Живопис відродження. Великі художники епохи Відродження Художники епохи відродження 12 16 століття

Безперечним досягненням епохи Відродження стала геометрично правильна конструкція картини. Художник вибудовував зображення з допомогою розроблених їм прийомів. Головне для художників на той час було дотриматися пропорції об'єктів. Навіть природа підпадала під математичні прийоми обчислення пропорційності зображення коїться з іншими об'єктами на картині.

Іншими словами, художники в епоху Ренесансу прагнули передати точне зображення, наприклад людини на тлі природи. Якщо порівнювати із сучасними прийомами відтворення на якомусь полотні баченого образу, то, швидше за все, фотографія з подальшим коригуванням допоможе зрозуміти, чого прагнули художники Ренесансу.

Живописці епохи Відродження вважали, що вони мали право виправляти недоробки природи, тобто якщо людина мала некрасиві риси обличчя, художники виправляли їх таким чином, що обличчя ставало милим і привабливим.

Леонардо Да Вінчі

Епоха Відродження стала такою завдяки багатьом творчим особистостям, які жили на той час. Відомий на весь світ Леонардо да Вінчі (1452 - 1519) створив величезну кількість шедеврів, вартість яких обчислюються в мільйони доларів, а поціновувачі його мистецтва готові споглядати його картини протягом тривалого часу.

Починав своє навчання Леонардо у Флоренції. Перше його полотно, написане близько 1478 - "Мадонна Бенуа". Далі були такі твори як «Мадонна в гроті», «Мона Ліза», згадана вище «Таємна вечеря» та ще безліч інших шедеврів, написані рукою титану епохи Ренесансу.

Суворість геометричних пропорцій і точне відтворення анатомічного будови людини – ось чим характерний живопис Леонарда да Вінчі. На його переконання мистецтво зображати на полотні ті чи інші образи є наукою, а чи не просто якимось захопленням.

Рафаель Санті

Рафаель Санті (1483 – 1520) відомий у світі мистецтва як Рафаель створював свої твори в Італії. Його картини пройняті ліризмом та витонченістю. Рафаель – це представник епохи Ренесансу, який зображував людину та її буття на землі, любив розписувати стіни соборів Ватикану.

Картини зраджували єдність фігур, пропорційні відповідності простору та образів, милозвучність колориту. Чистота Богородиці стала основою для багатьох картин Рафаеля. Його найперше зображення Богоматері – це Сикстинська мадонна, написана відомим художником ще в 1513 році. Портрети, створені Рафаелем, відбивали ідеальний людський образ.

Сандро Боттічеллі

Сандро Боттічеллі (1445 – 1510) також є художником епохи Ренесансу. Однією з перших його робіт була картина «Поклоніння волхвів». Тонка поетичність і мрійливість були його початковими манерами у сфері передачі художніх образів.

На початку 80-х років XV ст. великий художникрозписував стіни Ватиканської капели. Фрески, зроблені його рукою, вражають і досі.

Згодом його картинам притаманні спокій будов античності, жвавість зображених персонажів, гармонійність образів. Крім того, відоме захоплення Боттічеллі малюнками до відомих літературних творів, які також додали лише слави до його творчості.

Мікеланджело Буонаротті

Мікеланджело Буонаротті (1475 – 1564) – італійський художник, який також творив за доби Відродження. Чим тільки не займалася це відома багатьом з нас людина. І скульптурою, і живописом, і архітектурою, а також і поезією. Мікеланджело, як і Рафаель та Боттічеллі, займався розписом стін храмів Ватикану. Адже тільки найталановитіші художники тих часів залучалися до такої відповідальної роботи, як нанесення зображень на стіни католицьких соборів. Понад 600 квадратних метрів Сикстинської капели йому довелося покрити фресками із зображеннями різних біблійних сюжетів. Найвідоміший твір у подібному стилі відомий нам як «Страшний суд». Сенс біблійного сюжету виражений повно та ясно. Така точність передачі образів характерна для всієї творчості Мікеланджело.

Епоха Високого Відродження(кінець XV – перша чверть XVI ст.) – час досконалості та свободи. Як і інші види мистецтва цієї епохи, живопис відзначений глибокою вірою в людину, у її творчі сили та міць її розуму. У картинах майстрів Високого Відродження панують ідеали краси, гуманізму та гармонії, людина в них – основа світобудови.

Живописці цього часу легко використовують усі засоби зображення: колорит, збагачений повітрям, світлом і тінню, і малюнок, вільний і гострий; вони чудово володіють перспективою та обсягами. Дихають і рухаються люди на полотнах художників, глибоко емоційними видаються їхні почуття та переживання.

Ця епоха дала світові чотирьох геніїв - Леонардо да Вінчі, Рафаеля, Мікеланджело, Тіціана. У їхньому живописі риси Високого Відродження - ідеальність і гармонія, поєднавшись із глибиною і життєвістю образів, - виявилися найбільш яскраво.

Леонардо Да Вінчі

15 квітня 1452 р. у невеликому італійському містечку Вінчі, що розташувався неподалік Флоренції, у нотаріуса П'єро да Вінчі народився позашлюбний син. Назвали його Леонардо ді сер П'єро д'Антоніо. Мати хлопчика, якась Катерина, трохи згодом вийшла заміж за селянина. Батько не відмовився від незаконнонародженого малюка, взяв його на виховання та дав хорошу освіту. Через рік після смерті діда Леонардо, Антоніо, в 1469 нотаріус їде з родиною до Флоренції.

Вже з ранніх років у Леонардо прокидається пристрасть до малювання. Помітивши це, батько віддає хлопчика навчання до одного з найвідоміших на той час майстрів скульптури, живопису та ювелірної справи Андреа Верроккьо (1435-1488). Слава майстерні Верроккьо була надзвичайно велика. Від знатних мешканців міста постійно надходило безліч замовлень на виконання картин та скульптур. Андреа Верроккьо не випадково мав великий авторитет у своїх учнів. Сучасники вважали його найталановитішим продовжувачем ідей флорентійського Ренесансу у живописі та скульптурі.

Новаторство Верроккьо як художника пов'язане насамперед із переосмисленням образу, що набуває у живописця натуралістичних рис. З майстерні Верроккьо донині дійшло дуже мало творів. Дослідники вважають: знамените «Хрещення Христа» було створено саме у цій майстерні. Крім того, встановлено, що краєвид на задньому плані картини та ангели у лівій її частині належать пензлю Леонардо.

Вже в цій ранній роботі виявилася творча індивідуальність та зрілість майбутнього знаменитого художника. Пейзаж, написаний рукою Леонардо, помітно відрізняється від картин природи пензля самого Верроккьо. Належний молодому художнику, він ніби оповитий легким серпанком і символізує собою безмежність і нескінченність простору.

Образи, створені Леонардо, також самобутні. Глибоке знання анатомії людського тіла, і навіть його душі дозволило художнику створити надзвичайно виразні образи ангелів. Майстерне володіння грою світла та тіні допомогло художнику зобразити живі, динамічні постаті. Складається враження, ніби ангели лише застигли на якийсь час. Мине ще кілька хвилин - і вони оживуть, рухатимуться, розмовлятимуть...

Мистецтвознавці та біографи да Вінчі стверджують, що до 1472 Леонардо залишає майстерню Верроккьо і стає майстром в цеху живописців. З 1480 він звертається до скульптури, що була, на думку Леонардо, найпростішим способом вираження динаміки рухів людського тіла. З цього часу він працює в академії мистецтв - так тоді називали майстерню, що знаходиться в саду на площі Сан-Марко, створену з ініціативи Лоренцо Чудового.

У 1480 р. Леонардо отримує від церкви Сан-Донато Скопето замовлення художню композицію «Поклоніння волхвів».

У Флоренції Леонардо прожив недовго. У 1482 р. він їде до Мілана. Ймовірно, на це рішення дуже вплинула та обставина, що художника не було запрошено до Риму для роботи над розписом Сикстинської капели. Так чи інакше, незабаром майстер з'явився перед герцогом знаменитого італійського міста Людовіко Сфорца. Міланці привітно зустріли Леонардо. Він оселився і тривалий час прожив у кварталі Порту Тічінезе. А вже наступного, 1483 року, він пише вівтарний образ, замовлений для капели Іммаколата в церкві Сан-Франческо Гранде. Цей шедевр став пізніше відомий під назвою «Мадонна у скелях».

Приблизно в цей час Леонардо працює над створенням пам'ятника з бронзи для Франческо Сфорца. Однак ні начерки, ні пробні ескізи та виливки не змогли висловити задуму художника. Робота так і залишилася незакінченою.

У період з 1489 по 1490 р. Леонардо да Вінчі до дня одруження Джана Галеаццо Сфорца розписує Кастелло Сфорцеско.

Майже весь 1494 р. Леонардо да Вінчі присвячує новому собі заняття - гідравліці. З ініціативи того ж Сфорца Леонардо розробляє та здійснює проект із осушення території Ломбардської рівнини. Проте вже 1495 р. найбільший майстер образотворчого мистецтва повертається до живопису. Саме цей рік стає початковим етапом в історії створення знаменитої фрески «Таємна вечеря», яка прикрасила стіни трапезної кімнати монастиря, розташованого біля церкви Санта-Марія делле Граціє.

У 1496 р. у зв'язку із вторгненням у Міланське герцогство французького короля Людовіка XII Леонардо залишає місто. Він переїжджає спочатку до Мантуї, а потім поселяється у Венеції.

З 1503 художник живе у Флоренції і разом з Мікеланджело працює над розписом Залу Великої Ради в Палаццо Синьорії. Леонардо мав зобразити «Битву при Ангіарі». Проте майстер, який постійно перебуває у творчому пошуку, часто кидає розпочату роботу. Так трапилося і з «Битвою при Ангіарі» – фреска залишилася недописаною. Мистецтвознавці припускають, що саме тоді і було створено знамениту «Джоконду».

З 1506 по 1507 р. Леонардо знову живе у Мілані. З 1512 там править герцог Максиміліан Сфорца. 24 вересня 1512 р. Леонардо вирішує виїхати з Мілана і оселитися зі своїми учнями у Римі. Тут не тільки займається живописом, а й звертається до вивчення математики та інших наук.

Отримавши травні 1513 р. запрошення від французького короля Франциска I, Леонардо да Вінчі переїжджає в Амбуаз. Тут він живе до самої смерті: пише картини, займається художнім оформленням свят, веде роботи із практичного застосування проектів, спрямованих на використання річок Франції.

2 травня 1519 р. великий художник вмирає. Леонардо да Вінчі похований у амбуазській церкві Сан-Фьорентіно. Однак у період розпалу релігійних воєн (XVI ст.) могила художника була зруйнована та повністю знищена. Його шедеври, які вважалися вершиною образотворчого мистецтва XV-XVI ст., є такими і донині.

Серед полотен да Вінчі особливе місце займає фреска «Таємна вечеря». Історія знаменитої фрески цікава та дивовижна. Її створення належить до 1495-1497 років. Вона була написана на замовлення ченців домініканського ордену, які побажали прикрасити живописом стіни трапезної у своєму монастирі, розташованому біля церкви Санта-Марія делле Граціє в Мілані. На фресці було відображено досить відомий євангельський сюжет: остання трапеза Ісуса Христа з дванадцятьма його апостолами.

Цей шедевр визнано вершиною усієї творчості художника. Створені майстром образи Христа та апостолів надзвичайно яскраві, виразні, живі. Незважаючи на конкретність, реальність зображеної ситуації, зміст фрески виявляється наповненим глибоким філософським змістом. Тут отримала втілення вічна тема конфлікту добра і зла, благодушності та душевної черствості, правди та брехні. Виведені образи - це сукупність індивідуальних рис характеру (кожна окрема людина у всьому різноманітті його темпераменту), а й своєрідне психологічне узагальнення.

Картина дуже динамічна. Глядачі реально відчувають хвилювання, що охопило всіх присутніх на трапезі після сказаних Христом пророчих слів про майбутню зраду, яку має здійснити один із апостолів. Полотно виявляється своєрідною енциклопедією найтонших відтінків людських емоцій та настроїв.

Леонардо да Вінчі закінчив роботу на подив швидко: лише через два роки картина була повністю завершена. Однак ченцям вона не сподобалася: надто відрізнялася манера її виконання від прийнятого раніше стилю мальовничого письма. Новаторство майстра полягало не тільки і не стільки у використанні фарб нового складу. Особливу увагу приковує себе спосіб зображення перспективи у картині. Виконана в особливій техніці, фреска хіба що розширює і збільшує реальне простір. Складається враження, ніби стіни кімнати, зображеної на картині, є продовженням стін трапезного монастиря.

Ченці не оцінили і не зрозуміли творчого задуму та здобутків художника, тому вони не надто дбали про збереження картини. Вже через два роки після написання фрески фарби її почали псуватися і потьмяніли, поверхня стіни з нанесеним на неї зображенням здавалася задернутою найтоншою матерією. Сталося це, з одного боку, через погану якість нових фарб, а з іншого - внаслідок постійного впливу вогкості, холодного повітря та пари, що проникав із кухні монастиря. Зовнішній вигляд картини був остаточно зіпсований тоді, коли ченці вирішили прорубати додатковий вхід до трапезної саме у стіні з фрескою. В результаті картина виявилася обрубаною в нижній частині.

Спроби відреставрувати шедевр проводилися з 13 століття. Однак усі вони виявилися марними, фарба продовжує руйнуватися. Причиною цього є погіршення екологічної ситуації. Як фреска позначається підвищена концентрація вихлопних газів у повітрі, а також летких речовин, що викидаються в атмосферу фабриками і заводами.

Зараз можна говорити навіть про те, що ранні роботи з реставрації картини виявилися не лише непотрібними та безглуздими, а й мали свою негативну сторону. У процесі відновлення митці часто дописували фреску, змінюючи зовнішній вигляд персонажів, представлених на полотні, та зображеного інтер'єру. Так, нещодавно стало відомо, що один із апостолів спочатку не мав довгої, загнутої догори бороди. Крім того, чорні полотна, зображені на стінах трапезної, виявилися не чим іншим, як невеликими килимами. Тільки
у XX ст. вдалося це з'ясувати та частково відновити їх орнамент.

Сучасні реставратори, серед яких помітно виділялася група, яка працювала під керівництвом Карло Бертелі, вирішили відновити первісний вид фрески, звільнивши її від елементів, нанесених пізніше.

Тема материнства, образи молодої матері, що милується своєю дитиною, тривалий час залишалися ключовими у творчості великого майстра. Справжніми шедеврами є його полотна Мадонна Літта і Мадонна з квіткою (Мадонна Бенуа). В даний час «Мадонна Літта» зберігається в Державному Ермітажів Санкт-Петербурзі. Картина була куплена російським імператором Олександром II в 1865 р. у сім'ї італійського герцога Антоніо Літта, якого раніше вона перейшла в дар від герцогів Вісконті. За наказом російського царя картина була переведена з дерева на полотно та вивішена в одному із залів знаменитого петербурзького музею.

Вчені-мистецтвознавці вважають (і наукові дослідженнядовели це), що роботу над створенням картини була завершена самим автором. Дописав її один із учнів Леонардо, Больтраффіо.

Полотно є найяскравішим виразом теми материнства живопису періоду Відродження. Образ Мадонни-матері світлий і одухотворений. Погляд, звернений на немовля, надзвичайно ніжний, він одночасно висловлює і
сум, і умиротворення, і внутрішній спокій. Мати і дитя тут хіба що утворюють свій, неповторний світ, становлять єдине гармонійне ціле. Наскрізну думку картини можна висловити такими словами: дві живі істоти, мати і дитина, містять основу і сенс життя.

Образ Мадонни з дитиною на руках монументальний. Закінченість та витонченість надає йому особливий, плавний, перехід світла та тіні. Ніжність і крихкість фігури підкреслена драпіруванням накинутого на плечі жінки плаща. Зображені на задньому плані картини вікна врівноважують і завершують композицію, наголошуючи на відокремленні двох близьких людей від решти світу.

Полотно «Мадонна з квіткою» («Мадонна Бенуа»), приблизно 1478, було викуплено у її останніх російських власників царем Миколою II в 1914 спеціально для Ермітажу. Ранні її власники залишились невідомими. Існує лише легенда, яка розповідає про те, що до Росії картину привіз італійський бродячий актор, після чого вона була куплена в Самарі в 1824 купцем Сапожниковим. Пізніше полотно перейшло у спадок від батька до дочки, М. А. Сапожнікова (за чоловіком - Бенуа), у якої її і викупив імператор. З того часу картина носить дві назви: «Мадонна з квіткою» (авторська) та «Мадонна Бенуа» (на прізвище останньої власниці).

Картина, на якій представлена ​​Богоматір з немовлям, відображає прості, земні почуття матері, що грає зі своєю дитиною. Вся сцена побудована на контрасті: мати і дитина, що сміється, з усією серйозністю вивчає квітку. Художник, зосередивши увагу саме на цьому протиставленні, показує прагнення людини до знань, перші її кроки на шляху до істини. У цьому й полягає Головна думкаполотна.

