รายงานเกี่ยวกับรูปแบบดนตรีของยุคกลางใหม่ ดนตรียุคแรกและยุคกลาง

ดนตรี ยุคกลาง - ระยะเวลาของการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีโดยมีระยะเวลาตั้งแต่ประมาณคริสต์ศตวรรษที่ 5 ถึง 14 .
ในช่วงยุคกลางในยุโรป วัฒนธรรมดนตรีรูปแบบใหม่กำลังเกิดขึ้น -ศักดินา ซึ่งผสมผสานระหว่างศิลปะมืออาชีพ ดนตรีสมัครเล่น และชาวบ้าน ตั้งแต่คริสตจักร ครอบงำในทุกด้านของชีวิตจิตวิญญาณพื้นฐานของศิลปะดนตรีมืออาชีพคือกิจกรรมของนักดนตรีวัดและอาราม . ศิลปะอาชีพฆราวาสเริ่มแรกมีเฉพาะนักร้องที่สร้างและแสดงนิทานมหากาพย์ในศาลในบ้านของขุนนางในหมู่นักรบ ฯลฯ (กวี, skalds และอื่น ๆ.). เมื่อเวลาผ่านไป รูปแบบการทำดนตรีของมือสมัครเล่นและกึ่งมืออาชีพพัฒนาขึ้นอัศวิน: ในฝรั่งเศส - ศิลปะของการแสดงละครและการแสดง (Adam de la Halle, ศตวรรษที่สิบสาม) ในเยอรมนี - นักร้อง ( วุลแฟรม ฟอน เอสเชนบาค, วอลเธอร์ ฟอน แดร์ โวเกลไวด์, ศตวรรษที่สิบสอง - สิบสาม ) เช่นเดียวกับคนเมืองช่างฝีมือ ในปราสาทศักดินา และในเมืองมีการเพาะปลูกพืชสกุลต่างๆประเภทและรูปแบบของเพลง (มหากาพย์, "รุ่งอรุณ", rondo, le, virele, ballads, canzones, laudas ฯลฯ)
มีคนใหม่ๆ เข้ามาในชีวิตเครื่องดนตรีรวมถึงผู้ที่มาจากตะวันออก (วิโอลา, พิณ เป็นต้น) สังโยชน์ (แห่งความไม่คงที่) ย่อมเกิดขึ้น. นิทานพื้นบ้านเฟื่องฟูในหมู่ชาวนา นอกจากนี้ยังมี "มืออาชีพของประชาชน":นักเล่าเรื่อง , ศิลปินสังเคราะห์นักเดินทาง (นักเล่นกล, ละครใบ้, นักร้อง, shpilmans, buffoons ). ดนตรีทำหน้าที่ประยุกต์และปฏิบัติทางจิตวิญญาณเป็นหลักอีกครั้ง ความคิดสร้างสรรค์ทำหน้าที่อย่างเป็นหนึ่งเดียวกับผลงาน(ปกติในคนเดียว).
และในเนื้อหาของดนตรีและในรูปแบบของมันครอบงำการรวมกลุ่ม ; จุดเริ่มต้นแต่ละคนเชื่อฟังนายพลโดยไม่โดดเด่น (นักดนตรี - นักดนตรีคือตัวแทนที่ดีที่สุดชุมชน ). การปกครองที่เข้มงวดในทุกสิ่งประเพณีและความเป็นที่ยอมรับ . การรวม การอนุรักษ์ และการเผยแพร่ประเพณีและมาตรฐาน
ค่อยเป็นค่อยไป เนื้อหาของเพลงมันประเภทรูปแบบ วิธีการแสดงออก ในยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 6 - 7 . ระบบการควบคุมที่เข้มงวดโมโนโฟนิก (โมโนโฟนิก ) เพลงคริสตจักรซึ่งเป็นรากฐานโหมดไดอะโทนิก ( บทสวดเกรกอเรียน) รวมการท่อง (สดุดี) และการร้องเพลง (เพลงสวด ). ในช่วงเปลี่ยนสหัสวรรษที่ 1 และ 2พฤกษ์ . ใหม่เสียงร้อง (ประสานเสียง ) และนักร้องประสานเสียง (ประสานเสียง และออร์แกน) ประเภท: ออร์แกนั่ม โมเท็ต คอนดักต์ จากนั้นเป็นแมส ฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 12 ครั้งแรกนักแต่งเพลง(สร้างสรรค์) โรงเรียนที่ มหาวิหารน็อทร์-ดาม(ลีโอนิน, เปโรติน). ในช่วงเปลี่ยนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (สไตล์ Ars Nova ในฝรั่งเศสและอิตาลี ศตวรรษที่ 14) ดนตรีมืออาชีพโมโนโฟนีกำลังถูกบังคับให้ออกไปพฤกษ์ , ดนตรีเริ่มค่อยๆ ปลดปล่อยตัวเองจากหน้าที่ในทางปฏิบัติอย่างหมดจด (รับใช้คริสตจักรพิธีกรรม ) จะเพิ่มมูลค่าฆราวาส ประเภทรวมถึงเพลงกีโยม เดอ มาโชซ์).

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ดนตรีในช่วงศตวรรษที่ XV-XVII
ในยุคกลาง ดนตรีเป็นสิทธิพิเศษของศาสนจักร ดังนั้นงานดนตรีส่วนใหญ่จึงมีความศักดิ์สิทธิ์ เพลงสวดของโบสถ์(เกรกอเรียนสวดมนต์) ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของความเชื่อตั้งแต่เริ่มต้นของศาสนาคริสต์ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 ท่วงทำนองของลัทธิซึ่งมีส่วนร่วมโดยตรงของ Pope Gregory I ในที่สุดก็ได้รับการยอมรับ ร้องเพลงเกรกอเรียนโดยนักร้องมืออาชีพ หลังจากที่ดนตรีในโบสถ์เชี่ยวชาญด้านโพลีโฟนีแล้ว การร้องเพลงเกรกอเรียนยังคงเป็นพื้นฐานสำคัญของงานลัทธิโพลีโฟนิก (มวลชน โมเต็ต ฯลฯ)

ยุคกลางตามมาด้วยยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ซึ่งเป็นยุคแห่งการค้นพบ นวัตกรรม และการสำรวจสำหรับนักดนตรี เป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของการแสดงออกทางวัฒนธรรมและวิทยาศาสตร์ในทุกชั้นของชีวิต ตั้งแต่ดนตรีและภาพวาดไปจนถึงดาราศาสตร์และคณิตศาสตร์
แม้ว่าดนตรีส่วนใหญ่ยังคงเป็นศาสนา แต่การที่คริสตจักรควบคุมสังคมอ่อนแอลงทำให้นักแต่งเพลงและนักแสดงมีอิสระมากขึ้นในการแสดงความสามารถของพวกเขา
ด้วยการประดิษฐ์แท่นพิมพ์ ทำให้สามารถพิมพ์และจำหน่ายโน้ตเพลงได้ และนับจากนั้นเป็นต้นมา สิ่งที่เราเรียกว่าดนตรีคลาสสิกก็เริ่มต้นขึ้น
ในช่วงเวลานี้เครื่องดนตรีใหม่ปรากฏขึ้น เครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือเครื่องดนตรีที่คนรักดนตรีสามารถเล่นได้อย่างง่ายดายและเรียบง่ายโดยไม่ต้องใช้ทักษะพิเศษ
ในเวลานี้วิโอลาซึ่งเป็นบรรพบุรุษของไวโอลินปรากฏตัวขึ้น เฟรต (แถบไม้บนเฟรตบอร์ด) ทำให้เล่นได้ง่าย และเสียงก็เงียบ นุ่มนวล และเล่นได้ดีในพื้นที่ขนาดเล็ก
เครื่องเป่าก็เป็นที่นิยมเช่นกัน - เครื่องบันทึก ขลุ่ย และแตร ดนตรีที่ซับซ้อนที่สุดเขียนขึ้นสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดที่สร้างขึ้นใหม่ เวอร์จินอล (ฮาร์ปซิคอร์ดภาษาอังกฤษ มีลักษณะขนาดเล็ก) และออร์แกน ในขณะเดียวกัน นักดนตรีก็ไม่ลืมที่จะแต่งเพลงง่ายๆ ซึ่งไม่ต้องใช้ทักษะการแสดงสูง ในขณะเดียวกันก็มีการเปลี่ยนแปลงในการเขียนดนตรี: บล็อกพิมพ์ไม้หนักถูกแทนที่ด้วยตัวอักษรโลหะเคลื่อนที่ที่คิดค้นโดย Ottaviano Petrucci ชาวอิตาลี ผลงานเพลงที่ตีพิมพ์ขายหมดอย่างรวดเร็ว ผู้คนเริ่มเข้ามาร่วมเล่นดนตรีมากขึ้นเรื่อยๆ
การสิ้นสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกทำเครื่องหมายด้วยเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดใน ประวัติศาสตร์ดนตรี- กำเนิดโอเปร่า กลุ่มนักมนุษยนิยม นักดนตรี และกวีได้มารวมตัวกันที่ฟลอเรนซ์ภายใต้การอุปถัมภ์ของเคานต์จิโอวานนี เด บาร์ดี ผู้นำของพวกเขา (ค.ศ. 1534 - 1612) กลุ่มนี้มีชื่อว่า "คาเมราตา" สมาชิกหลักคือ Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (บิดาของนักดาราศาสตร์ Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri และ Ottavio Rinuccini ในช่วงอายุยังน้อย
เอกสารการประชุมกลุ่มครั้งแรกเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1573 และเป็นปีที่มีการทำงานมากที่สุด "ฟลอเรนซ์ คาเมราตา "คือ 1577 - 1582 พวกเขาเชื่อว่าดนตรี "เสีย" และพยายามที่จะกลับไปสู่รูปแบบและสไตล์ กรีกโบราณโดยเชื่อว่าศิลปะดนตรีพัฒนาได้ สังคมก็จะดีขึ้นตามไปด้วย คาเมราตาวิพากษ์วิจารณ์ดนตรีที่มีอยู่เนื่องจากการใช้โพลีโฟนีมากเกินไปโดยทำให้ข้อความไม่สามารถเข้าใจได้ชัดเจนและสูญเสียองค์ประกอบกวีของงาน และเสนอการสร้างแนวดนตรีใหม่ที่มีข้อความในรูปแบบโมโนดิกร่วมด้วย เพลงบรรเลง. การทดลองของพวกเขานำไปสู่การสร้างรูปแบบเสียงดนตรีใหม่ - บทบรรยาย ซึ่งใช้ครั้งแรกโดย Emilio de Cavalieri ซึ่งต่อมาเกี่ยวข้องโดยตรงกับการพัฒนาโอเปร่า
ได้รับการยอมรับอย่างเป็นทางการเป็นครั้งแรกโอเปร่า ซึ่งสอดคล้องกับมาตรฐานสมัยใหม่คือโอเปร่า "Daphne" (Daphne) ซึ่งนำเสนอครั้งแรกในปี 1598 ผู้แต่ง "Daphne" คือ Jacopo Peri และ Jacopo Corsi บทประพันธ์โดย Ottavio Rinuccini โอเปร่านี้ไม่รอด โอเปร่าเรื่องแรกที่ยังมีชีวิตอยู่คือ "Eurydice" (1600) โดยผู้แต่งคนเดียวกัน - จาโคโป เปรีและออตตาวิโอ รินุชชีนี สหภาพสร้างสรรค์นี้ยังคงสร้างผลงานมากมายซึ่งส่วนใหญ่สูญหายไป

