Moderne Kunst des japanischen Anime und Manga. Explodierendes Kawaii: Wie man zeitgenössische japanische Kunst versteht

In der Eremitage läuft eine interessante Ausstellung - Moderne Kunst Japan "MONO-NO AWARE. Charme der Dinge".

Zu sagen, dass ich ein Fan zeitgenössischer Kunst bin, kann ich nicht. Ich mag es lieber, wenn es etwas zu sehen gibt (fleißige Grafik oder Kunsthandwerk, Ethnos ist mein Ein und Alles). Die Schönheit eines reinen Konzepts zu bewundern, macht mir nicht immer Spaß. (Malewitsch, tut mir leid! Ich mag kein Schwarzes Quadrat!)

Aber heute bin ich zu dieser Ausstellung gekommen!

Gut, wenn Sie in St. Petersburg sind, sich für Kunst interessieren und noch nicht dort waren, dann ist die Ausstellung noch bis zum 9. Februar! Geh, weil es interessant ist!

Konzepte überzeugen mich ein wenig, wie ich oben geschrieben habe. Irgendwie dachte ich, dass mir in einem Jahr des Besuchs moderner Ausstellungen höchstens ein oder zwei Objekte komisch vorkommen. Und viele Dinge berühren mich nicht so sehr, dass mir die Zeit leid tut, die ich damit verbracht habe. Aber es ist in jedem Genre, in jeder Kunst, das prozentuale Verhältnis von Talent und Mittelmaß, es ist gut, wenn es eins zu zehn ist! Aber ich mochte diese Sendung.

Japanische Kreationen wurden in den Ausstellungshallen des Generalstabs aufgestellt. Die erste Installation, die die Besucher begrüßt, ist ein unglaubliches Labyrinth voller Salz auf dem Boden. Grauer Boden, weißes Salz, unglaublich sauber markierter Raum, zu einem Feld verwoben. Groß Ausstellungsraum, und ein weißes Ornament breitete sich wie eine erstaunliche Schmerle über den Boden aus. Und Sie verstehen, wie vorübergehend diese Kunst ist. Die Ausstellung wird geschlossen, das Labyrinth wird mit einem Besen weggefegt. Ich habe mal den Film „Little Buddha“ gesehen. Und dort, am Anfang, legte ein buddhistischer Mönch ein komplexes Ornament aus farbigem Sand. Und am Ende des Films machte der Mönch eine scharfe Bewegung mit seinem Pinsel und das titanische Werk löste sich im Wind auf. Das war, dann hüpfen, und nein. Und es sagt, schätze die Schönheit hier und jetzt, alles ist flüchtig. Also dieses Labyrinth aus Salz, es tritt in einen Dialog mit dir, du beginnst, die Fragen zu beantworten, die er dir vorstellt. Der Künstler ist Motoi Yamamoto.

Ja Ja! Das ist so ein großes Labyrinth, hast du die Größe gespürt?

Das zweite faszinierende Objekt ist die riesige Kuppel aus Polyethylen und schwarzem Harz von Yasuaki Onishi. Ungewöhnlich entschiedener Raum. An den schwarzen, dünnsten, ungleichmäßigen Harzfäden hängt, sich leicht bewegend, eine Kuppel .... oder ein Berg mit einem komplexen Relief. Wenn Sie hineingehen, sehen Sie ein buntes Muster aus Punkten – Stellen, an denen das Harz haftet. Es ist lustig, als ob der schwarze Regen lautlos fällt und Sie unter dem Baldachin sind.

Wie ist diese Technik entstanden? Lustig, richtig? Aber live sieht es "lebendiger" aus, die Kuppel schwankt leicht im Wind, der von vorbeigehenden Besuchern erzeugt wird. Und es gibt ein Gefühl Ihrer Interaktion mit dem Objekt. Sie können die "Höhle" betreten, sehen Sie von innen, wie es ist!

Aber um nicht den Eindruck zu erwecken, dass alles nur schwarz und weiß war, werde ich hier noch ein paar Fotos der Komposition posten, die aus zusammengesteckten Reifen entstanden sind. So bunte, lustige Plastiklocken! Und Sie können auch durch diesen Raum gehen, in die Reifen, oder Sie können sich alles von außen ansehen.

Diese Artikel sind meine Favoriten. Natürlich wird die konzeptionelle Gegenwartskunst bald anders werden, im Einklang mit der neuen Zeit. Es wird nicht zum Alten zurückkehren und nicht so bleiben, wie es jetzt ist. Es wird sich ändern. Aber um zu verstehen, was war, wo der Strom gerauscht ist und was und woher er kommt, muss man wissen, was jetzt passiert. Und scheuen Sie sich nicht, nein, das Konzept ist nichts für mich, aber versuchen Sie es zu sehen und zu bewerten. Es gibt wie immer wenige Talente, aber sie sind da. Und wenn die Exponate ankommen, dann ist noch nicht alles verloren!!!

Kunst und Design

3946

01.02.18 09:02

Die heutige Kunstszene in Japan ist sehr vielfältig und provokativ: Betrachtet man die Arbeit von Meistern aus dem Land aufgehende Sonne Sie werden denken, dass Sie auf einem anderen Planeten gelandet sind! Es ist die Heimat von Innovatoren, die die Landschaft der Branche auf globaler Ebene verändert haben. Hier ist eine Liste von 10 zeitgenössischen japanischen Künstlern und ihren Kreationen, von den unglaublichen Kreaturen von Takashi Murakami (der heute seinen Geburtstag feiert) bis zum farbenfrohen Universum von Kusama.

Von futuristischen Welten bis hin zu gepunkteten Konstellationen: zeitgenössische japanische Künstler

Takashi Murakami: Traditionalist und Klassiker

Beginnen wir mit dem Helden des Anlasses! Takashi Murakami ist einer der bekanntesten zeitgenössischen Künstler Japans und arbeitet an Gemälden, großformatigen Skulpturen und Mode. Murakamis Stil ist von Manga und Anime beeinflusst. Er ist der Gründer der Superflat-Bewegung, die Japaner unterstützt künstlerische Traditionen und Nachkriegskultur. Murakami beförderte viele seiner Zeitgenossen, auch einige von ihnen werden wir heute kennenlernen. „Subkulturelle“ Werke von Takashi Murakami werden auf dem Mode- und Kunstmarkt präsentiert. Sein provokanter Film My Lonesome Cowboy (1998) wurde 2008 in New York bei Sotheby's für einen Rekordpreis von 15,2 Millionen Dollar verkauft. Murakami hat mit den weltberühmten Marken Marc Jacobs, Louis Vuitton und Issey Miyake zusammengearbeitet.

