Was ist die Schaffung einer idealen Stadt. vor der Wiederbelebung
Klassizismus in der Architektur Westeuropas
Überlassen wir das den Italienern
Leeres Lametta mit seinem falschen Glanz.
Das Wichtigste ist die Bedeutung, aber um darauf zu kommen,
Wir müssen Hindernisse und Pfade überwinden,
Folgen Sie strikt dem markierten Weg:
Manchmal hat der Verstand nur einen Weg...
Sie müssen über die Bedeutung nachdenken und erst dann schreiben!
N. Boileau. "Poetische Kunst".
Übersetzung von V. Lipetskaya
So lehrte einer der Hauptideologen des Klassizismus, der Dichter Nicolas Boileau (1636-1711), seine Zeitgenossen. Die strengen Regeln des Klassizismus wurden in den Tragödien von Corneille und Racine, den Komödien von Molière und den Satiren von La Fontaine, der Musik von Lully und der Malerei von Poussin, der Architektur und Dekoration der Paläste und Ensembles von Paris verkörpert ...
Der Klassizismus manifestierte sich am deutlichsten in den Werken der Architektur, die sich auf die besten Errungenschaften der antiken Kultur konzentrierten - ein Ordnungssystem, strenge Symmetrie, eine klare Proportionalität der Teile der Komposition und ihre Unterordnung unter die allgemeine Idee. Der „strenge Stil“ der klassizistischen Architektur schien ihre Idealformel von „edler Schlichtheit und ruhiger Erhabenheit“ visuell verkörpern zu wollen. In den architektonischen Strukturen des Klassizismus dominierten einfache und klare Formen, eine ruhige Harmonie der Proportionen. Bevorzugt wurden gerade Linien, unaufdringliches Dekor, das den Umriss des Objekts wiederholte. Die Einfachheit und der Adel der Verarbeitung, Praktikabilität und Zweckmäßigkeit beeinflussten alles.
Basierend auf den Vorstellungen der Renaissance-Architekten von der „idealen Stadt“ schufen die Architekten des Klassizismus ein grandioses Schloss- und Parkensemble neuen Typs, das sich strikt einem einzigen geometrischen Plan unterordnete. Eines der herausragenden architektonischen Bauwerke dieser Zeit war die Residenz der französischen Könige am Stadtrand von Paris - das Schloss Versailles.
„Feentraum“ von Versailles
Mark Twain, der Versailles besuchte Mitte des neunzehnten v.
„Ich habe Ludwig XIV. beschimpft, der 200 Millionen Dollar für Versailles ausgegeben hat, als die Leute nicht genug für Brot hatten, aber jetzt habe ich ihm vergeben. Es ist außergewöhnlich schön! Du starrst, öffnest einfach deine Augen und versuchst zu verstehen, dass du auf der Erde bist und nicht in den Gärten von Eden. Und Sie sind fast bereit zu glauben, dass dies ein Scherz ist, nur ein fabelhafter Traum.
Tatsächlich erstaunt der „Märchentraum“ von Versailles immer noch mit der Größe des regelmäßigen Grundrisses, der prächtigen Pracht der Fassaden und der Brillanz der dekorativen Dekoration der Innenräume. Versailles wurde zu einer sichtbaren Verkörperung der großoffiziellen Architektur des Klassizismus, die die Idee eines rational arrangierten Weltmodells zum Ausdruck brachte.
Einhundert Hektar Land in einem extrem eine kurze Zeit(1666-1680) wurden in ein Paradies für die französische Aristokratie verwandelt. Die Architekten Louis Leveaux (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) und André Le Notre(1613-1700). Sie haben einige Jahre lang viel in ihrer Architektur umgebaut und verändert, so dass sie heute eine komplexe Verschmelzung mehrerer architektonischer Schichten ist, die absorbiert Charakterzüge Klassizismus.
Das Zentrum von Versailles ist der Große Palast, zu dem drei zusammenlaufende Alleen führen. Auf einer bestimmten Anhöhe gelegen, nimmt der Palast eine beherrschende Stellung über dem Gebiet ein. Seine Schöpfer teilten die fast einen halben Kilometer lange Fassade in einen zentralen Teil und zwei Seitenflügel - Risalit - und verliehen ihr eine besondere Feierlichkeit. Die Fassade wird durch drei Stockwerke dargestellt. Der erste, der die Rolle eines massiven Sockels spielt, ist mit Rustikierung nach dem Vorbild italienischer Renaissancepaläste verziert. An der zweiten Front befinden sich hohe Bogenfenster, zwischen denen sich ionische Säulen und Pilaster befinden. Die den Bau bekrönende Tribüne verleiht dem Erscheinungsbild des Schlosses Monumentalität: Sie ist verkürzt und endet mit Skulpturengruppen, die dem Gebäude eine besondere Eleganz und Leichtigkeit verleihen. Der Rhythmus von Fenstern, Pilastern und Säulen an der Fassade betont die klassische Strenge und Pracht. Es ist kein Zufall, dass Molière über den Großen Palast von Versailles sagte:
"Die künstlerische Ausstattung des Palastes steht so im Einklang mit der Perfektion, die die Natur ihm verleiht, dass man ihn als magisches Schloss bezeichnen kann."
Die Innenräume des Grand Palace sind im Barockstil dekoriert: Sie sind reich an skulpturalen Dekorationen, reichem Dekor in Form von vergoldetem Stuck und Schnitzereien, vielen Spiegeln und exquisiten Möbeln. Die Wände und Decken sind mit farbigen Marmorplatten mit klaren geometrischen Mustern verkleidet: Quadrate, Rechtecke und Kreise. Malerische Tafeln und Wandteppiche auf mythologische Themen verherrlichen König Ludwig XIV. Massive Kronleuchter aus Bronze mit Vergoldung vervollständigen den Eindruck von Reichtum und Luxus.
Die Säle des Palastes (es gibt ungefähr 700) bilden endlose Enfiladen und sind für feierliche Prozessionen, prächtige Feste und Maskenbälle bestimmt. Im größten Prunksaal des Schlosses – der Spiegelgalerie (73 m lang) – wird die Suche nach neuen Raum- und Lichtwirkungen anschaulich demonstriert. Zu den Fenstern auf der einen Seite der Halle passten Spiegel auf der anderen. Unter Sonnen- oder Kunstlicht erzeugten 400 Spiegel eine außergewöhnliche Raumwirkung und vermittelten ein magisches Spiel von Reflexionen.
Die dekorativen Kompositionen von Charles Lebrun (1619-1690) in Versailles und im Louvre bestechen durch ihre zeremonielle Pracht. Die von ihm proklamierte „Methode der Darstellung von Leidenschaften“, bei der hochrangige Persönlichkeiten pompös gelobt wurden, brachte dem Künstler einen schwindelerregenden Erfolg. 1662 wurde er der erste Maler des Königs und dann Direktor der königlichen Manufaktur für Wandteppiche (handgewebte Teppichbilder oder Wandteppiche) und Leiter aller dekorativen Arbeiten im Schloss von Versailles. In der Spiegelgalerie des Schlosses malte Lebrun
eine vergoldete Decke mit vielen allegorischen Kompositionen zu mythologischen Themen, die die Herrschaft des "Sonnenkönigs" Ludwig XIV. verherrlichten. Aufgehäufte malerische Allegorien und Attribute, leuchtende Farben und dekorative Effekte des Barock kontrastierten deutlich mit der Architektur des Klassizismus.
Das Schlafzimmer des Königs befindet sich im zentralen Teil des Palastes und ist der aufgehenden Sonne zugewandt. Von hier aus öffnete sich der Blick auf drei von einem Punkt ausgehende Autobahnen, die symbolisch an das Hauptzentrum der Staatsmacht erinnerten. Vom Balkon aus eröffnete der Blick auf den König die ganze Schönheit des Parks von Versailles. Seinem Hauptschöpfer Andre Le Nôtre gelang es, die Elemente der Architektur und der Gartenkunst miteinander zu verbinden. Im Gegensatz zu Landschaftsparks (engl.), die die Idee der Einheit mit der Natur zum Ausdruck brachten, ordneten reguläre (französische) Parks die Natur dem Willen und den Absichten des Künstlers unter. Der Park von Versailles besticht durch seine Klarheit und rationale Raumorganisation, seine Zeichnung wird vom Architekten mit Hilfe von Zirkel und Lineal genau überprüft.
Die Gassen des Parks werden als Fortsetzung der Palasthallen wahrgenommen, jede von ihnen endet mit einem Reservoir. Viele Pools haben die richtige geometrische Form. Die glatten Wasserspiegel in den Stunden vor Sonnenuntergang reflektieren die Sonnenstrahlen und skurrilen Schatten, die von Büschen und Bäumen geworfen werden, die in Form eines Würfels, Kegels, Zylinders oder einer Kugel getrimmt sind. Das Grün bildet manchmal feste, undurchdringliche Wände, manchmal breite Galerien, in künstlichen Nischen, in denen skulpturale Kompositionen, Hermen (tetraedrische Säulen, die mit einem Kopf oder einer Büste gekrönt sind) und zahlreiche Vasen mit Kaskaden dünner Wasserstrahlen platziert sind. Allegorische Skulptur aus Springbrunnen gefertigt berühmte Meister, entworfen, um die Herrschaft eines absoluten Monarchen zu verherrlichen. Der „Sonnenkönig“ erschien in ihnen entweder in der Gestalt des Gottes Apollo oder Neptun, der in einem Streitwagen aus dem Wasser fuhr oder in einer kühlen Grotte zwischen den Nymphen ruhte.
Glatte Rasenteppiche verblüffen mit knallbunten Farben und einem skurrilen Blütenornament. In Vasen (es gab ungefähr 150.000 davon) gab es frische Blumen, die so verändert wurden, dass Versailles zu jeder Jahreszeit in ständiger Blüte stand. Die Wege des Parks sind mit farbigem Sand übersät. Einige von ihnen waren mit Porzellansplittern ausgekleidet, die in der Sonne funkelten. All diese Pracht und Pracht der Natur wurde durch die Düfte von Mandeln, Jasmin, Granatapfel und Zitrone ergänzt, die sich aus Gewächshäusern ausbreiteten.