ดนตรียุคบาโรกยุคแรก (1600-1654)

การสร้างสไตล์การบรรยายของเขาโดยนักแต่งเพลงชาวอิตาลี Claudio Monteverdi (1567-1643) และการพัฒนาที่สอดคล้องกันของอุปรากรอิตาลีถือได้ว่าเป็นจุดเปลี่ยนแบบมีเงื่อนไขระหว่างยุคบาโรกและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา จุดเริ่มต้นของการแสดงโอเปร่าในกรุงโรมและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในเวนิสนั้นหมายถึงการรับรู้และการแพร่กระจายของประเภทใหม่ไปทั่วประเทศ ทั้งหมดนี้เป็นเพียงส่วนหนึ่งของกระบวนการขนาดใหญ่ที่รวบรวมงานศิลปะทั้งหมด และโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่แสดงออกอย่างชัดเจนในสถาปัตยกรรมและจิตรกรรม
นักแต่งเพลงยุคเรอเนซองส์ให้ความสนใจกับความประณีตในแต่ละส่วนของงานดนตรี โดยให้ความสนใจเพียงเล็กน้อยหรือไม่มีเลยกับการวางซ้อนกันของส่วนเหล่านี้ แยกจากกัน แต่ละส่วนอาจฟังดูยอดเยี่ยม แต่ผลลัพธ์ที่กลมกลืนกันของการเพิ่มนั้นเป็นเรื่องของโอกาสมากกว่าความสม่ำเสมอ การปรากฏตัวของเบสที่มีรูปร่างบ่งบอกถึงการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในความคิดทางดนตรี กล่าวคือ ความกลมกลืนซึ่งก็คือ โพลีโฟนีและความกลมกลืนดูเหมือนเป็นสองด้านของแนวคิดเดียวกันในการแต่งเพลงที่ไพเราะ: เมื่อแต่งลำดับฮาร์มอนิก ไทรโทนให้ความสนใจแบบเดียวกันเมื่อสร้างความไม่ลงรอยกัน การคิดแบบฮาร์มอนิกยังมีอยู่ในนักแต่งเพลงบางคนในยุคก่อน เช่น Carlo Gesualdo แต่ในยุคบาโรก การคิดแบบฮาร์มอนิกก็เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป
ส่วนต่าง ๆ ของงานที่ไม่สามารถแยกกิริยาออกจากโทนเสียงได้อย่างชัดเจน เขาทำเครื่องหมายเป็นวิชาเอกผสมหรือวิชารองผสม (ต่อมาสำหรับแนวคิดเหล่านี้ เขาได้แนะนำคำว่า "monal major" และ "monal minor" ตามลำดับ) ตารางนี้แสดงให้เห็นว่าวรรณยุกต์ที่กลมกลืนกันในยุคบาโรกตอนต้นเกือบจะเข้ามาแทนที่ความกลมกลืนของยุคก่อนหน้าได้อย่างไร
อิตาลีกลายเป็นศูนย์กลางของสไตล์ใหม่ พระสันตปาปา แม้ว่าจะถูกยึดครองโดยการต่อสู้ต่อต้านการปฏิรูป แต่ถึงกระนั้นก็มีทรัพยากรทางการเงินมหาศาลที่ได้รับการเติมเต็มจากแคมเปญทางทหารของราชวงศ์ฮับส์บูร์ก แต่ก็มองหาวิธีเผยแพร่ความเชื่อคาทอลิกผ่านการขยายอิทธิพลทางวัฒนธรรม ด้วยความงดงาม ความยิ่งใหญ่ และความซับซ้อนของสถาปัตยกรรม วิจิตรศิลป์ และดนตรี ศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกยังคงโต้เถียงกับนิกายโปรเตสแตนต์แบบนักพรต สาธารณรัฐและอาณาเขตของอิตาลีที่มั่งคั่งก็แข่งขันกันอย่างเอาเป็นเอาตายในด้านวิจิตรศิลป์ หนึ่งใน ศูนย์กลางที่สำคัญศิลปะดนตรีคือเวนิสซึ่งในเวลานั้นอยู่ภายใต้การอุปถัมภ์ทั้งทางโลกและทางสงฆ์
Giovanni Gabrieli เป็นบุคคลสำคัญในช่วงต้นของยุคบาโรก ซึ่งมีจุดยืนอยู่ข้างนิกายโรมันคาทอลิก ซึ่งต่อต้านอิทธิพลทางอุดมการณ์ วัฒนธรรม และสังคมที่เพิ่มขึ้นของนิกายโปรเตสแตนต์ ผลงานของเขาอยู่ในสไตล์ของ "ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง" (ยุครุ่งเรืองของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) อย่างไรก็ตาม นวัตกรรมบางอย่างของเขาในด้านเครื่องดนตรี (การมอบหมายงานเฉพาะให้กับเครื่องดนตรีบางอย่าง) แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าเขาเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่มีอิทธิพลต่อการเกิดรูปแบบใหม่
ข้อกำหนดข้อหนึ่งที่กำหนดโดยคริสตจักรในการแต่งเพลงศักดิ์สิทธิ์คือข้อความในงานที่มีเสียงร้องนั้นสามารถอ่านได้ สิ่งนี้จำเป็นต้องย้ายจากโพลีโฟนีไปสู่เทคนิคทางดนตรี ซึ่งคำต่างๆ ออกมา เบื้องหน้า. เสียงร้องมีความซับซ้อนมากขึ้น หรูหราเมื่อเทียบกับเสียงคลอ นี่คือการพัฒนาคำพ้องเสียง
มอนเตเวร์เด เคลาดิโอ(ค.ศ. 1567-1643) นักแต่งเพลงชาวอิตาลี ไม่มีอะไรดึงดูดเขาได้ดีเท่าการเปิดเผยภายใน ความสงบจิตสงบใจบุคคลในการปะทะกันและความขัดแย้งกับโลกภายนอก มอนเตเวร์ดีเป็นผู้ก่อตั้งแผนโศกนาฏกรรมแห่งความขัดแย้งอย่างแท้จริง เขาเป็นนักร้องที่มีจิตวิญญาณของมนุษย์อย่างแท้จริง เขาพยายามอย่างไม่ลดละเพื่อการแสดงออกทางดนตรีที่เป็นธรรมชาติ "คำพูดของมนุษย์เป็นเจ้าแห่งความสามัคคี ไม่ใช่ผู้รับใช้ของมัน"
"ออร์ฟัส" (1607) -ดนตรีของโอเปร่าจะเน้นที่การเปิดเผย โลกภายในฮีโร่ที่น่าเศร้า บทบาทของเขามีหลายแง่มุมเป็นพิเศษ กระแสอารมณ์ การแสดงออก และประเภทต่างๆ ผสมผสานอยู่ในนั้น เขาร้องตะโกนไปยังป่าและชายฝั่งบ้านเกิดของเขาอย่างกระตือรือร้น หรือคร่ำครวญถึงการสูญเสีย Eurydice ในเพลงพื้นบ้านที่ไร้ศิลปะ

ดนตรีบาโรกผู้ใหญ่ (ค.ศ. 1654-1707)

ช่วงเวลาของการรวมศูนย์อำนาจสูงสุดในยุโรปมักเรียกว่าสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์มาถึงจุดสูงสุดภายใต้กษัตริย์หลุยส์ที่ 14 ของฝรั่งเศส สำหรับทั่วยุโรป ราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์เป็นแบบอย่างที่ดี รวมทั้งดนตรีที่บรรเลงในราชสำนัก. ความพร้อมของเครื่องดนตรีที่เพิ่มขึ้น (โดยเฉพาะคีย์บอร์ด) เป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาของดนตรีเชมเบอร์
บาโรกที่เติบโตเต็มที่แตกต่างจากบาโรกในยุคแรกตรงที่ความแพร่หลายของรูปแบบใหม่และในรูปแบบดนตรีที่แยกจากกันมากขึ้นโดยเฉพาะในโอเปร่า เช่นเดียวกับในวรรณกรรม การถือกำเนิดของการพิมพ์งานดนตรีแบบสตรีมมิ่งนำไปสู่การขยายตัวของผู้ชม การแลกเปลี่ยนระหว่างศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรีทวีความรุนแรงขึ้น
ตัวแทนที่โดดเด่นของคีตกวีในราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 คือ จิโอวานนี่ บัตติสต้า ลัลลี่ (1632-1687)เมื่ออายุได้ 21 ปี เขาได้รับตำแหน่ง "นักแต่งเพลงประจำศาล" งานสร้างสรรค์ลัลลี่มีความสัมพันธ์อย่างมากกับโรงละครตั้งแต่เริ่มแรก หลังจากการจัดระเบียบดนตรีแชมเบอร์ในราชสำนักและการประพันธ์เพลง "airs de cour" เขาเริ่มเขียนเพลงบัลเลต์ พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ทรงเต้นรำในบัลเลต์ซึ่งเป็นความบันเทิงที่ชื่นชอบของขุนนางในราชสำนัก Lully เป็นนักเต้นที่ยอดเยี่ยม เขาบังเอิญมีส่วนร่วมในการผลิตเต้นรำกับกษัตริย์ เขาเป็นที่รู้จักจากการร่วมงานกับ Molière ซึ่งเขาแต่งเพลงให้ แต่สิ่งสำคัญในงานของ Lully คือการเขียนโอเปร่า น่าแปลกใจที่ Lully สร้างประเภทที่สมบูรณ์ อุปรากรฝรั่งเศส; โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ที่เรียกว่าในฝรั่งเศส (fr. tragedie lyrique) และถึงวุฒิภาวะทางความคิดสร้างสรรค์อย่างไม่ต้องสงสัยในปีแรก ๆ ของการทำงานใน โรงละครโอเปร่า. Lully มักจะใช้ความแตกต่างระหว่างเสียงที่ไพเราะของส่วนออเคสตร้ากับบทร้องและเพลงเรียที่เรียบง่าย ภาษาดนตรี Lully ไม่ซับซ้อนมากนัก แต่เป็นเรื่องใหม่: ความชัดเจนของความกลมกลืน พลังงานจังหวะ ความชัดเจนของรูปแบบที่เปล่งออกมา ความบริสุทธิ์ของเนื้อสัมผัสพูดถึงชัยชนะของหลักการคิดแบบโฮโมโฟนิก ความสำเร็จของเขาส่วนใหญ่มาจากความสามารถในการคัดเลือกนักดนตรีสำหรับวงออเคสตราและการทำงานร่วมกับพวกเขา (ตัวเขาเองเป็นผู้ซ้อม) องค์ประกอบสำคัญของงานของเขาคือความใส่ใจในความสามัคคีและเครื่องดนตรีเดี่ยว
ในอังกฤษ ความพิสดารที่โตเต็มวัยถูกทำเครื่องหมายโดยอัจฉริยะผู้ปราดเปรื่องของ Henry Purcell (1659-1695)เขาเสียชีวิตตั้งแต่อายุยังน้อยด้วยวัย 36 ปี โดยมีผลงานเขียนมากมายและเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในช่วงชีวิตของเขา Purcell คุ้นเคยกับงานของ Corelli และนักแต่งเพลงสไตล์บาโรกชาวอิตาลีคนอื่นๆ อย่างไรก็ตาม ผู้อุปถัมภ์และลูกค้าของเขาแตกต่างจากชนชั้นสูงทั้งฆราวาสและนักบวชชาวอิตาลีและฝรั่งเศส ดังนั้นงานเขียนของเพอร์เซลล์จึงแตกต่างจากโรงเรียนสอนภาษาอิตาลีอย่างมาก Purcell ทำงานในหลากหลายประเภท; ตั้งแต่เพลงสวดทางศาสนาง่ายๆ ไปจนถึงเพลงมาร์ช จากเพลงประกอบเสียงขนาดใหญ่ไปจนถึงดนตรีประกอบฉาก แคตตาล็อกของเขามีผลงานมากกว่า 800 ชิ้น เพอร์เซลล์กลายเป็นนักแต่งเพลงคีย์บอร์ดคนแรกๆ ซึ่งมีอิทธิพลจนถึงปัจจุบัน
ไม่เหมือนกับนักแต่งเพลงข้างต้น Dietrich Buxtehude (1637-1707)ไม่ใช่นักแต่งเพลงในศาล Buxtehude ทำงานเป็นนักเล่นออร์แกน ครั้งแรกที่ Helsingborg (1657-1658) จากนั้นที่ Elsinore (1660-1668) และจากนั้นในปี 1668 ที่ St. แมรี่ในLübeck เขาไม่ได้หาเงินจากการเผยแพร่ผลงานของเขา แต่ด้วยการแสดง และเขาชอบแต่งเพลงตามตำราของโบสถ์และแสดงผลงานออร์แกนของตัวเองมากกว่าการอุปถัมภ์ของขุนนาง น่าเสียดายที่ผลงานทั้งหมดของนักแต่งเพลงคนนี้ไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ ดนตรีของ Buxtehude ส่วนใหญ่สร้างขึ้นจากขนาดของความคิด ความมีชีวิตชีวาและอิสระในการจินตนาการ ความหลงใหลในสิ่งน่าสมเพช ละคร และน้ำเสียงเชิงปราศรัย งานของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อนักแต่งเพลงเช่น J. S. Bach และ Telemann