Tycho Asima und ihr surreales Universum

Als Mitglied der Kunstproduktionsfirma Kaikai Kiki und der Superflat-Bewegung (beide von Takashi Murakami gegründet) ist Chiho Ashima bekannt für ihre fantasievollen Stadtlandschaften und seltsamen Pop-Kreaturen. Der Künstler schafft surrealistische Träume, die von Dämonen, Geistern und jungen Schönheiten bewohnt werden, die vor dem Hintergrund einer fremden Natur dargestellt werden. Ihre Arbeiten sind meist großformatig und auf Papier, Leder, Plastik gedruckt. 2006 nahm dieser zeitgenössische japanische Künstler an Art on the Underground in London teil. Sie schuf 17 aufeinanderfolgende Bögen für die Plattform – die magische Landschaft verwandelte sich allmählich von Tag zu Nacht, von städtisch zu ländlich. Dieses Wunder erblühte an der U-Bahnstation Gloucester Road.

Chiharu Shima und unendliche Fäden

Ein anderer Künstler, Chiharu Shiota, arbeitet an großformatigen visuellen Installationen für bestimmte Sehenswürdigkeiten. Sie wurde in Osaka geboren, lebt aber jetzt in Deutschland – in Berlin. Zentrale Themen ihre arbeit ist vergessenheit und erinnerung, traum und realität, vergangenheit und gegenwart, aber auch eine konfrontation mit angst. Chiharu Shiotas berühmteste Werke sind die undurchdringlichen schwarzen Fadennetze, die viele alltägliche und persönliche Gegenstände wie alte Stühle, ein Hochzeitskleid, ein verbranntes Klavier umhüllen. Im Sommer 2014 verband Shiota mehr als 300 ihr gespendete Schuhe und Stiefel mit roten Garnfäden und hängte sie an Haken. Chiharus erste Ausstellung in der deutschen Hauptstadt fand während der Berlin Art Week 2016 statt und sorgte für Aufsehen.

Hey Arakawa: überall, nicht irgendwo

Ei Arakawa lässt sich von Zuständen des Wandels, Zeiten der Instabilität und Risikoelementen inspirieren, und seine Installationen symbolisieren oft die Themen Freundschaft und Teamarbeit. Das Credo des zeitgenössischen japanischen Künstlers wird durch das performative Unbestimmte „überall, aber nirgendwo“ bestimmt. Seine Kreationen tauchen an unerwarteten Orten auf. 2013 wurden Arakawas Arbeiten auf der Biennale in Venedig und in der Ausstellung japanischer zeitgenössischer Kunst im Mori Art Museum (Tokio) ausgestellt. Die Installation Hawaiian Presence (2014) war eine Zusammenarbeit mit der in New York lebenden Künstlerin Carissa Rodriguez und wurde auf der Whitney Biennale gezeigt. Ebenfalls im Jahr 2014 boten Arakawa und sein Bruder Tomu, die als Duett namens United Brothers auftraten, den Besuchern der Frieze London ihre „Arbeit“ „The This Soup Taste Ambivalent“ mit „radioaktiven“ Fukushima-Daikon-Wurzeln an.

Koki Tanaka: Beziehung und Wiederholung

2015 wurde Koki Tanaka zur Künstlerin des Jahres gekürt. Tanaka erforscht das gemeinsame Erleben von Kreativität und Vorstellungskraft, fördert den Austausch zwischen den Projektbeteiligten und setzt sich für neue Regeln der Zusammenarbeit ein. Seine Installation im japanischen Pavillon auf der Biennale in Venedig 2013 bestand aus Videos von Objekten, die den Raum in eine Plattform für den Kunstaustausch verwandelten. Die Installationen von Koki Tanaka (nicht zu verwechseln mit dem gleichnamigen Schauspieler) veranschaulichen die Beziehung zwischen Objekten und Handlungen, wie die Videoaufzeichnung einfacher Gesten, die mit gewöhnlichen Objekten ausgeführt werden (Gemüse schneiden mit dem Messer, Bier in ein Glas gießen, Regenschirm öffnen). . Nichts Wesentliches passiert, aber obsessive Wiederholung und Aufmerksamkeit die kleinsten Details Lassen Sie den Betrachter das Alltägliche schätzen.

Mariko Mori und stromlinienförmige Formen

Eine andere zeitgenössische japanische Künstlerin, Mariko Mori, „beschwört“ Multimedia-Objekte herauf, indem sie Videos, Fotos und Objekte kombiniert. Sie hat eine minimalistische futuristische Vision und glatte, surreale Formen. Ein wiederkehrendes Thema in Moris Werk ist die Gegenüberstellung westlicher Legenden mit westliche Kultur. 2010 gründete Mariko die Fau Foundation, eine Bildungskultur gemeinnützige Organisation, für die sie eine Reihe ihrer Kunstinstallationen zu Ehren der sechs bewohnten Kontinente produzierte. Vor kurzem wurde die permanente Installation der Stiftung, The Ring: One with Nature, über einen malerischen Wasserfall in Resende in der Nähe von Rio de Janeiro gehisst.

Ryoji Ikeda: Ton- und Videosynthese

Ryoji Ikeda ist ein New-Media-Künstler und Komponist, dessen Arbeit sich hauptsächlich auf Klang in verschiedenen "rohen" Zuständen bezieht, von sinusförmigen Klängen bis hin zu Geräuschen, die Frequenzen am Rande des menschlichen Gehörs verwenden. Seine atemberaubenden Installationen umfassen computergenerierte Klänge, die visuell in Videoprojektionen oder digitale Vorlagen umgewandelt werden. Ikedas audiovisuelle Kunstobjekte verwenden Maßstab, Licht, Schatten, Lautstärke, elektronische Klänge und Rhythmus. Das berühmte Testobjekt des Künstlers besteht aus fünf Projektoren, die eine Fläche von 28 Metern Länge und 8 Metern Breite beleuchten. Das Gerät wandelt Daten (Text, Töne, Fotos und Filme) in einen Strichcode und binäre Muster aus Nullen und Einsen um.

Tatsuo Miyajima und LED-Zähler

Der zeitgenössische japanische Bildhauer und Installationskünstler Tatsuo Miyajima verwendet in seiner Kunst Stromkreise, Video, Computer und andere Geräte. Die Hauptkonzepte von Miyajima sind von humanistischen Ideen und buddhistischen Lehren inspiriert. Die LED-Zähler in seinem Aufbau blinken kontinuierlich in einer Wiederholung von 1 bis 9, was die Reise vom Leben zum Tod symbolisiert, aber die Endgültigkeit vermeidet, die durch 0 repräsentiert wird (Null kommt in Tatsuos Arbeit nie vor). Die allgegenwärtigen Zahlen in Rastern, Türmen und Diagrammen drücken Miyajimas Interesse an den Ideen von Kontinuität, Ewigkeit, Verbindung und dem Fluss von Zeit und Raum aus. Vor nicht allzu langer Zeit wurde Miyajimas Arrow of Time-Objekt auf der Eröffnungsausstellung "Incomplete Thoughts Visible in New York" gezeigt.

