Die Hauptgedanken der Komponisten der Aufklärung. Musik im Zeitalter der Aufklärung
Musikalischer Klassizismus und die wichtigsten Etappen seiner Entwicklung
Klassizismus (von lat. сlassicus - vorbildlich) - ein Stil in der Kunst des 17. - 18. Jahrhunderts. Der Name „Klassizismus“ kommt von der Berufung auf die klassische Antike als höchstem Anspruch ästhetischer Vollkommenheit. Vertreter des Klassizismus schöpften ihr ästhetisches Ideal aus Mustern Antike Kunst. Der Klassizismus basierte auf dem Glauben an die Rationalität des Seins, an das Vorhandensein von Ordnung und Harmonie in der Natur und innere Welt Person. Die Ästhetik des Klassizismus enthält die Summe verbindlicher strenger Regeln, die eingehalten werden müssen Kunstwerk. Die wichtigsten davon sind die Forderung nach Ausgewogenheit von Schönheit und Wahrheit, logischer Klarheit, Harmonie und Vollständigkeit der Komposition, strengen Proportionen und einer klaren Genretrennung.
In der Entwicklung des Klassizismus werden 2 Stufen festgestellt:
Klassizismus XVII Jahrhundert, die sich teils im Kampf mit der Kunst des Barock, teils in Wechselwirkung mit ihr entwickelte.
Aufklärerischer Klassizismus des 18. Jahrhunderts.
Der Klassizismus des 17. Jahrhunderts ist in vielerlei Hinsicht die Antithese zum Barock. Ihren vollständigsten Ausdruck erhält sie in Frankreich. Dies war die Blütezeit der absoluten Monarchie, die der höfischen Kunst die höchste Schirmherrschaft zuteil werden ließ und ihr Prunk und Pracht abverlangte. Der Höhepunkt des französischen Klassizismus in der Gegend Theaterkunst waren die Tragödien von Corneille und Racine sowie die Komödien von Moliere, auf deren Arbeit sich Lully stützte. Seine „lyrischen Tragödien“ tragen die Prägung des Klassizismus (strenge Konstruktionslogik, Heroik, zurückhaltender Charakter), haben aber auch barocke Züge – die Pracht seiner Opern, die Fülle der Tänze, Prozessionen, Chöre.
Der Klassizismus des 18. Jahrhunderts fiel mit dem Zeitalter der Aufklärung zusammen. Aufklärung ist eine breite Bewegung in Philosophie, Literatur und Kunst, die alle europäischen Länder erfasst hat. Der Name "Aufklärung" erklärt sich aus der Tatsache, dass die Philosophen dieser Zeit (Voltaire, Diderot, Rousseau) versuchten, ihre Mitbürger zu erziehen, versuchten, Probleme der Struktur zu lösen menschliche Gesellschaft, die menschliche Natur, seine Rechte. Die Aufklärer gingen vom Konzept der Allmacht aus menschlicher Verstand. Der Glaube an einen Menschen, in seinem Geist, bestimmt die helle, optimistische Stimmung, die den Ansichten der Aufklärer innewohnt.
Die Oper steht im Zentrum musikalischer und ästhetischer Auseinandersetzungen. Französische Enzyklopädisten betrachteten es als ein Genre, in dem die Synthese der Künste, die im antiken Theater existierten, wiederhergestellt werden sollte. Diese Idee bildete die Grundlage für K.V. Glück.
Die große Errungenschaft der aufklärerischen Klassik ist die Schaffung der Gattung Symphonie (Sonaten-Symphonie-Zyklus) und Sonatensatz, die mit dem Schaffen von Komponisten der Mannheimer Schule verbunden ist. Die Mannheimer Schule entstand Mitte des 18. Jahrhunderts in der Stadt Mannheim (Deutschland) auf der Grundlage der Hofkapelle, in der hauptsächlich tschechische Musiker wirkten ( größter Vertreter- Tscheche Jan Stamitz). Im Schaffen der Komponisten der Mannheimer Schule wurden die 4-stimmige Struktur der Symphonie und die klassische Komposition des Orchesters etabliert.
Die Mannheimer Schule wurde zum Vorläufer der Wiener klassische Schule – Musikrichtung bezeichnet das Werk von Haydn, Mozart, Beethoven. Im Schaffen der Wiener Klassik bildete sich schließlich der zum Klassiker avancierte Sonaten-Symphonie-Zyklus heraus, ebenso wie die Gattungen Kammerensemble und Konzert.
