ศิลปินของญี่ปุ่น - ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน สารานุกรมโรงเรียนศิลปะญี่ปุ่น

อาร์เตลิโน่

« คลื่นขนาดใหญ่ในคานางาวะ" โดย Katsushika Hokusai (1760-1849) เป็นงานแกะสลักที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งและเป็นแผ่นแรกของชุดภาพทิวทัศน์ฟูจิ 36 ภาพ ในช่วงต้นทศวรรษ 1830 Katsushika Hokusai ซึ่งได้รับมอบหมายจากสำนักพิมพ์ Eijudo ได้เริ่มสร้างชุดจำนวน 46 แผ่น (หลัก 36 แผ่นและเพิ่มเติม 10 แผ่น) และ The Great Wave off Kanagawa เป็นงานแกะสลักที่เปิดทั้งชุด

คอลเลกชันของงานแกะสลักดังกล่าวให้บริการแก่ชาวเมืองในยุคนั้นเป็น " การเดินทางเสมือนจริง” วิธีตอบสนองความอยากรู้ - สะดวกและราคาไม่แพง ภาพพิมพ์ที่เหมือนฟูจิมีราคาประมาณ 20 จันทร์ ซึ่งเท่ากับบะหมี่สองส่วนในร้านอาหารญี่ปุ่นสมัยนั้น อย่างไรก็ตาม ความสำเร็จนั้นยิ่งใหญ่มาก จนในปี 1838 ราคาผ้าปูที่นอนของ Hokusai เพิ่มขึ้นเป็นเกือบ 50 จันทร์ และหลังจากการมรณกรรมของอาจารย์ Wave เพียงอย่างเดียวก็ได้รับการพิมพ์ซ้ำจากกระดานใหม่มากกว่า 1,000 ครั้ง

เป็นเรื่องน่าแปลกใจที่แม้เนื้อหาของซีรีส์ทั้งหมดจะกล่าวถึง แต่ Fuji in The Wave ก็เล่นได้เหมือนกัน บทบาทรอง. หัวหน้า " นักแสดงชาย” บนภาพสลักนี้เป็นคลื่น และในเบื้องหน้าฉากอันน่าทึ่งของการต่อสู้ของมนุษย์กับองค์ประกอบต่าง ๆ ก็เผยออกมา ขอบของยอดโฟมดูเหมือนนิ้วที่บิดเบี้ยวของปีศาจที่โกรธเกรี้ยวที่ยอดเยี่ยม และการไร้ใบหน้าและไร้การใช้งานของร่างมนุษย์ในเรือทำให้ไม่ต้องสงสัยเลยว่าใครจะเป็นผู้ชนะในการต่อสู้ครั้งนี้ อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่การเผชิญหน้าที่เป็นความขัดแย้งที่สร้างโครงเรื่องของการแกะสลัก
ด้วยการหยุดช่วงเวลาที่เรือล่ม โฮะคุไซทำให้ผู้ชมมองเห็นฟูจิชั่วครู่กับท้องฟ้าสีเทาที่มืดลงตรงขอบฟ้า แม้ว่าช่างแกะสลักชาวญี่ปุ่นจะคุ้นเคยกับหลักการของมุมมองเชิงเส้นและมุมมองทางอากาศของยุโรปอยู่แล้ว แต่พวกเขาก็ไม่รู้สึกว่าจำเป็นต้องใช้เทคนิคนี้ พื้นหลังสีเข้มตลอดจนการเดินทางไกลของสายตาจากเบื้องหน้าด้วยเรือผ่านคลื่นที่เคลื่อนตัวไปยังภูเขาไฟฟูจิ โน้มน้าวสายตาว่า ภูเขาศักดิ์สิทธิ์ทะเลแยกจากเรา

ภูเขาไฟฟูจิตั้งตระหง่านอยู่ห่างไกลจากฝั่งเพื่อเป็นสัญลักษณ์ของความมั่นคงและความมั่นคง ซึ่งตรงกันข้ามกับองค์ประกอบที่มีพายุ ความเป็นเอกภาพและการพึ่งพาซึ่งกันและกันของสิ่งที่ตรงกันข้ามเป็นรากฐานของแนวคิดเรื่องระเบียบจักรวาลและความกลมกลืนอย่างแท้จริงในโลกทัศน์ของตะวันออกไกล และพวกเขาเองที่กลายเป็นประเด็นหลักของการแกะสลัก "The Great Wave off Kanagawa" ซึ่งเปิดซีรีส์โดย คัตสึชิกะ โฮคุไซ.

"ความงาม Nanivaya Okita" โดย Kitagawa Utamaro, 1795-1796

สถาบันศิลปะแห่งชิคาโก

Kitagawa Utamaro (1753-1806) สามารถเรียกได้อย่างถูกต้องว่าเป็นนักร้อง ความงามของผู้หญิงในการพิมพ์ภาษาญี่ปุ่น ukiyo-e: เขาสร้างภาพความงามแบบญี่ปุ่นจำนวนหนึ่ง ( บิจิงะ) - ผู้อาศัยในโรงน้ำชาและย่านบันเทิงโยชิวาระที่มีชื่อเสียงในเอโดะ เมืองหลวงของญี่ปุ่น เอโดะ — ชื่อของโตเกียวก่อนปี 1868.

ในการแกะสลักบิจินกะ ทุกสิ่งไม่ใช่สิ่งที่ผู้ดูสมัยใหม่ดูเหมือน ตามกฎแล้วสตรีผู้สูงศักดิ์ที่แต่งตัวหรูหรามีส่วนร่วมในงานฝีมือที่น่าละอายและเป็นของชนชั้นล่างและการแกะสลักด้วยภาพเหมือนของความงามมีหน้าที่โฆษณาอย่างเปิดเผย ในเวลาเดียวกันการแกะสลักไม่ได้ให้ความคิดเกี่ยวกับรูปลักษณ์ของหญิงสาวและแม้ว่า Okita จากโรงน้ำชา Nanivaya ใกล้วัด Asakusa ถือเป็นความงามครั้งแรกของเอโดะ แต่ใบหน้าของเธอในการแกะสลักก็คือ ไร้ซึ่งความเป็นปัจเจกบุคคลโดยสิ้นเชิง

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 ภาพผู้หญิงในศิลปะญี่ปุ่นอยู่ภายใต้หลักการของความเรียบง่าย "เส้นตา จมูกงุ้ม" - เทคนิค ฮิเมะ-คากิฮานะอนุญาตให้ศิลปินระบุเพียงว่าผู้หญิงบางคนถูกพรรณนา: ในวัฒนธรรมดั้งเดิมของญี่ปุ่น ประเด็นเรื่องความงามทางกายภาพมักถูกละเว้น ในผู้หญิงที่มีตระกูลสูงค่า "ความงามของหัวใจ" และการศึกษามีค่ามากกว่ามากและผู้อยู่อาศัยในย่านที่ร่าเริงพยายามที่จะเลียนแบบตัวอย่างสูงสุดในทุกสิ่ง อุทามาโระกล่าวว่าโอคิตะมีความสวยงามอย่างแท้จริง

แผ่นงาน "Beauty Nanivaya Okita" พิมพ์ในปี พ.ศ. 2338-2339 ในซีรีส์เรื่อง "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets" ซึ่งนักเขียนคนหนึ่งในศตวรรษที่ 9 ได้กล่าวถึงความงามแต่ละอย่าง บนกระดาษที่มีรูปเหมือนของโอคิตะที่มุมซ้ายบนมีรูปของอาริวาระ โนะ นาริฮิระ (825-880) หนึ่งในกวีที่ได้รับความนับถือมากที่สุดในญี่ปุ่น ผู้ซึ่งนวนิยายเรื่องอิเสะ โมโนกาตาริมีที่มาจากนิยายดั้งเดิม ขุนนางผู้สูงศักดิ์และกวีที่เก่งคนนี้ก็มีชื่อเสียงในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของเขาซึ่งบางส่วนเป็นพื้นฐานของนวนิยายเรื่องนี้

แผ่นนี้เป็นการใช้เทคนิคเฉพาะ เลียนแบบ(การเปรียบเทียบ) ในการแกะสลักของญี่ปุ่น คุณสมบัติของ "ต้นแบบ" ที่มีอำนาจนั้นถูกถ่ายโอนไปยังความงามที่ปรากฎ และโสเภณีที่สง่างามซึ่งมีใบหน้าที่สงบเสงี่ยมพร้อมเสิร์ฟชาแก่แขก ผู้ชมอ่านอยู่แล้วว่าเป็นสตรีผู้มีทักษะในบทกวีและการกระทำเกี่ยวกับความรัก การเปรียบเทียบกับอาริวาระ โนะ นาริฮิระถือเป็นการยอมรับอย่างแท้จริงถึงความเหนือกว่าของเธอในหมู่สาวงามเอโดะ

ในขณะเดียวกัน อุทามาโระก็สร้างภาพลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ได้อย่างน่าประหลาดใจ สร้างสมดุลของจุดมืดและสว่างบนใบไม้และร่างโครงร่างด้วยเส้นสายที่ไพเราะและสง่างาม เขาสร้างภาพแห่งความสง่างามและความกลมกลืนที่สมบูรณ์แบบอย่างแท้จริง "การโฆษณา" ลดลง และความงามที่อุทามาโระจับได้นั้นยังคงไร้กาลเวลา

ภาพยนตร์เรื่อง "Irises" โดย Ogata Korin ในปี 1710

Wikimedia Commons / พิพิธภัณฑ์ Nezu โตเกียว

ม่านตาไก่ 6 แผงคู่หนึ่ง ซึ่งปัจจุบันเป็นสมบัติของชาติญี่ปุ่น สร้างขึ้นโดย Ogata Korin (1658-1716) ประมาณปี 1710 สำหรับวัด Nishi Hongan-ji ในเกียวโต

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ภาพวาดบนแผ่นผนังและฉากกั้นกระดาษได้กลายเป็นหนึ่งในแนวศิลปะการตกแต่งในญี่ปุ่น และ Ogata Korin ผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะ Rinpa ก็เป็นหนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

หน้าจอในการตกแต่งภายในของญี่ปุ่นมีบทบาทสำคัญ พระราชวังที่กว้างขวางมีโครงสร้างไม่แตกต่างจากที่อยู่อาศัยของชาวญี่ปุ่นทั่วไป พวกเขาแทบไม่มีผนังภายใน และพื้นที่ถูกแบ่งโซนด้วยฉากกั้นแบบพับได้ สูงเพียง 1 เมตรครึ่งเล็กน้อย มุ้งลวดได้รับการออกแบบมาสำหรับประเพณีทั่วไปของญี่ปุ่นที่ทุกชนชั้นอาศัยอยู่บนพื้น ในญี่ปุ่น เก้าอี้สูงและโต๊ะไม่ได้ใช้จนถึงศตวรรษที่ 19 และความสูงของหน้าจอรวมถึงองค์ประกอบของภาพวาดนั้นได้รับการออกแบบมาสำหรับมุมมองของคนที่นั่งคุกเข่า ด้วยมุมมองนี้ทำให้เกิดเอฟเฟกต์ที่น่าอัศจรรย์: ไอริสดูเหมือนจะล้อมรอบคนที่นั่ง - และคน ๆ หนึ่งสามารถรู้สึกว่าตัวเองอยู่บนฝั่งแม่น้ำล้อมรอบด้วยดอกไม้

ไอริสถูกทาสีในลักษณะที่ไม่ใช่รูปร่าง - เกือบจะเป็นแนวอิมเพรสชันนิสต์ ลายเส้นกว้างของสีน้ำเงินเข้ม ไลแลค และอุบาทว์สีม่วงสื่อถึงความงดงามอันเขียวชอุ่มของดอกไม้ชนิดนี้ เอฟเฟ็กต์ที่งดงามได้รับการเสริมแต่งด้วยชิมเมอร์สีทองหม่นๆ ซึ่งตัดกับไอริส หน้าจอไม่ได้สื่ออะไรนอกจากดอกไม้ แต่เส้นเชิงมุมของการเติบโตแสดงให้เห็นว่าดอกไม้โค้งงอไปตามเส้นทางที่คดเคี้ยวของแม่น้ำหรือซิกแซกของสะพานไม้ เป็นเรื่องปกติที่ชาวญี่ปุ่นจะเห็นสะพานขาดหายไปจากหน้าจอ ซึ่งเป็น "สะพานแปดแผ่น" แบบพิเศษ ( ยาสึฮาชิฟัง)) เกี่ยวข้องกับดอกไอริสในวรรณคดีคลาสสิกของญี่ปุ่น นวนิยายเรื่อง Ise Monogatari (ศตวรรษที่ 9) กล่าวถึงการเดินทางอันน่าเศร้าของวีรบุรุษที่ถูกขับไล่ออกจากเมืองหลวง หลังจากนั่งลงกับผู้ติดตามของเขาเพื่อพักผ่อนบนฝั่งแม่น้ำใกล้กับสะพาน Yatsuhashi ฮีโร่เห็นดอกไอริสจำที่รักของเขาและแต่งบทกวี:

ที่รักของฉันในเสื้อผ้า
สง่างามในเมืองหลวง
รักเหลือ...
และฉันคิดด้วยความปรารถนาว่าเท่าไหร่
ฉันอยู่ไกลจากเธอ... แปลโดย N.I. Konrad

“ดังนั้นเขาจึงพับผ้า และทุกคนก็หลั่งน้ำตาบนข้าวแห้งของพวกเขา เพื่อให้มันพองตัวด้วยความชื้น” Arivara no Narihira ผู้แต่งและพระเอกของเรื่องกล่าวเสริม

สำหรับชาวญี่ปุ่นที่มีการศึกษา ความเชื่อมโยงระหว่างดอกไอริสข้างสะพานกับอิเสะ โมโนกาตาริ ดอกไอริสกับธีมของความรักที่แยกจากกันนั้นชัดเจน และโอกาตะ โครินจะหลีกเลี่ยงการใช้คำฟุ่มเฟื่อยและภาพประกอบ ด้วยความช่วยเหลือของภาพวาดตกแต่ง เขาสร้างพื้นที่ในอุดมคติที่เต็มไปด้วยแสง สี และความหมายทางวรรณกรรมเท่านั้น

ศาลาทองคินคะคุจิ เกียวโต 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2549

วัดทองเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ของญี่ปุ่น ซึ่งแดกดันได้รับการยกย่องจากการทำลายล้างมากกว่าการก่อสร้าง ในปี 1950 พระที่มีอาการคุ้มดีคุ้มร้ายแห่งวัด Rokuonji ซึ่งเป็นที่ตั้งของอาคารแห่งนี้ ได้จุดไฟเผาสระน้ำที่อยู่บนพื้นผิวของวัด
ศาลา ในช่วงที่เกิดไฟไหม้ในปี พ.ศ. 2493 วัดเกือบถูกทำลาย งานบูรณะใน Kinkaku-ji เริ่มขึ้นในปี 1955 ภายในปี 1987 การก่อสร้างใหม่ทั้งหมดเสร็จสมบูรณ์ แต่แทนที่ส่วนที่หายไปทั้งหมด การตกแต่งภายในต่อเนื่องถึงปี 2546. แรงจูงใจที่แท้จริงของการกระทำของเขายังไม่ชัดเจน แต่ในการตีความของนักเขียน Yukio Mishima ความงามที่เกือบจะลึกลับของวัดนี้ไม่สามารถบรรลุได้ แท้จริงแล้ว วัดคินคะคุจิถือเป็นตัวอย่างความงามแบบญี่ปุ่นมาเป็นเวลาหลายศตวรรษ

ในปี 1394 โชกุนอาชิคางะ โยชิมิสึ (1358-1408) ผู้ซึ่งพิชิตญี่ปุ่นเกือบทั้งหมดตามความประสงค์ของเขา ได้เกษียณอย่างเป็นทางการและตั้งรกรากอยู่ในวิลลาที่สร้างขึ้นโดยเฉพาะทางตอนเหนือของเกียวโต อาคารสามชั้นบนทะเลสาบเทียม Kyokoti ("กระจกทะเลสาบ") มีบทบาทเหมือนอาศรม ศาลาเงียบสงบสำหรับการพักผ่อน อ่านหนังสือ และสวดมนต์ เป็นที่เก็บภาพวาดของโชกุน ห้องสมุด และวัตถุโบราณทางพุทธศาสนา Kinkakuji ตั้งอยู่บนผืนน้ำใกล้ชายฝั่ง มีเรือติดต่อกับชายฝั่งเท่านั้น และเป็นเกาะเดียวกับเกาะเทียมที่มีหินและต้นสนกระจายอยู่รอบๆ Kyokoti แนวคิดของ "เกาะแห่งสวรรค์" นั้นยืมมาจากตำนานจีนซึ่งเกาะเผิงไหลซึ่งเป็นเกาะแห่งอมตะทำหน้าที่เป็นภาพลักษณ์ของที่พำนักแห่งสวรรค์ ภาพสะท้อนของศาลากลางน้ำได้กระตุ้นให้ชาวพุทธเกิดความคิดเกี่ยวกับธรรมชาติลวงตาของโลกมนุษย์ ซึ่งเป็นเพียงภาพสะท้อนที่ซีดเซียวของความงดงามของโลกความจริงทางพุทธศาสนา

แม้ว่าเสียงหวือหวาตามตำนานเหล่านี้จะเป็นการคาดเดา แต่ตำแหน่งของศาลาก็ให้ความกลมกลืนและกลมกลืนอย่างน่าทึ่ง การสะท้อนจะซ่อนความเตี้ยของอาคาร ทำให้สูงและบางลง ในเวลาเดียวกันมันเป็นความสูงของศาลาที่ทำให้สามารถมองเห็นได้จากริมฝั่งสระใด ๆ เสมอกับพื้นหลังสีเขียวเข้ม

อย่างไรก็ตาม ยังไม่เป็นที่แน่ชัดว่าศาลาหลังนี้มีสีทองอร่ามเพียงใด แบบฟอร์มเดิม. อาจเป็นไปได้ว่าภายใต้ Ashikaga Yoshimitsu มันถูกปิดด้วยทองคำเปลวและชั้นเคลือบเงา แต่ถ้าคุณเชื่อในภาพถ่ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 และ Yukio Mishima จากนั้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 การปิดทองก็เกือบจะลอกออกและยังคงมองเห็นได้เฉพาะที่ชั้นบนของอาคารเท่านั้น เวลานี้เขาสัมผัสวิญญาณด้วยมนต์เสน่ห์แห่งความอ้างว้าง ร่องรอยแห่งกาลเวลา ไม่ย่อท้อต่อสิ่งสวยงามที่สุด เสน่ห์เศร้าโศกนี้สอดคล้องกับหลักสุนทรียศาสตร์ ซาบีเคารพอย่างสูงในวัฒนธรรมญี่ปุ่น

ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ความสง่างามของอาคารหลังนี้ไม่ได้ทำด้วยทองคำเลย ความงดงามของรูปทรงของวัดคินคะคุจิและความกลมกลืนอย่างไร้ที่ติกับภูมิทัศน์ทำให้ที่นี่เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของสถาปัตยกรรมญี่ปุ่น

ชาม "ไอริส" ในรูปแบบของ karatsu ศตวรรษที่ 16-17

ไดแอน มาร์ติโน /pinterest.com/พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก

คำ เมบุตสึ- สิ่งที่มีชื่อ มีเพียงชื่อของถ้วยใบนี้เท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้ เนื่องจากทั้งเวลาและสถานที่ในการสร้างที่แน่นอน และชื่อของปรมาจารย์ไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ อย่างไรก็ตาม มันถูกจัดให้เป็นสมบัติประจำชาติของญี่ปุ่นและเป็นหนึ่งใน ตัวอย่างชัดเจนเซรามิกในแบบประจำชาติ

ปลายศตวรรษที่ 16 พิธีชงชา ชา-โนะ-ยุละทิ้งความซับซ้อน เครื่องลายครามจีนและเซรามิกเคลือบเงาที่ชวนให้นึกถึงวัสดุล้ำค่า ความงามอันน่าตื่นตาของพวกเขาดูประดิษฐ์เกินไปและตรงไปตรงมาสำหรับปรมาจารย์ด้านชา สิ่งของที่สมบูรณ์แบบและมีราคาแพง - ชาม ภาชนะใส่น้ำ และถังใส่ชา - ไม่สอดคล้องกับหลักปฏิบัติทางจิตวิญญาณของพุทธศาสนานิกายเซ็น ซึ่งเกือบจะเป็นจิตวิญญาณของพิธีชงชา การปฏิวัติวงการชาอย่างแท้จริงคือการหันมาสนใจเครื่องปั้นดินเผาของญี่ปุ่น ซึ่งเรียบง่ายกว่าและไร้ศิลปะมากในช่วงเวลาที่โรงงานในญี่ปุ่นเพิ่งเริ่มเชี่ยวชาญในเทคโนโลยีเครื่องปั้นดินเผาแบบยุโรป

รูปร่างของชามไอริสนั้นเรียบง่ายและไม่สม่ำเสมอ ความโค้งเล็กน้อยของผนัง รอยบุบของช่างปั้นที่มองเห็นได้ทั่วร่างกายทำให้ชามดูไร้เดียงสา เศษดินถูกเคลือบด้วยแสงเคลือบด้วยเครือข่ายรอยแตก - craquelure ที่ด้านหน้าซึ่งกล่าวถึงแขกในระหว่างพิธีชงชา มีการใช้ภาพม่านตาภายใต้การเคลือบ: ภาพวาดนั้นดูไร้เดียงสา แต่ใช้พู่กันที่มีพลัง ราวกับอยู่ในการเคลื่อนไหวเดียวในจิตวิญญาณของเซน การประดิษฐ์ตัวอักษร ดูเหมือนว่าทั้งรูปแบบและการตกแต่งสามารถทำได้โดยธรรมชาติและไม่ต้องใช้กองกำลังพิเศษ

ความเป็นธรรมชาตินี้สะท้อนให้เห็นถึงอุดมคติ วาบิ- ความเรียบง่ายและความไร้ศิลปะทำให้เกิดความรู้สึกอิสระทางจิตวิญญาณและความสามัคคี บุคคลใดก็ตามหรือแม้แต่วัตถุที่ไม่มีชีวิตในมุมมองของสาวกชาวญี่ปุ่นที่นับถือศาสนาพุทธนิกายเซนล้วนมีธรรมชาติที่ตรัสรู้ของพระพุทธเจ้า และความพยายามของผู้เชี่ยวชาญก็มุ่งเป้าไปที่การค้นพบธรรมชาตินี้ในตัวเขาเองและโลกรอบตัวเขา สิ่งของที่ใช้ในพิธีชงชาสำหรับความซุ่มซ่ามทั้งหมดของพวกเขาควรทำให้เกิดประสบการณ์ที่ลึกซึ้งของความจริง ความเกี่ยวข้องของทุกช่วงเวลา ถูกบังคับให้มองดูรูปแบบธรรมดาที่สุดและเห็นความงามที่แท้จริงในตัวพวกเขา

สิ่งที่ตรงกันข้ามกับพื้นผิวหยาบของชามและความเรียบง่ายคือการบูรณะด้วยเครื่องเคลือบสีทองที่บิ่นเล็กน้อย (เทคนิคนี้เรียกว่า คินสึกิ). การบูรณะดำเนินการในศตวรรษที่ 18 และแสดงให้เห็นถึงความเคารพซึ่งปรมาจารย์ชาชาวญี่ปุ่นปฏิบัติต่อเครื่องใช้ในพิธีชงชา ดังนั้น พิธีชงชาจึงเป็น "หนทาง" ให้ผู้ร่วมงานได้ค้นพบความงามที่แท้จริงของสิ่งต่างๆ เช่น ชามดอกไอริส ความไม่ชัดเจน ความลับ ได้กลายเป็นพื้นฐานของแนวคิดสุนทรียะของวาบิและเป็นส่วนสำคัญของโลกทัศน์ของญี่ปุ่น

ภาพพระกันต์ซิน, นารา, 763

โทโชไดจิ, 2015

ในศตวรรษที่ 8 ประติมากรรมได้กลายเป็นรูปแบบหลักในการแสดงออกทางศิลปะในยุคนั้น ยุคนารา (ค.ศ. 710-794) ซึ่งเกี่ยวข้องกับการก่อตัวของรัฐญี่ปุ่นและการเสริมสร้างความเข้มแข็งของพุทธศาสนา ปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นได้ผ่านขั้นตอนการฝึกงานและการเลียนแบบเทคนิคและภาพแบบคอนติเนนตัลแบบตาบอดแล้วและเริ่มแสดงจิตวิญญาณแห่งเวลาของพวกเขาอย่างอิสระและชัดเจนในงานประติมากรรม การแผ่ขยายและเติบโตของอำนาจของพระพุทธศาสนาทำให้เกิดภาพประติมากรรมทางพุทธศาสนาขึ้น

หนึ่งในผลงานชิ้นเอกของประเภทนี้คือภาพเหมือนของ Gandzin ซึ่งสร้างขึ้นในปี 763 ทำด้วยเทคนิคเครื่องเคลือบแห้ง (โดยเคลือบแลคเกอร์เป็นชั้น ๆ บนโครงไม้ที่หุ้มด้วยผ้า) ประติมากรรมเกือบจะ ขนาดชีวิตได้รับการทาสีเหมือนจริง และในความมืดมิดของวัด กันจินนั่งอยู่ในท่าทำสมาธิ "ราวกับมีชีวิต" ความเหมือนจริงนี้เป็นหน้าที่หลักของลัทธิดังกล่าว: ครูต้องอยู่ภายในกำแพงของวัดโทไดจิในเมืองนาราเสมอและเข้าร่วมพิธีศักดิ์สิทธิ์ที่สำคัญที่สุด

ต่อมาในศตวรรษที่ 11-13 ประติมากรรมภาพเหมือนกลายเป็นภาพลวงตาที่แทบจะไร้ความปรานี แสดงให้เห็นความชราภาพที่ไม่แข็งแรงของครูบาอาจารย์ ปากที่ยุบ แก้มหย่อนคล้อย และรอยเหี่ยวย่นลึก ภาพบุคคลเหล่านี้มองดูผู้นับถือศาสนาพุทธด้วยดวงตาที่มีชีวิต ฝังด้วยหินคริสตัลและไม้ แต่ใบหน้าของ Gandzin ดูพร่ามัว ไม่มีโครงร่างที่ชัดเจนและรูปร่างที่ชัดเจนอยู่ในนั้น เปลือกตาของตาที่ปิดครึ่งหนึ่งและไม่มีเปลือกตาจะบวม ปากที่ตึงและร่องแก้มลึกแสดงถึงความระมัดระวังเป็นนิสัยมากกว่าการทำสมาธิ

คุณลักษณะทั้งหมดเหล่านี้เผยให้เห็นชีวประวัติอันน่าทึ่งของนักบวชผู้นี้ เรื่องราวของการบำเพ็ญตบะที่น่าอัศจรรย์และโศกนาฏกรรม กันจิน พระสงฆ์ชาวจีนได้รับเชิญไปญี่ปุ่นเพื่อร่วมพิธีถวายวัดโทไดจิ วัดใหญ่ที่สุดของนารา เรือลำนี้ถูกโจรสลัดจับ คัมภีร์ล้ำค่าและประติมากรรมทางพุทธศาสนาที่มีไว้สำหรับวัดญี่ปุ่นที่อยู่ห่างไกลถูกไฟไหม้ กันจินเผาใบหน้าของเขาและสูญเสียการมองเห็น แต่เขาไม่ได้ละทิ้งความปรารถนาที่จะเทศนาในเขตชานเมืองอันไกลโพ้นของอารยธรรมนั่นคือวิธีที่ญี่ปุ่นรับรู้โดยทวีปในเวลานั้น

ความพยายามอีกหลายครั้งที่จะข้ามทะเลก็จบลงด้วยวิธีที่ไม่ประสบความสำเร็จเช่นเดียวกัน และในความพยายามครั้งที่ห้า Ganjin วัยกลางคนตาบอดและป่วยก็มาถึงเมืองหลวงของญี่ปุ่นที่นารา

ในญี่ปุ่น Ganjin ไม่ได้สอนพุทธบัญญัติเป็นเวลานาน: เหตุการณ์ที่น่าทึ่งในชีวิตของเขาบั่นทอนสุขภาพของเขา แต่อำนาจของเขานั้นสูงมากจนบางทีก่อนที่เขาจะเสียชีวิตก็มีการตัดสินใจสร้างประติมากรรมของเขา ไม่ต้องสงสัยเลยว่าศิลปิน - พระพยายามที่จะให้ประติมากรรมมีความคล้ายคลึงกับแบบจำลองมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ แต่สิ่งนี้ไม่ได้ทำเพื่อช่วย รูปร่างของบุคคล แต่เพื่อบันทึกประสบการณ์ทางจิตวิญญาณของแต่ละคน เส้นทางที่ยากลำบากที่ Ganjin เดินผ่านและคำสอนทางพุทธศาสนาเรียกว่า

