Claude Monet Wassergarten in Giverny Gemälde. Öffnen Sie das linke Menü von Giverny

Wir bewunderten die Ansichten, die er sang. Mit Ehrfurcht blickte man auf die Kathedrale von Rouen. Wir konnten nicht in Giverny vorbeischauen, wo der Meister 43 Jahre lang lebte – genau die Hälfte seines Lebens. Die zweite Hälfte – er wurde 1840 geboren, starb 1926 und ließ sich 1883 in Giverny nieder.
Die ganze Natur freute sich an diesem Tag mit uns – nach den grauen, wolkigen Tagen in der Normandie überflutete die Sonne großzügig das gesamte Gebiet, als würde sie sich daran erinnern, welche Witze sie mit dem Künstler gemacht hatte und ihm nicht mehr als 40 Minuten Zeit ließen, um an einer der Serien zu arbeiten von Gemälden. Die Gesetze der Erdzirkulation um den Stern veränderten die Beleuchtung nach so kurzer Zeit, dass Monet von einer Leinwand zur anderen wechseln musste und dabei jedes Mal die Farben wechselte.

Um zum Haus des Maestros zu gelangen, müssen Sie durch das Dorf Giverny gehen. Zunächst findet sich ein Bewunderer von Monets Talent in einem riesigen Garten wieder. Es wurde viele Jahre nach dem Tod des Meisters zerstört, als in Giverny ein Museum eröffnet wurde. Einst gab es hier nur eine Wiese, von der ein kleiner Bereich erhalten geblieben ist. Mit diesen sehr berühmten Heuhaufen. Das ist das Erste, was wir in Giverny gesehen haben.

Claude Monet „Heuhaufen in Giverny“

Der Garten in Giverny ist in kleine Abschnitte unterteilt, die durch Bosketts oder Hecken voneinander getrennt sind.

Die Pflanzen in den einzelnen Abteilungen sind thematisch ausgewählt – sie harmonieren entweder im Aroma oder in der Farbe miteinander. Es gibt Zweige mit Rosen, in anderen werden nur weiße Blüten gesammelt.

Oder nur Blau, oder nur Rot. Alle Pflanzen sind nach Jahreszeiten gruppiert. Sie werden je nach Zeitpunkt der Blüte verändert, also mit früher Frühling Vor Spätherbst Der Garten blüht und duftet.

Giverny liegt buchstäblich mitten im Grünen. Bei einem Spaziergang zu Monets Hausmuseum stellt man sich unwillkürlich auf die Welle der Einheit mit der Natur ein, die der große Impressionist mit der ganzen Kraft seines Talents zum Ausdruck brachte.

Die beeindruckende Warteschlange an der Kasse verschwand innerhalb weniger Minuten – organisierte Gruppen haben einen eigenen Eingang und es gab nicht sehr viele „wilde“ wie wir.

Wenn man sich dem Haus nähert, sieht man zunächst ein polychromes Blumenmeer auf grünem Grund. Es möchte schwimmen und baden, einatmen, absorbieren, absorbieren, die Gnade der Erde in sich aufnehmen. Man erstarrt vor Bewunderung dafür, dass die gesamte Vielfalt der Pflanzenwelt genau definiert platziert und platziert ist. Es unterliegt der künstlerischen Logik von Claude Monet selbst – ja, genau so soll sein Garten aussehen und nichts anderes, das stimmt und er ist sehr schön!

Das Herrenhaus selbst wird zunächst als integraler Bestandteil des Gartens wahrgenommen, der in natürlichen Kreisläufen lebt.

Ich möchte unbedingt in Monets Garten „schwimmen, bis mir blau im Gesicht wird“, aber ich muss ins Hausmuseum – Sonntagmorgen, weniger als 100 km von Paris entfernt, und bald gibt es vielleicht ein echtes „ Demonstration". Wir haben ein paar Minuten Zeit, um uns das Haus anzusehen, in dem der Künstler so viele Jahre mit seiner zweiten Frau Alice und seinen Kindern verbracht hat – seinen und Camilles Söhnen und den Kindern von Alice Oshede aus erster Ehe, sie hatten keine gemeinsamen Kinder, aber dort war eine Familienvereinigung ihrer Kinder – der älteste Sohn des Künstlers, Jean Monnet, heiratete die Tochter von Alice Blanche Hoschede.

Claude-Monet-Haus-Museum

Kurioserweise war dieses Haus das zweite rosafarbene Gebäude mit grünen Fensterläden, in dem Monet lebte, das erste befand sich in Argenteuil (Argenteuil). Es wurde zu einem weiteren Wohnsitz des Herrn, wo der Garten durch eine Eisenbahn vom Haus getrennt war, das gleiche befand sich in Vetheuil. Der französische Premierminister Georges Clemenceau bemerkte einmal: „Er hat sogar eine Eisenbahn in seinem Garten!“

Zunächst mietete die Familie einfach dieses eine passende Haus in Giverny. Als Claude (ich möchte unbedingt einen zweiten Vornamen nennen 🙂) Monet es kaufte, sah das Haus anders aus. Das Anwesen wurde interessanterweise „das Haus der Apfelpresse“ genannt. In der Nähe stand eine Apfelpresse. Ganz nach seinem Geschmack erweiterte der Meister das Haus in beide Richtungen, angepasst an die Bedürfnisse große Familie und für Ihre beruflichen Bedürfnisse. Eine kleine Scheune in der Nähe war mit dem Haus verbunden und wurde zum ersten Atelier des Künstlers. Und obwohl Monet hauptsächlich im Freien arbeitete, fertigte er die Leinwände im Atelier an und behielt sie sogar. Über diesem Atelier befand sich sein Zimmer. Der Meister besetzte vollständig die gesamte linke Hälfte des Hauses – hier konnte er arbeiten, entspannen, Gäste empfangen.

Entlang der gesamten Fassade erstreckt sich eine schmale Terrasse. Nun gelangt man wie zu Monets Zeiten durch den Haupteingang ins Haus. Es wurde von allen Haushalten, Freunden und Gästen genutzt.

Es gibt zwei weitere Seitentüren, die ebenfalls auf den Garten blicken. Wenn er sofort in seine Werkstatt gelangen wollte, betrat er das Haus durch die Tür links. Die rechte Tür war für Bedienstete gedacht, sie führt direkt in die Küche.

Die Fassade von Claude Monets Haus ist sehr einfach, aber die Aussicht täuscht! Wie so oft verbirgt sich hinter einer eleganten Fassade ein sehr mittelmäßiges Ambiente mit einer verlassenen Bibliothek, elenden Bettdecken und Gemälden, die nicht die Seele berühren. Das hat nichts mit Monets Haus zu tun! Hier hingegen offenbart sich hinter der bescheidenen Erscheinung des Hauses eine erstaunliche Atmosphäre, etwas Charmanteres kann man sich kaum vorstellen. Wir steigen die Treppe hinauf und ich spüre, wie es mir den Atem raubt, eine andere Welt berühren zu dürfen – die Welt der Farben und die einladende Atmosphäre einfachen Komforts. Das Esszimmer, das blaue Wohnzimmer entführen Sie entweder nach England, oder Sie spüren plötzlich rein französische Züge und um Sie herum herrscht echtes Japan! Das kann nur das Haus eines Künstlers sein! Alice brachte klassische Noten in die Atmosphäre, aber die Farben sind das Verdienst von Claude Monet, sein Wort war immer das letzte und entscheidende. Manchmal, wenn der Meister auf die Suche nach neuen Arten ging, schrieb Alice ihm, dass sie in ihrem Schlafzimmer etwas verändert hatte und mit dem Ergebnis sehr zufrieden war. Die Antwort des Mannes war immer eher kühl: „Warte, bis ich zurückkomme, wir müssen sehen, was passiert ist.“

Der Hausbesuch beginnt mit blaues Wohnzimmer. Früher wurde es „Lila (lila) Salon“ oder „Blauer Salon“ genannt. Die blaue Farbe des Raumes wurde vom Meister selbst gewählt. Der Impressionist fügte den klassischen blauen Farben eine eigene Komposition hinzu, die dadurch einen besonderen Charme ausstrahlt. Der Meister wählte die Farbe nicht nur in Alices Wohnzimmer, sondern in allen Räumen des Hauses.

Das Innere des Raumes ist im französischen Stil des 18. Jahrhunderts gestaltet. Das Wohnzimmer ist klein und war für die Herrin des Hauses, Alice, gedacht. Meistens verbrachte sie hier Zeit zum Sticken, sie saß gerne mit den Kindern zusammen. Doch manchmal kam es vor, dass sich gerade im blauen Salon zahlreiche Gäste drängten. Dies geschah, als Monet in seinem Atelier arbeitete oder im Schlafzimmer meditierte oder die letzten Strahlen der untergehenden Sonne einfing, als er im Freien arbeitete. Hier warteten die Gäste auf den Gastgeber, unterhielten sich, tranken Tee. Im feuchten Zustand Herbsttage Wasser für den Tee wurde in einem großen Samowar erhitzt.

Alice ruhte hier oft mit geschlossenen Augen. Als Claude Monet zum Skizzieren aufbrach, erwähnte er in Briefen an seine Frau oft, dass er warte und nicht warten könne, bis er endlich seine neuen Leinwände auspacken und sie mit seiner Frau begutachten könne. Das helle, satte Blau der Wände und Möbel wird überraschend mit japanischen Drucken kombiniert. Hier hingen die meisten Stiche aus der bedeutenden Sammlung des Meisters.