ดนตรียุคบาโรกตอนปลาย (1707-1760)

เส้นแบ่งที่แน่นอนระหว่างความเป็นผู้ใหญ่และความพิสดารตอนปลายเป็นเรื่องของการถกเถียงกัน มันอยู่ที่ไหนสักแห่งระหว่างปี 1680 ถึง 1720 ความซับซ้อนส่วนใหญ่ของคำจำกัดความคือข้อเท็จจริงที่ว่าสไตล์ในประเทศต่างๆ เปลี่ยนไปไม่ตรงกัน นวัตกรรมที่ได้รับการยอมรับตามกฎแล้วในที่หนึ่งคือการค้นพบใหม่ในอีกที่หนึ่ง
รูปแบบที่ค้นพบในช่วงก่อนหน้านี้ได้ครบกำหนดและแปรปรวนอย่างมาก คอนแชร์โต, สวีท, โซนาตา, คอนแชร์โตกรอสโซ, ออราทอริโอ, โอเปร่าและบัลเลต์ไม่ได้แสดงลักษณะประจำชาติอย่างชัดเจนอีกต่อไป รูปแบบการทำงานที่ยอมรับกันทั่วไปมีขึ้นทุกที่: แบบสองส่วนซ้ำ (AABB), แบบสามส่วนอย่างง่าย (ABC) และแบบ rondo
อันโตนิโอ วิวัลดี (1678-1741) -นักแต่งเพลงชาวอิตาลีเกิดในเวนิส ในปี 1703 เขาได้รับตำแหน่งนักบวชคาทอลิก สำหรับสิ่งเหล่านี้ ในเวลานั้นยังคงพัฒนาประเภทเครื่องดนตรี (บาโรกโซนาตาและบาโรกคอนแชร์โต) ที่วิวัลดีได้มีส่วนร่วมที่สำคัญที่สุดของเขา Vivaldi แต่งเพลงคอนแชร์โตกว่า 500 เพลง นอกจากนี้เขายังให้ชื่อแบบเป็นโปรแกรมแก่ผลงานบางชิ้นของเขา เช่น The Four Seasons อันโด่งดัง
โดเมนิโก สการ์ลัตตี (1685-1757)เป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงและนักแสดงคีย์บอร์ดชั้นนำในยุคนั้น แต่บางทีนักแต่งเพลงในราชสำนักที่มีชื่อเสียงที่สุดก็คือ เกออร์ก ฟรีดริช แฮนเดล (1685-1759)เขาเกิดในเยอรมนี ศึกษาในอิตาลีเป็นเวลาสามปี แต่ออกจากลอนดอนในปี 1711 ซึ่งเขาเริ่มต้นอาชีพการค้าที่ยอดเยี่ยม อาชีพที่ประสบความสำเร็จนักแต่งเพลงโอเปร่าอิสระที่ทำงานให้กับขุนนาง ด้วยพลังงานที่ไม่เหน็ดเหนื่อย Handel ได้นำเนื้อหาของนักแต่งเพลงคนอื่นมาใช้ใหม่และทำใหม่อย่างต่อเนื่อง เรียบเรียงเอง. ตัวอย่างเช่น เขาเป็นที่รู้จักจากการนำ oratorio "Messiah" ที่มีชื่อเสียงมาปรับปรุงใหม่หลายครั้งจนตอนนี้ไม่มีเวอร์ชันใดที่สามารถเรียกว่า "ของแท้" ได้
หลังจากเสียชีวิต เขาได้รับการยอมรับว่าเป็นนักแต่งเพลงชั้นนำของยุโรป และได้รับการศึกษาโดยนักดนตรีในยุคคลาสสิก ฮันเดลผสมผสานประเพณีอันยาวนานของการแสดงสดและความแตกต่างในดนตรีของเขา ศิลปะของเครื่องประดับดนตรีถึงระดับการพัฒนาที่สูงมากในผลงานของเขา เขาเดินทางไปทั่วยุโรปเพื่อศึกษาดนตรีของนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ซึ่งเกี่ยวข้องกับการที่เขามีคนรู้จักมากมายในหมู่นักแต่งเพลงสไตล์อื่น
โยฮันน์ เซบาสเตียน บาคเกิดเมื่อวันที่ 21 มีนาคม พ.ศ. 2228 ในเมือง Eisenach ประเทศเยอรมนี ในช่วงชีวิตของเขา เขาแต่งผลงานกว่า 1,000 ชิ้นในหลากหลายประเภท ยกเว้นโอเปร่า แต่ในช่วงชีวิตของเขาเขาไม่ประสบความสำเร็จอย่างมีนัยสำคัญ ย้ายหลายครั้ง Bach เปลี่ยนตำแหน่งที่ไม่สูงเกินไปใน Weimar เขาเป็นนักดนตรีประจำศาลที่ Weimar Duke Johann Ernst จากนั้นก็กลายเป็นผู้ดูแลออร์แกนในโบสถ์เซนต์ Boniface ใน Arnstadt ไม่กี่ปีต่อมารับตำแหน่งนักออร์แกนในโบสถ์เซนต์ Vlasia ในMühlhausenซึ่งเขาทำงานได้เพียงหนึ่งปีหลังจากนั้นเขาก็กลับไปที่ Weimar ซึ่งเขาเข้ามาแทนที่ผู้จัดคอนเสิร์ตและผู้จัดงานคอนเสิร์ต เขาดำรงตำแหน่งนี้เป็นเวลาเก้าปี ในปี 1717 Leopold ดยุคแห่ง Anhalt-Köthen จ้าง Bach ในตำแหน่ง Kapellmeister และ Bach เริ่มอาศัยและทำงานใน Köthen ในปี 1723 Bach ย้ายไปที่ Leipzig ซึ่งเขาอยู่ที่นั่นจนกระทั่งเสียชีวิตในปี 1750 ในปีสุดท้ายของชีวิตของเขาและหลังจากการตายของ Bach ชื่อเสียงของเขาในฐานะนักแต่งเพลงเริ่มลดลง: สไตล์ของเขาถือว่าเชยเมื่อเทียบกับความคลาสสิกที่กำลังเติบโต เขาเป็นที่รู้จักและจดจำมากขึ้นในฐานะนักแสดง ครู และบิดาของ Bachs Jr. โดยเฉพาะ Carl Philipp Emmanuel ซึ่งดนตรีของเขามีชื่อเสียงมากกว่า
เฉพาะการแสดงของ Passion ตาม Matthew โดย Mendelssohn 79 ปีหลังจากการเสียชีวิตของ J.S. Bach ทำให้ความสนใจในงานของเขาฟื้นขึ้นมา ตอนนี้ J.S. Bach เป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุด
ความคลาสสิค
ความคลาสสิก - รูปแบบและทิศทางในงานศิลปะ XVII - ต้น XIXศตวรรษ
คำนี้มาจากภาษาละติน classicus - เป็นแบบอย่าง ลัทธิคลาสสิกมีพื้นฐานอยู่บนความเชื่อในความมีเหตุผลของการดำรงอยู่ ในความจริงที่ว่าธรรมชาติของมนุษย์มีความกลมกลืนกัน พวกเขาเห็นอุดมคติของพวกเขาเกี่ยวกับความคลาสสิกในงานศิลปะโบราณ ซึ่งถือว่าเป็นรูปแบบที่สมบูรณ์แบบที่สุด
ในศตวรรษที่สิบแปด ขั้นตอนใหม่ในการพัฒนาจิตสำนึกทางสังคมเริ่มต้นขึ้น - ยุคแห่งการรู้แจ้ง ระเบียบสังคมเก่ากำลังถูกทำลาย แนวคิดเรื่องการเคารพศักดิ์ศรีความเป็นมนุษย์ เสรีภาพ และความสุขมีความสำคัญยิ่ง แต่ละคนได้รับอิสรภาพและความเป็นผู้ใหญ่ใช้ความคิดของเขาและ การคิดเชิงวิพากษ์. อุดมคติของยุคบาโรกที่มีความเอิกเกริก ความโอ่อ่า และความเคร่งขรึมกำลังถูกแทนที่ด้วยวิถีชีวิตใหม่บนพื้นฐานความเป็นธรรมชาติและความเรียบง่าย ถึงเวลาแล้วที่มุมมองเชิงอุดมคติของ Jean-Jacques Rousseau เรียกร้องให้กลับคืนสู่ธรรมชาติ สู่คุณธรรมและเสรีภาพตามธรรมชาติ นอกเหนือจากธรรมชาติแล้ว Antiquity ยังถูกทำให้เป็นอุดมคติเนื่องจากเชื่อกันว่าเป็นช่วง Antiquity ที่ผู้คนสามารถรวบรวมแรงบันดาลใจทั้งหมดของมนุษย์ได้ ศิลปะโบราณเรียกว่าคลาสสิกได้รับการยอมรับว่าเป็นแบบอย่างเป็นความจริงที่สุดสมบูรณ์แบบกลมกลืนและไม่เหมือนกับศิลปะในยุคบาโรกถือว่าง่ายและเข้าใจได้ ในศูนย์กลางของความสนใจพร้อมกับประเด็นสำคัญอื่น ๆ ได้แก่ การศึกษา, ตำแหน่งของคนทั่วไปในโครงสร้างทางสังคม, อัจฉริยะเป็นคุณสมบัติของบุคคล