Nara Yoshimoto und die bösen Kinder

Nara Yoshimoto kreiert Gemälde, Skulpturen und Zeichnungen von Kindern und Hunden, Themen, die das kindliche Gefühl von Langeweile und Frustration und die wilde Unabhängigkeit widerspiegeln, die Kleinkindern von Natur aus eigen ist. Die Ästhetik von Yoshimotos Werk erinnert an traditionelle Buchillustrationen, eine Mischung aus rastloser Spannung und der Liebe des Künstlers zum Punkrock. 2011 veranstaltete das Asian Society Museum in New York Yoshitomos erste Einzelausstellung mit dem Titel "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", die die 20-jährige Karriere eines zeitgenössischen japanischen Künstlers abdeckt. Die Exponate waren eng mit den Jugendsubkulturen der Welt, ihrer Entfremdung und ihrem Protest verbunden .

Yayoi Kusama und der Raum, der mit ausgefallenen Formen wächst

Auffallend kreative Biografie Yayoi Kusama dauert sieben Jahrzehnte. Während dieser Zeit gelang es einer erstaunlichen Japanerin, die Bereiche Malerei, Grafik, Collage, Skulptur, Kino, Gravur, Umweltkunst, Installation sowie Literatur, Mode und Kleidungsdesign zu studieren. Kusama entwickelte einen sehr unverwechselbaren Stil der Punktkunst, der zu ihrem Markenzeichen geworden ist. Die illusorischen Visionen, die in den Werken der 88-jährigen Kusama präsentiert werden – wenn die Welt mit wuchernden fremdartigen Formen bedeckt zu sein scheint – sind das Ergebnis von Halluzinationen, die sie seit ihrer Kindheit erlebt. Räume mit bunten Punkten und "endlosen" Spiegeln, die ihre Anhäufungen reflektieren, sind erkennbar, sie sind mit nichts anderem zu verwechseln.

Die Japaner entdeckten die in den Dingen verborgene Schönheit im 9.-12. Jahrhundert, in der Heian-Ära (794-1185) und bezeichneten sie sogar mit dem speziellen Begriff „mono noconscious“ (物の哀れ (もののあわれ)), was „ trauriger Charme der Dinge. „Der Charme der Dinge“ ist eine der frühesten Definitionen von Schönheit in der japanischen Literatur. Sie wird mit dem Shinto-Glauben in Verbindung gebracht, dass jedes Ding seine eigene Gottheit – Kami – und seinen eigenen einzigartigen Charme hat. Avare ist die innere Essenz der Dinge, das, was Freude und Aufregung hervorruft.

- Washi (wasi) oder wagami (wagami).
Manuelle Papierherstellung. Mittelalterliche Japaner schätzten Washi nicht nur wegen seiner praktischen Qualitäten, sondern auch wegen seiner Schönheit. Sie war berühmt für ihre Subtilität, fast Transparenz, die ihr jedoch nicht die Kraft nahm. Washi wird aus der Rinde des Kozobaums (Maulbeerbaum) und einigen anderen Bäumen hergestellt.
Washi-Papier wird seit Jahrhunderten aufbewahrt, ein Beweis dafür sind die Alben und Bände alter japanischer Kalligrafie, Gemälde, Siebe und Gravuren, die im Laufe der Jahrhunderte bis heute erhalten geblieben sind.
Vasyas Papier ist faserig, wenn Sie durch ein Mikroskop schauen, sehen Sie Risse, durch die Luft und Sonnenlicht eindringen. Diese Qualität wird bei der Herstellung von Paravents und traditionellen japanischen Laternen verwendet.
Washi-Souvenirs sind bei Europäern sehr beliebt. Viele kleine und nützliche Dinge werden aus diesem Papier hergestellt: Brieftaschen, Umschläge, Fächer. Sie sind ziemlich langlebig und dennoch leicht.

- Gohei.
Maskottchen aus Papierstreifen. Gohei - ein ritueller Stab eines Shinto-Priesters, an dem Papierzickzackstreifen befestigt sind. Die gleichen Papierstreifen werden am Eingang eines Shinto-Schreins aufgehängt. Die Rolle des Papiers im Shinto war traditionell sehr groß, und Papierprodukte waren schon immer gegeben Esoterische Bedeutung. Und der Glaube, dass jedes Ding, jedes Phänomen, sogar Worte, einen Kami – eine Gottheit – enthalten, erklärt das Auftreten dieser Art angewandte Künste wie gohei. Der Shintoismus ist unserem Heidentum etwas ähnlich. Für Shintoisten ist der Kami besonders bereit, sich in allem Außergewöhnlichen niederzulassen. Zum Beispiel auf Papier. Und noch mehr in einem zu einem verschlungenen Zickzack verdrehten Gohei, der heute vor dem Eingang von Shinto-Schreinen hängt und auf die Anwesenheit einer Gottheit im Tempel hinweist. Es gibt 20 Möglichkeiten, den Gohei zu falten, und diejenigen, die besonders ungewöhnlich gefaltet sind, ziehen den Kami an. Gohei ist überwiegend weiß, aber auch Gold, Silber und viele andere Farbtöne sind zu finden. Seit dem 9. Jahrhundert gibt es in Japan den Brauch, den Gohei an den Gürteln der Sumo-Ringer vor Beginn des Kampfes zu stärken.

-Anesama.
Dies ist die Herstellung von Papierpuppen. Im 19. Jahrhundert stellten Samurai-Ehefrauen Papierpuppen her, mit denen Kinder spielten, und zogen ihnen verschiedene Kleider an. In Zeiten, in denen es kein Spielzeug gab, war anesama die einzige Gesprächspartnerin für Kinder, die die Rolle der Mutter, der großen Schwester, des Kindes und der Freundin „ausübte“.
Die Puppe ist aus japanischem Washi-Papier gefaltet, die Haare sind aus zerknittertem Papier, mit Tinte gefärbt und mit Kleber überzogen, der ihr Glanz verleiht. Eine Besonderheit ist eine nette kleine Nase auf einem länglichen Gesicht. Heute wird dieses einfache Spielzeug, das nichts als geschickte Hände erfordert, traditionell in der Form, nach wie vor auf die gleiche Weise hergestellt.