Japanische Drucke in Monets Haus.

Traditionelle japanische Gravuren sind Drucke aus Holzbrettern. Ihre Klischees wurden zunächst in Scheiben aus Kirsch- oder Birnbaumholz geschnitzt. Aufgrund ihres relativ niedrigen Preises und der Massenproduktion erfreuen sie sich in Japan großer Beliebtheit. Im 19. Jahrhundert verbreitete sich die japanische Gravur auch nach Europa.

Hiroshige Asakusa Reisfelder während des Festivals des Hahns

Monet sammelte sie 50 Jahre lang leidenschaftlich und sammelte 231 Stiche. Es ist allgemein anerkannt, dass der Meister den ersten Stich Anfang der 1870er Jahre in Holland kaufte. Es ist aber auch bekannt, dass Monet solche Zeichnungen schon einmal gesehen hatte. Er selbst gab das einmal zu, damals in Le Havre, als er schwänzte Schulunterricht Dann sah ich japanische Stiche, die von Handelsschiffen aus dem Osten nach Deutschland, Holland, England und Amerika gebracht wurden. Damals stieß der spätere Begründer des Impressionismus auf die ersten minderwertigen Bilder, die im Küstenladen von Le Havre, Monets Heimatstadt, verkauft wurden. Welcher der Stiche zuerst in seiner Sammlung erschien, wird niemand mehr sagen.

Hokusai „Gutes Wetter mit Südwind“ – eine der 36 Ansichten des Berges Fuji aus der Claude Mont-Sammlung

Maestro sammelte seine Sammlung nicht nur sorgfältig, er verschenkte auch gerne Bilder. Monet kaufte ständig Hunderte davon und trennte sich auch problemlos von vielen. „Magst du japanische Drucke? Suchen Sie sich etwas aus!“ – hört man ab und zu im Hause Monet. Die Kinder und Stiefsöhne des Meisters präsentierten großzügig japanische Stiche.

Die Themen der von ihm gesammelten Zeichnungen entsprachen den vielfältigen Interessen des Künstlers – Natur, Theater, Musik, Landleben, Botanik, Entomologie, Alltagsszenen. Er liebte es, sie um sich herum zu sehen und er selbst gab zu, dass ihn diese Zeichnungen sehr inspirierten.

Gravuren schmücken die Wände aller Räume des Monet-Hauses, sie befinden sich auch im Durchgangsraum, der als Speisekammer diente.

Vom blauen Wohnzimmer aus gehen wir zu Speisekammer. Manchmal ist es schwierig, die Logik der Raumorganisation zu verstehen. Warum gelangen sie beispielsweise vom Wohnzimmer in die Speisekammer und nicht von der Küche? Es ist nur so, dass das Haus keinen Korridor hat, der alle Räume verbindet, jeder von ihnen könnte ein Durchgang sein. Der Einfachheit halber war es die Speisekammer, die zur Verbindung zwischen anderen Räumen wurde.

Trotz dieser Rolle ist die Speisekammer zu einem wichtigen Bestandteil des Innenraums geworden. Davon zeugen mehrere Gravuren an der Wand. Sie stellen Handelsschiffe mit im Wind flatternden Flaggen dar, sie transportieren Waren von Yokohama an die Ostküste und zurück. Auf einem anderen Stich sehen wir Frauen in Kimonos und Krinolinen an den Ständen ausländischer Kaufleute in Yokohama. Gravuren in Blautönen vertragen sich hier gut mit der Garderobe – dem Hauptmöbelstück.

Der Schrank war mit einem Schlüssel verschlossen, der stets von der Hausherrin aufbewahrt wurde. Und nur sie entdeckte den Reichtum exotischer Länder – Bourbon-Vanille, Muskatnuss und Nelken aus Cayenne, Zimt aus Ceylon und Pfeffer aus Niederländisch-Ostindien. Gewürze waren damals recht selten und sehr teuer. Der Duft von javanischem Kaffee und Ceylon-Tee wehte aus dem Schrank im Bambusstil. Chinesischer Tee drin Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte wurden noch nicht getrunken, es erschien in Europa erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts. All dieser Reichtum lag darin Eisendosen, Kisten, Schatullen von den besten Pariser Meistern. Sie bewahrten hier englischen Tee, Olivenöl aus Aix und Gänseleber aus Aix auf. Im Schrank gibt es Schubladen, in denen jeweils auch ein Schloss eingebaut ist.

Die Speisekammer ist ein Kühlraum, sie wurde nicht speziell beheizt, um Lebensmittel, hauptsächlich Eier und Tee, aufzubewahren. Zu Monets Zeiten wurden viel mehr Eier gegessen als heute. An der Wand sind zwei Aufbewahrungsboxen befestigt, die Platz für 116 Teile bieten. Die Familie Monet kaufte keine Eier, sie hatte einen eigenen Hühnerstall im Hof. Obwohl weder Alice noch insbesondere Claude Monet das Leben in Giverny jemals als provinziell empfanden. Aus Dorfbewohner sie waren durch einen großen Garten und einen hohen Zaun getrennt. Doch nach und nach lernten sie mehrere einheimische Familien kennen. Es verging jedoch viel Zeit, bis ihre Hühner zu legen begannen, die Kuh begann, genug Milch zu geben und Beeren an den Johannisbeersträuchern auftauchten.

Gehe zu Erste Werkstatt, und später - Monets Wohnzimmer. Durch das Südfenster strömt Licht wie ein Fluss in das Wohnzimmer des Meisters und auch der Erker nach Osten sorgt für eine gute Beleuchtung. Aber eine solche Beleuchtung ist überhaupt nicht geeignet, in der Künstlerwerkstatt sollten die Fenster nach Norden zeigen! Aufgrund des Erdgeschosses war es unmöglich, in diesem Raum Fenster nach Norden anzuordnen, und Monet wusste von Anfang an, dass sein Atelier nicht lange hier bleiben würde, er würde sich ein besseres Zimmer suchen.

Und so geschah es, später wurde seine erste Werkstatt zum Wohnzimmer. Obwohl es ein Raum zum Arbeiten blieb, der sich mit familiären und freundschaftlichen Gesprächen abwechselte, empfingen Monet und Alice hier zahlreiche Besucher, Freunde, Gäste, Kunsthändler, Kritiker und Sammler. Hier waren zwei Schreibtische- er und Alice. Beide standen in reger Korrespondenz, beide schrieben viel und jeden Tag. Unter dem großen Fenster steht ein kubanischer Mahagoni-Sekretär. Stühle, ein Couchtisch, ein Musiktisch, ein Bücherregal im Renaissance-Stil voller Bücher, ein Sofa, zwei chinesische Vasen – alles ist hier seit der Zeit Monets erhalten geblieben. Große Vasen waren meist mit Blumen der gleichen Sorte gefüllt und wurden im gesamten Wohnzimmer aufgestellt. Perserteppiche verliehen dem Raum einen Hauch von Eleganz.

Die Reproduktionen von Monets Gemälden an den Wänden versetzen die Besucher in die Zeit des Künstlers zurück, denn der Meister liebte es, Leinwände aufzubewahren, die ihn an jeden Schritt seiner Karriere erinnerten. Zwar sind die Originale, die früher die Wände des Wohnzimmers schmückten, heute im Monet-Marmottan-Museum in Paris ausgestellt. Zuvor gab es Werke, von denen sich Monet nicht trennen konnte. Manchmal kaufte er bereits verkaufte Gemälde zurück, verkaufte sie wieder und tauschte oder kaufte sie erneut.

Er kam kaum über die Runden, als er Jean-Baptiste Faure für 50 Franken anbot, das 1879 entstandene Gemälde „Veteuil im Nebel“ zu kaufen. Tom kam es so vor, als sei das Bild zu weiß, die Farben zu spärlich und überhaupt sei es unmöglich festzustellen, was noch auf der Leinwand abgebildet sei. Eines Tages, viele Jahre später, kam Fauré nach Giverny und sah dieses Bild an der Wand in der allerersten Werkstatt des Meisters und zeigte echtes Interesse daran. Monet antwortete dem Gast, dass dieses Gemälde um keinen Preis mehr zu verkaufen sei und erinnerte Faure an die Umstände, unter denen er Vetheuil bereits im Nebel gesehen hatte. Der verlegene Faure fand mehrere gute Gründe, Giverny so schnell wie möglich zu verlassen.

Hier, wie auch anderswo im Haus, ist die ursprüngliche Atmosphäre erhalten geblieben und es entsteht das Gefühl der Anwesenheit eines Meisters. Er ist hier wirklich unsichtbar. Allerdings wurde im ersten Studio statt eines lebenden Meisters seine Büste von Paul Paulin aufgestellt. Die Büste erinnert daran, dass Monet schon zu Lebzeiten zur Legende wurde. Zwar musste er auf die Anerkennung warten, sie erreichte den Künstler erst im Alter von 50 Jahren.

Claude Monet in seinem ersten Wohnzimmer

Wie vom Meister erwartet, wurde bald eine zweite, komfortablere Werkstatt gebaut, die separat im westlichen Teil des Gartens untergebracht war. Dazu mussten sie die dort stehenden Gebäude abreißen, und sobald Monet ein rosa Haus kaufte, riss er ohne zu zögern alles Überflüssige ab und wurde schließlich Besitzer einer richtigen Werkstatt, in der alles für die Arbeit arrangiert war, es gab genug Platz und ein riesiges Fenster nach Norden! Die zweite Werkstatt wurde zum Zufluchtsort des Meisters, wo ihn niemand bei seiner Arbeit störte.

