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Das Übereinanderlegen einer Farbschicht auf eine andere wird als bezeichnet. Zeichnungsfolge vom Größten zum Kleinsten, vom Allgemeinen zum Besonderen

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Beim Malen müssen Sie eine bestimmte Reihenfolge einhalten. Typischerweise beginnt ein Künstler mit der Arbeit an einem Gemälde oder Wandbild, indem er mehrere kleine Skizzen anfertigt, in denen er seine Idee konkretisiert. Zum gleichen Zweck kann er Skizzen aus der Natur anfertigen.

Dann zeichnet der Künstler das Zukunftsbild. Er kann dafür einen Bleistift, Kohle oder flüssig verdünnte Farbe und einen dünnen Pinsel verwenden. Es ist möglich, das sogenannte "Pauspapier" oder "Karton" herzustellen, wenn die Zeichnung auf eine Oberfläche übertragen werden muss. Manchmal überspringen Künstler diesen Arbeitsschritt und beginnen sofort ohne Vorzeichnung mit Farben zu malen.

Es gibt viele Möglichkeiten, Farbe auf ein Flugzeug aufzutragen. Einige Künstler bevorzugen die Lasurtechnik: Tragen Sie dünne transparente Schichten über die getrocknete Farbschicht auf. Andere erreichen die gewünschte Farblösung in einer Schicht, während andere separate Striche verwenden.

Ein Künstler kann gleichzeitig zeichnen, komponieren, Formen formen, Raum übertragen und kolorieren. So arbeitete P. Cezanne gerne, besonders wenn er seine Landschaften oder Stillleben nach der Natur malte.

Dieser Weg steht jedoch nicht jedem zur Verfügung. Sie müssen über ein ausgezeichnetes visuelles Gedächtnis, genaues Zeichnen, kompositorisches Denken und einen tadellosen Farbsinn verfügen.

Die meisten Künstler ziehen es vor, vom Allgemeinen zum Besonderen zu arbeiten, indem sie nach und nach die Hauptfarbe der Objekte auftragen und der Modellierung des Volumens folgen. Dann verfeinern sie die Farbnuancen, Farbreflexe, die Gesamtfarbe des Bildes. An letzter Schritt zurück zur Verallgemeinerung. Um die Integrität der Arbeit zu erreichen, können Sie unnötige Details entfernen, Kontraste schwächen und die Hauptsache hervorheben. So liebte es der wunderbare Künstler A. A. Ivanov zu arbeiten. Er verbrachte viel Vorarbeit, bevor er das Gemälde "Die Erscheinung Christi vor den Menschen" schuf. Zahlreiche Bildstudien neben diesem Gemälde in ausgestellt Tretjakow-Galerie, helfen, die kreative Suche des Autors nachzuvollziehen.

Aus pädagogischen Gründen ist es besser, eine Bildkomposition sequentiell zu erarbeiten. Um einige der Geheimnisse und Mysterien der Malerei zu erfahren, helfen Ihnen die Aussagen der Meister am Ende dieses Buches.

Künstler-Maler vermitteln die Schönheit der Welt um sie herum mit Hilfe von Farben. Sie können einen beliebigen Untergrund wählen: Leinwand, Papier, Pappe, Pappe, Wand usw. Der Untergrund wird normalerweise mit speziellen Verbindungen grundiert. Maler verwenden eine Vielzahl von Farben: Gouache, Aquarell, Öltempera usw. Werden die Farben auf die Untergründe aufgetragen? rund und Flachbürsten unterschiedliche Dicke. Manchmal wird dafür ein Spachtel, ein Lappen verwendet, sie tragen sogar Farbe mit dem Finger auf, aber es ist immer noch besser, Gemälde mit speziellen Werkzeugen und nicht mit improvisierten Mitteln zu erstellen. Die Schreibtechnik und ihre Eigenschaften hängen weitgehend von den Eigenschaften von Farben, Lösungsmitteln und Werkzeugen ab.

Wo anfangen zu zeichnen? Diese Frage wird oft von unerfahrenen Künstlern gestellt, wenn sie mit der Arbeit beginnen. Erfahrene Zeichner kennen die Antwort darauf jedoch längst, denn in der Klassik Kunstschule Es gibt ein wunderbares Prinzip der Arbeit. Sie sollten vom Allgemeinen zum Besonderen, vom Größten zum Kleinsten zeichnen oder schreiben.

Um dies klar zu verstehen, genügt es, sich daran zu erinnern, wie kleine Kinder zeichnen. Oft konzentriert sich das Kind auf detaillierte Zeichnung jedes Objekt, ohne über seine Größe nachzudenken und wie es in die Umgebung passt. Kinder können eine kleine Figur darauf malen großes Blatt. Es kommt vor, dass sich das gezeichnete Objekt irgendwo in der Ecke des Blattes befindet und ringsherum ein leerer Raum ist. Kinder nehmen aufgrund ihres Alters nicht das gesamte Blatt als Ganzes wahr, also zeichnen sie alles separat.

Ähnliches passiert, wenn aufstrebende Künstler mit dem Zeichnen oder Malen beginnen. Ich möchte die ganze Schönheit eines einzelnen Details vermitteln, es im Detail zeichnen, ohne über die Einheit des Bildes nachzudenken, darüber, wie dieses Detail der Umgebung untergeordnet werden soll. Aber wenn man das „gewissenhaft“ ausgearbeitete Fragment aus der Ferne betrachtet und sich von der Staffelei entfernt, sieht man, dass nicht alles so gut ist, wie es aus der Nähe schien. Das Detail selbst mag gelungen sein, passte aber nicht in den Rest der Zeichnung, so dass im Allgemeinen alles schief aussah. Schauen wir uns das an einem Beispiel an.