Гра світла та тіні задає особливий, інтимний тон усієї композиції. Мати і немовля перебувають у своєму власному світі, відірваному від земної метушні. Незважаючи на деяку незграбність і жорсткість зображених драпіровок, кисть Леонардо да Вінчі дізнатися досить легко по плавних, м'яких переходах відтінків фарб, що використовуються, і світлотіньовим поєднанням. Полотно написане неяскравими, спокійними фарбами, витриманими в єдиному кольорі, і це надає картині м'якого характеру і викликає відчуття неземної, космічної гармонії та спокою.

Леонардо да Вінчі – визнаний майстер портрета. Серед найвідоміших його полотен – «Дама з горностаєм» (приблизно 1483-1484) та «Портрет музиканта».

Мистецтвознавці та історики припускають, що на полотні «Дама з горностаєм» зображено Чечілію Галлерані, колишню фаворитку міланського герцога Людовіка Моро до його одруження. Збереглися відомості про те, що Чечілія була дуже освіченою жінкою, що було великою рідкістю на той час. Крім того, історики та біографи знаменитого художника вважають також, що вона була близько знайома з Леонардо да Вінчі, який якось і вирішив написати її портрет.

Це полотно дійшло до нас лише у переписаному варіанті, і тому вчені довго сумнівалися в авторстві Леонардо. Однак частини картини, що добре збереглися, із зображенням горностая і обличчя молодої жінки дозволяють з упевненістю говорити про стиль великого майстра да Вінчі. Цікавий і той факт, що щільне темне тло, а також деякі деталі зачіски є домальовками, зробленими пізніше.

«Дама з горностаєм» є одним із найяскравіших психологічних полотен у портретній галереї художника. Вся фігура дівчини виражає динамізм, спрямованість уперед, свідчить про надзвичайно вольовий і сильний людський характер. Правильні риси обличчя лише наголошують на цьому.

Портрет дійсно складний і багатогранний, гармонія і завершеність образу досягаються шляхом злиття докупи кількох елементів: виразу обличчя, повороту голови, положення рук. Очі жінки відбивають незвичайний розум, енергію, проникливість. Щільно стислі губи, прямий ніс, гостре підборіддя – все підкреслює волю, рішучість, незалежність. Витончений поворот голови, відкрита шия, кисть руки з довгими пальцями, що гладять граціозного звірка, підкреслюють крихкість і стрункість усієї фігури. Невипадково жінка тримає на руках горностая. Біле хутро тварини, схоже на перший сніг, символізує тут духовну чистоту молодої жінки.

Портрет напрочуд динамічний. Майстру вдалося точно вловити момент, коли один рух має плавно перейти до іншого. А тому здається, що ось-ось дівчина оживе, поверне голову і рука її заслизне по м'якій вовні тварини.

Надзвичайну виразність композиції надає чіткість ліній, що утворюють фігури, а також майстерне володіння та використання технікою переходу світла в тіні, за допомогою якої створюються на полотні форми.

"Портрет музиканта" - єдиний чоловічий портрет серед шедеврів Леонардо да Вінчі. Багато дослідників ототожнюють модель із регентом Міланського собору Франкіно Гаффуріо. Проте низка вчених спростовують цю думку, говорячи про те, що тут зображено не регент, а звичайний молодик, музикант. Незважаючи на наявність деяких деталей, властивих техніці листа да Вінчі, мистецтвознавці досі все ще сумніваються в авторстві Леонардо. Ймовірно, ці сумніви пов'язані з використанням на полотні елементів, характерних для художніх традиційломбардських портретистів.

Техніка виконання портрета багато в чому нагадує роботи Антонелло і Мессіна. На тлі пишного кучерявого волосся дещо різко виділяються чіткі, суворі лінії обличчя. Перед глядачами постає розумна людиназ твердим характером, хоча разом з тим у його погляді можна вловити щось неземне, одухотворене. Можливо, саме в цей момент у душі музиканта народжується нова, божественна мелодія, яка через якийсь час завоює серця багатьох людей.

Однак не можна говорити про те, що художник намагається штучно звеличити людину. Майстер тонко і вміло передає все багатство та широту людської душі, не вдаючись до гіпербол та патетики.

Одним із самих відомих полотенда Вінчі є знаменита "Мадонна в скелях" (1483-1493). Воно було виконано Леонардо на замовлення ченців церкви Сан-Франческо Гранде у Мілані. Композиція призначалася для прикраси вівтаря у капелі Іммаколата.

Існує два варіанти картини, один із яких зберігається в Луврі в Парижі, а інший – у Національній галереї Лондона.

Саме луврська «Мадонна у скелях» прикрашала вівтар церкви. Вчені припускають, що французькому королеві Людовіку XII передав її сам художник. Зробив він це, як вважають історики, на знак подяки за участь короля у вирішенні конфлікту, що виник між замовниками картин та виконавцями-художниками.

Подарований варіант замінила інша картина, яка зараз перебуває в лондонській Національній галереї. У 1785 р. її викупив і привіз до Англії Гамільтон.

Відмінною рисою «Мадонни в скелях» є злиття людських постатей із пейзажем. Це перша картина великого художника, де образи святих гармонійно переплітаються з одухотвореною їхньою присутністю природою. Вперше у творчості майстра постаті зображуються не тлі будь-якого елемента архітектурної споруди, а ніби укладені всередині суворого скелястого пейзажу. Таке відчуття створюється в композиції ще й за рахунок особливої ​​гри світла і тіней, що падають.

Надзвичайно одухотвореним та неземним представлений тут образ Мадонни. М'яке світло падає на лики ангелів. Художник зробив чимало нарисів та замальовок, перш ніж його герої ожили та їхні образи стали яскравими та виразними. На одному з етюдів зображено голову ангела. Нам невідомо, чи це дівчина чи юнак. Але одне можна сказати з упевненістю: це неземна істота, сповнена ніжності, доброти, чистоти. Вся картина перейнята почуттям спокою, умиротворення та тиші.

Варіант, написаний майстром пізніше, відрізняється від першого поруч деталей: над головами святих з'являються німби, маленький Іоанн Предтеча тримає хрест, змінюється становище ангела. А сама техніка виконання стала одним із приводів для того, щоб приписати авторство картини учням Леонардо. Тут усі фігури представлені ближче, масштабніше, і до того ж лінії, що їх утворюють, виявляються більш помітними, навіть важкими, більш загостреними. Такий ефект створюється за рахунок згущення тіней та висвічування окремих місць у композиції.

Другий варіант картини, на думку мистецтвознавців, є більш звичайним, приземленим. Можливо, причиною цього стала та обставина, що картину було дописано учнями Леонардо. Однак це не применшує цінності полотна. У ньому чітко видно задум художника, добре простежується традиція майстра у створенні та виразі образів.

Не менш цікавою є історія знаменитої картини Леонардо да Вінчі «Благовіщення» (1470-ті). Створення картини відноситься до раннього періоду у творчості художника, на час його навчання та роботи в майстерні Андреа Верроккьо.

Ряд елементів техніки листа дозволяє з упевненістю заявляти про те, що автор знаменитого шедевра саме Леонардо да Вінчі та виключити участь у його написанні Верроккйо чи інших його учнів. Проте деякі деталі у композиції характерні для художньої традиції школи Верроккьо. Це говорить про те, що молодий живописець, незважаючи на самобутність і талант, що тоді вже виявлялися, все ще певною мірою перебував під впливом свого вчителя.

Композиція картини досить проста: пейзаж, сільська вілла, дві постаті – Марія та ангел. На задньому плані
бачимо кораблі, якісь будівлі, порт. Присутність подібних деталей не зовсім притаманна творчості Леонардо, та й вони є тут головними. Для художника важливіше показати приховані туманним серпанком гори, що знаходяться вдалині, і світле, майже прозоре небо. Одухотворені образи молодої жінки, яка чекає на благу звістку, і ангела надзвичайно красиві і ніжні. Лінії їх форм витримані в манері да Вінчі, що дозволило свого часу визначити полотно як шедевр, що належить пензля раннього Леонардо.

Характерним для традиції знаменитого майстрає і техніка виконання другорядних деталей: полірованих лавок, кам'яного парапету, підставки для книг, прикрашеної гілками казкових рослин, що химерно звиваються. Прототипом останньої, до речі, вважають саркофаг гробниці Джованні та П'єро Медічі, який встановлений у церкві Сан-Лоренцо. Ці елементи, властиві школі Верроккьо і притаманні творчості останнього, дещо переосмислені у да Вінчі. Вони живі, об'ємні, гармонійно вплітаються у спільну композицію. Здається, що автор поставив собі за мету, взявши за основу репертуар свого вчителя, розкрити світ свого таланту, використовуючи власну техніку та художні засоби вираження.

В даний час один із варіантів картини знаходиться в галереї Уффіці у Флоренції. Другий варіант композиції зберігається у Луврі у Парижі.

Луврська картина побудована дещо складніше, ніж ранній її варіант. Тут добре видно геометрично правильні лінії стін кам'яного парапету, малюнок яких повторюють лави, розташовані за фігурою Марії. Виведені першому плані образи розміщені у композиції доречно і логічно. Одяг Марії та ангела, у порівнянні з першим варіантом, виписаний більш виразно та послідовно. Марія з низько схиленою головою, одягнена в темно-синю сукню з накинутим на плечі небесно-блакитним плащем, виглядає неземною істотою. Темні фарби вбрання яскравіше висвічують та відтіняють білизну її обличчя. Не менш виразний і образ ангела, який приніс Мадонні добру звістку. Жовтий оксамит, насичено-червоний плащ з драпіруваннями, що плавно спускаються вниз, завершують казковий образ доброго ангела.

Особливий інтерес у пізній композиції представляє тонко виписаний майстром пейзаж: позбавлені будь-якої умовності, майже реально видимі дерева, що ростуть вдалині, світло-блакитне, прозоре небо, гори, приховані легким туманом, живі квіти під ногами ангела.

Картина «Святий Ієронім» відноситься до періоду роботи Леонардо да Вінчі в майстерні Андреа Верроккйо (т.зв. флорентійський період творчості художника). Полотно так і залишилося незавершеним. Основна тема композиції - самотній герой, грішник, що кається. Його тіло висохло з голоду. Однак погляд його, сповнений рішучості та волі, є яскравим виразом стійкості та духовної сили людини. У жодному образі, створеному Леонардо, ми знайдемо двоїстості, двозначності погляду.

Персонажі його картини завжди виражають найвищий ступінь цілком певної глибокої пристрасті та почуття.

Про авторство Леонардо свідчить також і майстерно виписана голова пустельника. Не зовсім звичайний розворот її говорить про прекрасне володіння технікою живопису та знання майстром тонкощів анатомії людського тіла. Хоча необхідно зробити невелике застереження: багато в чому художник слід тут традиціям Андреа дель Кастаньо і Доменіко Венеціано, які, своєю чергою, йдуть від Антоніо Поллайоло.

Фігура Ієроніма надзвичайно виразна. Здається, уклінний самітник весь спрямований вперед. У правій
руці він тримає камінь, ще одну мить - і він ударить їм себе в груди, бичаючи своє тіло і проклинаючи свою душу за скоєні гріхи.

Цікава й композиційна побудова картини. Вся вона виявляється ніби ув'язненою в спіраль, яка починається зі скель, триває фігурою лева, що розташувався біля ніг того, хто кається, і закінчується фігурою самітника.

Мабуть, найбільшою популярністю серед усіх шедеврів світового образотворчого мистецтва користується «Джоконда». Цікавим є той факт, що, завершивши роботу над портретом, художник до самої смерті не розлучався з ним. Пізніше картина потрапила до французького короля Франциска I, який розмістив її у Луврі.

Всі вчені-мистецтвознавці сходяться на думці, що написана картина була в 1503 р. Однак щодо прототипу молодої дівчини, зображеної на портреті, точаться суперечки. Прийнято вважати (традиція йде від знаменитого біографа Джорджо Вазарі), що на портреті зображено дружину флорентійського громадянина Франческо ді Джокондо, Мона Ліза.

Дивлячись на картину, з упевненістю можна говорити, що художник досяг досконалості у створенні людського образу. Тут майстер відходить від прийнятої та поширеної раніше манери виконання портрета. Джоконда написана на світлому тлі і до того ж повернена в три чверті обороту, погляд її звернений прямо на глядача – це було нове у портретному мистецтві того часу. Завдяки відкритому пейзажу, що знаходиться за спиною дівчини, фігура останньої виявляється як би частиною ландшафту, що гармонійно зливається з ним. Досягається це з допомогою створеної Леонардо і використовуваної їм у роботі особливої ​​художньо-образотворчої техніки - сфумато. Суть її полягає в тому, що лінії контуру описуються нечітко, вони розмиті, це і створює в композиції відчуття злиття, взаємопроникнення окремих її частин.

У портреті така техніка (злиття людської фігури та масштабного природного ландшафту) стає способом вираження філософської ідеї: світ людини так само величезний, масштабний і різноманітний, як і світ навколишньої природи. Але, з іншого боку, основну тему композиції можна як і неможливість повного пізнання людським розумом світу природи. Саме з цією думкою багато мистецтвознавців пов'язують іронічну посмішку, що застигла на губах Мони Лізи. Вона ніби каже: «Усі старання людини пізнати світ абсолютно марні та марні».

Портрет Джоконди, на думку вчених-мистецтвознавців, є одним із найвищих досягнень Леонардо да Вінчі. У ньому художник справді зміг втілити і найповніше висловити ідею гармонії та неосяжності світу, думку про пріоритет розуму та мистецтва.

Мікеланджело Буонарроті

Мікеланджело Буонарроті, італійський живописець, скульптор, архітектор і поет, народився містечку Капрезе неподалік Флоренції 6 березня 1475 р. Батько Мікеланджело, Лодовико Буонарроті, був градоначальником містечка Капрезе. Він мріяв про те, що син незабаром змінить його на посадовій посаді. Однак попри бажання батька Мікеланджело вирішує присвятити своє життя живопису.

У 1488 р. Мікеланджело вирушає у Флоренцію і вступає там у художню школу, якою керував тоді знаменитий майстер образотворчого мистецтва Доменіко Гірландайо. Через рік, 1489 р., молодий художник уже працює у майстерні, заснованій Лоренцо Медічі. Тут юнак навчається живопису в іншого відомого художника та скульптора свого часу Бертольдо ді Джованні, який був учнем у Донателло. У цій майстерні Мікеланджело працював разом із Анджело Поліціано та Піко делла Мірандола, які значною мірою вплинули на становлення художнього методумолодого художника. Проте творчість Мікеланджело не виявилася замкненою у просторі гуртка Лоренцо Медічі. Талант його постійно розвивався. Увага художника все частіше звертали на себе великі героїчні образитворів великих Джотто та Мазаччо.

У першій половині 90-х років. 15 століття з'являються перші скульптури, виконані Мікеланджело: «Мадонна біля сходів» та «Битва кентаврів».

У «Мадонні» проглядається вплив загальноприйнятої мистецтво на той час манери художнього зображення. У творі Мікеланджело присутня та сама деталізація пластики фігур. Проте вже тут видно і суто індивідуальну техніку молодого скульптора, що проявилася у створенні високих, героїчних образів.

У рельєфі "Битва кентаврів" вже немає слідів стороннього впливу. Цей твір є першим самостійним твором талановитого майстра, який показав його індивідуальний почерк. На рельєфі перед глядачем у всій повноті змісту виникає міфологічна картина битви лапіфів із кентаврами. Сцена відрізняється надзвичайним драматизмом і реалізмом, які висловлює точно передана пластика зображених фігур. Цю скульптуру можна вважати гімном герою, людській силі та красі. Незважаючи на всю драматичність сюжету, у загальній композиції укладено глибоку внутрішню гармонію.

Вчені-мистецтвознавці вважають «Битву кентаврів» вихідною точкою творчості Мікеланджело. Вони говорять про те, що геній митця бере свій початок саме у цьому творі. Рельєф, що відноситься до ранніх робіт майстра, є своєрідним відображенням усього багатства мистецької манери Мікеланджело.

З 1495 по 1496 Мікеланджело Буонарроті знаходиться в Болоньї. Тут він знайомиться з полотнами Якопо делла Кверча, які привернули увагу молодого художника монументальністю створених образів.

У 1496 р. майстер оселився в Римі, де вивчав пластику та манеру виконання нещодавно відкритих античних скульптур, серед яких «Лаокоон» та «Бельведерський торс». Художня манера давньогрецьких скульпторів було відбито Мікеланджело у «Вакхе».

З 1498 по 1501 р. художник працює над створенням мармурової групи, що отримала назву «П'єта» і принесла Мікеланджело славу одного з перших майстрів Італії. Почуттям незвичайного людинолюбства та ніжності перейнята вся сцена, що представляє молоду матір, що плаче над тілом убитого сина. Невипадково художник вибрав моделлю юну дівчину - образ, який уособлює духовну чистоту.