-Origami.
Die alte Kunst des Papierfaltens (折り紙, lit.: "gefaltetes Papier"). Die Kunst des Origami hat ihre Wurzeln in Antikes China wo Papier erfunden wurde. Ursprünglich wurde Origami in religiösen Zeremonien verwendet. Lange Zeit Diese Art von Kunst war nur Vertretern der Oberschicht zugänglich, wo der Besitz von Papierfalttechniken ein Zeichen für guten Geschmack war. Erst nach dem Zweiten Weltkrieg ging Origami über den Osten hinaus nach Amerika und Europa, wo es sofort seine Fans fand. Klassisches Origami wird aus einem quadratischen Blatt Papier gefaltet.
Es ist ein bestimmter Satz konventioneller Symbole erforderlich, um das Faltschema selbst des komplexesten Produkts zu skizzieren. Die meisten konventionellen Zeichen wurden Mitte des 20. Jahrhunderts von dem berühmten japanischen Meister Akira Yoshizawa in die Praxis umgesetzt.
Klassisches Origami schreibt die Verwendung eines quadratischen, gleichmäßig gefärbten Blatt Papiers ohne Kleber und Schere vor. Zeitgenössische Kunstformen weichen manchmal von diesem Kanon ab.

- Kirigami.
Kirigami ist die Kunst, mit Hilfe einer Schere verschiedene Formen aus einem mehrfach gefalteten Blatt Papier zu schneiden. Eine Art Origami, die die Verwendung von Scheren und Scherenschnitten bei der Herstellung des Modells ermöglicht. Dies ist der Hauptunterschied zwischen Kirigami und anderen Papierfalttechniken, der im Namen betont wird: 切る (kiru) - schneiden, 紙 (gami) - Papier. Wir alle haben in der Kindheit gerne Schneeflocken geschnitten - eine Variante von Kirigami, mit dieser Technik können Sie nicht nur Schneeflocken, sondern auch verschiedene Figuren, Blumen, Girlanden und andere niedliche Dinge aus Papier schneiden. Diese Produkte können als Schablonen für Drucke, Albumdekorationen, Postkarten, Fotorahmen, Modedesign, Innenarchitektur und andere verschiedene Dekorationen verwendet werden.

- Ikebana.
Ikebana, (jap. 生け花 oder いけばな) übersetzt aus japanische Sprache- ike“ – Leben, „bana“ – Blumen oder „Blumen, die leben“. Die japanische Kunst des Blumensteckens ist eine der schönsten Traditionen des japanischen Volkes. Bei der Zusammenstellung von Ikebana werden neben Blumen geschnittene Zweige, Blätter und Triebe verwendet.Das Grundprinzip ist exquisite Einfachheit, um dies zu erreichen, versuchen sie zu betonen natürliche Schönheit Pflanzen. Ikebana ist die Kreation einer neuen natürlichen Form, in der die Schönheit einer Blume und die Schönheit der Seele des Meisters, der die Komposition erstellt, harmonisch kombiniert werden.
Heute gibt es in Japan 4 große Ikebana-Schulen: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Darüber hinaus gibt es etwa tausend verschiedene Richtungen und Trends, die an einer dieser Schulen festhalten.

-Oribana.
Mitte des 17. Jahrhunderts gingen zwei Schulen von Ohara (die Hauptform von Ikebana - Oribana) und Koryu (die Hauptform - Sek) von Ikenobo aus. Übrigens studiert die Ohara-Schule immer noch nur Oribanu. Wie die Japaner sagen, ist es sehr wichtig, dass Origami nicht zu Origami wird. Gomi bedeutet Müll auf Japanisch. Schließlich haben Sie zufällig ein Stück Papier gefaltet, und was tun Sie dann damit? Oribana bietet viele Ideen für Blumensträuße zur Dekoration des Innenraums. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Fehler.
Eine aus der Floristik entstandene Kunstform. Die Floristik ist in unserem Land vor acht Jahren aufgetaucht, obwohl sie in Japan seit mehr als sechshundert Jahren existiert. Irgendwann im Mittelalter verstanden Samurai den Weg eines Kriegers. Und oshibana war Teil dieses Weges, genau wie das Schreiben von Hieroglyphen und das Führen eines Schwertes. Die Bedeutung des Fehlers war, dass der Meister im Zustand der totalen Präsenz im Moment (Satori) ein Bild von getrockneten Blumen (gepressten Blumen) schuf. Dann könnte dieses Bild als Schlüssel dienen, als Leitfaden für diejenigen, die bereit sind, in die Stille einzutreten und dasselbe Satori zu erfahren.
Die Essenz der Kunst des "Oshibana" besteht darin, dass der Autor durch das Sammeln und Trocknen von Blumen, Kräutern, Blättern und Rinde unter Druck und das Aufkleben auf die Unterlage mit Hilfe von Pflanzen ein wahres "Malwerk" schafft. Mit anderen Worten: Falsch ist das Malen mit Pflanzen.
Die künstlerische Kreativität von Floristen basiert auf der Bewahrung von Form, Farbe und Textur von getrocknetem Pflanzenmaterial. Die Japaner haben eine Technik entwickelt, um „Oshibana“-Gemälde vor Verblassen und Verdunkelung zu schützen. Seine Essenz besteht darin, dass zwischen Glas und Bild Luft herausgepumpt wird und ein Vakuum entsteht, das das Verderben der Pflanzen verhindert.
Es zieht nicht nur die Unkonventionalität dieser Kunst an, sondern auch die Möglichkeit, Vorstellungskraft, Geschmack und Wissen über die Eigenschaften von Pflanzen zu zeigen. Floristen schaffen Ornamente, Landschaften, Stillleben, Porträts und Geschichtenbilder.

- Bonsai.
Bonsai als Phänomen tauchte vor mehr als tausend Jahren in China auf, aber diese Kultur erreichte ihren Höhepunkt der Entwicklung nur in Japan. (Bonsai - japanisch 盆栽 wörtlich "Pflanze in einem Topf") - die Kunst des Wachsens exakte Kopie echter Baum in Miniatur. Diese Pflanzen wurden mehrere Jahrhunderte vor unserer Zeitrechnung von buddhistischen Mönchen angebaut und wurden später zu einer der Aktivitäten des örtlichen Adels.
Bonsai schmückten japanische Häuser und Gärten. In der Tokugawa-Ära erhielt die Parkgestaltung einen neuen Aufschwung: Der Anbau von Azaleen und Ahorn wurde zum Zeitvertreib der Reichen. Die Produktion von Zwergpflanzen (hachi-no-ki - "Baum im Topf") entwickelte sich ebenfalls, aber die Bonsai dieser Zeit waren sehr groß.
Jetzt werden gewöhnliche Bäume für Bonsai verwendet, sie werden durch ständiges Beschneiden und verschiedene andere Methoden klein. Gleichzeitig entspricht das Verhältnis der Größen des Wurzelsystems, begrenzt durch das Volumen der Schale, und des geschliffenen Teils des Bonsai den Proportionen eines erwachsenen Baumes in der Natur.