In diesem Park gab es Natur
Wie leblos;
Wie mit einem erhabenen Sonett,
Sie haben mit dem Gras herumgespielt.
Kein Tanzen, keine süßen Himbeeren,
Le Nôtre und Jean Lully
In Gärten und Tänzen der Unordnung
Konnte es nicht ertragen.
Die Eiben erstarrten wie in Trance,
Die Büsche reihen sich aneinander,
Und knickste
Gelernte Blumen.
V. Hugo Übersetzung von E. L. Lipetskaya
N. M. Karamzin (1766-1826), der 1790 Versailles besuchte, berichtete über seine Eindrücke in den Briefen eines russischen Reisenden:
„Die Unermesslichkeit, die perfekte Harmonie der Teile, die Wirkung des Ganzen: Das ist es, was der Maler nicht mit einem Pinsel darstellen kann!
Gehen wir in die Gärten, die Schöpfung von Le Nôtre, den das kühne Genie überall auf den Thron der stolzen Kunst setzte, und die demütige Natura, wie einen armen Sklaven, warf ihn ihm zu Füßen ...
Suchen Sie also nicht die Natur in den Gärten von Versailles; aber hier fesselt die Kunst auf Schritt und Tritt das Auge ... "
Architekturensembles von Paris. Reich
Nach Abschluss der Hauptbauarbeiten in Versailles, an der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert, startete André Le Nôtre kräftige Aktivität für die Neugestaltung von Paris. Er führte die Aufteilung des Tuilerienparks durch und legte die Mittelachse eindeutig auf die Fortsetzung der Längsachse des Louvre-Ensembles fest. Nach Le Nôtre wurde der Louvre endgültig wieder aufgebaut, die Place de la Concorde entstand. Die große Achse von Paris vermittelte eine völlig andere Interpretation der Stadt, die den Anforderungen an Erhabenheit, Grandiosität und Pracht entsprach. Die Gestaltung städtischer Freiräume, das System architektonisch gestalteter Straßen und Plätze wurde zum bestimmenden Faktor in der Planung von Paris. Die Klarheit des geometrischen Musters verbindet Straßen und Plätze zu einem Ganzen lange Jahre wird zu einem Kriterium für die Bewertung der Perfektion des Stadtplans und der Fähigkeiten des Stadtplaners. Viele Städte auf der ganzen Welt werden in der Folge den Einfluss des klassischen Pariser Modells erfahren.
Ein neues Verständnis der Stadt als Objekt architektonischer Beeinflussung des Menschen findet in der Arbeit an urbanen Ensembles deutlichen Ausdruck. Während ihres Baus wurden die Haupt- und Grundprinzipien der Stadtplanung des Klassizismus umrissen - freie Entwicklung im Raum und organische Verbindung mit der Umwelt. Um das städtebauliche Chaos zu überwinden, suchten die Architekten Ensembles zu schaffen, die für eine freie und ungehinderte Sicht ausgelegt sind.
Renaissance-Träume von der Schaffung einer „idealen Stadt“ verkörperten sich in der Bildung eines neuen Platztyps, dessen Grenzen nicht mehr die Fassaden bestimmter Gebäude waren, sondern der Raum der angrenzenden Straßen und Viertel, Parks oder Gärten, u Flussdamm. Architektur sucht nicht nur direkt benachbarte Gebäude, sondern auch sehr abgelegene Punkte der Stadt in einer bestimmten Ensembleeinheit zu verbinden.
Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts und dem ersten Drittel des 19. Jahrhunderts. in Frankreich gefeiert neue Bühne Entwicklung des Klassizismus und seine Verbreitung in europäischen Ländern - Neoklassizismus. Nach dem Großen Französische Revolution Und Vaterländischer Krieg 1812 traten im Einklang mit dem Zeitgeist neue Prioritäten in der Stadtplanung auf. Den markantesten Ausdruck fanden sie im Empire-Stil. Es zeichnete sich durch folgende Merkmale aus: zeremonielles Pathos imperialer Größe, Monumentalität, Berufung auf die Kunst des kaiserlichen Roms und des alten Ägypten, Verwendung von Attributen der römischen Militärgeschichte als Hauptdekorationsmotive.
Die Essenz des neuen künstlerischen Stils wurde sehr genau in den bedeutenden Worten von Napoleon Bonaparte ausgedrückt:
„Ich liebe Kraft, aber als Künstler … liebe ich es, Klänge, Akkorde und Harmonien daraus zu extrahieren.“
Empire-Stil wurde zur Personifikation der politischen Macht und des militärischen Ruhms Napoleons und diente als eine Art Manifestation seines Kultes. Die neue Ideologie entsprach voll und ganz den politischen Interessen und dem künstlerischen Geschmack der neuen Zeit. Groß architektonische Ensembles offene Plätze, breite Straßen und Alleen, Brücken, Denkmäler und öffentliche Gebäude wurden errichtet und demonstrierten die kaiserliche Größe und Macht.
So erinnerte beispielsweise die Austerlitzer Brücke an die große Schlacht Napoleons und wurde aus den Steinen der Bastille erbaut. Am Place Carruzel erbaut wurde Triumphbogen zu Ehren des Sieges bei Austerlitz. Zwei weit voneinander entfernte Plätze (Consent und Stars) wurden durch architektonische Perspektiven verbunden.
Kirche der Heiligen Genoveva, errichtet von J. J. Soufflot, wurde zum Pantheon – der Ruhestätte der großen Persönlichkeiten Frankreichs. Eines der spektakulärsten Denkmäler dieser Zeit ist die Säule der Großen Armee auf dem Place Vendôme. Ähnlich wie die antike römische Trajanssäule sollte sie nach dem Plan der Architekten J. Gonduin und J. B. Leper den Geist des Neuen Reiches und Napoleons Durst nach Größe ausdrücken.
In der Innenausstattung von Palästen und öffentlichen Gebäuden wurden Feierlichkeit und majestätische Pracht besonders hoch geschätzt, ihre Dekoration war oft mit militärischen Utensilien überladen. Die dominierenden Motive waren kontrastierende Farbkombinationen, Elemente römischer und ägyptischer Ornamente: Adler, Greifen, Urnen, Kränze, Fackeln, Grotesken. Der Empire-Stil manifestierte sich am deutlichsten in den Innenräumen der kaiserlichen Residenzen des Louvre und des Malmaison.
Die Ära von Napoleon Bonaparte endete 1815, und sehr bald begannen sie, seine Ideologie und seinen Geschmack aktiv auszurotten. Aus dem „wie ein Traum verschwundenen“ Reich gab es Kunstwerke im Empire-Stil, die deutlich von seiner einstigen Größe zeugen.
Fragen und Aufgaben
1. Warum kann Versailles auf herausragende Werke zurückgeführt werden?
Als städtebauliche Ideen des Klassizismus des XVIII Jahrhunderts. ihre praktische Umsetzung in den Architekturensembles von Paris, zum Beispiel der Place de la Concorde, gefunden? Was unterscheidet sie von den Plätzen des italienischen Barock im Rom des 17. Jahrhunderts wie der Piazza del Popolo (siehe S. 74)?
2. Wie kam die Verbindung von Barock und Klassizismus zum Ausdruck? Welche Ideen hat der Klassizismus vom Barock geerbt?
3. Was sind die historischen Hintergründe für die Entstehung des Empire-Stils? Welche neuen Ideen seiner Zeit wollte er in Kunstwerken zum Ausdruck bringen? Welche künstlerische Prinzipien verlässt er sich?
kreative Werkstatt
1. Geben Sie Ihren Klassenkameraden eine Führung durch Versailles. Zur Vorbereitung können Sie Videomaterial aus dem Internet verwenden. Die Parks von Versailles und Peterhof werden oft verglichen. Was ist Ihrer Meinung nach die Grundlage für solche Vergleiche?
2. Versuchen Sie, das Bild der „idealen Stadt“ der Renaissancezeit mit den klassizistischen Ensembles von Paris (St. Petersburg oder seinen Vororten) zu vergleichen.
3. Vergleichen Sie die Gestaltung der Innenausstattung (Interieurs) der Galerie von Franz I. in Fontainebleau und der Spiegelgalerie von Versailles.
4. Lernen Sie die Gemälde des russischen Künstlers A. N. Benois (1870-1960) aus dem Zyklus „Versailles. Gang des Königs“ (siehe S. 74). Wie vermitteln sie die allgemeine Atmosphäre des Hoflebens des französischen Königs Ludwig XIV.? Warum können sie als eigentümliche Bildsymbole betrachtet werden?
Themen von Projekten, Abstracts oder Botschaften
"Die Bildung des Klassizismus in der französischen Architektur des 17.-18. Jahrhunderts"; "Versailles als Modell der Harmonie und Schönheit der Welt"; "Ein Spaziergang durch Versailles: die Verbindung zwischen der Zusammensetzung des Schlosses und der Anlage des Parks"; „Meisterwerke der Architektur des westeuropäischen Klassizismus“; "Napoleonisches Reich in der Architektur Frankreichs"; "Versailles und Peterhof: Erfahrung vergleichende Merkmale»; "Künstlerische Entdeckungen in den architektonischen Ensembles von Paris"; "Die Plätze von Paris und die Entwicklung der Prinzipien der regelmäßigen Planung der Stadt"; "Klarheit der Komposition und Ausgewogenheit der Volumina der Kathedrale des Invalides in Paris"; „Concord Square ist eine neue Etappe in der Entwicklung städtebaulicher Ideen des Klassizismus“; „Die strenge Ausdruckskraft der Bände und die Geiz des Dekors der Kirche St. Genevieve (Pantheon) von J. Soufflot“; "Merkmale des Klassizismus in der Architektur westeuropäischer Länder"; "Herausragende Architekten des westeuropäischen Klassizismus".