Angenommen, ein Künstler malt ein Porträt. Und er beginnt sofort mit dem Zeichnen des Auges und vergisst alles andere. Als nächstes zeichnen Sie die Nase, die Lippen, das gesamte Gesicht und die Umrisse des Kopfes. Dann vollendet er das ganze Portrait. Das heißt, ich habe die Zeichnung mit dem Auge begonnen und mit der gesamten Silhouette des Kopfes beendet (siehe Abbildung). Infolgedessen stellte sich das Auge selbst heraus, verlagerte sich jedoch zur Seite. Dasselbe geschah mit der Nase und den Lippen. Daher kam das Porträt nicht nur unähnlich, sondern auch schief heraus.

Aber warum ist das passiert? Weil der Künstler zuerst kleine Objekte zeichnete und dann mit großen Formen fertig wurde. Das heißt, er arbeitete vom Kleinsten zum Größten. Aber wenn er angefangen hätte, mit den Konturen des Kopfes, dem Oval des Gesichts (d. H. Von einem großen) zu arbeiten, und dann zu Nase, Lippen, Augen (kleiner) übergegangen wäre, wäre der obige Fehler nicht passiert ( genauer gesagt wäre die Wahrscheinlichkeit dafür geringer gewesen). Immerhin haben wir die Basis skizziert große Formen, ist es viel einfacher, kleine Details darin unterzubringen. Es ist einfacher, Abstände und Proportionen zu vergleichen. Und wenn Sie mit kleinen Dingen beginnen, ohne große Silhouetten zu definieren, wird es später sehr schwierig sein, sie aneinander anzupassen. Daher verwenden Künstler die Reihenfolge des Zeichnens vom größten zum kleinsten. Und obwohl diese Methode an sich noch keinen Erfolg garantiert, hilft sie doch enorm bei der Arbeit. Aber ist es nicht möglich, so zu zeichnen, wie Sie es möchten? In irgendeiner Reihenfolge? Große Meister mit großer Erfahrung können bei Punkt „A“ mit dem Zeichnen beginnen und bei Punkt „B“ aufhören, ohne über die Reihenfolge nachzudenken. Alles funktioniert für sie bereits auf einer intuitiven Ebene, da sie über eine große Erfahrung verfügen. In den meisten Fällen wird jedoch empfohlen, die Arbeit nicht mit Kleinigkeiten zu beginnen, sondern mit allgemeinen, großen Massen, die das Gesamtbild betrachten. Immerhin große Meister, auch wenn sie verletzen klassische Etappen Zeichnen, im Kopf sehen sie immer noch das ganze Bild, nicht bruchstückhaft.

Das Ganze sehen kleine Teile aus mehreren Gründen sehr wichtig. Eine davon ist die Fähigkeit zur Verallgemeinerung. Ohne Verallgemeinerung ist Zeichnen oder Malen nicht vorstellbar. Verallgemeinerung ist nicht nur eine Möglichkeit, Dinge einfacher zu machen. Durch Verallgemeinerung schaffen Künstler die Illusion, dass ein Gemälde oder eine Zeichnung zum Leben erweckt werden kann. Nehmen Sie zum Beispiel einen Blumenstrauß. Wenn Sie beginnen, es aus separaten Blütenblättern zu schreiben, und mit einem so detaillierten Buchstaben bis zum Ende weiterarbeiten, kann das Gemälde nicht nur Fehler enthalten, sondern auch weniger ausdrucksstark und „trocken“ sein. Wenn der Künstler jedoch anfängt, mit großen Massen zu arbeiten, Blumen zu verallgemeinern und zu Gruppen zusammenzufassen und dann einzelne Blumen im Detail zu malen, hilft eine solche Abfolge, sich nicht in Schattierungen zu verwirren, die Hauptsache zu sehen und das Bild zu beleben. Beleben Sie mit dem Effekt der Auswahl, wenn der Künstler das Nebensächliche verallgemeinert und das Wesentliche hervorhebt. Die Nachbarschaft des Detaillierten und des Verallgemeinerten erzeugt eine Illusion, in der die dargestellte Ansicht lebendig zu werden scheint.

Eine solche Auswahl erfordert von einer Person die Fähigkeit, das große Ganze zu sehen, die Fähigkeit, auf die Hauptsache zu achten und sich nicht auf Kleinigkeiten zu konzentrieren. Wenn ein Künstler in dieser Hinsicht ein Auge hat, wird er besser in der Lage sein zu bestimmen, was verallgemeinert werden muss und wie es zu tun ist. Wenn der Künstler das Bild aus diesem Blickwinkel betrachtet, kann er die Proportionen genauer bestimmen und die Farb- und Tonverhältnisse besser erkennen.

Bei der Erstellung eines Gemäldes muss eine bestimmte Reihenfolge eingehalten werden. Üblicherweise beginnt der Künstler die Arbeit an einem Gemälde oder Wandbild mit mehreren kleinen Kompositionsskizzen, in denen er seine Idee konkretisiert. Zum gleichen Zweck kann er Skizzen aus der Natur anfertigen.

Um ein interessantes Gemälde zu schaffen, müssen Sie lernen, hineinzusehen umgebendes Leben interessante Ereignisse, Charaktere, Motive, Blickwinkel und Zustände. Das ständige Ausführen von Skizzen, Skizzen und Skizzen aus der Natur entwickelt nicht nur das Auge und die Hand, sondern auch das kompositorische Denken.

Es ist nicht so einfach, ein interessantes Kompositionsmotiv im Leben zu sehen. Dabei kann ein Sucherrahmen helfen, den man einfach selber machen kann. Die Hauptsache ist, dass die gegenüberliegenden Seiten beweglich bleiben, dann ist es einfach, das Format zu ändern, den Kreis der in das Sichtfeld eintretenden Objekte zu vergrößern oder zu verkleinern. Wenn kein Rahmen vorhanden ist, können Sie Ihre Handflächen einfach so falten, wie in der Abbildung gezeigt.