- Mizuhiki.
Makramee analog. Dies ist eine alte japanische angewandte Kunst, verschiedene Knoten aus speziellen Schnüren zu binden und daraus Muster zu erstellen. Solche Kunstwerke hatten eine extrem große Bandbreite – von Geschenkkarten und Briefen bis hin zu Frisuren und Handtaschen. Derzeit ist Mizuhiki in der Geschenkindustrie sehr weit verbreitet - für jedes Ereignis im Leben soll ein Geschenk auf eine ganz bestimmte Art und Weise verpackt und gebunden werden. Es gibt extrem viele Knoten und Kompositionen in der Mizuhiki-Kunst, und nicht jeder Japaner kennt sie alle auswendig. Natürlich gibt es die gängigsten und einfachsten Knoten, die am häufigsten verwendet werden: für Glückwünsche zur Geburt eines Kindes, für eine Hochzeit oder Gedenkfeier, einen Geburtstag oder die Zulassung zum Studium.

- Kumihimo.
Kumihimo ist eine japanische geflochtene Schnur. Beim Weben werden Fäden, Bänder und Spitzen erhalten. Diese Schnürsenkel werden auf speziellen Maschinen gewebt - Marudai und Takadai. Die Marudai-Maschine wird zum Weben von runden Spitzen und die Takadai-Maschine zum Weben von flachen verwendet. Kumihimo bedeutet auf Japanisch "Seile weben" (kumi - weben, zusammenfalten, himo - Seil, Spitze). Trotz der Tatsache, dass Historiker hartnäckig darauf bestehen, dass ähnliche Webereien bei den Skandinaviern und Andenbewohnern zu finden sind, ist die japanische Kumihimo-Kunst tatsächlich eine der ältesten Webarten. Die erste Erwähnung geht auf das Jahr 550 zurück, als sich der Buddhismus in ganz Japan verbreitete und besondere Zeremonien besondere Dekorationen erforderten. Später wurden Kumihimo-Schnürsenkel als Befestigungsmittel für den Obi-Gürtel an einem Kimono für Frauen, als Seile zum „Verpacken“ des gesamten Samurai-Waffenarsenals (Samurai verwendeten Kumihimo zu dekorativen und funktionalen Zwecken, um ihre Rüstung und Pferderüstung zu binden) und verwendet auch zum Binden schwerer Gegenstände.
Eine Vielzahl von Mustern des modernen Kumihimo lassen sich sehr einfach auf hausgemachten Webstühlen aus Pappe weben.

-Komono.
Was bleibt von einem Kimono, wenn er ausgedient hat? Glaubst du, es wird weggeworfen? Nichts dergleichen! Die Japaner werden das niemals tun. Kimonos sind teuer. Es ist undenkbar und unmöglich, ihn einfach so wegzuwerfen ... Neben anderen Arten des Kimono-Recyclings stellten Handwerkerinnen aus kleinen Fetzen kleine Souvenirs her. Dies sind kleine Spielzeuge für Kinder, Puppen, Broschen, Girlanden, Damenschmuck und andere Produkte. Der alte Kimono wird zur Herstellung kleiner süßer Dinge verwendet, die zusammen "Komono" genannt werden. Kleine Dinge, die leben werden eigenes Leben, den Weg des Kimonos fortsetzend. Das bedeutet das Wort „komono“.

- Kanzashi.
Die Kunst, Haarspangen (meistens mit Blumen (Schmetterlingen usw.) verziert) aus Stoff (hauptsächlich Seide) zu dekorieren. Japanisches Kanzashi (Kanzashi) ist eine lange Haarnadel für eine traditionelle japanische Frauenfrisur. Sie wurden aus Holz, Lack, Silber, Schildpatt, das in traditionellen chinesischen und japanischen Frisuren verwendet wird. Vor etwa 400 Jahren änderte sich in Japan der Stil der Frauenfrisuren: Frauen hörten auf, ihr Haar in der traditionellen Form zu kämmen - Taregami (langes glattes Haar) und begannen, es kompliziert zu stylen bizarre formen - nihongami verwendet verschiedene gegenstände - haarnadeln, stöcke, kämme.Damals verwandelt sich sogar ein einfacher kushi-kamm in ein elegantes accessoire von außergewöhnlicher schönheit, das zu einem echten kunstwerk wird.traditionelle japanische frauentrachten erlaubten es nicht Handgelenkschmuck und Halsketten, also Frisuren Hauptschönheit und ein Feld zur Selbstdarstellung - sowie den Geschmack und die Dicke des Geldbeutels des Besitzers zu demonstrieren. Auf den Gravuren sieht man – wenn man genau hinschaut – wie Japanerinnen locker bis zu zwanzig teure Kanzashi in ihre Frisur hängen.
Es gibt jetzt eine Wiederbelebung der Tradition der Verwendung von Kanzashi unter jungen japanischen Frauen, die ihren Frisuren Raffinesse und Eleganz verleihen möchten. Moderne Haarspangen können mit nur einer oder zwei zierlichen handgefertigten Blumen geschmückt werden.

- Kinusaiga.
Eine erstaunliche Art von Handarbeiten aus Japan. Kinusaiga (絹彩画) ist eine Mischung aus Batik und Patchwork. Die Grundidee ist, dass aus alten Seidenkimonos neue Gemälde zusammengesetzt werden – wahre Kunstwerke.
Zuerst fertigt der Künstler eine Skizze auf Papier an. Dann wird diese Zeichnung auf ein Holzbrett übertragen. Die Kontur des Musters wird mit Rillen oder Rillen durchschnitten, und dann werden kleine Fetzen, die in Farbe und Ton übereinstimmen, aus dem alten Seidenkimono geschnitten, und die Ränder dieser Fetzen füllen die Rillen. Wenn Sie sich ein solches Bild ansehen, haben Sie das Gefühl, ein Foto zu betrachten oder auch nur die Landschaft vor dem Fenster zu betrachten, so realistisch sind sie.

-Temari.
Dies sind traditionelle japanische geometrisch bestickte Bälle, die mit einfachen Stichen hergestellt wurden, die einst ein Kinderspielzeug waren und heute zu einer Kunstform mit vielen Fans nicht nur in Japan, sondern auf der ganzen Welt geworden sind. Es wird angenommen, dass diese Produkte vor langer Zeit von Samurai-Ehefrauen zur Unterhaltung hergestellt wurden. Am Anfang wurden sie wirklich als Ball für ein Ballspiel verwendet, aber nach und nach nahmen sie künstlerische Elemente an und verwandelten sich später in dekorative Ornamente. Die zarte Schönheit dieser Kugeln ist in ganz Japan bekannt. Und heute gehören farbenfrohe, sorgfältig gefertigte Produkte zu den Arten des Volkshandwerks in Japan.