Bücher zum Nachlesen
Arkin D. E. Bilder der Architektur und Bilder der Skulptur. M., 1990. Kantor A. M. und andere, Kunst des 18. Jahrhunderts. M., 1977. (Kleine Kunstgeschichte).
Klassizismus und Romantik: Architektur. Skulptur. Malen. Zeichnung / Hrsg. R. Toman. M., 2000.
Kozhina E.F. Kunst Frankreichs des 18. Jahrhunderts. L., 1971.
LenotrJ. Alltag von Versailles unter den Königen. M., 2003.
Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Kultur der Aufklärung. M., 1996.
Watkin D. Geschichte der westeuropäischen Architektur. M., 1999. Fedotova E.D. Napoleonisches Reich. M., 2008.
Bei der Vorbereitung des Materials wurde der Text des Lehrbuchs „World Artistic Culture. Vom 18. Jahrhundert bis zur Gegenwart“ (Autorin Danilova G. I.).
SEITE \* MERGEFORMAT 2
Bundesamt für Eisenbahnverkehr
Sibirische Staatliche Verkehrsuniversität
Abteilung "Philosophie"
KÜNSTLERISCHE BILDER DER RENAISSANCE
Aufsatz
In der Disziplin "Kulturologie"
Kopf entworfen
Professor Studentin Gr. D-111
Bystrova A. N. ___________ Kamyshova E.V.
(Unterschrift) (Unterschrift)
08.12.2012
(Datum der Prüfung) (Datum der Einreichung zur Prüfung)
Jahr 2012
Einführung
Die Renaissance gilt als eine der hellsten Perioden in der Geschichte der Entwicklung der europäischen Kultur. Wir können sagen, dass die Wiederbelebung eine ganze kulturelle Epoche im Übergangsprozess vom Mittelalter zur neuen Zeit ist, in der ein kultureller Umbruch (ein Wendepunkt, eine Verschiebung) stattfand. Mit der Ausrottung der Mythologie sind grundlegende Veränderungen verbunden.
Trotz der Herkunft des Begriffs Renaissance (fr. Renaissance, „Renaissance“) gab es keine Wiederbelebung der Antike und konnte es auch nicht geben. Der Mensch kann nicht in seine Vergangenheit zurückkehren. Die Renaissance führte Innovationen ein, indem sie die Lehren der Antike nutzte. Er erweckte nicht alle antiken Gattungen wieder zum Leben, sondern nur diejenigen, die für die Bestrebungen seiner Zeit und Kultur charakteristisch waren. Die Renaissance verband eine neue Lektüre der Antike mit einer neuen Lektüre des Christentums.
Die Relevanz des gewählten Themas ergibt sich aus der Verbindung zwischen der Neuzeit und der Renaissance - dies ist vor allem eine Revolution im Wertesystem, in der Bewertung von allem, was existiert, und in Bezug darauf.
Der Hauptzweck der Arbeit besteht darin, die grundlegenden Veränderungen aufzuzeigen, die in der Weltanschauung der größten Persönlichkeiten der betrachteten Epoche stattgefunden haben.
1. Kultur der Renaissance
XIII-XVI Die Jahrhunderte waren eine Zeit großer Veränderungen in Wirtschaft, Politik und Kultur. Das schnelle Wachstum der Städte und die Entwicklung des Handwerks und später der Übergang zur Manufakturproduktion veränderten das Gesicht des mittelalterlichen Europas.
Städte traten in den Vordergrund. Nicht lange zuvor befanden sich die mächtigsten Mächte der mittelalterlichen Welt – das Reich und das Papsttum – in einer tiefen Krise. IN XVI Jahrhunderts wurde das untergehende Heilige Römische Reich Deutscher Nation zum Schauplatz der ersten beiden antifeudalen Revolutionen – des Großen Bauernkriegs in Deutschland und des Niederländischen Aufstands.
Der Übergangscharakter der Epoche, der sich in allen Lebensbereichen vollziehende Prozess der Befreiung von mittelalterlichen Pfaden, gleichzeitig die noch unterentwickelte Entstehung kapitalistischer Verhältnisse, konnten die Charakteristika der künstlerischen Kultur und des ästhetischen Denkens jener Zeit nicht ändern .
Laut A. V. Stepanov gingen alle Veränderungen im gesellschaftlichen Leben mit einer breiten Erneuerung der Kultur einher - dem Aufblühen der Natur- und exakten Wissenschaften, der Literatur Landessprachen, bildende Kunst. Ausgehend von den Städten Italiens eroberte diese Erneuerung dann andere europäische Länder. Der Autor glaubt, dass sich nach dem Aufkommen des Buchdrucks beispiellose Möglichkeiten für die Verbreitung von literarischen und wissenschaftliche Arbeiten, und eine regelmäßigere und engere Kommunikation zwischen den Ländern trugen zur Durchdringung neuer künstlerischer Strömungen bei.
Dies bedeutete nicht, dass das Mittelalter vor neuen Trends zurückwich: Traditionelle Ideen wurden im Massenbewusstsein bewahrt. Die Kirche widersetzte sich neuen Ideen mit einem mittelalterlichen Mittel - der Inquisition. Die Idee der Freiheit der menschlichen Person bestand in einer in Klassen geteilten Gesellschaft fort. Die feudale Form der Abhängigkeit der Bauern verschwand nicht vollständig, und in einigen Ländern (Deutschland, in Zentraleuropa) kam es zur Rückkehr in die Leibeigenschaft. Das feudale System zeigte ziemlich viel Vitalität. Jedes europäische Land hat es auf seine eigene Art und Weise gelebt chronologischer Rahmen. Kapitalismus lange Zeit existierte als Lebensweise, die nur einen Teil der Produktion sowohl in der Stadt als auch auf dem Land abdeckte. Die patriarchale mittelalterliche Langsamkeit begann jedoch in die Vergangenheit zurückzuweichen.
Die großen geografischen Entdeckungen spielten bei diesem Durchbruch eine große Rolle. Zum Beispiel 1492. H. Kolumbus, auf der Suche nach einem Weg nach Indien überquert Atlantischer Ozean und landete vor den Bahamas und entdeckte einen neuen Kontinent - Amerika. 1498 Nachdem der spanische Reisende Vasco da Gama Afrika umrundet hatte, brachte er seine Schiffe erfolgreich an die Küste Indiens. MIT XVI v. Die Europäer dringen in China und Japan vor, von denen sie bisher nur eine vage Vorstellung hatten. Ab 1510 beginnt die Eroberung Amerikas. IN XVIII v. Australien wurde entdeckt. Die Vorstellung von der Form der Erde hat sich geändert: Die Weltreise von F. Magellan bestätigte die Vermutung, dass sie die Form einer Kugel hat.
An die Stelle der Verachtung alles Irdischen tritt nun ein reges Interesse an der realen Welt, am Menschen, am Bewusstsein für die Schönheit und Erhabenheit der Natur, was durch die Analyse der Kulturdenkmäler der Renaissance belegt werden konnte. Der im Mittelalter unbestrittene Primat der Theologie über die Wissenschaft wird durch den Glauben an unbegrenzte Möglichkeiten erschüttert. menschlicher Verstand was zum höchsten Standard der Wahrheit wird. Vertreter der neuen säkularen Intelligenz betonten das Interesse am Menschlichen im Gegensatz zum Göttlichen und nannten sich Humanisten, wobei sie dieses Wort aus dem Begriff „ studia humanitanis “, also das Studium von allem, was mit der menschlichen Natur und seiner geistigen Welt zusammenhängt.
Für die Werke und die Kunst der Renaissance wurde die Vorstellung eines freien Wesens mit unbegrenzten Gestaltungsmöglichkeiten charakteristisch. Es ist mit dem Anthropozentrismus in der Ästhetik der Renaissance und dem Verständnis des Schönen, Erhabenen, Heroischen verbunden. Das Prinzip einer schönen künstlerischen und kreativen menschlichen Persönlichkeit wurde von den Theoretikern der Renaissance mit dem Versuch kombiniert, alle Arten von Proportionen, Symmetrien und Perspektiven mathematisch zu berechnen.
Das ästhetische und künstlerische Denken dieser Zeit basiert erstmals auf der menschlichen Wahrnehmung als solcher und auf einem sinnlich realen Bild der Welt. Auch hier fällt die subjektivistisch-individualistische Lebenslust auf, unabhängig von ihrer religiösen und moralischen Interpretation, obwohl letztere grundsätzlich nicht geleugnet wird. Die Ästhetik der Renaissance konzentriert die Kunst auf die Nachahmung der Natur. Allerdings ist hier in erster Linie weniger die Natur als vielmehr der Künstler, der in seiner schöpferischen Tätigkeit mit Gott verglichen wird.
E. Chamberlin betrachtet die Lust als eines der wichtigsten Prinzipien für die Wahrnehmung von Kunstwerken, weil dies auf eine deutliche demokratische Tendenz gegenüber dem scholastischen „Lernen“ bisheriger ästhetischer Theorien hindeutet.
Das ästhetische Denken der Renaissance beinhaltet nicht nur die Idee der Verabsolutierung des menschlichen Individuums im Gegensatz zur göttlichen Persönlichkeit im Mittelalter, sondern auch ein gewisses Bewusstsein für die Grenzen eines solchen Individualismus, basierend auf der absoluten Selbstbejahung der Einzelne. Daher die Motive der Tragödie, die sich in den Werken von W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo usw. finden.Dies ist die widersprüchliche Natur einer Kultur, die sich von alten mittelalterlichen Absoluten entfernt hat, aber aufgrund historischer Umstände noch keine neuen gefunden hat verlässliche Fundamente.
Die Verbindung von Kunst und Wissenschaft ist eine der Charakteristische Eigenschaften Kultur. Künstler suchten Unterstützung in den Wissenschaften und stimulierten oft ihre Entwicklung. Die Renaissance ist durch das Aufkommen von Künstlern und Wissenschaftlern gekennzeichnet, unter denen Leonardo da Vinci den ersten Platz einnimmt.
