Samtida japansk konst. CraftsGirl

Den moderna japanska konstscenen verkar vara helt globaliserad. Konstnärer reser mellan Tokyo och New York, nästan alla fick europeisk eller amerikansk utbildning, de berättar om sitt arbete på internationell konst engelska. Denna bild är dock långt ifrån komplett.

Nationella former och trender har visat sig vara en av de mest eftertraktade föremålen Japan har att erbjuda till världsmarknaden. konstnärliga idéer och fungerar.

flygplansdrift. Hur superplatt kombinerar amerikansk nördkultur och traditionell japansk målning

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Om i västvärlden för nästan alla (förutom kanske de mest ivrig postmoderna teoretiker) gränsen mellan hög och populärkulturär fortfarande relevant, om än problematiskt, i Japan är dessa världar totalt blandade.

Ett exempel på detta är Takashi Murakami, som framgångsrikt kombinerar utställningar i världens bästa gallerier och streamingproduktion.

Inspelning av turnén i Murakami-utställningen "Det kommer att bli mildt regn"

Murakamis förhållande till populärkulturen – och för Japan är detta i första hand kulturen för manga- och animefans (otaku) – är dock mer komplicerat. Filosofen Hiroki Azuma kritiserar förståelsen av otaku som ett autentiskt japanskt fenomen. Otaku anser sig vara direkt kopplade till traditionerna från Edo-perioden på 1600- och 1800-talen - isolationismens era och förkastandet av modernisering. Azuma hävdar att otaku-rörelsen är baserad på manga, animation, grafiska romaner, datorspel- kunde ha uppstått endast i samband med efterkrigstidens amerikanska ockupation som ett resultat av importen av amerikansk kultur. Murakamis och hans anhängares konst återuppfinner otaku med popkonsttekniker och avlivar den nationalistiska myten om traditionens autenticitet. Den representerar en "återamerikanisering av den japanska amerikanska kulturen."

Ur konsthistorisk synvinkel ligger superflat närmast det tidiga Japansk målning ukiyo-e. Mest berömt verk i denna tradition - gravyr" En stor våg i Kanagawa" av Katsushiki Hokusai (1823-1831).

För västerländsk modernism var upptäckten av japansk måleri ett genombrott. Det gjorde det möjligt att se bilden som ett plan och försöker inte övervinna denna egenhet, utan att arbeta med den.

Katsushiki Hokusai. "Den stora vågen utanför Kanagawa"

Pionjärer inom prestanda. Vad betyder japansk konst från 1950-talet idag

Dokumentation kreativ process Akira Kanayama och Kazuo Shiragi

Superflat tog form först på 2000-talet. Men de konstnärliga handlingar som är betydelsefulla för världskonsten började i Japan mycket tidigare - och till och med tidigare än i väst.

Den performativa vändningen i konsten ägde rum vid 60- och 70-talens skiftning under förra sekelskiftet. I Japan dök föreställningen upp på femtiotalet.

För första gången har Gutai-gruppen flyttat fokus från skapandet av självförsörjande objekt till processen för deras produktion. Härifrån - ett steg till att överge konstobjektet till förmån för en tillfällig händelse.

Även om enskilda konstnärer från Gutai (och det fanns 59 av dem på tjugo år) aktivt existerade i det internationella sammanhanget, och förstod japanska som deras kollektiva aktivitet efterkrigskonst i allmänhet började i väst ganska nyligen. Uppsvinget kom 2013 med flera utställningar i små gallerier i New York och Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde på MoMA, och den massiva historiska retrospektivet Gutai: Splendid Playground på Guggenheim Museum. Moskvaimporten av japansk konst verkar vara en nästan försenad fortsättning på denna trend.

Sadamasa Motonaga. Arbete (vatten) på Guggenheimmuseet

Det är slående hur moderna dessa retrospektiva utställningar ser ut. Till exempel är det centrala föremålet för utställningen på Guggenheim-museet rekonstruktionen av Work (Water) av Sadamasa Motonaga, där nivåerna på museirotundan är förbundna med polyetenrör med färgat vatten. De påminner om penseldrag som har rivits av duken och exemplifierar Gutais centrala fokus på "konkrethet" (översatt från japanskt namn grupper), materialiteten hos de föremål som konstnären arbetar med.