Daibutsu - พระใหญ่แห่งวัด Todaiji, Nara, กลางศตวรรษที่ 8

ทอดด์/flickr.com

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 8 ญี่ปุ่นประสบกับภัยพิบัติทางธรรมชาติและโรคระบาด แผนอุบายของตระกูลฟูจิวาระที่มีอิทธิพลและการก่อจลาจลที่พวกเขาหยิบยกขึ้นมาบีบให้จักรพรรดิโชมุต้องหนีออกจากเมืองหลวงซึ่งก็คือเมืองนารา เมื่อถูกเนรเทศ เขาสาบานว่าจะปฏิบัติตามแนวทางของคำสอนทางพุทธศาสนา และในปี ค.ศ. 743 มีคำสั่งให้สร้างวัดหลักของประเทศและหล่อพระพุทธรูปสำริดขนาดมหึมาของพระพุทธเจ้าไวโรจนะ เทพองค์นี้ถือเป็นอวตารสากลของพระพุทธเจ้าศากยมุนี ผู้ก่อตั้งคำสอนทางพุทธศาสนา และควรจะเป็นผู้คุ้มครองจักรพรรดิและทั้งประเทศในช่วงที่เกิดความไม่สงบและการจลาจล

งานเริ่มขึ้นในปี 745 และจำลองมาจากพระพุทธรูปองค์ใหญ่ในวัดถ้ำหลงเหมินใกล้เมืองหลวงของจีน ลั่วหยาง รูปปั้นในนาราก็เหมือนกับพระพุทธรูปอื่นๆ ที่ควรจะแสดง "สัญญาณขนาดใหญ่และขนาดเล็กของพระพุทธเจ้า" ศีลสัญลักษณ์นี้ประกอบด้วยติ่งหูยาว ซึ่งชวนให้นึกถึงข้อเท็จจริงที่ว่าพระศากยมุนีพุทธเจ้ามาจากตระกูลขุนนางและตั้งแต่เด็กยังสวมตุ้มหูหนักๆ สูงบนพระเศียร (อัชนิชา) มีจุดบนหน้าผาก (โกศ)

ความสูงของรูปปั้นคือ 16 เมตร ความกว้างของใบหน้าคือ 5 เมตร ความยาวฝ่ามือที่ยื่นออกมาคือ 3.7 เมตร และโกศใหญ่กว่าหัวคน การก่อสร้างใช้ทองแดง 444 ตัน ดีบุก 82 ตัน และทองคำจำนวนมาก การค้นหาดำเนินการเป็นพิเศษในภาคเหนือของประเทศ มีการสร้างห้องโถง Daibutsuden รอบรูปปั้นเพื่อปกป้องศาลเจ้า ในพื้นที่เล็กๆ นั้น พระพุทธรูปนั่งค้อมศีรษะเล็กน้อยอยู่เต็มพื้นที่ แสดงให้เห็นหนึ่งในหลักสัจธรรมของพุทธศาสนา นั่นคือแนวคิดที่ว่าเทพมีอยู่ทุกหนทุกแห่งและแผ่ซ่านไปทั่ว โอบกอดและเติมเต็มทุกสิ่ง ความสงบอันยอดเยี่ยมของใบหน้าและท่าทางของหัตถ์ของเทพ (mudra ท่าทางของการให้ความคุ้มครอง) เติมเต็มความรู้สึกของความยิ่งใหญ่ที่เงียบสงบและพลังของพระพุทธเจ้า

อย่างไรก็ตาม ปัจจุบันรูปปั้นดั้งเดิมเหลืออยู่เพียงไม่กี่ชิ้น: ไฟและสงครามสร้างความเสียหายอย่างใหญ่หลวงต่อรูปปั้นในศตวรรษที่ 12 และ 16 และรูปปั้นสมัยใหม่ส่วนใหญ่เป็นการหล่อในศตวรรษที่ 18 ระหว่างการบูรณะในศตวรรษที่ 18 รูปปั้นทองสัมฤทธิ์ไม่ได้ปิดทองอีกต่อไป ความกระตือรือร้นทางพุทธศาสนาของจักรพรรดิโชมุในศตวรรษที่ 8 ทำให้คลังสมบัติหมดไปและทำให้ประเทศที่ตื่นตระหนกตกใจแทบหมดสิ้น และผู้ปกครองคนต่อมาก็ไม่สามารถจ่ายเงินที่เกินควรเช่นนี้ได้อีกต่อไป

อย่างไรก็ตาม ความสำคัญของ Daibutsu นั้นไม่ได้อยู่ที่ทองคำหรือแม้แต่ในความถูกต้องที่เชื่อถือได้ - ความคิดที่ว่าศูนย์รวมคำสอนทางพุทธศาสนาที่ยิ่งใหญ่เช่นนี้เป็นอนุสรณ์สถานแห่งยุคที่ศิลปะอนุสรณ์ของญี่ปุ่นได้เบ่งบานอย่างแท้จริง ปลดปล่อยตัวเองจาก การคัดลอกตัวอย่างทวีปแบบตาบอดและบรรลุความสมบูรณ์และการแสดงออกซึ่งสูญหายไปในภายหลัง

ชาวญี่ปุ่นได้ค้นพบความงามที่ซ่อนอยู่ในสิ่งต่างๆ ในศตวรรษที่ 9-12 ในยุคเฮอัน (794-1185) และถึงกับกำหนดแนวคิดพิเศษว่า " โมโนไม่รู้"(ญี่ปุ่น: 物の哀れ (もののあわれ)) ซึ่งแปลว่า "เสน่ห์ที่น่าเศร้าของสิ่งต่างๆ" “เสน่ห์ของสิ่งต่าง ๆ” เป็นหนึ่งในคำจำกัดความของความงามในวรรณคดีญี่ปุ่นในยุคแรก ๆ มันเชื่อมโยงกับความเชื่อของศาสนาชินโตที่ว่าทุกสิ่งมีเทพเจ้า - คามิ - และเสน่ห์เฉพาะตัวของมันเอง อาวาเรเป็นแก่นแท้ภายในของสิ่งต่าง ๆ ซึ่งทำให้เกิดความสุข ความตื่นเต้น

- Washi (วาซี) หรือ wagami (วากามิ)
การทำกระดาษด้วยมือ. วาชิในยุคกลางของญี่ปุ่นให้ความสำคัญกับคุณสมบัติในการใช้งานจริงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสวยงามด้วย เธอมีชื่อเสียงในด้านความละเอียดอ่อนเกือบโปร่งใสซึ่งไม่ได้กีดกันความแข็งแกร่งของเธอ วาชิทำมาจากเปลือกของต้นโคโซ (ต้นหม่อน) และต้นไม้อื่นๆ
กระดาษ Washi ได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นเวลาหลายศตวรรษ หลักฐานของสิ่งนี้คืออัลบั้มและเล่มของการเขียนพู่กันแบบญี่ปุ่นโบราณ ภาพวาด หน้าจอ และงานแกะสลักที่สืบทอดมาหลายศตวรรษจนถึงปัจจุบัน
กระดาษของ Vasya เป็นเส้นใย หากคุณมองผ่านกล้องจุลทรรศน์ คุณจะเห็นรอยแตกที่อากาศและแสงแดดทะลุผ่าน คุณภาพนี้ใช้ในการผลิตฉากกั้นและโคมไฟแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม
ของที่ระลึกจากวาชิเป็นที่นิยมมากในหมู่ชาวยุโรป สิ่งของขนาดเล็กและมีประโยชน์มากมายทำจากกระดาษนี้: กระเป๋าสตางค์ ซองจดหมาย พัดลม มีความทนทานแต่น้ำหนักเบา

- โกเฮ
มาสคอตจาก แถบกระดาษ. Gohei - ไม้เท้าพิธีกรรมของนักบวชชินโตซึ่งติดแถบกระดาษซิกแซก กระดาษแถบเดียวกันนี้แขวนไว้ที่ทางเข้าศาลเจ้าชินโต บทบาทของกระดาษในศาสนาชินโตนั้นมีมาแต่โบราณกาล และความหมายที่ลึกลับมักจะผูกติดอยู่กับผลิตภัณฑ์ที่ทำจากกระดาษ และความเชื่อที่ว่า ทุกสิ่ง ทุกปรากฏการณ์ แม้แต่คำพูด ก็มีคามิ-เทพ อธิบายลักษณะที่ปรากฏแบบนี้ ศิลปะประยุกต์เหมือนโกเฮ ลัทธิชินโตค่อนข้างคล้ายกับลัทธินอกศาสนาของเรา สำหรับลัทธิชินโต คามิยินดีเป็นอย่างยิ่งที่จะพำนักอยู่ในสิ่งที่ไม่ปกติ ตัวอย่างเช่นบนกระดาษ และยิ่งกว่านั้นในโกเฮที่บิดเป็นฟันปลาที่สลับซับซ้อนซึ่งแขวนอยู่หน้าทางเข้าศาลเจ้าชินโตในปัจจุบันและบ่งบอกถึงการมีอยู่ของเทพในวัด มี 20 วิธีในการพับโกเฮ และวิธีพับที่ผิดปกติเป็นพิเศษจะดึงดูดคามิ โกเฮมีสีขาวเป็นส่วนใหญ่ แต่ก็ยังพบสีทอง เงิน และเฉดสีอื่นๆ อีกมากมาย ตั้งแต่ศตวรรษที่ 9 เป็นต้นมา มีธรรมเนียมในญี่ปุ่นที่จะเสริมความแข็งแกร่งให้กับโกเฮบนเข็มขัดของนักมวยปล้ำซูโม่ก่อนเริ่มการต่อสู้

- อาเนซามะ.
นี่คือการผลิตตุ๊กตากระดาษ ในศตวรรษที่ 19 ภรรยาซามูไรทำตุ๊กตากระดาษให้เด็กๆ เล่น โดยแต่งตัวให้พวกเขาด้วยเสื้อผ้าต่างๆ ในช่วงเวลาที่ไม่มีของเล่น อเนสซามะเป็นเพียงคู่สนทนาสำหรับเด็ก โดย "แสดง" บทบาทของแม่ พี่สาว ลูก และเพื่อน
ตุ๊กตาพับจากกระดาษวาชิของญี่ปุ่น ขนทำจากกระดาษย่น ย้อมด้วยหมึก และเคลือบด้วยกาวซึ่งทำให้มันเงา คุณสมบัติที่โดดเด่นเป็นจมูกเล็ก ๆ ที่ดีบนใบหน้าที่ยาว ทุกวันนี้ ของเล่นธรรมดาๆ นี้ที่ไม่ต้องการอะไรนอกจากมือที่มีทักษะ ในรูปแบบดั้งเดิม ยังคงทำในลักษณะเดียวกับเมื่อก่อน

- โอริกามิ
ศิลปะการพับกระดาษแบบโบราณ (折り紙, มีความหมายว่า: "กระดาษพับ") ศิลปะการพับกระดาษมีรากฐานมาจาก จีนโบราณที่ซึ่งกระดาษถูกประดิษฐ์ขึ้น ในขั้นต้น Origami ใช้ในพิธีกรรมทางศาสนา เป็นเวลานานแล้วที่ศิลปะประเภทนี้มีให้เฉพาะกับตัวแทนของชนชั้นสูงซึ่งสัญลักษณ์ของรสนิยมที่ดีคือการครอบครองเทคนิคการพับกระดาษ หลังจากสงครามโลกครั้งที่สอง Origami ไปไกลกว่าตะวันออกและมาถึงอเมริกาและยุโรปซึ่งพบแฟน ๆ ในทันที Origami แบบคลาสสิกพับจากกระดาษแผ่นสี่เหลี่ยม
มีสัญลักษณ์ทั่วไปชุดหนึ่งที่จำเป็นในการร่างโครงร่างการพับของผลิตภัณฑ์ที่ซับซ้อนที่สุด สัญญาณทั่วไปส่วนใหญ่ถูกนำไปปฏิบัติในกลางศตวรรษที่ 20 โดย Akira Yoshizawa ปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นผู้มีชื่อเสียง
Origami แบบคลาสสิกกำหนดให้ใช้กระดาษสี่เหลี่ยมจัตุรัสที่มีสีเท่ากันหนึ่งแผ่นโดยไม่ต้องใช้กาวและกรรไกร รูปแบบศิลปะร่วมสมัยบางครั้งเบี่ยงเบนไปจากหลักการนี้

- คิริงามิ.
คิริงามิเป็นศิลปะการตัดรูปทรงต่างๆ จากแผ่นกระดาษที่พับหลายๆ ครั้งด้วยความช่วยเหลือของกรรไกร โอริกามิประเภทหนึ่งที่อนุญาตให้ใช้กรรไกรและตัดกระดาษในขั้นตอนการสร้างแบบจำลอง นี่คือข้อแตกต่างหลักระหว่างคิริงามิกับเทคนิคการพับกระดาษอื่นๆ ซึ่งเน้นในชื่อ: 切る (คิรุ) - ตัด, 紙 (กามิ) - กระดาษ เราทุกคนชอบที่จะตัดเกล็ดหิมะในวัยเด็ก - แตกต่างจาก kirigami คุณสามารถตัดได้ไม่เพียงแค่เกล็ดหิมะเท่านั้น แต่ยังสามารถใช้เทคนิคนี้ตัดรูปทรงดอกไม้พวงมาลัยและกระดาษน่ารักอื่น ๆ ได้ ผลิตภัณฑ์เหล่านี้สามารถใช้เป็นสเตนซิลสำหรับงานพิมพ์ ตกแต่งอัลบั้ม โปสการ์ด กรอบรูป ออกแบบแฟชั่น ออกแบบภายใน และตกแต่งอื่นๆ

- อิเคบานะ.
อิเคบานะ (ญี่ปุ่น 生け花 หรือ いけばな) แปลมาจาก ภาษาญี่ปุ่น- ike" - ชีวิต "bana" - ดอกไม้หรือ "ดอกไม้ที่มีชีวิต" ศิลปะการจัดดอกไม้ของญี่ปุ่นเป็นหนึ่งในประเพณีที่งดงามที่สุดของชาวญี่ปุ่น เมื่อรวบรวมอิเคบานะพร้อมกับดอกไม้ กิ่งก้าน ใบไม้ และหน่อ หลักการพื้นฐานคือความเรียบง่ายที่งดงามเพื่อให้บรรลุซึ่งพวกเขาพยายามเน้น ความงามของธรรมชาติพืช. อิเคบานะคือการสร้างรูปแบบใหม่ตามธรรมชาติ ซึ่งความงามของดอกไม้และความงามของจิตวิญญาณของปรมาจารย์ที่สร้างสรรค์องค์ประกอบนั้นผสมผสานกันอย่างกลมกลืน
วันนี้ในญี่ปุ่นมี 4 โรงเรียนหลักของ ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu) นอกจากนี้ยังมีทิศทางและแนวโน้มที่แตกต่างกันประมาณพันแห่งซึ่งเป็นไปตามหนึ่งในโรงเรียนเหล่านี้

- โอริบาน่า.
ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 โรงเรียนสองแห่งของโอฮาระ (รูปแบบหลักของอิเคบานะ - โอริบานะ) และโคริว (รูปแบบหลัก - เสก) ออกจากอิเคโนโบะ อย่างไรก็ตาม โรงเรียนโอฮาระยังคงศึกษาเฉพาะโอริบานุเท่านั้น ดังที่ชาวญี่ปุ่นกล่าวไว้ มันสำคัญมากที่พับกระดาษจะไม่กลายเป็นโอริกามิ Gomi แปลว่าขยะในภาษาญี่ปุ่น ท้ายที่สุดคุณพับกระดาษแล้วจะทำอย่างไรกับมัน? Oribana เสนอไอเดียมากมายสำหรับช่อดอกไม้สำหรับตกแต่งภายใน โอริบานะ = โอริกามิ + อิเคบานะ

