ศิลปะสมัยใหม่ของอะนิเมะและมังงะของญี่ปุ่น Exploding Kawaii: วิธีทำความเข้าใจศิลปะญี่ปุ่นร่วมสมัย

นิทรรศการที่น่าสนใจกำลังเกิดขึ้นใน Hermitage - ศิลปะสมัยใหม่ญี่ปุ่น "MONO-NO AWARE เสน่ห์ของสรรพสิ่ง".

ที่จะบอกว่าฉันเป็นแฟนของศิลปะร่วมสมัย - ฉันไม่สามารถ ฉันชอบมันมากกว่าเมื่อมีบางอย่างให้ดู (กราฟิกยุ่งๆ หรืองานศิลปะและงานฝีมือ ethnos คือทุกอย่างของฉัน) การชื่นชมความงามของแนวคิดบริสุทธิ์ไม่ใช่เรื่องสนุกสำหรับฉันเสมอไป (Malevich ขอโทษ! ฉันไม่ชอบ Black Square!)

แต่วันนี้ฉันได้ไปที่นิทรรศการนี้!

ล้ำค่า หากคุณอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและสนใจงานศิลปะและยังไม่เคยไปที่นั่น นิทรรศการจะมีถึงวันที่ 9 กุมภาพันธ์! ไปเพราะมันน่าสนใจ!

แนวคิดโน้มน้าวใจฉันเล็กน้อยตามที่ฉันเขียนไว้ข้างต้น ฉันคิดว่าในหนึ่งปีของการเยี่ยมชมนิทรรศการสมัยใหม่ วัตถุหนึ่งหรือสองชิ้นดูตลกสำหรับฉันมากที่สุด และหลายสิ่งหลายอย่างไม่โดนใจผมจนทำให้รู้สึกเสียดายเวลาที่เสียไป แต่มันอยู่ในประเภทใด ๆ ในศิลปะใด ๆ เปอร์เซ็นต์ของอัตราส่วนของความสามารถและความธรรมดาก็ดีถ้าเป็นหนึ่งในสิบ! แต่ฉันชอบการแสดงนี้

การสร้างสรรค์ของญี่ปุ่นถูกวางไว้ในห้องโถงนิทรรศการของเจ้าหน้าที่ทั่วไป การติดตั้งครั้งแรกที่ต้อนรับผู้มาเยือนคือเขาวงกตที่น่าทึ่งซึ่งเต็มไปด้วยเกลือบนพื้น พื้นสีเทา, เกลือสีขาว, ช่องว่างที่ทำเครื่องหมายอย่างประณีตอย่างเหลือเชื่อ, ถักทอเป็นผืนเดียว ใหญ่ โชว์รูมและเครื่องประดับสีขาวกระจายไปทั่วพื้นเหมือนปลาโลชที่น่าทึ่ง และคุณเข้าใจว่าศิลปะนี้ชั่วคราวเพียงใด นิทรรศการจะปิด เขาวงกตจะถูกกวาดไปด้วยไม้กวาด ผมเคยดูหนังเรื่อง Little Buddha ในตอนแรกพระสงฆ์วางเครื่องประดับที่ซับซ้อนจากทรายสี และในช่วงท้ายของภาพยนตร์ พระภิกษุสงฆ์ได้เคลื่อนไหวอย่างเฉียบคมด้วยพู่กันของเขา และผลงานไททานิกก็สลายหายไปในสายลม นั่นคือแล้วกระโดดและไม่ และมันบอกว่า ชื่นชมความงามที่นี่และตอนนี้ ทุกสิ่งจะหายวับไป ดังนั้นเขาวงกตแห่งเกลือนี้จึงเข้าสู่บทสนทนากับคุณ คุณเริ่มตอบคำถามที่เขาตั้งหน้าตั้งตารอคุณ ศิลปิน Motoi Yamamoto

ใช่ ๆ! นี่เป็นเขาวงกตขนาดใหญ่ คุณรู้สึกถึงขนาดหรือไม่?

วัตถุชิ้นที่สองที่ชวนให้หลงใหลคือโดมขนาดใหญ่ที่ทำจากโพลีเอทิลีนและเรซินสีดำโดย Yasuaki Onishi พื้นที่ตัดสินใจผิดปกติ บนเส้นเรซิ่นสีดำที่บางที่สุดที่ไม่สม่ำเสมอห้อยอยู่เล็กน้อยเคลื่อนไหวโดม .... หรือภูเขาที่มีความโล่งใจที่ซับซ้อน เมื่อคุณเข้าไปข้างในคุณจะเห็นรูปแบบจุดต่างๆ ซึ่งเป็นจุดที่เรซิ่นเกาะติด มันตลกราวกับว่าฝนสีดำตกลงมาอย่างเงียบ ๆ และคุณอยู่ใต้หลังคา

เทคนิคนี้เกิดขึ้นได้อย่างไร? ตลกใช่มั้ย? แต่โดมจะดู "มีชีวิต" มากกว่า โดมไหวเล็กน้อยจากสายลมที่เกิดจากผู้มาเยือน และมีความรู้สึกถึงปฏิสัมพันธ์ของคุณกับวัตถุ เข้า "ถ้ำ" ดูข้างในเป็นไง!

แต่เพื่อไม่ให้รู้สึกว่าทุกอย่างเป็นเพียงขาวดำฉันจะโพสต์รูปถ่ายองค์ประกอบอีกสองสามรูปที่นี่ซึ่งทำจากห่วงที่เชื่อมต่อเข้าด้วยกัน หยิกพลาสติกสีตลก! และคุณสามารถผ่านห้องนี้ เข้าไปในห่วง หรือคุณจะมองทุกอย่างจากภายนอกก็ได้

รายการเหล่านี้เป็นรายการโปรดของฉัน แน่นอนว่าในไม่ช้าศิลปะร่วมสมัยเชิงแนวคิดจะแตกต่างออกไปและสอดคล้องกับยุคสมัยใหม่ มันจะไม่กลับไปเป็นอย่างเก่าและจะไม่คงอยู่อย่างปัจจุบัน มันจะเปลี่ยนไป แต่เพื่อที่จะเข้าใจว่ามันคืออะไร กระแสน้ำไหลเชี่ยวกรากมาจากไหน คุณจำเป็นต้องรู้ว่าตอนนี้กำลังเกิดอะไรขึ้น และไม่ต้องอายว่า ไม่นะ คอนเซปต์ไม่โดนใจ แต่ลองดู แล้วประเมินดูครับ มีพรสวรรค์น้อยเช่นเคย แต่ก็อยู่ที่นั่น และถ้าการจัดแสดงนั้นโดนใจ บอกเลยว่า ไม่แพ้!!!

ศิลปะและการออกแบบ

3946

01.02.18 09:02

ฉากศิลปะในปัจจุบันในญี่ปุ่นมีความหลากหลายและเร้าใจมาก: ดูผลงานของปรมาจารย์จากประเทศ พระอาทิตย์ขึ้นคุณจะคิดว่าคุณได้ลงจอดบนดาวเคราะห์ดวงอื่น! เป็นที่ตั้งของนักประดิษฐ์ที่เปลี่ยนแปลงภูมิทัศน์ของอุตสาหกรรมในระดับโลก นี่คือรายชื่อศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่น 10 คนและการสร้างสรรค์ของพวกเขา ตั้งแต่สิ่งมีชีวิตที่น่าทึ่งของ Takashi Murakami (ซึ่งกำลังฉลองวันเกิดของเขาในวันนี้) ไปจนถึงจักรวาลที่มีสีสันของ Kusama

จากโลกอนาคตสู่กลุ่มดาวประ: ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่น

Takashi Murakami: นักอนุรักษนิยมและคลาสสิก

เริ่มกันที่พระเอกของงาน! Takashi Murakami เป็นหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยที่โดดเด่นที่สุดของญี่ปุ่น เขาทำงานเกี่ยวกับภาพวาด ประติมากรรมขนาดใหญ่ และแฟชั่น สไตล์ของมูราคามิได้รับอิทธิพลมาจากมังงะและอนิเมะ เขาเป็นผู้ก่อตั้งขบวนการ Superflat ซึ่งสนับสนุนภาษาญี่ปุ่น ประเพณีทางศิลปะและวัฒนธรรมหลังสงคราม มูราคามิส่งเสริมเพื่อนร่วมรุ่นของเขาหลายคน เราจะได้รู้จักบางคนในวันนี้ด้วย ผลงาน "วัฒนธรรมย่อย" ของ Takashi Murakami ถูกนำเสนอในตลาดแฟชั่นและงานศิลปะ My Lonesome Cowboy (1998) ที่เร้าใจของเขาถูกขายในนิวยอร์กที่ Sotheby's ในปี 2008 ในราคา 15.2 ล้านเหรียญสหรัฐ มูราคามิร่วมมือกับแบรนด์ดังระดับโลกอย่าง Marc Jacobs, Louis Vuitton และ Issey Miyake