เหตุผลยังครอบงำในศิลปะ เดนิส ดิเดอโรต์ นักปรัชญาและนักการศึกษาชาวฝรั่งเศสต้องการเน้นย้ำถึงจุดประสงค์อันสูงส่งของศิลปะ บทบาททางสังคมและพลเมืองของศิลปะ: "งานประติมากรรมหรือภาพวาดแต่ละชิ้นควรแสดงออกถึงกฎแห่งชีวิตที่ดี และควรสอน"

ในขณะเดียวกันโรงละครก็เป็นตำราแห่งชีวิตและชีวิตด้วย นอกจากนี้ในโรงละครมีการดำเนินการวัดอย่างสูง มันแบ่งออกเป็นการกระทำและฉากซึ่งในทางกลับกันก็แบ่งออกเป็นแบบจำลองของตัวละครที่แยกจากกัน สร้างงานศิลปะในอุดมคติที่เป็นที่รักของศตวรรษที่ 18 ที่ซึ่งทุกอย่างอยู่ในสถานที่และอยู่ภายใต้กฎหมายเชิงตรรกะ
ดนตรีคลาสสิกเป็นการแสดงละครอย่างมากดูเหมือนว่าจะคัดลอกศิลปะของโรงละครและเลียนแบบ
การแบ่งโซนาตาคลาสสิกและซิมโฟนีออกเป็นส่วนใหญ่ - ส่วนต่างๆ ซึ่งแต่ละส่วนมี "เหตุการณ์" ทางดนตรีมากมายก็เหมือนกับการแบ่งบทละครออกเป็นฉากและการกระทำ
ในดนตรียุคคลาสสิก โครงเรื่องมักจะถูกบอกเป็นนัย การกระทำบางอย่างที่เปิดเผยต่อหน้าผู้ชมในลักษณะเดียวกับการแสดงละครที่เปิดเผยต่อหน้าผู้ชม
ผู้ฟังเพียงแค่เปิดจินตนาการและจดจำตัวละครของละครตลกคลาสสิกหรือโศกนาฏกรรมใน "เสื้อผ้าดนตรี"
ศิลปะของโรงละครช่วยอธิบายการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในการแสดงดนตรีที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 ก่อนหน้านี้ สถานที่หลักที่มีเสียงดนตรีคือพระวิหาร ในนั้นมีคนอยู่ด้านล่างในพื้นที่ขนาดใหญ่ ซึ่งดูเหมือนว่าดนตรีจะช่วยให้เขาเงยหน้าขึ้นมองและอุทิศความคิดของเขาให้กับพระเจ้า ปัจจุบัน ในศตวรรษที่ 18 มีการได้ยินดนตรีในร้านเสริมสวยของชนชั้นสูง ในห้องบอลรูมของคฤหาสน์ขุนนาง หรือในจัตุรัสกลางเมือง ผู้ฟังในยุคแห่งการตรัสรู้ดูเหมือนจะปฏิบัติต่อดนตรี "กับคุณ" และไม่ได้สัมผัสกับความสุขและความขี้ขลาดที่เธอได้รับแรงบันดาลใจจากเขาอีกต่อไปเมื่อเธอเป่าในพระวิหาร
เสียงอันทรงพลังและเคร่งขรึมของออร์แกนไม่ได้อยู่ในดนตรีอีกต่อไป บทบาทของคณะนักร้องประสานเสียงลดน้อยลง ดนตรี สไตล์คลาสสิกฟังดูเบา มีเสียงน้อยกว่ามาก ราวกับว่ามัน "มีน้ำหนักน้อยกว่า" กว่าเพลงหนักๆ ที่เรียงเป็นชั้นๆ ในอดีต เสียงของออร์แกนและคณะนักร้องประสานเสียงถูกแทนที่ด้วยเสียงของวงดุริยางค์ซิมโฟนี อาเรียอันประเสริฐหลีกทางให้กับดนตรีเบา ๆ เป็นจังหวะและเต้นรำ
ด้วยศรัทธาอันไร้ขอบเขตในความเป็นไปได้ของจิตใจมนุษย์และพลังแห่งความรู้ ศตวรรษที่ 18 จึงเริ่มถูกเรียกว่ายุคแห่งเหตุผลหรือยุคแห่งการตรัสรู้
ความรุ่งเรืองของลัทธิคลาสสิกมาในยุค 80 ของศตวรรษที่สิบแปด ในปี พ.ศ. 2324 เจ. ไฮเดินน์ได้สร้างผลงานที่เป็นนวัตกรรมใหม่หลายชิ้น รวมถึงผลงานเพลงสตริงควอเตตของเขาด้วย 33; รอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าโดย V.A. โมสาร์ทเรื่อง "Abduction from the Seraglio"; ละครเรื่อง "Robber" และ "Criticism" ของ F. Schiller จิตใจบริสุทธิ์» I. กันต์

ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของยุคคลาสสิกคือนักแต่งเพลงของ Vienna Classical School โจเซฟ ไฮเดิน โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท และลุดวิก ฟาน เบโธเฟน. ศิลปะของพวกเขาเพลิดเพลินไปด้วยความสมบูรณ์แบบของเทคนิคการประพันธ์เพลง แนวทางการสร้างสรรค์ที่เห็นอกเห็นใจผู้อื่น และความปรารถนา โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดเจนในดนตรีของ W. A. ​​Mozart เพื่อแสดงความงามที่สมบูรณ์แบบผ่านดนตรี

แนวคิดของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาเกิดขึ้นไม่นานหลังจากแอล. เบโธเฟนเสียชีวิต ศิลปะคลาสสิกมีความโดดเด่นด้วยความสมดุลที่ละเอียดอ่อนระหว่างความรู้สึกและเหตุผล รูปแบบและเนื้อหา ดนตรีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสะท้อนถึงจิตวิญญาณและลมหายใจของยุคนั้น ในยุคบาโรก รัฐมนุษย์กลายเป็นประเด็นของการสะท้อนในดนตรี ดนตรีในยุคคลาสสิกร้องเพลงเกี่ยวกับการกระทำและการกระทำของบุคคล อารมณ์และความรู้สึกที่เขาประสบ จิตใจของมนุษย์ที่เอาใจใส่และเป็นองค์รวม

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (1770–1827)
นักแต่งเพลงชาวเยอรมันมักถูกมองว่าเป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล
งานของเขามีสาเหตุมาจากความคลาสสิคและความโรแมนติก
ซึ่งแตกต่างจาก Mozart รุ่นก่อนของเขา Beethoven แต่งเพลงด้วยความยากลำบาก สมุดบันทึกของ Beethoven แสดงให้เห็นว่าองค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่ค่อยๆ ค่อยๆ เกิดขึ้นจากภาพร่างที่ไม่แน่นอน โดดเด่นด้วยตรรกะที่น่าเชื่อถือของการสร้างและความงามที่หาดูได้ยาก มันคือตรรกะ ข้อมูลหลักความยิ่งใหญ่ของเบโธเฟน ความสามารถอันหาที่เปรียบมิได้ของเขาในการจัดระเบียบองค์ประกอบที่ตัดกันให้เป็นก้อนเดียวทั้งหมด เบโธเฟนลบ caesuras แบบดั้งเดิมระหว่างส่วนต่าง ๆ ของแบบฟอร์ม หลีกเลี่ยงความสมมาตร ผสานส่วนต่าง ๆ ของวงจร พัฒนาโครงสร้างเพิ่มเติมจากลวดลายเฉพาะเรื่องและจังหวะ ซึ่งเมื่อมองแวบแรกไม่มีอะไรน่าสนใจ กล่าวอีกนัยหนึ่ง เบโธเฟนสร้างพื้นที่ทางดนตรีด้วยพลังแห่งความคิดของเขา ตามความประสงค์ของเขาเอง เขาคาดการณ์และสร้างกระแสศิลปะเหล่านั้นซึ่งกลายเป็นตัวชี้ขาดสำหรับศิลปะดนตรีในศตวรรษที่ 19

ยวนใจ.
ครอบคลุมตามเงื่อนไข 1800-1910
นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกพยายามแสดงความลึกซึ้งและความร่ำรวยของโลกภายในของบุคคลด้วยความช่วยเหลือทางดนตรี ดนตรีมีความเป็นปัจเจกมากขึ้น แนวเพลงกำลังพัฒนารวมถึงเพลงบัลลาดด้วย
ตัวแทนหลักของแนวโรแมนติกในดนตรีคือ: ในออสเตรีย - ฟรานซ์ ชูเบิร์ต ; ในเยอรมนี - เออร์เนสต์ เทโอดอร์ ฮอฟมันน์, คาร์ล มาเรีย เวเบอร์ริชาร์ด วากเนอร์ เฟลิกซ์ เมนเดลซอห์น, โรเบิร์ต ชูมันน์ , ลุดวิก สปอร์ ; วี
ฯลฯ.................