Unter den Instrumentalgenres waren die beliebtesten Verschiedene Arten Unterhaltungsmusik für den Haushalt - Serenaden, Divertissements, die unter freiem Himmel erklingen Abendzeit. Divertimento (französische Unterhaltung) - mehrstimmige Instrumentalwerke für ein Kammerensemble oder Orchester, die die Merkmale einer Sonate und einer Suite kombinieren und einer Serenade, einem Nocturne, nahe kommen.
K. V. Gluck - der große Reformer Opernhaus
Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - ein gebürtiger Deutscher (geboren in Erasbach (Bayern, Deutschland)) - ist dennoch einer der herausragenden Vertreter der Wiener Klassik.
Reformtätigkeit Gluck ging in Wien und Paris vor und wurde in Anlehnung an die Ästhetik des Klassizismus durchgeführt. Insgesamt schrieb Gluck etwa 40 Opern – italienisch und französisch, buffa und seria, traditionell und innovativ. Letzterem ist es zu verdanken, dass er sich einen prominenten Platz in der Musikgeschichte sicherte.
Die Grundsätze von Glucks Reform sind in seinem Vorwort zur Partitur der Oper Alceste skizziert. Sie kommen darauf hinaus:
Musik soll ausdrücken poetischer Text Oper, sie kann nicht für sich alleine existieren, außerhalb der dramatischen Handlung. Damit wertet Gluck die Rolle der literarisch-dramatischen Grundlage der Oper deutlich auf und ordnet die Musik dem Drama unter.
Die Oper soll eine moralische Wirkung auf den Menschen haben, daher der Appell an antike Sujets mit ihrem hohen Pathos und Adel („Orpheus und Eurydike“, „Paris und Helena“, „Iphigenie in Aulis“). G. Berlioz nannte Gluck „Aischylos der Musik“.
Die Oper muss den „drei großen Prinzipien der Schönheit in allen Künsten“ – „Einfachheit, Wahrheit und Natürlichkeit“ – entsprechen. Es ist notwendig, die Oper von übermäßiger Virtuosität und vokaler Verzierung (inhärent in der italienischen Oper), komplizierten Handlungen zu befreien.
Zwischen Arie und Rezitativ sollte kein scharfer Kontrast bestehen. Gluck ersetzt das Secco-Rezitativ durch eine Begleitung, wodurch es sich einer Arie nähert (in der traditionellen Opera seria dienten Rezitative nur als Bindeglied zwischen Konzertnummern).
Auch Gluck interpretiert Arien neu: Er führt Merkmale improvisatorischer Freiheit, Entwicklung ein Musikalisches Material hängt mit einer Veränderung des psychologischen Zustands des Helden zusammen. Arien, Rezitative und Chöre verbinden sich zu großen dramatischen Szenen.
Die Ouvertüre soll den Inhalt der Oper vorwegnehmen, die Zuhörer in ihre Atmosphäre einführen.
Das Ballett sollte keine Zwischennummer sein, die nichts mit der Handlung der Oper zu tun hat. Seine Einführung muss durch den Verlauf der dramatischen Handlung bestimmt werden.
Die meisten dieser Prinzipien wurden in der Oper Orpheus und Eurydike (uraufgeführt 1762) verkörpert. Diese Oper markiert den Beginn einer neuen Etappe nicht nur in Glucks Schaffen, sondern auch in der Geschichte der gesamten europäischen Oper. Auf Orpheus folgte eine weitere seiner bahnbrechenden Opern, Alceste (1767).
In Paris schrieb Gluck weitere reformistische Opern: Iphigenie in Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenie in Tauris (1779). Die Inszenierung von jedem von ihnen wurde zu einem grandiosen Ereignis im Leben von Paris und löste eine heftige Kontroverse zwischen den "Glukisten" und "Picchinisten" aus - Anhängern der traditionellen italienischen Oper, die durch den neapolitanischen Komponisten Nicolo Picchini (1728 - 1800). Glucks Sieg in dieser Kontroverse war gekennzeichnet durch den Triumph seiner Oper Iphigenie auf Tauris.
So machte Gluck die Oper zur Kunst erhabener Erziehungsideale und sättigte sie mit Tiefe moralischer Inhalt, offenbarte auf der Bühne echte menschliche Gefühle. Opernreform Gluck hatte sowohl auf seine Zeitgenossen als auch auf nachfolgende Komponistengenerationen (insbesondere die Wiener Klassik) einen fruchtbaren Einfluss.