Daher ist eine der Aufgaben der Renaissance das Begreifen einer Welt voller göttlicher Schönheit durch den Menschen. Die Welt zieht einen Menschen an, weil er von Gott vergeistigt ist. Aber in der Renaissance gab es einen anderen Trend, nämlich das Gefühl einer Person für die Tragödie ihrer Existenz.
2. Das Welt- und Menschenbild in den Werken großer Meister Renaissance
Der Begriff „Renaissance“ (eine Übersetzung des französischen Begriffs „Renaissance“) weist auf eine Verbindung hin neue Kultur mit der Antike. Durch die Bekanntschaft mit dem Osten, insbesondere mit Byzanz, während der Kreuzzüge, lernten die Europäer alte humanistische Manuskripte, verschiedene Denkmäler antiker bildender Kunst und Architektur kennen. Alle diese Antiquitäten wurden teilweise nach Italien transportiert, wo sie gesammelt und untersucht wurden. Aber auch in Italien selbst gab es viele antike römische Denkmäler, die auch von Vertretern der italienischen städtischen Intelligenzia sorgfältig untersucht wurden. In der italienischen Gesellschaft entstand ein tiefes Interesse an den klassischen alten Sprachen, der antiken Philosophie, Geschichte und Literatur. Die Stadt Florenz spielte in dieser Bewegung eine besonders wichtige Rolle. Eine Reihe herausragender Persönlichkeiten der neuen Kultur kamen aus Florenz.
Ausgehend von der antiken Ideologie, die einst im wirtschaftlichen Sinne lebendigste Städte der Antike geschaffen hatte, überarbeitete das neue Bürgertum sie auf seine Weise und formulierte sein neues Weltbild, das dem zuvor vorherrschenden Weltbild des Feudalismus scharf entgegengesetzt war. Der zweite Name des Neuen Italienische Kultur- Humanismus beweist es nur.
Die humanistische Kultur stellte den Menschen selbst (humanus - human) ins Zentrum ihrer Aufmerksamkeit und nicht das Göttliche, Jenseitige, wie es in der mittelalterlichen Ideologie der Fall war. Askese hatte im humanistischen Weltbild keinen Platz mehr. Der menschliche Körper, seine Leidenschaften und Bedürfnisse wurden nicht als etwas „Sündhaftes“ gesehen, das es zu unterdrücken oder zu quälen galt, sondern als Selbstzweck, als das Wichtigste im Leben. Die irdische Existenz wurde als die einzig wahre erkannt. Die Erkenntnis der Natur und des Menschen wurde zum Wesen der Wissenschaft erklärt. Im Gegensatz zu den pessimistischen Motiven, die das Weltbild der mittelalterlichen Scholastiker und Mystiker beherrschten, überwogen in der Weltanschauung und Stimmung der Menschen der Renaissance optimistische Motive; sie waren geprägt vom Glauben an den Menschen, an die Zukunft der Menschheit, an den Triumph der menschlichen Vernunft und Aufklärung. Eine Konstellation bedeutender Dichter und Schriftsteller, Gelehrter und Künstler aller Art nahm an dieser großen neuen intellektuellen Bewegung teil. Der Ruhm Italiens wurde von so wunderbaren Künstlern gebracht: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raffael, Tizian.
Die unbestrittene Leistung der Renaissance war der geometrisch korrekte Aufbau des Bildes. Der Künstler baute das Bild mit den von ihm entwickelten Techniken. Die Hauptsache für Maler dieser Zeit war es, die Proportionen von Objekten zu beobachten. Sogar die Natur verfiel mathematischen Tricks.
Mit anderen Worten, Künstler der Renaissance versuchten beispielsweise, ein genaues Bild einer Person vor dem Hintergrund der Natur zu vermitteln. Im Vergleich zu modernen Methoden, ein gesehenes Bild auf einer Art Leinwand nachzubilden, hilft ein Foto mit anschließender Anpassung höchstwahrscheinlich zu verstehen, wonach die Künstler der Renaissance strebten.
Renaissance-Maler glaubten, dass sie das Recht hätten, die Fehler der Natur zu korrigieren, das heißt, wenn eine Person hässliche Gesichtszüge hatte, korrigierten die Künstler sie so, dass das Gesicht süß und attraktiv wurde.
Mit der Darstellung biblischer Szenen versuchten Renaissance-Künstler deutlich zu machen, dass die irdischen Manifestationen eines Menschen klarer dargestellt werden können, wenn gleichzeitig biblische Geschichten verwendet werden. Sie können verstehen, was der Fall, die Versuchung, die Hölle oder der Himmel ist, wenn Sie sich mit der Arbeit der Künstler dieser Zeit vertraut machen. Dasselbe Bild der Madonna vermittelt uns die Schönheit einer Frau und vermittelt auch ein Verständnis von irdischer menschlicher Liebe.
So waren in der Kunst der Renaissance die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten. Seine Erkenntnisbedeutung war untrennbar mit erhabener poetischer Schönheit verbunden, in seinem Streben nach Natürlichkeit verfiel er nicht in den kleinlichen Alltag. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.
Abschluss
Die Renaissance oder die Renaissance ist also eine Ära im Leben der Menschheit, die durch einen kolossalen Aufstieg in Kunst und Wissenschaft gekennzeichnet ist. Die Renaissance proklamierte den Menschen zum höchsten Wert des Lebens.
In Kunst Hauptthema wurde ein Mann mit unbegrenzten spirituellen und kreativen Möglichkeiten.Die Kunst der Renaissance legte den Grundstein für die europäische Kultur des Neuen Zeitalters und veränderte alle Hauptarten der Kunst radikal.
In der Architektur haben sich neue Typen von öffentlichen Gebäuden entwickelt.Die Malerei wurde mit einer linearen und luftigen Perspektive, Kenntnissen der Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers bereichert.Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Verstärktes Interesse an antiker Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaften, Porträts. Ein Bild erschien, Ölgemälde entstand. Die schöpferische Individualität des Künstlers nahm in der Kunst den ersten Platz ein.
In der Kunst der Renaissance waren die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten.Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.
Die Renaissance ist zweifellos eine der schönsten Epochen der Menschheitsgeschichte.
REFERENZLISTE
- Kustodieva T.K. ITALIENISCHE KUNST DER RENAISSANCE DES XIII-XVI JAHRHUNDERTS (ESSAY-GUIDE) / Т.К. KUSTODIEVA, KUNST, 1985. 318 P.
- BILDER VON LIEBE UND SCHÖNHEIT IN DER KULTUR DER RENAISSANCE / L.M. BRAGINA, M., 2008. 309 S.
- Stepanow A.V. KUNST DER RENAISSANCE. ITALIEN XIV-XV JAHRHUNDERT / A.V. STEPANOV, M., 2007. 610 S.
- Stepanow A.V. KUNST DER RENAISSANCE. NIEDERLANDE, DEUTSCHLAND, FRANKREICH, SPANIEN, ENGLAND / A.V. STEPANOV, AZBUKA-KLASSIKER, 2009. 640 S.
- CHAMBERLIN E. DAS ZEITALTER DER RENAISSANCE. LEBEN, RELIGION, KULTUR / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 S.
Sergej Chromow
Obwohl keine einzige ideale Stadt in Stein verkörpert war, fanden ihre Ideen Leben in echte Städte Renaissance...
Fünf Jahrhunderte trennen uns von der Zeit, als sich Architekten erstmals mit Fragen des Wiederaufbaus der Stadt befassten. Und dieselben Fragen beschäftigen uns heute: Wie entstehen neue Städte? Wie baut man die alten wieder auf - um einzelne Ensembles darin unterzubringen oder alles abzureißen und neu aufzubauen? Und vor allem - welche Idee, in einer neuen Stadt zu liegen?
Die Meister der Renaissance verkörperten jene Ideen, die bereits hereinklangen antike Kultur und Philosophie: Ideen des Humanismus, Harmonie von Natur und Mensch. Man wendet sich wieder Platons Traum von einem idealen Staat und einer idealen Stadt zu. Das neue Bild der Stadt entsteht zunächst als Bild, als Formel, als Idee, die – wie viele andere Erfindungen des italienischen Quattrocento – ein mutiger Anspruch an die Zukunft ist.
Der Aufbau der Theorie der Stadt war eng verbunden mit dem Studium des antiken Erbes und vor allem der gesamten Abhandlung „Zehn Bücher über Architektur“ von Markus Vitruv (zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts v. Chr.), einem Architekten und Ingenieur in der Armee von Julius Cäsar. Diese Abhandlung wurde 1427 in einer der Abteien entdeckt. Die Autorität von Vitruv wurde von Alberti, Palladio, Vasari betont. Der größte Kenner von Vitruv war Daniele Barbaro, der 1565 seine Abhandlung mit seinen Kommentaren veröffentlichte. In einem Kaiser Augustus gewidmeten Werk fasste Vitruv die Erfahrungen von Architektur und Stadtplanung in Griechenland und Rom zusammen. Er überlegte das schon klassische Fragen Auswahl eines günstigen Gebiets für die Gründung der Stadt, Lage der Hauptplätze und Straßen der Stadt, Typologie der Gebäude. Aus ästhetischer Sicht riet Vitruv zur Einhaltung der Ordination (Befolgung architektonischer Anweisungen), vernünftiger Planung, Beachtung der Einheitlichkeit von Rhythmus und Ordnung, Symmetrie und Proportionalität, Übereinstimmung der Form mit dem Zweck und Verteilung der Ressourcen. |
Im Städtebau der Renaissance entwickeln sich Theorie und Praxis parallel. Es werden neue Gebäude gebaut und alte umgebaut, architektonische Ensembles gebildet und gleichzeitig Abhandlungen geschrieben, der Architektur gewidmet, Planung und Befestigung von Städten. Unter ihnen sind die berühmten Werke von Alberti und Palladio, Schemata der idealen Städte von Filarete, Scamozzi und anderen. Die Idee der Autoren ist den Bedürfnissen des praktischen Bauens weit voraus: Sie beschreiben keine fertigen Projekte, mit denen sich eine bestimmte Stadt planen lässt, sondern eine grafisch dargestellte Idee, das Konzept einer Stadt. Es werden Überlegungen zur Lage der Stadt unter wirtschaftlichen, hygienischen, Verteidigungs- und ästhetischen Gesichtspunkten angestellt. Gesucht wird nach optimalen Plänen für Wohngebiete und urbane Zentren, Gärten und Parks. Fragen der Komposition, Harmonie, Schönheit, Proportionen werden untersucht. In diesen Idealkonstruktionen zeichnet sich die Planung der Stadt durch Rationalismus, geometrische Klarheit, zentrische Komposition und Harmonie zwischen dem Ganzen und den Teilen aus. Was schließlich die Architektur der Renaissance von anderen Epochen unterscheidet, ist der Mensch, der im Mittelpunkt all dieser Konstruktionen steht. Die Aufmerksamkeit für die menschliche Person war sogar so groß architektonische Strukturen wurden mit dem menschlichen Körper als Maßstab für perfekte Proportionen und Schönheit verglichen.