Auch die Auswahl der ausdrucksstärksten Handlung für die Komposition ist keine leichte Aufgabe. Hunderte von Menschen nehmen dieselbe Handlung auf unterschiedliche Weise wahr und interpretieren sie, das heißt, sie erstellen ihre eigene Version. Die Handlung ist als das zu verstehen, was der Künstler direkt auf der Leinwand darstellt, und der Inhalt oder das Thema kann viel breiter sein, dh es können Werke mit unterschiedlichen Handlungen zum selben Thema erstellt werden.

Es ist wichtig, schon vor Beginn des Bildes zu versuchen, sich das zukünftige Bild vorzustellen. In der Regel führt der Künstler zunächst mehrere kleine Skizzen aus, um die ausdrucksstärkste Komposition zu finden. In diesem Stadium werden das Format des Bildes (vertikal verlängert, rechteckig, quadratisch, horizontal verlängert usw.) und seine Größe bestimmt.

Das längliche Format verleiht dem Bild ein Gefühl von Harmonie und Erhabenheit. Das Format in Form eines horizontal angeordneten Rechtecks eignet sich zur Darstellung epischer Action. Wir haben bereits gesagt, dass sich das Format nach dem Goldenen Schnitt gut eignet, um ein breites Landschaftsmotiv abzubilden. Das Format, das durch die Vergrößerung eines Quadrats um eine volle Diagonale erreicht wird, eignet sich gleichermaßen für die Darstellung einer Landschaft, eines Stilllebens und einer thematischen Komposition.

Eine übermäßige Vergrößerung des vertikalen Formats verwandelt das Bild in eine Schriftrolle, und eine übermäßige Vergrößerung des horizontalen Formats diktiert die Verwendung einer Panorama- oder Frieskomposition. Bei der Auswahl eines Formats sollte die Position der Hauptobjekte der Komposition berücksichtigt werden - horizontal oder vertikal, die Entwicklung der Handlung - von links nach rechts, in der Tiefe des Bildes usw.

Das quadratische Format eignet sich am besten, um ausgewogene, statische Kompositionen zu erstellen, da sie gedanklich auf gleiche Mittelachsen und gleiche Seiten der Bildränder bezogen sind.

Die Komposition in einem Oval und einem Kreis ist relativ zu imaginären senkrecht zueinander stehenden Mittelachsen aufgebaut. Ober- und Unterseite des Bildes sollten hier klar definiert sein. Das Oval wird oft als Hochformat verwendet, da diese Konfiguration leicht mit dem Oval korreliert. menschliches Gesicht oder der Umriss des Brustbildes.

Künstler verwenden auch komplexe Konfigurationsformate, die aus einer Kombination von zwei bestehen geometrische Formen, wie Halbkreis und Rechteck.

In der Skizze ist ein allgemeines Kompositionsschema gezeichnet, die Position von TT ist die Beziehung der Hauptsache Schauspieler ohne Detailzeichnung. Vielleicht der Ton und das Farbschema der Skizze. Als nächstes gehen sie zur Zeichnung der Komposition über, dann zu ihrer bildlichen Umsetzung.

Ein von interessante Etappen Werke - Sammlung von Naturmaterial: Beobachtungen des umgebenden Lebens, Skizzen und Skizzen zu Hause und auf der Straße, je nach gewähltem Grundstück. Sie können natürliches Material sofort nach der Auswahl eines Grundstücks sammeln oder dies nach der ersten Skizze der Komposition tun.

Dann zeichnet der Künstler das zukünftige Bild mit Bleistift, Kohle oder flüssiger verdünnter Farbe und einem dünnen Pinsel. Es ist möglich, das sogenannte Pauspapier oder Karton herzustellen, wenn die Zeichnung auf eine Oberfläche übertragen werden muss. Wenn etwas in der Zeichnung nicht funktioniert, können Sie noch einmal zu den Skizzen gehen, die Details herausarbeiten, die Schwierigkeiten bereitet haben, und dann die Zeichnung mit dem gesammelten Naturmaterial verfeinern. Sie können sogar einen neuen kompositorischen Sträfling machen.", unter Berücksichtigung der fertigen Skizzen und Skizzen aus dem Leben, um die Idee zu verdeutlichen.

Danach gehen sie zur malerischen Lösung der Leinwand über. Zunächst wird mit flüssig verdünnten Farben untermalt, bei denen die allgemeinen Farb- und Tonverhältnisse von Objekten, ihre lokale Farbe bestimmt werden. Dann geht es weiter zur Hauptbühne – der eigentlichen bildlichen Auflösung der Leinwand. Es ist besser, alles vom Allgemeinen bis zum Besonderen zu tun und nach und nach die Hauptfarbe von Objekten und Öl für die Volumenmodellierung aufzutragen. Es ist notwendig, die Kontraste und Farbnuancen, Farbreflexionen und die Gesamtfarbe des Bildes zu verdeutlichen. In der letzten Phase gehen sie wieder zur Verallgemeinerung über. Um die Integrität der Arbeit zu erreichen, müssen unnötige Flyer entfernt, Kontraste abgeschwächt und die Hauptsache hervorgehoben werden.

Die aufgeführten Etappen der Ausführung eines Gemäldes sind besonders für pädagogische Zwecke sehr wichtig. Es kommt jedoch vor, dass Künstler eine Bühne ablehnen. Jeder arbeitet anders. Die einen fertigen eine detaillierte Skizze an, die anderen schreiben gleich, ohne vorherige Bleistiftzeichnung. Jemand sucht beharrlich alles in der Natur nach einem Bild ab, fertigt Skizzen in verschiedenen Naturzuständen an, zeichnet Dargestellte in passenden Kostümen und Posen, studiert das notwendige historische oder kunsthistorische Material. Ein anderer Künstler vertraut mehr auf sein visuelles Gedächtnis und seine Vorstellungskraft und weigert sich generell, die Natur zu studieren.