- Yubinuki.
Japanische Fingerhüte werden beim Nähen oder Sticken von Hand auf das Mittelglied des Mittelfingers der arbeitenden Hand gelegt, mit Hilfe der Fingerspitzen wird der Nadel die gewünschte Richtung gegeben und die Nadel durch den Ring in der Mitte geschoben Finger in der Arbeit. Ursprünglich wurden japanische Yubinuki-Fingerhüte ganz einfach hergestellt - ein etwa 1 cm breiter Streifen aus dichtem Stoff oder Leder wurde in mehreren Lagen fest um den Finger gewickelt und mit ein paar einfachen Zierstichen zusammengehalten. Da waren die Yubinuks notwendiges Thema In jedem Haus wurden sie mit geometrischen Stickereien mit Seidenfäden verziert. Aus der Verflechtung von Maschen entstanden bunte und komplexe Muster. Yubinuki von einem einfachen Haushaltsgegenstand hat sich auch zu einem Objekt zum "Bewundern", zur Dekoration des Alltags entwickelt.
Yubinuki werden immer noch zum Nähen und Sticken verwendet, aber man findet sie auch einfach an den Händen an jedem Finger, wie dekorative Ringe. Stickereien im Yubinuki-Stil werden verwendet, um verschiedene Objekte in Form eines Rings zu dekorieren - Serviettenringe, Armbänder, Temari-Ständer, die mit Yubinuki-Stickerei verziert sind, und es gibt auch gestickte Nadelbetten im gleichen Stil. Yubinuki-Muster können eine großartige Inspiration für Temari-Obi-Stickereien sein.

- Suibokuga oder Sumie.
Japanische Tuschemalerei. Dieser chinesische Malstil wurde im 14. Jahrhundert und Ende des 15. Jahrhunderts von japanischen Künstlern übernommen. wurde zum Mainstream der Malerei in Japan. Suibokuga ist einfarbig. Es zeichnet sich durch die Verwendung von schwarzer Tinte (Sumi) aus, einer festen Form Holzkohle oder aus dem Ruß chinesischer Tusche, die in einem Tintenfass gemahlen, mit Wasser verdünnt und mit einem Pinsel auf Papier oder Seide aufgetragen wird. Monochrom bietet dem Meister eine endlose Auswahl an Tonoptionen, die die Chinesen vor langer Zeit als die „Farben“ der Tinte erkannten. Suibokuga erlaubt manchmal die Verwendung echter Farben, beschränkt sie aber auf dünne, transparente Striche, die immer der Tintenlinie untergeordnet bleiben. Die Tuschemalerei teilt mit der Kunst der Kalligrafie so wesentliche Eigenschaften wie streng kontrollierten Ausdruck und technische Beherrschung der Form. Die Qualität der Tuschemalerei hängt, wie in der Kalligraphie, von der Unversehrtheit und Reißfestigkeit der mit Tusche gezeichneten Linie ab, die das Kunstwerk sozusagen an sich hält, so wie Knochen Gewebe an sich halten.

- Etegami.
Gezeichnete Postkarten (e - Bild, getaggt - Brief). Das Selbermachen von Postkarten ist in Japan im Allgemeinen eine sehr beliebte Aktivität, und vor den Feiertagen nimmt ihre Popularität noch weiter zu. Die Japaner lieben es, Postkarten an ihre Freunde zu schicken, und sie lieben es auch, sie zu erhalten. Dies ist eine Art Schnellbrief auf speziellen Rohlingen, der ohne Umschlag per Post verschickt werden kann. Es gibt keine besonderen Regeln oder Techniken in Etegami, jeder kann es ohne spezielles Training machen. Etagami hilft dabei, die Stimmung und Eindrücke genau auszudrücken. Dies ist eine handgefertigte Postkarte, die aus einem Bild und einem kurzen Brief besteht und die Emotionen des Absenders wie Wärme, Leidenschaft, Fürsorge, Liebe usw. vermittelt. Sie versenden diese Postkarten für die Feiertage und einfach so, mit Jahreszeiten, Aktivitäten, Gemüse und Obst, Menschen und Tieren. Je einfacher dieses Bild gezeichnet ist, desto interessanter sieht es aus.

- Furoshiki.
Japanische Wickeltechnik oder die Kunst des Stofffaltens. Furoshiki trat lange Zeit in das Leben der Japaner ein. Alte Schriftrollen aus der Kamakura-Muromachi-Periode (1185 - 1573) mit Bildern von Frauen, die Kleiderbündel auf dem Kopf tragen, sind erhalten geblieben. Diese interessante Technik entstand bereits 710 - 794 n. Chr. in Japan. Das Wort „Furoshiki“ bedeutet wörtlich „Badeteppich“ und ist ein quadratisches Stück Stoff, das zum Einwickeln und Tragen von Gegenständen aller Formen und Größen verwendet wurde.
Früher war es üblich, japanische Bäder (furo) in Kimonos aus leichter Baumwolle zu betreten, die Besucher von zu Hause mitbrachten. Der Badegast brachte auch eine spezielle Decke (Shiki) mit, auf der er beim Ausziehen stand. Nachdem er sich in einen "Bade"-Kimono verwandelt hatte, wickelte der Besucher seine Kleidung in eine Decke und nach dem Bad wickelte er einen nassen Kimono in eine Decke, um ihn nach Hause zu bringen. So wird aus der Badematte eine multifunktionale Tasche.
Furoshiki ist sehr einfach zu verwenden: Der Stoff nimmt die Form des Objekts an, das Sie einwickeln, und die Griffe erleichtern das Tragen der Last. Darüber hinaus erhält ein Geschenk, das nicht in hartes Papier, sondern in einen weichen, mehrschichtigen Stoff verpackt ist, eine besondere Ausdruckskraft. Es gibt viele Schemata zum Falten von Furoshiki für jeden Anlass, jeden Tag oder festlich.

- Amigurumi.
Die japanische Kunst des Strickens oder Häkelns kleiner Kuscheltiere und humanoider Wesen. Amigurumi (編み包み, wörtlich: „gestrickt-eingewickelt“) sind meistens niedliche Tiere (wie Bären, Hasen, Katzen, Hunde usw.), kleine Männer, aber sie können auch unbelebte Objekte sein, die mit menschlichen Eigenschaften ausgestattet sind. Zum Beispiel Cupcakes, Hüte, Handtaschen und andere. Amigurumi wird gestrickt oder gestrickt oder gehäkelt. IN In letzter Zeit Gehäkelte Amigurumi sind immer beliebter und häufiger geworden.
in einer einfachen Strickmethode aus Garn gestrickt - in einer Spirale und im Gegensatz zur europäischen Strickmethode sind die Kreise normalerweise nicht verbunden. Sie werden auch in einer kleineren Größe im Verhältnis zur Garnstärke gehäkelt, um einen sehr dichten Stoff ohne Lücken zum Herauskommen der Füllung zu schaffen. Amigurumi werden oft aus Teilen hergestellt und dann zusammengesetzt, mit Ausnahme einiger Amigurumi, die keine Gliedmaßen haben, sondern nur Kopf und Rumpf, die ein Ganzes bilden. Die Gliedmaßen sind manchmal mit Plastikteilen gefüllt, um ihnen Lebendgewicht zu verleihen, während der Rest des Körpers mit Faserfüllung gefüllt ist.
Die Verbreitung der Amigurumi-Ästhetik wird durch ihre Niedlichkeit („kawaii“) begünstigt.