Tycho Asima และจักรวาลเหนือจริงของเธอ

Chiho Ashima เป็นสมาชิกของบริษัทผลิตงานศิลปะ Kaikai Kiki และขบวนการ Superflat (ก่อตั้งโดย Takashi Murakami ทั้งคู่) Chiho Ashima เป็นที่รู้จักจากภาพทิวทัศน์เมืองในจินตนาการและสิ่งมีชีวิตที่แปลกประหลาด ศิลปินสร้างความฝันที่เหนือจริงซึ่งมีปีศาจ ภูติผี และความงามของหนุ่มสาวอาศัยอยู่ โดยมีฉากหลังเป็นธรรมชาตินอกโลก ผลงานของเธอมักเป็นงานขนาดใหญ่และพิมพ์บนกระดาษ หนังสัตว์ พลาสติก ในปี 2549 ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นผู้นี้ได้เข้าร่วมใน Art on the Underground ในลอนดอน เธอสร้างซุ้มประตูต่อเนื่องกัน 17 แห่งสำหรับชานชาลา ภูมิทัศน์ที่มีมนต์ขลังค่อยๆ เปลี่ยนจากกลางวันเป็นกลางคืน จากเมืองสู่ชนบท ปาฏิหาริย์นี้เกิดขึ้นที่สถานีรถไฟใต้ดิน Gloucester Road

Chiharu Shima และ Infinite Threads

Chiharu Shiota ศิลปินอีกคนกำลังทำงานเกี่ยวกับการติดตั้งภาพขนาดใหญ่สำหรับสถานที่สำคัญที่เฉพาะเจาะจง เธอเกิดที่โอซาก้า แต่ตอนนี้อาศัยอยู่ในเยอรมนี - ในเบอร์ลิน ธีมกลางงานของเธอคือการลืมเลือนและความทรงจำ ความฝันและความเป็นจริง อดีตและปัจจุบัน และการเผชิญหน้ากับความวิตกกังวล ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Chiharu Shiota คือเส้นใยสีดำที่ไม่อาจทะลุผ่านได้ซึ่งห่อหุ้มของใช้ในชีวิตประจำวันและของใช้ส่วนตัวมากมาย เช่น เก้าอี้เก่า ชุดแต่งงาน เปียโนที่ถูกไฟไหม้ ในฤดูร้อนปี 2014 Shiota ผูกรองเท้าและรองเท้าบู๊ตมากกว่า 300 คู่ที่บริจาคให้เธอด้วยเส้นด้ายสีแดงและแขวนไว้บนตะขอ นิทรรศการครั้งแรกของ Chiharu ในเมืองหลวงของเยอรมันจัดขึ้นในช่วงสัปดาห์ศิลปะเบอร์ลินในปี 2559 และทำให้เกิดความรู้สึก

เฮ้ อาราคาวะ: ทุกที่ ไม่ใช่ทุกที่

Ei Arakawa ได้รับแรงบันดาลใจจากสภาวะของการเปลี่ยนแปลง ช่วงเวลาที่ไม่มั่นคง องค์ประกอบของความเสี่ยง และผลงานศิลปะของเขามักเป็นสัญลักษณ์ของมิตรภาพและการทำงานเป็นทีม ความเชื่อของศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นถูกกำหนดโดยการแสดงที่ไม่มีกำหนด "ทุกที่ แต่ไม่มีที่ไหนเลย" การสร้างสรรค์ของเขาปรากฏขึ้นในที่ที่คาดไม่ถึง ในปี 2013 ผลงานของ Arakawa ได้รับการจัดแสดงที่ Venice Biennale และในนิทรรศการศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นที่ Mori Art Museum (โตเกียว) การติดตั้งการแสดงตนของฮาวาย (2014) เป็นความร่วมมือกับศิลปิน Carissa Rodriguez จากนิวยอร์กและแสดงใน Whitney Biennale นอกจากนี้ ในปี 2014 Arakawa และ Tomu น้องชายของเขา ซึ่งแสดงเป็นคู่ที่เรียกว่า United Brothers ได้เสนอ "ผลงาน" "The This Soup Taste Ambivalent" ของพวกเขาให้กับผู้มาเยือน Frieze London ด้วยราก Fukushima daikon ที่มีกัมมันตภาพรังสี

Koki Tanaka: ความสัมพันธ์และการทำซ้ำ

ในปี 2015 Koki Tanaka ได้รับรางวัลศิลปินแห่งปี ทานากะสำรวจประสบการณ์ร่วมกันของความคิดสร้างสรรค์และจินตนาการ ส่งเสริมการแลกเปลี่ยนระหว่างผู้เข้าร่วมโครงการ และสนับสนุนกฎใหม่สำหรับการทำงานร่วมกัน การติดตั้งของเขาในศาลาญี่ปุ่นที่งาน Venice Biennale ปี 2013 ประกอบด้วยวิดีโอของวัตถุที่เปลี่ยนพื้นที่ให้กลายเป็นเวทีสำหรับการแลกเปลี่ยนศิลปะ การติดตั้งของ Koki Tanaka (เพื่อไม่ให้สับสนกับนักแสดงที่มีชื่อเต็มของเขา) แสดงให้เห็นถึงความสัมพันธ์ระหว่างวัตถุและการกระทำ เช่น การบันทึกวิดีโอของท่าทางง่ายๆ ที่แสดงกับวัตถุธรรมดา (มีดหั่นผัก เทเบียร์ลงในแก้ว กางร่ม) . ไม่มีอะไรสำคัญเกิดขึ้น มีแต่การย้ำคิดย้ำทำและให้ความสนใจ รายละเอียดที่เล็กที่สุดทำให้ผู้ชมชื่นชมโลกีย์

Mariko Mori กับรูปร่างเพรียวลม

Mariko Mori ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นอีกคนหนึ่ง "เสก" วัตถุมัลติมีเดีย ผสมผสานวิดีโอ ภาพถ่าย และวัตถุต่างๆ เธอมีวิสัยทัศน์แห่งอนาคตที่เรียบง่ายและรูปแบบที่เหนือจริงที่โฉบเฉี่ยว ธีมที่เกิดขึ้นซ้ำๆ ในงานของโมริคือการนำตำนานตะวันตกมาปะติดปะต่อกัน วัฒนธรรมตะวันตก. ในปี 2010 Mariko ได้ก่อตั้ง Fau Foundation ซึ่งเป็นมูลนิธิเพื่อการศึกษา องค์กรไม่แสวงหาผลกำไรซึ่งเธอได้สร้างสรรค์ผลงานศิลปะของเธอหลายชุดเพื่อเป็นเกียรติแก่หกทวีปที่มีผู้คนอาศัยอยู่ ล่าสุด การติดตั้งถาวรของมูลนิธิ The Ring: One with Nature ถูกยกขึ้นเหนือน้ำตกที่งดงามใน Resende ใกล้เมืองริโอเดจาเนโร

Ryoji Ikeda: การสังเคราะห์เสียงและวิดีโอ

Ryoji Ikeda เป็นศิลปินสื่อใหม่และนักแต่งเพลงที่มีผลงานส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับเสียงในสถานะ "ดิบ" ที่แตกต่างกัน ตั้งแต่เสียงไซน์ไปจนถึงเสียงที่ใช้ความถี่ที่ขอบการได้ยินของมนุษย์ การติดตั้งที่น่าทึ่งของเขารวมถึงเสียงที่สร้างจากคอมพิวเตอร์ซึ่งแปลงเป็นภาพฉายวิดีโอหรือเทมเพลตดิจิทัล วัตถุศิลปะภาพและเสียงของ Ikeda ใช้มาตราส่วน แสง เงา ระดับเสียง เสียงอิเล็กทรอนิกส์ และจังหวะ วัตถุทดสอบที่มีชื่อเสียงของศิลปินประกอบด้วยโปรเจ็กเตอร์ 5 เครื่องที่ให้แสงสว่างในพื้นที่ยาว 28 เมตรและกว้าง 8 เมตร หน่วยแปลงข้อมูล (ข้อความ เสียง ภาพถ่าย และภาพยนตร์) เป็นบาร์โค้ดและรูปแบบเลขฐานสองของเลขศูนย์และเลขหนึ่ง

Tatsuo Miyajima และเคาน์เตอร์ LED

ทัตสึโอะ มิยาจิมะ ประติมากรร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นและศิลปินศิลปะจัดวางใช้ในงานศิลปะของเขา วงจรไฟฟ้าวิดีโอ คอมพิวเตอร์ และอุปกรณ์อื่นๆ แนวคิดหลักของมิยาจิมะได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดเห็นอกเห็นใจและคำสอนทางพุทธศาสนา ตัวนับ LED ในการตั้งค่าของเขาจะกะพริบอย่างต่อเนื่องโดยนับ 1 ถึง 9 ซ้ำ เป็นสัญลักษณ์ของการเดินทางจากชีวิตไปสู่ความตาย แต่หลีกเลี่ยงจุดสิ้นสุดที่แทนด้วย 0 (ศูนย์ไม่เคยปรากฏในงานของ Tatsuo) ตัวเลขที่แพร่หลายในกริด หอคอย และไดอะแกรมแสดงถึงความสนใจของมิยาจิมะที่มีต่อแนวคิดเรื่องความต่อเนื่อง นิรันดร การเชื่อมต่อ และการไหลเวียนของเวลาและพื้นที่ ไม่นานมานี้ วัตถุ Arrow of Time ของ Miyajima ถูกนำไปจัดแสดงในนิทรรศการเปิดตัว "Incomplete Thoughts Visible in New York"

นารา โยชิโมโตะและเด็กชั่วร้าย

นารา โยชิโมโตะสร้างสรรค์ผลงานจิตรกรรม ประติมากรรม และภาพวาดของเด็กและสุนัข ซึ่งเป็นผลงานที่สะท้อนความรู้สึกเบื่อหน่ายและความคับข้องใจแบบเด็กๆ และความเป็นอิสระอย่างรุนแรงที่เกิดขึ้นตามธรรมชาติของเด็กวัยหัดเดิน ความสวยงามของผลงานของ Yoshimoto นั้นชวนให้นึกถึงภาพประกอบหนังสือแบบดั้งเดิม การผสมผสานระหว่างความตึงเครียดที่กระสับกระส่ายและความรักในพังก์ร็อกของศิลปิน ในปี พ.ศ. 2554 พิพิธภัณฑ์ Asian Society ในนิวยอร์กได้จัดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของ Yoshitomo ในชื่อ "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool" ซึ่งครอบคลุมอาชีพศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นกว่า 20 ปี นิทรรศการมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมย่อยของเยาวชนโลก ความแปลกแยก และการประท้วง .