Цей твір молодого майстра, що показує ідеальних героїв, суттєво відрізняється від скульптур, створених у 15 столітті. Образи Мікеланджело більш глибокі та психологічні. Почуття скорботи і смутку тонко передані у вигляді особливого виразу обличчя матері, становища її рук, тіла, вигини якого підкреслюють м'які драпірування одягу. Зображення останніх, до речі, вважатимуться своєрідним кроком у творчості майстра: докладна деталізація елементів композиції (у разі складки сукні і капюшона) є характерною рисою мистецтва Предренесансу. Загальна композиція надзвичайно виразна і патетична, що становить особливість творчості молодого скульптора.

У 1501 р. Мікеланджело, вже знаменитий в Італії майстер скульптури, знову їде до Флоренції. Саме тут його мармуровий Давид. На відміну від попередників (Донателло і Верроккьо), Мікеланджело зобразив молодого героя, що тільки готується до бою. Статуя великих розмірів (висота її становить 5,5 м) виражає надзвичайно сильну волю людини, фізичну міць і красу її тіла. Образ людини у свідомості Мікеланджело подібний до фігур міфологічних гігантських титанів. Давид постає тут як втілення ідеї досконалої, сильної та вільної людини, готової подолати будь-які перепони на своєму шляху. Всі пристрасті, що киплять у душі героя, передані через розворот тіла і вираз обличчя Давида, яке говорить про його рішучий і вольовий характер.

Невипадково статуя Давида прикрасила вхід до Палаццо Веккьо (будівля міського управління Флоренції) як символ могутності, надзвичайної сили та незалежності міста-держави. Вся композиція виражає гармонію сильної людської душі і не менш сильного тіла.

У 1501 р., поряд зі статуєю Давида, з'являються перші роботи монументального («Битва при Кашині») та станкового («Мадонна Доні» круглого формату) живопису. Остання зберігається нині у галереї Уффици у Флоренції.

У 1505 Мікеланджело повертається до Риму. Тут він працює над створенням гробниці Папи Юлії II. За планом гробниця мала бути грандіозною архітектурною спорудою, навколо якої розташовувалися б 40 статуй, виточених з мармуру, і бронзові рельєфи. Однак через деякий час Папа Юлій II відмовився від свого замовлення, і грандіозним планам Мікеланджело не судилося здійснитися. Джерела свідчать про те, що замовник досить грубо обійшовся з майстром, внаслідок чого той, ображений до глибини душі, вирішив виїхати зі столиці і повернутися вкотре до Флоренції.

Однак флорентійська влада вмовила знаменитого скульптора помиритися з Папою. Незабаром той звернувся до Мікеланджело з новою пропозицією - прикрасити стелю Сикстинської капели. Майстер, який вважав себе перш за все скульптором, прийняв замовлення неохоче. Незважаючи на це, він створив полотно, яке досі є визнаним шедевром світового мистецтва і залишило пам'ять про живописця багатьом поколінням.

Слід зазначити, що Мікеланджело працював над розписом стелі, площа якої становить понад 600 кв. м, зовсім один, без помічників. Проте вже через чотири роки фреска була повністю завершена.

Вся поверхня стелі для розпису поділена на кілька частин. Центральне місце займають дев'ять сцен, що зображують створення світу, і навіть життя перших людей. У кутках кожної такої сцени розташовані постаті оголених юнаків. Ліворуч і праворуч від цієї композиції знаходяться фрески з образами семи пророків і п'яти віщунок. Стельовий, арочний склепіння та розпалубки прикрашені окремими біблійними сценами. Слід зазначити, що фігури Мікеланджело тут різномаштабні. Цей особливий технічний прийом дозволив автору загострити увагу глядача на найважливіших епізодах та образах.

Досі вчені-мистецтвознавці спантеличені проблемою ідейного задумуфрески. Справа в тому, що всі сюжети, що її складають, виписані з порушенням логічної послідовності розвитку біблійного сюжету. Так, наприклад, картина «Сп'яніння Ноя» передує композиції «Відділення світла від темряви», хоча має бути навпаки. Однак така розкиданість сюжетів жодною мірою не позначилася на художній майстерності художника. Мабуть, все ж таки важливішим для художника було не розкрити зміст розповіді, а знову ж таки (як у статуї «Давид») показати гармонію прекрасної, піднесеної душі людини та її потужного, сильного тіла.
Підтвердженням цього є образ титаноподібного старця Саваофа (фреска «Створення Сонця і Місяця»), що створює світила.

Майже у всіх фресках, що розповідають про створення світу, перед глядачами постає гігантських розмірів людина, в якій за бажанням творця прокидаються життя, рішучість, сила і воля. Думка про незалежність наскрізною ниткою проходить у картині «Гріхопадіння», де Єва, що тягнеться до забороненого плоду, ніби кидає виклик долі, висловлює рішуче прагнення свободи. Тієї ж непохитності та спраги життя сповнені і образи фрески «Потоп», герої якої вірять у продовження життя та роду.

Образи сивілл і пророків представлені фігурами людей, які уособлюють сильні почуття та яскраву індивідуальність характерів. Мудрий Йоїл є тут протилежністю зневіреному Єзекіїлю. Вражають глядача образи одухотвореного Ісаї та прекрасної, показаної в момент пророкування, Дельфійської сивіли з великими ясними очима.

Вище вже неодноразово була відзначена патетика і монументальність образів, створених Мікеланджело. Цікавим є той факт, що навіть т.з. допоміжні постаті виявляються наділеними у майстра тими самими рисами, як і головні герої. Образи юнаків, розташовані в кутах окремих картин, є втіленням радості життя, що відчувається людиною, і свідомості власної духовної та тілесної сили.

Мистецтвознавці по праву вважають розпис Сикстинської капели роботою, що завершила період творчого становлення Мікеланджело. Тут майстер настільки вдало зробив членування плафона, що, незважаючи на все різноманіття сюжетів, фреска загалом створює враження гармонії та єдності створених художником образів.

Протягом усього часу роботи Мікеланджело над фрескою поступово змінювався художній метод майстра. Пізніші персонажі представлені більше - це значно посилило їхню монументальність. Крім того, подібна масштабність зображення призвела до того, що пластика фігур стала значно складнішою. Однак це ніяк не вплинуло на виразність образів. Можливо, тут більш ніж де-небудь проявився талант скульптора, який зумів тонко передати кожну лінію руху людської фігури. Складається враження, ніби картини не написані фарбами, а є майстерно виліпленими об'ємними рельєфами.

Характер фресок у різних частинах стелі різний. Якщо центральна частина висловлює найоптимістичніші настрої, то в арочних склепіннях розташовані образи, що уособлюють усі відтінки похмурих почуттів: спокій, смуток і тривога змінюються тут розгубленістю та заціпенінням.

Цікаве і представлене Мікеланджело трактування образів предків Христа. Деякі їх висловлюють почуття спорідненого єднання. Інші ж, навпаки, сповнені злості та ненависті один до одного, що не характерно для біблійних героїв, покликаних нести у світ світло та добро. Мистецтвознавці вважають пізніші домальовки капели проявом нового художнього методу, початком якісно нового періоду у творчості знаменитого майстра-живописця.

У 20-ті роки. 16 століття з'являються твори Мікеланджело, що призначалися для прикраси гробниці Папи Римського Юлія II. Замовлення спорудження останньої було отримано відомим скульптором від спадкоємців Папи. У цьому варіанті гробниця повинна була мати менші розміри з мінімальною кількістю статуй. Незабаром майстер закінчив роботу над виконанням трьох скульптур: статуй двох рабів та Мойсея.

Над образами бранців Мікеланджело працював із 1513 р. Ключовою темоюцього твору стає людина, яка бореться із ворожими йому силами. Тут монументальні постаті героїв-переможців змінюються: персонажами, що гинуть у нерівній боротьбі зі злом. Причому ці образи виявляються підлеглими жодної мети і завдання художника, а є переплетення емоцій і почуттів.

Багатоплановість образу виражена з допомогою своєрідного художньо-образотворчого методу, використовуваного майстром. Якщо раніше Мікеланджело прагнув показати фігуру чи скульптурну групу з одного боку, нині образ, створений художником, стає пластичним, змінним. Залежно від цього, з якого боку статуї перебуває глядач, вона набуває ті чи інші обриси, у своїй загострюється та чи інша проблема.

Ілюстрацією до вищесказаного може бути «Скутий бранець». Так, якщо глядач обходитиме скульптуру у напрямку ходу годинникової стрілки, він легко побачить таке: спочатку постать пов'язаного бранця з відкинутою назад головою і безпорадним тілом висловлює нелюдські страждання від свідомості власного безсилля, слабкості людської душі й тіла. Однак у міру подальшого руху довкола скульптури образ суттєво змінюється. Зникає колишня слабкість бранця, наливаються силою його м'язи, гордо піднімається голова. І ось перед глядачем уже не знесилений мученик, а потужна постать героя-титана, який з якогось безглуздого випадку виявився закутим у кайдани. Здається, ще мить - і пута буде розірвано. Однак, цього не відбувається. Рухаючись далі, глядач бачить, як слабшає тіло людини, опускається донизу його голова. І ось знову перед нами жалюгідний бранець, що упокорився зі своєю долею.

Ту ж мінливість можна простежити і в статуї «Вмираючий бранець». У міру просування глядач бачить, як тіло, що б'ється в агонії, поступово заспокоюється і ціпеніє, навіюючи думку про вічну тишу і спокій.

Скульптури бранців надзвичайно виразні, що створюється за рахунок реалістичної передачі пластики руху фігур. Вони оживають буквально на очах глядача. За силою виконання статуї бранців можна порівняти хіба що з ранньою скульптурою майстра - «Битвою кентаврів».

Статуя «Мойсей», на відміну від «Бранців», дещо стриманіша за характером, але не менш виразна. Тут Мікеланджело знову звертається до створення образу титанічної людини-героя. Фігура Мойсея - це втілення лідера, вождя, людини з надзвичайно сильною волею. Сутність його найповніше розкривається проти Давидом. Якщо останній символізує впевненість у своїй силі та непереможності, то Мойсей тут – уособлення думки про те, що перемога потребує величезних зусиль. Ця духовна напруга героя передана майстром не тільки через грізний вираз обличчя, але й за допомогою пластики фігури: лінії складок одягу, що різко заломлюються, піднесені вгору пасма бороди Мойсея.

З 1519 Мікеланджело працює над створенням ще чотирьох статуй бранців. Однак вони залишилися незавершеними. Згодом ними був прикрашений грот у садах Боболі, що у Флоренції. Нині статуї зберігаються у Флорентійській академії. У цих творах з'являється нова для Мікеланджело тема: зв'язок скульптурної фігури та взятої як вихідний матеріал кам'яної брили. Скульптор висуває тут думку про основне призначення художника: вивільнити образ із кам'яних кайданів. У зв'язку з тим, що скульптури виявилися незакінченими і в нижній частині їх добре видно необроблені шматки каменю, глядач може побачити весь процес створення образу. Тут показаний новий художній конфлікт: людина і навколишній світ. Причому цей конфлікт вирішується не на користь людини. Всі його почуття та пристрасті виявляються пригніченими середовищем.

Твором, що означав завершення етапу Високого Відродження і водночас новим ступенем творчості Мікеланджело, з'явився розпис капели Медічі у Флоренції. Робота велася протягом 15 років, з 1520 по 1534 р. На деякий час художник змушений був призупинити роботи у зв'язку з політичними подіями, що відбувалися тоді в Італії. У 1527 р. у відповідь розгром Риму Флоренція оголосила себе республікою.

Мікеланджело, як прихильник республіканського державного устрою, був обраний на посаду керівника фортифікаційних робіт і зробив великий внесок в оборону міста. Коли Флоренція впала і до влади знову прийшли Медічі над знаменитим художником, а тепер ще й політиком нависла серйозна загроза смерті. Порятунок прийшов зовсім несподівано. Папа Климент VII Медичі, будучи гордою і пихатою людиною, виявив бажання залишити нащадкам пам'ять про себе та своїх родичів. Хто як не Мікеланджело, який славився мистецтвом писати чудові картиниі виконувати чудові статуї, чи міг це зробити?

Отже, роботи зі спорудження капели Медічі поновилися. Остання є невеликою спорудою з високими стінами, увінчана куполом у верхній частині. У капелі знаходяться дві усипальниці: герцогів Джуліано Немурського та Лоренцо Урбінського, розташовані вздовж стін. Біля третьої стіни, навпроти вівтаря, стоїть статуя Мадонни. Ліворуч і праворуч від неї - скульптури, що уособлюють образи святих Косми та Даміана. Встановлено, що вони зроблено учнями великого майстра. Дослідники припускають, що саме для гробниці Медічі були виготовлені також статуї «Аполлон» (інша назва - «Давид») і «Хлопчик, що скорчився».

Поряд із скульптурами герцогів, які не мали зовнішньої подібності зі своїми прототипами, були вміщені алегоричні постаті: «Ранок», «День», «Вечір» та «Ніч». Вони представлені тут як символи швидкоплинності земного часу та життя людини. Розташовані у вузьких нішах статуї викликають враження пригніченості, швидкого наступу чогось страшного та грізного. Об'ємні фігуригерцогів, що опинилися з усіх боків притиснутими кам'яними стінами, виражають духовну надламаність і внутрішню порожнечу образів.

Найбільш гармонійним у цьому ансамблі є образ Мадонни. Надзвичайно виразний і сповнений ліризму, він однозначний і не обтяжений похмурими лініями.

Капелла Медічі становить особливий інтерес з погляду художньої єдності архітектурної та скульптурної форм. Лінії будівлі та статуй підпорядковані тут одній ідеї художника. Капела є найяскравішим прикладом синтезу та гармонії взаємодії двох мистецтв – скульптури та архітектури, де частини одного гармонійно доповнюють та розвивають сенс елементів іншого.

З 1534 Мікеланджело їде з Флоренції і поселяється в Римі, де і залишається до кінця свого життя. Римський період творчості великого майстра пройшов в умовах боротьби Контрреформації проти ідей, оспіваних письменниками, живописцями та скульпторами Відродження. На зміну творчості останніх приходить мистецтво маньєристів.

У Римі Мікеланджело зближується з людьми, які становили релігійно-філософський гурток, керований знаменитою поетесою Італії на той час Вітторією Колона. Однак, як і в юності, думки та ідеї Мікеланджело були далекі від тих, що лунали в головах гуртківців. По суті майстер жив і працював у Римі в середовищі нерозуміння і духовної самотності.

Саме в цей час (1535-1541) з'являється фреска «Страшний суд», що прикрасила завтарну стіну Сікстинської капели.

Біблійний сюжет тут переосмислюється автором. Картина Страшного суду сприймається глядачем не як позитивний початок, торжество вищої справедливості, а як загальнолюдська трагедія загибелі всього роду, як Апокаліпсис. Великі фігури людей посилюють драматизм композиції.

Стихійний характер картини з усією повнотою відповідає завданню художника - показати загублену в загальній масі людину. Завдяки такому рішенню художнього образу у глядача виникає відчуття самотності в цьому світі та безсилля перед ворожими силами, з якими немає сенсу боротися. Трагічні ноти набувають пронизливішого звучання ще й від того, що у майстра немає тут цілісного, монолітного образу колективу людей (як то буде представлено на полотнах художників Пізнього Відродження), кожен з них живе своїм життям. Проте безсумнівною заслугою живописця вважатимуться те, що він показав нехай поки що безладну, але не знеособлену людську масу.

У «Страшному суді» Мікеланджело представляє надзвичайно виразну колористичну техніку. Контраст світлих оголених тіл і темного, чорно-синього неба посилює в композиції враження трагічної напруженості та пригніченості.

Мікеланджело. Страшний суд. Фреска Сикстинської капели у Ватикані. Фрагмент. 1535-1541 рр.

У період із 1542 по 1550 р. Мікеланджело працює над розписом стін капели Паоліна у Ватикані. Щітки великого майстра-живописця належать дві фрески, одна з яких пізніше отримала назву «Звернення Павла», а інша – «Розп'яття Петра». В останній у персонажах, які спостерігають за стратою Петра з усією повнотою представлена ​​думка про мовчазну згоду, бездіяльність та покірність людини своїй долі. Люди не мають ні фізичних, ні душевних сил, щоб хоч якось протистояти насильству і злу.

Наприкінці 1530-х років. з'являється ще одна скульптура Мікеланджело – бюст Брута. Цей твір став своєрідним відгуком знаменитого майстра на вбивство деспотичного герцога Алессандро Медічі, скоєне його родичем Лоренцо. Незалежно від справжніх мотивів вчинок останнього радо вітався художником - прихильником республіканців. Цивільного пафосу виконано образ Брута, представленого майстром шляхетною, гордою, незалежною, людиною великого розуму та гарячого серця. Тут Мікеланджело ніби повертається до зображення. ідеальної людиниз високими духовними та інтелектуальними якостями.