Ob diese Werkstatt erhalten geblieben ist, kann ich nicht sagen, darüber steht im Buch nichts und auch Touristen wird sie nicht gezeigt.

Schlafzimmer K. Monet direkt über seinem ersten Atelier-Wohnzimmer gelegen. Um zum Schlafzimmer des Künstlers zu gelangen, müssen Sie erneut zur Speisekammer zurückkehren. Von dort führt eine sehr steile Treppe nach oben – nur so gelangt man zum Ruheraum des Meisters. In Tagen der Verzweiflung, des Zweifels, der schlechten Laune und der Krankheit mied der Meister jede Gesellschaft, auch die, die ihm am nächsten stand. Manchmal verließ er sein Schlafzimmer tagelang nicht, ging darin auf und ab, ging nicht zum Abendessen hinunter, und Essen wurde ihm hierher gebracht. An solchen Tagen herrschte Stille im Haus. Sogar im Esszimmer gab es keine Stimmen, wenn der Besitzer nicht darin war.

Im Schlafzimmer finden wir ein eher einfaches Bett, in dem der Künstler schlief und in dem er am 5. Dezember 1926 in einem Bose-Gerät ruhte. Die Wände in seinem Zimmer sind weiß, zur Zeit Monets gab es dort noch einen Sekretär aus der Zeit Ludwigs XIV. und zwei Kommoden. Die Möbel waren bereits zu Lebzeiten des Meisters gut hundert Jahre alt, sie wurden Ende des 18. Jahrhunderts hergestellt.

Von jedem drei Fenster Die Schlafzimmer bieten einen herrlichen Blick auf den Garten. Zwei davon sind nach Süden und einer nach Westen ausgerichtet.

Aber der größte Schatz in Monets Schlafzimmer waren Gemälde. Die Sammlung befand sich auch an den Wänden im Badezimmer und setzte sich bis in Alices Schlafzimmer fort. Es gab drei Leinwände, 12 Werke, neun Leinwände, fünf – Berthe Morisot, mehrere –, drei Gemälde von Camille Pissarro, da war Alfred Sisley, eine Meereslandschaft von Albert Marquet. Ergänzt wurden die Sammlungen durch Pastelle von Morisot, Edouard Manet, Paul Signac und sogar einige Skulpturen von Auguste Rodin.

Alices Schlafzimmer befindet sich neben Monets Zimmer. Wie es damals in den Häusern des Adels üblich war, schliefen Mann und Frau in getrennten Schlafzimmern. Die Verbindung erfolgt über die Tür im Badezimmer.

Das sehr schlichte Zimmer der zweiten Frau des Künstlers ist mit japanischen Drucken mit Frauendarstellungen geschmückt. Dies ist einer der wenigen Räume im Haus mit Fenstern zur Straße, also nach Norden. In ihrem Zimmer kann man sich vorstellen, wie eng das Haus wirklich ist. Von ihrem Schlafzimmerfenster aus konnte Madame Monet die spielenden Kinder am anderen Ende des Anwesens beobachten.

Ganz oben auf der Haupttreppe befindet sich ein kleiner Abstellraum für Wäsche. Und entlang dieser fallen wir hinein Esszimmer. Vielleicht ist dies der aufregendste Raum in Monets Haus. Wie viele Berühmtheiten hat sie in ihrem Leben gesehen!

Zu Monets Zeiten bedeutete eine Einladung zum Abendessen, dass die Gäste allen unveränderlichen Traditionen des Hauses strikt und bedingungslos zustimmten. Das bedeutet: Wenn der Gast kein Feinschmecker ist, dann ist er zumindest ein Genießer der Haute Cuisine. Er muss alles Japanische mögen. Von den Gästen wird erwartet, dass sie den strengen Ablauf des Hauses kennen, in dem alles im Einklang mit dem Arbeitsrhythmus des Eigentümers lebt und sich mit Würde an die Regeln und Disziplin hält, die den Benediktinern am Herzen liegen. Der Tagesablauf war streng und unerschütterlich. Auch der Gang durch Haus und Garten folgte einer sorgfältig ausgearbeiteten Route.

Monet erweiterte das Esszimmer auf Kosten der ehemaligen Küche deutlich, es wurde groß und hell, seine französischen Fenster blicken auf die Veranda. In dieser viktorianischen Ära waren dunkle und düstere Innentöne im Trend. Der Meister schenkte der Mode wenig Aufmerksamkeit und beschloss, dem Esszimmer zwei Gelbtöne zu verleihen. Die vibrierenden Ockertöne betonten das Blau des Steinguts aus Rouen und Delft im Sideboard. Der Boden ist mit Schachbrettfliesen ausgelegt – das Muster entsteht durch weiße und dunkelrote Platten, diese Kombination war damals sehr beliebt. Decke, Wände und Möbel sind in zwei Gelbtönen gestrichen. An einem großen Tisch saßen 12 Personen frei, manchmal war er aber auch für 16 Personen gedeckt.

Der Speisesaal, der selbst wie eine Kunstgalerie aussah, versammelte die ganze Familie, ihre Freunde und Ehrengäste, darunter Gäste aus Japan wie Herrn Kuroki Hayashi (Kurokis Hayashi). Auf dem Tisch lag immer eine gelbe Leinentischdecke, normalerweise wurde ein japanisches Fayence-Service aufgestellt, das „“ Kirschbaum” oder weißes Porzellanservice mit breiten gelben Rändern und blauem Rand. Organza-Vorhänge, ebenfalls gelb gefärbt, wurden zur besseren Beleuchtung geteilt. Zwei Spiegel wurden einander gegenübergestellt. Einer war mit einem blauen Fayence-Blumenständer aus Rouen dekoriert, der andere hatte einen grau-blauen japanischen Blumenständer in Form eines offenen Fächers mit einer großen Vase an der Unterseite.

Die Wände des Esszimmers sind mit japanischen Drucken gefüllt, die Monet nach seinem Sinn für Farbe ausgewählt hat. Seine Sammlung umfasste Werke der besten japanischen Meister – Hokusai, Hiroshige, Utamaro.

Der Einfachheit halber befindet sich neben dem Esszimmer Küche- der letzte sichtbare Raum im Haus. Monet hat es in Blau entschieden. Diese Farbe harmonierte gut mit dem Gelbton des Esszimmers. Wenn die Tür zum Nebenzimmer geöffnet wurde, sahen die Gäste eine zum Gelb passende blaue Farbe.

Blick vom gelben Esszimmer in die Küche

Dies war ein weiterer Verstoß gegen die allgemein anerkannten Regeln der Jahrhundertwende, als nur der Koch und seine Gehilfen in der Küche herrschten und Diener zum Essen kamen. Interessant ist, dass der Besitzer die Küche nie betrat, sondern sie nur einmal besuchte, als er über die Dekoration dieses Raumes nachdachte. Er entschied, dass das blasse Königsblau gut mit dem satten Blau harmonierte, das der Meister überall im Inneren der Räume verwendete. Dieses Farbschema brachte noch mehr Licht in den Raum mit zwei Fenstern mit Blick auf die Veranda und einem französischen Fenster, das, wie die meisten Fenster im Haus, auf den Garten blickte.

Die Wände der Küche sind mit blauen Rouen-Fliesen verkleidet. Sie haben viel Geld dafür bezahlt, weil ihm Kobalt zugesetzt wurde, um ihm Farbe zu verleihen, und der Herstellungsprozess sehr teuer war. Nicht nur die Wände, sondern auch der Boden und die Decke der Küche sowie Tisch, Stühle, Eisbox, Salzstreuer und Schränke sind in einer Farbe gestrichen. Damals wurde angenommen, dass die Farbe Blau die Hygiene förderte und auch Insekten, insbesondere Fliegen, abwehrte. Die blauen Möbel der Wände und Schränke der Küche unterstreichen das Strahlen der Kupferutensilien, von denen eine große Sammlung an den Wänden hängt.

Es überrascht nicht, dass in einer zehnköpfigen Familie Essen eine wichtige Rolle spielte und die Küche als Zufluchtsort galt. Schließlich war es jeden Tag notwendig, nicht nur die Haushaltsmitglieder, sondern auch Gäste und Bedienstete mit Frühstück, Mittag- und Abendessen zu versorgen. Hier war alles dem Zweck des Raumes unterworfen. Jeden Tag, bei Hitze und Kälte, wurde in der Küche ein riesiger Ofen mit Kohle oder Holz befeuert. Darin war ein riesiger Kessel mit Kupferdeckel eingebaut und es gab immer heißes Wasser im Haus.

Jeden Tag klopfte ein Bauer an ein kleines Fenster mit Blick auf die Straße und verkündete, dass er die am Vortag erhaltene Bestellung für Gemüse und Obst geliefert habe. Stufen neben dem Fenster führten in einen riesigen Keller, in dem verderbliche Lebensmittel gelagert wurden und Eis aus dem nahegelegenen Vernon geliefert wurde.

Die Küche ließ den Köchen kaum freie Zeit. Ständig musste geschnitten, zerbröckelt, gerührt, gehackt werden. Und dann - bis zum nächsten Mal, das nie lange auf sich warten ließ, zahlreiche kupferne Saucieren, Töpfe und Teekannen zu waschen, zu reinigen und zu polieren.