Theorie
In den 50er Jahren des 15. Jahrhunderts. Die Abhandlung „Zehn Bücher über Architektur“ von Leon Alberti erscheint. Es war im Wesentlichen die erste theoretische Arbeit der neuen Ära zu diesem Thema. Es befasst sich mit vielen Fragen der Stadtplanung, von der Standortwahl über die Stadtplanung bis hin zu Gebäudetypologie und Ausstattung. Von besonderem Interesse sind seine Argumente zur Schönheit. Alberti schrieb, dass "Schönheit eine streng proportionale Harmonie aller Teile ist, vereint durch das, wozu sie gehören - so dass nichts hinzugefügt, weggenommen oder verändert werden kann, ohne es zu verschlimmern." Tatsächlich war Alberti der Erste, der die Grundprinzipien des urbanen Ensembles der Renaissance verkündete und den antiken Sinn für Proportionen mit dem rationalistischen Beginn einer neuen Ära verband. Das gegebene Verhältnis der Höhe des Gebäudes zum davor befindlichen Raum (von 1:3 bis 1:6), die Konsistenz der architektonischen Maßstäbe der Haupt- und Nebengebäude, die Ausgewogenheit der Komposition und das Fehlen von dissonante Kontraste - das sind die ästhetischen Prinzipien der Städteplaner der Renaissance.
Die ideale Stadt begeisterte viele große Menschen der damaligen Zeit. Dachte an ihn und Leonardo da Vinci. Seine Idee war es, eine Stadt mit zwei Ebenen zu schaffen: Die obere Ebene war für Fußgänger- und Oberflächenstraßen vorgesehen, und die untere für Tunnel und Kanäle, die mit den Kellern von Häusern verbunden sind, durch die sich der Güterverkehr bewegt. Bekannt für seine Pläne zum Wiederaufbau von Mailand und Florenz sowie dem Projekt einer Spindelstadt.
Ein weiterer prominenter Stadttheoretiker war Andrea Palladio. In seiner Abhandlung „Four Books on Architecture“ reflektiert er die Integrität des urbanen Organismus und die Beziehung seiner räumlichen Elemente. Er sagt: „Die Stadt ist nichts als eine Gewissheit großes Haus, und umgekehrt, das Haus ist eine Art Kleinstadt. Über das städtische Ensemble schreibt er: „Schönheit ist das Ergebnis einer schönen Form und der Entsprechung des Ganzen zu den Teilen, der Teile zueinander und auch der Teile zum Ganzen.“ Einen herausragenden Platz in der Abhandlung nimmt das Innere von Gebäuden, ihre Dimensionen und Proportionen ein. Palladio versucht, den Außenraum der Straßen mit dem Inneren von Häusern und Höfen organisch zu verbinden.
Gegen Ende des 16. Jahrhunderts. Viele Theoretiker wurden von den Themen Einzelhandelsflächen und Befestigungen angezogen. So widmet Giorgio Vasari Jr. in seiner idealen Stadt der Entwicklung von Plätzen, Einkaufspassagen, Loggien und Palästen große Aufmerksamkeit. Und in den Projekten von Vicenzo Scamozzi und Buanayuto Lorrini nehmen Fragen der Festungskunst einen bedeutenden Platz ein. Dies war eine Reaktion auf die Ordnung der Zeit - mit der Erfindung von Sprenggranaten wurden die Festungsmauern und Türme durch Erdbastionen ersetzt, aus den Stadtgrenzen entfernt, und die Stadt begann, in ihren Umrissen einem vielstrahligen Stern zu ähneln . Diese Ideen wurden in der tatsächlich gebauten Festung von Palmanova verkörpert, deren Errichtung Scamozzi zugeschrieben wird.
Üben
Obwohl mit Ausnahme kleiner Festungsstädte keine einzige ideale Stadt in Stein gemeißelt wurde, wurden viele ihrer Konstruktionsprinzipien bereits im 16. Jahrhundert in die Realität umgesetzt. Zu dieser Zeit wurden in Italien und anderen Ländern gerade breite Straßen angelegt, die wichtige Elemente des städtischen Ensembles verbanden, neue Plätze wurden geschaffen, alte umgebaut, und später entstanden Parks und Palastensembles mit regelmäßiger Struktur.
| Ideale Stadt von Antonio Filarete Die Stadt war im Grundriss ein achteckiger Stern, der durch die Kreuzung zweier gleicher Quadrate mit einer Seite von 3,5 km in einem Winkel von 45 ° gebildet wurde. In den Vorsprüngen des Sterns befanden sich acht runde Türme und in den "Taschen" - acht Stadttore. Die Tore und Türme waren durch radiale Straßen, von denen einige Schifffahrtskanäle waren, mit dem Zentrum verbunden. Im zentralen Teil der Stadt, auf einem Hügel, befand sich der Hauptplatz mit rechteckigem Grundriss, an dessen kurzen Seiten sich ein Platz befinden sollte fürstlicher Palast und die Stadtkathedrale und entlang der langen - Justiz- und Stadtinstitutionen. In der Mitte des Platzes befanden sich ein Teich und ein Wachturm. Zwei weitere grenzten an den Hauptplatz mit den Häusern der bedeutendsten Einwohner der Stadt. An der Kreuzung der Radialstraßen mit der Ringstraße befanden sich sechzehn weitere Plätze: acht Einkaufs- und acht für Gemeindezentren und Kirchen. |
Trotz der Tatsache, dass die Kunst der Renaissance der Kunst des Mittelalters ausreichend entgegengesetzt war, fügte sie sich leicht und organisch in mittelalterliche Städte ein. In seinem praktische Tätigkeiten Renaissance-Architekten verwendeten das Prinzip „Neues bauen, ohne Altes zu zerstören“. Es gelang ihnen, überraschend harmonische Ensembles zu schaffen, nicht nur aus Gebäuden des gleichen Stils, wie auf den Plätzen von Annuziata in Florenz (entworfen von Filippo Brunelleschi) und dem Kapitol in Rom (entworfen von Michelangelo), sondern auch Gebäude aus zu kombinieren verschiedene Zeiten in einer Komposition. Also auf dem Platz von St. Markus in Venedig verbinden sich mittelalterliche Bauten zu einem architektonischen und räumlichen Ensemble mit Neubauten des 16. Jahrhunderts. Und in Florenz, von der Piazza della Signoria mit dem mittelalterlichen Palazzo Vecchio, schließt sich harmonisch die von Giorgio Vasari entworfene Uffizien-Straße an. Darüber hinaus vereint das Ensemble der Florentiner Kathedrale Santa Maria del Fiore (Rekonstruktion von Brunelleschi) auf perfekte Weise drei Baustile gleichzeitig: Romanik, Gotik und Renaissance.
Die Stadt des Mittelalters und die Stadt der Renaissance
Die Idealstadt der Renaissance erschien als eine Art Protest gegen das Mittelalter, ausgedrückt in der Entwicklung antiker städtebaulicher Prinzipien. Anders als die mittelalterliche Stadt, die als freundliches, wenn auch unvollkommenes Ebenbild des „himmlischen Jerusalems“ wahrgenommen wurde, der Verkörperung nicht eines menschlichen, sondern eines göttlichen Plans, wurde die Stadt der Renaissance von einem menschlichen Schöpfer geschaffen. Der Mensch kopierte nicht einfach das, was bereits existierte, er schuf etwas Perfekteres und tat es in Übereinstimmung mit der "göttlichen Mathematik". Die Stadt der Renaissance wurde für den Menschen geschaffen und musste der irdischen Weltordnung, ihrer realen sozialen, politischen und alltäglichen Struktur entsprechen.
Die mittelalterliche Stadt ist von mächtigen Mauern umgeben, von der Welt abgeschottet, ihre Häuser gleichen eher Festungen mit ein paar Schießscharten. Die Stadt der Renaissance ist offen, sie verteidigt sich nicht gegen die Außenwelt, sie kontrolliert sie, unterwirft sie. Die Mauern von Gebäuden, die begrenzen, vereinen die Räume von Straßen und Plätzen mit Höfen und Räumen. Sie sind durchlässig - sie haben viele Öffnungen, Arkaden, Kolonnaden, Zufahrten, Fenster.
