hela instrumentet. Ofta använder artister huvuden från en annan tillverkare än huvudinstrumenttillverkaren. Vissa flöjtmakare - som Lafin eller Faulisi - specialiserar sig uteslutande på att tillverka huvuden.

Omfånget för flöjten (stor flöjt) är mer än tre oktaver: från h eller c 1 (si liten oktav eller upp till den första) till c 4 (upp till den fjärde) och uppåt. spela mer höga toner verkar svårt, men det finns verk där tonerna "re" och "mi" i den fjärde oktaven är inblandade. Noter skrivs i diskantklaven enligt det faktiska ljudet. Klangen är klar och genomskinlig i mellanregistret, väsande i nedre registret och något skarp i det övre. Flöjten finns i en mängd olika tekniker, och är ofta anförtrodd med ett orkestersolo. Det används i symfoni- och blåsband, och tillsammans med klarinett, oftare än andra träblås, i kammarensembler. I en symfoniorkester används från en till fem flöjter, oftast två eller tre, och en av dem (oftast den sista till antalet) kan under framförandet ändras till en liten eller altflöjt.

Strukturen på flöjtens kropp kan vara av två typer: "inline" ("in line") - när alla ventiler bildar en linje och "offset" - när saltventilen sticker ut. Det finns också två typer av ventiler - stängda (utan resonatorer) och öppna (med resonatorer). Öppna ventiler är de vanligaste, eftersom de har flera fördelar jämfört med stängda: en flöjtist kan känna luftströmmens hastighet och ljudets resonans under fingrarna, med hjälp av öppna ventiler kan du korrigera intonationen och när du spelar modern musik är de praktiskt taget oumbärliga.

För barn- eller småhänder finns plastpluggar som vid behov tillfälligt kan stänga alla eller några av ventilerna på instrumentet.

Två typer av knä kan användas på den stora flöjten: C-knäet eller B-knäet. På en flöjt med ett knä till är det lägre ljudet upp till första oktaven, på flöjter med ett knä av si - si av en liten oktav, respektive. Knä si påverkar ljudet av instrumentets tredje oktav, och gör också instrumentet något tyngre i vikt. Det finns en "gizmo"-spak på B-knäet, som dessutom bör användas vid fingersättning upp till fjärde oktaven.

Många flöjter har den så kallade mi-mekaniken. Den uppfanns i början av 1900-talet samtidigt, oberoende av varandra, av den tyske mästaren Emil von Rittershausen och den franske mästaren Jalma Julio för att göra det lättare att ta och förbättra intonationen av tonen E i den tredje oktaven . Många professionella flöjtister använder inte e-mekanik, eftersom goda instrumentala färdigheter gör det enkelt att plocka detta ljud utan dess hjälp. Det finns också alternativ till mi-mekanik - en platta som täcker hälften av det inre hålet i (andra paret) saltventilen, utvecklad av Powell, samt ett parventilsalt i reducerad storlek, utvecklat av Sankyo (används inte i stor utsträckning främst pga. till estetiska överväganden). På räfflor i det tyska systemet krävs inte mi-mekanik funktionellt (ventilpar G separeras initialt).

Enligt metoden för ljudproduktion tillhör flöjten de labiala instrumenten. Flöjtisten blåser en luftstråle mot framkanten av embouchurehålet. Luftflödet från musikerns läppar korsar det öppna embouchurehålet och träffar dess ytterkant. Således delas luftströmmen ungefär på mitten: inuti verktyget och utåt. En del av luften som fångas inuti instrumentet skapar en ljudvåg (kompressionsvåg) inuti flöjten, fortplantar sig till den öppna ventilen och återvänder delvis tillbaka, vilket får röret att resonera. En del av luften som har kommit utanför instrumentet orsakar lätta övertoner som vindbrus, som, när de är rätt inställda, bara hörs för artisten själv, men blir omöjliga att urskilja på flera meters avstånd. Tonhöjden ändras genom att ändra hastigheten och riktningen för lufttillförseln av stödet (bukmusklerna) och läpparna, samt genom att fingersätta.

På grund av flöjtens akustiska karaktär tenderar den att sjunka i tonhöjd när man spelar piano (särskilt i det nedre registret) och stiga i ton när man spelar forte (särskilt i det övre registret). Temperaturen i rummet påverkar också intonationen - mer än låg temperatur sänker instrumentets tonhöjd, en högre respektive ökar den.