- ความผิดพลาด.
น. ศิลปกรรมประเภทหนึ่งที่เกิดจากการจัดดอกไม้. การจัดดอกไม้ปรากฏขึ้นในประเทศของเราเมื่อแปดปีที่แล้ว แม้ว่าจะมีอยู่ในญี่ปุ่นมานานกว่าหกร้อยปีแล้วก็ตาม ในช่วงยุคกลาง ซามูไรเข้าใจวิถีแห่งนักรบ และโอชิบานะก็เป็นส่วนหนึ่งของเส้นทางนั้น เช่นเดียวกับการเขียนอักษรอียิปต์โบราณและกวัดแกว่งดาบ ความหมายของความผิดพลาดคือในสภาพของการมีอยู่จริงในขณะนั้น (ซาโตริ) อาจารย์ได้สร้างภาพดอกไม้แห้ง (ดอกไม้อัด) จากนั้นภาพนี้สามารถใช้เป็นกุญแจนำทางสำหรับผู้ที่พร้อมที่จะเข้าสู่ความเงียบและสัมผัสกับ satori เดียวกัน
แก่นแท้ของศิลปะของ "โอชิบานะ" คือการรวบรวมและตากแห้งดอกไม้ สมุนไพร ใบไม้ เปลือกไม้ ภายใต้แรงกดและติดไว้บนฐาน ผู้เขียนสร้างงาน "จิตรกรรม" อย่างแท้จริงด้วยความช่วยเหลือของพืช กล่าวอีกนัยหนึ่งผิดคือการวาดภาพด้วยพืช
ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะการจัดดอกไม้ขึ้นอยู่กับการรักษารูปร่าง สี และเนื้อสัมผัสของวัสดุจากพืชแห้ง ชาวญี่ปุ่นได้พัฒนาเทคนิคในการปกป้องภาพวาด "โอชิบานะ" จากการซีดจางและมืดลง สาระสำคัญคืออากาศจะถูกสูบออกระหว่างกระจกกับรูปภาพ และสร้างสุญญากาศเพื่อป้องกันไม่ให้ต้นไม้เน่าเสีย
มันไม่เพียงดึงดูดความแปลกใหม่ของศิลปะนี้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงโอกาสในการแสดงจินตนาการ รสนิยม ความรู้เกี่ยวกับคุณสมบัติของพืช นักจัดดอกไม้สร้างเครื่องประดับ ทิวทัศน์ หุ่นนิ่ง ภาพบุคคล และภาพวาดเรื่องราว

- บอนไซ
บอนไซเป็นปรากฏการณ์ปรากฏขึ้นเมื่อกว่าพันปีที่แล้วในประเทศจีน แต่วัฒนธรรมนี้ถึงจุดสูงสุดของการพัฒนาในญี่ปุ่นเท่านั้น (บอนไซ - ภาษาญี่ปุ่น 盆栽 มีความหมายว่า "ปลูกในกระถาง") - ศิลปะในการปลูกต้นไม้จำลองขนาดย่อส่วน ต้นไม้เหล่านี้ปลูกโดยพระสงฆ์เมื่อหลายศตวรรษก่อนยุคของเรา และต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในกิจกรรมของขุนนางในท้องถิ่น
บอนไซประดับบ้านและสวนสไตล์ญี่ปุ่น ในยุคโทคุกาวะ การออกแบบสวนสาธารณะได้รับแรงผลักดันใหม่: การปลูกชวนชมและต้นเมเปิลกลายเป็นงานอดิเรกของผู้มีอันจะกิน การผลิตพืชแคระ (hachi-no-ki - "ต้นไม้ในกระถาง") ก็พัฒนาเช่นกัน แต่บอนไซในสมัยนั้นมีขนาดใหญ่มาก
ตอนนี้ต้นไม้ธรรมดาถูกนำมาใช้สำหรับบอนไซ พวกมันมีขนาดเล็กลงเนื่องจากการตัดแต่งกิ่งอย่างต่อเนื่องและวิธีการอื่นๆ ในขณะเดียวกัน อัตราส่วนของขนาดของระบบราก ซึ่งจำกัดโดยปริมาตรของชาม และส่วนพื้นดินของบอนไซนั้นสอดคล้องกับสัดส่วนของต้นไม้โตเต็มวัยในธรรมชาติ

- มิซึฮิกิ.
อะนาล็อก Macrame นี่คือศิลปะประยุกต์ของญี่ปุ่นโบราณในการผูกเงื่อนต่าง ๆ จากเชือกพิเศษและสร้างลวดลายจากพวกมัน งานศิลปะดังกล่าวมีขอบเขตที่กว้างมากตั้งแต่บัตรของขวัญและจดหมายไปจนถึงทรงผมและกระเป๋าถือ ปัจจุบัน มิซูฮิกิถูกใช้อย่างแพร่หลายในอุตสาหกรรมของขวัญ - สำหรับทุกเหตุการณ์ในชีวิต ของขวัญควรได้รับการห่อและผูกด้วยวิธีที่เฉพาะเจาะจง มีเงื่อนและองค์ประกอบมากมายในศิลปะของมิซูฮิกิ และไม่ใช่ว่าชาวญี่ปุ่นทุกคนจะรู้จักมันทั้งหมดด้วยหัวใจ แน่นอนว่ามีเงื่อนทั่วไปและเรียบง่ายที่ใช้บ่อยที่สุด: สำหรับการแสดงความยินดีกับการเกิดของเด็ก, งานแต่งงานหรืองานฉลอง, วันเกิดหรือการรับเข้ามหาวิทยาลัย

- คุมิฮิโมะ.
Kumihimo เป็นสายถักของญี่ปุ่น เมื่อทอด้ายจะได้รับริบบิ้นและเชือกผูกรองเท้า เชือกเหล่านี้ทอด้วยเครื่องจักรพิเศษ - Marudai และ Takadai เครื่อง Marudai ใช้สำหรับการทอเชือกรองเท้าแบบกลม และ Takadai สำหรับการทอแบบแบน คุมิฮิโมะในภาษาญี่ปุ่นหมายถึง "การสานเชือก" (คุมิ - การทอ, การพับเข้าด้วยกัน, ฮิโมะ - เชือก, ลูกไม้) แม้ว่านักประวัติศาสตร์จะยืนกรานอย่างดื้อรั้นว่าการทอผ้าแบบเดียวกันนี้สามารถพบได้ในหมู่ชาวสแกนดิเนเวียและชาวเทือกเขาแอนดีส แต่ศิลปะญี่ปุ่นของคุมิฮิโมะก็เป็นหนึ่งในประเภทการทอผ้าที่เก่าแก่ที่สุด การกล่าวถึงครั้งแรกมีอายุย้อนไปถึงปี 550 ซึ่งเป็นช่วงที่ศาสนาพุทธเผยแผ่ไปทั่วญี่ปุ่นและต้องมีพิธีพิเศษที่ต้องมีการประดับตกแต่งเป็นพิเศษ ต่อมา เชือกผูกคุมิฮิโมะเริ่มถูกใช้เป็นตัวยึดเข็มขัดโอบิบนชุดกิโมโนของผู้หญิง เป็นเชือกสำหรับ "บรรจุ" คลังแสงของซามูไรทั้งหมด (ซามูไรใช้คุมิฮิโมะเพื่อวัตถุประสงค์ในการตกแต่งและการใช้งานเพื่อผูกชุดเกราะและชุดเกราะม้า) และ สำหรับผูกของหนักด้วย
คุมิฮิโมะสมัยใหม่มีลวดลายหลากหลายที่ถักทออย่างง่ายๆ บนเครื่องทอกระดาษแข็งแบบโฮมเมด

- โคโมโน
กิโมโนที่เหลืออยู่หลังจากหมดเวลาแล้ว? คุณคิดว่ามันจะถูกโยนทิ้งไปหรือเปล่า? ไม่มีอะไรแบบนี้! ชาวญี่ปุ่นจะไม่ทำเช่นนั้น ชุดกิโมโนมีราคาแพง เป็นเรื่องที่คิดไม่ถึงและเป็นไปไม่ได้ที่จะทิ้งมันไปแบบนั้น... นอกเหนือจากการรีไซเคิลชุดกิโมโนประเภทอื่นๆ แล้ว ช่างฝีมือหญิงยังทำของที่ระลึกเล็กๆ น้อยๆ จากชิ้นส่วนเล็กๆ เหล่านี้เป็นของเล่นขนาดเล็กสำหรับเด็ก ตุ๊กตา เข็มกลัด พวงมาลัย เครื่องประดับสตรี และสินค้าอื่น ๆ กิโมโนแบบเก่าใช้ในการผลิตสิ่งน่ารักขนาดเล็ก ซึ่งเรียกรวมกันว่า "โคโมโน" สิ่งละอันพันละน้อยที่จะดำเนินชีวิตของตนเองสืบต่อวิถีแห่งกิโมโน นี่คือความหมายของคำว่า "โคโมโน"

- คันซาชิ.
ศิลปะการตกแต่งกิ๊บติดผม (ส่วนใหญ่มักประดับด้วยดอกไม้ (ผีเสื้อ ฯลฯ) ทำจากผ้า (ส่วนใหญ่เป็นผ้าไหม) คันซาชิของญี่ปุ่น (kanzashi) เป็นกิ๊บยาวสำหรับทรงผมผู้หญิงญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม ทำจากไม้ แลคเกอร์ เงินกระดองเต่าที่ใช้ในทรงผมแบบจีนและญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม ประมาณ 400 ปีที่แล้ว ในญี่ปุ่น รูปแบบทรงผมของผู้หญิงเปลี่ยนไป: ผู้หญิงเลิกหวีผมในรูปแบบดั้งเดิม - ทาเรกามิ (ผมตรงยาว) และเริ่มจัดสไตล์ที่ซับซ้อนและซับซ้อน รูปแบบที่แปลกประหลาด - nihongami ใช้สิ่งของต่าง ๆ - กิ๊บติดผม, แท่ง, หวีตอนนั้นแม้แต่หวีหวี kushi ธรรมดาก็กลายเป็นเครื่องประดับที่สง่างามของความงามที่ไม่ธรรมดาซึ่งกลายเป็นงานศิลปะที่แท้จริงเครื่องแต่งกายแบบดั้งเดิมของผู้หญิงญี่ปุ่นไม่อนุญาต เครื่องประดับข้อมือ และสร้อยคอ ทรงผมก็เช่นกัน ความงามหลักและพื้นที่สำหรับการแสดงออก - รวมทั้งแสดงให้เห็นถึงรสนิยมและความหนาของกระเป๋าเงินของเจ้าของ คุณจะเห็นได้จากลายสลัก - หากคุณดูอย่างใกล้ชิด - ผู้หญิงญี่ปุ่นแขวนคันซาชิราคาแพงถึงยี่สิบตัวในทรงผมได้อย่างง่ายดาย
ปัจจุบัน ประเพณีการใช้คันซาชิเริ่มฟื้นคืนชีพในหมู่หญิงสาวชาวญี่ปุ่นที่ต้องการเพิ่มความซับซ้อนและความสง่างามให้กับทรงผม ปิ่นปักผมสมัยใหม่สามารถประดับด้วยดอกไม้ทำมืออันโอชะเพียงหนึ่งหรือสองดอก

- คินุไซกะ
งานเย็บปักถักร้อยที่น่าทึ่งจากประเทศญี่ปุ่น Kinusaiga (絹彩画) เป็นลูกผสมระหว่างผ้าบาติกและการเย็บปะติดปะต่อ แนวคิดหลักคือภาพวาดใหม่รวบรวมจากชุดกิโมโนไหมเก่าทีละชิ้น - ผลงานที่แท้จริงศิลปะ.
ขั้นแรกให้ศิลปินร่างภาพบนกระดาษ จากนั้นภาพวาดนี้จะถูกถ่ายโอนไปยังกระดานไม้ รูปร่างของลวดลายถูกตัดผ่านร่องหรือร่อง จากนั้นเศษเล็กเศษน้อยที่เข้ากันกับสีและโทนสีจะถูกตัดออกจากกิโมโนไหมเก่า และขอบของเศษเหล่านี้จะเติมเต็มร่อง เมื่อคุณดูภาพดังกล่าว คุณจะรู้สึกว่าคุณกำลังดูภาพถ่าย หรือแม้แต่ดูทิวทัศน์นอกหน้าต่าง ภาพเหล่านี้ดูสมจริงมาก

- เทมาริ
ลูกบอลเหล่านี้เป็นลูกบอลปักรูปทรงเรขาคณิตแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นที่เย็บอย่างง่าย ซึ่งครั้งหนึ่งเคยเป็นของเล่นเด็ก และปัจจุบันได้กลายเป็นรูปแบบศิลปะที่มีแฟนๆ จำนวนมาก ไม่เพียงแต่ในญี่ปุ่นเท่านั้นแต่ทั่วโลก เชื่อกันว่าเมื่อนานมาแล้ว ผลิตภัณฑ์เหล่านี้ถูกผลิตขึ้นโดยภรรยาซามูไรเพื่อความบันเทิง ในตอนแรกพวกเขาถูกใช้เป็นลูกบอลสำหรับเกมบอล แต่ค่อยๆ พวกเขาเริ่มได้รับองค์ประกอบทางศิลปะและต่อมาก็เปลี่ยนเป็นเครื่องประดับตกแต่ง ความสวยงามที่ละเอียดอ่อนของลูกบอลเหล่านี้เป็นที่รู้จักไปทั่วประเทศญี่ปุ่น และในปัจจุบัน ผลิตภัณฑ์ที่มีสีสันและประดิษฐ์ขึ้นอย่างพิถีพิถันเป็นหนึ่งในประเภทของงานฝีมือพื้นบ้านในญี่ปุ่น