Ein Künstler kann gleichzeitig an einer Zeichnung, einer Komposition, einer bildhauerischen Form, einer Wiedergabe von Raum und Farbe arbeiten. So arbeitete P. Cezanne gerne, besonders wenn er seine Landschaften oder Stillleben nach der Natur malte. Dieser Weg steht jedoch nicht jedem zur Verfügung. Sie müssen über ein ausgezeichnetes visuelles Gedächtnis, genaues Zeichnen, kompositorisches Denken und einen tadellosen Farbsinn verfügen.

Die meisten Künstler ziehen es vor, alle notwendigen Schritte zu befolgen, um ein Gemälde zu erstellen. So liebte es L.A. Ivanov zu arbeiten. Für das Gemälde „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“ hat er viel Vorarbeit geleistet. Zahlreiche in der Staatlichen Tretjakow-Galerie ausgestellte Bildskizzen helfen, die kreative Suche des Autors nachzuvollziehen.

Alles, was über die Arbeit an einem Bild gesagt wurde, ist nicht als dauerhafter, verbindlicher und unveränderlicher Auftrag zu verstehen. Das Befolgen der Regeln hilft jedoch beim Erreichen gute Ergebnisse, Meistere die Fähigkeit.

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Bewegungsübertragungsregel. Ein Objekt in einem Gemälde scheint sich unter den folgenden Bedingungen zu bewegen:

* wenn eine oder mehrere diagonale Linien, Bewegungsrichtungen auf der Karde verwendet werden; *wenn Sie vor einem sich bewegenden Objekt freien Raum lassen;

*wenn Sie einen bestimmten Moment des Satzes wählen, der seinen Charakter am deutlichsten widerspiegelt, ist sein Höhepunkt.

Darüber hinaus erscheint das Bild bewegt, wenn es nicht einen Moment der Bewegung, sondern seine aufeinanderfolgenden Phasen nachbildet. Zum Beispiel auf dem altägyptischen Relief. Jede der Figuren erstarrte in einer bestimmten Position, aber wenn man die Komposition im Kreis betrachtet, kann man die Sequenz in Bewegung sehen.

Bewegung ist nur verständlich, wenn man das Werk als Ganzes betrachtet, nicht einzelne Bewegungsmomente. Der freie Raum vor einem sich bewegenden Objekt ermöglicht es, die Bewegung gedanklich fortzusetzen, als würde er uns einladen, sich mitzubewegen.

In einem anderen Fall, wenn das Objekt zu nahe am Blattrand gezeigt wird, scheint es, dass die Bewegung nicht fortgesetzt werden kann.

Sie können die Bewegung mit Hilfe der Richtung der Linien des Bildes betonen. Zum Beispiel, wenn alle Linien tief ins Blech geführt werden. Die Ausdruckskraft der Bewegung wird erreicht, wenn Sie den Helden im Moment darstellen höchste Spannung seine Stärke. Außerdem vermittelt ein unscharfer Hintergrund ein Gefühl von Bewegung. undeutliche, undeutliche Konturen von Objekten. Eine große Anzahl von vertikalen oder horizontale Linien Hintergrund kann die Bewegung verlangsamen.

Richtungswechsel beschleunigen oder verlangsamen ihn manchmal. Die Besonderheit unserer Vision ist dass wir den Text von links nach rechts lesen und die Bewegung von links nach rechts leichter wahrnehmbar ist, scheint es schneller.

Statische Übertragungsregel. Eine Zusammensetzung wird unter den folgenden Bedingungen als statisch angesehen;

*wenn es keine diagonalen Richtungen im Bild gibt;

wenn die Objekte nach Saxophon ruhig (statisch) dargestellt werden, gibt es keinen Höhepunkt der Handlung;

wenn die Komposition symmetrisch, ausgewogen oder auf der Grundlage einfacher geometrischer Muster (Dreieck, Kreis, Oval, Quadrat, Rechteck) aufgebaut ist.

Unter anderen Bedingungen kann in einem Kunstwerk ein Gefühl der Ruhe entstehen.

In K. Korovins Gemälde „Im Winter“ beispielsweise steht das Pferd mit dem Schlitten trotz diagonaler Richtungen ruhig, es gibt aus folgenden Gründen kein Bewegungsgefühl: Die geometrischen und kompositorischen Zentren des Gemäldes fallen zusammen, die Die Komposition ist ausgewogen und der freie Platz vor dem Pferd wird von einem Baum blockiert.

Auswahl des Handlungskompositionszentrums: Beim Erstellen einer Komposition muss festgelegt werden, was die Hauptsache auf dem Bild sein wird, und darauf geachtet werden, wie diese Hauptsache hervorgehoben werden soll, dh das Handlungs- und Kompositionszentrum, das oft als "semantisches Zentrum" oder bezeichnet wird "visuelles Zentrum" des Bildes.

Natürlich ist nicht alles in der Handlung gleich wichtig, und die Nebenteile sind dem Hauptteil untergeordnet. Das Zentrum der Komposition umfasst die Handlung, die Haupthandlung und die Hauptfiguren.

Das Kompositionszentrum soll zunächst Aufmerksamkeit erregen. Das Zentrum zeichnet sich durch Beleuchtung, Farbe, Bildvergrößerung, Kontraste und andere Mittel aus.

Nicht nur in der Malerei, sondern auch in Grafik, Skulptur, dekorative Kunst wird der Architektur ein kompositorisches Zentrum zugeordnet. Zum Beispiel bevorzugten die Meister der Renaissance, dass das Kompositionszentrum mit der Mitte der Leinwand zusammenfiel.

Durch diese Platzierung der Hauptfiguren wollten die Künstler ihre wichtige Rolle, ihre Bedeutung für die Handlung betonen.