Verktyget trimmas genom att flytta huvudet ut ur verktygets kropp (ju mer huvudet dras ut, desto längre och följaktligen blir verktyget lägre). Denna stämningsmetod har sina nackdelar jämfört med strängar eller klaviaturinstrument- när huvudet dras ut rubbas förhållandet mellan instrumentets hål och oktaverna upphör att bygga med varandra. När huvudet förlängs med mer än en centimeter (vilket sänker instrumentets tonhöjd med nästan en halvton) ändrar flöjtens klang klang och blir likt ljudet från barocka träinstrument.

Flöjten är ett av de mest virtuosa och tekniskt rörliga blåsinstrumenten. Hennes framträdande är typiskt för skalapassager i högt tempo, arpeggios, hopp med breda mellanrum. Mer sällan tilldelas flöjten långa cantilena-episoder, eftersom andedräkten på den förbrukas snabbare än på andra träblåsare. Triller låter bra i hela intervallet (med undantag för några triller vid de lägsta ljuden). Svag punkt instrument är dess relativt lilla omfång i dynamik - skillnaden mellan piano och forte i första och andra oktav är cirka 25 dB, i det övre registret inte mer än 10 dB. Flöjtister kompenserar för denna brist genom att ändra färgen på klangen, såväl som på andra sätt. musikalisk uttrycksfullhet. Instrumentets räckvidd är uppdelad i tre register: nedre, mellersta och övre. Piano och legato är relativt lätta att spela i det lägre registret, men forte och staccato kräver mogen skicklighet. Mellanregistret är minst rikt på övertoner, det låter ofta tråkigt, så det används lite för cantilena-melodier. I det övre registret är det lätt att spela forte, att bemästra pianot i tredje oktaven kräver flera års träning på instrumentet. Att börja från den fjärde oktaven till skarp, tyst extraktion av ljud blir omöjlig.

Färgen på klangen och skönheten i ljudet på flöjten beror på många faktorer i produktionen och skickligheten hos artisten - en viktig roll spelas av en öppen hals, ett ganska öppet hål i instrumenthuvudet (vanligtvis 2/3) ), instrumenthuvudets korrekta position i förhållande till läpparna, luftströmmens exakta riktning, samt skicklig kontroll av mängden och hastigheten på lufttillförseln med hjälp av "stödet" (en uppsättning bukmuskler, en del av de interkostala musklerna och en del av ryggmusklerna som påverkar diafragmans arbete).

Flöjten har ett brett utbud av speltekniker. Dubbel (stavelser tou-ku) och trippel (stavelser tou-ku-tu tou-ku-tu) staccato används överallt. Börjar med sent XIX- början av 1900-talet, för specialeffekter, används frulato-tekniken - spelar instrumentet samtidigt med uttalet av ett ljud, som "trr" med spetsen av tungan eller halsen. Frulatotekniken användes först av Richard Strauss i symfonisk dikt"Don Quijote" (1896 - 1897).

Under 1900-talet uppfanns många ytterligare tekniker och tekniker:

Multiphonics är extraktion av två eller flera ljud samtidigt med hjälp av speciell fingersättning. Det finns speciella multifoniska tabeller för att hjälpa kompositörer och artister, till exempel i Pierre Yves Artauds eller Robert Dicks böcker.

Visslingstoner - påminner om en tyst visselpipa. Hämtas med öronkudden helt avslappnad och strålen riktad över den plats där det önskade ljudet normalt skulle vara.

"Tangram" är ett kort ljud som liknar en klapp. Den tas bort med instrumentets öronkudde helt stängd av läpparna med hjälp av en snabb rörelse av tungan. Det låter en stor sjundedel under fingersättningen som artisten använder.

"Jet whistle" - en klingande luftstråle (utan ljud), som snabbt ändrar tonhöjd från topp till botten eller från botten till topp, beroende på kompositörens instruktioner. Den extraheras med instrumentets öronkudde helt stängd med läpparna, med en stark utandning och uttal av en stavelse som liknar "fuit".

Det finns andra metoder för modern teknik - knacka med ventiler, leka med en spik utan ljud, sjunga samtidigt som ljud extraheras och andra.