วัฒนธรรมดนตรีระดับมืออาชีพของยุคกลางในยุโรปนั้นเกี่ยวข้องกับคริสตจักรเป็นหลักนั่นคือพื้นที่ของดนตรีลัทธิ เต็มไปด้วยความเคร่งศาสนา ศิลปะเป็นที่ยอมรับและเชื่อตามความเชื่อ แต่อย่างไรก็ตาม มันไม่ได้หยุดนิ่ง มันเปลี่ยนจากความยุ่งเหยิงทางโลกไปสู่โลกแห่งการรับใช้พระเจ้า อย่างไรก็ตาม นอกจากดนตรีที่ "สูงกว่า" แล้ว ยังมีคติชนวิทยาและงานของนักดนตรีเร่ร่อน ตลอดจนวัฒนธรรมอันสูงส่งแห่งความกล้าหาญ

วัฒนธรรมดนตรีทางจิตวิญญาณของยุคกลางตอนต้น

ในยุค ยุคกลางตอนต้นดนตรีมืออาชีพฟังเฉพาะในมหาวิหารและโรงเรียนสอนร้องเพลงที่อยู่ติดกับพวกเขา ศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรีของยุคกลางในยุโรปตะวันตกคือเมืองหลวงของอิตาลี - โรม - เมืองที่เป็นที่ตั้งของ

ในปี 590-604 สมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 ได้ปฏิรูปการร้องเพลงประจำลัทธิ เขาสั่งและรวบรวมบทสวดต่าง ๆ ในคอลเลกชั่น "Gregorian Antiphonary" ขอบคุณ Gregory I ทิศทางที่เรียกว่า Gregorian Chant กำลังก่อตัวขึ้นในดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของยุโรปตะวันตก

ร้องเพลง- ตามกฎแล้วนี่คือบทสวดมนต์แบบโมโนโฟนิกซึ่งสะท้อนถึงประเพณีเก่าแก่หลายศตวรรษของชาวยุโรปและตะวันออกกลาง เป็นท่วงทำนองแบบโมโนโฟนิกที่ราบเรียบซึ่งตั้งใจนำทางนักบวชให้เข้าใจรากฐานของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกและยอมรับเจตจำนงเดียว โดยพื้นฐานแล้ว การร้องประสานเสียงดำเนินการโดยคณะนักร้องประสานเสียง และนักร้องเดี่ยวเพียงบางส่วนเท่านั้น

พื้นฐานของบทสวดเกรโกเรียนคือการเคลื่อนไหวทีละน้อยตามเสียงของโหมดไดอาโทนิก แต่บางครั้งบทสวดเดียวกันก็มีเพลงสดุดีที่ช้าและรุนแรงและการสวดไพเราะของแต่ละพยางค์

การแสดงท่วงทำนองดังกล่าวไม่น่าเชื่อถือสำหรับใครก็ตาม เนื่องจากต้องใช้ทักษะเสียงระดับมืออาชีพจากนักร้อง เช่นเดียวกับดนตรี เนื้อหาของเพลงสวดในภาษาละตินที่นักบวชจำนวนมากไม่สามารถเข้าใจได้ กระตุ้นความอ่อนน้อมถ่อมตน การปลีกตัวออกจากความเป็นจริง และการครุ่นคิด บ่อยครั้ง การออกแบบจังหวะของดนตรียังขึ้นอยู่กับการต่อท้ายข้อความด้วย เพลงสวดเกรกอเรียนไม่สามารถถือเป็นเพลงในอุดมคติได้ แต่เป็นการสวดบทสวดมนต์มากกว่า

มวล – ประเภทหลักนักแต่งเพลงในยุคกลาง

มวลคาทอลิก เป็นพิธีกรรมหลักของคริสตจักร เธอรวมบทสวดเกรกอเรียนประเภทต่างๆ เช่น:

• antiphonal (เมื่อนักร้องประสานเสียงสองคนร้องเพลง);
• รับผิดชอบ (นักร้องเดี่ยวและนักร้องประสานเสียงสลับกัน)

ชุมชนมีส่วนร่วมในการร้องเพลงสวดมนต์ร่วมกันเท่านั้น
ต่อมาในศตวรรษที่สิบสอง เพลงสวด (สดุดี) ลำดับ และ tropes ปรากฏในพิธีมิสซา พวกเขาเป็นข้อความเพิ่มเติมที่มีสัมผัส (ไม่เหมือนกับนักร้องประสานเสียงหลัก) และเพลงพิเศษ ข้อความคล้องจองทางศาสนาเหล่านี้เป็นที่จดจำของนักบวชได้ดีกว่ามาก พวกเขาร้องเพลงไปพร้อมกับพระสงฆ์ พวกเขาเปลี่ยนทำนองเพลง และองค์ประกอบของดนตรีพื้นบ้านเริ่มซึมซาบเข้าสู่ดนตรีศักดิ์สิทธิ์และเป็นโอกาสสำหรับการสร้างสรรค์ที่มีอำนาจ (พระสงฆ์ Notker Zaika และ Tokelon - อารามของ St. Golene) ต่อมา เพลงเหล่านี้มักจะเข้ามาแทนที่ส่วนเพลงสดุดี และทำให้เสียงของบทสวดเกรกอเรียนสมบูรณ์ยิ่งขึ้น

ตัวอย่างแรกของพฤกษ์มาจากอารามเช่น organum - การเคลื่อนไหวในสี่ขนานหรือห้า, gimel, foburdon - การเคลื่อนไหวในคอร์ดที่หก, ความประพฤติ ตัวแทนของดนตรีดังกล่าวคือนักแต่งเพลง Leonin และ Perotin (มหาวิหาร นอเทรอดามแห่งปารีส- ศตวรรษที่สิบสอง - สิบสาม)

วัฒนธรรมทางดนตรีของยุคกลาง

ด้านฆราวาสของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางแสดงโดย: ในฝรั่งเศส - นักเล่นกล, ละครใบ้, นักร้อง ในประเทศเยอรมนี - กะลาสี, ในประเทศสเปน - ฮ็อกลาร์ในมาตุภูมิ '- ตัวตลก. พวกเขาทั้งหมดเป็นศิลปินท่องเที่ยวและผสมผสานกันในงานของพวกเขา เล่นเครื่องดนตรี ร้องเพลง เต้นรำ มายากล การแสดงหุ่นกระบอก, ศิลปะละครสัตว์.

อีกองค์ประกอบหนึ่งของดนตรีฆราวาสคือความกล้าหาญที่เรียกว่า วัฒนธรรมในราชสำนัก . รหัสอัศวินพิเศษถูกสร้างขึ้นซึ่งระบุว่าอัศวินแต่ละคนไม่เพียงต้องมีความกล้าหาญและกล้าหาญเท่านั้น แต่ยังมี มารยาทที่ประณีตศึกษาเล่าเรียนและอุทิศตนเพื่อกุลสตรีผู้งดงาม ทุกแง่มุมของชีวิตอัศวินสะท้อนให้เห็นในงาน ปัญหา(ฝรั่งเศสตอนใต้ - โพรวองซ์) ตรูเวอร์ส(ฝรั่งเศสตอนเหนือ), นักขุด(ประเทศเยอรมนี).

งานของพวกเขาส่วนใหญ่นำเสนอในเนื้อเพลงรัก แนวเพลงที่พบบ่อยที่สุดคือ canzona (albs - "Morning Songs" ในหมู่นักร้อง minnesingers) การนำประสบการณ์ของนักร้องมาประยุกต์ใช้อย่างกว้างขวาง คณะนักแสดงได้สร้างแนวเพลงของตนเอง: "เพลงพฤษภาคม", "เพลงถักทอ"

พื้นที่ที่สำคัญที่สุดของประเภทดนตรีของตัวแทนของวัฒนธรรมในราชสำนักคือประเภทเพลงและการเต้นรำเช่น rondo, virele, ballad, มหากาพย์วีรบุรุษ. บทบาทของเครื่องดนตรีนั้นไม่มีนัยสำคัญมากนัก มันถูกลดระดับลงเพื่อจัดกรอบท่วงทำนองของเสียงร้องด้วยบทนำ การสลับฉาก การปิดฉาก

ผู้ใหญ่ยุคกลาง XI-XIII ศตวรรษ

คุณลักษณะเฉพาะของยุคกลางที่เป็นผู้ใหญ่คือการพัฒนา วัฒนธรรมเบอร์เกอร์ . มุ่งเน้นไปที่การต่อต้านคริสตจักร การคิดอย่างอิสระ การเชื่อมโยงกับการ์ตูนและนิทานพื้นบ้านเกี่ยวกับงานรื่นเริง ประเภทของโพลีโฟนีใหม่ปรากฏขึ้น: โมเตตซึ่งโดดเด่นด้วยความแตกต่างของเสียงที่ไพเราะ ยิ่งกว่านั้น พวกเขาร้องเพลงพร้อมกันในโมเตต ข้อความที่แตกต่างกันและแม้กระทั่ง ภาษาที่แตกต่างกัน; มาดริกัล - เพลง ภาษาหลัก(ภาษาอิตาลี), caccia เป็นท่อนร้องที่มีเนื้อร้องบรรยายถึงการล่า

ตั้งแต่คริสต์ศตวรรษที่ 12 ถึง ศิลปท้องถิ่นคนพเนจรและโกลิอาร์ดเข้าร่วมซึ่งแตกต่างจากคนอื่น ๆ คือรู้หนังสือ มหาวิทยาลัยกลายเป็นพาหะของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลาง เนื่องจากระบบโมดอลของยุคกลางได้รับการพัฒนาโดยตัวแทนของดนตรีศักดิ์สิทธิ์ พวกเขาจึงเริ่มถูกเรียกว่าโหมดคริสตจักร (โหมดไอโอเนียน, โหมดเอโอเลียน)

หลักคำสอนของ hexachords ยังถูกนำเสนอ - ใช้เพียง 6 ขั้นตอนในเฟร็ต พระ Guido Aretinsky สร้างระบบการบันทึกที่สมบูรณ์แบบยิ่งขึ้นซึ่งประกอบด้วย 4 บรรทัดซึ่งมีอัตราส่วนตติยภูมิและ สัญญาณสำคัญหรือการลงสีเส้น นอกจากนี้เขายังแนะนำชื่อพยางค์ของขั้นบันได นั่นคือ ความสูงของขั้นบันไดเริ่มแสดงด้วยตัวอักษร

Ars Nova XIII-XV ศตวรรษ

ช่วงหัวเลี้ยวหัวต่อระหว่างยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือศตวรรษที่สิบสี่ ช่วงเวลานี้ในฝรั่งเศสและอิตาลีเรียกว่า Ars Nova นั่นคือ "ศิลปะใหม่" ถึงเวลาแล้วสำหรับการทดลองใหม่ในงานศิลปะ นักแต่งเพลงเริ่มแต่งผลงานซึ่งจังหวะนั้นซับซ้อนกว่าเพลงก่อนหน้ามาก (Philippe de Vitry)

นอกจากนี้ยังแตกต่างจากดนตรีศักดิ์สิทธิ์ตรงที่มีการนำเซมิโทนมาใช้ซึ่งเป็นผลมาจากการขึ้นและลงของโทนเสียงแบบสุ่มเริ่มเกิดขึ้น แต่นี่ยังไม่ใช่การมอดูเลต จากการทดลองดังกล่าวทำให้ได้ผลงานที่น่าสนใจ แต่ยังห่างไกลจากความไพเราะเสมอไป โซเลจเป็นนักทดลอง-นักดนตรีที่ฉลาดที่สุดในยุคนั้น วัฒนธรรมดนตรียุคกลางมีการพัฒนามากขึ้นเมื่อเทียบกับวัฒนธรรม โลกโบราณแม้จะมีข้อ จำกัด ของเงินทุนและมีข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการเฟื่องฟูของดนตรีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