Останні роки творчості Мікеланджело пройшли в атмосфері втрати друзів і близьких і суспільної реакції, що ще загострилася. Нововведення контрреформістів було неможливо торкнутися і творів майстра, у яких проявилися найпрогресивніші ідеї Відродження: гуманізм, волелюбність, непокірність долі. Досить сказати, що за рішенням одного з шалених шанувальників контрреформ, Павла IV Караффи, до композиції «Страшного суду» знаменитого живописця було внесено зміни. Папа Римський вважав непристойними оголені постаті зображених на фресці людей. За його наказом учень Мікеланджело Данієле і Вольтерра приховав наготу деяких мікеланджелівських образів драпіруванням накидок.

Похмурим і тяжким настроєм самотності та краху всіх надій перейняті останні твориМікеланджело - ряд малюнків та скульптур. Саме ці роботи найяскравіше відбивають внутрішні протиріччя визнаного майстра.

Так, Ісус Христос у «П'єті» з Палестрини представлений як герой, зламаний під натиском зовнішніх сил. Той самий образ у «П'єта» («Стан у труну») з Флорентійського собору є вже більш приземленим і олюдненим. Це вже не герой-титан. Більш важливим для художника виявляється тут показати духовну силу, емоції та переживання персонажів.

Зламані контури тіла Христа, образ матері, що схилилася над мертвим тілом сина, Никодим, що опускає тіло
Ісуса в труну – все підпорядковане одному завданню: зобразити глибину людських переживань. Крім того, істинним
Перевагою цих творів є подолання майстром роз'єднаності образів. Людей на картині поєднує почуття глибокого співчуття і гіркоту втрати. Цей прийом Мікеланджело отримав розвиток на наступному етапі становлення мистецтва Італії, у роботах художників та скульпторів Пізнього Ренесансу.

Вершиною останнього етапу творчості Мікеланджело вважатимуться скульптуру, пізніше названу «П'єта Ронданіні». Показані тут образи представлені як втілення ніжності, одухотвореності, глибокої скорботи та смутку. Тут як ніколи гостро звучить тема самотності людини у світі, де багато людей.

Ті самі мотиви звучать і в пізніх графічних роботах великого майстра, який вважав малюнок першоосновою скульптури, живопису та архітектури.

Образи графічних робіт Мікеланджело нічим не від героїв його монументальних композицій: тут представлені самі величні герої-титани. В останній період творчості Мікеланджело звертається до малюнка як самостійного художньо-образотворчого жанру. Так, до 30-40-х років. 16 століття відноситься поява найбільш яскравих і виразних композицій майстра, як то: «Падіння Фаетона» і «Воскресіння Христа».

На прикладах графічних робіт легко простежується еволюція художнього методу майстра. Якщо перші малюнки, виконані пером, містять цілком конкретні зображення фігур з досить різкими контурами, то пізні образи стають більш розпливчастими і м'якими. Ця легкість створюється завдяки тому, що художник використовує сангіну, або італійський олівець, за допомогою яких і створюються більш тонкі і ніжні лінії.

Проте пізніше творчість Мікеланджело відзначено не лише трагічно безвихідними чином. Архітектурні споруди великого майстра, що належать до цього часу, ніби продовжують традиції Відродження. Його собор Св. Петра та архітектурний ансамбль Капітолію у Римі є втіленням ренесансних ідей високого гуманізму.

Мікеланджело Буонарроті помер у Римі 18 лютого 1564 р. Його тіло у найсуворішій таємниці було вивезено зі столиці та відправлено до Флоренції. Великого художника поховали у церкві Санта-Кроче.

Творчість майстра живопису та скульптури зіграло велику роль у становленні та розвитку художнього методу багатьох послідовників Мікеланджело. У тому числі Рафаель, маньеристы, часто копіювали лінії створених знаменитим живописцем образів. Так само важливе значення мистецтво Мікеланджело мало і художників-представників епохи бароко. Однак говорити про те, що образи бароко (людина, яка захоплюється вперед не внутрішніми поривами, а зовнішніми силами) подібні до героїв Мікеланджело, які прославляють гуманізм, волю і внутрішню силулюдини, було б неправильно.

Рафаель Санті

Рафаель Санті народився у невеликому містечку Урбіно в 1483 р. Встановити точну дату народження великого живописця не вдалося. За одними даними, він народився 26 або 28 березня. Інші вчені стверджують, що датою народження Рафаеля було 6 квітня 1483 року.

До кінця 15 століття Урбіно стає одним з найбільших культурних центрівкраїни. Біографи припускають, що Рафаель навчався у свого батька Джованні Санті. З 1495 р. юнак працює у художній майстерні урбінського майстра Тімотео делла Віте.

Найбільш ранніми творами Рафаеля, що збереглися до наших днів, вважаються мініатюри «Сон лицаря» і «Три грації». Вже у цих роботах з усією повнотою відбиваються гуманістичні ідеали, проповідовані майстрами Відродження.

У «Сні лицаря» відбувається своєрідне переосмислення міфологічної теми про Геракла, що стоїть перед вибором: Доблесть чи Насолода? У Рафаеля Геракл зображений сплячим молодим лицарем. Перед ним - дві молоді жінки: одна - з книгою та мечем у руках (символи знань, доблесті та ратних подвигів), інша - з квітучою гілкою, що втілює задоволення та насолоди. Вся композиція розміщена на тлі чудового краєвиду.

У «Трьох граціях» представлені знову ж таки античні образи, взяті, ймовірно, з давньогрецької камеї (зображення на дорогоцінному або напівдорогоцінному камені).

Незважаючи на те, що в ранніх роботах юного художника багато запозичень, вже тут досить ясно проявляється творча індивідуальність автора. Виражена вона у ліричності образів, особливої ​​ритмічної організації твору, м'якості ліній, що утворюють фігури. Як про художника Високого Відродження говорять характерні для ранніх творів Рафаеля надзвичайна гармонія виписаних образів, а також композиційна ясність та чіткість.

У 1500 р. Рафаель залишає рідне місто і вирушає до Перуджу, головне місто Умбрії. Тут він навчається живопису в майстерні П'єтро Перуджіно, який був основоположником умбрійської художньо-образотворчої школи. Сучасники Рафаеля свідчать: здібний учень настільки глибоко перейняв манеру листа свого вчителя, що їх полотна навіть не можна було відрізнити. Дуже часто Рафаель та Перуджіно виконували замовлення, разом працюючи над картиною.

Однак говорити про те, що самобутній талант молодого художника зовсім не розвивався у цей період, було б неправильно. Підтвердженням тому є знаменита «Мадонна Конестабіліз», створена приблизно 1504 р.

У цьому полотні вперше з'являється образ Мадонни, який надалі займе одне із провідних місць у творчості художника. Мадонна написана на тлі чудового краєвиду з дерев, пагорбів і озера. Образи об'єднані тим, що погляд Мадонни та немовля звернений на книгу, читанням якої зайнята молода мати. Завершеність композиції передано як фігурами головних персонажів, а й формою картини - тондо (кругла) , що не обмежує свободу образів. Вони об'ємні та легкі. Враження природності та реалістичності створюється завдяки використанню у композиції світлих холодних фарб та особливих їх поєднань: насичено-синя накидка Мадонни, прозоро-блакитне небо, зелені дерева та вода озера, засніжені гори з білими верхівками. Все це при погляді на картину створює відчуття чистоти та ніжності.

Іншим не менш відомим твором Рафаеля, що також відноситься до раннього періоду його творчості, є створене в 1504 полотно під назвою «Заручини Марії». Нині картина зберігається у галереї Брера у Мілані. Особливий інтерес представляє тут композиційна побудова. Релігійно-обрядове дійство заручин перенесено живописцем зі стін церкви, що видніється вдалині, на вулицю. Таїнство відбувається під ясним світло-блакитним небом. У центрі картини знаходиться священик, ліворуч і праворуч від нього - Марія та Йосип, поряд з якими невеликими групами стоять молоді дівчата та юнаки. Розміщена в перспективі композиції церква є своєрідним тлом, на якому відбувається заручини. Вона - символ божественного розташування та благовоління до Марії та Йосипа. Логічну завершеність картині надає напівкругле обрамлення полотна у його верхній частині, що повторює лінію бані церкви.

Фігури на картині надзвичайно ліричні і водночас природні. Тут дуже точно та тонко передані рухи, пластика людського тіла. Яскравий приклад цього - розташована на передньому плані композиції фігура хлопчика, що ламає жезло коліна. Витонченими, майже безтілесними здаються глядачеві Марія та Йосип. Їхні одухотворені особи сповнені любов'ю і ніжністю. Незважаючи на певну симетрію розташування фігур, полотно не втрачає ліричного звучання. Образи, створені Рафаелем, не схеми, це живі люди у всьому різноманітті їхніх почуттів.

Саме в цьому творі вперше найяскравіше, порівняно з попередніми роботами, виявився талант молодого майстра у вмінні тонко організовувати ритміку композиції. Завдяки такій властивості загальну картинувиявляються гармонійно включеними зображення архітектурних споруд, які є у Рафаеля елементом пейзажу, а й стають у один ряд із головними героями, розкривають їх суть і характер.

Прагненням створити особливий ритм у творі продиктовано використання художником фарб певних тонів. Так, композиція «Заручини Марії» побудована лише на чотирьох фарбах.

Золотисто-жовтий, зелений та червоний тони, поєднуючись в одязі героїв, пейзажі, архітектурі та задаючи необхідний ритм загальної композиції, утворюють гармонію зі світло-блакитними відтінками неба.

Незабаром художня майстерня Перуджино стає занадто маленькою для подальшого зростання таланту художника. У 1504 р. Рафаель вирішує переїхати до Флоренції, де розвиваються ідеї та естетика мистецтва Високого Відродження. Тут Рафаель знайомиться з працями Мікеланджело та Леонардо да Вінчі. Можна з упевненістю говорити, що вчителями молодого живописця цьому етапі формування його творчого методу були саме вони. У творах цих майстрів юний художник знайшов те, чого не було в умбрійській школі: оригінальний стиль створення образів, виразну пластику фігур, що зображаються, більш об'ємне уявлення дійсності.

Нові художньо-образотворчі рішення знайшли свій відбиток вже у роботах, створених Рафаелем в 1505 р. Портрети відомого на той час мецената з Флоренції Анджело Доні та її дружини зберігаються нині у галереї Пітті. Образи позбавлені будь-якого героїчного пафосу та гіперболізації. Це звичайні люди, Наділені, однак, найкращими людськими якостями, серед яких рішучість і сильна воля.

Тут же, у Флоренції, Рафаель пише цикл картин, присвячених Мадонні. З'являються його полотна «Мадонна в зелені», «Мадонна з щілинкою», «Мадонна-садівниця». Ці композиції є варіантами одного твору. На всіх полотнах зображена Мадонна з немовлям та маленьким Іоанном Хрестителем. Фігури розміщені на тлі казково гарного краєвиду. Образи Рафаеля надзвичайно ліричні, м'які та ніжні. Його Мадонна - втілення всепрощаючої, безтурботної материнської любові. У цих творах з'являється деяка частка сентиментальності та надмірного захоплення зовнішньою красою героїв.

Відмінною рисою художнього методу живописця у період є властиве всім майстрам флорентійської школи відсутність ясного бачення кольору. На полотнах немає домінуючих фарб. Образи передані пастельних тонах. Колір для митця тут не головне. Більш важливим для нього виявляється якнайточніше передати лінії, що утворюють фігуру.

У Флоренції було створено перші зразки монументального живопису Рафаеля. Серед них найбільший інтерес становить створена в період з 1506 по 1507 р. «Мадонна з Іоанном Хрестителем та св. Миколою» (або «Мадонна Ансідеї»). на творчий методхудожника багато в чому вплинули полотна флорентійських живописців, головним чином Леонардо да Вінчі та Фра Бартоломео.

У 1507 р., бажаючи зрівнятися з найкращими майстрами флорентійської школи, ними були Леонардо да Вінчі та Мікеланджело, Рафаель створює досить велике полотно, що отримало назву «Положення у труну». Окремі елементи образів композиції є повторами відомих художників. Так, голова і тіло Христа запозичені зі скульптури Мікеланджело "П'єта" (1498-1501), а образ жінки, яка підтримує Марію, - з полотна того ж майстра "Мадонна Доні". Багато мистецтвознавців не вважають цей твір Рафаеля оригінальним, що розкриває його самобутній талант та особливості художньо-образотворчого методу.

Незважаючи на останню невдалу роботу, досягнення Рафаеля у мистецтві були значними. Незабаром сучасники помічають та визнають твори молодого художника, а самого автора ставлять в один ряд із видатними майстрами-живописцями Відродження. У 1508 р. за протекцією знаменитого архітектора Браманте, земляка Рафаеля, художник виїжджає до Риму, де опиняється серед запрошених до папського двору.

Юлій II, який був у той час на папському престолі, був відомий як пихатий, рішучий і вольовий чоловік.
Саме за його правління папські володіння були значно розширені за допомогою війн. Та ж «наступальна» політика велася і щодо розвитку культури та мистецтв. Так, до папського двору були запрошені найвідоміші художники, скульптори та архітектори. Рим, прикрашений численними архітектурними спорудами, почав помітно перетворюватись: Браманте будував собор Св. Петра; Мікеланджело, призупинивши на якийсь час спорудження гробниці Юлія II, почав розписувати стелю Сикстинської капели. Поступово навколо Папи сформувався гурток поетів та вчених, які проповідують високі гуманістичні засади та ідеї. У таку атмосферу і потрапив Рафаель Санті, який прибув із Флоренції.

Приїхавши до Риму, Рафаель почав працювати над розписом апартаментів Папи (т. зв. станці). Фрески було створено період із 1509 по 1517 р. Їх відрізняє від творів подібного характеру інших майстрів ряд особливостей. Насамперед, це масштабність картин. Якщо роботах попередніх живописців однією стіні розташовувалося кілька невеликих композицій, то Рафаеля кожній картині відводиться окрема стіна. Відповідно, «виросли» і фігури, що зображаються.

Далі необхідно відзначити насиченість фресок Рафаеля різноманітними декоративними елементами: стелі, прикрашені штучним мармуром та позолотою, фрескові та мозаїчні композиції, розписана химерним візерунком підлога. Таке різноманіття не створює, однак, враження надмірності та хаосу. Розставлені по своїх місцях та вміло скомпоновані декоративні елементи викликають відчуття гармонії, порядку та певного, заданого майстром ритму. В результаті таких творчих і технічних нововведень образи, створені художником у картинах, добре видно глядачеві і тому набувають необхідної ясності та чіткості.

Усі фрески мали підпорядковуватися спільній темі: прославлення католицької церкви та її глави. У зв'язку з цим картини побудовані на біблійних сюжетах та сценах з історії папства (із зображеннями Юлія II та його наступника Лева X). Однак у Рафаеля подібні конкретні образи набувають узагальненого алегоричного значення, що розкриває суть гуманістичних ідей Відродження.

Особливу цікавість з цього погляду представляє Станца делла Сеньятура (кімната підписів). Фрески композиції є виразом чотирьох сфер духовної діяльності. Так, фреска «Диспута» показує богослов'я, «Афінська школа» – філософію, «Парнас» – поезію, «Мудрість, Помірність та Сила» – правосуддя. Верхню частину кожної фрески увінчує алегоричне зображення фігури, що втілює окремий вид діяльності. У кутах склепінь розташовані невеликі композиції, близькі за тематикою тієї чи іншої фрески.

Композиція розпису Станці делла Сеньятура побудована на поєднанні біблійних та давньогрецьких сюжетів (біблійний – «Гріхопадіння», античний – «Перемога Аполлона над Марсієм»). Сам факт того, що поєднання міфологічної, язичницької та світської тем було використано для прикрашання папських кімнат, свідчить про ставлення людей того часу до релігійних догм. Фрески Рафаеля висловлювали пріоритет світського початку церковно-релігійним.

Найяскравішою і найбільш повно відбиває релігійний культ фрескою була картина «Диспута». Тут композиція виявляється хіба що розділеної дві частини: небеса і земля. Внизу, на землі, розміщені постаті отців церкви, а також священнослужителів, старців та юнаків. Їхні образи надзвичайно природні, що створюється за допомогою реалістичної передачі пластики тіл, поворотів та рухів фігур. Серед маси осіб тут легко можна дізнатися про Данте, Савонаролу, живописця Фра Беато Анджеліко.

Над фігурами людей розташовані образи, що символізують Святу Трійцю: Бог Отець, трохи нижчий за нього - Ісус Христос з Богоматір'ю та Іоанном Хрестителем, нижче за них - голуб - уособлення Святого Духа. У центрі загальної композиції як символ причастя - облатка.

У «Диспуті» Рафаель постає як неперевершений майстер композиції. Незважаючи на безліч символів, картина відрізняється надзвичайною чіткістю образів і ясністю повідомленої автором думки. Симетрію розташування фігур у верхній частині композиції пом'якшують майже хаотично розміщені в нижній частині її фігури. І тому деяка схематичність зображення перших стає ледь помітною. Наскрізним композиційним елементом є тут півколо: півколо розташованих у верхній частині святих і апостолів на хмарах і як його відгомін - півкруг вільних і більш природних фігур людей у ​​нижній частині картини.