Wie anderswo dienten auch in Monets Haus mehrere Köche, manchmal ganze Dynastien. Beispielsweise gaben Karolina und Melanie den von ihnen erfundenen Rezepten ihren Namen. Und die berühmteste Köchin von Giverny war Margaret. Als Mädchen begann sie, im Haus zu arbeiten. Dann stellte sie Monet ihrem Verlobten Paul vor. Und damit Margaret das Haus nicht verließ, nahm Monet Paul mit zur Arbeit. Margaret blieb auch nach dem Tod des Maestro bis 1939 auf ihrem Posten. In seltenen Momenten der Entspannung saß Margaret gerne auf einem niedrigen Stuhl ohne Griffe und blätterte in einem Rezeptbuch, aus dem sie sich inspirieren ließ, wie ihr Meister von japanischen Drucken. Manchmal starrte sie einfach in den Garten hinaus, wo zwei Kirschblüten in Weiß und zartem Rosa blühten. Als sie Giverny verließ und in ihre Heimatstadt Berry zurückkehrte, erinnerte sie sich: „Die Arbeit in Giverny war sehr hart, aber wenn ich arbeitete, standen immer zwei japanische Bäume vor mir.“

Hier endet der Rundgang durch das Haus. Wir ziehen in den Normandie-Garten oder Clos Normand und dann in den Wassergarten.

Das Fotografieren ist im Museum verboten. Als mir aber auffiel, dass im ersten Werkstatt-Atelier des Künstlers alle Besucher Fotos machen, habe ich auch ein paar Aufnahmen gemacht.
Die restlichen Bilder stammen von der Website des Claude-Monet-Hausmuseums.
Basierend auf dem Buch von Cdaire Joyes „Claude Monet in Giverny. Ein Rundgang und die Geschichte von Haus und Garten“, Stipa, Montreuil (Seine-Saint-Denis), 2010

Ein malerischer Ort liegt 80 Kilometer nördlich von Paris Giverny (Giverny). Hunderttausende Touristen aus aller Welt, Hunderttausende Menschen, denen Schönheit nicht gleichgültig ist, pilgern hierher. Dreiundvierzig Jahre lang lebte und arbeitete hier ein impressionistischer Künstler. Claude Monet.

1883 kaufte der Künstler in diesem Dorf ein Haus, in dem er sich mit seiner gesamten großen Familie niederließ. Monet vergötterte die Natur. Er liebte die Gartenarbeit, kaufte Bücher und interessierte sich sehr für das Land in der Nähe seines neuen Zuhauses.

Der Künstler tauschte Samen mit anderen Gärtnern aus und führte einen regen Briefwechsel mit Baumschulen. Für die örtlichen Bauern waren „städtische“ Samen ein ungewöhnlicher Anblick. Der Künstler scheute keine schmutzige Arbeit im Garten, die Einheimischen schätzten ihn sehr.

Die Familie Monet bei einem Spaziergang im Garten (Künstler rechts)

Édouard Manet „Die Familie Monet im Garten“

Monet in seinem Haus in Giverny

Das Haus und das umliegende Grundstück nahmen zunächst nicht mehr als 1 Hektar ein. Doch nach 10 Jahren, als Monets finanzielle Angelegenheiten gut liefen, kaufte er ein weiteres Grundstück, das durch die Eisenbahn vom alten getrennt war. Später wurde es durch ein Straßenbett für Autos ersetzt, sodass Monets Territorium geteilt blieb.

Dank künstlerischem Talent und Fleiß wurde aus dem ehemaligen Gemüsegarten in der Nähe des Hauses dank Monet ein wahres Fest der Farbe, des Lichts und der Schönheit. Er bepflanzte alles mit verschiedenen Arten von Blumen und Pflanzen.

Der Künstler liebte Pflanzen und Blumen so sehr (was eine Fülle von Farben während ihrer Blüte bedeutet!), dass er, als er einen umfangreichen Katalog mit Blumensamen erhielt, nicht viel Zeit damit verbrachte, ihn zu studieren, und alles bestellte! Rosen, Lilien, Glyzinien, Tulpen, Gänseblümchen, Sonnenblumen, Gladiolen, Astern – all das begegnete der Familie Monet und ihren Gästen.

Aber der zweite Teil des Gartens, hinter der Autobahn, erregt bei den Besuchern besondere Aufmerksamkeit und Ehrfurcht. Dies ist der sogenannte Wassergarten. Sie können dorthin durch einen Tunnel gelangen. Jeder, der hierher kommt, erstarrt unwillkürlich, hält den Atem an, sieht das Meisterwerk des großen Künstlers und erkennt die Handlung seiner weltberühmten Gemälde.

Claude Monet „Weiße Seerosen“

Claude Monet „Wasser“

Claude Monet „Wasser. Grüne Reflexion, linke Seite“

Er entwässerte das Marschland, bildete Teiche und Kanäle und leitete das Wasser des Flusses Epte geschickt in sie hinein.
Die Ufer des Teiches waren mit einer Vielzahl von Pflanzen geschmückt – Himbeeren, Stechpalmen, japanische Sakura, Anemonen, Pfingstrosen und viele andere. Die Hauptattraktion des Gartens ist die von Glyzinien umrankte japanische Brücke, an der Liebhaber der Werke des Künstlers einfach zu erkennen sind. Und vor allem bestellte Monet die Samen von Nymphen (Seerosen) aus Japan und schmückte damit die Wasseroberfläche des Teiches. Im Teich wurden Nymphen verschiedener Sorten gepflanzt, an den Ufern Trauerweiden, Bambus, Schwertlilien, Rhododendren und Rosen.

Der Garten für Monet wurde zu seiner Muse und seiner Hauptbeschäftigung. Claude Monet schrieb über Seerosen:

„Ich habe sie zum Vergnügen gepflanzt, ohne auch nur daran zu denken, dass ich sie schreiben würde. Und plötzlich, unerwartet, wurde mir mein sagenhafter, wunderbarer Teich offenbart. Ich habe die Palette genommen und von da an hatte ich fast kein anderes Modell mehr.“

Die Maltechnik dieses Künstlers unterscheidet sich dadurch, dass er keine Farben mischte. Und er platzierte sie nebeneinander oder schichtete sie mit einzelnen Strichen übereinander. Monets bevorzugte Art, in Serien zu arbeiten, ermöglichte es ihm, die kleinsten Farb- und Lichtnuancen nicht zu ignorieren – da jeder Farbton des Naturzustands einer eigenen Leinwand gewidmet werden konnte. Japanische Brücke? - 18 Optionen. Teich mit weißen Seerosen? - 13 Gemälde. Wasserlilien? - 48 Gemälde. Und die Liste ließe sich endlos fortsetzen...

Claude Monet „Seerosen und japanische Brücke“

Im Jahr 1916, als er bereits 76 Jahre alt war, baute er rechts vom Haupthaus ein geräumiges Atelier, das „Seerosenstudio“ genannt wurde. Hier verwirklichte der Künstler seine letzte grandiose Idee – er schuf Tafeln mit Seerosendarstellungen, die ein kreisförmiges Panorama von etwa 70 m Umfang bildeten.

Diese Gemälde schenkte er Frankreich und sie wurden in einem eigens errichteten Pavillon aufgestellt, der sich am Rande des Tuileriengartens befindet, wo er sich zum Place de la Concorde hin öffnet. Wenn man den Pavillon von oben betrachtet, sieht er aus wie eine Acht. In zwei ovalen Räumen, die durch einen Türsturz verbunden sind, hängen Gemälde, die einen Teich in Giverny darstellen: sechs oder acht Leinwände. Im Wesentlichen handelt es sich hierbei um ein Bild, das Veränderungen in der Natur im Tagesverlauf vermittelt, die für das normale Auge unzugänglich sind.

Kunstkritiker sagen, dass die Malerei hier eine solche Perfektion erreicht habe, dass die Grenze zwischen Realismus und abstrakter Kunst verwischt sei. Claude Monet hat den Moment einfach gestoppt, denn alles vergeht, aber nichts verschwindet, und das Leben ist immer eine Erwartung. nächster Tag. Es war ein lebenslanger Triumph des Werks von Claude Monet.

Claude Monet „Seerosen (Wolken)“

Claude Monet „Teich mit Seerosen und Schwertlilien“

Claude Monet ließ sich 20 Jahre lang vom Wassergarten inspirieren. Monet schrieb:

„... die Offenbarung meines fabelhaften, wundervollen Teichs kam zu mir. Ich habe die Palette genommen und seitdem fast kein anderes Modell mehr gehabt.

Er schuf zunächst Sachgemälde, die sich in der Wasseroberfläche des Teiches spiegelten, und der Künstler übertrug sie dann auf Leinwände. Er stand jeden Morgen um fünf Uhr auf und kam hierher, um bei jedem Wetter und zu jeder Jahreszeit zu malen. Hier schuf er mehr als hundert Gemälde. Das ist für ein Genie sehr überraschend, aber Claude Monet war ein sehr glücklicher Mensch. Er erlangte zu Lebzeiten Anerkennung, liebte und wurde geliebt, tat, was er liebte.