Künstler haben sich viele Möglichkeiten ausgedacht, ein Bild zu erstellen, indem sie das Zentrum der Komposition irgendwo auf der Leinwand platzieren. Diese Technik wurde erfolgreich eingesetzt, um Bewegung, die Dynamik von Ereignissen und die schnelle Entwicklung der Handlung in V. Surikovs Gemälde "Boyar Morozova" zu vermitteln.

Rembrandts Gemälde „Die Rückkehr verlorene Sohn"- ein klassisches Beispiel für eine Komposition, bei der die Hauptsache stark aus dem Zentrum verschoben wird, um die Hauptidee des Werks so genau wie möglich zu offenbaren.

Die Handlung dieses Bildes ist vom Gleichnis des Evangeliums inspiriert. An der Schwelle ihres Hauses trafen sich ein Vater und ein Sohn, die zurückkehrten, nachdem sie um die Welt gewandert waren. Die Lumpen des Wanderers bemalen. Rembrandt scheint eine Geschichte über den schwierigen Weg seines Sohnes zu vermitteln.

Darauf kann man noch lange zurückblicken und mitfühlen mit dem Leid der Verlorenen. Die räumliche Tiefe entsteht durch die konsequente Abschwächung von Licht und Schatten und Farbkontrasten, ausgehend vom Vordergrund. In der Tat wird es von den Figuren der Zeugen der Petition von Siena gebaut, die sich allmählich in der Dämmerung auflösen.

Als Zeichen der Vergebung legte der blinde Vater seinem Sohn die Hände auf die Schultern. In dieser Geste - Weisheit, Schmerz und Sehnsucht, die sich im Laufe der Jahre in Angst und Vergebung angesammelt haben. Rembrandt hebt das Wesentliche im Bild mit Licht hervor und lenkt unsere Aufmerksamkeit darauf.

Das Kompositionszentrum befindet sich fast am Bildrand. Der Künstler gleicht die Komposition mit der rechts stehenden Figur des ältesten Sohnes aus. Die Platzierung des semantischen Hauptzentrums auf einem Drittel des Höhenabstands entspricht dem Gesetz des Goldenen Schnitts.

Seit der Antike wird es von Künstlern verwendet, um die größte Ausdruckskraft ihrer Kreationen zu erreichen.

Die Regel des goldenen Schnitts in der Komposition(ein Drittel). Um das Kompositionszentrum zu identifizieren, wird das wichtigste Element des Bildes entsprechend der Proportion des Goldenen Schnitts platziert, dh ungefähr im Abstand von "Punkt des Ganzen". Die proportionalen Verhältnisse der Seiten der abgebildeten Objekte und Die Leinwand selbst muss, um Harmonie zu erreichen, auf der Grundlage des Goldenen Schnitts gebaut werden.

Bilder mit zwei oder mehr Kompositionszentren ermöglichen es Ihnen, mehrere Ereignisse darzustellen, die gleichzeitig stattfinden und in ihrer Bedeutung gleichwertig sind.

Betrachten Sie das Bild von Velasquez "Las Meninas" und sein Schema. Ein kompositorisches Zentrum des Bildes ist die junge Infantin. Die Hofdamen beugten sich von beiden Seiten zu ihr. In der geometrischen Mitte der Leinwand befinden sich zwei kontrastierende Punkte gleicher Form und gleicher Größe. Sie sind entgegengesetzt, wie Tag und Nacht, einer ist weiß, der andere schwarz – das sind zwei Ausgänge Außenwelt- ein weiteres kompositorisches Zentrum des Bildes.

Ein Ausgang ist eine Tür, die von der Sonne beleuchtet wird. Der andere ist ein Spiegel, in dem sich das Königspaar spiegelt. Der zweite Ausstieg kann als Ausstieg in eine säkulare Gesellschaft wahrgenommen werden. Der Kontrast von hellen und dunklen Anfängen im Bild kann als Streit zwischen Künstler und Herrscher verstanden werden.

Die vom Künstler dargestellten Figuren sind zahlreich genug, um dem fantasievollen Betrachter Porträts zu entwerfen, die miteinander verwandt oder kontrastierend sind (Künstler und König, Höflinge und Elite, Schönheit und Hässlichkeit, Kind und Eltern, Menschen und Tiere).

In einem Bild können Sie mehrere Methoden gleichzeitig anwenden, um die Hauptsache hervorzuheben.

Beispielsweise kann die Technik der „Isolation“ (das Bild der Hauptsache isoliert von anderen Objekten) verwendet werden, indem die Hauptsache in Größe und Farbe hervorgehoben wird.

Es ist wichtig, die Methoden zur Hervorhebung des Handlungskompositionszentrums nicht formal, sondern auf diese Weise anzuwenden. Zu der beste Weg Zweck und Inhalt der Arbeit offen legen.

Die Übertragung von Symmetrie und Asymmetrie in die Komposition. Künstler verschiedene Epochen verwendet einen symmetrischen Aufbau des Bildes. Viele alte Mosaike waren symmetrisch. Renaissancemaler bauten ihre Kompositionen oft nach den Gesetzen der Symmetrie. Diese Konstruktion ermöglicht es Ihnen, den Eindruck von Frieden, Majestät, besonderer Feierlichkeit und Bedeutung von Ereignissen zu erzielen. Bei einer symmetrischen Komposition werden Personen oder Gegenstände in Bezug auf die Mittelachse des Bildes nahezu gespiegelt.

Symmetrie in der Kunst basiert auf der Realität, vollgestopft mit symmetrischen Formen.

Beispielsweise sind eine menschliche Figur, ein Schmetterling, eine Schneeflocke usw. symmetrisch. Symmetrische Kompositionen sind statisch (stabil), die linke und rechte Hälfte sind ausgeglichen.

In einer asymmetrischen Komposition kann die Anordnung von Objekten am unterschiedlichsten sein, je nach Handlung und Absicht der Arbeit sind die linke und rechte Hälfte nicht ausgewogen.