Однією з найкращих фресок та творів Рафаеля цього періоду його творчості вважається картина «Афінська школа». Ця фреска є втіленням високих гуманістичних ідеалів, пов'язаних із мистецтвом Стародавню Грецію. Художник зобразив відомих античних філософів та вчених. У центральній частині композиції розміщені фігури Платона та Аристотеля. Рука Платона вказує на землю, а Арістотеля – на небо, що символізує вчення древніх філософів.

З лівого боку від Платона розташована фігура Сократа, який веде розмову з групою людей, серед яких помітно виділяється обличчя молодого Алківіада, чиє тіло захищене панциром, а голова вкрита шоломом. На сходах розміщений Діоген, основоположник філософської школициніків. Він представлений тут як жебрак, що стоїть біля входу в храм і просить милостині.

У нижній частині композиції виведено дві групи людей. З лівого боку показано постать Піфагора, оточеного учнями. З правої – Евклід, який щось малює на грифельній дошці, також в оточенні учнів. Праворуч від останньої групи розміщено Зороастр та коронований Птолемей зі сферами в руках. Поруч автор розташував свій автопортрет і фігуру живописця Содому (саме він почав вести роботу з розпису Станці делла Сеньятура). Зліва від центру художник помістив Геракліта Ефеського, який задумав.

Порівняно з образами на фрески «Диспута», фігури «Афінської школи» набагато більші й монументальніші. Це герої, наділені неабияким розумом та великою силою духу. Головними образами фрески є Платон та Аристотель. Їх значущість визначається не тільки і не стільки місцем у композиції (вони займають центральне місце), скільки виразом обличчя та особливою пластикою тіл: воістину царственою поставою і ходою мають ці фігури. Цікавим є той факт, що прототипом образу Платона став Леонардо да Вінчі. Моделью під час написання образу Евкліда був архітектор Браманте. Прототипом Геракліта стала постать, зображена Мікеланджело на плафоні Сікстинської капели. Деякі вчені припускають, що образ Геракліта був змальований майстром із самого Мікеланджело.

Змінюється тут і тема: фреска звучить як своєрідний гімн людського розуму та людської волі. Саме тому всі персонажі розташовані на тлі грандіозних архітектурних споруд, що символізують безмежність людського розуму та творчої думки. Якщо герої «Диспути» пасивні, то образи, представлені в «Афінській школі», - це активні та енергійні будівельники свого життя, перетворювачі світового суспільного устрою.

Цікавими є і композиційні рішення фрески. Так, розташовані на задньому плані фігури Платона та Аристотеля, завдяки тому, що вони показані у русі, є головними у картині. З іншого боку, вони утворюють динамічний центр композиції. Виступаючи з глибини, вони ніби йдуть уперед, до глядача, що створює враження динаміки, розвитку композиції, яка обрамлена напівкруглою аркою.

Роботи над розписом, що йде за кімнатою печаток Станца д'Еліодоро, велися Рафалем у період з 1511 по 1514 р. Сюжетами для фресок цієї кімнати стали біблійні легенди та факти з історії папства, прикрашені розповідями, в яких головне місце відводилося божественно.

Свою назву кімната отримала після завершення декоративних робіт над фрескою «Вигнання Еліодора», основу сюжету якої склала розповідь про сирійського полководця Еліодора, який побажав викрасти багатства, що зберігаються в Єрусалимському замку. Однак йому завадив небесний вершник. Фреска служила нагадуванням, як війська Папи Юлія II розгромили і з ганьбою вигнали з Папської області французьку армію.

Однак ця фреска не вирізняється силою вираження творчого задуму художника. Відбувається це, ймовірно, через те, що загальна композиція виявляється розділеною на дві окремі частини. У лівій зображений чудовий вершник, який разом із двома ангелами намагається вразити Еліодора. Праворуч фрески розміщений Юлій II, що лежить на ношах. Серед тих, хто підтримує ноші, художник зобразив знаменитого німецького художника Альбрехта Дюрера. Незважаючи на передбачувану героїчну патетику сюжету, образи Рафаеля тут повністю позбавлені динаміки та драматизму.

Дещо сильнішою за характером і досконалою за композиційним строєм є фреска, що отримала назву «Меса в Больсені». Сюжет її заснований на розповіді, що розповідає про невіруючого священика, облата якого забарвилася кров'ю під час проведення причастя. Свідками цього дива на полотні Рафаеля стали Папа Юлій II, кардинали та швейцарці з варти, що розташувалися позаду нього.

Відмінною особливістю цього твору знаменитого художника стала більша, порівняно з попередніми роботами, ступінь природності та натуральності у зображенні героїв. Це вже не абстрактні фігури, що вражають своєю зовнішньою красою, а цілком реальні люди. Найбільш яскравим доказом цього є образи швейцарців із папської варти, особи яких сповнені внутрішньої енергії, виражають сильну людську волю. Проте їхні почуття – не творча вигадка художника. Це цілком реальні людські емоції.

У цьому творі автор приділяє багато уваги кольору, колористичній наповненості полотна та образів. Живописця хвилює тепер як точна передача контурних ліній фігур, а й колірна насиченість образів, відображення їх внутрішнього світу через певний тон.

Так само виразною є і фреска «Виведення Петра», що зображує сцену звільнення апостола Петра ангелом. Мистецтвознавці вважають, що ця картина - символ казкового звільнення папського легата Лева X (що пізніше Папою) з французького полону.

Особливий інтерес представляє у цій фресці композиційне та колірне рішення, знайдене автором. Він відтворює нічне висвітлення, що посилює драматичний характер загальної композиції. Розкриттю змісту та більшої емоційної наповненості картини багато в чому сприяє і точно підібраний архітектурний фон: темниця, складена з масивної цегли, важке арочне склепіння, товсті прути ґрат.

Четверта, і остання, фреска у Станці д'Еліодоро, яка згодом отримала назву «Зустріч Папи Лева I з Аттілою», була виконана за ескізами Рафаеля його учнями, Джуліо Романо та Франческо Пенні. Роботи проводилися в період з 1514 по 1517 р. Сам майстер, що став на той час надзвичайно популярним художником, слава якого сягала всієї Італії, і отримував масу замовлень, не міг завершити роботу над декоруванням папських палат. Крім того, Рафаеля в цей час було призначено головним архітектором собору Св. Петра, а також курирував археологічні розкопки, що проводилися тоді на території Риму та його околиць.

Картини, що прикрасили Станці дель Інчендіо, були написані за сюжетами оповідань з історії папства. Серед усіх фресок на особливу увагу заслуговує, мабуть, лише одна - «Пожежа в Борго». Вона розповідає про пожежу, що сталася в одному з римських кварталів 847 р. У гасінні пожежі брав тоді участь Папа Лев IV. Цю фреску відрізняє надмірна патетика і штучний драматизм у зображенні людей, що намагаються врятуватися від лиха: син, який несе батька, молодий чоловік, що перелазить через стіну, дівчина, що тримає глечик.

Фрески ватиканських станців добре показують еволюцію творчості Рафаеля: художник поступово переходить від ідеальних образів ранніх робіт до драматизму і водночас зближення з життям у творах, що належать до пізнього періоду. сюжетні композиціїта портрети).

Майже відразу після приїзду до Риму, в 1509 р., Рафаель, продовжуючи тему Мадонни, пише полотно «Мадонна Альба». Порівняно з фігурами «Мадонни Конестабіліз» образи в «Мадонні Альбі» набагато складніші. Марія зображена тут молодою жінкою з сильним характером, енергійною та впевненою. Так само сильні і рухи немовляти. Картина виконана у формі тондо. Проте постаті виписані тут повністю, що було характерно для круглих полотен. Подібне розташування фігур, проте, не призводить до появи статичності образів. Вони, як і вся композиція загалом, показано у поступовій динаміці. Це відчуття створюється завдяки тому, що майстер тонко та точно передає пластику рухів людського тіла.

Особливого значення для становлення творчого методу художника мала картина «Мадонна в кріслі» (або «Мадонна делла седіа»), роботу над якою було завершено приблизно 1516 р. Дещо ідеалізований образ Мадонни приземлено тут за рахунок внесення до композиції конкретних, реальних елементів. Так, наприклад, груди Марії покривають широку яскраву хустку з бахромою. Такі хустки на той час були улюбленим вбранням усіх італійських селянок.

Фігури Мадонни, немовляти Христа та маленького Іоанна Хрестителя розташовані близько один до одного. Складається враження, ніби образи плавно перетікають один до одного. Вся картина перейнята надзвичайно світлим ліричним почуттям. Вічно живу тему материнської любові передано тут у погляді Марії, а й у пластиці її постаті. Форма тондо надає всій композиції логічну завершеність. Фігури Марії та немовляти, розміщені на круглому полотні, є символом єднання двох найближчих людей: матері та дитини. Ця
картина Рафаеля ще його сучасниками була визнана вершиною станкового живопису не лише з погляду композиційної побудови, але й завдяки тонкій передачі пластичних ліній образів.

З 10-х років. XVI ст. Рафаель працює над композиціями для вівтарів. Так, у 1511 р. з'являється "Мадонна Фоліньо". А в 1515 р. знаменитий художник приступає до створення полотна, яке пізніше принесе живописцеві славу великого майстра і завоює серця одного покоління людей. «Сікстинська мадонна» є картиною, яка ознаменувала заключний етап становлення мистецького методу Рафаеля. Тема материнства отримала тут, порівняно з попередніми роботами, найбільший розвитокі найповніше втілення.

При вході в собор погляд глядача відразу звертається на величну постать Мадонни, що несе на руках немовля Ісуса Христа. Такий ефект досягається шляхом особливої ​​композиційної розстановки героїв. Відкрита завіса, погляди святих Сікста та Варвари, звернені на Марію, - усе це спрямоване на те, щоб висвітлити та зробити центром композиції молоду матір.

У розкритті образу Мадонни Рафаель відійшов далеко від художників Відродження. Мадонна тут звертається до глядача. Вона зайнята дитиною (як Мадонна Леонардо да Вінчі) і занурена у собі (як героїні ранніх творів майстра). Ця Марія, рухаючись білосніжними хмарами назустріч глядачеві, веде розмову з ним. У широко розкритих її очах видно і материнська любов, і деяка розгубленість, і безвихідь, і смиренність, і глибоке переживання подальшу долю сина. Вона як провидиця знає все, що станеться з її дитиною. Однак заради порятунку людей мати готова принести його на поталу. Тієї ж серйозністю наділений і образ немовляти Христа. У його очах ніби укладено весь світ, він як пророк віщає нам долю людства та свою власну.

Рафаель. Сикстинська мадонна. 1515-1519 рр.

Образ Марії сповнений драматизму і надзвичайно виразний. Однак він позбавлений ідеалізації та не наділений гіперболічними рисами. Відчуття завершеності, повноти образу створюється тут за рахунок динамічності композиції, яка виражена точною та вірною передачею пластики фігур, та драпіруванням одягу героїв. Усі фігури представлені, живі, рухливі, яскраві. Обличчя Марії, як і немовля Христос з не по-дитячому сумними очима, виражає цілу гаму почуттів, що змінюються одне за одним буквально на очах у глядача: смуток, занепокоєння, смиренність і, нарешті, рішучість.

Серед мистецтвознавців досі залишається відкритим питання про прототипі Сикстинської мадонни. Деякі вчені ототожнюють цей образ із образом молодої жінки, зображеної на портреті «Дама в покривалі» (1514). Однак, за свідченнями сучасників художника, Марія на полотні «Сикстинська мадонна» є скоріше якимось узагальненим типом жінки, рафаелівським ідеалом, ніж конкретним зображенням будь-кого.

Серед портретних робіт Рафаеля великий інтерес викликає портрет Папи Юлія II, написаний 1511 р. Реальна людина показаний тут якимось ідеалом, що було характерною рисою творчого методу художника.

На особливу увагу заслуговує портрет графа Бальдассаре Кастільйоне, створений у 1515 р., на якому зображено спокійну, врівноважену, гармонійно розвинену людину. Рафаель виступає тут як чудовий майстер кольору. Він використовує складні поєднання кольорів і тонові переходи. Те саме володіння відтінком відрізняє й інший твір живописця: жіночий портрет «Дама в покривалі» («La donna velata», 1514), де колірною домінантою є біла фарба (біла сукня жінки відтіняє світле покривало).

Значну частину творчості Рафаеля займають монументальні твори. Серед пізніх подібних його робіт найбільший інтерес представляє насамперед фреска, яка прикрасила в 1515 стіни вілли Фарнезіна (колишня власністю багатія Кіджі) «Тріумф Галатеї». Цю картину вирізняє надзвичайно радісний настрій. Образи буквально переповнені щастям. Подібний тон створюється завдяки використанню особливого поєднання яскравих насичених фарб: оголені білі тіла гармонійно поєднуються тут із прозоро-блакитним небом та синіми хвилями моря.

Останньою монументальною роботою Рафаеля стала прикраса стін арочної галереї, що розташовувалась на другому поверсі Ватиканського палацу. Декор для залів був оформлений розписом та мозаїкою зі штучного мармуру. Сюжети для фресок запозичені художником з біблійних легенд і т.з. гротесків (живопис, виявлений на давньогрецьких гробницях - гротах). Усього налічується 52 картини. Їх пізніше об'єднали у цикл під загальною назвою «Біблія Рафаеля». Цікавий і той факт, що роботи з прикраси залів Ватиканського палацу знаменитий художник проводив спільно з учнями, серед яких чільне місце займали Джуліо Романо, Франческо Пенні, Періно дель Вага, Джованні та Удіне.

Пізніші станкові полотна Рафаеля стали своєрідним відображенням і виразом поступово наростаючої творчої кризи майстра. Наслідуючи шлях все більшої драматизації образів, створених майстрами Високого Відродження, але при цьому залишаючись вірним своїм, вже сформованим методам художнього зображення, Рафаель приходить до протиріч стилю. Його засобів і способів вираження думки виявляється замало для того, щоб створити якісно нові, більш досконалі з погляду передачі їхнього внутрішнього світу та зовнішньої краси образи. Яскравими прикладами, що ілюструють цей період творчості Рафаеля, є «Несіння хреста» (1517), цикл «Святі сімейства» (приблизно 1518), вівтарна композиція «Преображення».

Цілком можливо, що такий талановитий живописець, яким був Рафаель, знайшов би вихід із подібного творчого глухого кута, якби не раптова смерть, яка вразила всіх сучасників майстра. Рафаель Санті помер 6 квітня 1520 р. у віці 37 років. Було влаштовано пишний похорон. Прах великого живописця похований у Пантеоні Римі.

Твори Рафаеля і досі залишаються шедеврами світового мистецтва. Ці картини, будучи прикладом класичного мистецтва, Покликані були показати людству досконалу, неземну красу. Вони представили глядачеві світ, де людьми володіють високі почуття та думки. Творчість Рафаеля є своєрідним гімном мистецтву, яке перетворює людину, роблячи її чистішою, світлішою, красивішою.

Тіціан (Тіціано Вечелліо)

Тіціано Вечелліо народився в сім'ї військового в невеликому містечку П'єве ді Кадоре, розташованому в горах і входив у венеціанські володіння. Точно встановити дату та рік народження Тіціана вченим не вдалося. Одні вважають, що це 1476-1477 р., інші – 1485-1490 р.

Вчені припускають, що рід Вечелліо був старовинним і досить впливовим у місті. Розглянувши в хлопчику здібності до живопису, що рано проявилися, батьки вирішили віддати Тіціано в художню майстерню венеціанського майстра мозаїки. Через деякий час молодий Вечелліо був визначений на навчання в майстерню спочатку Джентілі Белліні, а потім Джованні Белліні. У цей час юний художник знайомиться з Джорджоне, вплив якого позначилося на його ранніх роботах.

Усю творчість художника можна умовно поділити на два періоди: перший – т.з. джорджоневський - до 1515-1516 рр. (Коли у творах живописця найбільше виражено вплив Джорджоне); другий – з 40-х рр. 16 століття (у цей час Тиціан - вже майстер, що представляє мистецтво Пізнього Відродження).

Слідуючи на ранньому етапі становлення художнього методу Джорджоне та живописцям Ренесансу, Тіціан переосмислює способи вирішення художніх проблем. З-під пензля художника виходять нові образи, які суттєво відрізняються від піднесених та витончених постатей, наприклад Рафаеля та Леонардо да Вінчі. Герої Тиціана приземлені, повноважні, чуттєві, у яких великою мірою присутній язичницьке начало. Ранні полотна живописця відрізняються досить простою композицією, яка пронизана надзвичайно радісним настроєм і свідомістю безхмарного щастя, повноти і нескінченності земного життя.

Серед творів цього періоду, що найбільш повно виражають творчий метод художника, одним із найяскравіших є полотно «Кохання земне і небесне», датоване 10-ми роками. 16 сторіччя. Автору важливо не лише передати сюжет а й показати прекрасний пейзаж, що навіває думки про спокій та щастя буття, та чуттєву красу жінки.