„Ich bin zu nichts anderem als Malen und Gartenarbeit zu gebrauchen.“
Claude Monet

Monet widmete fast dreißig Jahre seines langen Lebens seinen Lieblingsthemen. Der berühmte Impressionist starb 1926 im Alter von 86 Jahren in Giverny. Nach dem Tod des Künstlers im Jahr 1926 kümmerte sich seine Tochter Blanche um das Haus. Doch während des Zweiten Weltkriegs verfiel es. Später im Jahr 1966 übergab Monets Sohn das Anwesen der Akademie Bildende Kunst, die sofort mit der Restaurierung des Hauses und dann des Gartens begann.

Dank der Großzügigkeit amerikanischer und französischer Gönner wurde der Garten von Claude Monet nach einer langen Zeit der Vernachlässigung wiederhergestellt und war zu Beginn des Jahrhunderts weithin bekannt. Georges Clemenceau, der den Künstler aus der Zeit seiner Treffen im Pariser Café „Gerbois“ kannte und eines davon besaß Dorfhäuser unweit von Giverny, war von diesem Ereignis so beeindruckt, dass er ihm sogar eine kleine Broschüre widmete, in der er schrieb:

„Der Garten von Claude Monet kann als eines seiner Werke angesehen werden, in dem der Künstler auf wundersame Weise die Idee verwirklichte, die Natur nach den Gesetzen der Lichtmalerei zu verändern.“ Seine Werkstatt war nicht durch Wände begrenzt, sie ging ins Freie, wo überall Farbpaletten verstreut waren, um das Auge zu trainieren und den unersättlichen Appetit der Netzhaut zu stillen, die bereit war, das kleinste Flattern des Lebens wahrzunehmen.“

Mittlerweile wird Giverny jährlich von mehr als einer halben Million Menschen besucht. Die Franzosen planen, die Aufnahme des Hausmuseums von Claude Monet und des Gartens von Giverny in die Liste des UNESCO-Weltkulturerbes zu beantragen.

Richtungen zu Monets Garten:

Frankreich, Giverny (80 km nördlich von Paris an der Autobahn A13).
Der Garten ist täglich außer montags von 9.30 bis 18.00 Uhr für Besucher geöffnet (der Kartenverkauf endet eine halbe Stunde vor Schließung).

Die Kosten für Eintrittskarten:

Erwachsene: 9 Euro
Kinder ab 7 Jahren und Studenten: 5 Euro
Kinder unter 7 Jahren: kostenlos
Behinderte: 4 Euro

Parken: kostenlos

Denken Sie daran, dass Sie, wenn Sie die Gemälde des Künstlers sehen möchten, das Orsay-Museum, das Orangerie-Museum und hundert andere Museen auf der Welt besuchen müssen, da es hier keine Gemälde des Künstlers gibt.

Der Garten von Claude Monet in Giverny kann zu Recht als echtes Kunstwerk bezeichnet werden, das Sie endlos bewundern können. Das ruhige Dorf Giverny wäre eine ruhige, malerische Provinz geblieben, wenn nicht der impressionistische Künstler mit dem Zug vorbeigekommen wäre und sich in die lokale Schönheit verliebt hätte.

Dank Claude Monet kommen jedes Jahr Touristen hierher, die alle Sehenswürdigkeiten des Anwesens des großen Genies wirklich kennenlernen möchten.

Claude Monet legte großen Wert auf das Licht, seine Schattierungen und das Schattenspiel und vergötterte die Natur wahrlich. Er kaufte 1883 ein einfaches Bauernhaus in Giverny. Dort sollte seine große Familie leben – seine Frau Alice, ihre Kinder aus erster Ehe und ihre gemeinsamen Kinder.

Monet war so verliebt in Blumen, dass er auf seinem Gelände ein ganzes Gewächshaus verschiedener Sorten pflanzte. Der ganze Farbenrausch, das Spiel von Licht und Schatten, einzigartige Landschaften im Grünen spiegelten sich in den Gemälden des Künstlers wider, die er mit besonderer Liebe malte. Wenig später richtete Monet auf dem Gelände hinter dem Haus einen Garten am Wasser ein, dessen Hauptattraktion das ganze Jahr über blühende Seerosen waren. Der Künstler zeichnete sie besonders gerne.

Fast jeden Tag, beginnend um fünf Uhr morgens, verbrachte der Künstler Zeit in diesem Garten und übertrug die gesamte Schönheit der Umgebung auf seine Leinwände. Zu dieser Zeit wurden die Kreationen von Claude Monet von den Fans sehr geschätzt. Kunst und er hat an Popularität gewonnen. Viele Mitarbeiter des großen Künstlers kamen, um den blühenden Garten zu bewundern, mit dem Giverny in Verbindung gebracht wurde großer Name Monet.

Der Impressionist lebte ein langes und glückliches Leben und hinterließ einzigartige Kunstwerke. Heute hat jeder Zutritt zu Monets Nachlass. Dort wachsen noch immer Rosen und verzaubern mit ihrem göttlichen Duft, weiße Seerosen schwimmen im Teich und der unsterbliche Geist des Impressionismus fliegt in der Luft.

Lebende Gemälde von Claude Monet

Elena Tyapkina

„Wenn man Claude Monet in seinem Garten sieht, beginnt man zu verstehen, wie aus einem so großen Gärtner ein so großer Künstler werden konnte“, schreibt der symbolistische Dichter Gustave Kahn nach seiner Reise nach Giverny, einem malerischen Dorf in der Nähe von Paris.
- Monet „großer Gärtner“? Der Dichter hat sich geirrt: Monet ist ein großer Impressionist, der sein Leben lang Bilder gemalt hat!
Aber nein, Kahn hatte recht: Sein ganzes Leben lang – 43 Jahre! Monet hat einen Garten angelegt.

Er liebte Blumen schon immer und malte sie immer. Und 1883, nachdem er sich in Giverny niedergelassen hatte, wurde er Gärtner. Von der Liebe zu Pflanzen fasziniert, schafft er zunächst einen Normandie- und dann einen erstaunlichen Wassergarten. Der Garten entsteht nicht sofort – Monet probiert, sucht, experimentiert ständig. Auf seinen Reisen findet er die Pflanzen, die er braucht: Aus Rouen schickt er Ackersenf und zwei „kleine lustige Kapuzinerkresse“ und aus Norwegen verspricht er den Kindern, „ein paar besondere Pflanzen“ aus dem nördlichen Land mitzubringen.

Er sammelt Bücher über Gartenbau und schätzt vor allem die Übersetzung der berühmten „Illustrated History of Horticulture“ von George Nichols; abonniert fast alle Zeitschriften über Blumen und Gärten; sammelt Saatgutkataloge und ist besonders an neuen Produkten interessiert.
Auf Reisen kehrt der Künstler in Gedanken immer wieder nach Giverny zurück. Er fragt seine Frau Alice, wie es im Garten ist, macht sich Sorgen um die Pflanzen und gibt Ratschläge, wie man die Haustiere im Gewächshaus am besten pflegt. Gibt es noch Blumen im Garten? Ich möchte, dass die Chrysanthemen bis zu meiner Rückkehr dort erhalten bleiben. Wenn es Frost gibt, schneiden Sie sie in schöne Blumensträuße“ (aus einem Brief von 1885).

Tag für Tag, Jahr für Jahr schuf Monet geduldig seinen Garten. Der Blick des Künstlers und die Hände des Gärtners halfen ihm, aus einem gewöhnlichen Anwesen mit Obstbäumen ein lebendiges Bild zu machen, in dem die Schönheit und Vielfalt der Natur durch Farbkombinationen und Formen vermittelt wird. In Monets Garten gab es nichts Überflüssiges, Zufälliges, kein blindes Sammeln – nur Harmonie.

Der Garten wurde zur Fortsetzung seiner Werkstatt. Auf der Suche nach Perfektion schuf Monet zunächst ein Blumengemälde in einem Garten und übertrug es dann auf Leinwand. IN letzten Jahren Leben brauchte er Giverny nicht mehr zu verlassen – er malte einen Garten. Auf einem kleinen Boot entlang der „Gassen“ des Wassergartens malte, malte, malte der Künstler endlos ... eine Buckelbrücke, eine Wasseroberfläche mit Bäumen, Glyzinien und Seerosen, die sich darin spiegeln.

So entstand eine lyrische Gemäldeserie unter dem allgemeinen Namen „Seerosen“. „Es hat lange gedauert“, schrieb Monet, „bis ich meine Seerosen verstehen konnte. Ich habe sie zum Vergnügen gepflanzt, ohne auch nur daran zu denken, dass ich sie jemals schreiben würde.“ Und plötzlich, unerwartet, wurde mir mein sagenhafter, wunderbarer Teich offenbart. Ich habe die Palette genommen, und seitdem habe ich fast nie ein anderes Modell gehabt. Die Wahrnehmung der lebendigen Natur kommt uns nicht sofort in den Sinn.

Monets wunderbarer Garten

Doch all das konnte nicht passieren: Die Behörden erlaubten dem Künstler lange Zeit nicht, einen Wassergarten anzulegen, aus Angst, dass die Nymphen, eine damals unbekannte Blume, das Wasser im Fluss Epte vergiften würden ...

Und leider werden wir nicht viel sehen: Monet war äußerst anspruchsvoll und verbrannte viele Skizzen und bereits fertiggestellte Gemälde ohne Reue. „Wisse, dass ich in meine Arbeit vertieft bin. Landschaften aus Wasser und Spiegelungen sind zu einer Obsession geworden. Das übersteigt meine senilen Kräfte, aber ich möchte Zeit haben, festzuhalten, was ich fühle. Ich zerstöre sie und fange von vorne an“, schrieb er 1908 an den Biographen Gustave Geffroy.