นักดนตรียุคกลาง ต้นฉบับของศตวรรษที่ 13 ดนตรียุคกลาง ช่วงเวลาของการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีครอบคลุมช่วงเวลาตั้งแต่ประมาณศตวรรษที่ 5 ถึงศตวรรษที่ 14 ... Wikipedia

รวมถึงแนวเพลงพื้นบ้าน เพลงยอดนิยม เพลงป๊อป และเพลงคลาสสิก อินเดีย เพลงคลาสสิคซึ่งแสดงโดยประเพณีของ Karnataka และ Hindustani ย้อนกลับไปที่ Sama Veda และอธิบายว่าซับซ้อนและหลากหลาย ... Wikipedia

กลุ่มนักดนตรีในดนตรีฝรั่งเศสมงต์มาตร์เป็นหนึ่งในวัฒนธรรมดนตรียุโรปที่น่าสนใจและมีอิทธิพลมากที่สุด ซึ่งมีต้นกำเนิดมาจาก ... Wikipedia

สารบัญ 1 ดนตรีพื้นบ้าน 2 ดนตรีคลาสสิก โอเปร่า และบัลเลต์ 3 เพลงยอดนิยม ... Wikipedia

บทความนี้เกี่ยวกับสไตล์ดนตรี สำหรับกลุ่มของมุมมองทางปรัชญา ดูบทความ New Age ดูหมวด: New Age Music New Age (new age) ทิศทาง: ดนตรีอิเล็คโทนิคต้นกำเนิด: แจ๊ส, ชาติพันธุ์, มินิมัลลิสต์, ดนตรีคลาสสิก, ดนตรีที่เป็นรูปธรรม ... Wikipedia

I Music (จากเพลงกรีกตามตัวอักษรคือศิลปะของเพลง) เป็นศิลปะประเภทหนึ่งที่สะท้อนความเป็นจริงและส่งผลกระทบต่อบุคคลผ่านลำดับเสียงที่มีความหมายและจัดเป็นพิเศษซึ่งประกอบด้วยเสียงส่วนใหญ่ ...... ใหญ่ สารานุกรมโซเวียต

- (moysikn กรีกจาก mousa muse) ประเภทของชุดที่สะท้อนความเป็นจริงและส่งผลกระทบต่อบุคคลผ่านลำดับเสียงที่มีความหมายและจัดเป็นพิเศษในความสูงและเวลาซึ่งประกอบด้วยเสียงเป็นหลัก ...... สารานุกรมดนตรี

ชุดบทความเกี่ยวกับ Croats ... Wikipedia

ดนตรีเบลเยียมมีต้นกำเนิดมาจาก ประเพณีดนตรีชาวเฟลมมิงส์ซึ่งอาศัยอยู่ทางตอนเหนือของประเทศ และประเพณีของชาววัลลูนซึ่งอาศัยอยู่ทางตอนใต้และได้รับอิทธิพลจากประเพณีของฝรั่งเศส การก่อตัวของดนตรีเบลเยียมดำเนินไปในประวัติศาสตร์ที่ซับซ้อน ... ... Wikipedia

หนังสือ

• ภาพประกอบประวัติศาสตร์ศิลปะ สถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม ดนตรี Lyubke V. Lifetime edition เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2427 ฉบับ อ.สุวรินทร์. รุ่นที่มี 134 ภาพวาด เจ้าของเข้าเล่มด้วยสันและมุมหนัง กระดูกสันหลังผ้าพันแผล ความปลอดภัยดี…
• ภาพประกอบประวัติศาสตร์ศิลปะ สถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม ดนตรี (สำหรับโรงเรียน การศึกษาด้วยตนเองและข้อมูล) Lübke ฉบับชีวิต. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2427 ฉบับ อ.สุวรินทร์. หนังสือที่มี 134 ภาพวาด ปกพิมพ์. ความปลอดภัยเป็นสิ่งที่ดี น้ำตาเล็กน้อยบนหน้าปก พร้อมภาพประกอบ…

ในเงื่อนไขของยุคกลางตอนต้น วัฒนธรรมดนตรีทั้งหมดถูกลดเหลือ "เงื่อนไข" หลักสองประการ หนึ่งในขั้วของมันคือดนตรีประกอบพิธีกรรมระดับมืออาชีพที่ได้รับการรับรองจากคริสตจักร ซึ่งในหลักการแล้วเหมือนกันสำหรับทุกคนที่รับเอาศาสนาคริสต์มาใช้ (ความเป็นเอกภาพของภาษาคือภาษาละติน ในอีกด้านหนึ่ง - ดนตรีพื้นบ้านที่คริสตจักรข่มเหงด้วยภาษาท้องถิ่นต่างๆ เชื่อมโยงกับชีวิตชาวบ้านด้วยกิจกรรมของนักดนตรีพเนจร

แม้จะมีความไม่เท่าเทียมกันของกองกำลัง (ในแง่ของการสนับสนุนจากรัฐเงื่อนไขทางวัตถุ ฯลฯ ) ดนตรีพื้นบ้านได้พัฒนาอย่างเข้มข้นและแม้แต่บางส่วนก็แทรกซึมเข้าไปในคริสตจักรในรูปแบบของการแทรกต่าง ๆ ในบทสวดเกรกอเรียนที่บัญญัติ ตัวอย่างเช่น trope และ sequences ที่สร้างขึ้นโดยนักดนตรีที่มีพรสวรรค์

เส้นทาง - นี่คือข้อความและส่วนเพิ่มเติมของดนตรีที่แทรกอยู่ตรงกลางของนักร้องประสานเสียง เส้นทางชนิดหนึ่งเป็นลำดับ ยุคกลางลำดับ นี่คือข้อความย่อยของการเปล่งเสียงที่ซับซ้อน สาเหตุหนึ่งที่ทำให้เกิดการเกิดขึ้นคือความยากลำบากอย่างมากในการจดจำท่วงทำนองยาวที่ร้องด้วยสระตัวเดียว เมื่อเวลาผ่านไปก็เริ่มวนเวียนไปตามท่วงทำนองของโกดังพื้นบ้าน

พระสงฆ์มีชื่อในหมู่ผู้แต่งลำดับแรกน็อคเกอร์ ชื่อเล่น Zaika จากอาราม St. Gallen (ในสวิตเซอร์แลนด์ ใกล้ ทะเลสาบคอนสแตนซ์). นอตเคอร์ (840-912) คือนักแต่งเพลง กวี นักทฤษฎีดนตรี นักประวัติศาสตร์ นักศาสนศาสตร์ เขาสอนที่โรงเรียนอารามและแม้จะพูดติดอ่าง แต่ก็เป็นที่รู้จักในฐานะครูที่ยอดเยี่ยม สำหรับลำดับของเขา Notker ใช้บางส่วน เพลงที่มีชื่อเสียงแต่งเองบางส่วน.

ตามคำสั่งของสภาแห่งเทรนต์ (2088-63) เกือบทั้งหมดถูกขับออกจากโบสถ์ในลำดับ ยกเว้นสี่ ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือซีเควนซ์ตายแระ ("วันแห่งพระพิโรธ") เล่าถึงวันพิพากษา . ต่อมา ลำดับที่ 5 ได้ถูกนำไปใช้ในคริสตจักรคาทอลิกวัสดุ Stabat ("มีแม่ที่โศกเศร้า")

จิตวิญญาณแห่งศิลปะทางโลกถูกนำเข้ามาสู่ชีวิตคริสตจักรและเพลงสวด - บทสวดมนต์ปิดทองหลังพระ เพลงพื้นบ้านถึงข้อความกวี

จากจุดสิ้นสุด จินศตวรรษ ใน ชีวิตดนตรียุโรปตะวันตกรวมถึงความคิดสร้างสรรค์ประเภทใหม่และการทำดนตรีที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมอัศวิน โดยพื้นฐานแล้วนักร้อง - อัศวินเป็นจุดเริ่มต้นของดนตรีฆราวาส ศิลปะของพวกเขาติดต่อกับประเพณีดนตรีพื้นบ้านในชีวิตประจำวัน (การใช้น้ำเสียงของเพลงพื้นบ้าน การฝึกความร่วมมือกับนักดนตรีพื้นบ้าน) ในหลายกรณี ผู้บรรเลงอาจเลือกทำนองเพลงพื้นบ้านทั่วไปสำหรับบทของพวกเขา

ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางคือการกำเนิดของมืออาชีพชาวยุโรปพฤกษ์ . จุดเริ่มต้นของมันหมายถึงทรงเครื่องศตวรรษ เมื่อการแสดงพร้อมเพรียงกันของบทสวดเกรกอเรียนบางครั้งถูกแทนที่ด้วยเสียงสองเสียง เสียงสองเสียงประเภทแรกสุดนั้นขนานกันอวัยวะ ซึ่งบทสวดเกรกอเรียนถูกขนานนามเป็นอ็อกเทฟ ควอร์ต หรือไฟต์ จากนั้นอวัยวะที่ไม่ขนานกันปรากฏขึ้นพร้อมกับทางอ้อม (เมื่อมีเพียงเสียงเดียวที่เคลื่อนไหว) และการเคลื่อนไหวที่ตรงกันข้าม เสียงที่มาพร้อมกับบทสวดเกรกอเรียนค่อยๆ เป็นอิสระมากขึ้นเรื่อยๆ เสียงคู่ลักษณะนี้เรียกว่าเสียงแหลม (ในการแปล - "แยกออกจากกัน")

เป็นครั้งแรกที่มีการเขียนอวัยวะดังกล่าวลีโอนิน นักแต่งเพลง-โพลีโฟนีคนแรกที่รู้จัก (สิบสองศตวรรษ). เขาดำรงตำแหน่งผู้สำเร็จราชการแทนพระองค์ในมหาวิหารน็อทร์-ดามอันโด่งดัง ซึ่งเป็นโรงเรียนโพลีโฟนิกขนาดใหญ่ที่พัฒนาขึ้น

งานของ Leonin เกี่ยวข้องกับอาร์ส แอนติควา (ars antiqua ซึ่งแปลว่า " ศิลปะเก่า"). ชื่อนี้ตั้งให้กับลัทธิพฤกษ์สิบสอง- สิบสามนักดนตรีหลายศตวรรษ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นซึ่งต่อต้านมันอาร์ส โนวา ("ศิลปะใหม่").