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"Europa XVIII Jahrhundert" - Das Hauptziel ist die Vorherrschaft im Baltikum. innenpolitische Struktur. D. Cantemir Aram Oleg. Die Kriege und Revolutionen des 19. Jahrhunderts änderten wenig an den Umrissen europäische Länder. Gesellschaft. Außenpolitik. EUROPA in der zweiten Hälfte des 17. - 18. Jahrhunderts.
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Religion wird zum ersten Mal zum Gegenstand scharfer Kritik. Ihr leidenschaftlichster und entschiedenster Kritiker, besonders der Kirche, ist Voltaire.
Im Allgemeinen war das 18. Jahrhundert von einer starken Schwächung geprägt religiöse Stiftungen Kultur und die Stärkung ihres säkularen Charakters.
Philosophie des 18. Jahrhunderts in enger Zusammenarbeit entwickelt Und Zusammenarbeit mit Wissenschaft und Naturwissenschaften. Ein großer Erfolg dieser Zusammenarbeit war die Veröffentlichung der „Enzyklopädie“ in 35 Bänden (1751 – 1780), inspiriert und herausgegeben von Diderot
Und D "Alamber.
Inhalt der „Enzyklopädie“ waren fortgeschrittene Ideen und Ansichten über die Welt und den Menschen. Es war eine Sammlung wertvollen Wissens und Informationen über die Entwicklung der Wissenschaft,
Kunst und Handwerk.
Im 18. Jahrhundert, je früher wissenschaftliche Revolution, und Wissenschaft- sich auf die Naturwissenschaft beziehend - erreicht seine klassische Form. Die Hauptmerkmale und Kriterien einer solchen Wissenschaft sind folgende:
Objektivität des Wissens;
Die Erfahrung seines Ursprungs;
Der Ausschluss alles Subjektiven davon.
Die ungewöhnlich gesteigerte Autorität der Wissenschaft führt dazu, dass bereits im 18. Jahrhundert die ersten Formen der Wissenschaftlichkeit, die die Wissenschaft an die Stelle der Religion stellt. Auf ihrer Grundlage bildet sich auch der sogenannte szientistische Utopismus, nach dem die Gesetze der Gesellschaft vollständig "transparent", vollständig bekannt werden können; und Politik - streng auf der Grundlage wissenschaftliche Gesetze die von den Naturgesetzen nicht zu unterscheiden sind. Solche Ansichten wurden insbesondere von Diderot vertreten, der die Gesellschaft und den Menschen durch das Prisma der Naturwissenschaft und der Naturgesetze betrachtete. Bei diesem Ansatz hört eine Person auf, Gegenstand von Erkenntnis und Handlung zu sein, wird ihrer Freiheit beraubt und mit einem gewöhnlichen Objekt oder einer Maschine identifiziert.
Im Allgemeinen Kunst XVIII Jahrhundert- im Vergleich zum vorherigen - wirkt es weniger tief und erhaben, es wirkt leichter, luftiger und oberflächlicher. Es demonstriert eine ironische und skeptische Haltung gegenüber dem, was früher als edel, auserwählt und erhaben galt. Das epikureische Prinzip, das Verlangen nach Hedonismus, der Lust- und Genussgeist werden darin merklich verstärkt. Gleichzeitig wird die Kunst natürlicher, näher an der Realität. Außerdem dringt es zunehmend ein soziales Leben, Kampf und Politik, engagiert sich.
Kunst des 18. Jahrhunderts ist in vielerlei Hinsicht eine direkte Fortsetzung des vorigen Jahrhunderts. Die Hauptstilrichtungen sind nach wie vor Klassizismus und Barock. Gleichzeitig findet eine Binnendifferenzierung der Kunst statt, ihre Fragmentierung in eine wachsende Zahl von Strömungen und Richtungen. Neue Stile entstehen und Besonderheiten Rokoko Und Sentimentalität.
Klassizismus stellt zunächst einmal dar französischer Künstler J L. David (1748 - 1825). Groß historische Ereignisse, Thema Bürgerpflicht.
Barock Als "großer Stil" der Ära des Absolutismus verliert er allmählich an Einfluss und Mitte des 18. Jahrhunderts der Stil Rokoko. Einer ihrer berühmtesten Vertreter ist der Künstler UM. Fragonard (1732 - 1806). Sein "Bathers" ist eine wahre Apotheose des Lebens, der sinnlichen Freude und des Vergnügens. Gleichzeitig wirken die von Fragonard dargestellten Körper und Formen wie körperlos, luftig und sogar vergänglich. In seinen Arbeiten an Vordergrund Virtuosität, Anmut, Raffinesse, Licht- und Lufteffekte kommen zum Vorschein. In diesem Sinne ist das Bild „Swing“ geschrieben.
