Самісен – музичний інструмент – історія, фото, відео. Невелика екскурсія світом східних музичних інструментів і про походження дудука

За допомогою якого японські оповідники чи співаки акомпанували собі під час вистави. Найближчий європейський аналог семісену - . Самісен поряд з флейтами хаясі та сякухати, барабаном цудзумі та . Належить до традиційних музичних японських інструментів.

Назва контрастує з жанром музики для бунрак і кабуки - нагаута (довга пісня). Найвідоміший і найскладніший із стилів виконання – гідаю, названий на честь Такемото Гідаю (1651-1714), діяча лялькового театрубунрак з Осака. Інструменти та плектри гідаю найбільші, а сам гідаю є одночасно співаком і коментатором того, що відбувається на сцені. Робота оповідача настільки складна, що в середині уявлення гідаю змінюється. Казник повинен абсолютно точно знати текст та мелодію. З XIX століття з'явилися і онна-гідаю, жінки-сказительки.

Походження

Сямсен у своєму первородному вигляді зародився в глибинах Західної Азії, звідти потрапив до Китаю (XIII ст.), де отримав назву «саньсянь», потім перебрався на о-ви Рюкю (сучасна Окінава) і лише звідти потрапив до Японії. Ця подія дуже чітко позначена в історії – на відміну від часу появи інших музичних інструментів- І датується 1562 роком.

Попередник семісена - сансин, на якому грали в королівстві Рюкю, що на той час став префектурою. Сансин, у свою чергу, походить від китайського інструменту санцзянь, що еволюціонував із центральноазіатських інструментів.

Сямсен також був найважливішим інструментом для мандрівних сліпих музикантів годзе, які з'явилися на початку правління сьогуната Токугава.

На відміну від Європи, де традиційні/стародавні інструменти не користуються великою увагою, семісен та інші національні інструменти в Японії широко відомі та улюблені. Популярність зумовлена ​​не лише повагою японців до своєї культури та історії, а й використанням національних інструментів, зокрема – семісена, у традиційному японському театрі – насамперед у театрі Кабукі та Бунраку.

Найбільшого поширення семісен отримав в епоху Токугава, а навичка гри на ньому входила до обов'язкової програми підготовки майко – учениць гейш. Саме тому «веселі квартали» нерідко називали «кварталами, де не замовкає семісен».

Різновиди та застосування

Існують кілька різновидів інструменту, які відрізняються один від одного товщиною грифа.

Інструменти з вузьким грифомназиваються хосодзаоі використовуються в основному в музиці нагаута.

Інструменти з грифом середньоїтовщини називаються тюдзаота використовуються в таких музичних жанрах як кіємото, токівадзу, дзіутаі т.д.

На півночі Японії, особливо в районі Цугару (західна частина преф. Аоморі) використовується окрема різновид семісену з товстим грифом — цугарудзямісен, гра на якому вимагає особливої ​​віртуозності Цугарудзямісен із найтовстішим грифом називається футодзаоі використовується в дерурі.

Пристрій

Корпус семісен є дерев'яний каркас, туго обтягнутий шкірою. На о-вах Рюкю, наприклад, використовувалася шкіра зміїна, а в самій Японії для цієї мети використовували шкіру кішок або собак. Корпус обтягується шкірою з двох сторін, плюс невеликий шматок шкіри приклеюється на передню мембрану, щоб захистити її від ударів плектра (баті).

Три струни різної товщини натягуються між колками та нижнім кінцем грифа, який виступає в центрі нижньої частини корпусу. Струни виготовляються із шовку, нейлону та тетлону. Довжина семісен становить близько 100 см.

Грають на семісені великим плектром «баті», який виготовляється з таких матеріалів як: дерево, слонова кістка, панцир черепахи, буїволінний ріг, пластик. Баті для нагаута та дзіута — майже правильні трикутники, з дуже гострими краями.

Цугарудзямісен передбачає менший за розмірами плектр, що більше нагадує лист дерева гінкго.

Техніка гри на семісені

Сформувалося три стилі гри на семісені:

Ута-моно – пісенний стиль.Один із основних жанрів музичного супроводувистав театру Кабуки. Цей жанр представлений тривалими музичними інтерлюдіями, які грає ансамбль хаясі (цей ансамбль зазвичай супроводжує спектаклі театру, він і складається з флейти та трьох видів барабанів).

Катарі-моно – казковий стиль.Найбільш характерний для японської традиційної музики та представлений специфічним типом співу.

Міньйо – народна пісня.

Коли семісен тільки-но з'явився в Японії, струни перебирали маленьким медіатором (юбікаке) і лише з часом музиканти почали користуватися плектром, що значно розширило тембральні можливості інструменту. Щоразу, коли защипується нижня струна, на додаток до її звучання чуються призвуки і легкий шум, це явище отримало назву «савари» («торкатися»). Савари з'являються також, коли інші струни резонують з нижньою струною, особливо коли інтервал тону між струнами становить октаву (дві октави, три, квінту і т.д.). Вміння користуватися цим додатковим звучанням є ознакою високої майстерності виконавця, а сам акустичний ефект жорстко контролюється майстрами з виготовлення семісенів.

Плектр тримають у правій руці, а потрібний момент звучання струн зупиняється трьома пальцями лівої руки на безладовому грифі. Великий палець та мізинець у грі не використовуються. Найбільш характерним прийомом гри на семісен є одночасний удар плектра по мембрані і по струні. Крім цього, існує безліч інших важливих факторів, що визначають специфіку звучання, наприклад, товщина струн, грифа, мембрани, місце, де плектр ударяє по струнах і т.д. Також на семисен можна перебирати струни лівою рукою, отримуючи більш витончений тембр. Ця можливість змінювати тембр є однією з рис сімесена.

Крім способу гри тембр інструменту можна змінити, варіюючи довжину струни, шийку або плектр, а також їх розміри, товщину, вагу, матеріал – маса показників! Існує чи не два десятки семісенів, що відрізняються один від одного висотою тону і тембром, і музиканти підбирають той інструмент, який найбільш точно відповідає їх жанру музики, або ж переналаштовують його безпосередньо перед поданням.

У музиці для семісена лінія голосу практично збігається з тією, що грає на інструменті: голос лише трохи випереджає мелодію, що дозволяє почути та зрозуміти текст, а також підкреслює контраст між звучанням голосу та семісена.

Самісен у сучасній музиці

Самісен через специфічне звучання часто використовується для посилення «національного» звучання в деяких японських фільмахта аніме (приблизно як у Росії). Так, семісен звучить у звуковому супроводі аніме-серіалу Naruto, Puni Puni Poemi.