Yayoi Kusama และพื้นที่ที่เติบโตในรูปแบบที่แปลกใหม่

โดดเด่น ชีวประวัติที่สร้างสรรค์ Yayoi Kusama มีอายุยาวนานถึงเจ็ดทศวรรษ ในช่วงเวลานี้ ผู้หญิงชาวญี่ปุ่นที่น่าทึ่งคนหนึ่งสามารถศึกษาสาขาการวาดภาพ กราฟิก ภาพปะติด ประติมากรรม ภาพยนตร์ การแกะสลัก ศิลปะสิ่งแวดล้อม การติดตั้ง ตลอดจนวรรณกรรม แฟชั่น และการออกแบบแฟชั่น Kusama พัฒนารูปแบบศิลปะจุดที่โดดเด่นอย่างมากซึ่งกลายเป็นเครื่องหมายการค้าของเธอ ภาพลวงตาที่นำเสนอในผลงานของ Kusama วัย 88 ปี - เมื่อโลกดูเหมือนถูกปกคลุมไปด้วยรูปแบบแปลกประหลาดที่เพิ่มจำนวนขึ้นเรื่อย ๆ - เป็นผลมาจากภาพหลอนที่เธอเคยประสบมาตั้งแต่เด็ก ห้องที่มีจุดหลากสีสันและกระจก "ไม่มีที่สิ้นสุด" ที่สะท้อนการสะสมของพวกมันนั้นเป็นที่จดจำได้ พวกเขาจะไม่สับสนกับสิ่งอื่นใด

ชาวญี่ปุ่นได้ค้นพบความงามที่ซ่อนอยู่ในสิ่งต่างๆ ในศตวรรษที่ 9-12 ในยุคเฮอัน (794-1185) และถึงกับกำหนดแนวคิดพิเศษว่า “โมโนไม่รู้” (物の哀れ (もののあわれ)) ซึ่งแปลว่า “ เสน่ห์ที่น่าเศร้าของสิ่งต่าง ๆ “เสน่ห์ของสิ่งต่าง ๆ” เป็นหนึ่งในคำจำกัดความของความงามในวรรณคดีญี่ปุ่นในยุคแรก ๆ มันเชื่อมโยงกับความเชื่อของศาสนาชินโตที่ว่าทุกสิ่งมีเทพเจ้า - คามิ - และเสน่ห์เฉพาะตัวของมันเอง อาวาเรเป็นแก่นแท้ภายในของสิ่งต่าง ๆ ซึ่งทำให้เกิดความสุข ความตื่นเต้น

- Washi (วาซี) หรือ wagami (วากามิ)
การทำกระดาษด้วยมือ. วาชิในยุคกลางของญี่ปุ่นให้ความสำคัญกับคุณสมบัติในการใช้งานจริงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสวยงามด้วย เธอมีชื่อเสียงในด้านความละเอียดอ่อนเกือบโปร่งใสซึ่งไม่ได้กีดกันความแข็งแกร่งของเธอ วาชิทำมาจากเปลือกของต้นโคโซ (ต้นหม่อน) และต้นไม้อื่นๆ
กระดาษ Washi ได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นเวลาหลายศตวรรษ หลักฐานของสิ่งนี้คืออัลบั้มและเล่มของการเขียนพู่กันแบบญี่ปุ่นโบราณ ภาพวาด หน้าจอ และงานแกะสลักที่สืบทอดมาหลายศตวรรษจนถึงปัจจุบัน
กระดาษของ Vasya เป็นเส้นใย หากคุณมองผ่านกล้องจุลทรรศน์ คุณจะเห็นรอยแตกที่อากาศและแสงแดดทะลุผ่าน คุณภาพนี้ใช้ในการผลิตฉากกั้นและโคมไฟแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม
ของที่ระลึกจากวาชิเป็นที่นิยมมากในหมู่ชาวยุโรป สิ่งของขนาดเล็กและมีประโยชน์มากมายทำจากกระดาษนี้: กระเป๋าสตางค์ ซองจดหมาย พัดลม มีความทนทานแต่น้ำหนักเบา

- โกเฮ
มาสคอตจาก แถบกระดาษ. Gohei - ไม้เท้าพิธีกรรมของนักบวชชินโตซึ่งติดแถบกระดาษซิกแซก กระดาษแถบเดียวกันนี้แขวนไว้ที่ทางเข้าศาลเจ้าชินโต บทบาทของกระดาษในศาสนาชินโตนั้นมีมาแต่ดั้งเดิมแล้ว และผลิตภัณฑ์กระดาษก็ได้รับเสมอมา ความหมายลึกลับ. และความเชื่อที่ว่า ทุกสิ่ง ทุกปรากฏการณ์ แม้แต่คำพูด ก็มีคามิ-เทพ อธิบายลักษณะลักษณะนี้ ศิลปะประยุกต์เหมือนโกเฮ ลัทธิชินโตค่อนข้างคล้ายกับลัทธินอกศาสนาของเรา สำหรับลัทธิชินโต คามิยินดีเป็นอย่างยิ่งที่จะพำนักอยู่ในสิ่งที่ไม่ปกติ ตัวอย่างเช่นบนกระดาษ และยิ่งกว่านั้นในโกเฮที่บิดเป็นฟันปลาที่สลับซับซ้อนซึ่งแขวนอยู่หน้าทางเข้าศาลเจ้าชินโตในปัจจุบันและบ่งบอกถึงการมีอยู่ของเทพในวัด มี 20 วิธีในการพับโกเฮ และวิธีพับที่ผิดปกติเป็นพิเศษจะดึงดูดคามิ โกเฮมีสีขาวเป็นส่วนใหญ่ แต่ก็ยังพบสีทอง เงิน และเฉดสีอื่นๆ อีกมากมาย ตั้งแต่ศตวรรษที่ 9 เป็นต้นมา มีธรรมเนียมในญี่ปุ่นที่จะเสริมความแข็งแกร่งให้กับโกเฮบนเข็มขัดของนักมวยปล้ำซูโม่ก่อนเริ่มการต่อสู้

- อาเนซามะ.
นี่คือการผลิตตุ๊กตากระดาษ ในศตวรรษที่ 19 ภรรยาซามูไรทำตุ๊กตากระดาษให้เด็กๆ เล่น โดยแต่งตัวให้พวกเขาด้วยเสื้อผ้าต่างๆ ในช่วงเวลาที่ไม่มีของเล่น อเนสซามะเป็นเพียงคู่สนทนาสำหรับเด็ก โดย "แสดง" บทบาทของแม่ พี่สาว ลูก และเพื่อน
ตุ๊กตาพับจากกระดาษวาชิของญี่ปุ่น ขนทำจากกระดาษย่น ย้อมด้วยหมึก และเคลือบด้วยกาวซึ่งทำให้มันเงา คุณลักษณะที่โดดเด่นคือจมูกเล็ก ๆ ที่ดีบนใบหน้าที่ยาว ทุกวันนี้ ของเล่นธรรมดาๆ นี้ที่ไม่ต้องการอะไรนอกจากมือที่มีทักษะ ในรูปแบบดั้งเดิม ยังคงทำในลักษณะเดียวกับเมื่อก่อน

- โอริกามิ
ศิลปะการพับกระดาษแบบโบราณ (折り紙, มีความหมายว่า: "กระดาษพับ") ศิลปะการพับกระดาษมีรากฐานมาจาก จีนโบราณที่ซึ่งกระดาษถูกประดิษฐ์ขึ้น ในขั้นต้น Origami ใช้ในพิธีกรรมทางศาสนา เป็นเวลานานศิลปะประเภทนี้มีไว้สำหรับตัวแทนของชนชั้นสูงเท่านั้น ซึ่งสัญลักษณ์ของรสนิยมที่ดีคือการครอบครองเทคนิคการพับกระดาษ หลังจากสงครามโลกครั้งที่สอง Origami ไปไกลกว่าตะวันออกและมาถึงอเมริกาและยุโรปซึ่งพบแฟน ๆ ในทันที Origami แบบคลาสสิกพับจากกระดาษแผ่นสี่เหลี่ยม
มีสัญลักษณ์ทั่วไปชุดหนึ่งที่จำเป็นในการร่างโครงร่างการพับของผลิตภัณฑ์ที่ซับซ้อนที่สุด สัญญาณทั่วไปส่วนใหญ่ถูกนำไปปฏิบัติในกลางศตวรรษที่ 20 โดย Akira Yoshizawa ปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นผู้มีชื่อเสียง
Origami แบบคลาสสิกกำหนดให้ใช้กระดาษสี่เหลี่ยมจัตุรัสที่มีสีเท่ากันหนึ่งแผ่นโดยไม่ต้องใช้กาวและกรรไกร รูปแบบศิลปะร่วมสมัยบางครั้งเบี่ยงเบนไปจากหลักการนี้

- คิริงามิ.
คิริงามิเป็นศิลปะการตัดรูปทรงต่างๆ จากแผ่นกระดาษที่พับหลายๆ ครั้งด้วยความช่วยเหลือของกรรไกร โอริกามิประเภทหนึ่งที่อนุญาตให้ใช้กรรไกรและตัดกระดาษในขั้นตอนการสร้างแบบจำลอง นี่คือข้อแตกต่างหลักระหว่างคิริงามิกับเทคนิคการพับกระดาษอื่นๆ ซึ่งเน้นในชื่อ: 切る (คิรุ) - ตัด, 紙 (กามิ) - กระดาษ เราทุกคนชอบที่จะตัดเกล็ดหิมะในวัยเด็ก - แตกต่างจาก kirigami คุณสามารถตัดได้ไม่เพียงแค่เกล็ดหิมะเท่านั้น แต่ยังสามารถใช้เทคนิคนี้ตัดรูปทรงดอกไม้พวงมาลัยและกระดาษน่ารักอื่น ๆ ได้ ผลิตภัณฑ์เหล่านี้สามารถใช้เป็นสเตนซิลสำหรับงานพิมพ์ ตกแต่งอัลบั้ม โปสการ์ด กรอบรูป ออกแบบแฟชั่น ออกแบบภายใน และตกแต่งอื่นๆ

- อิเคบานะ.
อิเคบานะ (ญี่ปุ่น 生け花 หรือ いけばな) แปลมาจาก ภาษาญี่ปุ่น- ike" - ชีวิต "bana" - ดอกไม้หรือ "ดอกไม้ที่มีชีวิต" ศิลปะการจัดดอกไม้ของญี่ปุ่นเป็นหนึ่งในประเพณีที่งดงามที่สุดของชาวญี่ปุ่น เมื่อรวบรวมอิเคบานะพร้อมกับดอกไม้ กิ่งก้าน ใบไม้ และหน่อ หลักการพื้นฐานคือความเรียบง่ายที่งดงามเพื่อให้บรรลุซึ่งพวกเขาพยายามเน้น ความงามของธรรมชาติพืช. อิเคบานะคือการสร้างรูปแบบใหม่ตามธรรมชาติ ซึ่งความงามของดอกไม้และความงามของจิตวิญญาณของปรมาจารย์ที่สร้างสรรค์องค์ประกอบนั้นผสมผสานกันอย่างกลมกลืน
วันนี้ในญี่ปุ่นมี 4 โรงเรียนหลักของ ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu) นอกจากนี้ยังมีทิศทางและแนวโน้มที่แตกต่างกันประมาณพันแห่งซึ่งเป็นไปตามหนึ่งในโรงเรียนเหล่านี้

- โอริบาน่า.
ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 โรงเรียนสองแห่งของโอฮาระ (รูปแบบหลักของอิเคบานะ - โอริบานะ) และโคริว (รูปแบบหลัก - เสก) ออกจากอิเคโนโบะ อย่างไรก็ตาม โรงเรียนโอฮาระยังคงศึกษาเฉพาะโอริบานุเท่านั้น ดังที่ชาวญี่ปุ่นกล่าวไว้ มันสำคัญมากที่พับกระดาษจะไม่กลายเป็นโอริกามิ Gomi แปลว่าขยะในภาษาญี่ปุ่น ท้ายที่สุดคุณพับกระดาษแล้วจะทำอย่างไรกับมัน? Oribana เสนอไอเดียมากมายสำหรับช่อดอกไม้สำหรับตกแต่งภายใน โอริบานะ = โอริกามิ + อิเคบานะ

- ความผิดพลาด.
น. ศิลปกรรมประเภทหนึ่งที่เกิดจากการจัดดอกไม้. การจัดดอกไม้ปรากฏขึ้นในประเทศของเราเมื่อแปดปีที่แล้ว แม้ว่าจะมีอยู่ในญี่ปุ่นมานานกว่าหกร้อยปีแล้วก็ตาม ในช่วงยุคกลาง ซามูไรเข้าใจวิถีแห่งนักรบ และโอชิบานะก็เป็นส่วนหนึ่งของเส้นทางนั้น เช่นเดียวกับการเขียนอักษรอียิปต์โบราณและกวัดแกว่งดาบ ความหมายของความผิดพลาดคือในสภาพของการมีอยู่จริงในขณะนั้น (ซาโตริ) อาจารย์ได้สร้างภาพดอกไม้แห้ง (ดอกไม้อัด) จากนั้นภาพนี้สามารถใช้เป็นกุญแจนำทางสำหรับผู้ที่พร้อมที่จะเข้าสู่ความเงียบและสัมผัสกับ satori เดียวกัน
แก่นแท้ของศิลปะของ "โอชิบานะ" คือการรวบรวมและตากแห้งดอกไม้ สมุนไพร ใบไม้ เปลือกไม้ ภายใต้แรงกดและติดไว้บนฐาน ผู้เขียนสร้างงาน "จิตรกรรม" อย่างแท้จริงด้วยความช่วยเหลือของพืช กล่าวอีกนัยหนึ่งผิดคือการวาดภาพด้วยพืช
ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะของนักจัดดอกไม้ขึ้นอยู่กับการรักษารูปแบบ สี และพื้นผิวของวัสดุจากพืชแห้ง ชาวญี่ปุ่นได้พัฒนาเทคนิคในการปกป้องภาพวาด "โอชิบานะ" จากการซีดจางและมืดลง สาระสำคัญคืออากาศจะถูกสูบออกระหว่างกระจกกับรูปภาพ และสร้างสุญญากาศเพื่อป้องกันไม่ให้ต้นไม้เน่าเสีย
มันไม่เพียงดึงดูดความแปลกใหม่ของศิลปะนี้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงโอกาสในการแสดงจินตนาการ รสนิยม ความรู้เกี่ยวกับคุณสมบัติของพืช นักจัดดอกไม้สร้างเครื่องประดับ ทิวทัศน์ หุ่นนิ่ง ภาพบุคคล และภาพวาดเรื่องราว

- บอนไซ
บอนไซเป็นปรากฏการณ์ปรากฏขึ้นเมื่อกว่าพันปีที่แล้วในประเทศจีน แต่วัฒนธรรมนี้ถึงจุดสูงสุดของการพัฒนาในญี่ปุ่นเท่านั้น (บอนไซ - ภาษาญี่ปุ่น 盆栽 มีความหมายว่า "ปลูกในกระถาง") - ศิลปะแห่งการเติบโต สำเนาถูกต้องต้นไม้จริงในย่อส่วน ต้นไม้เหล่านี้ปลูกโดยพระสงฆ์เมื่อหลายศตวรรษก่อนยุคของเรา และต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในกิจกรรมของขุนนางในท้องถิ่น
บอนไซประดับบ้านและสวนสไตล์ญี่ปุ่น ในยุคโทคุกาวะ การออกแบบสวนสาธารณะได้รับแรงผลักดันใหม่: การปลูกชวนชมและต้นเมเปิลกลายเป็นงานอดิเรกของผู้มีอันจะกิน การผลิตพืชแคระ (hachi-no-ki - "ต้นไม้ในกระถาง") ก็พัฒนาเช่นกัน แต่บอนไซในสมัยนั้นมีขนาดใหญ่มาก
ตอนนี้ต้นไม้ธรรมดาถูกนำมาใช้สำหรับบอนไซ พวกมันมีขนาดเล็กลงเนื่องจากการตัดแต่งกิ่งอย่างต่อเนื่องและวิธีการอื่นๆ ในขณะเดียวกัน อัตราส่วนของขนาดของระบบราก ซึ่งจำกัดโดยปริมาตรของชาม และส่วนพื้นดินของบอนไซนั้นสอดคล้องกับสัดส่วนของต้นไม้โตเต็มวัยในธรรมชาติ

- มิซึฮิกิ.
อะนาล็อก Macrame นี่คือศิลปะประยุกต์ของญี่ปุ่นโบราณในการผูกเงื่อนต่าง ๆ จากเชือกพิเศษและสร้างลวดลายจากพวกมัน งานศิลปะดังกล่าวมีขอบเขตที่กว้างมากตั้งแต่บัตรของขวัญและจดหมายไปจนถึงทรงผมและกระเป๋าถือ ปัจจุบัน มิซูฮิกิถูกใช้อย่างแพร่หลายในอุตสาหกรรมของขวัญ - สำหรับทุกเหตุการณ์ในชีวิต ของขวัญควรได้รับการห่อและผูกด้วยวิธีที่เฉพาะเจาะจง มีเงื่อนและองค์ประกอบมากมายในศิลปะของมิซูฮิกิ และไม่ใช่ว่าชาวญี่ปุ่นทุกคนจะรู้จักมันทั้งหมดด้วยหัวใจ แน่นอนว่ามีเงื่อนทั่วไปและเรียบง่ายที่ใช้บ่อยที่สุด: สำหรับการแสดงความยินดีกับการเกิดของเด็ก, งานแต่งงานหรืองานฉลอง, วันเกิดหรือการรับเข้ามหาวิทยาลัย

- คุมิฮิโมะ.
Kumihimo เป็นสายถักของญี่ปุ่น เมื่อทอด้ายจะได้รับริบบิ้นและเชือกผูกรองเท้า เชือกเหล่านี้ทอด้วยเครื่องจักรพิเศษ - Marudai และ Takadai เครื่อง Marudai ใช้สำหรับการทอเชือกรองเท้าแบบกลม และ Takadai สำหรับการทอแบบแบน คุมิฮิโมะในภาษาญี่ปุ่นหมายถึง "การสานเชือก" (คุมิ - การทอ, การพับเข้าด้วยกัน, ฮิโมะ - เชือก, ลูกไม้) แม้ว่านักประวัติศาสตร์จะยืนกรานอย่างดื้อรั้นว่าการทอผ้าแบบเดียวกันนี้สามารถพบได้ในหมู่ชาวสแกนดิเนเวียและชาวเทือกเขาแอนดีส แต่ศิลปะญี่ปุ่นของคุมิฮิโมะก็เป็นหนึ่งในประเภทการทอผ้าที่เก่าแก่ที่สุด การกล่าวถึงครั้งแรกมีอายุย้อนไปถึงปี 550 ซึ่งเป็นช่วงที่ศาสนาพุทธเผยแผ่ไปทั่วญี่ปุ่นและต้องมีพิธีพิเศษที่ต้องมีการประดับตกแต่งเป็นพิเศษ ต่อมา เชือกผูกคุมิฮิโมะเริ่มถูกใช้เป็นตัวยึดเข็มขัดโอบิบนชุดกิโมโนของผู้หญิง เป็นเชือกสำหรับ "บรรจุ" คลังแสงของซามูไรทั้งหมด (ซามูไรใช้คุมิฮิโมะเพื่อวัตถุประสงค์ในการตกแต่งและการใช้งานเพื่อผูกชุดเกราะและชุดเกราะม้า) และ สำหรับผูกของหนักด้วย
คุมิฮิโมะสมัยใหม่มีลวดลายหลากหลายที่ถักทออย่างง่ายๆ บนเครื่องทอกระดาษแข็งแบบโฮมเมด

- โคโมโน
กิโมโนที่เหลืออยู่หลังจากหมดเวลาแล้ว? คุณคิดว่ามันจะถูกโยนทิ้งไปหรือเปล่า? ไม่มีอะไรแบบนี้! ชาวญี่ปุ่นจะไม่ทำเช่นนั้น ชุดกิโมโนมีราคาแพง เป็นเรื่องที่คิดไม่ถึงและเป็นไปไม่ได้เลยที่จะทิ้งมันไปแบบนั้น... นอกเหนือจากการรีไซเคิลชุดกิโมโนประเภทอื่นๆ แล้ว ช่างฝีมือหญิงยังทำของที่ระลึกเล็กๆ น้อยๆ จากเศษชิ้นเล็กๆ เหล่านี้เป็นของเล่นขนาดเล็กสำหรับเด็ก ตุ๊กตา เข็มกลัด พวงมาลัย เครื่องประดับสตรี และสินค้าอื่น ๆ กิโมโนแบบเก่าใช้ในการผลิตสิ่งน่ารักขนาดเล็ก ซึ่งเรียกรวมกันว่า "โคโมโน" สิ่งเล็กน้อยที่จะมีชีวิตอยู่ ชีวิตของตัวเอง, ดำเนินต่อไปตามเส้นทางของชุดกิโมโน นี่คือความหมายของคำว่า "โคโมโน"

- คันซาชิ.
ศิลปะการตกแต่งกิ๊บติดผม (ส่วนใหญ่มักประดับด้วยดอกไม้ (ผีเสื้อ ฯลฯ) ทำจากผ้า (ส่วนใหญ่เป็นผ้าไหม) คันซาชิของญี่ปุ่น (kanzashi) เป็นกิ๊บยาวสำหรับทรงผมผู้หญิงญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม ทำจากไม้ แล็กเกอร์ เงินกระดองเต่าที่ใช้ในทรงผมแบบจีนและญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม ประมาณ 400 ปีที่แล้ว ในญี่ปุ่น รูปแบบทรงผมของผู้หญิงเปลี่ยนไป: ผู้หญิงเลิกหวีผมในรูปแบบดั้งเดิม - ทาเรกามิ (ผมตรงยาว) และเริ่มจัดสไตล์ที่ซับซ้อนและซับซ้อน รูปแบบที่แปลกประหลาด - nihongami ใช้สิ่งของต่าง ๆ - กิ๊บติดผม, แท่ง, หวีตอนนั้นแม้แต่หวีหวี kushi ธรรมดาก็กลายเป็นเครื่องประดับที่สง่างามของความงามที่ไม่ธรรมดาซึ่งกลายเป็นงานศิลปะที่แท้จริงเครื่องแต่งกายแบบดั้งเดิมของผู้หญิงญี่ปุ่นไม่อนุญาต เครื่องประดับข้อมือ และสร้อยคอ ทรงผมก็เช่นกัน ความงามหลักและพื้นที่สำหรับการแสดงออก - รวมทั้งแสดงให้เห็นถึงรสนิยมและความหนาของกระเป๋าเงินของเจ้าของ คุณจะเห็นได้จากลายสลัก - หากคุณดูอย่างใกล้ชิด - ผู้หญิงญี่ปุ่นแขวนคันซาชิราคาแพงถึงยี่สิบตัวในทรงผมได้อย่างง่ายดาย
ปัจจุบัน ประเพณีการใช้คันซาชิเริ่มฟื้นคืนชีพในหมู่หญิงสาวชาวญี่ปุ่นที่ต้องการเพิ่มความซับซ้อนและความสง่างามให้กับทรงผม ปิ่นปักผมสมัยใหม่สามารถประดับด้วยดอกไม้ทำมืออันโอชะเพียงหนึ่งหรือสองดอก

- คินุไซกะ
งานเย็บปักถักร้อยที่น่าทึ่งจากประเทศญี่ปุ่น Kinusaiga (絹彩画) เป็นลูกผสมระหว่างผ้าบาติกและการเย็บปะติดปะต่อ แนวคิดหลักคือภาพวาดใหม่ถูกปะติดปะต่อจากชุดกิโมโนไหมเก่า ซึ่งเป็นงานศิลปะที่แท้จริง
ขั้นแรกให้ศิลปินร่างภาพบนกระดาษ จากนั้นภาพวาดนี้จะถูกถ่ายโอนไปยังกระดานไม้ รูปร่างของลวดลายถูกตัดผ่านร่องหรือร่อง จากนั้นเศษเล็กเศษน้อยที่เข้ากันกับสีและโทนสีจะถูกตัดออกจากกิโมโนไหมเก่า และขอบของเศษเหล่านี้จะเติมเต็มร่อง เมื่อคุณดูภาพดังกล่าว คุณจะรู้สึกว่าคุณกำลังดูภาพถ่าย หรือแม้แต่ดูทิวทัศน์นอกหน้าต่าง ภาพเหล่านี้ดูสมจริงมาก

- เทมาริ
ลูกบอลเหล่านี้เป็นลูกบอลปักรูปทรงเรขาคณิตแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นที่เย็บอย่างง่าย ซึ่งครั้งหนึ่งเคยเป็นของเล่นเด็ก และปัจจุบันได้กลายเป็นรูปแบบศิลปะที่มีแฟนๆ จำนวนมาก ไม่เพียงแต่ในญี่ปุ่นเท่านั้นแต่ทั่วโลก เชื่อกันว่าเมื่อนานมาแล้ว ผลิตภัณฑ์เหล่านี้ถูกผลิตขึ้นโดยภรรยาซามูไรเพื่อความบันเทิง ในตอนแรกพวกเขาถูกใช้เป็นลูกบอลสำหรับเกมบอล แต่ค่อยๆ พวกเขาเริ่มได้รับองค์ประกอบทางศิลปะและต่อมาก็เปลี่ยนเป็นเครื่องประดับตกแต่ง ความสวยงามที่ละเอียดอ่อนของลูกบอลเหล่านี้เป็นที่รู้จักไปทั่วประเทศญี่ปุ่น และในปัจจุบัน ผลิตภัณฑ์ที่มีสีสันและประดิษฐ์ขึ้นอย่างพิถีพิถันเป็นหนึ่งในประเภทของงานฝีมือพื้นบ้านในญี่ปุ่น

- ยูบินิกิ
ปลอกนิ้วญี่ปุ่นเมื่อเย็บหรือปักด้วยมือพวกเขาจะวางบนกลุ่มกลางของนิ้วกลางของมือทำงานด้วยความช่วยเหลือของปลายนิ้วเข็มจะได้รับทิศทางที่ต้องการและเข็มจะถูกดันผ่านวงแหวนที่อยู่ตรงกลาง นิ้วในการทำงาน ในขั้นต้นปลอกนิ้วยูบินูกิของญี่ปุ่นทำขึ้นอย่างเรียบง่าย - แถบผ้าหรือหนังที่มีความหนาแน่นสูงประมาณ 1 ซม. กว้างหลายชั้นพันรอบนิ้วให้แน่นและยึดเข้าด้วยกันด้วยการเย็บตกแต่งง่ายๆ เนื่องจากยูบินุคเป็น เรื่องที่จำเป็นในบ้านทุกหลังเริ่มตกแต่งด้วยการปักลายเรขาคณิตด้วยเส้นไหม จากการร้อยเรียงสลับกันจนเกิดเป็นลวดลายที่มีสีสันและซับซ้อน ยูบินูกิจากของใช้ในบ้านธรรมดาๆ ได้กลายเป็นวัตถุสำหรับ "ชื่นชม" ประดับชีวิตประจำวัน
ยูบินูกิยังคงใช้ในงานเย็บผ้าและงานปัก แต่สามารถพบเห็นได้ทั่วไปเมื่อสวมใส่บนมือหรือนิ้วใดก็ได้ เช่น แหวนประดับ งานปักสไตล์ยูบินูกิใช้ในการตกแต่งสิ่งของต่างๆ ในรูปแบบของแหวน - แหวนผ้าเช็ดปาก, กำไล, ขาตั้งเทมาริ ตกแต่งด้วยงานปักยูบินูกิ และยังมีเตียงเข็มปักในสไตล์เดียวกัน ลวดลายยูบินุกิสามารถเป็นแรงบันดาลใจที่ดีสำหรับการปักผ้าเทมาริโอบี

- ซุยโบคุกะ หรือ ซุมิเอะ
ภาพวาดหมึกญี่ปุ่น. ภาพวาดสไตล์จีนนี้ถูกนำมาใช้โดยศิลปินชาวญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 14 และปลายศตวรรษที่ 15 กลายเป็นกระแสหลักของการวาดภาพในญี่ปุ่น ซุยโบกุกะเป็นภาพขาวดำ โดดเด่นด้วยการใช้หมึกดำ (sumi) ซึ่งเป็นรูปแบบทึบ ถ่านหรือทำจากเขม่าหมึกจีนบดในหม้อหมึก เจือจางน้ำ แล้วทาด้วยพู่กันกับกระดาษหรือไหม ขาวดำนำเสนอตัวเลือกโทนสีที่ไม่รู้จบซึ่งชาวจีนรู้จักมานานว่าเป็น "สี" ของหมึก บางครั้งซุยโบกุกะอนุญาตให้ใช้สีจริงได้ แต่จำกัดให้ใช้เส้นบางและโปร่งแสงซึ่งมักจะรองลงมาจากเส้นหมึกเสมอ การวาดภาพด้วยหมึกมีส่วนร่วมกับศิลปะการเขียนพู่กัน เช่น ลักษณะที่สำคัญ เช่น การแสดงออกที่ควบคุมอย่างเข้มงวด และความเชี่ยวชาญด้านเทคนิคของรูปแบบ คุณภาพของการวาดภาพด้วยหมึกลดลง เช่นเดียวกับการประดิษฐ์ตัวอักษร ความสมบูรณ์และความทนทานต่อการฉีกขาดของเส้นที่วาดด้วยหมึก ซึ่งยังคงรักษางานศิลปะไว้กับตัวเอง เช่นเดียวกับกระดูกที่ยึดเนื้อเยื่อไว้บนตัวมันเอง

- เอเทงามิ.
โปสการ์ดที่วาด (e - รูปภาพ, แท็ก - จดหมาย) โดยทั่วไปแล้วการทำโปสการ์ดด้วยตัวเองเป็นกิจกรรมที่ได้รับความนิยมอย่างมากในญี่ปุ่น และก่อนวันหยุดเทศกาลจะได้รับความนิยมเพิ่มมากขึ้น ชาวญี่ปุ่นชอบส่งโปสการ์ดให้เพื่อนๆ และพวกเขาก็ชอบที่จะได้รับเช่นกัน นี่คือจดหมายด่วนประเภทหนึ่งบนช่องว่างพิเศษ สามารถส่งทางไปรษณีย์โดยไม่ต้องใส่ซองจดหมาย ไม่มีกฎหรือเทคนิคพิเศษใน etegami ทุกคนสามารถทำได้โดยไม่ต้องฝึกฝนเป็นพิเศษ Etagami ช่วยถ่ายทอดอารมณ์ ความประทับใจ เป็นโปสการ์ดทำมือประกอบด้วยรูปภาพและจดหมายสั้นๆ สื่ออารมณ์ต่างๆ ของผู้ส่ง เช่น ความอบอุ่น ความรัก ความห่วงใย ความรัก เป็นต้น พวกเขาส่งไปรษณียบัตรเหล่านี้สำหรับวันหยุดและในทำนองนั้น โดยแสดงภาพฤดูกาล กิจกรรม ผักและผลไม้ ผู้คนและสัตว์ ยิ่งภาพนี้วาดง่ายเท่าไหร่ ก็ยิ่งดูน่าสนใจมากขึ้นเท่านั้น

- ฟุโรชิกิ.
เทคนิคการห่อแบบญี่ปุ่นหรือศิลปะการพับผ้า Furoshiki เข้าสู่ชีวิตชาวญี่ปุ่นมาช้านาน หนังสือม้วนโบราณจากยุคคามาคุระ-มุโรมาจิ (ค.ศ. 1185 - 1573) ได้รับการเก็บรักษาไว้โดยมีภาพสตรีถือห่อผ้าที่ห่อด้วยผ้าไว้บนศีรษะ เทคนิคที่น่าสนใจนี้เกิดขึ้นตั้งแต่ช่วง ค.ศ. 710 - 794 ในประเทศญี่ปุ่น คำว่า "ฟุโรชิกิ" แปลตรงตัวว่า "พรมอาบน้ำ" และเป็นผ้าสี่เหลี่ยมที่ใช้ห่อและพกพาสิ่งของทุกรูปทรงและขนาด
ในสมัยก่อน เป็นเรื่องปกติที่จะเดินเล่นในห้องอาบน้ำแบบญี่ปุ่น (ฟุโระ) ในชุดกิโมโนผ้าฝ้ายเนื้อเบา ซึ่งผู้มาเยือนนำติดตัวมาจากบ้าน ผู้อาบน้ำยังนำพรมพิเศษ (ชิกิ) ที่เขายืนขณะเปลื้องผ้ามาด้วย หลังจากเปลี่ยนเป็นชุดกิโมโน "อาบน้ำ" แล้ว ผู้มาเยี่ยมก็ห่อเสื้อผ้าของเขาไว้ในพรม และหลังจากอาบน้ำก็ห่อกิโมโนเปียกไว้ในพรมเพื่อนำกลับบ้าน ดังนั้นพรมเช็ดเท้าจึงกลายเป็นกระเป๋าสารพัดประโยชน์
ฟุโรชิกิใช้งานง่ายมาก: ผ้าจะปรับรูปร่างของวัตถุที่คุณห่อ และที่จับช่วยให้ถือของได้ง่าย นอกจากนี้ ของขวัญที่ไม่ได้ห่อด้วยกระดาษแข็งแต่เป็นผ้าเนื้อนุ่มหลายชั้น ให้ความรู้สึกพิเศษ มีหลายรูปแบบสำหรับการพับ furoshiki สำหรับทุกโอกาส ทุกวันหรือเทศกาล

- อามิกุรุมิ
ศิลปะการถักนิตติ้งหรือการถักตุ๊กตาสัตว์ขนาดเล็กและสัตว์คล้ายมนุษย์ของญี่ปุ่น Amigurumi (編み包み, จากความหมาย: “ถัก-ห่อ”) ส่วนใหญ่มักจะเป็นสัตว์น่ารัก (เช่น หมี กระต่าย แมว สุนัข ฯลฯ) ผู้ชายตัวเล็กๆ แต่พวกมันก็สามารถเป็นวัตถุที่ไม่มีชีวิตซึ่งมีคุณสมบัติของมนุษย์ได้เช่นกัน ตัวอย่างเช่น คัพเค้ก หมวก กระเป๋าถือ และอื่นๆ Amigurumi ถักหรือถักหรือโครเชต์ ใน เมื่อเร็วๆ นี้โครเชต์ amigurumi ได้รับความนิยมและแพร่หลายมากขึ้น
ถักจากเส้นด้ายด้วยวิธีถักแบบง่าย - เป็นเกลียวและไม่เหมือนกับวิธีการถักแบบยุโรป วงกลมมักจะไม่เชื่อมต่อกัน พวกเขายังโครเชต์ในขนาดที่เล็กกว่าเมื่อเทียบกับความหนาของเส้นด้ายเพื่อสร้างผ้าที่มีความหนาแน่นสูงโดยไม่มีช่องว่างให้บรรจุออกมา Amigurumi มักจะทำจากชิ้นส่วนต่างๆ แล้วนำมาประกอบกัน ยกเว้น Amigurumi บางตัวที่ไม่มีแขนขา แต่มีเฉพาะหัวและลำตัวซึ่งเป็นหนึ่งเดียว แขนขาบางครั้งเต็มไปด้วยชิ้นพลาสติกเพื่อให้มีน้ำหนักขณะที่ส่วนที่เหลือของร่างกายเต็มไปด้วยเส้นใย
ความสวยงามของอะมิกุรุมิที่แพร่กระจายออกไปได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยความน่ารักของพวกมัน (“คาวาอิ”)

โลกทุกวันนี้มักถูกตำหนิว่า วิกฤตทางจิตวิญญาณในการทำลายความผูกพันกับประเพณี ในกระแสโลกาภิวัตน์ ดูดซับรากฐานของชาติอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ทุกอย่างเป็นแบบส่วนตัวและแบบแยกส่วนในเวลาเดียวกัน ถ้าเรียกว่า ศิลปะคลาสสิกเราสามารถแบ่งออกเป็น โรงเรียนแห่งชาติและจินตนาการว่ามี ศิลปะอิตาลีศิลปะเยอรมันคืออะไรและฝรั่งเศสคืออะไร แล้วเราจะแบ่งศิลปะร่วมสมัยเป็น "สำนัก" เดียวกันได้หรือ?

เพื่อตอบคำถามนี้ ฉันอยากจะนำเสนอศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นแก่คุณ ในการประชุมที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะโมริในหัวข้อความเป็นสากลในศิลปะร่วมสมัยเมื่อปีที่แล้ว ศาสตราจารย์มิชิโอะ ฮายาชิแห่งมหาวิทยาลัยโตเกียวเสนอว่าการรับรู้ที่แพร่หลายเกี่ยวกับ "ความเป็นญี่ปุ่น" ในตะวันตกนั้นถูกประสานเข้าด้วยกันในทศวรรษที่ 1980 โดยไตรลักษณ์ของ "ศิลปที่ไร้ค่า" “ความเป็นธรรมชาติ” และ “ความซับซ้อนทางเทคโนโลยี” ในปัจจุบันนี้ ศิลปะร่วมสมัยที่ได้รับความนิยมและโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่ได้รับความนิยมในเชิงพาณิชย์ของญี่ปุ่นยังคงสามารถวางอยู่ในรูปสามเหลี่ยมนี้ได้ สำหรับผู้ชมชาวตะวันตก มันยังคงลึกลับและเป็นต้นฉบับเนื่องจากลักษณะเฉพาะที่มีอยู่ในศิลปะของดินแดนอาทิตย์อุทัยเท่านั้น ในเดือนสิงหาคม ตะวันตกและตะวันออกพบกันที่สถานที่แสดงศิลปะสามแห่งพร้อมกัน: จนถึงวันที่ 8 สิงหาคม นิทรรศการ “Duality of Existence – Post-Fukushima” จัดขึ้นที่แมนฮัตตัน (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan) นิทรรศการ “teamLab: Ultra Subjective Space” ดำเนินไปจนถึงวันที่ 15 สิงหาคมในบริเวณใกล้เคียง (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); และ "วงจรอรหันต์" โดย Takashi Murakami ที่ Palazzo Reale ในมิลานยังคงพิชิตและทำให้ผู้เข้าชมประหลาดใจ

งานศิลปะที่แสดงทั้งหมดสร้างขึ้นหลังวันที่ 11 มีนาคม 2554 เมื่อสึนามิเข้าถล่มญี่ปุ่น ภัยพิบัตินิวเคลียร์ที่โรงไฟฟ้านิวเคลียร์ฟุกุชิมะได้ปลุกระดมคนทั้งประเทศ ทำให้จำเป็นต้องพิจารณาลำดับความสำคัญและค่านิยมใหม่ และหันกลับมาใช้ประเพณีที่ถูกลืมไปนานอีกครั้ง ศิลปะไม่สามารถยืนเฉยและนำเสนอต่อโลกได้ ชนิดใหม่ศิลปินมุ่งเน้นไปที่ความต้องการของผู้ชมสมัยใหม่ และในขณะเดียวกันก็เคารพรากฐานและคุณค่าทางประวัติศาสตร์

ทาคาชิ มูราคามิ - โฆษณา ศิลปินที่ประสบความสำเร็จผู้สร้างเทคโนคิทช์ให้เป็นที่นิยมและสร้างภาษาภาพแบบใหม่ที่เหนือชั้น โดยยึดตามประเพณีของการวาดภาพนิฮงกะของญี่ปุ่นและลักษณะเฉพาะของอะนิเมะและมังงะ อุดมการณ์ของประติมากรรมจำลองและการติดตั้งที่อุกอาจของเขาคือการแสดงให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงในญี่ปุ่นหลังสงคราม เมื่อลัทธิบริโภคนิยมเริ่มแพร่หลาย แต่วันที่ 11 มีนาคม 2554 ได้แบ่งชีวิตของญี่ปุ่นออกเป็น "ก่อน" และ "หลัง" เหมือนสองวันอันเลวร้ายในเดือนสิงหาคม 2488 เมื่อระเบิดนิวเคลียร์ถูกทิ้งที่ฮิโรชิมาและนางาซากิ หลังจากเกิดแผ่นดินไหวรุนแรงครั้งนั้น ซึ่งนำไปสู่ผลลัพธ์ที่เลวร้าย มูราคามิได้เริ่มต้นเส้นทางแห่งการทบทวนพุทธศาสนาและสุนทรียภาพแบบญี่ปุ่นอีกครั้ง ก้าวไปสู่จุดกำเนิดและจิตวิญญาณ ผลงานชิ้นแรกที่ริเริ่มวงจรอรหันต์คือ 500 อรหันต์ ซึ่งจัดแสดงในนิทรรศการเดี่ยวของ Takashi Murakami ในกรุงโดฮา ประเทศกาตาร์ ในปี 2555 ผู้เขียนอธิบายว่าการหวนคืนสู่แก่นเรื่องพุทธศาสนาเป็นการพยายามตระหนักว่าในโลกนี้ไม่ได้มีแต่เราเท่านั้น ยังมีพลังที่เป็นอิสระจากเรา และเราต้องปรับปรุงแก้ไขทุกครั้งเพื่อเลิกพึ่งพา ความปรารถนาของตัวเองและส่งผลกระทบ กำแพงอรหันต์ที่หนาแน่นราวกับปกป้องผู้ชมจากองค์ประกอบที่บ้าคลั่งตลอด 100 เมตรของผืนผ้าใบ ปลูกฝังความสงบสุขในจิตวิญญาณของทุกคน แต่มูราคามิไม่ได้จำกัดตัวเองอยู่แค่ผลงานชิ้นเดียวและยังคงวนเวียนในการวาดภาพ เสริมและขยายเรื่องราวราวกับใช้เทคนิคมังงะและเล่าเรื่องในการออกแบบภาพ ส่วนที่สองของวงจรถูกนำเสนอในแกลเลอรี Blum & Poe ( ลอสแองเจลิส) ในปี 2013. วันนี้ในมิลาน เหล่าอรหันต์กำลังเดินทางไปทั่วโลกเป็นครั้งที่สาม กระจายแนวคิดในการกลับไปสู่จิตวิญญาณและการละทิ้งกิเลสตัณหา แม้จะมีคำแนะนำและความหมายที่ลึกซึ้ง แต่ภาพวาดก็สามารถรับรู้ได้ง่ายเนื่องจากการตัดสินใจด้วยสีที่เป็นตัวหนาและสดใส ภาษาศิลปะ. องค์ประกอบของมังงะทำให้พวกเขาได้รับส่วนแบ่งที่จำเป็นในการทำให้แพร่หลาย เพื่อให้แนวคิดการถ่ายทอดของพุทธศาสนาสามารถอ่านและยอมรับได้ง่ายแม้โดยสาธารณชนที่ไม่ได้ฝึกหัด

ตัวแทนคนต่อไปของการวาดภาพญี่ปุ่นสมัยใหม่คือ Kazuki Umezawa ลูกศิษย์ของ Murakami ซึ่งนำเรากลับไปที่คำถามของโรงเรียนและความต่อเนื่อง เขาสร้างการเรนเดอร์ตัวละครอนิเมะแบบดิจิทัลด้วยการวาดลงบนสติกเกอร์เพื่อสร้างความลึกและความโกลาหลทางภาพเป็นพิเศษ จากภาพที่สุ่มและกระจัดกระจายไปทั่วอินเทอร์เน็ต เขาสร้างภาพตัดปะ แบ่งพื้นหลัง สร้างมันดาลาที่สะท้อนถึงโครงสร้างและเนื้อหาของจินตนาการของโอตาคุ (แฟนอนิเมะและมังงะ) การดึงดูดใจต่อสัญลักษณ์ทางพุทธศาสนาช่วยเพิ่มคุณค่าทางความหมายของผลงานของศิลปินรุ่นใหม่ ในแง่หนึ่ง ความศักดิ์สิทธิ์และรากฐานที่มั่นคงในวัฒนธรรม ในทางกลับกัน ประเด็นสมัยใหม่ แต่อีกครั้งด้วยการรวมปรากฏการณ์เฉพาะของญี่ปุ่นไว้ด้วย - อะนิเมะ