Sentimentalismus(zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts) stellte den Kult des Naturgefühls der Vernunft entgegen. Einer der Gründer und Hauptfiguren des Sentimentalismus war J.-J. Rousseaus. Er besitzt berühmter Spruch: "Der Verstand kann sich irren, das Gefühl - niemals!". In seinen Werken – „Julia oder New Eloise“, „Confession“ etc. – schildert er das Leben und die Sorgen der einfachen Menschen, ihre Gefühle und Gedanken, besingt die Natur, bewertet das städtische Leben kritisch, idealisiert das patriarchalische Bauernleben.
Der größte XVIII Künstler Jahrhundert aus der Mode. Dazu gehören vor allem die französischen Künstler A. Watteau (1684 - 1721) und Spanischer Maler F. Goya (1746 - 1828).
Kreativität Watteau ("Morgentoilette", "Pierrot", "Wallfahrt zur Insel Cythera") ist dem Rokoko-Stil am nächsten. Gleichzeitig ist in seinen Werken der Einfluss von Rubens und Van Dyck, Poussin und Tizian spürbar. Er gilt zu Recht als Vorläufer der Romantik und als erster großer Romantiker der Malerei.
Mit seinem Werk setzt F. Goya ("Porträt der Königin Marie-Louise", "Mach auf dem Balkon", "Porträt der Sabasa Garcia", eine Radierungsserie "Caprichos") den realistischen Trend von Rembrandt fort. In seinen Werken kann man den Einfluss von Poussin, Rubens und anderen großen Künstlern erkennen. Gleichzeitig verschmilzt seine Kunst organisch mit der spanischen Malerei – insbesondere mit der Kunst von Velázquez. Goya gehört zu den Malern, deren Werk einen ausgeprägten nationalen Charakter hat.
Musikalische Kunst erlebt beispielloses Wachstum und Wohlstand. Wenn XVII Jahrhundert gilt also als das Jahrhundert des Theaters XVIII Jahrhundert kann zu Recht als Zeitalter der Musik bezeichnet werden. Ihr gesellschaftliches Prestige steigt so sehr, dass sie unter den Künsten an die erste Stelle kommt und die Malerei von dort verdrängt.
Die Musik des 18. Jahrhunderts wird durch Namen wie vertreten F. Haydn, K. Gluck, G. Händel. Von den großen Komponisten Aufmerksamkeit verdienen IST. Bach (1685 - 1750) und IN. A.Mozart (1756- 1791).
Bach ist das letzte große Genie des Barock. Er arbeitete erfolgreich in fast allen Musikgenres außer Oper. Seine Musik war ihrer Zeit weit voraus und nahm viele spätere Stile, einschließlich der Romantik, vorweg. Bachs Werk ist der Höhepunkt der Kunst der Polyphonie. Am meisten im Bereich der Vokal- und Schauspielmusik berühmtes Meisterwerk Komponist ist die Kantate "Matthäus-Passion", die davon erzählt letzten Tage das Leben Christi. Den größten Ruhm brachte Bach zu Lebzeiten Orgelmusik. Auf dem Gebiet der Musik für das Clavier ist die brillante Schöpfung des Komponisten "Wohltemperiertes Klavier" das ist eine Art Enzyklopädie der Musikstile des XVII - XVIII Jahrhunderts.
In Arbeit Österreichischer Komponist W. A. Mozart verbinden sich die Prinzipien des Klassizismus mit der Ästhetik des Sentimentalismus. Gleichzeitig ist Mozart der Vorläufer der Romantik – der erste große Romantiker in der Musik. Seine Arbeit umfasst fast alle Genres, und überall tritt er als mutiger Innovator auf. Zu Mozarts Lebzeiten feierten seine Opern den größten Erfolg. Die bekanntesten unter ihnen sind „Die Hochzeit des Figaro“, „Don Juan“, „Die Zauberflöte“. Auch verdient besondere Erwähnung "Requiem".