Жіночі постаті, безперечно, високі, проте вони не абстраговані від життя і не ідеалізовані автором. Пейзаж, виписаний м'якими фарбами і розміщений на задньому плані, служить прекрасним тлом для граціозних та витончених, але разом з тим цілком реальних, конкретних жіночих образів: Любові земної та Небесної Любові. Вміло складена композиція та тонке почуття кольору допомогли художнику створити надзвичайно гармонійний твір, кожен елемент якого виявляється підлеглим прагненню автора показати природну красу земної природи та людини.

У пізнішій, що відноситься до 1518 р., роботи Тіціана «Ассунта» (або «Піднесення Марії») немає тієї спокійної споглядальності та умиротворення, яка звучить у творі «Кохання земне і небесне». Тут більше динаміки, сили, енергії. Центральна фігура композиції - Марія, показана молодою, повною земної краси та сили жінкою. На неї спрямовані погляди апостолів, образи яких виражають ту саму внутрішню життєву силу та енергію. Своєрідним гімном людської краси та сильного людського почуття є композиція «Вакх і Аріадна» (з циклу «Вакханалії», 1523).

Уславлення земне жіночої красистало темою та іншого твору Тіціана, який отримав назву «Венера Урбінська». Створено воно в 1538 р. Незважаючи на те, що тут абсолютно відсутня височина і одухотвореність образу, останній все ж таки не знижує естетичної цінності полотна. Венера тут справді прекрасна. Однак краса її приземлена та природна, що відрізняє образ, створений Тиціаном, від Венери Боттічеллі.

Проте говорити, що образи, раннього періоду розвитку творчості художника прославляли лише зовнішню красу людини, було б неправильно. Весь їхній вигляд зображує гармонійну людину, зовнішня краса якої прирівнюється до духовної і є зворотним боком не менш прекрасної душі.

З цієї точки зору найбільший інтерес представляє образ Ісуса Христа на полотні «Дінарій кесаря», створеному в період з 1515 по 1520 р. Ісус у Тіціана показаний зовсім не божественною, піднесеною, небесною істотою. Одухотворений вираз його обличчя свідчить, що перед глядачем - шляхетна людина з досконалою душевною організацією.

Тієї ж одухотвореністю наповнені і образи, створені у вівтарній композиції «Мадонна Пезаро», написаної в період з 1519 по 1526 р. Ці герої - не схеми та не абстракції. Створенню живої, реальної картини багато в чому сприяє використання майстром гами різноманітних фарб: біле покривало Марії, небесно-блакитні, червоні, яскраво-червоні, золотисті одяги героїв, насичено-зелений килим. Така різноманітність тонів не вносить у композицію хаос, а, навпаки, допомагає живописцеві створити струнку та гармонійну систему образів.

У 1520-ті роки. Тиціаном було створено перший твір драматичного характеру. Це знамените полотно «Стан у труну». Образ Христа тут так само, як і в картині Динарій кесаря, інтерпретований. Ісус представлений не як істота, що зійшла з небес для того, щоб врятувати людство, а як цілком земний герой, що загинув у нерівній битві. Незважаючи на весь трагізм та драматизм сюжету, полотно не викликає у глядача настрою безвиході. Навпаки, образ, створений Тиціаном, є символом оптимізму та героїзму, що втілює внутрішню красу людини, шляхетність та силу її духу.

Такий характер істотно відрізняє цей твір художника від пізнішої його однойменної роботи, датованої 1559, в якій оптимістичні настрої змінюються безвихідним трагізмом. Тут, як і в іншій картині Тіціана - «Вбивство св. Петра-мученика», час створення якої відноситься до періоду з 1528 по 1530, майстер використовує новий метод художнього зображення. Представлені на полотнах картини природи (переданий темними, похмурими фарбами захід сонця в «Положення в труну» і дерева, що гнуться під сильними поривами вітру в «Убивстві св. Петра-мученика») виявляються своєрідними виразниками почуттів і пристрастей людини. Велика Мати-Природа підпорядковується тут Володарю-Людині. Тиціан у названих вище композиціях хіба що стверджує ідею: усе, що відбувається у природі, викликано діями людини. Він - пан і правитель світу (зокрема й природи).

Новим етапом розвитку майстерності митця у створенні багатофігурних композицій стало полотно під назвою «Вступ до храму», датоване 1534-1538 роками. Незважаючи на те, що тут Тиціаном виписано безліч образів, всі вони виявляються об'єднаними в композиційне ціле інтересом до значної події, що відбувається у них на очах, - введення в храм Марії. Фігура головної героїні відокремлена від другорядних (але не менш значущих) персонажів просторовими паузами: від натовпу цікавих і священиків її відокремлюють сходи. Святковий настрій, відчуття значущості того, що відбувається, створюється в композиції жестами та пластикою фігур. Однак завдяки включенню в картину фігури торгівлі яйцями, розміщеної на передньому плані, знижується зайва пафосність твору і посилюється враження реалістичності та природності ситуації, що описується художником.

Введення в композицію народних образів є характерною рисою художньо-образотворчого методу Тіціана в період з 30-х років. XVI сторіччя. Саме такі образи допомагають майстру створити життєво правдиву картину.

Найбільш повно творча ідея показати гармонійну людину, прекрасну і душею і тілом, була втілена в портретних роботах Тіціана. Одним із перших творів подібного характеру є «Портрет молодої людини з рукавичкою». Створення полотна відноситься до періоду з 1515 по 1520 р. В образі молодої людини представлено ціле покоління людей на той час - епохи Відродження. У портреті втілена ідея гармонії людського духу та тіла. Широкі плечі, вільна пластика тіла, недбало розстебнутий комір сорочки, спокійна впевненість, яку висловлює погляд юнака,- все спрямовано на те, щоб передати основну думку автора про радість людського буття і щастя звичайної людини, яка не знає печалі і не роздирається внутрішніми суперечностями.

Той же тип гармонійно влаштованої щасливої ​​людини можна побачити на полотнах "Віоланта" та "Портрет Томмазо Мості" (обидва - 1515-1520).

На портретах, створених значно пізніше, глядач не зустріне тієї прямолінійності і чіткої визначеності характеру образів, що було характерно для подібних робіт періоду 1515-1520 гг. Сутність пізніх персонажів Тиціана, порівняно з ранніми, набагато складніша та багатостороння. Яскравим прикладом зміни художнього методу автора є картина «Портрет Іполито Рімінальді», створена наприкінці 1540-х років. На портреті зображено молодого чоловіка, обличчя якого, облямоване невеликою борідкою, виражає глибоку внутрішню боротьбу почуттів та емоцій.

Створені Тиціаном у період образи не характерні мистецтва Високого Відродження: вони складні, багато в чому суперечливі і драматичні. Такими є герої композиції, що отримала назву «Портрет Папи Павла III з Алессандро та Оттавіо Фарнезе». Полотно було створено в період з 1545 по 1546 р. Папа Павло III показаний хитрою і недовірливою людиною. Він із занепокоєнням і злістю спостерігає за Оттавіо, своїм племінником, відомим при дворі підлабузником і лицеміром.

Тіціан показав себе як чудовий майстер художньої композиції. Сутність характерів людей розкривається у тому творі у вигляді взаємодії героїв друг з одним, через їхні жести і пози.

На поєднанні велично-декоративних та реалістичних елементів побудований портрет, що зображує Карла V (1548). З майстерною точністю показано внутрішній світ моделі. Глядач розуміє, що перед ним конкретна людиназі складним характером, основними рисами якого є як великий розум і сила духу, і хитрість, жорстокість, лицемірство.

У простіших з погляду композиційного побудови портретах, створених Тицианом, вся увага глядача зосереджується на внутрішньому світі образу. Наприклад, можна навести полотно «Портрет Аретино», датований 1545 р. Моделі художником був обраний відомий на той час у Венеції людина, П'єтро Аретіно, який прославився надзвичайною жадібністю до грошей і земним задоволенням. Однак, незважаючи на це, він високо цінував мистецтво, сам був автором низки публіцистичних статей, великої кількості комедій, новел та поем (хоч і не завжди
пристойного змісту).

Таку людину і вирішив зафіксувати в одному зі своїх творів Тіціан. Його Аретино - складний реалістичний образ, що уклав у собі найрізноманітніші, іноді навіть суперечать одне одному почуття й риси характеру.

Трагічний конфлікт людини з ворожими йому силами показаний у картині «Се людина», написаної в 1543 р. Сюжет був навіяний все більшою у той час в Італії суспільною реакцією прихильників Контрреформації, спрямованої проти гуманістичних ідей Відродження. У композиції образ Христа як носія високих загальнолюдських ідеалів протистоїть Пілату, показаному цинічним, злісним та потворним. В цьому
творі вперше з'являються нотки заперечення чуттєвих, земних задоволень та радостей.

Тиціан. Портрет Папи Павла III з Алессандро та Оттавіо Фарнезе. 1545-1546 р.р.

Тим самим яскравим протиставленням відзначені й образи полотна «Дана», написаного приблизно 1554 р. Твір відрізняється високим рівнем драматичності. У ньому автор, як і раніше, оспівує красу та щастя людини. Однак щастя це минуще і миттєво. У картині немає незмінності настрою та спокійного умиротворення героїв, які відрізняють створені раніше образи («Кохання земне і небесне», «Венера Урбінська»).

Основною у творі є тема зіткнення прекрасного та потворного, високого та низинного. І якщо молода дівчина виражає все найвище, що є в людині, то стара служниця, яка намагається зловити монети золотого дощу, уособлює найнижчі людські якості: користь, жадібність, цинізм.

Драматизм підкреслюється у композиції певним поєднанням темних та світлих тонів. Саме за допомогою фарби художник розставляє у картині смислові акценти. Так, молода дівчина символізує красу та світлі почуття. А стара, яку оточують похмурі темні тони, містить у собі вираз низинного початку.

Цей період творчості Тициана характеризується як створенням повних драматизму суперечливих образів. У цей час художник пише ряд робіт, темою яких є чарівна краса жінки. Однак необхідно все ж відзначити той факт, що ці твори позбавлені того оптимістичного та життєстверджуючого настрою, який звучить, наприклад, у «Коханні земній та небесній» та «Вакханаліях». Серед полотен найбільший інтерес представляють Діана і Актеон, Пастух і німфа (1559), Венера з Адонісом.

Одною з кращих робітТіціана є картина під назвою «Каюшдяся Марія Магдалина», створена в 60-ті роки. 16 сторіччя. До цього біблійного сюжету зверталося багато художників Ренесансу. Однак у Тіціана образ Марії Магдалини, яка кається, переосмислюється. Пишуча красою і здоров'ям фігура молодої жінки висловлює скоріше не християнське покаяння, а сум і тугу за втраченим назавжди щастям. Людина, як завжди, прекрасна у Тіціана, але її добробут, спокій і душевна рівновага залежить від зовнішніх сил. Саме вони, втручаючись у долю людини, руйнують гармонію духу. Не випадково образ Магдалини, охопленої горем, показаний на тлі похмурого пейзажу, який вінчає темне небо з чорними хмарами, що насуваються - передвіс-
грози.

Та ж тема страждання людини звучить і в пізніших творах знаменитого майстра: «Коронування терновим вінцем» (1570) та «Св. Себастьяни» (1570).

У «Коронуванні терновим вінцем» Ісус представлений художником в образі звичайної людини, яка за фізичними, а головне, моральними якостями перевершує своїх мучителів.

Однак він самотній і лише тому не може бути переможцем. Драматизм, емоційне напруження сцени посилює похмурий, темний колорит.

Тема самотнього героя, який конфліктує з навколишнім світом, звучить і у творі «Св. Себастьян». Головний герой показаний тут величним титаном - образ, характерний мистецтва Відродження. Однак він все ж таки виявляється переможеним.

Пейзаж, символізуючи ворожі персонажу сили, відіграє тут самостійну роль. Незважаючи на драматизм сюжету, композиція загалом пронизана життєствердним настроєм.

Своєрідним гімном людському розуму, мудрості та вірності прийнятим ідеалам є автопортрет майстра, створений у 60-х роках. XVI ст.

Однією з найвиразніших картин Тиціана визнано «П'єту» (або «Оплакування Христа»), написану близько 1576 р. Фігури охоплених горем жінок зображені тут на тлі кам'яної ніші та похмурого пейзажу. Марія, подібно до статуї, застигла в скорботі. Образ Магдалини надзвичайно яскравий і динамічний: спрямована вперед постать жінки, піднята вгору рука, розкидане вогненно-руде волосся, трохи відкритий рот, з якого ось-ось вирветься крик розпачу. Ісус показаний не божественною небесною істотою, а цілком реальною людиною, повалений у нерівній битві з ворожими світом людей силами. Трагізм образів виражений у картині за допомогою тонових та світлотіньових переходів. Головні персонажі виявляються ніби вихопленими променями світла з нічної темряви.

Цей твір Тіціана прославляє людину, наділену глибокими почуттями. Полотно «П'єта» стало своєрідною прощальною піснею, присвяченою світлим, піднесеним і величним героям, створеним епоху Ренесансу.

Великий художник, подарував світу прекрасні образи, помер 27 серпня 1576 р., ймовірно від чуми. Він залишив по собі безліч полотен, що досі вражають глядачів майстерністю виконання та тонким почуттям кольору. Тиціан постає маємо і як чудовий психолог, знавець душі людської. Серед його учнів були такі художники, як Якопо Нігреті (Пальма Старший), Боніфаціо де Пітаті, Паріс Бордоне, Якопо Пальма Молодший.

Характерні риси мистецтво епохи Відродження

Перспектива.Щоб додати тривимірну глибину та простір у свої роботи, художники епохи Відродження запозичили та значно розширили поняття лінійної перспективи, лінії горизонту та точки сходу.

§ Лінійна перспектива. Картина з лінійною перспективою - це ніби дивишся у вікно і малюєш саме те, що бачиш на шибці. Об'єкти на картині стали мати властиві їм розміри, залежно від віддаленості. Ті, що були далі від глядача, зменшувалися, і навпаки.

§ Лінія горизонту. Це лінія на відстані, при якій об'єкти зменшуються до точки завтовшки з цієї лінії.

§ Точка сходу. Це точка, в якій паралельні лінії сходяться далеко на відстані, часто на лінії горизонту. Цей ефект можна спостерігати, якщо стояти на залізничних коліях та дивитися на рейки, що йдуть у такль.

Тіні та світло.Художники з цікавістю обігравали те, як світло падає на об'єкти та створює тіні. Тіні та світло можна було використовувати для привернення уваги до певної точки на картині.

емоції.Художники епохи Відродження хотіли, щоб глядач, дивлячись на роботу, щось відчув, відчув емоційне переживання. Це була форма візуальної риторики, де глядач відчував натхнення, щоб стати в чомусь краще.

Реалізм та натуралізм.На додаток до перспективи художники прагнули, щоб об'єкти, особливо люди, виглядали більш реалістично. Вони вивчали анатомію людини, вимірювали пропорції та шукали ідеальну людську форму. Люди виглядали реально і виявляли справжні емоції, дозволяючи глядачеві робити висновки, що зображені люди думають і відчувають.

Епоху «Відродження» ділять на 4 етапи:

Проторенесанс (2-я половина XIII століття - XIV століття)

Раннє Відродження (початок XV – кінець XV століття)

Високе Відродження (кінець XV – перші 20 років XVI століття)

Пізніше Відродження (середина XVI – 1590-і роки)

Проторенесанс

Проторенесанс тісно пов'язаний із середньовіччям, що воно і виникло в Пізньому середньовіччі, з візантійськими, романськими та готичними традиціями, цей період став предтечею Відродження. Він ділиться на два підперіоди: до смерті Джотто ді Бондоне і після (1337). Італійський художник та архітектор, основоположник епохи Проторенесансу. Одна з ключових постатей в історії західного мистецтва. Подолавши візантійську іконописну традицію, став справжнім фундатором італійської школи живопису, розробив абсолютно новий підхід до зображення простору. Роботами Джотто надихалися Леонардо да Вінчі, Рафаель, Мікеланджело. Центральною фігурою живопису став Джотто. Художники Відродження вважали його реформатором живопису. Джотто намітив шлях, яким пішов її розвиток: наповнення релігійних форм світським змістом, поступовий перехід від площинних зображень до об'ємних і рельєфних, наростання реалістичності, ввів у живопису пластичний обсяг фігур, зобразив у живописі інтер'єр.

Наприкінці XIII століття у Флоренції зводиться головна храмова споруда - собор Санта Марія дель Фіоре, автором був Арнольфо ді Камбіо, потім роботу продовжив Джотто.

Найважливіші відкриття, найяскравіші майстри живуть та працюють у перший період. Другий відрізок пов'язаний з епідемією чуми, що обрушилася на Італію.