Die Übertragung des Gleichgewichts in der Zusammensetzung. Bei einer symmetrischen Komposition sind alle Teile ausgewogen, eine asymmetrische Komposition kann ausgewogen und unausgeglichen sein. Ein großer heller Fleck wird durch einen kleinen dunklen ausgeglichen.

Viele kleine Flecken können durch einen großen ausgeglichen werden. Es gibt viele Möglichkeiten: Teile werden nach Gewicht, Spurrille und Farbe ausbalanciert. Das Gleichgewicht betrifft sowohl die Figuren selbst als auch die Lücken zwischen ihnen.

Spezielle Übungen entwickeln einen Gleichgewichtssinn in der Komposition. Es ist notwendig zu lernen, wie man große und kleine Werte, hell und dunkel, verschiedene Silhouetten und Farbflecken ausbalanciert. Hier wird es nützlich sein, sich an Ihre Erfahrung zu erinnern, wie Sie auf einer Schaukel das Gleichgewicht gefunden haben.

Jeder kann sich leicht vorstellen, dass ein Teenager balanciert werden kann, wenn zwei Kinder auf das andere Ende der Schaukel gesetzt werden. Und das Baby kann sogar mit einem Erwachsenen schaukeln, der nicht am Rand der Schaukel sitzt, sondern näher an der Mitte.

Das gleiche Experiment kann mit Gewichten durchgeführt werden. Solche Vergleiche helfen, verschiedene Teile des Bildes in Größe, Ton und Farbe auszugleichen, um eine Harmonie zu erreichen, dh um ein Gleichgewicht in der Komposition zu finden.

Bei einer asymmetrischen Komposition fehlt die Ausgewogenheit manchmal völlig, wenn das semantische Zentrum näher am Bildrand liegt. Der Bildeindruck verändert sich, wenn man es spiegelverkehrt betrachtet. Diese Eigenschaft unserer Vision muss auch bei der Suche nach einem Gleichgewicht in der Komposition berücksichtigt werden.

Kompositionsregeln, Techniken und Mittel basieren auf der reichen kreativen Erfahrung von Künstlern vieler Generationen, aber die Kompositionstechnik steht nicht still, sie entwickelt sich ständig weiter, bereichert durch die kreative Praxis neuer Meister. Einige Kompositionsmethoden werden zu Klassikern, aber neue kommen hinzu, da das Leben andere Aufgaben an die Kunst stellt.

3 . Gouache als eines der Materialien und Techniken der Malerei

3.1 Malmaterialien und Arbeitstechniken

Maler vermitteln die Schönheit der Welt um sie herum mit Hilfe von Farben: Gouache, Aquarell, Tempera, Öl usw. Sie können einen beliebigen Untergrund wählen: Leinwand, Papier, Pappe, Pappe, Wand usw. Der Untergrund ist normalerweise mit Spezialgrundierung versehen Verbindungen. Farben werden mit unterschiedlich dicken Rund- und Flachpinseln auf den Untergrund aufgetragen. Manchmal wird dafür ein Palettenmesser verwendet. Messer. ein Lappen, sogar ein Finger, aber es ist besser, Spezialwerkzeuge zu verwenden als improvisierte Mittel.

Farben werden auf einer Palette ausgelegt und gemischt, um den gewünschten Farbton zu erhalten. Eine Palette ist ein kleines dünnes Brett in rechteckiger, ovaler oder anderer Form. Öl Palette malen sind hauptsächlich aus Holz und für die Arbeit Aquarell und Gouache- aus weißem Kunststoff, teilweise mit Aussparungen für Lacke. Ich benutze es manchmal als Palette! weiße Untertasse, Fliese oder Stück Papier. Die Liste der von einem Künstler verwendeten Farben wird auch als Palette bezeichnet. In diesem Sinne steht der Begriff „Palette“ dem Begriff „Farbe“ nahe.

Die Schreibtechnik und ihre Eigenschaften hängen weitgehend von den Eigenschaften von Farben, Lösungsmitteln und Werkzeugen ab. Vor spätes XVII- Anfang des 18. Jahrhunderts Künstler und Lehrlinge stellten die Farben selbst her, es wurde normalerweise Studenten anvertraut. Sie mahlen die Steine zu einem Pulver und mischen es mit Leim, Öl oder einem Ei. Industrielle Herstellung von Farben hergestellt Farbpalette vielfältigere.

Farben zum Malen haben spezielle Namen. Sehr oft werden diese Namen mit chemischen oder natürlichen Elementen (Mineralien, Pflanzen) in Verbindung gebracht, aus denen sie hergestellt werden. Die Basis aller Farben - Pigment - das sind verschiedene Farbstoffe oder Farbstoffe. Sie sind mineralisch, chemisch, organisch(tierischer oder pflanzlicher) Herkunft. Zur Herstellung von Farben werden Pigmente fein zu Pulver gemahlen und mit Bindemitteln (Öl, Leim etc.) vermischt. Organische Pigmente sind mineralischen in ihrer Stärke unterlegen. Jetzt werden hauptsächlich künstliche Pigmente verwendet, da sie am beständigsten sind.

Oft kommt der Name von Farben von dem Bindemittel, das zu ihrer Herstellung verwendet wurde. Zum Beispiel die Basis Ölfarben- Leinsamen oder ein anderes Öl. Klebefarben sind Aquarell, Gouache, Tempera. Wir werden Ihnen mehr über Klebefarben erzählen, da sie am häufigsten in der Praxis des Kunstunterrichts in Lehrerbildungsschulen und in der Grundschule verwendet werden.