Агацума Хіроміцу грає у стилі New Age.

Його використовують представники європейського музичного авангарду (наприклад, Анрі Пуссер).

Досить популяні композиції у виконанні Братів Йосіда, семісен у них звучить як .

Мітіро Сато виконує на семисені імпровізації, а джазовий піаністГлен Хоріуті вставляв у свої композиції фрагменти гри на семісені.

Гітарист Кевін Кметц очолює каліфорнійську групу Бог семісена, в якій грає на цугарудземісені.

Відео: Самісен на відео + звучання

Завдяки цим відео Ви можете ознайомитись із інструментом, подивитися реальну груна ньому, послухати його звучання, відчути специфіку техніки:

Продаж: де купити/замовити?

В енциклопедії поки немає інформації про те, де можна купити або замовити цей інструмент. Ви можете змінити це!

Музичний інструмент: Лютня

У вік надзвукових швидкостей і нанотехнологій іноді дуже хочеться розслабитися, відмовитися від усієї мирської метушні і опинитися в якомусь іншому світі, де немає сучасної метушні, наприклад, у романтичній епосі Ренесансу. Нині для цього не треба винаходити машину часу, а досить просто відвідати концерт автентичної музики десь в Ізмайлівському кремлі чи Шереметьєвському палаці. Там ви не тільки почуєте чудові мелодії, що подумки переносять у минулі часи, а й познайомитеся з цікавими музичними інструментами, на яких кілька століть тому музикували наші далекі предки. Інтерес до старовинної музики сьогодні все більше зростає, сучасні виконавці із захопленням освоюють інструменти минулих епох, до яких належать траверс-флейта, віола та гамба, требл віола, бароковий контрабас-віолон, клавесині, безсумнівно, лютня - інструмент привілейованих станів і заслуговує на особливу увагу. Її араби у середньовіччі по праву називали королевою музичних інструментів.

Звук

Лютня відноситься до сімейства струнно- щипкових інструментів, За характером свого звучання трохи нагадує гітару, тим не менш, її голос набагато м'якший і ніжніший, а тембр - оксамитовий і трепетний, оскільки більш насичений обертонами. Джерело звуку на лютні – парні та одинарні струни, які виконавець правою рукою защипує, а лівою притискає до ладів, змінюючи їхню довжину, тим самим змінюючи звуковисотність.

Музичний текст для інструменту записувався за допомогою літер на шестилінійному рядку, а тривалість звуків позначалася нотами, поставленими над літерами. Діапазонінструменту близько 3-х октав. Певного стандартного налаштування інструмент не має.

Фото:

Цікаві факти

• У багатьох народів зображення лютні служило символом гармонії, молодості та любові. У китайців вона означала мудрість, а також узгодженість у сім'ї та суспільстві. У буддистів – гармонію у світі богів, у християн – лютня до рук ангелів знаменувала красу небес і примирення природних сил. У мистецтві епохи Відродження вона символізувала Музику, а інструмент із обірваними струнами вказував на незгоду та розлад.
• Лютня була символом - символічним зображенням закоханих.
• Лютня в епоху Відродження дуже часто відображалася на мальовничих полотнах, навіть Орфея та Аполлона художники того часу малювали не з лірою, а з лютнею. А гармонійнішої композиції, ніж дівчина чи юнак із цим романтичним інструментом і уявити не можна.
• Свого часу лютня, що була дуже популярною, вважалася привілейованим інструментом світського кола, знаті та особ королівської крові. На Сході її називали султаном інструментів, а європейських країнах існувало висловлювання, що орган «Король всіх інструментів», а лютня «інструмент всіх королів».
• Великий англійський поет і драматург У. Шекспір ​​часто згадував лютню у своїх творах. Він захоплювався її звучанням, приписуючи їй здатність доводити слухачів до екстазного стану.
• Видатний італійський скульптор, художник, поет і мислитель Мікеланджело Буонарроті, захоплюючись виконанням відомого лютніста Франческо да Мілано, говорив, що він був божественно натхненний музикою і всі його думки в цей час були звернені до небес.
• Виконавця на лютні називають лютніст, а майстра, який виготовляє інструменти – лють.
• Інструменти болонських майстрів - лють Л. Малера та Г. Фрея, а також представників майстрового сімейства Тіффенбрукер з Венеції та Падуї, створені в 17-18 століттях, коштували за тими мірками астрономічних грошей.
• На лютні навчитися грати було не так складно, а от налаштовувати інструмент, у якого було багато струн, що виготовляються з натуральних матеріалів, але погано тримали лад через перепади температур і вологості, було проблематично. Дуже відомим був жарт: музикант, який грає на лютні, дві третини часу займається тим, що налаштовує інструмент, а одну третину музикує на не налаштованому інструменті.

Конструкція

Дуже елегантна конструкція лютні включає корпус і гриф, що закінчується колковим блоком. Корпус, що має грушоподібну форму, включає деку і кузов, який виконує роль резонатора.

• Кузов виготовляється з вигнутих, що утворюють напівсферичну форму, сегментів, що виготовляються з твердих порід деревини: чорного дерева, палісандра, вишні або клена.
• Дека – це лицьова частина корпусу, що закриває кузов. Вона плоска, має форму овалу та зазвичай виготовляється з резонаторної ялини. На деці в нижній частині розташовується підставка, а в середній є звуковий отвір у вигляді витонченого хитромудрого візерунка або красивої квітки.

Порівняно широкий, але короткий гриф лютні прикріплюється до корпусу одному рівні з декой. На нього приклеюється накладка із чорного дерева, а також прив'язуються кетгутові розмежувачі ладів. У верхній частині грифа знаходиться поріжок, що впливає на висоту натягу струн.

Колковий блок лютні, на якому знаходяться регулювальні штифти для натягу струн, також має свою відмінну особливість. Вона полягає в тому, що блок розташовується по відношенню до шийки грифа під досить великим майже прямим кутом.

Кількість парних струн на різних лютнях дуже сильно варіюється: 5 до 16, а іноді і 24.

Вагаінструменту дуже невеликий і становить приблизно 400 гр. довжинаінструменту – близько 80 см.