Раніше мистецтво проторенесансу проявилося в скульптурі (Нікколо і Джованні Пізано, Арнольфо ді Камбіо, Андреа Пізано). Живопис представлений двома художніми школами: Флоренції та Сієни.

Раннє Відродження

Період так званого «Раннього Відродження» охоплює в Італії час із 1420 по 1500 року. Протягом цих вісімдесяти років мистецтво ще цілком відмовляється від переказів недавнього минулого (Середніх віків), але намагається домішувати до них елементи, запозичені з класичної давнини. Лише згодом під впливом все сильніше і сильніше умов життя і культури, що змінюються, художники зовсім кидають середньовічні основи і сміливо користуються зразками античного мистецтва, як у загальній концепції своїх творів, так і в їх деталях.

Тоді як мистецтво в Італії вже рішуче йшло шляхом наслідування класичної давнини, в інших країнах воно довго трималося традицій готичного стилю. На північ від Альп, а також в Іспанії, Відродження настає лише наприкінці XV століття, та його ранній періодтриває приблизно середини наступного століття.

Художники Раннього Відродження

Одним із перших і найгеніальніших представників цього періоду по праву вважається Мазаччо (Мазаччо Томмазо Ді Джованні Ді Сімоне Кассаї) знаменитий італійський живописець, найбільший майстер флорентійської школи, реформатор живопису епохи Кватроченто.

Своєю творчістю він сприяв переходу від готики до нового мистецтва, що прославляв велич людини та її світу. Внесок Мазаччо в мистецтво було знову в 1988, коли його головне творіння - фрески капели Бранкаччі у церкві Санта Марія дель Карміне у Флоренції- були відновлені у первісному вигляді.

- Воскресіння сина Теофіла, Мазаччо та Філіппіно Ліппі

- Поклоніння волхвів

- Диво зі статиром

Іншими важливими представниками цього періоду стали Сандро Боттічеллі. великий італійський художник епохи Відродження, представник флорентійської школи живопису.

- Народження Венери

- Венера та Марс

- Весна

- Поклоніння Волхвів

Високе Відродження

Третій період Відродження – час найпишнішого розвитку його стилю – прийнято називати «Високим Відродженням». Він простягається в Італії приблизно з 1500 до 1527 року. У цей час центр впливу італійського мистецтва з Флоренції переміщається до Риму, завдяки вступу на папський престол Юлія II - людину честолюбну, сміливу, підприємливу, яка привернула до свого двору кращих художників Італії, що займала їх численними і важливими роботамиі давав собою іншим приклад любові до мистецтва. При цьому Папі і за його найближчих наступників Рим стає хіба що новими Афінамичасів Перікла: у ньому будується безліч монументальних будівель, створюються чудові скульптурні твори, пишуться фрески і картини, які досі вважаються перлинами живопису; при цьому всі три галузі мистецтва струнко йдуть пліч-о-пліч, допомагаючи одне одному і взаємно діючи один на одного. Античність вивчається тепер більш ґрунтовно, відтворюється з більшою строгістю та послідовністю; спокій та гідність замінюють собою грайливу красу, яка становила прагнення попереднього періоду; Пригадування середньовічного зовсім зникають, і класичний відбиток лягає на все створення мистецтва. Але наслідування стародавнім не заглушає у художниках їх самостійності, і вони з великою винахідливістю і жвавістю фантазії вільно переробляють і застосовують до справи те, що вважають за доречне запозичувати для себе з античного греко-римського мистецтва.

Творчість трьох великих італійських майстрів знаменує собою вершину Ренесансу, це - Леонардо да Вінчі (1452-1519) Леонардо ді сір П'єро да Вінчівеликий італійський художник епохи Відродження, представник флорентійської школи живопису. італійський художник (живописець, скульптор, архітектор) і вчений (анатом, дослідник природи), винахідник, письменник, музикант, один з найбільших представників мистецтва Високого Відродження, яскравий приклад « універсальної людини»

Таємна вечеря,

Мона Лізу,

-Вітрувіанська людина ,

- Мадонна Літта

- Мадонна у скелях

-Мадонна з веретеном

Мікеланджело Буонарроті (1475-1564) Мікеландже ді Лодовіко ді Леонардо ді Буонарроті Сімоні.італійський скульптор, художник, архітектор [⇨], поет [⇨], мислитель [⇨]. . Один з найбільших майстрів епохи Відродження [⇨] та раннього бароко. Його твори вважалися найвищими досягненнями мистецтва Відродження ще за життя самого майстра. Мікеланджело прожив майже 89 років, цілу епоху від періоду Високого Відродження до витоків Контрреформації. За цей період змінилося тринадцять Пап Римських - він виконував замовлення дев'яти з них.

Створення Адама

Страшний суд

та Рафаель Санті (1483-1520). великий італійський живописець, графік та архітектор, представник умбрійської школи.

- Афінська школа

-Сикстинська мадонна

- Перетворення

- Прекрасна садівниця

Пізніше Відродження

Пізніше Відродження Італії охоплює період із 1530-х по 1590-1620-е роки. У Південній Європі перемогла Контрреформація ( Контрреформація(Лат. Contrareformatio; від contra- проти та reformatio- перетворення, реформація) - католицький церковно-політичний рух у Європі середини XVI-XVII ст., спрямований проти Реформації і що мав на меті відновити позиції і престиж Римсько-католицької церкви.), яка з побоюванням дивилася на всяке вільнодумство, включаючи оспівування людського тіла і воскресіння ідеалів античності як наріжні камені ренесансної ідеології. Світоглядні протиріччя та загальне відчуття кризи вилилися у Флоренції у «нервове» мистецтво надуманих кольорів та зламаних ліній – маньєризм. У Парму, де працював Корреджо, маньєризм дістався лише після смерті художника у 1534 році. Мистецькі традиції Венеції мали власну логіку розвитку; до кінця 1570-х років там працювали Палладіо (справжнє ім'я Андреа ді П'єтро).великий італійський архітектор пізнього Відродження та маньєризму. Маньєризм(від італійської maniera, манера) - західноєвропейськийлітературно-художній стиль XVI - першої третини XVII століття. Характеризується втратою ренесансної гармонії між тілесною і духовною, природою і людиною.) Основоположник паладіанства ( Паладіанізмабо Паладієва архітектура- Рання форма класицизму, що виросла з ідей італійського архітектора Андреа Палладіо (1508-1580). В основі стилю лежать суворе дотримання симетрії, врахування перспективи та запозичення принципів класичної храмової архітектури Стародавньої Греції та Риму.) та класицизму. Ймовірно, найвпливовіший архітектор в історії.

Перші самостійні роботи Андреа Палладіо, як талановитого проектувальника та обдарованого архітектора, - це Базиліка у Віченці, в якій проявився його самобутній неповторний талант.

Серед заміських будинків найвидатніший витвір майстра – вілла Ротонда. Андреа Палладіо побудував її у Віченці для ватиканського чиновника, який вийшов у відставку. Вона примітна тим, що перша світсько-побутова споруда епохи Відродження, зведена у формі античного храму.

Інший приклад – палаццо К'єрікаті, незвичність якого проявляється в тому, що перший поверх будівлі був майже весь відданий на громадське використання, що узгоджувалося з вимогами міської влади тих часів.

Серед знаменитих містобудівних споруд Палладіо обов'язково слід згадати про театр Олімпіко, спроектований у стилі амфітеатру.

Тиціан ( Тіціан Вечеліо) італійський живописець, найбільший представник венеціанської школи епохи Високого та Пізнього Відродження. Ім'я Тіціана стоїть в одному ряду з такими художниками Відродження, як Мікеланджело, Леонардо да Вінчі та Рафаель. Тіціан писав картини на біблійні та міфологічні сюжети, прославився він і як портретист. Йому робили замовлення королі та римські папи, кардинали, герцоги та князі. Тиціану не було і тридцяти років, коли його визнали найкращим живописцем Венеції.

За місцем народження (П'єве-ді-Кадоре в провінції Беллуно, Венеціанська республіка) його іноді називають так Кадорі; відомий також як Тиціан Божественний.

- Вознесіння Діви Марії

- Вакх та Аріадна

- Діана та Актеон

- Венера Урбіно

- Викрадення Європи

чия творчість мала мало спільного з кризовими явищами у мистецтві Флоренції та Риму.

Початком ренесансного живопису вважають епоху Дученто, тобто. кінець XIII ст. Проторенесанс ще тісно пов'язаний із середньовічними романськими. готичними та візантійськими традиціями. Художники кінця XIII – початку XIV ст. ще далекі від наукового вивчення навколишньої дійсності. Вони висловлюють уявлення про неї, ще використовуючи умовні образи візантійської образотворчої системи - скелясті гірки, символічні дерева, умовні башточки. Але іноді вигляд архітектурних споруд так точно відтворено, що це свідчить про існування замальовок з натури. Традиційні релігійні персонажі починають зображуватися у світі, наділеному властивостями реальності – обсягом, просторовою глибиною, матеріальною речовинністю. Починається пошук прийомів передачі на площині об'єму та тривимірного простору. Майстри цього часу відроджують відомий античності принцип світлотіньового моделювання форм. Завдяки їй фігури та будівлі набувають щільності та об'єму.

Очевидно, першим, хто застосував античну перспективу, був флорентієць Ченні ді Пепо (відомості з 1272 по 1302), прозваний Чимабуе. На жаль, найзначніша його робота - серія розписів на теми з Апокаліпсису, життя Марії та апостола Петра в церкві Сан Франческо в Ассизі дійшла до нас майже в зруйнованому стані. Найкраще збереглися його вівтарні композиції, що знаходяться у Флоренції та в музеї Лувру. Вони теж сягають візантійських прототипів, але в них чітко проступають риси нового підходу до релігійного живопису. Чимабуе повертається від італійського живопису XIII століття, що засвоїла візантійські традиції, до безпосередніх витоків. Він відчув у них те, що залишилося недоступним його сучасникам, - гармонійний початок і піднесену красу образів еллінської краси.

Великі художники з'являються сміливими новаторами, які відкидають традиційну систему. Таким реформатором в італійському живописі XIV століття слід визнати Джотто ді Бондоне(1266-1337). Він творець нової живописної системи, великий перетворювач всього європейського живопису, справжній родоначальник нового мистецтва. Це геній, що високо піднімається над сучасниками та багатьма з послідовників.

Флорентієць за народженням, він працював у багатьох містах Італії: від Падуї та Мілана на півночі до Неаполя на півдні. Найвідоміша з робіт Джотто, що дійшли до нас, - цикл розписів у капелі дель Арена в Падуї, присвячений євангельським сказанням про життя Христа. Цей унікальний мальовничий ансамбль – один із етапних творів в історії європейського мистецтва. Замість роз'єднаних окремих сцен і фігур, властивих середньовічному живопису, Джотто створив єдиний епічний цикл. . Замість звичного золотого візантійського тла Джотто вводить пейзажне тло. Фігури вже не ширяють у просторі, а знаходять твердий ґрунт під ногами. І хоча вони ще малорухливі, у них видно прагнення передати анатомію людського тіла та природність руху.

Реформа, вироблена Джотто у живопису, справила глибоке враження всіх його сучасників. Одностайні відгуки про нього як про великого живописця, розмаїття замовників і покровителів, почесні доручення у багатьох містах Італії - все це говорить про те, що сучасники чудово розуміли значення його мистецтва. Але найближчі покоління наслідували Джотто як боязкі учні, запозичуючи в нього зокрема.

Вплив Джотто набув своєї сили та плідність лише через століття. Художники Кватроченто здійснили завдання, поставлені Джотто.

Слава засновника живопису Кватроченто належить флорентійському художнику Мазаччо, що помер дуже молодим (1401-1428). Він першим вирішив головні проблеми живопису Відродження - лінійного та повітряної перспективи. На його фресках у капелі Бранкаччі флорентійської церкви Санта Марія дель Карміне постаті, написані за законами анатомії, пов'язані між собою та з пейзажем.

Церква Санта Марія дель Карміне стала свого роду академією, де навчалися покоління художників, які зазнали впливу Мазаччо: Паоло Учелло, Андрій Кастаньо, Доменіко Веніціано та багато інших аж до Мікеланджело.

Флорентійська школа тривалий час залишалася провідною у мистецтві Італії. У ньому існувала і більш консервативна течія. Деякі художники цього напряму були ченцями, тому в історії мистецтва вони отримали назву монастирських. Одним із найвідоміших серед них був фра (тобто брат - звернення ченців один до одного) Джованні Беато Анжеліко та Фьезоле(1387-1455). Його образи біблійних персонажів написані у дусі середньовічних традицій, вони сповнені ліризму, спокійної гідності та споглядальності. Його пейзажні фони пронизані почуттям життєрадісності, притаманним епохи Відродження.

Один із найвидатніших художників Кватроченто - Сандро Боттічеллі(1445-1510) - виразник естетичних ідеалів двору знаменитого тирана, політика, мецената, поета та філософа Лоренцо Медічі, прозваного Чудовим. Двір цього некоронованого государя був центром художньої культуриоб'єднав знаменитих філософів, учених, художників.

Ранній Ренесанс тривав близько століття. Його завершує період Високого Ренесансу, на який припадає лише близько 30 років. Головним центром художнього життя у цей час стає Рим.

До рубежу XV-XVI ст. відноситься початок тривалої іноземної інтервенції до Італії, роздроблення та поневолення країни, втрата незалежності вільних міст, посилення феодально-католицької реакції. Але в італійському народі зростало патріотичне почуття, що сприяє політичній активності та зростанню національної самосвідомості, Прагнення національного об'єднання. Це піднесення народної самосвідомості створило широку народну основу культури Високого Ренесансу.

Закінчення Чинквеченто пов'язують з 1530, коли італійські держави втратили свободу, ставши здобиччю могутніх європейських монархій. Соціально-політична та економічна криза Італії, що спирається не на промисловий переворот, а на міжнародну торгівлю, готувався вже давно. Відкриття Америки та нових торгових шляхів позбавляло італійські міста переваг у міжнародної торгівлі. Але, як відомо, історія культури періоди розквіту мистецтва не збігаються із загальним соціально-економічним розвитком суспільства. І в період економічного занепаду та політичного поневолення, у важкі для Італії часи настає недовге століття італійського Відродження – Високий Ренесанс. Саме тим часом гуманістична культура Італії стала всесвітнім надбанням, перестала бути місцевим явищем. Італійські художникистали користуватися всеєвропейською популярністю, на яку справді заслуговували.

Якщо мистецтво Кватроченто – це аналіз, пошуки, знахідки, свіжість юнацького світовідчуття, то мистецтво Високого Ренесансу – це результат, синтез, мудра зрілість. Пошуки художнього ідеалу під час Кватроченто привели мистецтво до узагальнення, розкриття загальних закономірностей. Головна відмінність мистецтва Високого Ренесансу в тому, що воно відмовляється від деталей, деталей, подробиць в ім'я узагальненого образу. Весь досвід, усі пошуки попередників стиснуті у великих майстрів Чинквеченто у грандіозному узагальненні.

Реалістичний метод художників Високого Відродження своєрідний. Вони переконані, що значне може існувати лише у чудовій оболонці. Тому вони прагнуть бачити лише виняткові явища, що височіють над повсякденністю. Італійські художники створювали образи героїчних особистостей, прекрасних та сильних духом людей.

Це була епоха титанів Відродження, що подарувала світової культури творчість Леонардо, Рафаеля, Мікеланджело. В історії світової культури ці три генія, незважаючи на всю їхню несхожість, творчу індивідуальність, уособлюють головну цінність італійського Відродження – гармонію краси, могутності та інтелекту. Долі цих художників (чия потужна людська та художня індивідуальність змушувала виступати їх як суперників, неприязно ставитись один до одного) мали багато спільного. Всі троє сформувалися у Флоренційській школі, а потім працювали при дворах меценатів, головним чином римських пап. Їхнє життя – свідчення того зміни ставлення суспільства до творчої особистості художника, яке характерне для епохи Відродження. Майстри мистецтв стали помітними та цінними постатями у суспільстві, вони справедливо вважалися найосвіченішими людьми свого часу.

Ця характеристика, можливо, більше, ніж до інших діячів Відродження, підходить до Леонардо Да Вінчі(1452-1519). Він об'єднав у собі художній та науковий геній. Леонардо був ученим, який вивчає природу не заради мистецтва, а заради науки. Тому до нас дійшло так мало закінчених творів Леонардо. Він починав картини і кидав їх, як тільки проблема здавалася йому ясно сформульованою. Багато його спостережень передбачають розвиток європейської науки та живопису на цілі століття. Сучасні наукові відкриттяпідігрівають інтерес до його науково-фантастичних інженерних малюнків. Теоретичні міркування Леонардо про фарби, які він виклав у своєму "Трактаті про живопис", передбачають головні передумови імпресіонізму XIX ст. Леонардо писав про чистоту звучання фарб лише на світловій стороні предмета, про взаємний вплив фарб, необхідність живопису на свіжому повітрі. Ці спостереження Леонардо не використані у його живопису. Він був більше теоретиком, ніж практиком. Лише у XX столітті почалося активне збирання воєдино та обробка його величезної рукописної спадщини (близько 7000 сторінок). Його вивчення, безсумнівно, призведе до нових відкриттів та пояснення загадок легендарної творчості цього титану Відродження.