Många medlemmar av Gutai fick en utbildning relaterad till klassisk nihongamålning, många är biografiskt kopplade till zenbuddhismens religiösa sammanhang, till dess karakteristiska japanska kalligrafi. Alla hittade de ett nytt, procedurmässigt eller deltagande förhållningssätt till gamla traditioner. Kazuo Shiraga har filmat hur han ritar sina anti-Rauschenberg-monokromer med fötterna och till och med skapat målningar offentligt.

Minoru Yoshida förvandlade blommor från japanska tryck till psykedeliska föremål - ett exempel på detta är den bisexuella blomman, en av de första kinetiska (rörliga) skulpturerna i världen.

Kuratorerna för utställningen på Guggenheimmuseet berättar om den politiska betydelsen av dessa verk:

"Gutai visade vikten av fritt individuellt agerande, demolering av publikens förväntningar och till och med dumhet som sätt att motverka den sociala passivitet och konformitet som under decennier tillät en militaristisk regering att få en kritisk massa av inflytande, invadera Kina och sedan gå med i andra världskriget."

Bra och klokt. Varför artister lämnade Japan för Amerika på 1960-talet

Gutai var undantaget från regeln i efterkrigstidens Japan. Avantgardegrupperna förblev marginella, konstvärlden var strikt hierarkisk. Det huvudsakliga sättet till erkännande var deltagande i tävlingar som hölls av erkända sammanslutningar av klassiska konstnärer. Därför föredrog många att åka till väst och integrera sig i det engelskspråkiga konstsystemet.

Det var särskilt svårt för kvinnor. Inte ens i den progressiva Gutai nådde andelen av deras närvaro inte ens en femtedel. Vad kan vi säga om traditionella institutioner, för tillgång till vilka det var nödvändigt specialundervisning. På sextiotalet hade flickor redan förvärvat rätten till det, men att lära sig konst (om det inte handlade om dekorativt, vilket var en del av färdighetsuppsättningen ryosai kenbo- en god hustru och en klok mor) var ett socialt ogillat yrke.

Yoko Ono. skär bit

Berättelsen om emigrationen av fem mäktiga japanska kvinnliga konstnärer från Tokyo till USA var föremål för Midori Yoshimotos studie "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi och Shigeko Kubota bestämde sig i början av sina karriärer för att åka till New York och arbetade där, bland annat med moderniseringen av traditionerna för japansk konst. Bara Yoko Ono växte upp i USA - men hon vägrade också medvetet att återvända till Japan, efter att ha blivit desillusionerad av Tokyos konstnärliga hierarki under sin korta vistelse 1962-1964.

Ono blev den mest kända av de fem - inte bara som fru till John Lennon, utan också som författare till proto-feministiska föreställningar dedikerade till objektifiering. kvinnlig kropp. Det finns uppenbara paralleller mellan Cut Piece It, där publiken kunde klippa av bitar av artistens kläder, och "Rhythm 0" av "prestationens mormor" Marina Abramović.

På korta ben. Hur man klarar författarens skådespelarutbildning Tadashi Suzuki

När det gäller Ono och Gutai blev metoderna och teman för deras arbete, separerade från författarna, internationellt betydelsefulla. Det finns andra former av export - när konstnärens verk uppfattas med intresse på den internationella arenan, men lån av själva metoden sker inte på grund av dess specificitet. Det mest slående fallet är Tadashi Suzukis skådespelarträningssystem.

Suzuki-teatern är älskad även i Ryssland - och det är inte förvånande. Förra gången han var med oss ​​2016 med framförandet av De trojanska kvinnorna baserat på Euripides texter, och på 2000-talet kom han flera gånger med produktioner av Shakespeare och Tjechov. Suzuki överförde pjäsens handling till det aktuella japanska sammanhanget och erbjöd icke-uppenbara tolkningar av texterna: han upptäckte antisemitismen i Ivanov och jämförde den med japanernas föraktfulla inställning till kineserna, överförde kung Lears handling till ett japanskt dårhus.