Das bedeutendste Werk des Meisters war eine Reihe riesiger „Dekortafeln mit Seerosen“: „Der Himmel und die Horizontlinie erscheinen nur in der Reflexion.“ In diesen Tafeln befindet sich eine sich ständig verändernde Welt; Die Welt ist unverständlich, aber sie scheint uns zu durchdringen. Und diese sich ewig erneuernde Welt schien sich auf der Oberfläche eines Teiches mit Seerosen aufzulösen.

In seinen letzten Jahren gestand Monet Georges Clemenceau: „Wenn man die Welt um uns herum viele Male beschreibt, beginnt man, die Realität oder das Wenige, das wir begreifen können, besser wahrzunehmen.“ Ich verstehe die Bilder des Universums, um zu bezeugen, was ich mit meinem Pinsel sehe.

Nach dem Tod des Künstlers geriet sein Garten lange Zeit in Vergessenheit. Die Schöpfung, die Monet sein halbes Leben lang mit so viel Sorgfalt und Liebe schuf, geriet nach und nach ins Wanken. Glücklicherweise beschloss die Französische Akademie der Schönen Künste, den Garten wiederherzustellen. Aus kleinen Fragmenten, die über die ganze Welt verstreut waren: Skizzen, Fotografien, Bestellformulare, die Monet in Kindergärten anfertigte, Essays von Journalisten, versuchten sie erneut, ein Gesamtbild zu schaffen. Die Restaurierung dauerte drei Jahre und 1980 kehrten Besucher auf die Wege des Gartens zurück. Auch hier war Monet nie ein Einsiedler und freute sich aufrichtig über jeden Gast.

Der Garten umfasste eine Fläche von etwa zwei Hektar und war durch eine Straße in zwei Teile geteilt. Der nahe dem Haus gelegene Ober- oder Blumengarten wurde an der Stelle eines Gemüsegartens angelegt. Dies ist ein „Herrenhaus in der Normandie“, entworfen im traditionellen französischen Stil. Die zentrale Gasse ist mit Eisenbögen geschmückt, auf denen Kletterrosen klettern. Rosen schmücken die Balustrade rund um das Haus. Der Raum des Gartens ist in Blumenbeete unterteilt, in denen unterschiedlich hohe Blumendickichte Volumen schaffen. Die strengen Geraden der Gassen kontrastieren mit dem bunten Blumenteppich, der das ganze Jahr über duftet. Jede Jahreszeit hat ein besonderes Farbschema. Im Frühling gibt es eine Fülle von Narzissen und Tulpen, dann blühen Rhododendren, Flieder und Glyzinien. Später verwandelt sich der Garten in ein wahres Meer aus Schwertlilien, die der Künstler besonders liebte. Dargestellt ist der von Iris gesäumte Weg berühmtes Gemälde Der Künstlergarten in Giverny. Iris wird durch Pfingstrosen, Taglilien, Lilien und Mohn ersetzt. Im Hochsommer blühen Glockenblumen, Löwenmaul, Prunkwinde, Akelei, Salbei und natürlich Rosen in allen Schattierungen und Formen. Und im September ist die Zeit der Dahlien, Malven, Astern und Chrysanthemen gekommen, die Wege sind mit Kapuzinerkresse besetzt. Dies ist ein wahres Königreich aus Blumen und Farben!

Im Jahr 1893, 10 Jahre nach seiner Ankunft in Giverny, kaufte Monet ein Grundstück neben seinem Anwesen auf der anderen Seite der Eisenbahn und verwandelte es in einen Teich „mit Wasserpflanzen zur Unterhaltung und Erholung für die Augen, sowie a.“ Handlung zum Malen. Bei der Planung des Wassergartens folgte Monet dem Rat eines japanischen Gärtners, der Giverny schon seit einiger Zeit besuchte. Hier sind japanische Motive deutlich zu spüren, der Einfluss der traditionellen orientalischen Philosophie der Naturbetrachtung. 1895 baut Monet die berühmte japanische Brücke, die nach einem Stich von Hokusai in den Garten eingewandert zu sein scheint. Chinesische Ginkgobäume und japanische Obstbäume stachen aus der üblichen Vegetation im Garten hervor; ein dichter Wald aus Bambusdickicht erstreckte sich entlang enger Gassen. Der Teich war dicht mit Farnen, Azaleen und üppigen Rosenbüschen gesäumt. An manchen Stellen wurde das Wasser erhitzt und dort blühten üppige tropische Seerosen. „Hier und da, auf der Wasseroberfläche, Blüten von Seerosen mit purpurrotem Herzen, weiß an den Rändern, gerötet wie Erdbeeren ... und in einiger Entfernung einige Ähnlichkeiten Stiefmütterchen dicht gedrängt wie in einem schwimmenden Blumenbeet, und wie Motten ihre polierten bläulichen Flügel über den durchsichtigen Hang dieses Wasserblumengartens ausbreiten; und auch ein himmlischer Blumengarten…“ – schrieb Marcel Proust.

Das kleine Dorf Giverny tauchte schon vor mehr als tausend Jahren auf den Karten auf, ist aber vor allem als der Ort bekannt, an dem der weltberühmte Impressionist Claude Monet 43 Jahre lang lebte und eine Vielzahl seiner Gemälde schuf. Nur 80 km trennen diesen malerischen Ort von Paris. Dank der Anwesenheit eines berühmten Meisters zu seinen Lebzeiten wurde das unscheinbare Dorf zum Zufluchtsort und Rastplatz für viele Künstler.

Matisse, Cezanne, Renoir und Pissarro gingen einst durch die Straßen von Giverny.

Wie man dorthin kommt

Am romantischsten ist es, auf eigene Faust nach Giverny zu eilen. Der Zug von Paris Saint-Lazare fährt nach Vernon, wo normalerweise ein Bus wartet, der Sie die restlichen 6 km bis zu Monets Garten bringt. Im Café du Chemin de Fer gegenüber dem Bahnhof können Sie für 12 EUR ein Fahrrad mieten. Dieser kurze Weg kann auch zu Fuß zurückgelegt werden: Wir überqueren den Fluss und biegen dann rechts auf die Straße D5 ab. Seien Sie vorsichtig: Wenn Sie Giverny erreichen, biegen Sie an der Gabelung links ab, sonst müssen Sie um den Garten herumgehen.

Mit dem Auto dauert die Fahrt von Paris aus etwa eine Stunde. Nehmen Sie die A13 in Richtung Vernon/Giverny bis zur Ausfahrt 14.

Die Preise auf der Seite gelten für August 2018.

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Claude Monets Garten

Das hübsche Dorf ist nicht nur Monets Zuhause und kreative Werkstatt als Künstler, es ist auch das beste Beispiel für seine herausragenden Fähigkeiten als Landschaftsarchitekt und Gärtner. Schließlich waren es die Weiten von Giverny, die zu einer leeren Leinwand wurden, auf der der Künstler mit verschiedenen Rosen, Hyazinthen, Schwertlilien experimentierte, steife Farne und üppige Pfingstrosen kombinierte und verblasste Vergissmeinnicht mit saftigen Mohnblumen in Szene setzte. Und es waren die Landschaften dieses Gartens, die die Grundlage bildeten die besten Werke Monet.

Jetzt kommen Bewunderer von Monets Werken aus der ganzen Welt hierher, um mit eigenen Augen einen Teich mit Seerosen und eine über einen Teich geworfene japanische Spitzenbrücke zu sehen. Auch diesen Teil des Gartens hat der Künstler mit eigenen Händen bearbeitet und sich so in mühevoller Kleinarbeit eine Inspirationsquelle für die nächsten 20 Jahre geschaffen. Hier hat er geschaffen Berühmte Werke„Felsen der Aiguille und Porte d'Aval“, „Tor von Mannport in Etretat“, „Felsen in Belle-Ile“, „Felsen in Etretat“, „Hack in Giverny“, „Seerosen“.

Monets Herrenhaus in Giverny

Nach dem Tod des Künstlers schenkte sein Sohn Michel das Anwesen der Akademie der Schönen Künste. Seine Mitarbeiter pflegen noch immer sorgfältig das Erscheinungsbild des Hauses und des Gartens in der Form, in der der Besitzer sie hinterlassen hat, und machen diesen Ort zum Hausmuseum des französischen Impressionistenmalers (Musée Claude Monet).

Im Inneren finden Sie keine Werke von Monet, aber das in leuchtenden Farben gestrichene Haus ist voller alltäglicher Details aus dem Leben des Meisters und in der Halle befindet sich das berühmte Seerosen-Atelier, das mit Reproduktionen von Monets Werken dekoriert ist. Die beste Zeit für einen Besuch im Garten ist Mai und Juni, wenn rund um den Teich Glyzinien-Rhododendren zu blühen beginnen.

Praktische Information

Adresse: Giverny, Rue Claude Monet, 65-75. Die offizielle Website des Anwesens (verfügbar auf Französisch, Englisch und Japanisch).

Öffnungszeiten: täglich von April bis November, von 9:30 bis 18:00 Uhr.

Eintritt: 9,50 EUR (Erwachsene), 5,50 EUR (Kinder über 7 Jahre und Studenten), Kinder unter 7 Jahren haben freien Eintritt.