Новим етапом у мистецтві був розпис стіни трапезного монастиря Санта Марія делле Граціє на сюжет "Таємної вечері", який писали багато художників Кватроченто. "Таємна вечеря" - наріжний камінь класичного мистецтва, в ній здійснено програму Високого Відродження. Вона впливає абсолютною продуманістю, узгодженістю частин та цілого, силою своєї духовної концентрації.

Леонардо працював над цим твором 16 років.

Однією із найзнаменитіших картин у світі стала робота Леонардо "Джоконда". Цей портрет дружини купця дель Джокондо прикував увагу протягом століть, про нього написано сотні сторінок коментарів, його викрадали, підробляли, копіювали, йому приписували чаклунську силу. Невловимий вираз обличчя Джокони не піддається точному опису та відтворенню. Найменша зміна відтінків (яка може залежати просто від освітлення портрета) у куточках губ, у переходах від підборіддя до щоки змінює характер обличчя. На різних репродукціях Джоконда виглядає дещо інакше, то трохи м'якше, то іронічніше, то задумливіше. Невловимість у самому образі Мони Лізи, у її проникливому погляді, що ніби невідривно стежить за глядачем, у її напівусмішці. Цей портрет став шедевром мистецтва ренесансу. Вперше історія світового мистецтва портретний жанр став однією рівень із композиціями на релігійну тему.

Ідеї ​​монументального мистецтва Відродження знайшли яскраве вираження у творчості Рафаеля Санті(1483-1520). Леонардо створив класичний стильРафаель його затвердив і популяризував. Мистецтво Рафаеля часто визначають як "золоту середину". Його композиція перевершує все, що було створено у європейському живописі, своєю абсолютною гармонією пропорцій. Мистецтво Рафаеля протягом п'яти століть сприймається як вищий орієнтир у духовному житті людства як один із зразків естетичної досконалості. Творчість Рафаеля відрізняють якості класики – ясність, шляхетна простота, гармонія. Усією своєю суттю воно пов'язане із духовною культурою Ренесансу.

Найвидатніші з монументальних робіт Рафаеля – це розписи ватиканських апартаментів тата. Багатофігурні великомасштабні композиції покривають усі стіни трьох залів. У розписі Рафаелю допомагали учні. Найкращі фрески, як, наприклад, "Афінська школа", він виконував власноруч. Сюжети розпису включали фрески-алегорії основних сфер духовної діяльності: філософії, поезії, богослов'я і правосуддя. У картинах та фресках Рафаеля – ідеально-піднесене зображення християнських образів, античних міфів та людської історії. Він умів поєднувати цінності земного буття та ідеальні уявлення як ніхто інший із майстрів Відродження. Історична заслуга його мистецтва в тому, що він зв'язав в одне ціле два світи – світ християнський та світ язичницький. З цього часу новий художній ідеал надовго утвердився у релігійному мистецтві Західної Європи.

Світлий геній Рафаеля був далекий від психологічної поглибленості у внутрішній світ людини, як у Леонардо, але ще більше він далекий від трагічного світовідчуття Мікеланджело. У творчості Мікеланджело позначилася аварія стилю Ренесансу і намітилися паростки нового художнього світорозуміння. Мікельанджело Буонарроті(1475-1564) прожив довге, важке та героїчне життя. Його геній проявився в архітектурі, живописі, поезії, але найяскравіше в скульптурі. Він сприймав світ пластично, у всіх галузях мистецтва він передусім скульптор. Тіло людини здається їй найгіднішим предметом зображення. Але це людина особливої, могутньої, героїчної породи. Мистецтво Мікеланджело присвячене прославленню людини-борця, його героїчної діяльності та страждань. Його мистецтву властиві гігантоманія, титанічний початок. Це мистецтво площ, громадських споруд, а чи не палацових залів, мистецтво народу, а чи не для придворних аристократів.

Найграндіознішим із його праць став розпис склепіння Сікстинської капели. Мікеланджело справді справді титанічний працю - протягом чотирьох років він один розписав площу близько 600 кв. метрів. День у день він писав на висоті 18 метрів, стоячи на лісах і закидаючи голову. Після закінчення розпису його здоров'я було зовсім підірвано, а тіло спотворено (упали груди, вигнувся корпус, виріс зоб; довгий час митець не міг дивитися прямо перед собою і читав, піднімаючи книгу над головою). Грандіозний розпис присвячений сценам священної історії, починаючи від створення світу. Мікеланджело написав на плафоні близько 200 фігур та фігурних композицій. Ніколи і ніде не було нічого, подібного до задуму Мікеланджело за розмахом і цілісністю. На склепінні Сикстинської капели він створив гімн на славу героїчного людства. Його герої - живі люди, в них немає нічого надприродного, але водночас це прекрасні могутні, титанічні особистості. Майстри Кватроченто задовго до Мікеланджело ілюстрували на стінах капели різні епізоди церковного переказу, Мікеланджело на склепінні хотів уявити долі людства до спокути.

Будь-яка думка про те, що картина є площиною, зникає. Фігури вільно рухаються у просторі. Фрески Мікеланджело проривають стіну. Ця ілюзія простору та руху стала величезним досягненням європейського мистецтва. Відкриття Мікеланджело того, що декорація може висунути вперед або змусити відступити назад стіну і стелю, пізніше використовує бароко декоративне мистецтво.

Мистецтво, вірне традиціям Ренесансу, продовжує жити у XVI столітті у Венеції - місті, яке найдовше зберегло свою незалежність. У цій багатій патриціансько-купецькій республіці, яка здавна підтримує торговельні зв'язки з Візантією, з арабським Сходом, по-своєму перероблялися східні смаки та традиції. Головний вплив венеціанського живопису - у його надзвичайному колориті. Любов до кольору поступово призводила художників венеціанської школи до нового мальовничого принципу. Об'ємність, матеріальність зображення досягаються не світлотіньовим моделюванням, а мистецтвом колірного ліплення.

Ренесанс – це феноменальне явище історія людства. Ніколи більше не було такого блискучого спалаху у сфері мистецтва. Скульптори, архітектори та художники епохи Відродження (список їх великий, але ми торкнемося найвідоміших), імена яких відомі всім, подарували світові безцінні Унікальні та виняткові люди виявляли себе не на одній ниві, а одразу на кількох.

Живопис епохи раннього Відродження

Епоха Ренесансу має відносні часові рамки. Раніше вона почалася в Італії - 1420-1500 роки. У цей час живопис і все мистецтво загалом мало чим відрізняється від недавнього минулого. Однак починають вперше з'являтися елементи, запозичені із класичної давнини. І лише у наступні роки скульптори, архітектори та художники епохи Відродження (список яких дуже великий) під впливом сучасних умов життя та прогресивних віянь остаточно відмовляються від середньовічних основ. Вони сміливо беруть на озброєння найкращі зразки античного мистецтва для своїх творів як загалом, так і в окремих деталях. Імена їх відомі багатьом, зупинимося на найяскравіших особистостях.

Мазаччо – геній європейського живопису

Саме він зробив величезний внесок у розвиток живопису, ставши великим реформатором. Флорентійський майстер народився 1401 року в сім'ї художніх ремісників, тому почуття смаку та прагнення творити було в нього в крові. У віці 16-17 років він переїхав до Флоренції, де працював у майстернях. Його вчителями по праву вважаються Донателло та Брунеллескі – великі скульптори та архітектори. Спілкування з ними і перейняті навички не могли не позначитися на молодому художнику. У першого Мазаччо запозичив нове розуміння людської особистості, характерне скульптури. У другого майстра - основи Першою достовірною роботою дослідники вважають "Триптих Сан Джовенале" (на першому фото), який був виявлений у невеликій церкві неподалік містечка, в якому народився Мазаччо. Головним же твором є фрески у присвячені історії життя Св. Петра. Художник брав участь у створенні шести з них, а саме: «Диво зі статиром», «Вигнання з раю», «Хрещення неофітів», «Роздача майна та смерть Ананії», «Воскресіння сина Теофіла», «Святий Петро зцілює хворого своєю тінню» та «Святий Петро на кафедрі».

Італійські художники епохи Відродження - це люди, що повністю присвятили себе мистецтву, не звертали уваги на звичайні життєві проблеми, що часом призводило їх до бідного існування. Не виняток і Мазаччо: геніальний майстер помер дуже рано, у віці 27-28 років, залишивши по собі великі твори та велику кількість боргів.

Андреа Мантенья (1431-1506)

Це представник падуанської школи художників. Основи майстерності він одержав від свого прийомного батька. Стиль же формувався під впливом робіт Мазаччо, Андреа дель Кастаньо, Донателло та венеціанського живопису. Це визначило дещо жорстку та різку манеру Андреа Мантенья порівняно з флорентинцями. Він був збирачем та знавцем творів культури античного періоду. Завдяки своєму стилю, який не схожий не на один інший, він прославився як новатор. Його найвідоміші роботи: "Мертвий Христос", "Тріумф Цезаря", "Юдіф", "Битва морських божеств", "Парнас" (на фото) тощо. З 1460 і до самої смерті він працював придворним художником в сім'ї герцогів Гонзагу.

Сандро Боттічеллі(1445-1510)

Боттічеллі - це псевдонім, справжнє прізвище- Філіпепі. Шлях художника він вибрав не відразу, а спочатку навчався ювелірної майстерності. У перших самостійних роботах (дещо «Мадонн») відчувається вплив Мазаччо та Ліппі. Надалі він прославив себе так само як портретист, основна маса замовлень приходила з Флоренції. Вишуканий та витончений характер його робіт з елементами стилізації (узагальнення зображень за допомогою умовних прийомів – простота форми, кольору, об'єму) відрізняють його від інших майстрів того часу. Сучасник Леонардо да Вінчі та юного Мікеланджело залишив яскравий слід у світовому мистецтві («Народження Венери» (фото), «Весна», «Поклоніння волхвів», «Венера і Марс», «Різдво» тощо). Його живопис щирий і чуйний, а життєвий шлях складний і трагічний. Романтичне сприйняття світу в юному віці змінилося містицизмом та релігійною екзальтацією у зрілості. Останні роки життя Сандро Боттічеллі доживав у бідності та забутті.

П'єро (П'єтро) делла Франческа (1420-1492)

Італійський живописець та ще один представник епохи раннього Відродження родом із Тоскани. Авторський стиль формувався під впливом флорентійської школи живопису. Крім таланту художника П'єро делла Франческа мав визначні здібності в галузі математики, і останні роки життя присвятив саме їй, намагаючись пов'язати її з високим мистецтвом. Результатом стали два наукові трактати: «Про перспективу в живописі» та «Книжка про п'ять правильних тіл». Його стиль відрізняє урочистість, гармонія та шляхетність образів, композиційна врівноваженість, точні лінії та побудова, м'яка гама фарб. П'єро делла Франческа мав дивовижне для того часу знання технічного бокуживопису та особливостей перспективи, чим заслужив високий авторитет у сучасників. Найбільш відомі роботи: «Історія цариці Савської», «Бичування Христа» (на фото), «Вівтар Монтефельтро» та ін.

Живопис високого Відродження

Якщо Проторенесанс та рання епохатривали майже півтора століття і століття відповідно, цей період охоплює лише кілька десятиліть (в Італії з 1500 по 1527 рік). Це був яскравий, сліпучий спалах, який подарував світові цілу плеяду великих, різнобічних і геніальних людей. Усі галузі мистецтва йшли пліч-о-пліч, тому багато майстрів - це ще й вчені, скульптори, винахідники, а не лише художники епохи Відродження. Список великий, але вершину Ренесансу ознаменувала творчість Л. да Вінчі, М. Буанаротті та Р. Санті.

Незвичайний геній да Вінчі

Мабуть, це неординарна і видатна особистість історія світової художньої культури. Він був людиною універсальною в повному розумінні цього слова і мав найрізноманітніші знання і таланти. Художник, скульптор, теоретик у галузі мистецтва, математик, архітектор, анатом, астроном, фізик та інженер – усе це про нього. Причому в кожній із областей Леонардо да Вінчі (1452-1519) виявив себе як новатор. До цього часу дійшло лише 15 його картин, а також безліч ескізів. Володіючи приголомшливою життєвою енергієюі жагою знань, він був нетерплячий, його захоплював процес пізнання. У дуже молодому віці (20 років) він отримав кваліфікацію майстра Гільдії Святого Луки. Його найважливішими творами стали фреска «Таємна вечеря», картини «Мона Ліза», «Мадонна Бенуа» (на фото вище), «Дама з горностаєм» тощо.

Портрети художників епохи Відродження – це рідкість. Вони воліли залишати свої зображення на картинах із безліччю осіб. Так, навколо автопортрета да Вінчі (на фото) досі не вщухають суперечки. Висуваються версії про те, що він зробив його у віці 60 років. За словами біографа, художника та письменника Вазарі, помирав великий майстер на руках у свого близького друга короля Франциска I у його замку Кло-Люсі.

Рафаель Санті (1483-1520)

Художник та архітектор родом з Урбіно. Його ім'я в мистецтві незмінно пов'язують з уявленням про піднесену красу та природну гармонію. За досить коротке життя (37 років) він створив багато відомих на весь світ картин, фресок та портретів. Сюжети, які він зображував, дуже різноманітні, але завжди приваблював образ Богоматері. Абсолютно обґрунтовано Рафаеля називають "майстром Мадонн", особливо відомі ті, що написані ним у Римі. У Ватикані він працював з 1508 року до кінця життя на посаді офіційного художника при папському дворі.

Всебічно обдарований, як і багато інших великих художників епохи Відродження, Рафаель був ще й архітектором, а також займався археологічними розкопками. Згідно з однією з версій, останнє захоплення перебуває у прямому взаємозв'язку з передчасною смертю. Імовірно, він заразився на розкопках римською лихоманкою. Похований великий майстер у Пантеоні. На фото – його автопортрет.

Мікеланджело Буоанарроті (1475-1564)

Довгий 70-річний цю людину був яскравим, він залишив нащадкам нетлінні твори не лише живопису, а й скульптури. Як і інші великі художники епохи Відродження, Мікеланджело жив у часи, повні історичних подійта потрясінь. Його мистецтво – це чудова завершальна нота всього Ренесансу.

Майстер ставив скульптуру вище від інших мистецтв, але з волі долі став видатним живописцем і архітектором. Наймасштабнішою і найнезвичайнішою його роботою є розпис (на фото) у палаці у Ватикані. Площа фрески перевищує 600 квадратних метрів та містить 300 фігур людей. Найвражаюча і найзнайоміша - це сцена Страшного Суду.

Італійські художники епохи Відродження мали багатогранні таланти. Так, мало хто знає, що Мікеланджело був чудовим поетом. Ця межа його геніальності повною мірою виявилася вже під кінець життя. Близько 300 поезій збереглися до наших днів.

Живопис епохи пізнього Відродження

Заключний період охоплює часовий період з 1530 року по 1590-1620 роки. Згідно з Британською енциклопедією, Ренесанс як історичний період закінчився з падінням Риму, що відбулося в 1527 р. Приблизно в цей же час у Південній Європі перемогла Контрреформація. Католицька течія дивилася з побоюванням на всяке вільнодумство, у тому числі оспівування краси людського тіла і воскресіння мистецтва античного періоду - тобто всього того, що було стовпами Ренесансу. Це вилилося в особливу течію - маньєризм, що характеризується втратою гармонії духовного та тілесного, людини та природи. Але навіть у цей складний період деякі відомі художники доби Відродження створювали свої шедеври. У тому числі Антоніо да Корреджо, (вважається основоположником класицизму і паладіанства) і Тициан.

Тіціан Вечелліо (1488-1490 – 1676 роки)

Його по праву вважають титаном епохи Відродження, поряд з Мікеланджело, Рафаелем та Вінчі. Ще перш ніж йому виповнилося 30 років, за Тицианом закріпилася слава «короля художників і художника королів». В основному художник писав картини на міфологічні та біблійні теми, до того ж прославився як чудовий портретист. Сучасники вважали, що бути зображеним пензлем великого майстра - значить знайти безсмертя. І це справді так. Замовлення до Тіціана надходили від найшанованіших і найзнатніших осіб: римські папи, королі, кардинали та герцоги. Ось лише небагато, найвідоміші, його роботи: «Венера Урбінська», «Викрадення Європи» (на фото), «Несіння хреста», «Коронування терновим вінцем», «Мадонна Пезаро», «Жінка з дзеркалом» тощо.

Ніщо не повторюється двічі. Епоха Ренесансу подарувала людству геніальних, неординарних особистостей. Їхні імена вписані в світову історіюмистецтва золотими літерами. Архітектори та скульптори, письменники та художники епохи Відродження – список їх дуже великий. Ми торкнулися лише титанів, які творили історію, несли світові ідеї освіти та гуманізму.