Suzuki byggde sitt system i opposition till det ryska teaterskola. I sent XIXårhundradet, under den så kallade Meiji-perioden, upplevde det moderniserande kejserliga Japan uppkomsten av oppositionsrörelser. Resultatet blev en storskalig västernisering av en tidigare extremt sluten kultur. Bland de importerade formerna var Stanislavsky-systemet, som fortfarande finns kvar i Japan (och i Ryssland) en av de viktigaste styrmetoderna.

Suzuki övningar

På sextiotalet, när Suzuki började sin karriär, spred sig tesen mer och mer att japanska skådespelare på grund av sina kroppsdrag inte kunde vänja sig vid roller från västerländska texter som fyllde den dåvarande repertoaren. Den unga regissören lyckades erbjuda det mest övertygande alternativet.

Suzukis övningssystem, som kallas bengrammatik, innehåller dussintals sätt att sitta på, och ännu fler att stå och gå.

Hans skådespelare spelar oftast barfota och verkar, genom att sänka tyngdpunkten, så hårt bundna till marken som möjligt, tunga. Suzuki lär dem och utländska artister sin teknik i byn Toga, i gamla japanska hus fyllda med modern utrustning. Hans trupp ger bara cirka 70 föreställningar om året, och resten av tiden lever han, nästan utan att lämna byn och inte ha tid för personliga angelägenheter - bara arbete.

Toga Center dök upp på 1970-talet och designades på uppdrag av direktören av den världsberömda arkitekten Arata Isozaka. Suzukis system kan verka patriarkalt och konservativt, men han talar själv om Toga i moderna termer av decentralisering. Redan i mitten av 2000-talet förstod Suzuki vikten av att exportera konst från huvudstaden till regionerna och organisera lokala produktionsplatser. Enligt regissören liknar den japanska teaterkartan på många sätt den ryska - konsten är koncentrerad till Tokyo och några mindre stora centra. rysk teater ett företag som regelbundet åker på turné i små städer och är baserat långt från huvudstaden skulle inte heller skada.

SCOT Company Center i Toga

Blomsterstigar. Vilken resurs upptäckte modern teater i noh och kabuki system

Suzukimetoden växer ur två gamla japanska traditioner – men också kabuki. Det är inte bara så att dessa typer av teater ofta karakteriseras som konsten att gå, utan också i mer påtagliga detaljer. Suzuki följer ofta regeln om utförande av alla roller av män, använder karakteristiska rumsliga lösningar, till exempel hanamichi ("blommornas väg") av kabuki-mönstret - en plattform som sträcker sig från scenen till djupet hörsal. Han utnyttjar också ganska igenkännliga symboler som blommor och rullar.

Naturligtvis i globala världen Inte det pratas om japanernas privilegium att använda sina nationella former.

Teatern för en av vår tids mest betydande regissörer, amerikanen Robert Wilson, byggdes på lån från men.

Han använder inte bara masker och smink som påminner masspubliken om Japan, utan lånar också sätten att agera baserat på den maximala avmattningen av rörelsen och gestens självförsörjande uttrycksförmåga. Kombinera traditionella och rituella former med banbrytande ljusmusik och minimalistisk musik (en av de mest kända verk Wilson - en produktion av Philip Glass opera "Einstein on the Beach"), producerar Wilson i huvudsak den syntes av ursprung och relevans som mycket av modern konst strävar efter.

Robert Wilson. "Einstein på stranden"

Från no och kabuki växte en av pelarna modern dans- buto, ordagrant översatt - mörkrets dans. Butoh, som uppfanns 1959 av koreograferna Kazuo Ono och Tatsumi Hijikata, som också drog på en låg tyngdpunkt och koncentration på fötterna, handlade om att föra in reflektioner från traumatiska krigsupplevelser till den kroppsliga dimensionen.