Gouache- undurchsichtige (Gehäuse-, Abdeck-) Farbe, die mit Wasser verdünnt wird. Ein mit solchen Farben hergestelltes Kunstwerk wird auch "Gouache" genannt. Gouachefarben werden aus Pigmenten und Leim unter Zusatz von Weiß hergestellt. Im Gegensatz zum Aquarell ist die auf Papier aufgetragene Farbschicht nicht transparent, sondern matt, dicht, mit einer samtigen Oberfläche, die durch eine Beimischung von Weiß gegeben ist. Beim Trocknen werden die Gouachefarben etwas aufgehellt (aufgehellt), was der Künstler beim Zeichnen berücksichtigen muss. Gouachefarben sind hell, Korrekturen sind während der Arbeit möglich, Suiten können nur über eine erfolglose Stelle einer anderen Farbe gelegt werden. Dunkle Töne können mit hellen überdeckt werden. Weiß wird der Gouache hinzugefügt, um einen helleren Ton zu erhalten.

3. 2 Die Reihenfolge der Ausführung eines Gemäldes

Um eine interessante Bildleinwand zu schaffen, ist es notwendig zu lernen, interessante Ereignisse, Charaktere, Motive, Blickwinkel und Zustände im umgebenden Leben zu sehen. Das ständige Ausführen von Skizzen, Skizzen und Skizzen aus der Natur entwickelt nicht nur das Auge und die Hand, sondern auch das kompositorische Denken.

Das quadratische Format eignet sich am besten, um ausgewogene, statische Kompositionen zu erstellen, da sie gedanklich auf gleiche Mittelachsen und gleiche Seiten der Bildränder bezogen sind.

Die Komposition in einem Oval und einem Kreis ist relativ zu imaginären senkrecht zueinander stehenden Mittelachsen aufgebaut. Ober- und Unterseite des Bildes sollten hier klar definiert sein. Das Oval wird oft als Format für Porträts verwendet, da diese Konfiguration leicht dem Oval eines menschlichen Gesichts oder dem Umriss einer Büste entspricht.

Künstler verwenden auch komplexe Konfigurationsformate, die aus einer Kombination zweier geometrischer Formen bestehen, beispielsweise einem Halbkreis und einem Rechteck.

In der Skizze ist ein allgemeines Kompositionsschema gezeichnet, der Ort und die Beziehung der Hauptakteure ohne detaillierte Zeichnung. Vielleicht der Ton und das Farbschema der Skizze. Als nächstes gehen sie zur Zeichnung der Komposition über, dann zu ihrer bildlichen Umsetzung.

Eine der interessanten Phasen der Arbeit ist das Sammeln von Naturmaterial: Beobachtungen des umgebenden Lebens, Skizzen und Skizzen des Hauses und der Straße, je nach gewähltem Grundstück. Sie können natürliches Material sofort nach der Auswahl eines Grundstücks sammeln oder dies nach der ersten Skizze der Komposition tun.

Alles, was über die Arbeit an einem Bild gesagt wurde, ist nicht als dauerhafter, verbindlicher und unveränderlicher Auftrag zu verstehen. Das Befolgen der Regeln hilft jedoch, gute Ergebnisse zu erzielen und die Fähigkeit zu beherrschen.

3. 3 Maltechnik für Stillleben

malen gouache farbzusammensetzung

Das Malen von Stillleben ist für den Lernprozess von grundlegender Bedeutung. Dies ist eine notwendige Phase in der Einstellung der Hand, des Auges, der Entwicklung eines Farbsinns und der Integrität des Sehens. Bekannt durch Stillleben echte Welt in seiner ganzen Vielfalt. Stilleben sind keine zufällige Ansammlung von Objekten. Eine aktive Einstellung zur Natur, ein Sinn für Schönheit sollte sich in jeder Phase manifestieren

Die Bildfolge eines Stilllebens aus Haushaltsgegenständen: Erste Stufe. Führen Sie eine detaillierte Zeichnung eines Stilllebens mit dünnen Linien durch und identifizieren Sie die wichtigsten proportionalen Beziehungen und das Design von Objekten.

Zweite Phase. Ausführung der Untermalung. Die erste Verlegung lokaler Farben von Gegenständen und Vorhängen. Die Farbe von Objekten wird auf einer Palette mit weißem Schlick zusammengestellt.

Dritter Abschnitt. Identifizierung von Farb- und Tonverhältnissen. Ausarbeitung und Verfeinerung von Details hell auf dunkel und dunkel auf hell. Mit Gouache können Sie Änderungen an der Arbeit vornehmen; Wenn etwas nicht funktioniert, überlappen Sie eine Farbe mit einer anderen. Verallgemeinerung und Abschluss der Arbeit.

Landschaftsbildfolge Gouache: Erste Stufe. Erstellen einer Zeichnung einer Landschaftskomposition. Die Pinselzeichnung ist leicht und frei, je nach Bildfarbe mit warmer oder kalter Farbe.

Zweite Phase. Verlegung der Hauptfarbe des Himmels, Baumkronen, Wasser. Übertragung wahrheitsgetreuer Ton- und Farbverhältnisse.

Dritter Abschnitt. Zeichnen von Details, Zusammenfassen und Vervollständigen der Arbeit. Erreichen der Farbeinheit der Landschaft.

3. 4 Technik zur Bearbeitung eines malerischen Bildes eines menschlichen Kopfes

Darauf baut die Bemalung des menschlichen Kopfes auf Gemeinsamkeit malerische Bilder zu schaffen. Lassen Sie uns auf einige eingehen methodische Besonderheiten Kopfstudien durchführen. Die Aufgaben der Darstellung des Kopfes reduzieren sich darauf, seine Struktur zu vermitteln, die Form mit Farbe zu modellieren und die individuellen Qualitäten der Natur sichtbar zu machen. Es gilt, den Farbenreichtum des Lebendigen zu vermitteln menschlicher Körper, Verbindung des menschlichen Kopfes mit der Umwelt.