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Bericht zum Thema: „Musik im Zeitalter der Aufklärung“
Während des Zeitalters der Aufklärung findet ein beispielloser Aufstieg der Musikkunst statt. Nach der von K. V. Gluck (1714–1787) durchgeführten Reform wurde die Oper zu einer synthetischen Kunst, die Musik, Gesang und komplexe dramatische Handlung in einer Aufführung vereinte. FJ Haydn (1732–1809) erhob die Instrumentalmusik auf die höchste Stufe der klassischen Kunst. Höhepunkt der Musikkultur der Aufklärung ist das Schaffen von J. S. Bach (1685–1750) und W. A. Mozart (1756–1791). Besonders hell kommt das aufklärerische Ideal in Mozarts Oper Die Zauberflöte (1791) zur Geltung, die sich durch den Kult der Vernunft, des Lichts und der Vorstellung vom Menschen als Krone des Universums auszeichnet.
Opernkunst des 18. Jahrhunderts
Opernreform in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. war weitgehend eine literarische Bewegung. Sein Vorläufer war der französische Schriftsteller und Philosoph J.J. Rousseau. Auch Rousseau hat Musik studiert, und wenn er in der Philosophie eine Rückkehr zur Natur forderte, so trat er in der Operngattung für eine Rückkehr zur Einfachheit ein. 1752, ein Jahr vor dem Erfolg Pariser Premiere Als Maid von Madame Pergolesi komponierte Rousseau seine eigene komische Oper The Village Sorcerer, gefolgt von den vernichtenden Letters on French Music, in denen Rameau zum Hauptangriffsziel wurde.
Italien. Nach Monteverdi traten nacheinander Opernkomponisten wie Cavalli, Alessandro Scarlatti (der Vater von Domenico Scarlatti, dem größten Autor von Werken für Cembalo), Vivaldi und Pergolesi in Italien auf.
Der Aufstieg der komischen Oper. Eine andere Operngattung stammt aus Neapel – die Opera buffa (opera-buffa), die als natürliche Reaktion auf die Opera seria entstand. Die Leidenschaft für diese Art von Oper erfasste schnell die Städte Europas - Wien, Paris, London. Von ihren früheren Herrschern, den Spaniern, die Neapel von 1522 bis 1707 regierten, erbte die Stadt die Tradition der Volkskomödie. Von strengen Lehrern an Konservatorien geschmäht, fesselte die Komödie jedoch die Schüler. Einer von ihnen, G. B. Pergolesi (1710–1736), schrieb im Alter von 23 Jahren ein Intermezzo oder eine kleine komische Oper, The Servant-Mistress (1733). Schon vorher komponierten Komponisten Intermezzi (sie wurden normalerweise zwischen den Akten der Opera seria gespielt), aber Pergolesis Schöpfung war ein durchschlagender Erfolg. In seinem Libretto ging es nicht um Heldentaten der Antike, sondern um eine ganz moderne Situation. Die Hauptfiguren gehörten zu den Typen, die aus der „Commedia dell'arte“ bekannt sind – der traditionellen italienischen improvisierten Komödie mit einem Standardsatz komischer Rollen. Das Genre der Buffa-Oper wurde in den Werken so später Neapolitaner wie G. Paisiello (1740–1816) und D. Cimarosa (1749–1801) bemerkenswert entwickelt, ganz zu schweigen von den komischen Opern von Gluck und Mozart.
Frankreich. In Frankreich wurde Lully durch Rameau ersetzt, der das dominierte Opernbühne in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts.
Die französische Analogie zur Buffa-Oper war die „komische Oper“ (opera comique). Autoren wie F. Philidor (1726-1795), P. A. Monsigny (1729-1817) und A. Gretry (1741-1813) nahmen sich den pergolesischen Traditionshohn zu Herzen und entwickelten ein eigenes Modell der komischen Oper, das in Anlehnung an die gallische Geschmäckern sah es die Einführung von Gesprächsszenen anstelle von Rezitativen vor.
Deutschland. Es wird angenommen, dass die Oper in Deutschland weniger entwickelt war. Tatsache ist, dass viele deutsche Opernkomponisten außerhalb Deutschlands wirkten - Händel in England, Gasse in Italien, Gluck in Wien und Paris, während die deutschen Hoftheater von modischen italienischen Truppen besetzt waren. Das Singspiel, das lokale Analogon der Opera buffa und der französischen komischen Oper, begann seine Entwicklung später als in den lateinischen Ländern. Das erste Beispiel dieser Gattung war I. A. Hillers (1728-1804) „Devil at Large“, geschrieben 1766, 6 Jahre vor Mozarts Entführung aus dem Serail. Ironischerweise inspirierten die großen deutschen Dichter Goethe und Schiller nicht heimische, sondern italienische und französische Opernkomponisten.