Різновиди

Лютня свого часу, що користується великою популярністю, еволюціонувала дуже інтенсивно. Музичні майстрипостійно експериментували з її формою, кількістю струн та налаштуванням. Внаслідок цього виникла досить значна кількість різновидів інструменту. Наприклад, ренесансні лютні крім традиційних інструментів, Що включають інструменти з різною кількістю парних струн - хорів, отримали види різних розмірів, які були аналогічні регістрів людського голосу: малу октавну, малу дискантну, дискантну, альтову, тенорову, басову і октавну басову. Крім цього, до лютневого сімейства входить баркова лютня, аль-уд, архілютня, торбан, кобза, теорба, кіттарон, цитра, бандора, лютня кантабіле, орфаріон, лютня вандерфогель, мандора, мандола.

Застосування

Мистецтвознавці вважають лютню не лише одним із найцікавіших, а й принципово важливим інструментом в історії Європейської музики 16-17 століть. Вона отримала визнання у представників різних верств суспільства, від простолюдинів до королівських осіб, і використовувалася як акомпануючий, солуючий та ансамблевий інструмент. Популярна лютня, що швидко зростала, постійно вимагала поповнення та оновлення репертуару. Дуже часто автори творів були одночасно і виконавцями, тому в європейських країнах з'явилася ціла плеяда чудових композиторів-лютністів. В Італії - Ф. Спіначіно, Ф. Мілано, В. Галілей, А. Ріппе, Г. Морлей, В. Капірола, А. Піччініні. У Іспанії – Л. Мілан, М. Фуенльяна. У Німеччині - Х. Нойзідлер, М. Нойзідлер, І. Капсбергер, С. Вайс, В. Лауффенштайнер. В Англії - Д. Дауленд, Д. Джонсон, Ф. Каттінг, Ф. Россетер, Т. Кампіон. У Польщі – В. Длугорай, Я. Рейс, Д. Като, К. Клабон. У Франції - Е. Готьє, Д. Готьє, Ф. Дюфау, Р. Візе. Також такі найбільші метри як І.С. Бах, А. Вівальді, Г. Гендель, Й. Гайднприділяли лютні увагу, збагачуючи її репертуар своїми творами.

Нині інтерес до старовинної музики, а разом із цим і до лютні, не слабшає. Її звук все частіше можна почути на сценах концертних залів. Серед сучасних композиторів, Які сьогодні складають для інструменту, чимало цікавих творів слід відзначити І. Давида, В. Вавілова, Ш. Каллоша, Ш. Лундгрена, Т. Сато, Р. МакФарлена, П. Гальвао, Р. МакКіллопа, Й. Вісемса, А. А. Данилевського, Р. Туровського-Савчука, М. Звонарьова.

Відомі виконавці

Надзвичайно модна в епоху Ренесансу та Бароко, але витіснена іншими інструментами та несправедливо забута, лютня сьогодні знову викликає велику зацікавленість, і не лише у музикантів-автентистів. Її звук тепер все частіше можна почути на різних концертних майданчиках, причому як соло, а й у ансамблі з іншими прекрасними старовинними музичними інструментами. У XXI столітті найбільш відомими виконавцями-віртуозами, які багато роблять для популяризації інструменту, є В. Камінік (Росія), П. О"Детт (США), О. Тимофєєв (Росія), А. Крилов (Росія, Канада), А. Суєтін (Росія), Б. Ян (Китай), Я. Імамура (Японія), Р. Ліслеванд (Норвегія), Е. Карамазов (Хорватія), Й. Хелд (Німеччина), Л. Кірххоф (Німеччина), Еге. Егуез (Аргентина), Х. Сміт (США), Я. Ліндберг (Швеція), Р. Барто (США), М. Лоу (Англія), Н. Норт (Англія), Й. ван Леннеп (Нідерланди) та багато інших .

Історія

Всю історію виникнення лютні, яка в східних країнахвважалася одним із найдосконаліших інструментів, простежити неможливо. Подібні інструменти вже чотири тисячоліття тому були поширені в багатьох країнах світу. На них музикували в Єгипті, Месопотамії, Китаї, Індії, Персії, Ассирії, Стародавню Греціюта Римі. Тим не менше, вчені-мистецтвознавці припускають, що у лютні був безпосередній попередник – це уд – інструмент до якого на Близькому Сході досі ставляться з особливим шануванням, стверджуючи, що він є результатом творення онука Пророка. Уд мав грушоподібний корпус, який виготовляли з горіхового чи грушевого дерева, деку із сосни, коротку шийку та вигнуту назад головку. Звук виймали за допомогою плектра.

Підкорення Європи лютня почала у 8 столітті з Іспанії та Каталонії після того, як маври завоювали Піренейський півострів. Інструмент не тільки дуже швидко влився у культури цих країн, але також, внаслідок хрестових походів, став стрімко поширюватися по інших європейським країнам: Італії Франції, Німеччини, витісняючи інші інструменти, що існували на той час, такі як цистра і пандура. Набираюча популярність лютня постійно піддавалася різним удосконаленням. Майстри вносили зміни у конструкцію інструменту, модифікували корпус та гриф, додавали струни. Якщо спочатку він мав від 4 – 5 парних струн – хорів, то згодом кількість поступово збільшилася. До 14 століття лютня в Європі не тільки повністю сформувалася, а й стала одним із найбільш затребуваних інструментів не лише у придворному, а й домашньому музикування. Її використовували вже не тільки як акомпануючий, а й як солуючий інструмент. Для лютні складали багато різнохарактерної музики, робили перекладення як популярних пісень і танців, а й духовної музики. У 15 столітті популярність інструменту ще більше зростає, митці часто зображують його на своїх художніх полотнах. Композитори продовжують інтенсивно збагачувати репертуар. Виконавці відмовляються від плектра, віддаючи перевагу пальцевому способу вилучення, що значно розширювало технічні можливості, дозволяючи виконання як гармонійного акомпанементу, так і поліфонічної музики. Лютні продовжували вдосконалюватися, і найбільш популярними стали інструменти з шістьма спареними струнами.

У 16 столітті популярність лютні досягла свого апогею. Вона домінувала як у професійних музикантів, так і любителів. Інструмент звучав у палацах королів та вищої знаті, а також у будинках простих городян. На ньому виконували сольні та ансамблеві твори, акомпанували вокалістам та хорам і, крім цього, вводили до складу оркестрів. У різних країнахстворювалися школи з виробництва лютневих інструментів, найвідоміша з них знаходилася в Італії в Болоньї. Інструменти постійно модифікувалися, збільшилася кількість парних струн: спочатку десять, потім чотирнадцять, а згодом їхня кількість досягала 36, що відповідно вимагало змін у конструкцію інструменту. Різновидів лютні було багато, серед них було сім, які відповідали теситурі людського голосу від дисконту до басу.