Die heutige Welt wird oft dafür verantwortlich gemacht spirituelle Krise, in der Zerstörung der Bindungen an Traditionen, in der Globalisierung, die unweigerlich nationale Stiftungen absorbiert. Alles wird gleichzeitig personalisiert und entpersonalisiert. Wenn die sog klassische Kunst wir könnten uns aufteilen nationale Schulen und stell dir das dort vor italienische kunst was ist deutsche Kunst und was ist französische; Können wir dann die zeitgenössische Kunst in dieselben „Schulen“ einteilen?

Als Antwort auf diese Frage möchte ich Ihnen japanische zeitgenössische Kunst vorstellen. Auf einer Konferenz im Mori Art Museum zum Thema Internationalität in der zeitgenössischen Kunst im vergangenen Jahr schlug Professor Michio Hayashi von der Universität Tokio vor, dass die populäre Wahrnehmung von „Japanischsein“ im Westen in den 1980er Jahren durch die Dreieinigkeit von „Kitsch“ zementiert wurde. „Natürlichkeit“ und „technische Raffinesse“. In dieses Dreieck ist auch heute noch die populäre und vor allem die kommerziell beliebte zeitgenössische Kunst Japans einzuordnen. Für den westlichen Betrachter bleibt es aufgrund der Besonderheiten, die nur der Kunst des Landes der aufgehenden Sonne innewohnen, geheimnisvoll und originell. Im August trafen sich West und Ost an gleich drei Kunstorten: Bis zum 8. August war in Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan) die Ausstellung „Duality of Existence – Post-Fukushima“ zu sehen, die Ausstellung „teamLab: Ultra Subjective Space“, das bis zum 15. August dauerte, ist praktisch in der Nähe (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); und der „Arhat-Zyklus“ von Takashi Murakami im Palazzo Reale in Mailand erobert und versetzt die Besucher immer noch in Erstaunen.

Alle gezeigten Kunstwerke sind nach dem 11. März 2011 entstanden, als der Tsunami Japan heimsuchte. Die Nuklearkatastrophe im Atomkraftwerk Fukushima hat die Nation zusammengezogen, Prioritäten und Werte neu überdacht und sich längst vergessenen Traditionen zugewandt. Kunst konnte nicht beiseite stehen und der Welt präsentiert werden neuer Typ Ein Künstler, der sich auf die Bedürfnisse des modernen Betrachters konzentriert und gleichzeitig die historischen Grundlagen und Werte ehrt.

Takashi Murakami - Werbung erfolgreicher Künstler, der Techno-Kitsch populär machte und eine neue Bildsprache superflach schuf, basierend auf den Traditionen der japanischen Nihonga-Malerei und den Besonderheiten von Anime und Manga. Die Ideologie seiner replizierten Skulpturen und empörenden Installationen sollte den Wandel in Japan nach dem Krieg demonstrieren, als der Konsumismus vorherrschend wurde. Aber der 11. März 2011 teilte das Leben Japans in „vorher“ und „nachher“, wie zwei schreckliche Tage im August 1945, als Atombomben auf Hiroshima und Nagasaki abgeworfen wurden. Nach diesem starken Erdbeben, das zu schrecklichen Folgen führte, begab sich Murakami auf den Weg, den Buddhismus und die japanische Ästhetik zu überdenken, machte einen Schritt in Richtung der Rückkehr zu den Ursprüngen und der Spiritualität. Die erste Arbeit, die den Arhats-Zyklus initiierte, ist 500 Arhats, die 2012 in Takashi Murakamis Einzelausstellung in Doha, Katar, gezeigt wurde. Die Rückkehr zu buddhistischen Themen erklärt der Autor als Versuch zu erkennen, dass es in dieser Welt nicht nur uns gibt, dass es Kräfte gibt, die von uns unabhängig sind, und dass wir uns jedes Mal verbessern müssen, um nicht mehr abhängig zu sein eigene Wünsche und wirkt. Eine dichte Wand aus Arhats, als ob sie das Publikum auf den gesamten 100 Metern der Leinwand vor den tobenden Elementen schützen würde, flößte allen Seelen Frieden und Ruhe ein. Doch Murakami beschränkte sich nicht nur auf ein Werk, sondern setzte den Zyklus der Bilder fort, ergänzte und erweiterte die Erzählung, als ob er eine Manga-Technik anwenden und eine Geschichte in visueller Gestaltung erzählen würde. Der zweite Teil des Zyklus wurde in der Galerie Blum & Poe ( Los Angeles) im Jahr 2013. Heute reisen die Arhats in Mailand zum dritten Mal um die Welt und verbreiten die Idee einer Rückkehr zur Spiritualität und der Abkehr von Leidenschaften. Trotz der Lehrhaftigkeit und Bedeutungstiefe werden die Bilder aufgrund der kräftigen und hellen Farbentscheidung sehr leicht wahrgenommen künstlerische Sprache. Manga-Elemente brachten ihnen den nötigen Anteil an Popularisierung, so dass die verbreiteten Ideen des Buddhismus auch von der nicht eingeweihten Öffentlichkeit leicht gelesen und akzeptiert wurden.

Der nächste Vertreter der modernen japanischen Malerei kann Kazuki Umezawa heißen, ein Schüler von Murakami, womit wir wieder bei der Frage nach Schule und Kontinuität wären. Er erstellt digitale Renderings von Anime-Charakteren, indem er sie auf Aufkleber zeichnet, um zusätzliche Tiefe und visuelles Chaos zu erzeugen. Aus zufälligen und verstreuten Bildern im ganzen Internet konstruiert er Collagen, bricht Hintergründe und schafft Mandalas, die die Struktur und den Inhalt der Vorstellungskraft von Otaku (Anime- und Manga-Fans) widerspiegeln. Die Berufung auf das buddhistische Symbol verstärkt den semantischen Wert der Arbeiten des jungen Künstlers, der einerseits das Heilige und das Etablierte der Kultur, andererseits moderne Themen miteinander verbindet, jedoch wiederum unter Einbeziehung eines spezifisch japanischen Phänomens - Anime.

Takashi Murakami und Kazuki Umezawa balancieren gekonnt zwischen Relevanz und Tradition, Kitsch und Stil.