ตอนแรก สิบสามประเพณีของ Leonin ดำเนินต่อไปหลายศตวรรษเพอโรติน ตามฉายาเกรท. เขาไม่ได้แต่งเสียงสองเสียงอีกต่อไป แต่เป็น 3 x และ 4 x - อวัยวะรับเสียง เสียงสูงของ Perotin บางครั้งสร้างเสียงสองเสียงที่ตัดกัน บางครั้งเขาก็ใช้การเลียนแบบอย่างชำนาญ

ในเวลาที่ Perotin ก่อตัวขึ้นและ ชนิดใหม่พฤกษ์ -ตัวนำ ซึ่งพื้นฐานไม่ใช่บทสวดเกรกอเรียนอีกต่อไป แต่เป็นท่วงทำนองที่แต่งขึ้นทุกวันหรือแต่งอย่างอิสระที่เป็นที่นิยม

รูปแบบโพลีโฟนิกที่โดดเด่นยิ่งขึ้นคือโมเท็ต - การผสมผสานของท่วงทำนองที่มีจังหวะและข้อความที่แตกต่างกัน บ่อยครั้งแม้ในภาษาต่างๆ Motet เป็นคนแรก แนวดนตรีเป็นเรื่องธรรมดาในคริสตจักรและในชีวิตศาล

การพัฒนาพฤกษ์ศาสตร์ การออกจากการออกเสียงพร้อมกันของแต่ละพยางค์ของข้อความในทุกเสียง (ในโมเตต) จำเป็นต้องมีการปรับปรุงสัญกรณ์ การกำหนดระยะเวลาที่แน่นอน ปรากฏขึ้นสัญกรณ์ประจำเดือน (จากภาษาละติน mensura - การวัดตัวอักษร - สัญกรณ์ที่วัดได้) ซึ่งทำให้สามารถกำหนดทั้งความสูงและระยะเวลาสัมพัทธ์ของเสียงได้

ควบคู่ไปกับการพัฒนาพฤกษ์มีกระบวนการก่อตัวฝูง - งานโพลีโฟนิกไซคลิกบนข้อความของบริการหลักอันศักดิ์สิทธิ์ของคริสตจักรคาทอลิก พิธีมิสซาก่อตัวขึ้นเป็นเวลาหลายศตวรรษ มันได้รับรูปแบบสุดท้ายเพียงเพื่อจินเว-คุ. แบบองค์รวมได้อย่างไร องค์ประกอบดนตรีมวลชนเป็นรูปเป็นร่างในภายหลังในสิบสี่ศตวรรษที่กลายเป็นแนวดนตรีชั้นนำของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ยุคกลางเป็นยุคที่ยิ่งใหญ่ของประวัติศาสตร์มนุษย์ ช่วงเวลาแห่งการครอบงำของระบบศักดินา

ระยะเวลาของวัฒนธรรม:

ยุคกลางตอนต้น -คริสต์ศตวรรษที่ 5 - 10

ผู้ใหญ่ยุคกลาง -ศตวรรษที่สิบเอ็ด - สิบสี่

ในปี 395 จักรวรรดิโรมันแบ่งออกเป็นสองส่วน: ตะวันตกและตะวันออก ทางตะวันตกบนซากปรักหักพังของกรุงโรมในศตวรรษที่ 5-9 มีรัฐอนารยชน: Ostrogoths, Visigoths, Franks เป็นต้น ในศตวรรษที่ 9 อันเป็นผลมาจากการล่มสลายของอาณาจักรของชาร์ลมาญ สามรัฐได้ก่อตัวขึ้นที่นี่ : ฝรั่งเศส เยอรมนี อิตาลี เมืองหลวงของภาคตะวันออกคือคอนสแตนติโนเปิลซึ่งก่อตั้งโดยจักรพรรดิคอนสแตนตินบนที่ตั้งอาณานิคมของกรีกไบแซนเทียม - ด้วยเหตุนี้ชื่อของรัฐ

§ 1. ยุคกลางของยุโรปตะวันตก

พื้นฐานที่สำคัญของยุคกลางคือความสัมพันธ์เกี่ยวกับระบบศักดินา วัฒนธรรมยุคกลางก่อตัวขึ้นในเงื่อนไข อสังหาริมทรัพย์ในชนบท. ไกลออกไป พื้นฐานทางสังคมกลายเป็นวัฒนธรรม สภาพแวดล้อมในเมือง - เบอร์เกอร์ด้วยการก่อตัวของรัฐ ฐานันดรหลักถูกสร้างขึ้น: พระสงฆ์ ขุนนาง ประชาชน

ศิลปะของยุคกลางมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับ คริสตจักร . ความเชื่อของคริสเตียน- พื้นฐานของปรัชญา จริยธรรม สุนทรียภาพ ชีวิตจิตวิญญาณทั้งหมดในยุคนี้ เต็มไปด้วยสัญลักษณ์ทางศาสนา ศิลปะมีแรงบันดาลใจมาจากโลก ชั่วคราวไปสู่จิตวิญญาณ และเป็นนิรันดร์

พร้อมด้วย คริสตจักรอย่างเป็นทางการมีวัฒนธรรม (สูง) อยู่ ฆราวาสวัฒนธรรม (รากหญ้า) - ชาวบ้าน(ชนชั้นล่าง) และ อัศวิน(ศาล).

จุดโฟกัสหลัก มืออาชีพดนตรีของยุคกลางตอนต้น - มหาวิหาร, โรงเรียนสอนร้องเพลงที่แนบมากับพวกเขา, อาราม - ศูนย์กลางการศึกษาแห่งเดียวในยุคนั้น พวกเขาเรียนภาษากรีกและละติน เลขคณิตและดนตรี

ศูนย์กลางหลักของดนตรีในโบสถ์ ยุโรปตะวันตกกรุงโรมอยู่ในยุคกลาง ในตอนท้ายของ VI - ต้นศตวรรษที่เจ็ด ดนตรีคริสตจักรยุโรปตะวันตกที่หลากหลายกำลังก่อตัวขึ้น - บทสวดเกรกอเรียน ซึ่งตั้งชื่อตามสมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 ผู้ดำเนินการปฏิรูปการร้องเพลงในโบสถ์ รวบรวมและปรับปรุงเพลงสวดต่างๆ ของโบสถ์ บทสวดเกรกอเรียน - โมโนโฟนิกบทสวดคาทอลิก ซึ่งเป็นประเพณีการร้องเพลงเก่าแก่หลายศตวรรษของชนชาติต่างๆ ในตะวันออกกลางและยุโรป (ซีเรีย ยิว กรีก โรมัน ฯลฯ) ได้รวมเข้าไว้ด้วยกัน มันเป็นการเปิดเผยแบบโมโนโฟนิกที่ราบรื่นของท่วงทำนองเพลงเดียวที่มีจุดประสงค์เพื่อแสดงถึงเจตจำนงเดียวซึ่งเป็นจุดเน้นของความสนใจของนักบวชตามหลักการของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิก ธรรมชาติของดนตรีนั้นเข้มงวดไม่มีตัวตน การร้องเพลงประสานเสียงดำเนินการโดยคณะนักร้องประสานเสียง (เพราะฉะนั้นชื่อนี้) บางส่วนโดยศิลปินเดี่ยว การเคลื่อนไหวแบบขั้นบันไดขึ้นอยู่กับโหมดไดอะโทนิก บทสวดเกรกอเรียนอนุญาตให้มีการไล่ระดับเสียงได้หลายแบบ ตั้งแต่ช้ามาก การร้องเพลงประสานเสียงและสิ้นสุด วันครบรอบ(การสวดมนต์พยางค์ไพเราะ) ซึ่งต้องใช้ทักษะการเปล่งเสียงอันชาญฉลาดในการแสดง

การร้องเพลงเกรกอเรียนทำให้ผู้ฟังแปลกแยกจากความเป็นจริง ทำให้เกิดความอ่อนน้อมถ่อมตน นำไปสู่การไตร่ตรอง ข้อความบน ละติน,มวลของนักบวชที่เข้าใจยาก จังหวะของการร้องเพลงถูกกำหนดโดยข้อความ มันคลุมเครือไม่มีกำหนดเนื่องจากลักษณะของสำเนียงของการอ่านข้อความ

บทสวดเกรโกเรียนประเภทต่างๆ ถูกนำมารวมกันในพิธีบูชาหลักของคริสตจักรคาทอลิก - มวลซึ่งได้จัดตั้งส่วนที่มั่นคงไว้ห้าส่วนคือ

ไครี่ เอลิสัน(พระเจ้าทรงเมตตา)

กลอเรีย(ความรุ่งโรจน์)

ความเชื่อ(เชื่อ)

แซงตัส(ศักดิ์สิทธิ์)

แอ็กนัส เดอี(ลูกแกะของพระเจ้า).

เมื่อเวลาผ่านไป ธาตุต่างๆ ก็เริ่มซึมเข้าสู่บทสวดเกรกอเรียน ดนตรีพื้นบ้านผ่าน เพลงสวด ลำดับ และ tropesถ้าเพลงสดุดีบรรเลงโดยนักร้องประสานเสียงมืออาชีพและคณะสงฆ์ เพลงสวดในตอนแรกก็ร้องโดยนักบวช พวกเขาถูกแทรกเข้าไปในพิธีบูชาอย่างเป็นทางการ (พวกเขามีลักษณะของดนตรีพื้นบ้าน) แต่ในไม่ช้าเพลงสวดก็เริ่มมาแทนที่เพลงสดุดีซึ่งนำไปสู่การปรากฏตัว มวลโพลีโฟนิก

ลำดับแรกเป็นข้อความย่อยของทำนองเพลงครบรอบ ดังนั้นเสียงหนึ่งของทำนองจะมีพยางค์แยกต่างหาก ลำดับกลายเป็นประเภททั่วไป (ที่นิยมมากที่สุด « เวนิ, ศักดิ์สิทธิ์ สปิริตัส» , « ตาย อิรัก», « สตาบัท ส» ). "Dies irae" ถูกใช้โดย Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninov (มักเป็นสัญลักษณ์ของความตาย)

ตัวอย่างแรกของพฤกษ์มาจากอาราม - อวัยวะ(การเคลื่อนไหวในแนวขนานที่ห้าหรือสี่) กิเมล, โฟบูร์ด็อง(คอร์ดที่หกขนาน), ตัวนำ. นักแต่งเพลง: Leonin และ Perotin (ศตวรรษที่ 12-13 - มหาวิหารนอเทรอดาม)

ผู้ให้บริการ ฆราวาสชาวบ้าน ดนตรีในยุคกลาง ละครใบ้, นักเล่นปาหี่, นักร้องในประเทศฝรั่งเศส, กะลาสี- ในประเทศ วัฒนธรรมเยอรมัน, ฮ็อกลาร์ -ในประเทศสเปน, ตัวตลก -ในมาตุภูมิ ศิลปินผู้เดินทางเหล่านี้เป็นปรมาจารย์สากล: พวกเขาผสมผสานการร้องเพลง การเต้นรำ การเล่น เครื่องมือต่างๆด้วยมายากล ละครสัตว์ ละครหุ่น