До кінця 17 століття популярність лютні стала помітно падати, оскільки її поступово витісняли такі інструменти, як гітара, клавесин, а трохи згодом і фортепіано. У 18 столітті вона фактично вже не вживалася, за винятком кількох різновидів, які існували у Швеції, Україні та Німеччині. І лише на рубежі 19 і 20 століть, через новий інтерес до старовинних інструментів англійських ентузіастів на чолі з інструментальним майстром, професійним музикантом і музикознавцем Арнольдом Долмичем увага до лютні знову сильно зросла.

Лютня – старовинний витончений музичний інструмент із гарним ніжним голосом, який свого часу був витіснений з ужитку та несправедливо забутий. Минув час, музиканти згадали про нього, зацікавилися та знову вивели на концертну сцену підкорювати слухачів витонченим звучанням. Сьогодні лютня часто є учасницею концертів автентичної музики, який виступає як солуючий, так і ансамблевий інструмент.

Відео: слухати лютню

Я якось обіцяла розповісти про японські музичні інструменти. Настав цей час. Біва потрапила мені під руки зовсім випадково, але саме їй випало відкрити тему:)

Сьогодні нашою увагою заволодіють чарівні – хоч і не ласкаві, і не повітряні, а досить жорсткі, металеві та ритмічні – звуки традиційного японського музичного інструменту, який називається біва (biwa).
Біва - це японський різновид лютні чи мандолини, вона потрапила до Японії з Китаю в 7 столітті, у Китаї аналогічний інструмент називається піпа (pipa), до Китаю він потрапив з Персії в четвертому столітті нашої ери.
І коріння європейської лютні теж сягає Центральної Азії.
У Японії більш ніж за тисячу років розвитку біви з'явилося багато моделей, багато шкіл гри та співу.

(Це своєрідний концерт для биви з оркестром. Gion shoja. Композитор Hirohisa Akigishi
У записі пролог "The tale"s of Heike" (історії Хейке, яка ще називається "Тайра моногатарі") Це основне сучасний твір, що виконується на бива. Цей запис зроблено в Сеулі, в 2004 р. у Sejong center)

Інструмент за формою схожий на мигдальний горіх, що загострюється догори. Передня стінка корпусу трохи вигнута вперед, задня - плоска. Стінки - тобто дві дерев'яні дошки - недалеко відстоять один від одного, інструмент досить плоский. У передній стінці три отвори.
У биви чотири або п'ять струн, виготовлених із найтонших шовкових ниток, склеєних рисовим клеєм. На грифі – п'ять дуже високих ладів.

Струни натягнуті досить вільно, тобто не дуже вони й натягнуті. Музикант, сильніше натискаючи струну, змінює її натяг, тобто підвищує висоту тону. Можна сказати, що інструмент взагалі не налаштований у західноєвропейському значенні цього слова, але музикант може брати певні ноти, змінюючи силу натискання на струни.
Але сенс гри зовсім не полягає в тому, щоб взяти правильну ноту. Тому немає і мертвої хватки затискання струни, палець постійно змінює тиск, через що звук плаває. Крім того, пальцем можна рухати струну по широких ладах, від цього струна починає дзижчати, як на таких індійських. струнних інструментахяк ситар чи вина.

Биву тримають вертикально і при грі використовують трикутний дерев'яний медіатор, який за формою нагадує невеликий віяло. Одна з його сторін сягає 30 сантиметрів у довжину, це свого роду лопатка. Виготовлення цих лопаток - велике мистецтво, вони мають бути твердими та пружними одночасно. Дерево для медіатора висушують протягом 10 років. Зрозуміло, застосовується дерево рідкісної породи.
Медіатором можна вдаряти не тільки по струнах, а й по корпусу, а також дряпати струни, втім, майстри кажуть, що це сучасна техніка раніше такого не було.
Але ясно, що й ударити по струні таким великим медіатором можна далеко не одним способом – і це, зрозуміло, чудово чути.

BIWA (King Records, 1990)
На компакт-диску два інструментальні треки та чотири - вокально-інструментальні. Найбільш вражаючий – епічна пісня «Каванакаджима» («Острів між двома річками») у виконанні Еномото Шизуї (Enomoto Shisui).
Еномото Шизуї помер у 1978 році, а народився ще в 19 столітті. Він належав до знаменитих майстрів биви епохи до Другої світової війни.
У 19 столітті і в першій половині 20-го мистецтво биви переживало відродження, в одному Токіо діяло 30 майстрів, які виготовляють музичні інструменти, після війни у ​​всій Японії - і в усьому світі - залишився лише один. Це мистецтво мало шанс безповоротно зникнути, тому що тексти пісень були пройняті політично некоректним самурайським духом.
Порівняно з новим поколінням співаків голос Еномото Шизуї звучить трагічніше, надривніше і, я сказав би, - безжальніший.
Острів, якому присвячена ця пісня – це смужка землі між двома річками. На цьому місці у 16 ​​столітті відбулося кілька битв між арміями двох воєначальників.
Мені щось не віриться, що це розважальна музика, яку слухають увечері, втомившись від важливих справ. Ні-ні, ця музика явно нагадує самураям про їхній обов'язок і спалахує їхній бойовий дух.

Ще одна відома річ - Atsumori, та й на картині теж бива.

Різкі металеві удари - схожі на удар меча - контрастують з голосом співака, що повільно розгортається. Голосні довго тягнуться, ритм вільний, у музиці багато пауз, але млявою її назвати в жодному разі не можна. Вона дуже напружена та зосереджена.
До речі, паузи, порожнечі, моменти тиші японської традиції теж вважаються акустичним елементом, тобто звуком. Він називається словом "ма". Тиша може бути короткою чи довгою, напруженою чи спокійною, несподіваною чи логічною. Тиша підкреслює деякі звуки і зміщує акцент у музичній фразі.

В історії биви було два паралельні струмені: по-перше, біва входила до складу придворного оркестру. Стародавня бива лежала горизонтально на підлозі і на ній грали маленьким медіатором. Вона була ударним інструментом.
У середньовіччі на біві грали аристократи та їхні васали, припускають, що ця музика була суто інструментальною. У класичній літературізбереглося багато описів середньовічної солуючої биви, її граціозного і вишуканого звуку та піднесених мелодій, що прийшли з Китаю, але до наших днів у традиції придворної музики солівної биви не збереглося. В оркестрі гагаку (Gagaku) ​​партія биви настільки проста, що неможливо позбутися враження, що щось важливе було втрачено у віках.
Традиція биви як солюючого інструменту перервалася в 13 столітті і була відроджена лише в 20-му.