- ยูบินิกิ
ปลอกนิ้วญี่ปุ่นเมื่อเย็บหรือปักด้วยมือพวกเขาจะวางบนกลุ่มกลางของนิ้วกลางของมือทำงานด้วยความช่วยเหลือของปลายนิ้วเข็มจะได้รับทิศทางที่ต้องการและเข็มจะถูกดันผ่านวงแหวนที่อยู่ตรงกลาง นิ้วในการทำงาน ในขั้นต้นปลอกนิ้วยูบินูกิของญี่ปุ่นทำขึ้นอย่างเรียบง่าย - แถบผ้าหรือหนังที่มีความหนาแน่นสูงประมาณ 1 ซม. กว้างหลายชั้นพันรอบนิ้วให้แน่นและยึดเข้าด้วยกันด้วยการเย็บตกแต่งง่ายๆ เนื่องจากยูบินูกิเป็นสิ่งของที่จำเป็นในบ้านทุกหลัง พวกเขาจึงเริ่มตกแต่งด้วยงานปักรูปทรงเรขาคณิตด้วยเส้นไหม จากการสอดประสานของฝีเข็ม สีสัน และ รูปแบบที่ซับซ้อน. ยูบินูกิจากของใช้ในบ้านธรรมดาๆ ได้กลายเป็นวัตถุสำหรับ "ชื่นชม" ประดับชีวิตประจำวัน
ยูบินูกิยังคงใช้ในงานเย็บผ้าและงานปัก แต่สามารถพบเห็นได้ทั่วไปเมื่อสวมใส่บนมือหรือนิ้วใดก็ได้ เช่น แหวนประดับ งานปักสไตล์ยูบินูกิใช้ในการตกแต่งสิ่งของต่างๆ ในรูปแบบของแหวน - แหวนผ้าเช็ดปาก, กำไล, ขาตั้งเทมาริ ตกแต่งด้วยงานปักยูบินูกิ และยังมีเตียงเข็มปักในสไตล์เดียวกัน ลวดลายยูบินุกิสามารถเป็นแรงบันดาลใจที่ดีสำหรับการปักผ้าเทมาริโอบิ

- ซุยโบคุกะ หรือ ซุมิเอะ
ภาพวาดหมึกญี่ปุ่น. นี้ สไตล์จีนภาพวาดถูกยืมโดยศิลปินชาวญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 14 และปลายศตวรรษที่ 15 กลายเป็นกระแสหลักของการวาดภาพในญี่ปุ่น ซุยโบกุกะเป็นภาพขาวดำ โดดเด่นด้วยการใช้หมึกดำ (sumi) ซึ่งเป็นรูปแบบทึบ ถ่านหรือทำจากเขม่าหมึกจีนบดในหม้อหมึก เจือจางน้ำ แล้วทาด้วยพู่กันกับกระดาษหรือไหม ขาวดำนำเสนอตัวเลือกโทนสีที่ไม่รู้จบซึ่งชาวจีนรู้จักมานานว่าเป็น "สี" ของหมึก บางครั้งซุยโบกุกะอนุญาตให้ใช้สีจริงได้ แต่จำกัดให้ใช้เส้นบางและโปร่งแสงซึ่งมักจะรองลงมาจากเส้นหมึกเสมอ การวาดภาพด้วยหมึกมีส่วนร่วมกับศิลปะการเขียนพู่กัน เช่น ลักษณะที่สำคัญ เช่น การแสดงออกที่ควบคุมอย่างเข้มงวด และความเชี่ยวชาญด้านเทคนิคของรูปแบบ คุณภาพของการวาดภาพด้วยหมึกลดลง เช่นเดียวกับการประดิษฐ์ตัวอักษร ความสมบูรณ์และความทนทานต่อการฉีกขาดของเส้นที่วาดด้วยหมึก ซึ่งยังคงรักษางานศิลปะไว้กับตัวเอง เช่นเดียวกับกระดูกที่ยึดเนื้อเยื่อไว้บนตัวมันเอง

- เอเทงามิ.
โปสการ์ดที่วาด (e - รูปภาพ, แท็ก - จดหมาย) โดยทั่วไปแล้วการทำโปสการ์ดด้วยตัวเองเป็นกิจกรรมที่ได้รับความนิยมอย่างมากในญี่ปุ่น และก่อนวันหยุดเทศกาลจะได้รับความนิยมเพิ่มมากขึ้น ชาวญี่ปุ่นชอบส่งโปสการ์ดให้เพื่อนๆ และพวกเขาก็ชอบที่จะได้รับเช่นกัน นี่คือจดหมายด่วนประเภทหนึ่งบนช่องว่างพิเศษ สามารถส่งทางไปรษณีย์โดยไม่ต้องใส่ซองจดหมาย ไม่ใช่ในเอเทงามิ กฎพิเศษหรือช่างเทคนิคสามารถเป็นบุคคลใดก็ได้โดยไม่ต้องมีการฝึกอบรมพิเศษ Etagami ช่วยถ่ายทอดอารมณ์ ความประทับใจ เป็นโปสการ์ดทำมือประกอบด้วยรูปภาพและจดหมายสั้นๆ สื่ออารมณ์ต่างๆ ของผู้ส่ง เช่น ความอบอุ่น ความรัก ความห่วงใย ความรัก เป็นต้น พวกเขาส่งไปรษณียบัตรเหล่านี้สำหรับวันหยุดและในทำนองนั้น โดยแสดงภาพฤดูกาล กิจกรรม ผักและผลไม้ ผู้คนและสัตว์ ยิ่งภาพนี้วาดง่ายเท่าไหร่ ก็ยิ่งดูน่าสนใจมากขึ้นเท่านั้น

- ฟุโรชิกิ.
เทคนิคการห่อแบบญี่ปุ่นหรือศิลปะการพับผ้า Furoshiki เข้าสู่ชีวิตชาวญี่ปุ่นมาช้านาน หนังสือม้วนโบราณจากยุคคามาคุระ-มุโรมาจิ (ค.ศ. 1185 - 1573) ได้รับการเก็บรักษาไว้โดยมีภาพสตรีถือห่อผ้าที่ห่อด้วยผ้าไว้บนศีรษะ เทคนิคที่น่าสนใจนี้เกิดขึ้นตั้งแต่ช่วง ค.ศ. 710 - 794 ในประเทศญี่ปุ่น คำว่า "ฟุโรชิกิ" แปลตรงตัวว่า "พรมอาบน้ำ" และเป็นผ้าสี่เหลี่ยมที่ใช้ห่อและพกพาสิ่งของทุกรูปทรงและขนาด
ในสมัยก่อน เป็นเรื่องปกติที่จะเดินเล่นในห้องอาบน้ำแบบญี่ปุ่น (ฟุโระ) ในชุดกิโมโนผ้าฝ้ายเนื้อเบา ซึ่งผู้มาเยือนนำติดตัวมาจากบ้าน ผู้อาบน้ำยังนำพรมพิเศษ (ชิกิ) ที่เขายืนขณะเปลื้องผ้ามาด้วย หลังจากเปลี่ยนเป็นชุดกิโมโน "อาบน้ำ" แล้ว ผู้มาเยี่ยมก็ห่อเสื้อผ้าของเขาไว้ในพรม และหลังจากอาบน้ำก็ห่อกิโมโนเปียกไว้ในพรมเพื่อนำกลับบ้าน ดังนั้นพรมเช็ดเท้าจึงกลายเป็นกระเป๋าสารพัดประโยชน์
ฟุโรชิกิใช้งานง่ายมาก: ผ้าจะปรับรูปร่างของวัตถุที่คุณห่อ และที่จับช่วยให้ถือของได้ง่าย นอกจากนี้ ของขวัญที่ไม่ได้ห่อด้วยกระดาษแข็งแต่เป็นผ้าเนื้อนุ่มหลายชั้น ให้ความรู้สึกพิเศษ มีหลายรูปแบบสำหรับการพับ furoshiki สำหรับทุกโอกาส ทุกวันหรือเทศกาล

- อามิกุรุมิ
ศิลปะการถักนิตติ้งหรือการถักตุ๊กตาสัตว์ขนาดเล็กและสัตว์คล้ายมนุษย์ของญี่ปุ่น Amigurumi (編み包み, จากความหมาย: “ถัก-ห่อ”) ส่วนใหญ่มักจะเป็นสัตว์น่ารัก (เช่น หมี กระต่าย แมว สุนัข ฯลฯ) ผู้ชายตัวเล็กๆ แต่พวกมันก็สามารถเป็นวัตถุที่ไม่มีชีวิตซึ่งมีคุณสมบัติของมนุษย์ได้เช่นกัน ตัวอย่างเช่น คัพเค้ก หมวก กระเป๋าถือ และอื่นๆ Amigurumi ถักหรือถักหรือโครเชต์ เมื่อเร็ว ๆ นี้ amigurumi โครเชต์ได้กลายเป็นที่นิยมและแพร่หลายมากขึ้น
ถักจากเส้นด้ายด้วยวิธีถักแบบง่าย - เป็นเกลียวและไม่เหมือนกับวิธีการถักแบบยุโรป วงกลมมักจะไม่เชื่อมต่อกัน พวกเขายังโครเชต์ในขนาดที่เล็กกว่าเมื่อเทียบกับความหนาของเส้นด้ายเพื่อสร้างผ้าที่มีความหนาแน่นสูงโดยไม่มีช่องว่างให้บรรจุออกมา Amigurumi มักจะทำจากชิ้นส่วนต่างๆ แล้วนำมาประกอบกัน ยกเว้น Amigurumi บางตัวที่ไม่มีแขนขา แต่มีเฉพาะหัวและลำตัวซึ่งเป็นหนึ่งเดียว แขนขาบางครั้งเต็มไปด้วยชิ้นพลาสติกเพื่อให้มีน้ำหนักขณะที่ส่วนที่เหลือของร่างกายเต็มไปด้วยเส้นใย
ความสวยงามของอะมิกุรุมิที่แพร่กระจายออกไปได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยความน่ารักของพวกมัน (“คาวาอิ”)

เขาสร้างภาพวาดของเขาในช่วงยุคไทเสะ (พ.ศ. 2455-26) และต้นยุคโชวะ เขาเกิดในปี พ.ศ. 2434
ปีในโตเกียว เป็นลูกชายของนักข่าว Kishida Ginko ในปี พ.ศ. 2451 เขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนเมื่ออายุได้
เมื่ออายุได้ 15 ปี เขากลายเป็นคริสเตียนและอุทิศตนเพื่อกิจกรรมในโบสถ์ จากนั้นคิชิดะ
Ryūsei ศึกษารูปแบบศิลปะตะวันตกที่สตูดิโอ Hakubakai ภายใต้
Seiki Kuroda (1866-1924) ซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้ง Academy of Arts ในญี่ปุ่น
ในปีพ. ศ. 2453 ศิลปินหนุ่มเริ่มแสดงผลงานของเขาประจำปี
นิทรรศการบันเตินสเตท. ผลงานในยุคแรกๆ ของเขา โดยเฉพาะภาพทิวทัศน์
ได้รับอิทธิพลอย่างมากและสะท้อนสไตล์ของคุโรดะ เซกิ อาจารย์ของเขา

ภาพเหมือนของเรโกะ

ต่อมาศิลปินได้พบและเป็นเพื่อนกับ Musanoko Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu)
ผู้แนะนำศิลปินให้รู้จักกับสังคม Sirakaba (ไม้เบิร์ชสีขาว) และแนะนำให้เขารู้จักกับชาวยุโรป
Fauvism และ Cubism การก่อตัวของ Kishida Ryūsei ในฐานะศิลปินเกิดขึ้นในช่วงแรก
ทศวรรษของศตวรรษที่ 20 เมื่อศิลปินรุ่นใหม่ชาวญี่ปุ่นจำนวนมากออกจากการศึกษา
การวาดภาพในต่างประเทศ โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่กรุงปารีส Kishida Ryūsei ไม่เคยไปยุโรปและ
ไม่ได้เรียนกับปรมาจารย์ชาวยุโรป แต่อิทธิพลของลัทธิหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ของยุโรปที่มีต่อเขา
เป็นจำนวนมากโดยเฉพาะผลงานของแวนโก๊ะและเซซานน์ ตั้งแต่ปลายปี พ.ศ. 2454 ถึงต้น
1912 เขาได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของศิลปินร่วมสมัยชาวฝรั่งเศสซึ่งมีผลงาน
เขาพบในนิตยสาร Shirakaba และผ่านหนังสือภาพประกอบ ผลงานในยุคแรกของเขานั้นชัดเจน
สร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของ Henri Matisse และ Fauvists

ภาพเหมือนตนเองสวมหมวก พ.ศ. 2455
สไตล์: ลัทธิโฟวิสต์

ในปี 1912 เมื่ออายุได้ 21 ปี คิชิดะ ริวเซย์เดบิวต์ในฐานะ
ศิลปินมืออาชีพ นิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของเขาเกิดขึ้นในปี
หอศิลป์โรคันโด ในปีเดียวกันศิลปินได้จัด
Fyizankai Art Circle เพื่อศึกษาและส่งเสริม
โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์

สวนของประธานบริษัท South Manchurian Railway ในปี 1929

วงกลมถูกยกเลิกในไม่ช้าเนื่องจาก ความขัดแย้งภายในหลังจากสองนิทรรศการ
ตั้งแต่ประมาณปี 1914 ศิลปินละทิ้ง Fauvism ซึ่งเป็นสไตล์แรกของเขา ในปี 1915
ในปี คิชิดะ เรไซ ได้สร้างกลุ่มโชโดสะ ซึ่งเป็นกลุ่มเพื่อนนักเรียนหลักของเขา
และศิลปิน Michisai Kono เป็นผู้ติดตาม

เส้นทางในต้นฤดูร้อน 2460
สไตล์: โยคะ-กา

ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา เขาได้พัฒนารูปแบบเฉพาะของตนเองในการเป็นปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในภาษาญี่ปุ่น
ในภาษานี้เรียกว่า "shajitsu" หรือ "shasei" ซึ่งมักจะแปลเป็นภาษารัสเซียว่าความสมจริง
ศิลปินลดความซับซ้อนของรูปแบบ ค้นหาสีที่ไม่เหมือนใคร ทั้งหมดนี้มาจากงานศิลปะ
เซซาน. แม้ว่า Kishida Reisai จะชื่นชมศิลปะของฝรั่งเศสมาก แต่ในช่วงหลังเขา
ถือว่าศิลปะตะวันออกเหนือกว่าศิลปะตะวันตกมาก

ถนนตัดผ่านเนินเขา 2458
สไตล์: โยคะ-กา

ภาพเหมือนของเบอร์นาร์ด ลีค 2456
สไตล์: ลัทธิโฟวิสต์

ภาพเหมือนตนเอง พ.ศ. 2458
สไตล์: โยคะ-กา

ภาพเหมือนตนเอง พ.ศ. 2456
สไตล์: โยคะ-กา

ภาพเหมือนตนเอง พ.ศ. 2460
สไตล์: โยคะ-กา

ภาพเหมือนของชายคนหนึ่ง
สไตล์: โยคะ-กา

เริ่มต้นประมาณปี 1917 ศิลปินได้ย้ายไปที่ Kugenuma Fujisawa ในพื้นที่ Kanagawa เขาเริ่ม
ศึกษารูปแบบและเทคนิคของศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุโรปเหนือ เช่น
ดูเรอร์ และ ฟาน ไดค์ ในช่วงเวลานี้เขาวาดภาพชุดที่มีชื่อเสียงของเขาเกี่ยวกับลูกสาวของ Reiko
ซึ่งผสมผสานระหว่างความสมจริงของภาพถ่ายกับความเหนือจริงเข้าด้วยกัน
องค์ประกอบตกแต่ง ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1920 คิชิดะ ริวเซย์สนใจใน
องค์ประกอบของศิลปะตะวันออกโดยเฉพาะกับภาพวาดจีน "เพลง" และ
"ราชวงศ์หยวน".