Wenn die mittelalterliche Stadt die Platzierung architektonischer Volumen ist, dann ist die Stadt der Renaissance in größerem Maße die Verteilung architektonischer Räume. Zentrum der Neustadt ist nicht der Dombau oder das Rathaus, sondern der nach oben und zu den Seiten hin offene Freiraum des Hauptplatzes. Sie betreten das Gebäude und verlassen es auf der Straße und dem Platz. Und wenn die mittelalterliche Stadt kompositorisch in ihr Zentrum gezogen wird – sie ist zentripetal, dann ist die Stadt der Renaissance zentrifugal – sie ist nach außen gerichtet.
| Platons ideale Stadt Im Plan war der zentrale Teil der Stadt eine Abwechslung von Wasser- und Erdringen. Der äußere Wasserring war durch einen 50 Stadien langen Kanal (1 Stadien - ca. 193 m) mit dem Meer verbunden. Die Erdringe, die die Wasserringe trennten, hatten unterirdische Kanäle in der Nähe der Brücken, die für die Durchfahrt von Schiffen geeignet waren. Der größte Wasserring im Umfang war drei Stadien breit, ebenso wie der irdene, der ihm folgte; die nächsten beiden Ringe, Wasser und Erde, waren zwei Stadien breit; Schließlich war der Wasserring, der die Insel in der Mitte umgab, ein Stadien breit. |
Die mittelalterliche Stadt folgt der natürlichen Landschaft und nutzt sie für ihre eigenen Zwecke. Die Stadt der Renaissance ist eher ein Kunstwerk, ein „Geometriespiel“. Der Architekt modifiziert das Gelände, indem er ihm ein geometrisches Raster aus gezeichneten Räumen überlagert. Eine solche Stadt hat eine klare Form: ein Kreis, ein Quadrat, ein Achteck, ein Stern; sogar die Flüsse werden darin begradigt.
Die mittelalterliche Stadt ist vertikal. Hier ist alles nach oben gerichtet, zum Himmel – fern und unzugänglich. Die Stadt der Renaissance ist horizontal, hier geht es vor allem um die Perspektive, das Streben in die Ferne, zu neuen Horizonten. Für einen mittelalterlichen Menschen ist der Weg zum Himmel ein Aufstieg, der durch Buße und Demut, Verzicht auf alles Irdische erreicht werden kann. Für die Menschen der Renaissance ist dies ein Aufstieg durch das Sammeln eigener Erfahrungen und das Verstehen der göttlichen Gesetze.
Der Traum von einer idealen Stadt beflügelte die kreative Suche vieler Architekten nicht nur der Renaissance, sondern auch späterer Zeiten, er führte und erleuchtete den Weg zu Harmonie und Schönheit. Die ideale Stadt existiert immer innerhalb der realen Stadt, so verschieden von ihr wie die Welt des Denkens von der Welt der Tatsachen, wie die Welt der Vorstellung von der Welt der Fantasie. Und wenn Sie träumen können wie die Meister der Renaissance, dann können Sie diese Stadt sehen – die Stadt der Sonne, die Stadt des Goldes.
Der Originalartikel befindet sich auf der Seite des Magazins "New Acropolis".
Zu Beginn des 15. Jahrhunderts kam es in Italien zu großen Veränderungen im Leben und in der Kultur. Seit dem 12. Jahrhundert haben die Bürger, Kaufleute und Handwerker Italiens einen heldenhaften Kampf gegen die feudale Abhängigkeit geführt. Durch die Entwicklung von Handel und Produktion wurden die Städter allmählich reicher, warfen die Macht der Feudalherren ab und organisierten freie Stadtstaaten. Diese kostenlos Italienische Städte wurde sehr mächtig. Ihre Bürger waren stolz auf ihre Eroberungen. Der enorme Reichtum der unabhängigen italienischen Städte ließ sie aufblühen. Die italienische Bourgeoisie sah die Welt mit anderen Augen an, sie glaubte fest an sich, an ihre eigene Stärke. Die Leidenslust, die Demut, die Ablehnung aller irdischen Freuden, die ihnen bisher gepredigt wurden, waren ihnen fremd. Der Respekt vor dem irdischen Menschen, der die Freuden des Lebens genießt, wuchs. Die Menschen begannen, eine aktive Lebenseinstellung einzunehmen, die Welt eifrig zu erkunden und ihre Schönheit zu bewundern. In dieser Zeit werden verschiedene Wissenschaften geboren, Kunst entwickelt sich.
In Italien sind viele Denkmäler der Kunst des antiken Roms erhalten geblieben, so dass die Antike wieder als Vorbild verehrt wurde, die antike Kunst zum Objekt der Bewunderung wurde. Nachahmung der Antike und gab Anlass, diese Zeit in der Kunst zu nennen - Wiedergeburt was auf französisch bedeutet "Renaissance". Natürlich war dies keine blinde, exakte Wiederholung. Antike Kunst, es war bereits eine neue Kunst, aber basierend auf antiken Mustern. Italienische Renaissance unterteilt in 3 Etappen: VIII - XIV Jahrhunderte - Vorrenaissance (Proto-Renaissance oder Trecento- damit.); XV Jahrhundert - Frührenaissance (Quattrocento); spätes 15. - frühes 16. Jahrhundert - Hochrenaissance.
Archäologische Ausgrabungen wurden in ganz Italien durchgeführt, um nach antiken Denkmälern zu suchen. Die neu entdeckten Statuen, Münzen, Utensilien, Waffen wurden sorgfältig aufbewahrt und in eigens dafür geschaffenen Museen gesammelt. Künstler studierten diese antiken Muster, zeichneten sie aus dem Leben.
Trecento (Vorrenaissance)
Der wahre Beginn der Renaissance ist mit dem Namen verbunden Giotto di Bondone (1266? - 1337). Er gilt als Begründer der Renaissancemalerei. Der Florentiner Giotto hat große Beiträge zur Kunstgeschichte geleistet. Er war der Erneuerer, der Vorfahr aller Europäische Malerei nach dem Mittelalter. Giotto hauchte den Gospelszenen Leben ein, erschuf Bilder realer Menschen, vergeistigt, aber irdisch.
Giotto schafft erstmals Volumen mit Hilfe von Hell-Dunkel. Er mag klare, helle Farben in kalten Tönen: Rosa, Perlgrau, helles Purpur und helles Flieder. Die Menschen auf den Fresken von Giotto sind stämmig, mit schwerem Schritt. Sie haben große Gesichtszüge, breite Wangenknochen und schmale Augen. Sein Mann ist freundlich, rücksichtsvoll, ernst.
Von den Werken Giottos sind die Fresken in den Tempeln von Padua am besten erhalten. Geschichten aus dem Evangelium er stellte sich hier als existent, irdisch, wirklich vor. Darin erzählt er von den Problemen, die Menschen zu allen Zeiten beschäftigen: von Freundlichkeit und gegenseitigem Verständnis, Betrug und Verrat, von Tiefe, Trauer, Sanftmut, Demut und ewiger, alles verzehrender Mutterliebe.
Anstelle disparater Einzelfiguren, wie in der mittelalterlichen Malerei, gelang es Giotto zu schaffen zusammenhängende Geschichte, eine ganze Geschichte über den Komplex Innenleben Helden. Anstelle eines herkömmlichen goldenen Hintergrunds Byzantinische Mosaiken, führt Giotto einen Landschaftshintergrund ein. Und wenn in der byzantinischen Malerei die Figuren gleichsam im Raum schwebten, hingen, dann fanden die Helden der Fresken Giottos festen Boden unter den Füßen. Giottos Suche nach der Übertragung von Raum, der Plastizität von Figuren, der Ausdruckskraft von Bewegung machte seine Kunst zu einer ganzen Bühne in der Renaissance.
Ein von berühmte Meister vor der Wiederbelebung -
Simone Martini (1284-1344).
In seiner Malerei wurden die Merkmale der nordischen Gotik bewahrt: Martinis Figuren sind länglich und in der Regel auf goldenem Hintergrund. Aber Martini schafft Bilder mit Hilfe von Hell-Dunkel, gibt ihnen eine natürliche Bewegung, versucht, einen bestimmten psychischen Zustand zu vermitteln.
Quattrocento (frühe Renaissance)
Die Antike spielte eine große Rolle bei der Bildung der weltlichen Kultur der Frührenaissance. Die Platonische Akademie wird in Florenz eröffnet, die Laurentianische Bibliothek enthält die reichste Sammlung antiker Manuskripte. Der erste Kunstmuseen gefüllt mit Statuen, Fragmenten antiker Architektur, Marmor, Münzen, Keramik. In der Renaissance ragten die Hauptzentren des künstlerischen Lebens Italiens heraus - Florenz, Rom, Venedig.
Eines der größten Zentren, der Geburtsort einer neuen, realistischen Kunst, war Florenz. Im 15. Jahrhundert lebten, studierten und arbeiteten hier viele berühmte Meister der Renaissance.
Architektur der Frührenaissance
Die Einwohner von Florenz hatten ein Hoch künstlerische Kultur Sie beteiligten sich aktiv an der Schaffung von Stadtdenkmälern und diskutierten Optionen für den Bau schöner Gebäude. Die Architekten gaben alles auf, was der Gotik ähnelte. Unter dem Einfluss der Antike galten mit einer Kuppel gekrönte Gebäude als die vollkommensten. Vorbild war hier das römische Pantheon.
Florenz ist eine der schönsten Städte der Welt, ein Stadtmuseum. Es hat seine Architektur aus der Antike fast unversehrt bewahrt, seine schönsten Gebäude stammen größtenteils aus der Renaissance. Über den roten Backsteindächern der alten Gebäude von Florenz erhebt sich das riesige Gebäude der Kathedrale der Stadt Santa Maria del Fiore, die oft einfach als Kathedrale von Florenz bezeichnet wird. Seine Höhe erreicht 107 Meter. Eine prächtige Kuppel, deren Harmonie durch weiße Steinrippen betont wird, krönt die Kathedrale. Die Kuppel hat eine auffällige Größe (ihr Durchmesser beträgt 43 m), sie krönt das gesamte Panorama der Stadt. Die Kathedrale ist von fast jeder Straße in Florenz aus sichtbar und ragt deutlich in den Himmel. Dieses prächtige Bauwerk wurde vom Architekten erbaut
Filippo Brunelleschi (1377-1446).
Der prächtigste und berühmteste Kuppelbau der Renaissance war Petersdom in Rom. Es wurde über 100 Jahre gebaut. Die Schöpfer des ursprünglichen Projekts waren Architekten Bramante und Michelangelo.