"Ichinotani" en laud Biwa por Silvain Guignard (fragmento). Європейське виконання, як неважко бачити

Але головна функція біви - це супровід довгих пісень та оповідань.
Аж до 20-го століття на біві грали практично виключно сліпі музиканти, їх називали бівахоші. Деякі з них були буддистськими ченцями і читали сутри і гімни, але все-таки більшість співаків розповідала про війни і битви легендарних героїв.
Найзнаменитіший героїчний епосз репертуару бивахоші – «Хайке Моногатарі» (Heike Monogatari).
Це величезна і досить кривава поема про те, як клан Хайке (він же Таїрі) після недовгого розквіту був розгромлений кланом Генджі (Genji, він же Мінамото) у другій половині 12 століття.
Поема налічує 200 епізодів, з яких 176 - звичайні, 19 - секретні, і 5 - надсекретні.

(Соррі за якість зображення та звуку. Грає Yukihiro Goto)
Усі історії так чи інакше ілюструють буддистські ідеї причини та наслідки, а також непостійність долі.
Сьогодні «Хайке Моногатарі» виконують лише небагато з музикантів, які грають на біві. У всіх інших - набагато сучасніший репертуар.
Втім, є думка, що й героїчні пісні, які виконували в середньовіччі сліпі ченці, зникли, як і традиція інструментальної придворної биви. Традиція героїчного співу кілька разів відроджувалася, причому, швидше за все, зовсім не в тому вигляді, в якому вона існувала 700 років тому.
Хоча історія інструменту сягає 7-го століття, але музика, яка дійшла до наших днів, відношення до середньовіччя, мабуть, уже не має, стиль, який сьогодні називають стародавнім і класичним - сформувався не так давно.
Важливий момент в історії биви - 16 століття.
Тоді було створено новий інструментсацума біва (Satsuma biwa): ватажок клану Сацума наказав так удосконалити малопотужну і скромну лютню сліпих ченців, щоб вона стала гучним інструментом з вражаючим і різким звуком. Бива стала більшою, її корпус виготовляли з твердіших порід дерева. Її звук став мужнішим, а то й агресивним.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(Звук краще, але вбудовування заборонено)
Були вигадані й нові пісні. Мета цієї акції була виховною та пропагандистською: юнаки, що проходило військове навчання - тобто майбутні самураї, мали міцніти духом і засвоювати ази лицарської доблесті під ці пісні.
Тоді не існувало канону гри та співу – будь-який самурай міг прокричати героїчний текст і для більшої виразності час від часу бити по струнах. Пісні вже не тільки закликали молодь до подвигів, самураї, що вижили на війні, розповідали про свої походи теж під звуки биви.
З часом, і цілком мирне населення почало жваво цікавитися цією мілітарною музикою. Відповідно, з'явився стиль для цивільних осіб: machi fu (міський стиль) – і для військових: shi fu (самурайський стиль).
З'являлися нові різновиди інструменту. Скажімо, чикузен біва (chikuzen-biwa) з'явилася в 19 столітті, має одну додаткову - високу струну. Тому ця бива вважається жіночою, м'якшою. Грають на ній, відповідно, жінки.

У всіх епічних піснях, що виконуються під акомпанемент біви, текст – це ритмізована проза з вкрапленням коротких поетичних пасажів. Деякі фрази співаються на канонічні мелодії, після них йдуть короткі інструментальні програші. Але, як правило, удар-другий по струнах биви звучить наприкінці кожної фрази чи строфи. Ці удари різні по тембру - у биви значно більше можливостей, ніж у барабана.
Якщо звуки бив і ілюструють те, про що співає оповідач, то виключно тембром - тонкий звук або глухий, звучить він металево або шипить... Текст співається класичною японською мовою, слухачі повинні розуміти, про що йдеться: інтонація, ритм і забарвлення Звуки пов'язані зі змістом драми.
Це музика для безпосереднього слухання, для того, хто співпереживає дії, повністю захоплений.
Ми, не знаючи мови, мабуть, багато чого в цій музиці просто не сприймаємо, але вона, дивним чином, не стає від цього екзотичною, химерною чи фантастичною. Ні-ні, вона зберігає свою свідомість і переконливість.
Цікаво й те, що це дуже емоційна музика, дуже напружена, відкрита. А японці – як і всі інші буддисти – начебто уникають демонструвати свої почуття.

У Японії сила, яка рухає всесвіт, називається словом ki. Це духовна сила, аналогічна грецькій пневмі.
Вираз ki має найвищий пріоритет у всіх японських мистецтвах. У макрокосмосі відповідають вітри, у мікрокосмосі - дихання людини. У японській мові є багато слів, пов'язаних з кі: ki-shф (погода), ki-haku (дух).
Основа співаючого голосу - дихання, тому і спів - це один із проявів.
Стародавні японці вірили, що, вимовляючи чи, краще сказати, видихаючи, видуючи слово, вони здійснюють духовний акт. І в російській мові слова «дихання» та «дух» зовсім не чужі один одному.
Японська традиція співу безпосередньо пов'язана з цим ставленням до слова як до дихання, навантаженого змістом.

А цей короткий запис – не просто музичний фрагмент, це Гагаку – церемоніальна музика японського імператорського палацу.

Європейський спів - як і вся решта музики - ґрунтується на висоті та тривалості звуків. У стародавньої Японіїспів сплавляв такі акустичні елементи як забарвлення звуку, його енергія, гучність та його якість у єдиний звуковий ієрогліф.
Це щось набагато більше, ніж правильно взята нота.
І музика биви багато в чому не схожа на західноєвропейську музику. Японський інструмент передбачає зовсім інше ставлення до саунду, ритму.
Японський композитор-модерніст Тору Такеміцу написав кілька творів, у яких поряд із симфонічним оркестром використовується і біва. Існує традиційний спосіб запису музики біви - у порівнянні із західноєвропейським він здається дуже приблизним.

Kwaidan Music, Haochi the Earles, Tôru Takemitsu, 1964

Це присвячено Тору Такеміцю

Коли виконавиця партії биви в одному з його творів зголосилася вивчити західноєвропейську нотацію, Такемітцу заборонив їй це робити. «Це останнє, що я від вас чекав би, - сказав композитор. - Я сам вивчу традиційний запис музики биви і навчуся їй користуватися, вам не знадобляться західні ноти. Сьогодні традиційне почуття звуку вмирає через західну систему точного налаштуваннямузичних інструментів та запису музики нотами».