"ภาพเหมือนของซานาดะ ฮิซากิจิ"

ในช่วงที่เกิดแผ่นดินไหวครั้งใหญ่ในคันโตในปี 1923 บ้านของศิลปินใน Kugenum เคยเป็น
ถูกทำลาย Kishida Ryūsei ย้ายไปเกียวโตช่วงสั้น ๆ หลังจากนั้นในเดือนกุมภาพันธ์
พ.ศ. 2469 กลับไปอาศัยอยู่ที่เมืองคามาคุระ ในปี ค.ศ. 1920 ศิลปินวาดภาพมากมาย
บทความเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และประวัติศาสตร์จิตรกรรมญี่ปุ่น

ถ้วยชา ถ้วยชาและแอปเปิ้ลเขียว 3 ลูก พ.ศ. 2460
สไตล์: sezannism

หุ่นนิ่ง 2461
สไตล์: sezannism

แอปเปิ้ลแดง 2 ลูก ถ้วยชา ถ้วยชา และขวด 2461
สไตล์: sezannism

ในปี 1929 ด้วยความช่วยเหลือของ South Manchurian Railway Kishida Ryūsei ได้สร้าง
ทริปต่างประเทศครั้งเดียวในชีวิต ไป Dalian, Harbin และ Fengtian
ในแมนจูเรีย ระหว่างทางกลับบ้าน เขาแวะที่เมืองโทคุยามะซึ่งเป็นเขตหนึ่ง
ยามากุจิซึ่งจู่ๆ เขาก็เสียชีวิตจากพิษเฉียบพลันของร่างกาย คิชิดะ ริวเซย์
ทรงสร้างภาพบุคคล ภาพทิวทัศน์ และหุ่นนิ่ง จนกระทั่งมรณภาพเมื่ออายุได้
38 ปี หลุมฝังศพของศิลปินตั้งอยู่ที่สุสาน Tama Reien ในโตเกียว หลังความตาย
Kishida Ryūsei กับภาพวาดสองภาพของเขา Japan Government Agency for Cultural Affairs
ได้รับรางวัล “ส.ป.ก คุณค่าทางวัฒนธรรม". ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2543 หนึ่งใน
ภาพเหมือนของเรโกะลูกสาวของเขาที่มีผ้าเช็ดหน้าอยู่บนไหล่ของเธอถูกขายในราคา 360 ล้านเยน ซึ่ง
กลายเป็นราคาสูงสุดในการประมูลภาพวาดของญี่ปุ่น

ภูมิภาคอันกว้างใหญ่ซึ่งเรียกตามธรรมเนียมว่าตะวันออกไกล ได้แก่ จีน ญี่ปุ่น เกาหลี มองโกเลีย และทิเบต ซึ่งเป็นประเทศที่มีความคล้ายคลึงกันหลายประการ แต่ในขณะเดียวกันก็มีความแตกต่างในด้านวัฒนธรรมอย่างมาก

ทุกประเทศในตะวันออกไกลได้รับอิทธิพลจากอารยธรรมโบราณของจีนและอินเดีย ซึ่งในช่วงต้นสหัสวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช คำสอนทางปรัชญาและศาสนาได้เกิดขึ้นที่วางรากฐานสำหรับแนวคิดเรื่องธรรมชาติในฐานะจักรวาลที่ครอบคลุม - ชีวิตและจิตวิญญาณ สิ่งมีชีวิตที่ดำเนินชีวิตตามกฎของมันเอง ธรรมชาติเป็นศูนย์กลางของการค้นหาทางปรัชญาและศิลปะตลอดยุคกลาง และกฎของธรรมชาติถือเป็นสากล กำหนดชีวิตและความสัมพันธ์ของผู้คน โลกภายในของมนุษย์ถูกเปรียบเทียบกับการแสดงออกที่หลากหลายของธรรมชาติ สิ่งนี้มีอิทธิพลต่อการพัฒนาวิธีการทางสัญลักษณ์ในทัศนศิลป์ โดยกำหนดภาษากวีเชิงเปรียบเทียบ ในประเทศจีน ญี่ปุ่น และเกาหลี ภายใต้อิทธิพลของทัศนคติต่อธรรมชาติ ประเภทและประเภทของศิลปะได้ก่อตัวขึ้น กลุ่มสถาปัตยกรรมถูกสร้างขึ้นที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับภูมิทัศน์โดยรอบ ศิลปะในสวนและในที่สุดก็มีการเริ่มต้นของการวาดภาพทิวทัศน์ ภายใต้อิทธิพลของอารยธรรมอินเดียโบราณ ศาสนาพุทธเริ่มเผยแผ่ และศาสนาฮินดูก็เริ่มเผยแผ่ในมองโกเลียและทิเบตด้วย ระบบศาสนาเหล่านี้ไม่เพียงนำแนวคิดใหม่มาสู่ประเทศในตะวันออกไกลเท่านั้น แต่ยังส่งผลกระทบโดยตรงต่อการพัฒนาศิลปะอีกด้วย ต้องขอบคุณพุทธศาสนาภาษาศิลปะใหม่ของประติมากรรมและภาพวาดที่ไม่รู้จักก่อนหน้านี้ปรากฏในทุกประเทศของภูมิภาค วงดนตรีถูกสร้างขึ้นซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของการทำงานร่วมกันของสถาปัตยกรรมและวิจิตรศิลป์

ลักษณะของภาพเทพในประติมากรรมและจิตรกรรมมีวิวัฒนาการมาเป็นเวลาหลายศตวรรษในฐานะภาษาสัญลักษณ์พิเศษที่แสดงแนวคิดเกี่ยวกับจักรวาล กฎศีลธรรม และชะตากรรมของมนุษย์ ดังนั้น ประสบการณ์ทางวัฒนธรรมและประเพณีทางจิตวิญญาณของหลายชนชาติจึงได้รับการรวบรวมและอนุรักษ์ไว้ ภาพพุทธศิลป์สะท้อนแนวคิดของการเผชิญหน้าระหว่างความดีและความชั่ว ความเมตตา ความรักและความหวัง คุณสมบัติทั้งหมดเหล่านี้กำหนดความคิดริเริ่มและความสำคัญสากลของการสร้างสรรค์ที่โดดเด่นของวัฒนธรรมศิลปะตะวันออกไกล

ญี่ปุ่นตั้งอยู่บนหมู่เกาะในมหาสมุทรแปซิฟิก ทอดยาวไปตามชายฝั่งตะวันออกของแผ่นดินใหญ่ในเอเชียจากเหนือจรดใต้ เกาะญี่ปุ่นตั้งอยู่ในพื้นที่เสี่ยงต่อการเกิดแผ่นดินไหวและพายุไต้ฝุ่นบ่อยครั้ง ชาวเกาะคุ้นเคยกับการระวังตัวตลอดเวลา พอใจกับชีวิตที่เรียบง่าย ฟื้นฟูบ้านและครัวเรือนอย่างรวดเร็วหลังจากเกิดภัยพิบัติทางธรรมชาติ แม้จะมีองค์ประกอบทางธรรมชาติที่คุกคามความเป็นอยู่ของผู้คนอยู่ตลอดเวลา แต่วัฒนธรรมญี่ปุ่นก็สะท้อนให้เห็นถึงความปรารถนาที่จะกลมกลืนกับโลกภายนอก ความสามารถในการมองเห็นความงามของธรรมชาติทั้งขนาดใหญ่และเล็ก

ในตำนานญี่ปุ่น อิซานางิและอิซานามิ คู่ครองแห่งสวรรค์ถือเป็นบรรพบุรุษของทุกสิ่งในโลก เทพเจ้าผู้ยิ่งใหญ่ทั้งสามมาจากพวกเขา: Amaterasu - เทพีแห่งดวงอาทิตย์, Tsukiyomi - เทพีแห่งดวงจันทร์และ Susanoo - เทพเจ้าแห่งพายุและลม ตามแนวคิดของชาวญี่ปุ่นโบราณ เทพเจ้าไม่ได้มีรูปร่างหน้าตาที่มองเห็นได้ แต่แฝงตัวอยู่ในธรรมชาติ - ไม่เพียง แต่ในดวงอาทิตย์และดวงจันทร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงภูเขาและโขดหิน แม่น้ำและน้ำตก ต้นไม้และหญ้าด้วย ได้รับการเคารพในฐานะวิญญาณ - คามิ (สโลวาเกียแปลจากภาษาญี่ปุ่นแปลว่า ลมศักดิ์สิทธิ์) ความเป็นเทพแห่งธรรมชาตินี้คงอยู่ตลอดช่วงยุคกลางและถูกเรียกว่าชินโต - เส้นทางแห่งเทพเจ้ากลายเป็นศาสนาประจำชาติญี่ปุ่น ชาวยุโรปเรียกว่าชินโต ต้นกำเนิดของวัฒนธรรมญี่ปุ่นมีรากฐานมาจากสมัยโบราณ งานศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดมีอายุย้อนไปถึง 4...2 พันปีก่อนคริสต์ศักราช ศิลปะญี่ปุ่นที่ยาวนานและมีผลมากที่สุดคือช่วงยุคกลาง (6...ศตวรรษที่ 19)

การออกแบบบ้านญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมที่พัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 17-18 เป็นโครงไม้ที่มีผนังสามด้านที่สามารถเคลื่อนย้ายได้และหนึ่งชิ้นยึดอยู่กับที่ ผนังไม่ได้ทำหน้าที่เป็นตัวรองรับ ดังนั้นจึงสามารถเคลื่อนย้ายออกจากกันหรือแม้แต่ถอดออกได้ โดยทำหน้าที่เป็นหน้าต่างในเวลาเดียวกัน ในฤดูร้อน ผนังเป็นโครงตาข่ายแปะทับด้วยกระดาษโปร่งแสงที่แสงผ่านได้ และในฤดูหนาวและฤดูฝน ผนังจะถูกปิดหรือแทนที่ด้วยแผ่นไม้ ด้วยความชื้นสูงในสภาพอากาศของญี่ปุ่น โรงเรือนจึงต้องระบายอากาศจากด้านล่าง ดังนั้นจึงยกขึ้นเหนือระดับพื้นดิน 60 ซม. เพื่อป้องกันเสารองรับจากการผุพังจึงติดตั้งบนฐานหิน

โครงไม้สีอ่อนมีความยืดหยุ่นที่จำเป็น ซึ่งช่วยลดแรงทำลายล้างจากการกดระหว่างเกิดแผ่นดินไหวบ่อยครั้งในประเทศ หลังคาที่ปูด้วยกระเบื้องหรือไม้อ้อมีหลังคาขนาดใหญ่ที่ป้องกันผนังกระดาษของบ้านจากฝนและแสงแดดในฤดูร้อนที่แผดเผา แต่ไม่สามารถกันแสงแดดที่ส่องลงมาในฤดูหนาว ต้นฤดูใบไม้ผลิ และปลายฤดูใบไม้ร่วงได้ ใต้หลังคามีเฉลียง

พื้นห้องนั่งเล่นปูด้วยเสื่อ - เสื่อทาทามิซึ่งส่วนใหญ่นั่งไม่ได้ยืน ดังนั้นสัดส่วนทั้งหมดของบ้านจึงมุ่งเน้นไปที่คนนั่ง เนื่องจากไม่มีเฟอร์นิเจอร์ถาวรในบ้าน พวกเขาจึงนอนบนพื้นบนฟูกหนาพิเศษซึ่งถูกเก็บไว้ในตู้เสื้อผ้าในระหว่างวัน พวกเขากิน, นั่งบนเสื่อ, ที่โต๊ะเตี้ย, พวกเขายังทำหน้าที่ หลากหลายอาชีพ. พาร์ติชันภายในแบบเลื่อนที่ปูด้วยกระดาษหรือผ้าไหมสามารถแบ่งพื้นที่ภายในได้ตามความต้องการ ซึ่งทำให้สามารถใช้งานได้หลากหลายมากขึ้น อย่างไรก็ตาม ผู้อยู่อาศัยแต่ละคนไม่สามารถเกษียณภายในบ้านได้อย่างสมบูรณ์ ซึ่งส่งผลกระทบต่อภายใน - ความสัมพันธ์ในครอบครัวในครอบครัวญี่ปุ่นและในความหมายทั่วไป - เกี่ยวกับคุณลักษณะประจำชาติของญี่ปุ่น รายละเอียดที่สำคัญที่บ้าน - ช่องที่ตั้งอยู่ใกล้กับผนังคงที่ - โทโคนามะที่สามารถแขวนรูปภาพหรือองค์ประกอบของดอกไม้ได้ - อิเคบานะสามารถยืนได้ เป็นศูนย์รวมจิตใจของบ้าน ในการตกแต่งโพรงได้แสดงคุณสมบัติส่วนบุคคลของผู้อยู่อาศัยรสนิยมและความโน้มเอียงทางศิลปะของพวกเขา

ความต่อเนื่องของบ้านญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมคือสวน เขาเล่นบทบาทของรั้วและในขณะเดียวกันก็เชื่อมต่อกับบ้านด้วย สิ่งแวดล้อม. เมื่อผนังด้านนอกของบ้านถูกแยกออกจากกัน ขอบเขตระหว่างพื้นที่ด้านในของบ้านและสวนจะหายไปและความรู้สึกใกล้ชิดกับธรรมชาติ การสื่อสารโดยตรงกับมันถูกสร้างขึ้น มันเป็น คุณสมบัติที่สำคัญความรู้สึกระดับชาติ อย่างไรก็ตาม เมืองในญี่ปุ่นเติบโตขึ้น ขนาดของสวนลดลง บ่อยครั้งที่มันถูกแทนที่ด้วยองค์ประกอบสัญลักษณ์เล็กๆ ของดอกไม้และพืช ซึ่งทำหน้าที่เดียวกันในการติดต่อระหว่างที่อยู่อาศัยและโลกธรรมชาติ บ้านในตำนานญี่ปุ่น อิเคบานะ เน็ตสึเกะ

ศิลปะการจัดดอกไม้ในแจกัน - ikebbna (ชีวิตของดอกไม้) - ย้อนกลับไปถึงประเพณีโบราณของการวางดอกไม้บนแท่นบูชาของเทพเจ้า ซึ่งเผยแพร่ไปยังญี่ปุ่นพร้อมกับศาสนาพุทธในศตวรรษที่ 6 บ่อยครั้งที่องค์ประกอบในรูปแบบของเวลานั้น - ริกกะ (ดอกไม้ที่ปลูก) - ประกอบด้วยกิ่งสนหรือต้นไซเปรสและดอกบัว, กุหลาบ, ดอกแดฟโฟดิลซึ่งติดตั้งในภาชนะทองสัมฤทธิ์โบราณ