Renaissancegebäude sind mit Säulen, Pilastern, Löwenköpfen und verziert "Putten"(nackte Babys), Gipskränze aus Blumen und Früchten, Blättern und vielen Details, von denen Proben in den Ruinen antiker römischer Gebäude gefunden wurden. Wieder in Mode halbrunder Bogen. Wohlhabende Menschen begannen, schönere und komfortablere Häuser zu bauen. Statt dicht aneinander gedrängte Häuser wirkten luxuriös Paläste - Palazzo.
Skulptur der Frührenaissance
Im 15. Jahrhundert wirkten in Florenz zwei berühmte Bildhauer - Donatello und Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- einer der ersten Bildhauer Italiens, der die Erfahrung der antiken Kunst nutzte. Er schuf eines der schönsten Werke der Frührenaissance – die David-Statue.
Entsprechend biblische Legende, ein einfacher Hirte, besiegte der junge Mann David den Riesen Goliath, rettete damit die Einwohner von Judäa vor der Versklavung und wurde später König. David war eines der beliebtesten Bilder der Renaissance. Er wird vom Bildhauer nicht als demütiger Heiliger aus der Bibel dargestellt, sondern als junger Held, Sieger, Verteidiger seiner Heimatstadt. In seiner Skulptur besingt Donatello den Menschen als das Ideal einer schönen Heldenpersönlichkeit, die in der Renaissance entstand. David wird mit dem Lorbeerkranz des Siegers gekrönt. Donatello hatte keine Angst, ein Detail wie einen Hirtenhut einzuführen - ein Zeichen seiner einfachen Herkunft. Im Mittelalter verbot die Kirche die Darstellung eines nackten Körpers, da sie ihn als Gefäß des Bösen betrachtete. Donatello war der erste Meister, der dieses Verbot mutig gebrochen hat. Er behauptet damit das menschlicher Körper Wunderbar. Die Statue von David ist die erste runde Skulptur in dieser Zeit.
Es ist auch eine andere schöne Skulptur von Donatello bekannt - eine Kriegerstatue , Kommandant von Gattamelata. Es war das erste Reiterdenkmal der Renaissance. Dieses vor 500 Jahren geschaffene Denkmal steht noch immer auf einem hohen Sockel und schmückt den Platz in der Stadt Padua. Zum ersten Mal wurde kein Gott, kein Heiliger, kein edler und reicher Mann in der Skulptur verewigt, sondern ein edler, mutiger und beeindruckender Krieger mit einer großen Seele, der Ruhm für große Taten verdiente. Gekleidet in eine antike Rüstung sitzt Gattemelata (dies ist sein Spitzname und bedeutet „gefleckte Katze“) in einer ruhigen, majestätischen Pose auf einem mächtigen Pferd. Die Gesichtszüge des Kriegers betonen einen entschlossenen, festen Charakter.
Andrea Verrocchio (1436 -1488)
Der berühmteste Schüler von Donatello, der das berühmte Reiterdenkmal für den Condottiere Colleoni schuf, das in Venedig auf dem Platz in der Nähe der Kirche San Giovanni aufgestellt wurde. Das Hauptmerkmal des Denkmals ist die gemeinsame energische Bewegung von Pferd und Reiter. Das Pferd eilt sozusagen über den Marmorsockel hinaus, auf dem das Denkmal errichtet ist. Colleoni, in den Steigbügeln stehend, ausgestreckt, den Kopf hoch erhoben, späht in die Ferne. Eine Grimasse aus Wut und Anspannung erstarrte auf seinem Gesicht. In seiner Haltung spürt man einen großen Willen, sein Gesicht gleicht einem Raubvogel. Das Bild ist erfüllt von unzerstörbarer Kraft, Energie und rauer Autorität.
Malerei der Frührenaissance
Die Renaissance aktualisierte auch die Kunst der Malerei. Maler haben gelernt, Raum, Licht und Schatten, natürliche Posen, verschiedene menschliche Gefühle richtig zu vermitteln. Es war die frühe Renaissance, die die Zeit der Anhäufung dieses Wissens und dieser Fähigkeiten war. Die Gemälde dieser Zeit sind von Licht und Lebensfreude durchdrungen. Der Hintergrund ist oft in hellen Farben gemalt, während Gebäude und Naturmotive mit scharfen Linien umrandet werden, dominieren reine Farben. Mit naiver Sorgfalt werden alle Details des Geschehens dargestellt, die Figuren meist aneinandergereiht und durch klare Konturen vom Hintergrund getrennt.
Die Malerei der Frührenaissance strebte nur nach Perfektion, berührt jedoch dank ihrer Aufrichtigkeit die Seele des Betrachters.
Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, bekannt unter dem Namen Masaccio (1401 - 1428)
Er gilt als Nachfolger Giottos und als erster Meister der Malerei der Frührenaissance. Masaccio lebte nur 28 Jahre, aber in einem so kurzen Leben hinterließ er einen kaum zu überschätzenden Eindruck in der Kunst. Es gelang ihm, die von Giotto begonnenen revolutionären Veränderungen in der Malerei zu vollenden. Seine Malerei zeichnet sich durch eine dunkle und tiefe Farbe aus. Die Menschen in den Fresken von Masaccio sind viel dichter und mächtiger als in den Gemälden der Gotik.
Masaccio war der erste, der Objekte im Raum unter Berücksichtigung der Perspektive korrekt anordnete; Er begann, Menschen nach den Gesetzen der Anatomie darzustellen.
Er verstand es, Figuren und Landschaft zu einer einzigen Handlung zu verbinden, das Leben der Natur und der Menschen auf dramatische und zugleich ganz natürliche Weise zu vermitteln – und das ist das große Verdienst des Malers.
Dies ist eine der wenigen Staffeleiarbeiten, die Masaccio 1426 für die Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Pisa in Auftrag gab.
Die Madonna sitzt auf einem Thron, der streng nach den Gesetzen der Giotto-Perspektive gebaut wurde. Ihre Figur ist mit selbstbewussten und klaren Strichen geschrieben, was den Eindruck eines skulpturalen Volumens erweckt. Ihr Gesicht ist ruhig und traurig, ihr distanzierter Blick ist nirgendwo hin gerichtet. In einen dunkelblauen Mantel gehüllt, hält die Jungfrau Maria das Kind in ihren Armen, dessen goldene Gestalt sich scharf von einem dunklen Hintergrund abhebt. Die tiefen Falten des Umhangs ermöglichen dem Künstler ein Hell-Dunkel-Spiel, das auch optisch einen besonderen Effekt erzeugt. Das Baby isst schwarze Trauben - ein Symbol der Gemeinschaft. Makellos gezeichnete Engel (der Künstler kannte die menschliche Anatomie perfekt) rund um die Madonna geben dem Bild einen zusätzlichen emotionalen Klang.
Die einzige von Masaccio gemalte Schärpe für ein doppelseitiges Triptychon. Nach dem frühen Tod des Malers wurde der Rest des von Papst Martin V. für die Kirche Santa Maria in Rom in Auftrag gegebenen Werks vom Künstler Masolino vollendet. Es zeigt zwei strenge, monumental ausgeführte, ganz in Rot gekleidete Heiligenfiguren. Hieronymus hält ein aufgeschlagenes Buch und ein Modell der Basilika, zu seinen Füßen liegt ein Löwe. Johannes der Täufer ist in seiner üblichen Gestalt dargestellt: Er ist barfuß und hält ein Kreuz in der Hand. Beide Figuren bestechen durch anatomische Präzision und ein fast skulpturales Volumengefühl.
Das Interesse an einem Menschen, die Bewunderung für seine Schönheit waren in der Renaissance so groß, dass daraus ein neues Genre in der Malerei entstand – das Genre des Porträts.
Pinturicchio (Variante von Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)
Ein Eingeborener von Perugia in Italien. Eine Zeit lang malte er Miniaturen, half Pietro Perugino, die Sixtinische Kapelle in Rom mit Fresken zu schmücken. Erfahrung in der komplexesten Form der dekorativen und monumentalen Wandmalerei. Einige Jahre später wurde Pinturicchio ein unabhängiger Wandmaler. Er arbeitete an Fresken in den Borgia-Appartements im Vatikan. Er fertigte Wandmalereien in der Bibliothek der Kathedrale in Siena an.
Der Künstler vermittelt nicht nur eine Porträtähnlichkeit, sondern versucht, den inneren Zustand einer Person zu enthüllen. Vor uns steht ein Teenager im strengen Kleid eines Großstädters. Pinke Farbe, auf dem Kopf eine kleine blaue Kappe. Braunes Haar fällt auf die Schultern und umrahmt ein zartes Gesicht, der aufmerksame Blick brauner Augen ist nachdenklich, ein wenig ängstlich. Hinter dem Jungen ist eine umbrische Landschaft mit dünnen Bäumen, einem silbrigen Fluss, einem Himmel, der sich am Horizont rosa färbt. Die Frühlingszärtlichkeit der Natur als Echo des Charakters des Helden steht im Einklang mit der Poesie und dem Charme des Helden.
Das Bild des Jungen ist im Vordergrund groß und nimmt fast die gesamte Bildfläche ein, und die Landschaft ist im Hintergrund sehr klein gemalt. Dies erweckt den Eindruck der Bedeutung des Menschen, seine Dominanz über die umgebende Natur, behauptet, dass der Mensch die schönste Schöpfung auf Erden ist.