Österreich. Die Oper in Wien ist in drei Hauptzweige unterteilt. Den führenden Platz belegte eine ernsthafte italienische Oper (italienische Opera seria), wo klassische Helden und die Götter lebten und starben in einer Atmosphäre großer Tragödie. war weniger formell komische Oper(opera buffa), basierend auf der Handlung von Harlekin und Columbine aus der italienischen Komödie (commedia dell „arte), umgeben von schamlosen Lakaien, ihren altersschwachen Herren und allerlei Schurken und Gaunern. Zusammen mit diesen italienischen Formen bildet die deutsche komische Oper (Singspiel) entwickelt, deren Erfolg noch bevor Mozarts Opernkarriere begann, trat Gluck für eine Rückkehr zur Einfachheit der Oper des 17. Jahrhunderts ein, deren Handlung nicht durch lange Soloarien gedämpft wurde, die die Entwicklung der Handlung verzögerten und nur als Vorwand dienten die Sänger, um die Kraft Ihrer Stimme zu demonstrieren.
Kraft seiner Begabung verband Mozart diese drei Richtungen. Als Teenager schrieb er eine Oper von jedem Typ. Als reifer Komponist arbeitete er weiter in alle drei Richtungen, obwohl die Tradition der Opera seria im Schwinden war.
Platonova Vera, Klasse 11 A
Die Entwicklung von Philosophie, Wissenschaft, bildende Kunst, Literatur. Der französische Enzyklopädist J.J. Rousseau und D. Diderot sind herausragende Vertreter der Erziehungsbewegung. Ästhetische Ansichten von Enzyklopädisten.
Der Übergang von der polyphonen Kunst zum homophon-harmonischen Lagerhaus des Schreibens in der Musik.
Opernkunst. Die Krise der italienischen Opera seria und der französischen lyrischen Tragödie, die sich auf die Dramaturgie, die Bühnenverkörperung der Aufführung und die Praxis der Gesangsaufführung auswirkte. Gattung Opera buffa. Seine Themen, Bilder, Verbindung mit Volksmusik. Giovanni Pergolesi (1710-1736) und seine Oper Die Dienerin-Herrin - klassisches Muster neues Genre. Merkmale der Handlungsentwicklung und musikalische Komposition, Prinzipien der thematischen Entwicklung. Stimmliche Grundformen, die Rolle des Orchesters.
Französische komische Oper. Volksfestspiele und Varieté als Ursprung. Plots von Opern. Französisches Lied als Grundlage des Intonationsgehalts. Der Couplet-strophische Aufbau der Arien, der genrebildliche Einsatz des Orchesters. "Krieg der Possenreißer". Oper "The Village Sorcerer" von Jean Jacques Rousseau (1712-1778), die Einrichtung eines neuen melodischen Lagers. Opern von F. Philidor, P. Monsigny. Oper von André Grétry (1741-1813) „Richard Löwenherz“ ist eine Genre-Alltagsoper der lyrischen Richtung.
Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Die Bedeutung der Kunst K.V. Gluck in der Entwicklungsgeschichte der Oper. kreative Weise. Die ersten innovativen Musikdramen waren Orpheus und Alceste. Der Kampf zwischen "Glukisten" und "Pichinisten". ästhetische Ansichten K.V. Glück. Prinzipien der Operndramaturgie. Intonationserneuerung und Dramatisierung von Gesangsparts. Die Rolle des Chores, Balletts, Orchesters. Historische Bedeutung Opernkreativität von K.V. Panne für weitere Entwicklung Musiktheater.
instrumental Musik XVIII Jahrhundert. Bildung unter anderen Bedingungen nationale Kulturen sonatensymphonische und konzertante Gattungen. Entwicklung der Prinzipien der Sonatenentwicklung im Instrumentalismus des 18. Jahrhunderts. Bildung der klassischen Komposition Symphonieorchester. Bedeutung in der Entwicklung Instrumentalmusik Sinfonieschule aus dem 18. Jahrhundert gegründet Tschechische Komponisten. Frantisek Vaclav Micha (1694-1744) - der Schöpfer einer der ersten Symphonien. Vertreter der Mannheimer Schule: Jan Stamitz (1717-1757), Frantisek Richter (1709-1789). Anton Filz (1730-1760). charakteristisch musikalische Bilder, Merkmale des Themas, Prinzipien der Entwicklung und Form. Dynamische Stilinnovation Musikalische Performance. Der Einfluss der Schule von J. Stamitz auf die Arbeit von I.K. Bach, V.A. Mozart und andere Komponisten.