ด้วยการพัฒนา วัฒนธรรมฆราวาสในศตวรรษที่ 10...ศตวรรษที่ 12 มีการจัดดอกไม้ในพระราชวังและที่อยู่อาศัยของผู้แทนชนชั้นสูง ในราชสำนัก การแข่งขันพิเศษในการจัดช่อดอกไม้กลายเป็นที่นิยม ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 ทิศทางใหม่ในศิลปะของ ikebana ปรากฏขึ้นโดยผู้ก่อตั้งคือ Ikenobo Sen'ei ปรมาจารย์ ผลงานของโรงเรียน Ikenobo มีความโดดเด่นด้วยความสวยงามและความซับซ้อนเป็นพิเศษ พวกเขาถูกติดตั้งที่แท่นบูชาในบ้านและมอบเป็นของขวัญ ในศตวรรษที่ 16 เมื่อพิธีชงชาแพร่หลายมากขึ้น อิเคบานะชนิดพิเศษถูกสร้างขึ้นเพื่อประดับโทโคโนมะเฉพาะในศาลาชงชา ความต้องการของความเรียบง่าย ความกลมกลืน สีที่ถูกจำกัด นำเสนอต่อวัตถุทั้งหมดของลัทธิชา ขยายไปถึงการออกแบบดอกไม้ - ไทบานะ (อิเคบานะสำหรับพิธีชงชา) อาจารย์ชาชื่อดัง Senno Rikyu ได้สร้างรูปแบบใหม่ที่อิสระกว่า - nageire (วางดอกไม้อย่างไม่ใส่ใจ) แม้ว่าจะดูไม่เป็นระเบียบที่มีความซับซ้อนและความสวยงามเป็นพิเศษของภาพในสไตล์นี้ นาเกะอิเระประเภทหนึ่งเรียกว่า สึริบานะ เมื่อพืชถูกวางไว้ในภาชนะที่แขวนเป็นรูปเรือ องค์ประกอบดังกล่าวถูกเสนอให้กับบุคคลที่เข้าทำงานหรือจบการศึกษาจากโรงเรียนเนื่องจากเป็นสัญลักษณ์ว่า "ออกไปสู่ทะเลแห่งชีวิตที่เปิดกว้าง" ในศตวรรษที่ 17...19 ศิลปะของอิเคบานะเริ่มแพร่หลาย และมีธรรมเนียมปฏิบัติสำหรับการฝึกภาคบังคับของเด็กผู้หญิงในศิลปะการทำช่อดอกไม้ อย่างไรก็ตาม เนื่องจากความนิยมของอิเคบานะ การแต่งเพลงจึงง่ายขึ้น และกฎที่เข้มงวดของสไตล์ริกกะต้องถูกละทิ้งไปแทนนาเงอิเระ ซึ่งเป็นรูปแบบใหม่ของเซกะหรือโชกะ (ดอกไม้ที่มีชีวิต) ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 ปรมาจารย์ Ohara Usin ได้สร้างรูปแบบโมริบานะ ซึ่งเป็นนวัตกรรมหลักในการจัดดอกไม้ในภาชนะกว้าง

ตามกฎแล้วองค์ประกอบของอิเคบานะมีองค์ประกอบบังคับสามประการซึ่งแสดงถึงหลักการสามประการ: สวรรค์โลกและมนุษย์ สามารถประกอบเป็นดอกไม้ กิ่งไม้ และหญ้าได้ ความสัมพันธ์ระหว่างกันและ องค์ประกอบเพิ่มเติมสร้างสรรค์งานที่มีรูปแบบและเนื้อหาแตกต่างกัน งานของศิลปินไม่เพียง แต่สร้างองค์ประกอบที่สวยงามเท่านั้น แต่ยังถ่ายทอดความคิดของเขาเกี่ยวกับชีวิตของบุคคลและสถานที่ของเขาในโลกนี้อย่างเต็มที่ ผลงานของปรมาจารย์อิเคบานะที่โดดเด่นสามารถแสดงออกถึงความหวังและความเศร้า ความกลมกลืนทางจิตวิญญาณและความเศร้า

ตามประเพณีในอิเคะบะนะ ฤดูกาลจำเป็นต้องเกิดขึ้นใหม่ และการรวมกันของพืชก่อให้เกิดความปรารถนาดีเชิงสัญลักษณ์ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในญี่ปุ่น: ต้นสนและกุหลาบ - อายุยืนยาว; ดอกโบตั๋นและไม้ไผ่ - ความเจริญรุ่งเรืองและความสงบสุข ดอกเบญจมาศและกล้วยไม้ - ความสุข แมกโนเลีย - ความบริสุทธิ์ทางวิญญาณ ฯลฯ

ประติมากรรมขนาดเล็ก - netsuke แพร่หลายในศตวรรษที่ 18-19 โดยเป็นหนึ่งในประเภทของศิลปะและงานฝีมือ รูปลักษณ์ของมันเกิดจากการที่เครื่องแต่งกายประจำชาติของญี่ปุ่น - กิโมโน - ไม่มีกระเป๋าและของชิ้นเล็ก ๆ ที่จำเป็นทั้งหมด (ท่อ, กระเป๋า, กล่องยา) ติดอยู่กับเข็มขัดโดยใช้พวงกุญแจถ่วงน้ำหนัก ดังนั้น Netsuke จึงจำเป็นต้องมีรูสำหรับลูกไม้โดยใช้วัตถุที่ต้องการติดไว้ ก่อนหน้านี้มีการใช้พวงกุญแจในรูปแบบของแท่งและปุ่ม แต่ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 ผู้เชี่ยวชาญที่มีชื่อเสียงได้ทำงานเกี่ยวกับการสร้าง netsuke แล้วโดยใส่ลายเซ็นลงในผลงาน

Netsuke เป็นศิลปะของชนชั้นในเมือง มวลชน และประชาธิปไตย ตามแผนการของ netsuke เราสามารถตัดสินความต้องการทางจิตวิญญาณ ความสนใจในชีวิตประจำวัน ประเพณีและประเพณีของชาวเมือง พวกเขาเชื่อในวิญญาณและปีศาจ ซึ่งมักจะปรากฏอยู่ในประติมากรรมขนาดเล็ก พวกเขาชอบรูปแกะสลักของ "เทพเจ้าทั้งเจ็ดแห่งความสุข" ซึ่งเป็นที่นิยมมากที่สุด ได้แก่ เทพเจ้าแห่งความมั่งคั่ง Daikoku และเทพเจ้าแห่งความสุข Fukuroku แผนการอย่างต่อเนื่องของ netsuke มีดังต่อไปนี้: มะเขือยาวแตกที่มีเมล็ดมากมายอยู่ข้างใน - ความปรารถนาสำหรับลูกหลานตัวผู้ตัวใหญ่, เป็ดสองตัว - สัญลักษณ์ ความสุขของครอบครัว. netsuke จำนวนมากทุ่มเทให้กับหัวข้อในชีวิตประจำวันและชีวิตประจำวันของเมือง เหล่านี้คือนักแสดงและนักมายากลพเนจร พ่อค้าเร่ ผู้หญิงที่ทำกิจกรรมต่าง ๆ พระพเนจร นักมวยปล้ำ แม้แต่ชาวดัตช์ในมุมมองที่แปลกใหม่ จากมุมมองของญี่ปุ่น เสื้อผ้า - หมวกปีกกว้าง เสื้อชั้นใน และกางเกงขายาว โดดเด่นด้วยความหลากหลายตามหัวข้อ netsuke ยังคงไว้ซึ่งหน้าที่ดั้งเดิมของพวงกุญแจ และจุดประสงค์นี้กำหนดให้กับช่างฝีมือด้วยรูปทรงที่กะทัดรัดโดยไม่มีรายละเอียดที่ยื่นออกมาเปราะบาง โค้งมน น่าสัมผัส การเลือกใช้วัสดุนั้นเชื่อมโยงกับสิ่งนี้: ไม่หนักมาก, ทนทาน, ประกอบด้วยชิ้นเดียว วัสดุที่พบมากที่สุดคือไม้ประเภทต่างๆ งาช้าง เซรามิก แลคเกอร์และโลหะ

ภาพวาดญี่ปุ่นมีความหลากหลายมากไม่เพียงแต่ในเนื้อหาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรูปแบบด้วย ได้แก่ ภาพวาดฝาผนัง ภาพวาดบนจอ ภาพเลื่อนแนวตั้งและแนวนอน ดำเนินการบนผ้าไหมและกระดาษ แผ่นอัลบั้ม และพัด

เกี่ยวกับ ภาพวาดโบราณสามารถตัดสินได้จากการอ้างอิงในเอกสารที่เป็นลายลักษณ์อักษรเท่านั้น ผลงานที่โดดเด่นที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่มีอายุย้อนไปถึงสมัยเฮอัน (ค.ศ. 794-1185) นี่คือภาพประกอบของ "The Tale of Prince Genji" ที่มีชื่อเสียงโดยนักเขียน Murasaki Shikibu ภาพประกอบถูกสร้างขึ้นในแนวนอนหลายม้วนและเสริมด้วยข้อความ มีสาเหตุมาจากพู่กันของศิลปิน Fujiwara Takayoshi (ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 12)

คุณลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมในยุคนั้นซึ่งสร้างขึ้นโดยกลุ่มชนชั้นสูงที่ค่อนข้างแคบคือลัทธิแห่งความงามความปรารถนาที่จะค้นพบในการแสดงออกทางวัตถุและชีวิตทางจิตวิญญาณเสน่ห์โดยธรรมชาติของพวกเขาบางครั้งก็เข้าใจยากและเข้าใจยาก ภาพวาดในสมัยนั้น ซึ่งต่อมาเรียกว่า yamato-e (ตามตัวอักษรญี่ปุ่นคือภาพวาด) ไม่ได้สื่อถึงการกระทำแต่เป็นสภาวะของจิตใจ เมื่อตัวแทนชนชั้นทหารที่แข็งกร้าวและกล้าหาญเข้ามามีอำนาจ วัฒนธรรมของยุคเฮอันก็เริ่มเสื่อมถอยลง ในภาพวาดบนม้วนกระดาษ หลักการเล่าเรื่องถูกสร้างขึ้น: เหล่านี้เป็นตำนานเกี่ยวกับปาฏิหาริย์ที่เต็มไปด้วยตอนที่น่าทึ่ง ชีวประวัติของนักเทศน์ในศาสนาพุทธ ฉากการต่อสู้ของนักรบ ในศตวรรษที่ 14-15 ภายใต้อิทธิพลของคำสอนของนิกายเซน ด้วยความใส่ใจเป็นพิเศษต่อธรรมชาติ การวาดภาพทิวทัศน์จึงเริ่มพัฒนาขึ้น (เริ่มแรกอยู่ภายใต้อิทธิพลของแบบจำลองจีน)

เป็นเวลากว่าศตวรรษครึ่งที่ศิลปินชาวญี่ปุ่นเชี่ยวชาญระบบศิลปะจีน ทำให้การวาดภาพทิวทัศน์แบบเอกรงค์กลายเป็นสมบัติของศิลปะประจำชาติ การออกดอกสูงสุดนั้นสัมพันธ์กับชื่อของปรมาจารย์ที่โดดเด่น Toyo Oda (1420...1506) ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีภายใต้นามแฝง Sesshu ในทิวทัศน์ของเขา เขาใช้หมึกสีดำเฉดสีที่ดีที่สุดเท่านั้น เขาสามารถสะท้อนสีสันทั้งหมดของโลกธรรมชาติและสถานะนับไม่ถ้วนของมันได้: บรรยากาศที่ชุ่มฉ่ำของต้นฤดูใบไม้ผลิ ลมที่มองไม่เห็นแต่สัมผัสได้และฝนที่หนาวเย็นในฤดูใบไม้ร่วง ความเงียบสงบของฤดูหนาว

ศตวรรษที่ 16 เปิดยุคของสิ่งที่เรียกว่า ยุคกลางตอนปลายยาวนานถึงสามศตวรรษครึ่ง ในเวลานี้ภาพวาดฝาผนังเริ่มแพร่หลายโดยตกแต่งพระราชวังของผู้ปกครองประเทศและขุนนางศักดินาขนาดใหญ่ หนึ่งในผู้ก่อตั้งทิศทางใหม่ในการวาดภาพคือปรมาจารย์ Kano Eitoku ผู้มีชื่อเสียงซึ่งมีชีวิตอยู่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 การแกะสลักไม้ (xylography) ซึ่งรุ่งเรืองในศตวรรษที่ 18-19 กลายเป็นงานวิจิตรศิลป์อีกประเภทหนึ่งของยุคกลาง การแกะสลักเช่นเดียวกับการวาดภาพประเภทต่างๆ ถูกเรียกว่า ukiyo-e (ภาพของโลกประจำวัน) นอกจากศิลปินที่สร้างภาพวาดและเขียนชื่อของเขาลงบนแผ่นสำเร็จแล้ว การแกะสลักยังสร้างโดยช่างแกะสลักและเครื่องพิมพ์อีกด้วย ในตอนแรกการแกะสลักเป็นแบบโมโนโฟนิกมันถูกวาดด้วยมือโดยศิลปินเองหรือโดยผู้ซื้อ จากนั้นจึงคิดค้นการพิมพ์สองสีขึ้น และในปี ค.ศ. 1765 ศิลปิน Suzuki Harunobu (1725-1770) ได้ใช้การพิมพ์หลายสีเป็นครั้งแรก ในการทำเช่นนี้ ช่างแกะสลักได้วางกระดาษลอกลายที่มีลวดลายบนกระดานเลื่อยตามยาวที่เตรียมไว้เป็นพิเศษ (จากลูกแพร์ เชอร์รี่ หรือไม้เนื้อแข็งญี่ปุ่น) และตัดแผ่นพิมพ์ตามจำนวนที่ต้องการ ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับโทนสีของการแกะสลัก บางครั้งมีมากกว่า 30 คน หลังจากนั้นเครื่องพิมพ์เลือกเฉดสีที่เหมาะสมพิมพ์บนกระดาษพิเศษ ทักษะของเขาคือการจับคู่รูปทรงของแต่ละสีซึ่งได้มาจากกระดานไม้ที่แตกต่างกัน การแกะสลักทั้งหมดแบ่งออกเป็นสองกลุ่ม: การแสดงละครซึ่งแสดงภาพนักแสดงชาวญี่ปุ่น โรงละครคลาสสิกคาบุกิในบทบาทต่างๆ และในชีวิตประจำวัน อุทิศให้กับภาพลักษณ์ของความงามและฉากต่างๆ จากชีวิตของพวกเขา ต้นแบบภาพพิมพ์ละครที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Toshushai Syaraku ผู้ซึ่ง ใกล้ชิดแสดงใบหน้าของนักแสดงโดยเน้นย้ำถึงคุณลักษณะของบทบาทที่พวกเขาเล่น ลักษณะนิสัยคนที่กลับชาติมาเกิดเป็นตัวละครในละคร: ความโกรธ, ความกลัว, ความโหดร้าย, การหลอกลวง