"De visade kroppen sjuk, kollapsande, till och med monstruös, monstruös.<…>Rörelserna är antingen långsamma, eller medvetet skarpa, explosiva. För detta används en speciell teknik, när rörelsen utförs som utan att involvera huvudmusklerna, på grund av skelettets benhävarmar”, skriver danshistorikern Irina Sirotkina in butoh i historien om kroppens befrielse, förbinder det med avvikelsen från balettnormativiteten. Hon jämför butoh med praktikerna hos dansare och koreografer under det tidiga 1900-talet - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman talar om inflytandet på senare "postmodern" dans.

Ett fragment av dansen av Katsura Kana, den moderna efterträdaren till butoh-traditionen

Idag är butoh i sin ursprungliga form inte längre en avantgardistisk praxis, utan en historisk rekonstruktion.

Rörelseordboken som utvecklats av Ohno, Hijikata och deras anhängare förblir dock en värdefull resurs för samtida koreografer. I väst används den av Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky och till och med i videon till "Belong To The World" av The Weekend. I Japan är efterträdaren till butoh-traditionen till exempel Saburo Teshigawara, som kommer till Ryssland i oktober. Även om han själv förnekar paralleller med mörkrets dans, hittar kritiker ganska igenkännliga tecken: en till synes benlös kropp, skörhet, ljudlöst steg. Visserligen är de redan placerade i kontexten av postmodernistisk koreografi – med sitt höga tempo, körningar, arbete med postindustriell noisemusik.

Saburo Teshigawara. metamorfos

Lokalt globalt. Hur liknar samtida japansk konst västerländsk konst?

Teshigawaras och många av hans kollegors verk passar organiskt in i programmen för de bästa västerländska samtida dansfestivalerna. Om du skummar igenom beskrivningarna av föreställningar och föreställningar som visades på festivalen / Tokyo - den största årliga föreställningen av japansk teater, kommer det att vara svårt att märka grundläggande skillnader från europeiska trender.

Ett av de centrala teman är platsspecificitet - japanska konstnärer utforskar Tokyos utrymmen, allt från klumpar av kapitalism i form av skyskrapor till marginella områden med otakukoncentration.

Ett annat ämne är studiet av intergenerationella missförstånd, teater som en plats för levande möte och organiserad kommunikation av människor. olika åldrar. Projekt tillägnad henne av Toshika Okada och Akira Tanayama togs till Wien flera år i rad till en av de viktigaste europeiska scenkonstfestivalerna. Det fanns inget nytt i överföringen av dokumentärt material och personliga berättelser till scenen i slutet av 2000-talet, men intendenten för Wienfestivalen presenterade dessa projekt för allmänheten som en möjlighet för levande, punkt-till-punkt-kontakt med en annan kultur.

En annan huvudlinje är att arbeta igenom den traumatiska upplevelsen. För japanerna förknippas det inte med Gulag eller Förintelsen, utan med bombningarna av Hiroshima och Nagasaki. Teatern hänvisar ständigt till honom, men det mest kraftfulla uttalandet om atomexplosioner som ögonblicket för tillkomsten av alla moderna japansk kultur tillhör fortfarande Takashi Murakami.

till utställningen "Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture"

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" är dess namn kuratorprojekt visades i New York 2005. "Little Boy" - "baby" på ryska - namnet på en av bomberna som släpptes över Japan 1945. Genom att samla hundratals mangaserier från ledande illustratörer, distinkta vintageleksaker, varor inspirerade av berömd anime från Godzilla till Hello Kitty, har Murakami drivit koncentrationen av söthet - kawaii - till det yttersta i museets utrymme. Parallellt lanserade han ett urval av animationer där centrala bilder det fanns bilder på explosioner, bar jord, förstörda städer.

Denna opposition var det första stora uttalandet om infantiliseringen av japansk kultur som ett sätt att hantera posttraumatiskt stressyndrom.

Nu verkar denna slutsats redan uppenbar. En akademisk studie av kawaii av Inuhiko Yomota bygger på den.

Det finns också senare traumatiska triggers. Av de viktigaste - händelserna den 11 mars 2011, jordbävningen och tsunamin som ledde till en stor olycka vid kärnkraftverket i Fukushima. På Festival/Tokyo-2018 ägnades ett helt program med sex föreställningar åt att förstå konsekvenserna av en naturkatastrof och en teknisk katastrof; de blev också temat för ett av verken som presenterades på Solyanka. Detta exempel visar tydligt att arsenalen kritiska metoder Västerländsk och japansk konst är inte fundamentalt olika. Haruyuki Ishii skapar en installation av tre tv-apparater som loopar igenom höghastighetsredigerade och loopade filmer från tv-program om jordbävningen.