ด้านอื่น ๆ วัฒนธรรมฆราวาสเคยเป็น วัฒนธรรมอัศวิน (ศาล) (วัฒนธรรมของขุนนางศักดินาฆราวาส). ผู้สูงศักดิ์เกือบทั้งหมดเป็นอัศวิน - จากนักรบที่ยากจนไปจนถึงกษัตริย์ กฎพิเศษของอัศวินกำลังก่อตัวขึ้น ซึ่งอัศวินพร้อมด้วยความกล้าหาญและความกล้าหาญ ต้องมีมารยาทที่ประณีต มีการศึกษา ใจกว้าง ใจกว้าง รับใช้สตรีผู้งดงามอย่างซื่อสัตย์ ทุกแง่มุมของชีวิตอัศวินสะท้อนให้เห็นในศิลปะดนตรีและกวี ปัญหา(โปรวองซ์-ฝรั่งเศสตอนใต้) , ปัญหา(ฝรั่งเศสตอนเหนือ), นักขุด(ประเทศเยอรมนี). ศิลปะของการแสดงส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับเนื้อเพลงรัก แนวเพลงรักที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ แคนโซน(ในบรรดา minnesingers - "Morning Songs" - albs)

Trouvers ใช้ประสบการณ์ของ troubadours อย่างกว้างขวาง สร้างแนวเพลงดั้งเดิมของตนเอง: เพลงทอ», « เพลงพฤษภาคม". พื้นที่ที่สำคัญของประเภทดนตรีของ troubadours, trouvers และ minnesingers คือ แนวเพลงและการเต้น: rondo, ballad, virele(งดเว้นแบบฟอร์ม) รวมทั้ง มหากาพย์วีรบุรุษ(มหากาพย์ภาษาฝรั่งเศส "Song of Roland", ภาษาเยอรมัน - "Song of the Nibelungs") Minnesingers เป็นเรื่องธรรมดา เพลงสงครามครูเสด

คุณลักษณะเฉพาะของศิลปะการแสดงแบบเร่ร่อนและนักร้องประสานเสียง:

โมโนโฟนี- เป็นผลมาจากความเชื่อมโยงที่แยกกันไม่ออกระหว่างท่วงทำนองและข้อความในบทกวี ซึ่งสืบเนื่องมาจากแก่นแท้ของศิลปะดนตรีและบทกวี โมโนโฟนียังสอดคล้องกับทัศนคติต่อการแสดงออกส่วนบุคคลของประสบการณ์ของตนเอง การประเมินเนื้อหาของแถลงการณ์เป็นการส่วนตัว (บ่อยครั้ง การแสดงออกของประสบการณ์ส่วนตัวถูกตีกรอบด้วยการพรรณนาภาพของธรรมชาติ)

เป็นหลัก การแสดงเสียงร้องบทบาทของเครื่องดนตรีไม่มีนัยสำคัญ: มันถูกลดระดับลงเหลือแค่การแสดงบทนำ การสลับฉาก และการแสดงหลังบทที่ประกอบเป็นท่วงทำนองเสียงร้อง

ยังคงเป็นไปไม่ได้ที่จะพูดถึงศิลปะที่กล้าหาญในฐานะมืออาชีพ แต่เป็นครั้งแรกในเงื่อนไข ฆราวาสการสร้างดนตรี การกำกับดนตรีและบทกวีที่ทรงพลังถูกสร้างขึ้นด้วยวิธีการแสดงออกที่ซับซ้อนและการเขียนดนตรีที่ค่อนข้างสมบูรณ์แบบ

หนึ่งในความสำเร็จที่สำคัญ ผู้ใหญ่วัยกลางคนเริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ X-XI คือ การพัฒนาเมือง(วัฒนธรรมเบอร์เกอร์) . คุณสมบัติหลักของวัฒนธรรมเมืองคือการต่อต้านคริสตจักร, แนวรักอิสระ, การเชื่อมโยงกับนิทานพื้นบ้าน, ตัวละครที่ตลกขบขันและงานรื่นเริง รูปแบบสถาปัตยกรรมโกธิคพัฒนาขึ้น มีการสร้างแนวเพลงโพลีโฟนิกใหม่ตั้งแต่ศตวรรษที่ 13-14 ถึงศตวรรษที่ 16 - โมเท็ต(จากภาษาฝรั่งเศส - "คำ" สำหรับ motet ความแตกต่างของเสียงที่ไพเราะถือเป็นเรื่องปกติโดยเน้นเสียงข้อความที่แตกต่างกันในเวลาเดียวกัน - บ่อยครั้งแม้ในภาษาต่างๆ) มาดริกัล(จากภาษาอิตาลี - "เพลงในภาษาแม่" เช่น ภาษาอิตาลี เนื้อเพลงเป็นเพลงรัก บทอภิบาล) คชา(จากภาษาอิตาลี - "ล่าสัตว์" - ท่อนร้องตามข้อความที่บรรยายถึงการล่าสัตว์)

นักดนตรีพื้นบ้านพเนจรกำลังเปลี่ยนจากวิถีชีวิตเร่ร่อนไปเป็นนักดนตรีประจำที่ กระจายตัวอยู่ทั่วทั้งเมืองและสร้าง "โรงฝึกนักดนตรี" ขึ้น เริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 นักดนตรีพื้นบ้านเข้าร่วม คนเร่ร่อนและโกลิอาด- ผู้หลุดพ้นจากชนชั้นต่าง ๆ (นักเรียน, พระที่หลบหนี, นักบวชพเนจร) ซึ่งแตกต่างจากนักเล่นปาหี่ที่ไม่รู้หนังสือ - ตัวแทนทั่วไปของศิลปะปากเปล่า - คนจรจัดและคนโกลิอาร์ดมีความรู้: พวกเขารู้ภาษาละตินและกฎของคำประพันธ์คลาสสิก ดนตรีประกอบ - เพลง (ช่วงของภาพเกี่ยวข้องกับวิทยาศาสตร์ในโรงเรียนและชีวิตนักเรียน) และ แม้กระทั่งองค์ประกอบที่ซับซ้อน เช่น conducts และ motets

กลายเป็นศูนย์กลางสำคัญของวัฒนธรรมดนตรี มหาวิทยาลัยดนตรีที่แม่นยำยิ่งขึ้น - อะคูสติกดนตรี - ร่วมกับดาราศาสตร์ คณิตศาสตร์ ฟิสิกส์เป็นส่วนหนึ่งของควอดเรียม เช่น วงจรของสี่สาขาวิชาที่ศึกษาในมหาวิทยาลัย

ดังนั้นในเมืองยุคกลางจึงมีศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรีที่แตกต่างกันในลักษณะและการวางแนวทางสังคม: สมาคมของนักดนตรีพื้นบ้าน, ดนตรีในศาล, ดนตรีของอารามและมหาวิหาร, การฝึกดนตรีของมหาวิทยาลัย

ทฤษฎีดนตรีในยุคกลาง มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเทววิทยา ในบทความทางทฤษฎีดนตรีสองสามเล่มที่มาถึงเรา ดนตรีถูกพิจารณาว่าเป็น "ผู้รับใช้ของคริสตจักร" ในบรรดาบทความที่โดดเด่นของยุคกลางตอนต้น หนังสือ 6 เล่ม "เกี่ยวกับดนตรี" โดยออกัสติน หนังสือ 5 เล่มโดยโบติอุส "เกี่ยวกับการก่อตั้งดนตรี" ฯลฯ บทความขนาดใหญ่ในบทความเหล่านี้ได้รับประเด็นทางวิชาการที่เป็นนามธรรม หลักคำสอนเกี่ยวกับบทบาทของดนตรีในจักรวาล ฯลฯ

ระบบ modal ในยุคกลางได้รับการพัฒนาโดยตัวแทนของผู้เชี่ยวชาญของคริสตจักร ศิลปะดนตรี- ดังนั้นชื่อ "โหมดคริสตจักร" จึงถูกกำหนดให้กับเฟรตยุคกลาง Ionia และ Aeolian กลายเป็นโหมดหลัก

ทฤษฎีดนตรีในยุคกลางหยิบยกหลักคำสอนของเฮกซาคอร์ด ในแต่ละเฟรต มีการใช้ 6 ขั้นตอนในทางปฏิบัติ (เช่น do, re, mi, fa, salt, la) จากนั้น Xi ก็หลีกเลี่ยงเพราะ เกิดขึ้นพร้อมกับ F ย้ายไปที่ควอร์ตที่ขยายใหญ่ขึ้นซึ่งถือว่าไม่ลงรอยกันอย่างมากและเรียกโดยนัยว่า "ปีศาจในดนตรี"

มีการใช้สัญกรณ์ที่ไม่บังคับอย่างกว้างขวาง กุยโด อาเรตินสกี้ปรับปรุงระบบโน้ตดนตรี สาระสำคัญของการปฏิรูปของเขามีดังนี้: การมีอยู่ของเส้นสี่เส้น ความสัมพันธ์ระดับอุดมศึกษาระหว่างเส้นแต่ละเส้น เครื่องหมายสำคัญ (แต่เดิมตัวอักษร) หรือการระบายสีเส้น เขายังแนะนำสัญกรณ์พยางค์สำหรับหกขั้นตอนแรกของโหมด: ut, re, ไมล์, ฟ้า, เกลือ, ลา

แนะนำ สัญกรณ์ประจำเดือนที่กำหนดจังหวะให้กับแต่ละโน้ต (ภาษาละติน Mensura - การวัด, การวัด) ชื่อของระยะเวลา: maxim, longa, brevis เป็นต้น

สิบสี่ศตวรรษ - ช่วงเปลี่ยนผ่านระหว่างยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะของฝรั่งเศสและอิตาลีในศตวรรษที่สิบสี่ถูกเรียกว่า " อาร์ โนวา"(จากภาษาละติน - ศิลปะใหม่) และในอิตาลีมีคุณสมบัติทั้งหมดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น คุณสมบัติหลัก: ปฏิเสธที่จะใช้แนวเพลงของคริสตจักรโดยเฉพาะและหันไปใช้แนวเพลงฆราวาสและดนตรีบรรเลง (บัลลาด, คัชชา, มาดริกัล), การสร้างสายสัมพันธ์กับเพลงประจำวัน, การใช้เครื่องดนตรีต่างๆ Ars nova เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับที่เรียกว่า ars antiqua (lat. ars antiqua - ศิลปะเก่า) หมายถึงศิลปะดนตรีก่อนต้นศตวรรษที่สิบสี่ ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดอาสโนว่า Guillaume de Macho (ศตวรรษที่ 14, ฝรั่งเศส) และ Francesco Landino (ศตวรรษที่ 14, อิตาลี)

ดังนั้น วัฒนธรรมดนตรีในยุคกลางแม้จะมีวิธีการที่จำกัด แต่ก็แสดงถึงระดับที่สูงกว่าเมื่อเปรียบเทียบกับดนตรีของโลกโบราณ และประกอบด้วยข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับความเฟื่องฟูของศิลปะดนตรีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา