Biwa. Cuma günleri Japon müziği

Çin Devlet Başkanı Xi Jinping Halk Cumhuriyeti, Dünya Savaşı sırasında Japon işgalcilere karşı kazanılan zaferin 69. yıldönümüne adanan bir sempozyumda yaptığı konuşmada, Japonya'yı ...

eklendi: 04 Mart 2014

Ulusal Japon müziği ve enstrümanları

Bir ülke Doğan güneş Japonya'nın kendine özgü ve benzersiz bir kültürü vardır. Büyük bir ulusun mirası müzikle yakından bağlantılıdır. Ulusal Japon müziği, ülkenin izolasyonundan kaynaklanan aynı orijinal fenomendir.

Japonya halkı, anavatanlarının kültür anıtlarına her zaman dikkatli ve saygılı davranır. Müzik aletleri olmadan herhangi bir müzik imkansızdır. müzik kültürü Japonya'nın kendine özgü bir türü vardır. Bu, müzikal şaheserler yaratmak için kullanılan enstrümanların çeşitliliğini açıklar.

Önemli müzik aletleri

En ünlü Japon müzik enstrümanlarından biri utandırmak, lavtaya benzer. Üç telli telli çalgılar kategorisine aittir. O kökenli sanşina, bu da türetilmiştir sanxianÇin'e özgü.

Japon müziği ve dansları, bugün hala saygı duyulan shamisen olmadan tamamlanmış sayılmaz. Japon adaları ve genellikle Japon tiyatrosunda kullanılır Bunraku ve Kabuki. Shamisen oyununun geyşa - maiko eğitim programına dahil edilmesi de önemlidir.

Ulusal Japon müziği de flütlerle ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır. Müzik aleti duman tiz sesleriyle tanınan bir flüt ailesine aittir. Bambudan yapılırlar. Bu flüt Çin flütü kökenlidir - " paixiao«.

Fue ailesinin en ünlü flütüdür. shakuhachi, Zen Budist rahipleri tarafından müzik aleti olarak kullanılır. Efsaneye göre, shakuhachi sıradan bir köylü tarafından icat edildi. Bambuyu taşırken, rüzgar estiğinde bambudan çıkan harika bir melodi duydu.

Fue flüt ve shamisen, Banraku ve Kabuki tiyatrolarında ve çeşitli topluluklarda sıklıkla eşlik olarak kullanılır. Fuetlerin bir kısmı Batı usulüne göre akort edilebilir ve böylece solist olabilir. Daha önce fue oynamanın yalnızca Japon gezgin keşişler için karakteristik olması ilginçtir.

suikinkutsu

temsil eden başka bir araç Japon Kültürü dır-dir suikinkutsu. Üzerinden suyun aktığı ters çevrilmiş bir sürahi şeklindedir. Belirli deliklerden içeri girerek çalgının zil sesine çok benzer bir ses çıkarmasına neden olur. Bu enstrüman çay töreninden önce çalınır ve geleneksel Japon bahçesinin bir özelliği olarak da kullanılır.

Bu arada, kolaylık sağlamak için çay seremonisi bahçede yapılabilir. Enstrümanın sesi, kişiyi açıklanamaz bir rahatlama hissine sokar, düşünceli bir ruh hali yaratır. Çay töreni sırasında bahçede dinlenmek Zen geleneğinin bir parçası olduğundan, böyle bir durum kendinizi Zen'e kaptırmak için çok uygundur.

Algımız için daha anlaşılır olan araç taiko,Rusçaya çeviride "davul" anlamına gelir. Bu arada Taiko, diğer ülkelerdeki muadillerinin yanı sıra askeri işlerde de ünlendi. Dedikleri gibi, Gunji Yeshu'nun tarihçelerinde, dokuza dokuz darbe savaş çağrısı anlamına geliyordu ve buna karşılık üçe dokuz, düşmanın takip edilmesi gerektiği anlamına geliyordu.

Unutulmamalıdır ki bir davulcunun icrası sırasında, icranın sadece melodisi ve ritmi değil, icranın estetiği de önemlidir. dış görünüş melodinin çalındığı enstrüman.

Japon müzik türleri

Japonya'nın halk müziği, gelişiminde uzun bir yol kat etti. Kökenleri büyülü şarkılardı, daha sonra Konfüçyüsçülük ve Budizm, müzik türünün gelişimini ve oluşumunu etkiledi. Bu nedenle, Japon müziği öyle ya da böyle ritüellerle ilişkilendirilir, geleneksel bayramlar, tiyatro gösterileri ve diğer etkinlikler. Japonca Etnik müzik, çevrimiçi dinle modern dünya, günün her saatinde ve her yerde yapabilirsiniz önemli kısım kültürel Mirasülkeler.

En çok iki ana var popüler türler Ulusal Japon müziği.

• Birincisi shomyo, bir Budist ilahisidir.
• Saniye - gagaku, orkestra mahkeme müziğidir.

Ancak, eski kökleri olmayan türler de vardır. Onlar ait yasugi bushi ve enka.

Japon halk şarkılarının en popüler türü yasugi çalı Adını Yasugi şehrinden almıştır. Türün teması antik tarih ve mito-şiirsel masallarla bağlantılıdır. Ama yasugi bushi sadece şarkı değil, aynı zamanda bir danstır. sukui dojosu müzikle hokkabazlık sanatının yanı sıra zeni daiko Bambu saplarının müzik aleti olarak kullanıldığı, içi madeni paralarla dolu.

Enka, bir tür olarak, nispeten yakın zamanda, savaş sonrası dönemde ortaya çıktı. İçinde Japon halk motifleri caz ve blues müziği ile iç içe geçmiştir. Bu nedenle, Japon müziğinin kendine has bir ulusal özellikler ve bu nedenle diğer ülkelerdeki diğer müzik türlerinden farklıdır. Yani, belki Tibet dışında dünyanın hiçbir yerinde göremeyeceğiniz şarkı söyleyen kuyular denen müzik aletleri var.

Japon müziği, sürekli değişen tempo ve ritim ile karakterizedir. Genellikle içinde boyut yoktur. Japon müziği, onu daha da gizemli ve sıra dışı kılan doğanın seslerine yakındır.

Video: Çevrimiçi Japon müziği

Gösteri sırasında kendilerine hangi Japon hikaye anlatıcılarının veya şarkıcıların eşlik ettiğinin yardımıyla. Shamisen'in en yakın Avrupa analogu . Shamisen, hayashi ve shakuhachi flütleri, tsumi davulu ve . Geleneksel Japon müzik aletlerini ifade eder.

İsim, bunraku ve kabuki - nagauta (uzun şarkı) için müzik türüyle çelişiyor. Performans stillerinin en ünlüsü ve en karmaşıkı, adını Osaka'dan bir bunraku kuklacısı olan Takemoto Gidayu'dan (1651-1714) alan gidayu'dur. Enstrümanlar ve mızraplar en büyüğüdür ve rehberin kendisi hem şarkıcı hem de sahnede olup bitenler hakkında yorumcudur. Hikaye anlatıcısının işi o kadar karmaşık ki, performansın ortasında rehber değişiyor. Anlatıcının mutlaka metni ve melodiyi bilmesi gerekir. 19. yüzyıldan beri kadın hikaye anlatıcıları olan onna-gidayu da ortaya çıktı.

Menşei

Orijinal haliyle Shamisen, Batı Asya'nın derinliklerinde ortaya çıktı, oradan "sanxian" olarak adlandırılan Çin'e (XIII.Yüzyıl) geldi, ardından Ryukyu Adaları'na (modern Okinawa) taşındı ve sadece oradan Japonya'ya geldi. Bu olay - diğer müzik aletlerinin ortaya çıktığı zamanın aksine - tarihte çok net bir şekilde işaretlenmiştir ve 1562 yılına kadar uzanır.

Shamisen'in öncüsü sanshin, o zamanlar bir vilayet olan Ryukyu Krallığı'nda oynanıyordu. Sanshin, sırayla, geliyor Çin enstrümanı Orta Asya enstrümanlarından gelişen sanjian.

Shamisen, Tokugawa şogunluğunun başlangıcında ortaya çıkan gezici kör goze müzisyenleri için de en önemli enstrümandı.

Geleneksel/antika enstrümanların fazla ilgi görmediği Avrupa'nın aksine, Japonya'da shamisen ve diğer ulusal enstrümanlar yaygın olarak bilinir ve sevilir. Popülerlik, yalnızca Japonların kültürlerine ve tarihlerine duydukları saygıdan değil, aynı zamanda geleneksel Japon tiyatrosunda - özellikle Kabuki ve Bunraku tiyatrolarında - ulusal enstrümanların, özellikle de shamisen'in kullanılmasından kaynaklanmaktadır.

Shamisen en çok Tokugawa döneminde yaygındı ve onu oynama becerisi, maiko - geyşa öğrencileri için zorunlu eğitim programının bir parçasıydı. Bu nedenle "eğlenceli odalara" genellikle "shamisen'in durmadığı mahalleler" denirdi.

Çeşitler ve uygulamalar

Boyun kalınlığı bakımından birbirinden farklılık gösteren birkaç çeşit alet vardır.

ile araçlar darboğaz isminde hosozao ve çoğunlukla müzikte kullanılır nagauta.

ile araçlar akbaba ortamı kalınlıklar denir chuzao ve kullanılır müzik türleri Nasıl kiyomoto, tokiwazu, jiuta vesaire.

Japonya'nın kuzeyinde, özellikle Tsugaru bölgesinde (Aomori Eyaletinin batı kısmı), ayrı bir shamisen'in kalın boyunlu versiyonu — tsugarujamisen, özel virtüözlük gerektiren oyun. En kalın boyunlu Tsugarujamisen denir futozao ve kullanılır joruri.

Cihaz

Shamisen gövdesi, deri ile sıkıca kaplanmış ahşap bir çerçevedir. Örneğin Ryukyu Adaları'nda yılan derisi kullanıldı ve Japonya'nın kendisinde bu amaçla kedi veya köpek derisi kullanıldı. Kasanın her iki yüzü deri kaplıdır, ayrıca mızrap (bati) darbelerinden korumak için ön zarına küçük bir deri parçası yapıştırılmıştır.

Mandallar ile gövdenin alt kısmının ortasından çıkıntı yapan boynun alt ucu arasına farklı kalınlıklarda üç ip gerilir. İpler ipek, naylon ve tetlondan yapılmıştır. Shamisen uzunluğu yaklaşık 100 cm'dir.

Shamisen, tahta, fildişi, bağa, manda boynuzu ve plastik gibi malzemelerden yapılmış büyük bir bachi mızrap ile çalınır. Nagaut ve jiuta için Bati, çok keskin kenarları olan neredeyse düzenli üçgenlerdir.

Tsugarujamisen, daha çok ginkgo yaprağına benzeyen daha küçük bir mızrap önerir.

Shamisen çalma tekniği

Shamisen çalmanın üç stili oluşturulmuştur:

Uta-mono - şarkı stili. Ana türlerden biri müzik eşliğinde tiyatro gösterileri kabuki. Bu tür, hayashi topluluğu tarafından çalınan uzun müzikal aralarla temsil edilir (bu topluluk genellikle tiyatro gösterilerine eşlik eder, bir flüt ve bir flütten oluşur. üç tip davul).

Katari-mono bir fantezi tarzıdır. Japonların en karakteristik özelliği Geleneksel müzik ve belirli bir şarkı söyleme türüyle temsil edilir.

Minyo bir halk şarkısıdır.

Shamisen Japonya'da ilk ortaya çıktığında, teller küçük bir mızrap (yubikake) ile çekildi ve ancak zamanla müzisyenler, enstrümanın tını olanaklarını büyük ölçüde genişleten mızrap kullanmaya başladı. Alt telin her çekilmesinde, sesine ek olarak, armoniler ve hafif bir gürültü duyulur, bu fenomene "savari" ("dokunma") denir. Diğer teller alt tel ile rezonansa girdiğinde, özellikle teller arasındaki perde aralığı bir oktav olduğunda (iki oktav, üç, beşte biri, vb.) Savaryalar da görünür. Bu ek sesi kullanabilme yeteneği bir işarettir. yüksek beceri icracı ve akustik etkinin kendisi, shamisen yapımcıları tarafından sıkı bir şekilde kontrol edilir.

Pena sağ elde tutulur ve doğru anda perdesiz bir boyun üzerinde sol elin üç parmağıyla tellerin sesi kesilir. Oyunda başparmak ve serçe parmak kullanılmaz. Şamisen çalmanın en karakteristik yöntemi, mızrapın zara ve tele aynı anda vurulmasıdır. Ayrıca tellerin kalınlığı, boyun, zar, mızrapın tellere vurduğu yer gibi sesin özelliklerini belirleyen daha birçok önemli faktör vardır. Ayrıca shamisen'de telleri sol elinizle çekerek daha zarif bir tını elde edebilirsiniz. Bu tonu değiştirme yeteneği, ayırt edici özellikler shamisen.

Çalma şekline ek olarak, telin, boyunun veya mızrap uzunluğunun yanı sıra boyutları, kalınlıkları, ağırlıkları, malzeme - kütle göstergeleri değiştirilerek enstrümanın tınısı değiştirilebilir! Perde ve tını bakımından birbirinden farklı iki düzineye yakın shamisen vardır ve müzisyenler kendi müzik türlerine en çok uyan enstrümanı seçerler veya performanstan hemen önce yeniden akort ederler.

Shamisen müziğinde ses çizgisi enstrümanda çalınanla neredeyse örtüşür: ses melodinin sadece biraz ilerisindedir, bu da metnin duyulmasını ve anlaşılmasını mümkün kılar ve ayrıca sesin sesi ile ses arasındaki karşıtlığı vurgular. shamisen.

Modern müzikte Shamisen

Shamisen, kendine özgü sesi nedeniyle, bazı Japon filmlerinde ve animelerinde (Rusya'da olduğu gibi) genellikle "ulusal" sesi geliştirmek için kullanılır. Yani, Naruto anime dizisi Puni Puni Poemi'nin müziklerinde shamisen sesleri var.

Agatsuma Hiromitsu, New Age tarzında oynuyor.

Avrupa müzikal avangardının temsilcileri tarafından kullanılır (örneğin, Henri Pousseur).

Yoshida Brothers tarafından icra edilen besteler oldukça popülerdir, onların shamisen sesleri gibi.

Michiro Sato, shamisen üzerinde doğaçlamalar yapıyor ve caz piyanisti Glenn Horiuchi, bestelerine shamisen çalmanın parçalarını ekledi.

Gitarist Kevin Kmetz, tsugarujamisen çaldığı California merkezli God of the Shamisen grubuna liderlik ediyor.

Video: Video + ses üzerinde Shamisen

Bu videolar sayesinde enstrümanı tanıyabilir, üzerindeki gerçek oyunu izleyebilir, sesini dinleyebilir, tekniğin inceliklerini hissedebilirsiniz:

Satış: nereden satın alınır/sipariş edilir?

Ansiklopedi, bu enstrümanın nereden satın alınacağı veya sipariş edileceği hakkında henüz bilgi içermiyor. Değiştirebilirsin!

Bir keresinde Japon müzik enstrümanları hakkında konuşmaya söz vermiştim. Bu sefer geldi. Biva tamamen tesadüfen elime geçti ama konuyu açmak ona düştü :)

Bugün, biwa (biwa) adı verilen geleneksel bir Japon müzik aletinin büyülü - nazik ve havadar olmasa da, oldukça sert, metalik ve ritmik - sesleri bugün dikkatimizi çekecek.
Biwa bir Japon ud veya mandolin çeşididir, Japonya'ya 7. yüzyılda Çin'den geldi, Çin'de benzer bir enstrümana pipa (pipa) denir, ancak MS 4. yüzyılda İran'dan Çin'e geldi.
Ve Avrupa udunun kökleri de Orta Asya'ya gider.
Japonya'da bin yıldan fazla biwa gelişimi, birçok model, birçok çalma ve şarkı söyleme okulu ortaya çıktı.

(Bu bir tür orkestralı biwa konçertosu. Gion shoja. Besteci Hirohisa Akigishi
"Heike'nin Masalı" adlı prologun kaydında ("Taira monogatari" olarak da adlandırılan Heike'nin hikayesi) Bu ana çağdaş çalışma biwa'da icra edilir. Bu kayıt Seul'de, 2004 yılında Sejong merkezinde yapılmıştır)

Alet, yukarı dönük bir badem somununa benzer şekildedir. Gövdenin ön duvarı öne doğru hafif kavisli, arkası düzdür. Duvarlar - yani iki tahta levha - birbirinden uzak değil, alet oldukça düz. Ön duvarda üç delik vardır.
Biwa, pirinç tutkalı ile birbirine yapıştırılmış en iyi ipek ipliklerden yapılmış dört veya beş tele sahiptir. Klavye beş çok yüksek perdeye sahiptir.

İpler oldukça gevşek, yani çok gergin değiller. İpe daha sert basan müzisyen, gerginliğini değiştirir, yani perdeyi yükseltir. Enstrümanın kelimenin Batı Avrupa anlamında hiç akortlu olmadığını söyleyebiliriz ancak müzisyen tellere basma kuvvetini değiştirerek belirli notaları çalabilir.
Ancak oyunun amacı hiç de doğru notayı vurmak değil. Bu nedenle telde ölüm tutuşu yoktur, parmak sürekli basınç değiştirir, bu da sesin havada süzülmesine neden olur. Ek olarak, parmağınızla ipi geniş perdeler boyunca hareket ettirebilirsiniz, bundan sonra tel, bu tür Hintlilerde olduğu gibi vızıldamaya başlar. telli çalgılar sitar ya da şarap gibi.

Biwa dikey olarak tutulur ve çalarken küçük bir yelpaze şeklinde üçgen bir ahşap mızrap kullanılır. Bir tarafı 30 santimetre uzunluğa ulaşır, bir tür kürek kemiğidir. Bu bıçakların imalatı - harika sanat, aynı zamanda sağlam ve elastik olmalıdırlar. Arabulucunun ağacı on yıl süreyle kurutulur. Tabii ki, nadir bir ağaç türü kullanılır.
Bir kazma ile sadece telleri değil, gövdeyi de vurabilir, ayrıca telleri çizebilirsiniz, ancak ustalar bunun olduğunu söylüyor modern teknoloji, daha önce durum böyle değildi.
Ancak böylesine büyük bir mızrapla bir tele vurmanın birden fazla yolu olduğu açıktır - ve bu elbette mükemmel bir şekilde duyulabilir.

BIWA (Kral Kayıtları, 1990)
CD'de iki enstrümantal parça ve dört vokal-enstrümantal parça vardır. En etkileyici olanı, Enomoto Shisui tarafından seslendirilen destansı şarkı "Kawanakajima" ("İki Nehir Arasındaki Ada").
Enomoto Shizui 1978'de öldü ve 19. yüzyılda doğdu. İkinci Dünya Savaşı öncesi dönemin ünlü biva ustalarındandı.
19. yüzyılda ve 20. yüzyılın ilk yarısında biwa sanatı bir canlanma yaşadı, sadece Tokyo'da müzik aletleri yapan 30 usta vardı, savaştan sonra tüm Japonya'da - ve tüm dünyada - sadece bir tane kaldı. . Bu sanatın sonsuza dek yok olma şansı vardı, çünkü sözler artık politik olarak yanlış olan samuray ruhuyla doluydu.
Yeni nesil şarkıcılarla karşılaştırıldığında, Enomoto Shizuya'nın sesi daha trajik, daha histerik ve daha acımasız diyebilirim.
Bu şarkının adandığı ada, iki nehir arasındaki bir kara şerididir. 16. yüzyılda bu yerde, iki askeri liderin orduları arasında birkaç savaş gerçekleşti.
Bunun, insanların akşamları önemli şeylerden bıkmış olarak dinledikleri eğlenceli müzik olduğuna inanamıyorum. Hayır, hayır, bu müzik samuraylara açıkça görevlerini hatırlatıyor ve onların savaşma ruhunu ateşliyor.

Bir diğer iyi bilinen öğe de resimde bir biwa olan Atsumori'dir.

Keskin metal darbeleri - kılıç darbesine benzer - şarkıcının yavaşça açılan sesiyle tezat oluşturuyor. Ünlüler uzun süre uzar, ritim serbesttir, müzikte birçok duraklama vardır ama buna hiçbir şekilde halsiz denemez. Çok gergin ve odaklanmış.
Bu arada Japon geleneğindeki duraklamalar, boşluklar, sessizlik anları da akustik bir unsur yani ses olarak kabul edilir. Buna "ma" kelimesi denir. Sessizlik kısa veya uzun, gergin veya sakin, beklenmedik veya mantıklı olabilir. Sessizlik bazı sesleri vurgular ve bir müzik cümlesindeki vurguyu değiştirir.

Biwa tarihinde iki paralel akım vardı: Birincisi, biwa saray orkestrasının bir parçasıydı. Eski bir biwa yatay olarak yerde yatıyordu ve küçük bir mızrapla çalınıyordu. O bir vurmalı çalgıydı.
Orta Çağ'da biwa, aristokratlar ve onların vasalları tarafından çalınırdı ve bu müziğin tamamen enstrümantal olduğuna inanılıyor. Klasik edebiyatta, Çin'den gelen ortaçağ solo biwa'nın birçok tanımı, onun zarif ve rafine sesi ve yüce melodileri korunmuştur, ancak solo biwa, saray müziği geleneğinde bugüne kadar korunmamıştır. Gagaku orkestrasında biwa kısmı o kadar basit ki, yüzyıllar boyunca önemli bir şeyin kaybolduğu izleniminden kurtulmak imkansız.
Biwa'nın solo bir enstrüman olarak geleneği 13. yüzyılda kesintiye uğradı ve ancak 20. yüzyılda yeniden canlandı.

Silvain Guignard (fragmento) tarafından Biwa'da "Ichinotani". Gördüğünüz gibi Avrupa versiyonu

Ancak bivanın asıl işlevi uzun şarkılara ve hikâyelere eşlik etmektir.
20. yüzyıla kadar biwa neredeyse sadece kör müzisyenler tarafından çalınıyordu, onlara biwahoshi deniyordu. Bazıları Budist rahiplerdi ve sutralar ve ilahiler okudular, ancak yine de şarkıcıların çoğu efsanevi kahramanların savaşlarını ve savaşlarını anlattı.
En ünlü kahramanca destan biwahoshi repertuarından - "Heike Monogatari" (Heike Monogatari).
Bu, Heike klanının (namı diğer Taire) kısa bir parlak dönemin ardından 12. yüzyılın ikinci yarısında Genji klanı (Genji, namı diğer Minamoto) tarafından nasıl mağlup edildiğini anlatan devasa ve oldukça kanlı bir şiir.
Şiir, 176'sı sıradan, 19'u gizli ve geri kalan 5'i çok gizli olmak üzere 200 bölümden oluşmaktadır.

(görüntü ve ses kalitesi için özür dilerim. Yukihiro Goto tarafından canlandırılmıştır)
Tüm hikayeler şu ya da bu şekilde, Budist neden-sonuç fikirlerini ve ayrıca kaderin süreksizliğini gösterir.
Bugün "Heike Monogatari" biwa çalan müzisyenlerin sadece birkaçı tarafından icra ediliyor. Diğer herkesin çok daha modern bir repertuvarı var.
Ancak Orta Çağ'da kör rahipler tarafından icra edilen kahramanlık şarkılarının ve enstrümantal mahkeme biwa geleneğinin ortadan kalktığı kanısındayız. Kahramanca şarkı söyleme geleneği birkaç kez yeniden canlandırıldı ve büyük olasılıkla 700 yıl önceki haliyle değil.
Enstrümanın tarihi 7. yüzyıla kadar uzansa da günümüze kadar ulaşan müziğin görünüşe göre artık Orta Çağ ile hiçbir ilgisi kalmamış, bugün antik ve klasik olarak adlandırılan üslup oluşmamıştır. çok uzun zaman önce
Biwa tarihinde önemli bir an 16. yüzyıldır.
Sonra oluşturuldu yeni araç Satsuma biwa: Satsuma klanının lideri, kör keşişlerin düşük güçlü ve mütevazı lavtasının etkileyici ve keskin bir sese sahip yüksek bir enstrüman haline gelmesi için geliştirilmesi emrini verdi. Biwa büyüdü, gövdesi daha sert ahşaptan yapıldı. Sesi agresif olmasa da daha erkeksi hale geldi.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(daha iyi ses, ancak yerleştirmeye izin verilmez)
Yeni şarkılar da yazıldı. Bu eylemin amacı eğitim ve propagandaydı: askeri eğitim almış genç erkekler - yani geleceğin samurayları, bu şarkılar altında ruhen büyümeli ve şövalye hünerinin temellerini öğrenmeliydi.
O zaman çalma ve şarkı söyleme kuralı yoktu - herhangi bir samuray kahramanca bir metni haykırabilir ve daha fazla ifade için zaman zaman telleri yenebilirdi. Şarkılar artık sadece gençleri istismara çağırmakla kalmıyor, savaştan sağ kurtulan samuraylar da biwa sesleriyle kampanyalarını anlatıyordu.
Zaman geçtikçe, oldukça barışçıl nüfus bu militarist müziğe büyük ilgi duymaya başladı. Buna göre, siviller için bir tarz ortaya çıktı: machi fu (kentsel tarz) - ve ordu için: shi fu (samuray tarzı).
Yeni enstrüman türleri ortaya çıktı. Diyelim ki chikuzen biwa (chikuzen-biwa) 19. yüzyılda ortaya çıktı, bir tane daha var - yüksek bir tel. Bu nedenle, bu biwa kadınsı, daha yumuşak kabul edilir. Kadınlar sırasıyla oynayın.

Bir biva eşliğinde seslendirilen tüm destan şarkılarında metin, kısa şiirsel pasajların serpiştirildiği ritmik düzyazıdır. Bazı ifadeler kanonik melodilerle söylenir, ardından kısa enstrümantal aralar verilir. Ancak, kural olarak, her cümlenin veya kıtanın sonunda biwa tellerine bir veya iki darbe gelir. Bu vuruşların tınıları farklıdır - biwa davuldan çok daha fazla olasılığa sahiptir.
Biwa'nın sesleri anlatıcının söylediği şeyi gösteriyorsa, o zaman bu sadece tınıdadır - ince bir ses veya sağır, metalik veya tıslama sesi ... Metin klasik olarak söylenir. Japonca, dinleyiciler ne söylendiğini anlamalıdır: sesin tonlaması, ritmi ve rengi dramanın içeriği ile ilgilidir.
Bu, tamamen onun tarafından yakalanan, eylemle empati kuranlar için doğrudan dinleme müziğidir.
Görünüşe göre dili bilmediğimiz için bu müzikte pek bir şey algılamıyoruz, ama o, mucizevi bir şekilde, bundan egzotik, tuhaf veya fantastik hale gelmez. Hayır, hayır, anlamlılığını ve inandırıcılığını koruyor.
Ayrıca ilginçtir ki çok duygusal müzik, çok gergin, açık. Ve Japonlar - diğer tüm Budistler gibi - duygularını göstermekten kaçınıyor gibi görünüyor.

Japonya'da evreni hareket ettiren kuvvete ki denir. Yunan pneuma'sına benzer manevi bir güçtür.
Ki ifadesi tüm Japon sanatlarında en yüksek önceliğe sahiptir. Makro kozmosta ki, rüzgarlara, mikro kozmosta insanın nefesine karşılık gelir. Japonca'da ki ile ilgili birçok kelime vardır: ki-shФ (hava durumu), ki-haku (ruh).
Şarkı söylemenin temeli nefes almaktır ve bu nedenle şarkı söylemek ki'nin tezahürlerinden biridir.
Eski Japonlar, bir kelimeyi telaffuz ederek veya daha doğrusu nefes vererek, üfleyerek manevi bir eylem gerçekleştirdiklerine inanıyorlardı. Ve Rusça'da "nefes" ve "ruh" kelimeleri birbirine hiç de yabancı değil.
Japon şarkı söyleme geleneği, anlam yüklü bir nefes olarak sözcüğe yönelik bu tutumla doğrudan ilişkilidir.

Ve bu kısa kayıt sadece bir müzik parçası değil, aynı zamanda Japon İmparatorluk Sarayı'nın tören müziği olan Gagaku'dur.

Avrupa şarkıları - diğer tüm müzikler gibi - seslerin perdesine ve süresine dayanır. İÇİNDE antik japonyaşarkı söylemek, sesin rengi, enerjisi, yüksekliği ve kalitesi gibi akustik unsurları tek bir ses hiyeroglifinde birleştirdi.
Doğru notadan ölçülemez derecede daha fazla bir şey.
Ve biwa müziği birçok açıdan Batı Avrupa müziğinden farklıdır. Japon enstrümanı sese, ritme karşı tamamen farklı bir tavır alıyor.
Japon modernist besteci Toru Takemitsu, senfoni orkestrası ile birlikte biwa kullanan birkaç beste yazmıştır. Biwa müziği kaydetmenin geleneksel bir yolu var - Batı Avrupa ile karşılaştırıldığında çok yaklaşık görünüyor.

Kwaidan Müziği, Haochi the Earles, Toru Takemitsu, 1964

Bu, Toru Takemitsu'ya ithaf edilmiştir.

Bestelerinden birinde bir biwa sanatçısı Batı Avrupa notalarını çalışmak için gönüllü olduğunda, Takemitsu onun bunu yapmasını yasakladı. Besteci, "Bu senden bekleyeceğim en son şey" dedi. “Biwa müziğinin geleneksel kaydını kendim çalışacağım ve nasıl kullanılacağını öğreneceğim, Batı notalarına ihtiyacınız olmayacak. Bugün, Batı'nın müzik enstrümanlarının ince ayarını yapma ve müziği notalama sistemi nedeniyle geleneksel ses duygusu ölüyor."

Bir zamanlar İmparator Tennoh'un sarayından eski bir biwa kayboldu. Adı Genjo'ydu. Fiyatı yoktu, çok pahalıydı. İmparator kendine yer bulamamış. Çalındıysa, hırsız onu kırmak zorundaydı - satmak imkansızdı. İmparator, ruhunu karartmak için bivasının çalındığından emindi.
Minamoto no Hiromasa bir aristokrat ve mükemmel bir müzisyendi. O da kaybetmeye çok üzüldü.
Bir gece bir telin sesini duydu - buna hiç şüphe yoktu: Bu Genjo'nun biwa'sıydı. Hiromasa hizmetçi çocuğu uyandırdı ve hırsızı yakalamaya gittiler. Sese yaklaşıyorlardı ama ses uzaklaşmaya devam ediyordu. Biwa'da bir tür ruh çalıyordu - tellerin sesini yalnızca Hiromasa duyabiliyordu.
Sesi sonuna kadar takip etti. güney noktası Kyoto - uğursuz Rashomon kapısına. Hiromasa ve uşağı kapının altında durdu, yukarıdan bir lavta sesi duyuldu. "O bir insan değil," diye fısıldadı Hiromasa, "o bir iblis."
Sesini yükseltti, "Hey, Genjo'yu kim oynuyor! Tenno İmparatoru, kaybolduğundan beri aleti arıyor. Burada olduğunu biliyorum, ta saraydan beri seni takip ediyorum!"
Müzik durdu, yukarıdan bir şey düştü ve koridorda asılı kaldı. Hiromasa geri çekildi - onun bir iblis olduğunu düşündü. Ama Genjou'nun lavtası tepedeki bir ipten sarkıyordu.
İmparator, Genjo'nun dönüşünden çok memnundu, hazineyi çalıp sonra verenin iblis olduğundan kimsenin şüphesi yoktu. Hiromasa cömertçe ödüllendirildi.
Genjo hala içeride imparatorluk sarayı. Bu sadece bir lavta değil, kendi karakteri ile canlı bir şey. Beceriksiz bir müzisyen tarafından alınırsa ses çıkarmaz.
Bir gün sarayda yangın çıktı. Herkes kaçtı ve kimse Genjo'yu kurtarmayı düşünmedi. Ama gizemli bir şekilde, görünüşe göre kendini bulduğu sarayın önündeki çimenlikte bulundu!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

Müzik Aleti: Ud

Süpersonik hızlar ve nanoteknolojiler çağında, bazen gerçekten rahatlamak, tüm dünyevi yaygaralardan vazgeçmek ve kendinizi modern kargaşanın olmadığı başka bir dünyada, örneğin Rönesans'ın romantik çağında bulmak istersiniz. Şu anda bunun için bir zaman makinesi icat etmenize gerek yok, sadece Izmailovsky Kremlin'de veya Sheremetyevo Sarayı'nda bir yerde otantik müzik konserini ziyaret edin. Orada sadece zihinsel olarak geçmiş zamanlara taşınan güzel melodileri duymakla kalmayacak, aynı zamanda uzak atalarımızın birkaç yüzyıl önce müzik çaldığı ilginç müzik enstrümanlarıyla da tanışacaksınız. Erken dönem müziğe olan ilgi bugün artıyor, çağdaş sanatçılarçapraz flüt dahil geçmiş dönemlerin enstrümanlarında coşkuyla ustalaşın, viyola da gamba, tiz viyola, barok kontrbas viyola, klavsen ve kuşkusuz lavta ayrıcalıklı sınıfların bir çalgısıdır ve özel ilgiyi hak eder. Orta Çağ'daki Araplar haklı olarak onu müzik aletlerinin kraliçesi olarak adlandırdılar.

Ses

Ud aileye aittir telli çalgılar, sesinin doğası gereği biraz gitara benzer, ancak sesi çok daha yumuşak ve daha hassastır ve armonilerle daha doygun olduğu için tınısı kadifemsi ve titrektir. Lavtadaki sesin kaynağı, icracının sağ eliyle kopardığı ve sol eliyle perdelere bastırarak uzunluklarını değiştirerek perdeyi değiştiren çift ve tek tellerdir.

Çalgının müzik metni altı satırlık bir çizgi üzerine harfler kullanılarak yazılmış ve seslerin süresi harflerin üzerine yerleştirilen notalarla belirtilmiştir. Menzil enstrüman yaklaşık 3 oktav. Aracın belirli bir standart ayarı yoktur.

Fotoğraf:

İlginç gerçekler

• Birçok ulus için lavta görüntüsü, uyum, gençlik ve sevginin sembolü olarak hizmet etti. Çinliler arasında, aile ve toplumdaki tutarlılığın yanı sıra bilgelik anlamına geliyordu. Budistler için - tanrıların dünyasında uyum, Hıristiyanlar için - meleklerin elindeki bir ud, cennetin güzelliğini ve doğal güçlerin uzlaşmasını işaret ediyordu. Rönesans sanatında Müziği sembolize ediyordu ve kırık telli bir enstrüman anlaşmazlık ve uyumsuzluğu gösteriyordu.
• Lavta bir amblemdi - aşıkların sembolik bir görüntüsü.
• Rönesans'ta ud, resimlerde çok sık sergilendi, Orpheus ve Apollo bile o dönemin sanatçıları tarafından lirle değil, udla boyandı. Ve bu romantik enstrümanla bir kız ya da genç bir erkekten daha uyumlu bir kompozisyon hayal etmek imkansızdır.
• Bir zamanlar çok popüler olan lavta, seküler çevrenin, soyluların ve kraliyet ailesinin ayrıcalıklı bir enstrümanı olarak görülüyordu. Doğuda çalgıların sultanı olarak anılırdı ve Avrupa ülkelerinde org “tüm çalgıların kralı”, lavta ise “tüm kralların çalgısı” diye bir söz vardı.
• Büyük İngiliz şair ve oyun yazarı W. Shakespeare, eserlerinde uddan sık sık söz eder. Dinleyicileri kendinden geçmiş bir duruma getirme yeteneğine atfederek sesine hayran kaldı.
• En büyük İtalyan heykeltıraş, sanatçı, şair ve düşünür Michelangelo Buonarroti, ünlü ud sanatçısı Francesco da Milano'nun performansına hayran kalarak, müzikten ilahi bir şekilde ilham aldığını ve o dönemde tüm düşüncelerinin cennete döndüğünü söyledi.
• Lavta çalan kişiye lavtacı, çalgıları yapan ustaya da lavta denir.
• Bolognese ustalarının enstrümanları - ud L. Mahler ve G. Frey ile Venedik ve Padua'dan Tieffenbrucker ailesinin 17-18 yüzyıllarda yaratılan temsilcileri, bu standartlara göre astronomik paraya mal oldu.
• Lavta çalmayı öğrenmek o kadar da zor değildi, ancak doğal malzemelerden yapılmış birçok teli olan, ancak sıcaklık ve nemdeki değişiklikler nedeniyle akordu kötü tutulan bir enstrümanı akort etmek sorunluydu. Çok ünlü bir fıkra vardı: Bir lavtacı zamanın üçte ikisini enstrümanı akort ederek geçirir ve üçte birini akortsuz bir enstrümanda müzik çalar.

Tasarım

Lavtanın çok zarif bir tasarımı, bir peg bloğu ile biten bir gövde ve boyun içerir. Armut şekline sahip olan gövde, bir güverte ve rezonatör görevi gören bir gövde içerir.

• Gövde, yarım küre şeklinde kavisli, sert ağaçtan yapılmış segmentlerden yapılmıştır: abanoz, gül ağacı, kiraz veya akçaağaç.
• Güverte, gövdeyi örten gövdenin ön kısmıdır. Düz, oval şekillidir ve genellikle rezonatör ladininden yapılır. Alt kısımda güverte üzerinde bir ayaklık, ortada ise zarif girift desen veya güzel bir çiçek şeklinde bir ses deliği bulunmaktadır.

Nispeten geniş fakat kısa bir lavta boynu, ses tablası ile aynı seviyede gövdeye takılır. Üzerine abanoz bir kaplama yapıştırılır ve katgüt perde sınırlayıcıları da bağlanır. Boynun üst kısmında tellerin gerginliğini kontrol eden bir somun bulunur.

Üzerinde tel gerginliğini ayarlayan pimlerin bulunduğu ud bloğunun da kendine özgü bir özelliği vardır. Bloğun, boynun boynuna göre oldukça geniş, neredeyse dik bir açıyla yerleştirilmiş olması gerçeğinde yatmaktadır.

Farklı lutlardaki eşleştirilmiş tellerin sayısı büyük ölçüde değişir: 5 ila 16 ve bazen 24.

Ağırlık alet çok küçük ve yaklaşık 400 gr., uzunluk alet - yaklaşık 80 cm.

Çeşitler

Bir zamanlar çok popüler olan ud, çok yoğun bir şekilde gelişti. Müzik Ustalarışekli, tel sayısı ve akordu ile sürekli deneyler yaptı. Sonuç olarak, oldukça önemli sayıda enstrüman çeşidi ortaya çıktı. Örneğin, Rönesans lavtaları, farklı sayıda çift telli enstrümanlar - korolar dahil olmak üzere geleneksel enstrümanlara ek olarak, insan sesinin kayıtlarına benzer çeşitli boyutlarda türlere sahipti: küçük oktav, küçük tiz, tiz, alto, tenor, bas ve oktav bas. Ayrıca ud ailesi barok lavta, al-ud, archilute, torban, kobza, theorba, kittaron, kanun, bandora, cantabile ud, orfarion, travelvogel ud, mandora, mandola'yı içerir.

Başvuru

Sanat tarihçileri, lavtayı yalnızca en ilginç enstrümanlardan biri olarak değil, aynı zamanda 16. ve 17. yüzyıl Avrupa müziği tarihinde temelde önemli bir enstrüman olarak görüyorlar. Halktan kraliyet ailesine kadar çeşitli yaşam kesimlerinin temsilcileri tarafından kabul gördü ve eşlik eden, solo ve topluluk enstrümanı olarak kullanıldı. Lavtanın hızla artan popülaritesi, sürekli olarak repertuarın yenilenmesini ve güncellenmesini gerektirdi. Çoğu zaman, eserlerin bestecileri aynı zamanda icracıydı, bu nedenle Avrupa ülkelerinde harika ud bestecilerinden oluşan bir galaksi ortaya çıktı. İtalya'da - F. Spinachino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. İspanya'da - L. Milan, M. Fuenlyana. Almanya'da - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. İngiltere'de - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. Polonya'da - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. Fransa'da - E. Gauthier, D. Gauthier, F. Dufau, R. Wiese. Şunu da belirtmek gerekir ki, bizim gibi büyük ustalar bile DIR-DİR. bekâr, A.Vivaldi, G.Handel, J Haydn lavtaya önem vermiş, eserleriyle repertuarını zenginleştirmiştir.

Şu anda erken dönem müziğe ve aynı zamanda ud'a olan ilgi azalmıyor. Sesi sahnelerde giderek daha fazla duyuluyor konser salonları. Bugün enstrüman için beste yapan çağdaş besteciler arasında birçok ilginç işler not edilmelidir I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. McFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonareva.

Önemli sanatçılar

Rönesans ve Barok'ta alışılmadık derecede moda olan, ancak diğer enstrümanların yerini aldığı ve haksız yere unutulan lavta, bugün yine büyük ilgi uyandırıyor ve sadece gerçek müzisyenler arasında değil. Sesi artık çeşitli konser mekanlarında sadece solo olarak değil, aynı zamanda diğer güzel antik müzik enstrümanlarıyla bir toplulukta da giderek daha sık duyulabiliyor. 21. yüzyılda enstrümanı popülerleştirmek için çok şey yapan en ünlü virtüöz sanatçılar V. Kaminik (Rusya), P. O "Dett (ABD), O. Timofeev (Rusya), A. Krylov (Rusya, Kanada)'dır. , A Suetin (Rusya), B. Yan (Çin), J. Imamura (Japonya), R. Lislevand (Norveç), E. Karamazov (Hırvatistan), J. Held (Almanya), L. Kirchhoff (Almanya), E Eguez (Arjantin), H. Smith (ABD), J. Lindbergh (İsveç), R. Barto (ABD), M. Lowe (İngiltere), N. North (İngiltere), J. van Lennep (Hollanda) ve birçok diğerleri

Hikaye

Lavta görünümünün tüm tarihi, hangi Doğu ülkeleri en gelişmiş enstrümanlardan biri olarak kabul edildi, izini sürmek imkansız. Bu tür araçlar dört bin yıl önce dünyanın birçok ülkesinde zaten yaygındı. Mısır, Mezopotamya, Çin, Hindistan, İran, Asur, Antik Yunan ve Roma'da oynanmışlardır. Ancak sanat bilginleri, udun Peygamber'in torununun yaratılışının bir sonucu olduğunu iddia ederek, Orta Doğu'da hâlâ özel bir saygıyla muamele gören bir enstrüman olan udun bir öncülü olduğunu öne sürüyorlar. Ud, ceviz veya armut ağacından armut biçimli bir gövdeye, çam ses tablasına, kısa boyuna ve geriye kıvrık bir başa sahipti. Ses bir mızrapla çıkarıldı.

Avrupa'nın ud tarafından fethi, Moors'un İber Yarımadası'nı fethetmesinden sonra 8. yüzyılda İspanya ve Katalonya'dan başladı. Araç yalnızca bu ülkelerin kültürlerine çok hızlı bir şekilde katılmakla kalmadı, aynı zamanda haçlı seferleri, diğer ülkelere hızla yayılmaya başladı. Avrupa ülkeleri: İtalya. Fransa, Almanya, sarnıç ve pandura gibi o dönemde var olan diğer enstrümanların yerini aldı. Popülerlik kazanan ud, sürekli olarak çeşitli iyileştirmelere tabi tutuldu. Ustalar enstrümanın tasarımında değişiklikler yapmış, gövde ve boyunu modifiye etmiş, teller eklemiştir. Başlangıçta 4-5 eşleştirilmiş yaylı korosu varsa, daha sonra sayı kademeli olarak arttı. 14. yüzyıla gelindiğinde, Avrupa'da ud yalnızca tam olarak oluşmakla kalmadı, aynı zamanda yalnızca sarayda değil, aynı zamanda evde müzik yapımında da en popüler enstrümanlardan biri haline geldi. Sadece eşlik olarak değil, solo enstrüman olarak da kullanılmıştır. Lavta için pek çok farklı müzik bestelediler, sadece popüler şarkı ve dansların değil, aynı zamanda kutsal müziğin de transkripsiyonlarını yaptılar. 15. yüzyılda enstrümanın popülaritesi daha da arttı, ressamlar onu sanat tuvallerinde sıklıkla tasvir ettiler. Besteciler repertuarı yoğun bir şekilde zenginleştirmeye devam ediyor. Sanatçılar, teknik olanakları önemli ölçüde genişleten, hem armonik eşlik hem de polifonik müziğin icrasına izin veren parmak çıkarma yöntemini tercih ederek mızraptan vazgeçerler. Lutlar gelişmeye devam etti ve altı çift telli enstrümanlar en çok aranan enstrümanlar oldu.

16. yüzyılda udun popülaritesi zirveye ulaştı. Hem profesyonel müzisyenlere hem de amatörlere hakim oldu. Enstrüman, kralların saraylarında ve en yüksek soyluların yanı sıra sıradan vatandaşların evlerinde geliyordu. Solo ve topluluk eserleri seslendirdi, vokalistlere ve korolara eşlik etti ve ayrıca onları orkestralarla tanıştırdı. İÇİNDE Farklı ülkeler ud enstrümanlarının üretimi için okullar oluşturuldu, bunların en ünlüsü İtalya'nın Bologna şehrindeydi. Aletler sürekli olarak değiştirildi, eşleştirilmiş tellerin sayısı arttı: önce on, sonra on dört ve daha sonra sayıları 36'ya ulaştı, bu da buna göre aletin tasarımında değişiklikler gerektirdi. Lavtanın pek çok çeşidi vardı, aralarında indirimden basa kadar insan sesinin tessitura'sına karşılık gelen yedi tane vardı.

17. yüzyılın sonunda, udun popülaritesi gözle görülür şekilde azalmaya başladı, çünkü yerini yavaş yavaş şu tür enstrümanlar aldı: gitar, klavsen ve daha sonra piyano. 18. yüzyılda, İsveç, Ukrayna ve Almanya'da var olan birkaç çeşit dışında, aslında artık kullanılmıyordu. Ve sadece 19. ve 20. yüzyılın başında, yenilenen ilgi nedeniyle antik aletler Enstrüman ustası, profesyonel müzisyen ve müzikolog Arnold Dolmich liderliğindeki İngiliz meraklıları, lavtaya olan ilgilerini yeniden büyük ölçüde artırdı.

Lavta, bir zamanlar kullanım dışı bırakılan ve haksız yere unutulan, güzel ve yumuşak bir sese sahip eski ve zarif bir müzik aletidir. Zaman geçti, müzisyenler onu hatırladılar, ilgilenmeye başladılar ve sofistike bir sesle dinleyicileri fethetmek için onu tekrar konser sahnesine getirdiler. Bugün ud, hem solo hem de topluluk enstrümanı olarak performans sergileyen otantik müzik konserlerine sıklıkla katılıyor.

Video: lavtayı dinle

Dutar. Du - iki. Tar - dize. Dövme perdeleri ve iki damar teli olan bir enstrüman. Ne kadar az telli çalmanın o kadar kolay olduğunu düşünüyor musunuz?

O zaman en iyi dutar icracılarından biri olan Çin'in Sincan kentinden bir Uygur olan Abdurahim Khait'i dinleyin.
Bir de Türkmen dutarı var. Türkmen dutarının telleri ve perdeleri metaldir, gövdesi tek bir tahta parçasından oyulmuştur, sesi çok parlak, gürdür. Türkmen dutarı son üç yıldır en sevdiğim enstrümanlardan biri oldu ve fotoğrafta görülen dutar yakın zamanda bana Taşkent'ten getirildi. İnanılmaz araç!

Azerice saz. Dokuz tel, her biri uyum içinde akort edilen üç gruba ayrılmıştır. Türkiye'de buna benzer bir enstrümana bağlama denir.

Bu enstrümanın bir ustanın elinde nasıl ses çıkardığını mutlaka dinleyin. Vaktiniz azsa en azından 2:30'dan itibaren izleyin.
Saz ve bağlamadan Yunan enstrümanı buzuki ve onun İrlanda versiyonu geldi.

Ud veya al-ud, bu çalgıya Arapça dersen. Avrupa udunun adı bu enstrümanın Arapça adından kaynaklanmaktadır. Al-ud - ud, ud - duyuyor musun? Her zamanki udun perdesi yoktur - koleksiyonumdan bu örnekteki perdeler benim inisiyatifimle ortaya çıktı.

Faslı bir ustanın nasıl ud çaldığını dinleyin.

Basit bir rezonatör gövdesi ve küçük bir deri zarı olan iki telli Çin erhu kemanından, Kafkasya ve Türkiye'de kemençe olarak adlandırılan Orta Asya gidjak kökenlidir.

İmamyar Khasanov kemençeyi çalarken nasıl ses çıkardığını dinleyin.

Rubabın beş teli vardır. İlk dördü iki katına çıkar, her bir çift uyum içinde akort edilir ve bas teli birdir. Uzun boyun, neredeyse iki oktavlık kromatik skalaya uygun perdelere ve deri zarlı küçük bir rezonatöre sahiptir. Saptan çalgıya doğru gelen aşağı doğru kıvrık boynuzlar sizce ne anlama geliyor? Şekli size bir koyun kafasını hatırlatıyor mu? Ama tamam form - ne ses! Bu enstrümanın sesini duymalıydınız! Masif boynuyla bile titriyor ve titriyor, sesiyle etrafındaki tüm boşluğu dolduruyor.

Kaşgar rubabının sesini dinleyin. Ama dürüst olmak gerekirse rubabım daha iyi geliyor.

İran katranı, tek bir tahta parçasından yapılmış çift oyulmuş bir gövdeye ve ince balık derisinden yapılmış bir zara sahiptir. Altı eşleştirilmiş tel: iki çelik tel, ardından çelik ve ince bakırın bir kombinasyonu ve sonraki çift bir oktava ayarlanmıştır - kalın bir bakır tel, ince çeliğin bir oktav altına akortlanmıştır. İran katranı, damarlardan oluşan zorlayıcı perdelere sahiptir.

İran katranının nasıl ses çıkardığını dinleyin.
İran tarı, çeşitli enstrümanların atasıdır. Bunlardan biri bir Hint setarıdır (se - üç, tar - string) ve diğer ikisinden aşağıda bahsedeceğim.

Azerbaycan tarının altı değil on bir teli vardır. Altı tanesi İran tarı ile aynı, ek bir bas teli ve çalındığında yankılanan, sese ekolar ekleyen ve sesin daha uzun süre dayanmasını sağlayan dört çalınmamış tel. Tar ve kemençe belki de Azerbaycan müziğinin iki ana enstrümanıdır.

10:30'dan veya en az 13:50'den başlayarak birkaç dakika dinleyin. Hiç böyle bir şey duymadınız ve bu enstrümanda böyle bir performansın mümkün olduğunu hayal bile edemezsiniz. Bu, İmamyar Khasanov - Rufat'ın kardeşi tarafından oynanır.

Tarın modern Avrupa gitarının atası olduğuna dair bir hipotez var.

Geçenlerde elektrikli kazandan bahsettiğimde beni kınadılar - ruhu kazandan çıkarıyorum diyorlar. Muhtemelen, 90 yıl önce bir akustik gitara bir manyetik koymayı tahmin eden bir kişiye de yaklaşık aynı şey söylendi. Yaklaşık otuz yıl sonra, elektro gitarların en iyi örnekleri yaratıldı ve bugüne kadar standart olarak kaldı. Bugün. On yıl sonra, Beatles ortaya çıktı, Yuvarlanan taşlar ardından Pink Floyd.
Ve tüm bu gelişmeler akustik gitar üreticilerini ve klasik gitaristleri engellemedi.

Ancak müzik aletleri her zaman doğudan batıya yayılmadı. Örneğin, akordeon, 19. yüzyılda ilk Alman yerleşimcilerin Azerbaycan'a gelmesiyle Azerbaycan'da son derece popüler bir enstrüman haline geldi.

Akordeonum, Aftandil Israfilov için enstrümanlar yapan aynı usta tarafından yapıldı. Bu enstrümanın nasıl ses çıkardığını duyun.

Oryantal müzik aletlerinin dünyası geniş ve çeşitlidir. Tamamlanmaktan çok uzak olan koleksiyonumun bir parçasını bile size göstermedim. Ama size iki enstrümandan daha bahsetmeliyim.
Başında çan olan lüleye zurna denir. Altındaki çalgıya da duduk veya balaban denir.

Kafkasya, Türkiye ve İran'da kutlamalar ve düğünler zurna sesleriyle başlar.

Benzer bir enstrüman Özbekistan'da böyle görünüyor.

Özbekistan ve Tacikistan'da zurnaya surnay denir. İÇİNDE Orta Asya ve İran'da, başka bir enstrümanın, karnayın kalıcı sesleri, surne ve tef seslerine zorunlu olarak eklenir. Karnay-surnay, tatilin başlangıcını ifade eden sabit bir ifadedir.

İlginç bir şekilde, Karpatlar'da karnay ile ilgili bir enstrüman var ve adı birçok kişiye tanıdık geliyor - trembita.

Fotoğrafımda gösterilen ikinci borunun adı ise balaban veya duduk. Türkiye ve İran'da bu çalgıya mey de denir.

Alihan Samedov'un balabanı nasıl çaldığını dinleyin.

Balaban'a döneceğiz ama şimdilik Pekin'de gördüklerimden bahsetmek istiyorum.
Anladığınız kadarıyla müzik aletleri topluyorum. Ve Pekin gezim sırasında boş bir an bulur bulmaz hemen müzik aleti dükkanına gittim. Bu mağazada kendime ne aldım, sana başka zaman anlatacağım. Ve şimdi satın almadım ve çok pişmanım.
Pencerede, tamı tamına bir zurnayı andıran, zilli bir boru vardı.
- Nasıl denir? Tercüman aracılığıyla sordum.
- Sona, - bana cevap verdiler.
- "Sorna - surnay - zurna"ya ne kadar benzer - Yüksek sesle düşündüm. Ve tercüman tahminimi doğruladı:
- Çinliler bir kelimenin ortasında r harfini telaffuz etmezler.