Das Zeichnen zum Malen kann mit einem Bleistift oder Kohle erfolgen, aber Sie können sofort mit einem Pinsel zeichnen. Es ist notwendig, mit dünnen Linien die konstruktive Struktur des Kopfes, seine Position im Raum zu vermitteln, um die Grenzen des Hell-Dunkels zu skizzieren.

Die Arbeit erfolgt wie immer vom Allgemeinen zum Besonderen: Zunächst werden in der Untermalung die allgemeinen Ton- und Farbverhältnisse großer Flächen festgelegt, dann wird die Form in kleinen Strichen modelliert, die Details gezeichnet und an In der letzten Phase wird alles verallgemeinert, um Integrität zu erreichen.

Es ist besser, die Arbeit am dunkelsten Ort in der Natur zu beginnen. Die Schatten im Gesicht sind sehr transparent Oni. verdecken den lebendigen Teint fast nicht. Indem Sie die beleuchteten Teile der Dyne mit ihnen vergleichen, ist es einfacher, die Mitteltöne zu finden. Die weiße Farbe des Papiers ersetzt temporär die beleuchteten Flächen. Beeilen Sie sich nicht, jede Wimper auszuschreiben, wenn andere Teile des Gesichts noch nicht zumindest im Allgemeinen gelöst wurden. Alle Teile der Natur gleichzeitig durcharbeiten, mit der Beziehungsmethode arbeiten. Behalten Sie dies bei der Übertragung des Kopfvolumens im Auge. damit sich die Striche in die Form legen. Subtile Farbvielfalt hängt von vielen Reflexionen ab. Die Farbe des Gesichts und der Kleidung nimmt immer einen Farbton an, der komplementär zur Farbe des Hintergrunds ist.

Achten Sie in der letzten Arbeitsphase genau auf die Ausdruckskraft der Silhouette des Kopfes, ihren Kontakt mit ([jung. An einigen Stellen müssen Sie die Konturlinien auflösen und an anderen Stellen im Gegenteil klarer machen. Wenn der Maler eine ganzheitliche Sicht auf die Natur hat, wird er die Arbeit korrekt abschließen.

Ablauf einer Bildstudie des Kopfes eines lebenden Modells: Erste Stufe. Zeichnen mit einem Pinsel. Skizzieren Sie die allgemeine Form des Kopfes und seine Position im Raum. Zeichnen Sie Teile der Linde, die Form der Frisur ohne unnötige Details.

Zweite Phase. Legen Sie die Hauptfarbe von Gesicht, Haaren und Hintergrund fest und achten Sie auf die richtigen Ton- und Farbverhältnisse.

Dritter Abschnitt. Details vorschreiben, Arbeit zusammenfassen und vervollständigen, Porträtähnlichkeit erreichen, Charakter und Image des Modells vermitteln.

3. 5 Methoden zur Arbeit an einem malerischen Bild einer menschlichen Figur

Die Figur eines Mannes für Bildungszwecke ist dargestellt, aber der Gürtel und in vollständige Höhe. Das Bemalen einer Figur erfordert Kenntnisse der plastischen Anatomie, der Perspektive und der Gesetze der Farbwissenschaft. Bevor man an einem Bild einer menschlichen Figur arbeitet, ist es sinnvoll, mehrere Studien dieses Objekts mit einer Farbe (Grisaille) durchzuführen.

Ganz am Anfang der Arbeit ist es wichtig, die Natur nicht nur zu pflanzen oder in eine bestimmte Position zu bringen, sondern sie zu studieren. Eigenschaften und Bewegung, überlegen Sie sich die Wahl des Kostüms. Daher wird empfohlen, malerische Skizzen der Natur durchzuführen. Bei der Suche nach der erfolgreichsten kompositorischen Lösung in den Skizzen sollte man die plastische Platzierung der Figur im ausgewählten Format, die Gesamtfarbe, bestimmen. Die Art des Modells entscheidet über den gesamten Aufbau der Komposition.

In der Untermalung werden die Grundlagen von Ton- und Farblösungen festgelegt. Um die volumetrischen, materiellen und räumlichen Qualitäten des Modells zu vermitteln, ist es außerdem notwendig, die Form mit Strichen zu formen und mit Beziehungen zu arbeiten.

Bei der Darstellung einer menschlichen Figur ist es zwingend erforderlich, Farbbeziehungen in Verbindung mit umgebenden Objekten und dem Hintergrund zu finden. Der gleiche Vorhang neben dem beleuchteten Teil der Natur erscheint etwas dunkler und in der Nähe seiner dunklen Stellen etwas heller.

In der letzten Phase sollte auf die materiellen und strukturellen Eigenschaften von Gesicht, Haaren und Kleidung geachtet werden. Das Gesicht und die Hände sind immer sorgfältiger ausgearbeitet als die Accessoires und der Hintergrund. Es ist wichtig, die Arbeit rechtzeitig abzuschließen, um Fragmentierung, übermäßige Ausarbeitung von Details und Unvollständigkeit der Skizze zu vermeiden. Verschiedene kreative Herangehensweisen an das Bild der menschlichen Figur sind möglich.

Ablauf einer Bildstudie einer menschlichen Figur: Erste Stufe. Zeichnen mit einem Pinsel. Umreißen Sie die allgemeine Bewegung der Figur, ihre Proportionen und ihre Position im Raum. Zeichne den Kopf, Hals. zerrissen, Arme, Beine ohne unnötige Details.

Zweite Phase. Legen Sie die Hauptfarbe von Körper, Haaren, Kleidung, Hintergrund fest und übertragen Sie die richtigen Ton- und Farbverhältnisse.

Dritter Abschnitt. Zeichnen von Details, Zusammenfassen und Vervollständigen der Arbeit, Übertragen von Charakter und Image des Modells.

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Das Übereinanderlegen einer Farbschicht auf eine andere wird als bezeichnet. Zeichnungsfolge vom Größten zum Kleinsten, vom Allgemeinen zum Besonderen

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