"Verket består av 111 videor som konstnären tittade på varje dag i nyheterna tills det ögonblick då allt han såg inte längre uppfattades som fiktion", förklarar curatorerna. "New Japan" är ett uttrycksfullt exempel på hur konsten inte motsätter sig tolkning utifrån nationella myter, men samtidigt kritiskt öga finner att samma tolkning kan vara relevant för konst av vilket ursprung som helst. Kuratorerna talar om kontemplation som grunden för den japanska traditionen och bygger på citat från Lao Tzu. Samtidigt, som om att lämna utanför parentes att nästan alla modern konst fokuserat på ”observatörseffekten” (som utställningen heter) – vare sig det är i form av att skapa nya sammanhang för uppfattningen av välbekanta fenomen eller i att väcka frågan om möjligheten till adekvat perception som sådan.

Imagined Communities - ett annat verk av videokonstnären Haruyuki Ishii

Spel

Man ska dock inte tro att 2010-talets Japan är en koncentration av progressivitet.

Den gamla goda traditionalismens vanor och kärleken till orientalistisk exotism har ännu inte överlevts. "The Theatre of Virgins" är titeln på en ganska beundrande artikel om den japanska teatern "Takarazuka" i den ryska konservativa tidningen "PTJ". Takarazuka dök upp i slutet av 1800-talet som ett affärsprojekt för att locka turister till en avlägsen stad med samma namn, som av misstag blev slutpunkten för en privat järnväg. Spelar bara på teater ogifta flickor, som enligt järnvägens ägare skulle locka manliga åskådare till staden. Idag fungerar Takarazuka som en industri – med en egen TV-kanal, tät konsertprogram, även den lokala nöjesparken. Men bara ogifta tjejer har fortfarande rätt att vara med i truppen - låt oss hoppas att de inte kollar oskulden åtminstone.

Takarazuka bleknar dock i jämförelse med Toji Deluxe-klubben i Kyoto, som japanerna också kallar teater. De visar helt vilda, att döma av beskrivning New Yorkers krönikör Ian Buruma, stripteaseshow: flera nakna tjejer på scenen förvandlar demonstrationen av könsorganen till en offentlig ritual.

Som många konstnärliga praktiker, denna föreställning är baserad på uråldriga legender (med hjälp av ett ljus och ett förstoringsglas kunde männen från publiken turas om att utforska "modergudinnan Amaterasus hemligheter"), och författaren själv påmindes om noh-traditionen .

Sök Västerländska motsvarigheter för "Takarazuki" och Toji kommer vi att lämna det till läsaren - det är inte svårt att hitta dem. Vi noterar bara att en betydande del av modern konst är inriktad just på att bekämpa sådana förtrycksmetoder - både västerländska och japanska, allt från superplatt till butohdans.

Inlägget är reklam, men intrycken, texten och bilderna är deras egna.

Samtidskonsten är svår att bedöma eller värdera, eftersom den till en början tar sig bortom denna möjlighet. Det är bra att det finns Alexey Lifanov , som, även om han inte är en japansk expert, förstår konst bättre än jag. Vem, om inte Alexei, skulle hjälpa mig att förstå vad jag såg?
Ja, japanerna är konstiga människor. Intryck från utställningen på Gogol Boulevard.

Utställningarna på utställningen "Dubbelt perspektiv" kan villkorligt delas upp i tre delar (enligt de ämnen som författarna tagit upp). Den första ägnas åt individen och staten, ideologins roll i Integritet, samhällets diktat över individen. Det andra temat är relaterat: människan och hennes inflytande på naturen (och till och med inom ramen för en utställning blandade artister uttryckte diametralt motsatta åsikter. Det tredje ämnet är rent japanskt och är tillägnat ideologin "loli" och andra efebofila saker som blomstrar i det japanska samhället.

1. Verken av Kenji Yanobe är inblandade i postapokalyptisk estetik, medan det bör noteras utan någon "stalkerism". Hans arbete är mycket naivt på metodnivå. "Solens barn" är en storskalig och berörande skulptur. Vilken typ av person bör vara för att stå emot den teknogena världen - djärv, beslutsam eller direkt och naiv?

3. Fortsättning av temat i en ännu mer överdrivet naiv stil.

4. Motohiko Odani pratar om puberteten, sexualiteten och dess psykologi. Mittemot denna skulptur finns en mycket mer uttrycksfull videoinstallation, men du måste se den med dina egna ögon.

5. Makoto Aida utvecklar temat. Ett bonsaiträd med flickaktiga huvuden är en hyperbolisk symbol för pervers kärlek. Symboliken är transparent och behöver knappast förklaras.

6. Ett annat av hans verk "Elever i hara-kiri-skolan". Grafiskt är det helt enkelt fantastiskt.

7. Fortsättning på "barnens" tema från Yoshimoto Naro. Barnansikten och icke-barnsliga känslor.

8. Takahiro Iwasaki skapade ett mycket villkorligt diorama av en viss stad från alla möjliga sorters skräp. Stadens estetik, som egentligen är en soptipp, är ingen ny idé, utan intressant genomförd.

10. Målningar av Tadanori Yokoo - ett collage av anspelningar, citat och arketyper. Samtidigt är färgen helt enkelt fantastisk.

11. Yayoi Kusama vände sig till den existentiella estetiken av vara och icke-vara, och skapade ett rum där rymden går sönder och faller isär.

12. Yasumasa Morimura gjorde en parodi på en parodi. Han föreställer inte alls Adolf Hitler, som det kan tyckas, utan Ginkels adenoid – en karaktär från Chaplins film "Den store diktatorn". Resten av hans verk är redan tillägnade de närmaste härskarna och diktatorerna, men kärnan är klar - hotet om en total ideologi.

13. Det är få åskådare, men de som är diskuterar mycket entusiastiskt vad de har sett. Generellt verkar det som att besökarna verkligen gillar det som händer.

14. Det här är chefen för George Bush. George Bush sjunger USA:s hymn. Tanken är enkel att förstå - om invasionen av ideologi och staten, även i en persons personliga utrymme.

15. Rats-Pokemon. Min favoritdel.

16. En del av utställningen - fotografier. Ibland intressant, ibland för intimt för att förstå.

18. Fotografier av Toshio Shibata. Här löses idén om människans och naturens harmoniska samexistens i form av fotografier, estetiskt mycket närmare abstraktion än realism - en sådan väljusterad geometri och komposition.

19. En av hälsningarna till Lenin.

Utställningarna skapades i alla fall för att gå på dem live, och inte för att se fotoreportage på bloggar. Många verk är helt omöjliga att utvärdera i statiskt och i storleken på ett skärmfoto. Därför är det bättre att gå till utställningen "Dubbelt perspektiv" själv.

Projektpartnern Sony håller i en tävling och lottar ut en bärbar dator och andra priser! Om du går till utställningen, se till att ta bilder på utställningarna och skriv ditt korta intryck. Dela för att vara med i tävlingen

Det kommer att finnas en utställning av samtida japansk konst "Double Perspective".

1. Det finns många ovanliga saker i japansk samtidskonst. Till exempel är dessa målningar av Izumi Kato gjorda för hand, utan att använda en pensel.

2. Vid första anblicken kan det verka som att det här är vanliga glödlampor. Men det här är att jobba med djup mening tillägnad den 38:e breddgraden, som skiljer Nord- och Sydkorea åt.

3. Naturligtvis finns det i varje verk någon djup mening som inte ligger på ytan, men även om du inte hittar den kan du helt enkelt beundra, till exempel, skönheten i denna skickligt gjorda ros.