Çin zurna çeşidi hakkında daha fazla bilgi edinebilirsiniz.
Ama bilirsin zurna ve balaban el ele gider. Tasarımlarının pek çok ortak noktası var - belki de bu yüzden. Ve sen ne düşünüyorsun? Sona enstrümanının yanında başka bir enstrüman vardı - guan veya guanji. İşte neye benzediği:

İşte göründüğü gibi. Beyler, yoldaşlar, beyler ama bu duduk!
Ve oraya ne zaman geldi? sekizinci yüzyılda. Bu nedenle Çin'den geldiği varsayılabilir - zamanlama ve coğrafya çakışıyor.
Şimdiye kadar sadece bu aracın Sincan'dan doğuya yayıldığı belgelendi. Peki, modern Sincan'da bu enstrümanı nasıl çalıyorlar?

18. saniyeden itibaren izleyin ve dinleyin! Uygur balamanın ne kadar lüks bir sese sahip olduğunu bir dinleyin - evet, burada Azerbaycan dilinde olduğu gibi tam olarak aynı şekilde adlandırılıyor (adın böyle bir telaffuzu var).

Ve hadi yiyelim Ek Bilgiler bağımsız kaynaklarda, örneğin İran ansiklopedisinde:
BALABAN
Ç. ALBRIGHT
doğu Azerbaycan'da İran'da ve Azerbaycan Cumhuriyeti'nde çalınan, yaklaşık 35 cm uzunluğunda, yedi parmak deliği ve bir başparmak deliği olan, silindirik delikli, çift kamışlı bir nefesli çalgı.

Yoksa Iranika Azerbaycanlılara sempati mi duyuyor? Peki, TSB de duduk kelimesinin Türkçe kökenli olduğunu söylüyor.
Azerbaycanlılar ve Özbekler derleyicilere rüşvet mi verdi?
Pekala, Bulgarların Türklere sempati duyduğundan kesinlikle şüphelenmeyeceksiniz!
duduk kelimesi için çok ciddi bir Bulgar sitesinde:
duduk, duduk; duduk, dudyuk (Türk düdük'ten), squeaker, svorche, glasnik, ek - Naroden darven, aerofonit tipi, yarı kapanan borulardan oluşan bir müzik aletidir.
Yine kelimenin Türkçe kökenine işaret ederler ve halk çalgısı olarak adlandırırlar.
Bu araç, ortaya çıktığı gibi, esas olarak Türk halkları arasında veya Türklerle teması olan halklar arasında yaygındır. Ve her millet makul bir şekilde onu kendi millisi olarak kabul eder, ulusal enstrüman. Ancak yaratılışından yalnızca biri övgü alır.

Ne de olsa, sadece tembeller "duduk eski bir ermeni enstrümanı". Aynı zamanda duduk'un üç bin yıl önce - yani kanıtlanamaz bir geçmişte yaratıldığını ima ediyorlar. Ancak gerçekler ve temel mantık bunun böyle olmadığını gösteriyor.

Bu makalenin başına dönün ve müzik aletlerine bir kez daha bakın. Bu enstrümanların neredeyse tamamı Ermenistan'da da çalınmaktadır. Ancak tüm bu enstrümanların, aralarında Ermenilerin de yaşadığı, açık ve anlaşılır bir tarihe sahip çok daha fazla sayıda halk arasında ortaya çıktığı oldukça açıktır. Kendi devletleri ve imparatorlukları ile diğer halklar arasında dağılmış halde yaşayan küçük bir insan düşünün. Böyle bir insan, bütün bir orkestra için eksiksiz bir müzik aleti seti mi yaratır?
Açıkçası ben de düşündüm: "Tamam, bunlar büyük ve karmaşık enstrümanlar, onları bir kenara bırakalım. Ama en azından Ermeniler bir boru bulabildi mi?" Ve hayır, yapmadıkları ortaya çıktı. Eğer bulurlarsa, bu borunun tamamen Ermenice bir adı olurdu ve şiirsel ve mecazi tsiranopokh (kayısı ağacının ruhu) değil, daha basit, daha popüler, tek köklü veya tamamen onomatopoeik bir şey olurdu. Şimdiye kadar tüm kaynaklar bu müzik aletinin adının Türk etimolojisine işaret etmektedir ve dağıtım coğrafyası ve tarihleri ​​duduk'un dağıtımına Orta Asya'dan başladığını göstermektedir.
Pekala, bir varsayım daha yapalım ve duduk'un Sincan'a eski Ermenistan'dan geldiğini söyleyelim. Ama nasıl? Onu oraya kim getirdi? İlk bin yılın başında Kafkasya'dan Orta Asya'ya hangi halklar göç etti? Böyle bir millet yok! Ancak Türkler sürekli olarak Orta Asya'dan batıya doğru ilerliyorlardı. Belgelerin de belirttiği gibi, bu aracı Kafkasya'da ve modern Türkiye topraklarında ve hatta Bulgaristan'da pekala yayabilirlerdi.

Duduk'un Ermeni kökenli olduğu versiyonunun savunucuları arasında bir argüman daha öngörüyorum. Mesela gerçek bir duduk, Latince'de Prúnus armeniáca olarak adlandırılan kayısı ağacından yapılır. Ancak, öncelikle Orta Asya'daki kayısılar Kafkasya'dakinden daha az yaygın değildir. Latince adı, bu ağacın tüm dünyaya yayıldığı bölgeden yayıldığını göstermez. coğrafi ad Ermenistan. Oradan Avrupa'ya girdi ve botanikçiler tarafından yaklaşık üç yüz yıl önce tanımlandı. Aksine kayısının bir kısmı Çin'de, bir kısmı Orta Asya'da bulunan Tien Shan'dan yayıldığı bir versiyon var. İkincisi, çok yetenekli insanların deneyimleri, bu enstrümanın bambudan bile yapılabileceğini gösteriyor. Ve en sevdiğim balaban duttan yapılır ve sesi bende de olan ve sadece Ermenistan'da yapılan kayısı balabandan çok daha iyidir.

Bu enstrümanı çalmayı birkaç yıl içinde nasıl öğrendiğimi dinleyin. Kayıtta yer aldı Ulusal sanatçı Türkmen Gasan Mammadov (keman) ve Ukrayna Halk Sanatçısı, Ferganalı hemşehrim Enver Izmailov (gitar).

Tüm bunlarla birlikte, büyük Ermeni duduk icracısı Jivan Gasparyan'ı saygıyla anmak istiyorum. Duduk'u dünya çapında tanınan bir enstrüman yapan bu adamdı, çalışmaları sayesinde Ermenistan'da harika bir duduk çalma okulu ortaya çıktı.
Ama konuşmak Ermeni duduk" yalnızca Ermenistan'da yapılmışsa belirli enstrümanlar veya J. Gasparyan sayesinde ortaya çıkan müzik türü hakkında geçerlidir. Belirtin Ermeni kökenli duduk, yalnızca asılsız iddialara izin veren kişiler olabilir.

Duduk'un ortaya çıkışının tam yerini veya tam zamanını kendim belirtmediğimi lütfen unutmayın. Muhtemelen, duduk'un prototipini kurmak zaten imkansızdır ve yaşayan halkların herhangi birinden daha eskidir. Ama duduk'un yayılmasıyla ilgili hipotezimi gerçeklere ve temel mantığa dayanarak inşa ediyorum. Biri bana itiraz etmek isterse, o zaman şimdiden sormak istiyorum: lütfen, hipotez oluştururken, aynı şekilde, bağımsız kaynaklardan kanıtlanabilir ve doğrulanmış gerçeklere güvenin, mantıktan çekinmeyin ve başka bir anlaşılır açıklama bulmaya çalışın. Listelenen gerçekler için.