Якось у імператора Тенно (Tennoh) з палацу зникла старовинна бива. Її звали Genjo. Їй не було ціни, вона була дуже дорога. Імператор не знаходив собі місця. Якщо її вкрали, то злодій мав її розбити – продати її було неможливо. Імператор був упевнений, що його биву вкрали, щоб затьмарити його душу.
Мінамото та Хіромаса був аристократом і чудовим музикантом. Він теж був дуже засмучений зникненням.
Одного разу вночі він почув звук струни - сумнівів не могло бути: це бива Генджо. Хіромаса розбудив хлопчика-слугу і вони вирушили ловити злодія. Вони наближалися до звуку, але він постійно віддалявся. На біві грав якийсь дух – тільки Хіромаса міг чути звуки струн.
Він слідував за звуком, поки не дійшов до самої південної точкиКіото – до зловісних воріт Расемон. Хіромаса та його слуга стояли під брамою, зверху долинали звуки лютні. «Це не людина, – прошепотів Хіромаса, – це демон».
Він підняв голос: «Гей, хто там грає на Генджо! Імператор Тенно шукає інструмент з того часу, як він зник. Я знаю, що ти тут, я йшов за тобою від самого палацу!
Музика зупинилася, щось упало згори і повисло в проході. Хіромаса відсахнувся - він думав, що це демон. Але згори на мотузці звисала лютня Генджо.
Імператор був дуже радий поверненню Генджо, ні в кого не було сумніву, що саме демон викрав скарб, а потім віддав. Хіромаса був щедро винагороджений.
Генджо досі перебуває в імператорському палаці. Це не просто лютня, це щось живе зі своїм характером. Якщо її бере в руки невмілий музикант, вона не видає жодного звуку.
Якось у палаці сталася пожежа. Всі побігли геть і ніхто не подумав про те, щоб урятувати Генджо. Але, загадково, вона знайшлася на лужку перед палацом, куди вона, очевидно, дісталася сама!

Андрій Горохов © 2001 Німецька хвиля

Сі Цзіньпінь, голова Китайської народної республіки, виступаючи на симпозіумі, присвяченому 69-м роковинам перемоги над японськими загарбниками під час світової війни, із закликом до Японії більш відповідально підходити до оцінки...

додано: 04 Бер 2014

Національна японська музика та інструменти

Країна Вранішнього Сонця Японія має самобутню і неповторну культуру. Спадщина великої нації тісно пов'язана із музикою. Національна японська музика є таким самобутнім явищем, яке було обумовлено ізольованістю країни.

Народ Японії завжди дбайливо і з повагою ставиться до пам'яток культури батьківщини. Будь-яка музика неможлива без музичних інструментів. Музична культура Японії має власний неповторний жанр. Це пояснює різноманітність інструментів, які використовуються для створення музичних шедеврів.

Відомі музичні інструменти

Одним із найвідоміших японських музичних інструментів є Самісен, Який є аналогом лютні. Він належить до розряду триструнних щипкових інструментів. Він походить від сансину, який, у свою чергу, походить від сансяня, Батьківщиною якого є Китай.

Японські музика та танці не обходяться без семісена, який і на сьогоднішній день шанується на Японські островиі часто використовується в японському театрі Бунраку та Кабукі. Важливим є також той факт, що гра на семісені входить до програми навчання для гейш-майко.

Національна японська музика також нерозривно пов'язана з флейтами. Музичний інструмент фуєналежить до сімейства флейт, які відомі своїм високим звучанням. Їх роблять із бамбука. Ця флейта з'явилася з китайської сопілки. пайсяо«.

Найвідомішою флейтою із сімейства фує є сякухати, яка використовується як музичний інструмент дзен буддійських ченців. За легендою, сякухати винайшов звичайний селянин. Коли він перевозив бамбук, то почув чудову мелодію, яка виходила з бамбука, коли в нього віяв вітер.

Флейту фуе, так само як і місесен, часто використовують для акомпанементу в театрах Банраку і Кабукі, та різноманітних ансамблях. Окремі з фуе можуть бути налаштованими на західний лад, і таким чином ставати солуючими. Цікаво, що раніше гра на фуе була характерною лише для японських бродячих ченців.

Суйкінкуцу

Ще одним інструментом, який представляє японську культурує суйкінкуцу. Він має форму перевернутого глечика, зверху над яким тече вода. Потрапляючи усередину через певні отвори вона змушує інструмент видавати звук, який дуже схожий на дзвін. На цьому інструменті грають перед чайною церемонією, а також використовують як атрибут традиційного японського саду.

До речі, чайна церемонія для зручності може проходити саме в саду. Звук інструменту ставить людину в незрозуміле почуття релаксації, створює споглядальний настрій. Подібний стан дуже підходить для занурення в дзен, оскільки відпочинок у саду під час чайної церемонії є частиною дзен традицій.

Зрозумілішим для нашого сприйняття є інструмент тайко,що у перекладі російською означає «барабан». Тайко прославився у військовій справі, до речі, так само, як і його аналоги в інших країнах. Як кажуть, у хроніках Гундзі Есю дев'ять по дев'ять ударів означало заклик до бою, а у свою чергу дев'ять по три означало, що ворога необхідно переслідувати.

Необхідно враховувати, що під час виступу барабанщика звертають увагу на естетичність пропонованого ним подання, оскільки важливі не лише мелодія та ритм виконання, а й зовнішній вигляд інструменту, на якому відтворюється мелодія.

Жанри японської музики

Народна музика Японії пройшла досить довгий шлях розвитку. У її витоків були магічні пісні, пізніше на розвиток та становлення музичного жанрувплинули конфуціанство та буддизм. Таким чином, японська музика так чи інакше пов'язана з обрядами, традиційними святами, виставами театру та іншими діями. Японська етнічна музика, слухати онлайн яку, у сучасному світі, можна у будь-який час доби та в будь-якому місці стала важливою частиною культурної спадщиникраїни.

Існують два основних найбільш популярних видівНаціональна японська музика.

• Перший це сімох, який є буддійські піснеспіви.
• Другий - гагаку, який є оркестрову придворну музику.

Але, також, існують і такі жанри, які не мають стародавнього коріння. До них належать ясуги буси та енка.

Найбільш популярним жанром народних японських пісень є ясуги буси, яка названа на честь міста Ясуга. Тематика жанру пов'язана з давньою історією та міфо-поетичними оповідями. Але ясуги бусі це не лише пісні, а й танець додзё сукуї, а також мистецтво жонглювання під музику дзені дайко, в якому як музичний інструмент використовуються стебла бамбука, наповнені монетами.