Hier wird der feierliche Abschied von Kardinal Kapranik an das Basler Münster dargestellt, der fast 18 Jahre dauerte, von 1431 bis 1449, zuerst in Basel, dann in Lausanne. Auch der junge Piccolomini war im Gefolge des Kardinals. In einem eleganten Rahmen aus einem Halbkreisbogen wird eine Gruppe von Reitern präsentiert, begleitet von Pagen und Dienern. Das Geschehen ist nicht so real und verlässlich, sondern ritterlich raffiniert, fast phantastisch. Im Vordergrund sieht ein schöner Reiter auf einem weißen Pferd in einem luxuriösen Kleid und Hut, der den Kopf dreht, den Betrachter an - das ist Aeneas Silvio. Gerne schreibt der Künstler reiche Kleider, schöne Pferde in Samtdecken. Die gestreckten Proportionen der Figuren, leicht manierierte Bewegungen, leichte Neigungen des Kopfes kommen dem höfischen Ideal nahe. Das Leben von Papst Pius II. war voller heller Ereignisse, und Pinturicchio sprach über die Treffen des Papstes mit dem König von Schottland, mit Kaiser Friedrich III.
Filippo Lippi (1406 - 1469)
Um Lippis Leben ranken sich Legenden. Er selbst war Mönch, verließ aber das Kloster, wurde wandernder Künstler, entführte eine Nonne aus dem Kloster und starb vergiftet von den Angehörigen einer jungen Frau, in die er sich im hohen Alter verliebte.
Er malte Bilder der Madonna mit Kind, gefüllt mit lebendigen menschlichen Gefühlen und Erfahrungen. In seinen Gemälden stellte er viele Details dar: Haushaltsgegenstände, die Umwelt, daher ähnelten seine religiösen Themen weltlichen Gemälden.
Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)
Er malte nicht nur religiöse Sujets, sondern auch Szenen aus dem Leben des Florentiner Adels, seinen Reichtum und Luxus, Porträts von Adeligen.
Vor uns steht die Frau eines wohlhabenden Florentiner, eines Freundes des Künstlers. In dieser nicht sehr schönen, luxuriös gekleideten jungen Frau drückte der Künstler Ruhe aus, einen Moment der Stille und des Schweigens. Der Gesichtsausdruck der Frau ist kalt, gleichgültig gegenüber allem, es scheint, dass sie ihren bevorstehenden Tod voraussieht: Bald nachdem sie das Porträt gemalt hat, wird sie sterben. Die Frau ist im Profil dargestellt, was für viele Porträts dieser Zeit typisch ist.
Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)
Einer der bedeutendsten Namen der italienischen Malerei des 15. Jahrhunderts. Er vollendete zahlreiche Transformationen in den Methoden zur Konstruktion der Perspektive eines malerischen Raums.
Das Bild ist mit Eitempera auf Pappelpappe gemalt – offensichtlich hatte der Künstler die Geheimnisse zu diesem Zeitpunkt noch nicht gemeistert Ölgemälde, in der Technik, in der seine späteren Werke geschrieben werden.
Der Künstler hat die Manifestation des Mysteriums der Heiligen Dreifaltigkeit zur Zeit der Taufe Christi festgehalten. Die weiße Taube, die ihre Flügel über dem Haupt Christi ausbreitet, symbolisiert die Herabkunft des Heiligen Geistes auf den Erlöser. Die Figuren von Christus, Johannes dem Täufer und den daneben stehenden Engeln sind in zurückhaltenden Farben gehalten.
Seine Fresken sind feierlich, erhaben und majestätisch. Francesca glaubte an die hohe Bestimmung des Menschen und in seinen Werken vollbringen Menschen immer wunderbare Dinge. Er verwendete subtile, sanfte Farbübergänge. Francesca war die erste, die en plein air (in der Luft) malte.
Die Schaffung einer idealen Stadt quälte Wissenschaftler und Architekten aus verschiedenen Ländern und Epochen, aber die ersten Versuche, eine solche Stadt zu entwerfen, entstanden in der Renaissance. Obwohl am Hof der Pharaonen und römischen Kaiser Wissenschaftler arbeiteten, deren Arbeiten darauf abzielten, eine Art ideale Siedlung zu schaffen, in der nicht nur alles eindeutig der Hierarchie gehorchte, sondern auch für beide Herrscher angenehm zu leben wäre und der einfache Handwerker. Erinnern Sie sich zumindest an Achetaton, Mohenjo-Daro oder ein fantastisches Projekt, das Alexander dem Großen von Stasicrates vorgeschlagen wurde, wonach er vorschlug, eine Statue eines Kommandanten vom Berg Athos mit einer Stadt auf seinem Arm zu schnitzen. Das einzige Problem war, dass diese Siedlungen entweder auf dem Papier blieben oder zerstört wurden. Die Idee, eine ideale Stadt zu entwerfen, kam nicht nur Architekten, sondern auch vielen Künstlern. Es gibt Hinweise darauf, dass Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana und viele andere daran beteiligt waren.
Piero della Francesco war seinen Zeitgenossen vor allem als Verfasser von Abhandlungen bekannt, der Kunst gewidmet. Nur drei davon sind uns überliefert: „Abhandlung über den Abakus“, „Perspektive in der Malerei“, „Fünf regelmäßige Körper“. Er war es, der als erster die Frage aufwarf, eine ideale Stadt zu schaffen, in der alles mathematischen Berechnungen unterworfen wäre, was Konstruktionen von klarer Symmetrie versprach. Aus diesem Grund schreiben viele Gelehrte Pierrot das Bild "Ansicht einer idealen Stadt" zu, das sich perfekt in die Prinzipien der Renaissance einfügt.
Leon Battista Alberti kam der Umsetzung eines solchen Großprojekts am nächsten. Zwar gelang es ihm nicht, seine Idee vollständig zu verwirklichen, aber er hinterließ eine Vielzahl von Zeichnungen und Notizen, denen zufolge andere Künstler in Zukunft das erreichen konnten, was Leon nicht gelang. Insbesondere Bernardo Rosselino fungierte als Ausführender vieler seiner Projekte. Aber Leon setzte seine Prinzipien nicht nur schriftlich um, sondern auch am Beispiel vieler von ihm gebauter Gebäude. Im Grunde sind dies zahlreiche Paläste, die für Adelsfamilien entworfen wurden. Der Architekt offenbart sein eigenes Beispiel einer idealen Stadt in seiner Abhandlung über die Architektur. Der Wissenschaftler schrieb diese Arbeit bis zu seinem Lebensende. Es wurde posthum veröffentlicht und war das erste gedruckte Buch, das die Probleme der Architektur offenlegte. Laut Leon musste die ideale Stadt alle Bedürfnisse eines Menschen widerspiegeln, auf alle seine humanistischen Bedürfnisse eingehen. Und das ist kein Zufall, denn die führenden philosophisches Denken in der Renaissance gab es einen anthropozentrischen Humanismus. Die Stadt sollte in Quartiere aufgeteilt werden, die nach einem hierarchischen Prinzip oder nach Art der Beschäftigung aufgeteilt würden. In der Mitte, auf dem Hauptplatz, befindet sich ein Gebäude, in dem die Stadtmacht konzentriert werden sollte, sowie die Hauptkathedrale und die Häuser von Adelsfamilien und Stadtverwaltern. Näher am Stadtrand lagen die Häuser von Kaufleuten und Handwerkern, und die Armen lebten direkt an der Grenze. Eine solche Anordnung von Gebäuden war laut dem Architekten ein Hindernis für die Entstehung verschiedener sozialer Unruhen, da die Häuser der Reichen von den Wohnungen der armen Bürger getrennt würden. Ein weiteres wichtiges Planungsprinzip war, dass es den Bedürfnissen aller Bürgerkategorien gerecht werden musste, damit sowohl der Herrscher als auch der Geistliche in dieser Stadt bequem leben konnten. Es sollte alle Gebäude enthalten, von Schulen und Bibliotheken bis hin zu Märkten und Thermalbädern. Wichtig ist auch die öffentliche Zugänglichkeit solcher Gebäude. Auch wenn wir alle ethischen und sozialen Prinzipien einer idealen Stadt ignorieren, bleiben äußere, künstlerische Werte bestehen. Der Grundriss musste regelmäßig sein, wonach die Stadt durch gerade Straßen in übersichtliche Viertel geteilt wurde. Im Allgemeinen alles architektonische Strukturen muss untergeordnet sein geometrische Formen und entlang der Linie gezeichnet. Die Quadrate waren entweder rund oder rechteckig. Nach diesen Grundsätzen wurden die alten Städte wie Rom, Genua, Neapel einem teilweisen Abriss der alten mittelalterlichen Straßen und dem Bau neuer geräumiger Viertel unterzogen.
In einigen Abhandlungen wurde eine ähnliche Bemerkung über die Freizeit der Menschen gefunden. Es betraf hauptsächlich Jungen. Es wurde vorgeschlagen, Spielplätze und Kreuzungen in den Städten so zu bauen, dass die spielenden Jugendlichen unter ständiger Aufsicht von Erwachsenen stehen, die sie ungehindert beobachten können. Diese Vorsichtsmaßnahmen zielten darauf ab, junge Menschen zur Vorsicht zu erziehen.
Die Kultur der Renaissance lieferte in vielerlei Hinsicht Stoff für weitere Überlegungen zur Struktur der idealen Stadt. Dies galt insbesondere für die Humanisten. Nach ihrer Weltanschauung sollte alles für einen Menschen geschaffen werden, für sein angenehmes Dasein. Wenn all diese Bedingungen erfüllt sind, wird eine Person sozialen Frieden und spirituelles Glück erlangen. Daher in solchen
Die Gesellschaft kann einfach a priori keine Kriege oder Unruhen haben. Die Menschheit hat sich während ihrer gesamten Existenz auf ein solches Ergebnis zubewegt. Erinnern Sie sich zumindest an das berühmte „Utopia“ von Thomas More oder „1984“ von George Orwell. Arbeiten dieser Art berührten nicht nur funktionale Merkmale, sondern dachten auch über die Beziehungen, Ordnung und Struktur der Gemeinschaft nach, die an diesem Ort lebte, nicht unbedingt eine Stadt, vielleicht sogar die Welt. Aber diese Grundlagen wurden bereits im 15. Jahrhundert gelegt, sodass wir mit Sicherheit sagen können, dass die Wissenschaftler der Renaissance umfassend gebildete Menschen ihrer Zeit waren.