Takashi Murakami และ Kazuki Umezawa สร้างความสมดุลระหว่างความเกี่ยวข้องและประเพณี ศิลปที่ไร้ค่าและสไตล์ได้อย่างชำนาญ

น่าแปลกที่หลังจากเกิดแผ่นดินไหวเมื่อวันที่ 11 มีนาคม 2554 ที่ญี่ปุ่น เด็กชายอายุ 16 ปีที่ติดอยู่ใต้ซากปรักหักพังของบ้านเป็นเวลา 9 วันและได้รับการช่วยเหลือ เมื่อนักข่าวถามเกี่ยวกับความฝันในอนาคตของเขา เขาตอบว่า: "ฉัน อยากเป็นศิลปิน”

ทาดาสุ ทาคามิเนะ. "God Save America", 2002. วิดีโอ (8 นาที 18 วินาที)

มุมมองสองเท่า: ศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่น
ภัณฑารักษ์ Elena Yaichnikova และ Kenjiro Hosaka

ส่วนที่หนึ่ง: "ความจริง/โลกธรรมดา".พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่มอสโก ภูเขา มอสโก, เออร์โมลาเยฟสกี เลน, 17
ส่วนที่สอง: "โลกในจินตนาการ/แฟนตาซี".พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่มอสโก ภูเขา มอสโก, โกโกเลฟสกี บูเลอวาร์ด, 10

พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งมอสโก ร่วมกับ Japan Foundation จัดแสดงนิทรรศการ "Double Perspective: Japanese Contemporary Art" ซึ่งออกแบบมาเพื่อให้สาธารณชนได้รู้จักศิลปินร่วมสมัยของญี่ปุ่น
Double Perspective คือสองภัณฑารักษ์จาก ประเทศต่างๆไซต์สองแห่งของพิพิธภัณฑ์และโครงสร้างสองส่วนของโครงการ จัดแสดงโดย Elena Yaichnikova และ Kenjiro Hosaka นิทรรศการนี้รวบรวมผลงานของศิลปินหลากหลายสไตล์กว่า 30 คนที่เคยทำงานตั้งแต่ช่วงปี 1970 จนถึงปัจจุบัน โครงการประกอบด้วยสองส่วน - "โลกแห่งความจริง / ชีวิตประจำวัน" และ "โลกแห่งจินตนาการ / จินตนาการ" - ซึ่งตั้งอยู่ในบริเวณพิพิธภัณฑ์ที่ 17 Ermolaevsky Lane และ 10 Gogolevsky Boulevard

ตอนที่หนึ่ง: "ความจริง/โลกธรรมดา"

ส่วนแรกของนิทรรศการ "The Real World/Everyday Life" นำเสนอมุมมองของศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีต่อโลกรอบตัวเราผ่านการดึงดูดใจไปยังประวัติศาสตร์โลกในศตวรรษที่ 20 (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa และ Yuken Teruya) ซึ่งสะท้อนถึง อุปกรณ์ สังคมสมัยใหม่(Dumb Type และ Tadasu Takamine), ปฏิสัมพันธ์กับพื้นที่ในเมือง (ติดต่อ Gonzo และ ChimPom) และการค้นหาบทกวีในชีวิตประจำวัน (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi และ Tetsuya Umeda) Yasumasa Morimura ในผลงานวิดีโอชุด "Requiem" กลับชาติมาเกิดในรูปแบบต่างๆ ตัวละครในประวัติศาสตร์: Chaplin นักเขียน Yukio Mishima และแม้แต่ Lenin - และสร้างเรื่องราวจากชีวิตของพวกเขา เท็ตสึยะ อุเมดะ ผู้เข้าร่วมโครงการอีกคน สร้างงานติดตั้งจากวิธีการชั่วคราว สิ่งธรรมดาๆ ดังนั้น ชีวิตประจำวันที่ซ้ำซากที่สุดจึงกลายเป็นงานศิลปะ นิทรรศการจะนำเสนอผลงานของ Yoko Ono - "Cut Piece" ที่มีชื่อเสียงในปี 1965 และ 2003 และการติดตั้งเสียง "Cough Piece" (1961) นิทรรศการจะนำเสนอผลงานของ Kishio Suga ซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนหลักของขบวนการ Mono-Ha (Mono-Ha แปลว่า "โรงเรียนแห่งสิ่งต่างๆ") ซึ่งนำเสนอทางเลือกของญี่ปุ่นแทนความทันสมัยของตะวันตก ส่วนภาพถ่ายจะนำเสนอผลงานของ Toshio Shibata, Takashi Homma และ Lieko Shiga

ยาโยอิ คุซามะ. "ฉันอยู่ที่นี่ แต่ไม่มีที่ไหนเลย", 2543. สื่อผสม. การติดตั้งที่ Maison de la culture du Japan, Paris
คอลเลกชันของผู้เขียน

ผลงานที่ประกอบขึ้นเป็นส่วนที่สองของโปรเจกต์จะนำเสนอโลกในจินตนาการที่เสรีซึ่งมีทุกสิ่งที่เราไม่สามารถเห็นได้ในชีวิตจริง ทุกสิ่งที่อยู่นอกเหนือขอบเขตของมัน ผลงานของศิลปินในส่วนนี้ของนิทรรศการกล่าวถึงวัฒนธรรมป็อปของญี่ปุ่น โลกแห่งจินตนาการ ความไร้เดียงสา ตำนาน และการสะท้อนโครงสร้างจักรวาลของโลก ผู้เข้าร่วมนิทรรศการแต่ละคนใส่ความหมายของตัวเองลงในแนวคิดของ "จินตนาการ" ดังนั้นศิลปิน Tadanori Yokoo ที่มีความสัมพันธ์กับโลกในจินตนาการก็เป็นเช่นนั้น ธีมหลักของการหายตัวไปของผลงานของเขา หรือมากกว่า "การหายไปในตัวเอง" แนวคิดที่คล้ายกันสามารถติดตามได้ในผลงานของ Yayoi Kusama: เธอสร้างโลกที่เต็มไปด้วยรูปแบบที่แปลกประหลาดโดยการฉายภาพจินตนาการของเธอให้เป็นจริง ประติมากรรมขนาดยักษ์ "Child of the Sun" (2011) โดย Kenji Yanobe สร้างขึ้นในช่วงเวลาเลวร้ายเมื่อมีการระเบิดที่โรงไฟฟ้านิวเคลียร์ Fukushima-1 วัตถุที่ยิ่งใหญ่ของเขากลายเป็นจุดตัดของจินตนาการ ศิลปินเข้าใจดีว่าประสบการณ์ที่ได้รับบนพรมแดนของจริงจะกลายเป็นแรงผลักดันในการสร้างโลกใหม่ ส่วนโลกแห่งจินตนาการ/แฟนตาซียังมีผลงานของ Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa และอีกมากมาย
ผลงานบางส่วนจัดทำขึ้นเพื่อจัดแสดงโดยเฉพาะ ศิลปิน Yoshinori Niva มาที่มอสโคว์ในโครงการของเขา "Vladimir Lenin เป็นที่ต้องการในอพาร์ทเมนต์มอสโก" (2012) เพื่อค้นหาสิ่งประดิษฐ์ที่เกี่ยวข้องกับบุคลิกภาพของนักปฏิวัติในอพาร์ตเมนต์ของ Muscovites งานของเขาคือเอกสารวิดีโอเกี่ยวกับการค้นหาและการเดินทางรอบมอสโกว ศิลปิน Tetsuya Umeda ซึ่งผลงานของเขาจะถูกนำเสนอพร้อมกันในสองสถานที่ จะมาที่มอสโคว์เพื่อจัดแสดงผลงานของเขาในสถานที่
เมื่อมองแวบแรก ทั้งสองส่วนของนิทรรศการนี้ได้รับการออกแบบมาเพื่อแสดงสองขั้วของศิลปะญี่ปุ่น ซึ่งในความเป็นจริงแล้วกลายเป็นสิ่งที่แยกออกจากกันไม่ได้
ภายในกรอบของนิทรรศการ ยังมีแผนเปิดสอนหลักสูตรปริญญาโทและ การประชุมที่สร้างสรรค์กับผู้เข้าร่วมโครงการ. จะมีการบรรยายโดยภัณฑารักษ์ชาวญี่ปุ่น Kenjiro Hosaka และศิลปิน Kenji Yanobe สำหรับรัสเซีย นิทรรศการนี้เป็นครั้งแรกที่นำเสนอศิลปะญี่ปุ่นร่วมสมัยในระดับดังกล่าว

โยชิโตโมะ นารา. "Candy-blue night", 2544. 1166.5 x 100 ซม. สีอะคริลิคบนผ้าใบ
ภาพถ่าย: “Yoshitaka Uchida”

Kisio Suga "Space of Separation", 1975 กิ่งไม้และบล็อกคอนกรีต 184 x 240 x 460 ซม
ภาพถ่าย: “Yoshitaka Uchida”

เคนจิ ยาโนเบะ. "ลูกพระอาทิตย์", 2554. ไฟเบอร์กลาส เหล็ก นีออน ฯลฯ 620 x 444 x 263 ซม. การติดตั้งในอุทยานอนุสรณ์ Ezpo"70
ภาพถ่าย: “Thomas Swab”