4. detta är Kenji Yanobes verk om hur en person kan överleva världens ände

6. Detta är hans mest kända verk "Child of the Sun" skapat efter olyckan vid Fukushima kärnkraftverk.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. detta är också modern japansk konst

10. intersny projekt "Lenin eftersöks i Moskva lägenheter". Yoshinori Niva sökte igenom muskoviters hus efter bevarade föremål relaterade till Lenins personlighet. Det märkligaste är att detta inte gjordes av en ryss, utan av en japan.

14. För detta arbete användes förresten uppstoppade riktiga råttor.

15. Dessa bilder visar människors rädsla

En intressant utställning pågår i Hermitage - Modern Art of Japan "MONO-NO AWARE. The Charm of Things".

Att säga att jag är ett fan av samtidskonst – det kan jag inte. Jag gillar det bättre när det finns något att titta på (upptagen grafik, eller konst och hantverk, etno är mitt allt). Att beundra skönheten i ett rent koncept är inte alltid kul för mig. (Malevich, förlåt! Jag gillar inte Black Square!)

Men idag kom jag till den här utställningen!

Precious, om du är i S:t Petersburg, konstintresserad och inte har varit där än, då kommer utställningen att vara till den 9 februari! Gå, för det är intressant!

Begrepp övertygar mig lite, som jag skrev ovan. Jag trodde på något sätt att under ett år av att besöka moderna utställningar, verkar ett och annat föremål som mest roligt för mig. Och många saker berör mig inte så mycket att jag tycker synd om den tid jag spenderat. Men det är i vilken genre som helst, i vilken konst som helst, procentandelen av förhållandet mellan talang och medelmåttighet, det är bra om det är en av tio! Men jag gillade den här showen.

Japanska skapelser placerades i generalstabens utställningshallar. Den första installationen som möter besökarna är en otrolig labyrint fylld med salt på golvet. Grått golv, vitt salt, otroligt snyggt markerat utrymme, invävt i ett fält. Stor showroom, och en vit prydnad spred sig över golvet som en fantastisk loach. Och du förstår hur tillfällig denna konst är. Utställningen stänger, labyrinten kommer att sopas bort med en kvast. Jag såg en gång filmen "Little Buddha". Och där, i början, lade en buddhistisk munk ut en komplex prydnad från färgad sand. Och i slutet av filmen gjorde munken en skarp rörelse med sin pensel och det titaniska arbetet försvann i vinden. Det var, sedan hopp, och nej. Och det står, uppskatta skönheten här och nu, allt är flyktigt. Så denna labyrint av salt, den går i dialog med dig, du börjar svara på frågorna som han ställer dig inför. Konstnären är Motoi Yamamoto.

Jaja! Det här är en så stor labyrint, kände du skalan?

Det andra föremålet som fängslar är den enorma kupolen gjord av polyeten och svart harts av Yasuaki Onishi. Ovanligt beslutat utrymme. På de svarta tunnaste ojämna trådar av harts hänger, lätt rörliga, en kupol .... eller ett berg med en komplex relief. När du går in ser du ett brokigt mönster av prickar - platser där hartset fastnar. Det är roligt, som om det svarta regnet tyst faller, och du är under taket.

Hur kom denna teknik till? Roligt, eller hur? Men live ser det mer "levande" ut, kupolen svajar något av brisen som skapas av förbipasserande besökare. Och det finns en känsla av din interaktion med föremålet. Du kan gå in i "grottan", se inifrån hur det är!

Men för att inte få intrycket av att allt bara var svartvitt kommer jag att lägga upp ett par bilder till av kompositionen här, gjorda av ringar som är sammankopplade. Så färgade roliga plastlockar! Och du kan också gå igenom det här rummet, innanför bågarna, eller så kan du titta på allt utifrån.

Dessa föremål är min favorit. Naturligtvis kommer snart konceptuell samtidskonst att bli annorlunda, i samklang med den nya tiden. Det kommer inte att återgå till det gamla och kommer inte att förbli som det är nu. Det kommer att förändras. Men för att förstå vad som var, var bäcken forsade och vad och var den kommer ifrån måste du veta vad som händer nu. Och sky det inte nej, konceptet är inte för mig, utan försök se det och utvärdera det. Det finns få talanger, som alltid, men de finns där. Och om utställningsföremålen ger genklang, då är inte allt förlorat!!!