Енка, Як жанр, виник порівняно недавно, у повоєнний час. У ньому народні японські мотиви переплітаються з джазовою та блюзовою музикою. Таким чином, японська музика має свої національні особливості, і таким чином відрізняється від інших музичних жанрів інших країн. Так, існують музичні інструменти, які називають як співаючі колодязі, які ви не побачите ніде на землі, хіба що на Тибеті.

Японська музика характеризується постійно змінним темпом і ритмом. Часто у ній немає розміру. Японська музика наближена до звуків природи, що робить її ще більш загадковою та незвичайною.

Відео: Японська музика онлайн

Дутар. Ду – два. Тар – струна. Інструмент з нав'язними ладами та двома струнами із жил. Думаєте, що менше струн, то простіше грати?

Ну, тоді послухайте гру одного з найкращих майстрівігри на дутарі - Абдурахіма Хаїта, уйгур з Сіньцзяня, Китай.
Буває ще туркменський дутар. Струни та лади у туркменського дутару металеві, корпус довбаний, із цільного шматка дерева, звук дуже яскравий, дзвінкий. Туркменський дутар один із моїх найулюбленіших інструментів протягом останніх трьох років, а дутар, зображений на фото, мені привезли з Ташкента зовсім недавно. Чудовий інструмент!

Азербайджанський саз. Дев'ять струн розбито на три групи, кожна з яких налаштована в унісон. Аналогічний інструмент у Туреччині називається баглама.

Обов'язково послухайте, як звучить цей інструмент у руках майстра. Якщо мало часу, то подивіться хоча б з 2:30.
Від саза та баглами походить грецький інструмент бузукі та його ірландський варіант.

Уд або аль-уд, якщо називати цей інструмент арабською. Саме від арабської назви цього інструмента походить назва європейської лютні. Аль-уд – лют, лютня – чуєте? Звичайний уд не має ладів - лади на даному екземплярі з моєї колекції з'явилися з моєї ініціативи.

Послухайте, як грає на уді майстер із Марокко.

Від китайської двострунної скрипки ерху з простеньким корпусом-резонатором і маленькою мембраною зі шкіри стався середньоазіатський гіджак, який на Кавказі та Туреччині отримав назву кеманча.

Послухайте, як звучить кеманча, коли на ній грає Імамяр Хасанов.

Рубаб має п'ять струн. Перші чотири з них здвоєні, кожна пара налаштована в унісон, а басова струна одна. Довгий гриф має лади відповідно до хроматичного звукоряду майже на дві октави і невеликий резонатор зі шкіряною мембраною. Як ви вважаєте, що означають загнуті вниз роги, що виходять з грифа у напрямку до інструмента? Його форма не нагадує вам баранячу голову? Але добре форма - який звук! Ви б чули, який звук цей інструмент! Він вібрує і тремтить навіть своїм масивним грифом, він заповнює своїм звуком весь простір навколо.

Слухайте звучання кашгарського рубаба. Але мій рубаб звучить краще, слово честі.

Іранський тар має подвійний довбаний корпус із цільного шматка дерева та мембрану з тонкої риб'ячої шкіри. Шість парних струн: дві сталеві, далі йде комбінація сталевої та тонкої мідної, а наступна пара налаштовується в октаву - товста мідна струна налаштовується октавою нижче за тонку сталеву. У іранського тара нав'язні лади із жил.

Слухайте, як звучить іранський тар.
Іранський тар – предок кількох інструментів. Один із них індійський сетар (се - три, тар - струна), а про два інші я розповім нижче.

Азербайджанський тар має не шість, а одинадцять струн. Шість таких, як і в іранського тара, ще одна додаткова басова та чотири струни, на яких не грають, але вони резонують під час гри, доповнюючи звук луною і роблячи звучання тривалішим. Тар та кеманча, мабуть, два головні інструменти азербайджанської музики.

Послухайте кілька хвилин, починаючи з 10:30 чи хоча б починаючи з 13:50. Ви такого ніколи не чули і не могли припустити, що на цьому інструменті можливе таке виконання. Це грає брат Імамйара Хасанова – Руфат.

Є гіпотеза, що тар є родоначальником сучасної європейської гітари.

Нещодавно, коли я розповідав про електроказан, мене дорікали - мовляв, я виймаю душу з казана. Напевно, приблизно те саме говорили людині, яка 90 років тому здогадався поставити звукознімач на акустичну гітару. Приблизно через тридцять років були створені кращі зразки електрогітар, що залишаються стандартом до сьогодні. Ще через десятиліття з'явилися Бітлз, Ролінг Стоунз, а за ними Пінк Флойд.
І весь цей прогрес ніяк не завадив виробникам акустичних гітарта виконавцям на класичній гітарі.

Не завжди музичні інструменти поширювалися зі сходу захід. Наприклад, гармонь стала надзвичайно популярним інструментомв Азербайджані в 19 столітті, коли там з'явилися перші німецькі переселенці.

Мою гармонію виготовив той самий майстер, який створював інструменти для Афтанділа Ісрафілова. Слухайте, як звучить такий інструмент.

Світ східних музичних інструментів великий та різноманітний. Я не показав вам навіть частини своєї колекції, а вона далеко не повна. Але ще про два інструменти я маю розповісти обов'язково.
Дудочка з розтрубом, що вгорі, називається зурна. А інструмент під ним називається дудук чи балабан.

Зі звуків зурни на Кавказі, в Туреччині та Ірані починаються урочистості та весілля.

Ось як виглядає аналогічний інструмент в Узбекистані.

В Узбекистані та Таджикистані зурну називають сурнай. У Середньої Азіїта Ірані, до звуків суворих і бубнів обов'язково додають протяжні звуки іншого інструменту - карнай. Карнай-сурнай - стійке словосполучення, що означає початок свята.

Цікаво, що споріднений карнаю інструмент існує в Карпатах, а назва його знайома багатьом – трембітам.

А друга дудочка, зображена на моїй фотографії, називається балабан чи дудук. У Туреччині та Ірані цей інструмент називають ще й мей.

Послухайте, як грає на балабан Аліхан Самедов.