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Sehenswürdigkeiten von Giverny

Ein Spaziergang durch die Umgebung des normannischen Dorfes ist eine Gelegenheit, die Welt mit den Augen von Monet zu betrachten. Es ist unmöglich, den üppigen grünen Hügeln, duftenden Hainen, Steinhäusern, die von gut geschnittenen Holzzäunen umgeben sind, und den mutigen Schwertlilien gleichgültig zu bleiben Geht durch den Straßenstaub, wo es ihnen gefällt, und nicht dort, wo die Hand des Menschen es befiehlt. Und sofort möchte ich mir Bleistift, Kugelschreiber, Pinsel und Kamera schnappen und die bezaubernde Schönheit einer einfachen ländlichen Landschaft einfangen.

Museum des Impressionismus

Neben dem Nest der Familie Monet gibt es in Giverny noch weitere Attraktionen wie das Museum des Impressionismus, das für Wechselausstellungen und Installationen impressionistischer Künstler eingerichtet wurde. Es kommt vor, dass sogar Monets Werke in seinen Hallen ausgestellt sind. Übrigens hieß dieses Gebäude noch vor kurzem Museum of American Art und war auf die Arbeit amerikanischer Künstler spezialisiert, aber es wurde beschlossen, die geografischen Grenzen der Kunst zu verschieben, die die ganze Welt erfasste.

Das Museum ist von Anfang April bis Ende Oktober geöffnet. Übrigens ist der Verkauf von Kombitickets möglich, die beim Besuch mehrerer Sehenswürdigkeiten von Giverny einen Rabatt gewähren. Adresse: Giverny, rue Claude Monet, 99. Weitere Informationen zu Öffnungszeiten und Ticketermäßigungen finden Sie auf der Website des Museums (auf Englisch).

Cafe

Sie können eine angenehme Pause einlegen, indem Sie sich das Haus Nr. 81 in der Claude-Monet-Straße ansehen, wo sich das ehemalige Hotel und heute das schöne Restaurant Hotel Baudy befindet. Dieser Ort ist eine echte Legende: Cezanne, Renoir, Sisley, Rodin tranken einst Kaffee an den Tischen dieses Cafés, und Ende des 19. Jahrhunderts wohnten in den oberen Etagen des Hotels nur noch Künstler. Das „Hotel für amerikanische Künstler“ bewahrte sogar eine Reihe von Gemälden und Skizzen inzwischen berühmter Meister, mit denen die Gäste die Gastgeberin für die Unterkunft bezahlten. Jetzt können Sie französische Küche probieren, indem Sie 25-30 EUR für das Mittagessen bezahlen.

Monets Familiengruft

Neben der Kirche St. Radegunde befindet sich die Grabstätte der Familie Monet. Die alte Kirche ist ein ländlicher, schlichter Tempel, der durch sein Alter und seine besondere Atmosphäre besticht. In dieser Kirche heiratete Monet ein zweites Mal und wurde später in der Familiengruft der Familie beigesetzt. Die älteste Straße des Dorfes, die Rue aux Juifs im mittelalterlichen Teil von Giverny, strahlt einen besonderen Charme aus, wie die alten Gebäude und die Ruinen eines mittelalterlichen Klosters beweisen.

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Wenn Sie 80 km nördlich von Paris fahren, erreichen Sie den malerischen Ort Giverny. Dieses Dorf ist dafür bekannt, dass Claude Monet hier 43 Jahre lang lebte und arbeitete. Nachdem er sich 1883 im Dorf niedergelassen hatte, war der Künstler von der Gartenarbeit so fasziniert, dass auf seinen Leinwänden fast nichts außer der Aussicht auf seinen Lieblingsgarten und das Mohnfeld am Rande des Dorfes zu sehen war.

Monets Garten bestand zunächst nur aus dem an das Haus angrenzenden Gebiet (ca. 1 Hektar). Hier hat der Künstler zunächst eine düstere Allee aus Tannen und Zypressen angelegt. Es blieben aber hohe Baumstümpfe übrig, auf denen dann Kletterrosen kletterten. Doch bald wurden die Schlingpflanzen so groß, dass sie sich schlossen und einen gewölbten Blumentunnel bildeten, der vom Tor zum Haus führte.

Natürlich sind die Stümpfe mit der Zeit zusammengebrochen, und jetzt werden die Rosen von Metallstützen getragen. Dieser Ort ist in den Gemälden des Meisters zu sehen: die Perspektive der Gasse, wo links, rechts und oben üppige Blumen sind und auf dem Weg unten ihre dünnen, durchbrochenen Schatten.

Den von den Fenstern aus sichtbaren Bereich vor dem Haus verwandelte der Künstler in eine Blumenpalette, in der er Farben mischte und aufeinander abstimmte. In Monets Garten ist ein bunter, duftender Blumenteppich in gerade Bahnen unterteilt, wie Farben in einem Kasten.

Monet malte Blumen und malte mit Blumen. Er ist wahr talentierte Person war sowohl ein herausragender Künstler als auch ein herausragender Landschaftsarchitekt. Er nahm das Gärtnern sehr ernst, kaufte spezielle Bücher und Zeitschriften, korrespondierte mit Gärtnereien und tauschte Samen mit anderen Blumenzüchtern aus.

Künstlerkollegen besuchten Monet oft in Giverny. Matisse, Cezanne, Renoir, Pissarro und andere waren hier. Freunde wussten um die Leidenschaft des Besitzers für Blumen und brachten ihm Pflanzen als Geschenk. So ließ sich Monet beispielsweise baumartige Pfingstrosen aus Japan mitbringen.

Zu dieser Zeit wird Claude Monet berühmt. Die Maltechnik dieses Künstlers unterscheidet sich dadurch, dass er keine Farben mischte.

Und er platzierte sie nebeneinander oder schichtete sie mit einzelnen Strichen übereinander. Das Leben von Claude Monet verläuft ruhig und angenehm, seine Familie und seine geliebte Frau sind in der Nähe, die Gemälde sind gut gekauft, der Künstler tut mit Begeisterung das, was er liebt.

1993 kaufte Monet ein sumpfiges Grundstück neben seinem, aber auf der anderen Seite der Bahnstrecke. Hier gab es einen kleinen Bach. An dieser Stelle hat der Künstler mit Unterstützung der örtlichen Behörden einen zunächst kleinen, später vergrößerten Teich angelegt. Im Teich wurden Nymphen verschiedener Sorten gepflanzt, an den Ufern Trauerweiden, Bambus, Schwertlilien, Rhododendren und Rosen.

Es gibt mehrere Brücken über den Teich, dessen Küste sehr kurvenreich ist. Die bekannteste und größte davon ist die von Glyzinien umrankte Japanische Brücke.

Monet hat ihn besonders oft gemalt.

Monets Wassergarten unterscheidet sich deutlich von der Umgebung, er liegt versteckt hinter den Bäumen. Sie können hierher nur durch einen unter der Straße verlegten Tunnel gelangen.

Jeder, der hierher kommt, erstarrt unwillkürlich, hält den Atem an, sieht das Meisterwerk des großen Künstlers und erkennt die Handlung seiner weltberühmten Gemälde.

Claude Monet ließ sich 20 Jahre lang vom Wassergarten inspirieren. Monet schrieb: „... die Offenbarung meines fabelhaften, wundervollen Teichs kam zu mir. Ich habe die Palette genommen und seitdem fast kein anderes Modell mehr gehabt.

Er schuf zunächst Sachgemälde, die sich in der Wasseroberfläche des Teiches spiegelten, und der Künstler übertrug sie dann auf Leinwände. Er stand jeden Morgen um fünf Uhr auf und kam hierher, um bei jedem Wetter und zu jeder Jahreszeit zu malen.

Hier schuf er mehr als hundert Gemälde. Zu dieser Zeit begann Monet sein Augenlicht zu verlieren ... Es wurde für ihn immer schwieriger, kleine Details zu unterscheiden und aufzuschreiben. Die Gemälde des Künstlers verändern sich nach und nach. Details und Nuancen werden durch große Farbstriche ersetzt, die das Spiel von Licht und Schatten zeigen.

Aber selbst in auf diese Weise gemalten Gemälden erraten wir unmissverständlich bekannte Handlungsstränge. Die Kosten für Gemälde steigen weiter ... Claude Monet starb 1926 in seinem Haus in Giverny.

Seine Stieftochter Blanche kümmerte sich um den Garten. Leider verfiel der Garten während des Zweiten Weltkriegs. 1966 übergab Michel Monet, der Sohn des Künstlers, das Anwesen an die Akademie der Schönen Künste, die sofort mit der Restaurierung des Hauses und anschließend des Gartens begann. Mittlerweile wird das Anwesen in Giverny jährlich von einer halben Million Menschen besucht.

Claude Monet lebte ein großes, glückliches Leben. Es gelang ihm, das zu tun, was er liebte: Malen und Gärtnern zu verbinden und ein Leben im Überfluss zu führen. Er war in seinem Privatleben sehr glücklich, er liebte und wurde geliebt. Monet wurde zu Lebzeiten berühmt, was für Künstler selten ist. Und auch heute noch ist er weltweit einer der berühmtesten und beliebtesten Künstler. Und es freut uns besonders, dass dieser herausragende Mensch nicht nur toller Maler, sondern auch unser Kollege und Lehrer, Master of Landscape Art.