Überraschenderweise antwortete nach dem Erdbeben am 11. März 2011 in Japan ein 16-jähriger Junge, der neun Tage lang unter den Trümmern seines Hauses eingeschlossen war und gerettet wurde, als er von einem Journalisten nach seinen Zukunftsträumen gefragt wurde: „Ich möchte Künstler werden.“

Tadasu Takamine. "God Save America", 2002. Video (8 Min. 18 Sek.)

Doppelte Perspektive: Japanische zeitgenössische Kunst
Die Kuratoren Elena Yaichnikova und Kenjiro Hosaka

Teil eins: "Realität / gewöhnliche Welt". Moskauer Museum für moderne Kunst, Berge. Moskau, Ermolaevsky-Gasse, 17
Zweiter Teil: "Imaginäre Welt / Fantasie". Moskauer Museum für moderne Kunst, Berge. Moskau, Gogolevsky-Boulevard, 10

Das Moskauer Museum für Moderne Kunst präsentiert zusammen mit der Japan Foundation die Ausstellung „Double Perspective: Japanese Contemporary Art“, die der breiten Öffentlichkeit zeitgenössische japanische Künstler näher bringen soll.
Doppelte Perspektive ist zwei Kuratoren aus verschiedene Länder, zwei Standorte des Museums und eine zweiteilige Struktur des Projekts. Die von Elena Yaichnikova und Kenjiro Hosaka kuratierte Ausstellung versammelt die Werke von mehr als 30 Künstlern verschiedener Stilrichtungen, die von den 1970er Jahren bis heute gearbeitet haben. Das Projekt besteht aus zwei Teilen – „Die reale Welt / Alltag“ und „Imaginäre Welt / Fantasien“ – die sich auf dem Museumsgelände in der Ermolaevsky Lane 17 und dem Gogolevsky Boulevard 10 befinden.

Erster Teil: "Realität/Gewöhnliche Welt"

Der erste Teil der Ausstellung „The Real World/Everyday Life“ präsentiert den Blick japanischer Künstler auf die Welt um uns herum durch einen Appell an die Weltgeschichte des 20. Jahrhunderts (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa und Yuken Teruya), Reflexionen über die Gerät moderne Gesellschaft(Dumb Type und Tadasu Takamine), die Interaktion mit dem urbanen Raum (Kontakt Gonzo und ChimPom) und die Suche nach Poesie im Alltag (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi und Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura in der Reihe der Videoarbeiten "Requiem" wird in verschiedenen wiedergeboren historische Charaktere: Chaplin, Schriftsteller Yukio Mishima und sogar Lenin – und stellt Episoden aus ihrem Leben nach. Ein anderer Projektteilnehmer, Tetsuya Umeda, schafft Installationen aus improvisierten Mitteln, gewöhnlichen Dingen – so wird der banalste Alltag zur Kunst. Die Ausstellung zeigt Arbeiten von Yoko Ono – das berühmte „Cut Piece“ in der Fassung von 1965 und 2003 sowie die Klanginstallation „Cough Piece“ (1961). Die Ausstellung präsentiert die Werke von Kishio Suga, einem der zentralen Vertreter der Mono-Ha-Bewegung (Mono-Ha, übersetzt „Schule der Dinge“), die eine japanische Alternative zur westlichen Moderne bot. Die Fotostrecke stellt die Arbeiten von Toshio Shibata, Takashi Homma und Lieko Shiga vor.

Yayoi Kusama. "Ich bin hier, aber nirgendwo", 2000. Mixed media. Installation im Maison de la culture du Japan, Paris.
Sammlung des Autors

Die Arbeiten des zweiten Teils des Projekts werden dem Publikum eine freie, imaginäre Welt präsentieren, in der es alles gibt, was wir im wirklichen Leben nicht sehen können, alles, was jenseits ihrer Grenzen liegt. Die Arbeiten der Künstler dieses Teils der Ausstellung beziehen sich auf die japanische Popkultur, die Welt der Fantasie, Naivität, Mythen und Reflexionen über die kosmogonische Struktur der Welt. Jeder Ausstellungsteilnehmer legt seine eigene Bedeutung in den Begriff "Imagination". So auch der Künstler Tadanori Yokoo in seiner Beziehung zur imaginären Welt Hauptthema des Verschwindens seiner Werke, oder vielmehr des "Selbstverschwindens". Ein ähnliches Motiv lässt sich im Werk von Yayoi Kusama nachzeichnen: Indem sie ihre Fantasien in die Realität projiziert, erschafft sie eine Welt voller bizarrer Muster. Die Riesenskulptur „Child of the Sun“ (2011) von Kenji Yanobe entstand in einer schrecklichen Zeit, als es im Kernkraftwerk Fukushima-1 zu einer Explosion kam. Sein monumentales Objekt wird zum Schnittpunkt der Imaginationen. Der Künstler versteht, dass die Erfahrung an der Grenze des Realen zum Impuls für die Schaffung einer neuen Welt wird. Der Imaginary World/Fantasy-Teil enthält auch Werke von Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa und vielen mehr.
Einige der Werke sind eigens für die Ausstellung entstanden. Der Künstler Yoshinori Niva kam für sein Projekt „Wladimir Lenin wird in Moskauer Wohnungen gesucht“ (2012) nach Moskau, um in den Wohnungen der Moskauer Artefakte zu finden, die mit der Persönlichkeit des Revolutionärs in Verbindung stehen. Seine Arbeit ist eine Videodokumentation seiner Recherchen und Reisen durch Moskau. Der Künstler Tetsuya Umeda, dessen Arbeiten gleichzeitig an zwei Orten präsentiert werden, kommt nach Moskau, um seine Installationen vor Ort zu realisieren.
Diese beiden auf den ersten Blick unvergleichbaren Ausstellungsteile sollen die beiden Pole japanischer Kunst zeigen, die sich in Wirklichkeit als untrennbar voneinander erweisen.
Im Rahmen der Ausstellung sind auch offene Meisterkurse geplant und kreative Treffen mit Projektbeteiligten. Es gibt Vorträge des japanischen Kurators Kenjiro Hosaka und des Künstlers Kenji Yanobe. Für Russland präsentiert diese Ausstellung zum ersten Mal zeitgenössische japanische Kunst in einem solchen Umfang.

Yoshitomo Nara. "Bonbonblaue Nacht", 2001. 1166,5 x 100 cm, Acryl auf Leinwand
Foto: Yoshitaka Uchida

Kisio Suga "Space of Separation", 1975. Äste und Betonblöcke. 184 x 240 x 460 cm
Foto: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. „Sonnenkind“, 2011. Fiberglas, Stahl, Neon etc. 620 x 444 x 263 cm. Installation im Gedenkpark Ezpo"70
Foto: Thomas Schwab