Ми ще повернемося до балабану, а поки що хочу розповісти про те, що я бачив у Пекіні.
Наскільки ви зрозуміли, я колекціоную музичні інструменти. І як тільки під час поїздки до Пекіна у мене видалася вільна хвилинка, я негайно вирушив до магазину музичних інструментів. Що я купив собі в цій крамниці, я ще розповім в інший раз. А зараз про те, що я не купив і чого страшно шкодую.
На вітрині стояла сопілка з розтрубом, конструкцією точно нагадувала зурну.
- Як це називається? - Запитав я через перекладачку.
- Соно, - відповіли мені.
- До чого схоже на "сорна - сурнай - зурна" - подумав я вголос. А перекладачка підтвердила мій здогад:
- Китайці не вимовляють букву р у середині слова.

Детальніше про китайський різновид зурни можете
Але, ви знаєте, зурна і балабан ходять пліч-о-пліч. У їх конструкції багато спільного – можливо, тому. І що ви собі думаєте? Поруч із інструментом сона стояв інший інструмент - гуань або гуаньцзі. Ось як він виглядав:

Ось як він виглядає. Хлопці, товариші, панове, та це ж дудук і є!
А коли він потрапив туди? У восьмому столітті. Отже, можна припустити, що потрапив із Китаю – терміни та географія збігаються.
Поки що документально відомо лише те, що цей інструмент поширювався на схід з боку Сіньцзяня. Ну, а як у сучасному Сіньцзяні, грають на цьому інструменті?

Дивіться та слухайте з 18-ї секунди! Ви тільки послухайте, який розкішний звук у баламана уйгурського - так, тут він називається так само, як в азербайджанській мові (існує і така вимова назви).

А давайте пошукаємо додаткову інформаціюу незалежних джерелах, наприклад, в енциклопедії Іраніка:
BÀLĀBĀN
CH. ALBRIGHT
cylindrical-bore, double-reed wind інструмент про 35 cm long with seven finger holes and one thumb hole, played in eastern Azerbaijan in Iran and in Republic of Azerbaijan.

Чи Іраніка симпатизує азербайджанцям? Добре, ось ВСЕ теж каже, що слово дудук має тюркське походження.
Азербайджанці та узбеки підкупили укладачів?
Ну, добре, ось болгар у симпатії до турків точно не запідозриш!
на вельми серйозному болгарському сайті за словами дудук:
дудук, дюдюк; дудук, дюдюк (від тур. düdük), харчялка, сворче, гласник, доп - Народен д'рвен музичний інструмент від типу на аерофоніті, напівзатворені тр'бі.
Знову вказують на турецьке походження слова та називають його своїм народним інструментом.
Поширений цей інструмент, як з'ясувалося, переважно серед тюркських народів або серед народів, що контактували з тюрками. І кожен народ обґрунтовано вважає його своїм народним, національним інструментом. Але тільки один приписує собі його створення.

Адже тільки лінивий не чув, що "дудук - давній вірменський інструментПри цьому натякають, що дудук було створено три тисячі років тому – тобто, у недоведеному минулому. А факти та елементарна логіка показують, що це не так.

Поверніться до цієї статті і ще раз подивіться на музичні інструменти. Майже на всіх цих інструментах грають і у Вірменії. Але цілком зрозуміло, що всі ці інструменти з'явилися в набагато більше численних народівз ясною та зрозумілою історією, серед яких якраз і жили вірмени. Уявіть собі невеликий народ, який живе у розсіянні серед інших народів, які мають власні держави та імперії. Чи стане такий народ створювати повний набір музичних інструментів для цілого оркестру?
Я, зізнатися, теж думав: "Добре, то були великі та складні інструменти, залишимо їх осторонь. Але хоч дудочку вірмени могли придумати?" А з'ясовується, що ні, не вигадали. Якби придумали, то у цієї дудки була б суто вірменська назва, і не поетично-метафоричне циранопох (душа абрикосового дерева), а що не простіше, понародніше, з одним коренем, або й зовсім звуконаслідувальне. Поки всі джерела вказують на тюркську етимологію назви цього музичного інструменту, а географія і дати поширення показують, що своє поширення дудук почав із Середньої Азії.
Ну добре, давайте зробимо ще одне припущення і скажемо, що дудук потрапив у Сіньцзянь із давньої Вірменії. Але яким чином? Хто його приніс туди? Які народи переселялися з Кавказу до Середньої Азії межі першого тисячоліття? Нема таких народів! А ось тюрки постійно рухалися із Середньої Азії на захід. Вони цілком могли поширити цей інструмент і на Кавказі, і на території сучасної Туреччини і навіть у Болгарії, на що вказують документи.

Я передбачаю ще один аргумент захисників версії вірменського походження дудука. Мовляв, справжній дудук робиться лише з абрикосового дерева, яке латиною називається Prúnus armeniáca. Але, по-перше, абрикоси в Середній Азії поширені не менше, ніж на Кавказі. Латинська назва не вказує на те, що це дерево поширилося світом з території місцевості, що носить географічну назву Вірменія. Просто саме звідти вона проникла до Європи і була описана ботаніками приблизно триста років тому. Навпаки, є версія, що абрикос поширився з Тянь-Шаню, частина якого знаходиться в Китаї, а частина – у Середній Азії. По-друге, досвід талановитих народів показує, що цей інструмент можна виготовити навіть з бамбука. А мій улюблений балабан виготовлений зі шовковика і звучить набагато краще за абрикосові, які в мене теж є і виготовлені якраз у Вірменії.

Слухайте, як я навчився грати на цьому інструменті за кілька років. У записі брав участь народний артистТуркменістану Гасан Мамедов (скрипка) та народний артист України, мій земляк по Фергані, Енвер Ізмайлов (гітара).

При цьому я хочу віддати шану великому вірменському виконавцю на дудуку Джівану Гаспаряну. Саме ця людина зробив дудук відомим у всьому світі інструментом, завдяки його праці у Вірменії виникла чудова школа гри на дудуку.
Але говорити вірменський дудукправомірно лише про конкретні інструменти, якщо вони виготовлені у Вірменії, або про тип музики, що виникла завдяки Дж. Гаспаряну. вірменське походженняДудука можуть тільки ті люди, які дозволяють собі бездоказові твердження.

Прошу помітити, що сам не вказую ні точного місця, ні точного часу появи дудука. Ймовірно, це вже неможливо встановити і прообраз дудука давніший за будь-який з нині живих народів. Але я будую свою гіпотезу про поширення дудука, спираючись на факти та елементарну логіку. Якщо хтось забажає заперечити мені, то я хочу заздалегідь попросити: будь ласка, при побудові гіпотез так само спирайтеся на доведені та перевірені факти з незалежних джерел, не цурайтесь логіки та спробуйте знайти інше виразне пояснення переліченим фактам.