ศิลปินที่โดดเด่นเช่น Suzuki Harunobu และ Kitagawa Utamaro มีชื่อเสียงในด้านงานแกะสลักในชีวิตประจำวัน อุทามาโระเป็นผู้สร้าง ภาพผู้หญิงรวบรวมความงามในอุดมคติของชาติ นางเอกของเขาดูเหมือนจะแข็งไปชั่วขณะและตอนนี้จะเคลื่อนไหวอย่างสง่างามต่อไป แต่การหยุดชั่วคราวนี้เป็นช่วงเวลาที่แสดงออกได้ดีที่สุดเมื่อการเอียงศีรษะ ท่าทางของมือ ภาพเงาของร่างสื่อถึงความรู้สึกที่พวกเขาอาศัยอยู่

ช่างแกะสลักที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Katsushika Hokusai ศิลปินผู้ปราดเปรื่อง (1776-1849) ผลงานของ Hokusai มีพื้นฐานมาจากวัฒนธรรมการวาดภาพของญี่ปุ่นที่มีอายุหลายศตวรรษ โฮคุไซสร้างภาพวาดมากกว่า 30,000 ภาพและวาดภาพประกอบหนังสือประมาณ 500 เล่ม โฮคุไซอายุเจ็ดสิบปีแล้วได้สร้างผลงานที่สำคัญที่สุดชิ้นหนึ่ง - ชุด "36 มุมมองของฟูจิ" ซึ่งทำให้เขาทัดเทียมกับศิลปินศิลปะระดับโลกที่โดดเด่นที่สุด การแสดงภูเขาไฟฟูจิ - สัญลักษณ์ประจำชาติของญี่ปุ่น - จากสถานที่ต่างๆ โฮคุไซเป็นครั้งแรกเผยให้เห็นภาพลักษณ์ของมาตุภูมิและภาพของผู้คนในความสามัคคี ศิลปินมองว่าชีวิตเป็นกระบวนการเดียวในการแสดงออกที่หลากหลาย ตั้งแต่ความรู้สึกเรียบง่ายของบุคคล กิจกรรมประจำวันของเขา และลงท้ายด้วย ธรรมชาติโดยรอบด้วยองค์ประกอบและความสวยงาม ผลงานของ Hokusai ซึ่งซึมซับประสบการณ์ด้านศิลปะของผู้คนที่มีอายุหลายศตวรรษ เป็นจุดสูงสุดสุดท้ายใน วัฒนธรรมทางศิลปะญี่ปุ่นยุคกลาง ผลลัพธ์ที่น่าทึ่ง

ญี่ปุ่นมีความโดดเด่นอยู่เสมอด้วยทัศนคติที่เคารพต่อการอนุรักษ์และการผลิตซ้ำของประเพณีโบราณ และคุณลักษณะที่โดดเด่นนี้ทำให้ประเทศ พระอาทิตย์ขึ้นเป็นสถานที่ที่ไม่เหมือนใครซึ่งนวัตกรรมสมัยใหม่ผสมผสานอย่างกลมกลืนกับประเพณีวัฒนธรรมอายุหลายศตวรรษในชีวิตของชาวญี่ปุ่นทั่วไป

หากคุณเคยไปญี่ปุ่นมาก่อน ไม่ต้องสงสัยเลยว่าคุณจะพบกับชามซุป ถาด ตะเกียบ และอื่นๆ สีแดงและสีดำ วัตถุเคลือบ(คู่คุณภาพค่อนข้างต่ำสามารถพบได้ในประเทศของเรา) ศิลปะการลงรักเป็นหนึ่งในงานฝีมือแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นที่มีต้นกำเนิดในสมัยโบราณ ผลิตภัณฑ์ชิ้นแรกถูกค้นพบในญี่ปุ่นตั้งแต่ยุค Jomon (14,000-300 ปีก่อนคริสตกาล) และคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ในยุคปัจจุบันเครื่องเขินของญี่ปุ่นถูกส่งออกอย่างแข็งขันและกลายเป็น "แบรนด์" ของประเทศ - ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่คำว่า "ญี่ปุ่น" ในโลกตะวันตกได้รับความหมายที่สอง - "วานิช, เครื่องเขิน, ทาวานิช"

แลคเกอร์ญี่ปุ่นนั้น อินทรียฺวัตถุทำมาจากน้ำเลี้ยงของต้นอุรุชิ (漆) ซึ่งสกัดได้จากการเกาต้นไม้ วานิชที่เป็นผลลัพธ์เรียกอีกอย่างว่า เชื่อกันว่าคำนี้มาจากคำในภาษาญี่ปุ่นอีกสองคำ: uruwashii (麗しい) ซึ่งแปลว่า "สวยงาม สวยงาม" และ uruosu (潤す) ซึ่งแปลว่า "ชุ่มชื่น" อักษรอียิปต์โบราณ urushi นั้นไม่เหมือนกับชื่อต้นไม้อื่น ๆ ซึ่งเขียนโดยใช้คีย์ "ต้นไม้" [木] (桜 - ซากุระ, 梅 - พลัม, 松 - ต้นสน ฯลฯ ) มีคีย์ "น้ำ" [氵], ซึ่งเน้นว่าต้นไม้นี้มีค่ามากกว่าเพราะน้ำ ซึ่งก็คือน้ำผลไม้ที่อยู่ในนั้น ในภาษาญี่ปุ่น เครื่องเขินเรียกว่า ชิกกิ (漆器: 漆 "วานิช, แล็คเกอร์ไม้" + 器 "เครื่องมือ, อุปกรณ์เสริม") หรือ นูริโมโนะ (塗物: 塗る "ทา, ทาสี" + 物 "สิ่งของ, วัตถุ")

แลคเกอร์ที่ผ่านการบ่มแล้วจะสร้างสารเคลือบป้องกันที่กันน้ำและป้องกันไม่ให้สินค้าเน่าเปื่อย รวมถึงทำให้ไวต่อการถูกทำร้ายจากกรด ด่าง เกลือ และแอลกอฮอล์น้อยลง ในฐานะที่เป็นวัสดุสำหรับผลิตภัณฑ์ ไม้ (วัสดุทั่วไป), หนัง, กระดาษ, เซรามิก, แก้ว, โลหะและแม้กระทั่งพลาสติกถูกนำมาใช้ การสร้างและตกแต่งเครื่องเขินมีหลายวิธี วันนี้มาคุยกันเล็กน้อยเกี่ยวกับงานฝีมือญี่ปุ่นประเภทนี้ที่โด่งดังที่สุด

เครื่องเขินโออุจิ

ศิลปะเครื่องเขิน Ouchi มีต้นกำเนิดในจังหวัด Yamaguchi (山口県) โดยความพยายามของขุนศึก Ouchi Hiroyo (1325-1380) ในความพยายามที่จะเปลี่ยนทรัพย์สินของเขาให้เป็นเมืองหลวงของเกียวโต (京都) ในเวลานั้น เขาได้เชิญปรมาจารย์และช่างฝีมือหลายคนอย่างแข็งขัน ทำให้เกิดการผสมผสานระหว่างทักษะและความคิดของช่างฝีมือชาวเกียวโตกับ ประเพณีท้องถิ่นทำให้เกิดวัฒนธรรมใหม่ที่ไม่เหมือนใคร

เครื่องเขินคิชู

ประมาณพุทธศตวรรษที่ 14-16 พระสงฆ์ในวัด Negoroji (ในพื้นที่ของเมือง Iwade (岩出市) ที่ทันสมัย ​​จังหวัด Wakayama (和歌山県) เริ่มผลิตเครื่องเขินที่เป็นประโยชน์ - ตะเกียบ ถาด ชาม เช่นเดียวกับศาสนา ลัทธิ - วัตถุสำหรับสวดมนต์และสวดมนต์เนื่องจากฝีมือของพวกเขาไม่สมบูรณ์แบบในบางแห่งจึงมีจุดบนสิ่งของที่ทำเสร็จแล้ว สไตล์พิเศษผลิตภัณฑ์นี้มีชื่อว่า Negoro ในศตวรรษที่ 17 ด้วยการสนับสนุนของผู้มีอำนาจในอาณาเขตของ Kishu เครื่องเขินของพระสงฆ์เริ่มมีชื่อเสียงและชื่อของพื้นที่นี้ถูกกำหนดให้กับพวกเขา

Wakasa Sticks เคลือบเงา

เครื่องครัวเคลือบเงาเหล่านี้ผลิตในเมืองโอบามา (小浜市) จังหวัดฟุคุอิ (福井県) มากกว่า 80% ของตะเกียบเคลือบเงาทั้งหมดในญี่ปุ่นผลิตที่นี่ ไม้กายสิทธิ์ที่มีความงดงามและความสง่างามเป็นพิเศษเป็นของขวัญแต่งงานที่ได้รับความนิยมในดินแดนอาทิตย์อุทัย

เครื่องเขินโอดาวาระ

จังหวัดคานางาวะ (神奈川県) ศิลปะเครื่องเขินประเภทนี้มีอายุย้อนไปถึงสมัยคามาคุระ (1185-1333) เมื่อตระกูลโฮโจที่แข็งแกร่งและมีอิทธิพลส่งเสริมการพัฒนางานฝีมืออย่างแข็งขัน เปลี่ยนเมืองโอดาวาระ (小田原市) ให้เป็นศูนย์กลางการผลิตเครื่องเขิน ในสมัยเอโดะ (ค.ศ. 1603-1868) ผลิตภัณฑ์ดังกล่าวจำนวนมากถูกส่งออกไปยังเอโดะ (โตเกียวในปัจจุบัน) ไม่ว่าจะเป็นชาม ถาด และแม้แต่ชุดเกราะเคลือบเงา

เครื่องเขินคางาวะ

จังหวัดคางาวะ (香川県) ในปี 1638 ไดเมียว โยริชิเงะ มัตสึไดระ มายังสถานที่เหล่านี้ตามการแต่งตั้งผู้สำเร็จราชการ เขาโดดเด่นด้วยความรักในเครื่องเขินและประติมากรรม ดังนั้นเขาจึงเริ่มพัฒนางานศิลปะและงานฝีมือประเภทนี้ในโดเมนของเขา สองศตวรรษต่อมา ด้วยผลงานของปรมาจารย์ Tsukoku Tamakaji (1807-1869) เครื่องเขิน Kagawa จึงมีชื่อเสียงไปทั่วประเทศ การใช้วิธีการพิเศษในการเจียรและขัดเงาทำให้ผลิตภัณฑ์อิ่มตัวด้วยความแวววาวเป็นพิเศษ

เครื่องเขินวาจิมะ

จังหวัดอิชิกะวะ (石川県) ตัวอย่างศิลปะประเภทนี้ที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่คือประตูเคลือบเงาของวัด Shigezo ในเมือง Wajima (輪島市) ซึ่งสร้างขึ้นในราวปี 1397 ในช่วงสมัยเอโดะ (ค.ศ. 1603-1868) มีการคิดค้นผงซิโนโกะซึ่งทำจากดินเผาบดละเอียด ซึ่งทำให้เครื่องเขินเหล่านี้มีความทนทานอย่างไม่น่าเชื่อ ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อความต้องการของพวกเขาในหมู่ประชากร

เครื่องเขินไอสุ

เครื่องไอสึเป็นหนึ่งในศิลปะดั้งเดิมของจังหวัดฟุกุชิมะ (福島県) การปรากฏตัวของงานฝีมือนี้มีอายุย้อนไปถึงปี ค.ศ. 1590 เมื่อ Gamo Ujisato ขุนนางศักดินาในท้องถิ่นเริ่มเรียกประชุมเจ้านายจากทรัพย์สินเดิมของเขาแล้วส่งต่อพวกเขา เทคโนโลยีล่าสุดฝีมือสมัยนั้น เป็นผลให้ไอสึกลายเป็นหนึ่งในผู้ผลิตเครื่องเขินรายใหญ่ที่สุด การขยายการผลิตนำไปสู่ความเป็นไปได้ในการส่งออกสินค้าไปยังจีนและฮอลแลนด์ซึ่งเป็นการเชิดชูภูมิภาคนี้ในประเทศอื่นๆ

เครื่องเขินซึการุ

สึกะรุเป็นชื่อทางภาคตะวันตกของจังหวัดอาโอโมริ (青森県) ศิลปะเครื่องเขิน Tsugaru มีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 17 และ 18 เมื่อการพัฒนาอุตสาหกรรมได้รับการส่งเสริมในเมืองต่างๆ ในช่วงสมัยเอโดะ สไตล์ tsugaru เกิดขึ้นจากการเติบโตขึ้นนี้ เนื่องจากช่างฝีมือและช่างฝีมือในพื้นที่ได้รับแรงผลักดันและโอกาสในการพัฒนาทักษะของพวกเขาต่อไป เมื่อสร้างผลิตภัณฑ์ วิธีการที่ใช้เมื่อกว่า 300 ปีที่แล้วยังคงใช้อยู่ในปัจจุบัน

เราได้ดูรูปแบบหลัก ๆ ของศิลปะเครื่องเขินของญี่ปุ่นแล้ว ไม่ต้องสงสัยเลยว่ามีอีกมากมายและหลาย ๆ อย่างได้รับการเสริมด้วยเทคนิคใหม่ ๆ และปรับปรุง

งานฝีมือของญี่ปุ่นในการสร้างเครื่องเขินมีต้นกำเนิดในสมัยโบราณและคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ โดยเป็นหนึ่งในศิลปะและงานฝีมือที่สง่างาม กลมกลืน และงดงามที่สุดในโลก นี่เป็นหนึ่งในประเพณีทางวัฒนธรรม หากไม่คำนึงถึงสิ่งเหล่านี้ เราจะไม่สามารถรับรู้วิสัยทัศน์ของโลก หลักสุนทรียศาสตร์ และลักษณะนิสัยของชาวญี่ปุ่นได้อย่างเต็มที่

อาจเป็นเรื่องยากสำหรับผู้ไม่มีประสบการณ์ในการทำความเข้าใจเครื่องเขินทุกประเภทในตอนแรก ดังนั้นจึงเป็นการดีกว่าที่จะไปรอบ ๆ ร้านค้าที่พวกเขาขาย ดูพวกเขาสด แชทกับผู้ขาย และถ้าคุณต้องการซื้ออะไรให้ตัวเองและเพื่อน ๆ เป็นของขวัญ ให้เลือกรายการที่คุณชอบ

หากคุณกำลังจะไปเยี่ยมชมดินแดนแห่งอาทิตย์อุทัย หลักสูตรของเราอาจมีประโยชน์: ติดตามและลงทะเบียนตอนนี้!