Giverny auf den Leinwänden von Claude Monet

Biographie von Claude Monet (1840-1926)

Die Ausbildung von Claude Oscar Monet begann in der Stadt Le Havre in der Normandie, wohin die Familie 1845 aus Paris zog, als der junge Claude erst fünf Jahre alt war. In Le Havre eröffnete sein Vater Claude-Auguste zusammen mit seinem Schwager Jacques Lecadre ein Geschäft für Schiffsausrüstung und Lebensmittel, während sich die Familie im Faubourg Sainte-Adresse am Meeresufer niederließ.

Nachdem er das selbstständige Zeichnen erlernt hatte, sammelte der vierzehnjährige Monet beträchtliche Erfahrung, indem er amüsante Karikaturen der berühmtesten Persönlichkeiten von Le Havre zeichnete. Diese ersten, von wohlwollendem Humor erfüllten Werke aus Bleistift und Kohle zogen schon früh die Aufmerksamkeit der Stadtbewohner auf Monet. Der junge Künstler hat eine „Kundschaft“, jeder will seine Karikatur haben, und er verkauft sie für einen Preis von zehn bis zwanzig Franken. In dieser Zeit beschäftigt sich Monet mit dem Zeichnen unter der Anleitung eines Schülers von David Jacques-Francois Auchard, der an der Hochschule unterrichtet, an der er studiert, und lernt das Werk des Landschaftsmalers Eugene Boudin kennen, der sich von seinen Zeitgenossen darin unterscheidet dass er über die Natur schreibt. Zunächst stand Monet, wie viele andere Einwohner der Stadt, Boudins Methode kritisch gegenüber, doch nachdem er den Künstler persönlich kennengelernt hatte, schloss er sich ihm an und begann auch im Freien zu malen – in der Folge faszinierte ihn die Natur als Maler fürs Leben.

Die Kommunikation mit Boudin bestätigt den jungen Monet in seiner Entschlossenheit, sich ernsthaft mit der Malerei zu beschäftigen; und dafür zieht man am besten in die französische Hauptstadt, wo sich die bedeutendsten Kunstakademien konzentrieren.

Monet hatte eine verständnisvolle Tante, und sie überzeugte seinen Vater, seinem Sohn zu erlauben, das Familiengeschäft in Le Havre zu verlassen und 1859 ein Probejahr in Paris zu verbringen. Nachdem er die Ersparnisse aus dem Verkauf von Karikaturen gesammelt hatte, ging Monet nach Paris und sicherte sich mehrere Empfehlungsschreiben von Sammlern und Kunstliebhabern, die Boudin förderten und Verbindungen zum Künstler Constant Troyon in der Hauptstadt hatten.

Im Mai 1859 zog Monet in die Hauptstadt und studierte einige Zeit an der Akademie der Schweiz und kommunizierte mit Eugene Delacroix und Gustave Courbet. Zur gleichen Zeit lernte der junge Mann Camille Pissarro kennen und besuchte mit ihm oft Brassrey de Martyr („Die Taverne der Märtyrer“), wo sich Realisten unter der Führung von Courbet treffen und wo er zufällig auch Baudelaire traf. Monet besucht die Pariser Salons, besucht den Louvre und schreibt lange Briefe an Boudin mit einem ausführlichen Bericht. In den Salons hat er die Möglichkeit, das Werk von Troyon kennenzulernen und zu schätzen, einem Vertreter der Barbizon-Schule der Landschaftsmalerei, zu der auch Corot, Rousseau und Daubigny gehörten. Monet berät sich mit Troyon über sein eigenes Gemälde und der Künstler empfiehlt ihm, die Werkstatt von Thomas Couture zu besuchen, um das Zeichnen zu lernen. Aber Monet war der akademischen Art, Couture zu malen, fremd und entgegen dem Rat von Troyon arbeitet er weiterhin in den Werkstätten von Künstlern wie Arno Gauthier, Charles Mongineau und Charles Jacques. In dieser Phase lernt Monet auch die Naturmalerei von Daubigny kennen, deren ausgeprägter Naturalismus gleichsam eine Brücke von der Schule von Barbizon zum Impressionismus schlägt.

Im Herbst 1860 wurde Monet zum Militärdienst eingezogen und nach Algerien geschickt, wo er zwei Jahre verbrachte. Er erinnert sich, dass dieser Lebensabschnitt die Entdeckung neuer Farben und Lichteffekte mit sich brachte, die die Ausbildung seiner künstlerischen Wahrnehmung entscheidend beeinflussten. Am Ende seines zweiten Jahres in Algier wird er krankheitsbedingt nach Frankreich zurückgeschickt. In Le Havre trifft Monet Boudin erneut und trifft sich Niederländischer Künstler Johann Jonkind, mit dem sie sofort gute Freunde werden. Am Ende des Sommers, als Monet bereits kurz vor der Genesung steht, beschließt sein Vater aus Angst um den Gesundheitszustand seines Sohnes, denjenigen zu bezahlen, der ihn ersetzen wird Militärdienst und erklärt sich auch bereit, bei weiteren Malstunden mitzuhelfen.

Im November 1862 kehrte Monet nach Paris zurück, wo er auf Anraten eines Verwandten, des akademischen Künstlers Tulmush, einige Zeit in der Werkstatt von Gleyre arbeitete, wo er die Künstler Renoir, Basil und Sisley kennenlernte, die sehr bald seine Freunde wurden enge Freunde.

In dieser Hinsicht hatte das Werk von Manet, der 1863 im Salon des Les Misérables sein „Mittagessen im Gras“ ausstellte, großen Einfluss auf ihn. Die Kontroverse, die von der Presse und den Anhängern der akademischen Kunst im Zusammenhang mit diesem Bild ausgelöst wurde, das eine nackte junge Frau vor der Kulisse eines herrlichen Waldes in Begleitung zweier Männer zeigt, die ihrer Kleidung nach eindeutig zur modernen bürgerlichen Gesellschaft gehören, gab Essen für lebhafte Diskussionen unter jungen Künstlern: Auch Monet beteiligte sich daran. In diesen Jahren, während hitziger Debatten in den Cafés von Gerbois, wurde Manet mit seinen Gemälden zum Symbol der Erneuerung der Malerei und zum geistigen Führer einer Künstlergruppe, die später als „Impressionisten“ bekannt wurde.

Zur gleichen Zeit malten Monet und seine Kameraden in Gleyres Werkstatt häufig im Wald von Fontainebleau nach der Natur, und im Sommer 1864 reiste er in Begleitung von Boudin, Jonkind und Basil nach Honfleur und ließ sich mit letzterem in Saint-Siméon nieder , ein beliebter Ort für Künstler.

1865 stellte er zum ersten Mal im Salon aus und seine beiden Meereslandschaft bescheidenen Erfolg haben. Monet reist nach Chailly, wo er sich im Golden Lion Hotel niederlässt und an zahlreichen Studien für Luncheon on the Grass arbeitet, allesamt Variationen des berühmten Gemäldes von Manet, das 1863 im Salon des Les Misérables ausgestellt wurde. Basile und Camille Donsier, die später seine Lebenspartnerin wurde, posieren für das Foto. Die Skizzen sind für Courbet von großem Interesse, der eigens nach Chailly kam, um den Entstehungsprozess dieses in der Natur entstandenen Gemäldes zu verfolgen.

Gustave Courbet und der Karikaturist Honore Daumier waren wahre Idole von Künstlern, die weit von der offiziell anerkannten Malerei entfernt waren. Die Werke beider – es genügt, an Courbets „Künstlerwerkstatt“ und Daumiers „Kutsche dritter Klasse“ zu erinnern – schockierten offizielle Kreise mit ihrem Realismus sowie der Wahl der Motive, die als vulgär und der Darstellung auf Leinwand unwürdig galten. Beide standen an den Ursprüngen des Realismus – einer Strömung, die nicht nur die Verschmelzung mit der Natur und der Landschaftsmalerei im Freien beinhaltete, sondern auch die Suche nach Ausdrucksmitteln für die künstlerische Verkörperung der Realität, bei der jeder Mensch, unabhängig von seinem sozialen Status, eine Rolle spielt Rolle. Es ist verständlich, dass Monet Courbet bewunderte und seine Technik, insbesondere die Verwendung dunkler Hintergründe, mit Interesse studierte.

Auf dem Gemälde „Camille in Grün“ ist ein Porträt von Monets Freund zu sehen vollständige Höhe, geschrieben im Jahr 1866 – der Künstler zollt ihm zweifellos Tribut Maltechnik Courbet. Es ist dieses Werk, das im Salon von 1866 ausgestellt wird und von Kritikern positive Kritiken erhält; In der Presse wird über ihn gesprochen, und das Echo seines Erfolgs erreicht Le Havre, wodurch er den Respekt seiner Familie zurückgewinnt. Zu dieser Zeit arbeitete der Künstler in Ville d'Avre, wo er nach dem Leben ein großes Gemälde „Frauen im Garten“ malte; für alle vier weiblichen Figuren posiert ein Modell, Camille. Dieses von Basil gekaufte Gemälde wurde abgelehnt von der Jury des Salons von 1867.

Diese Zeit war für Monet sehr schwierig, da er extrem knapp bei Kasse war, ständig von Gläubigern verfolgt wurde und sogar versuchte, Selbstmord zu begehen. Der Künstler muss ständig von Ort zu Ort ziehen, entweder nach Le Havre, dann nach Sainte-Adresse, dann nach Paris, wo er wundervolle Stadtlandschaften malt. Dann geht er erneut in die Normandie, nach Etretat, wo ihm der Kaufmann Godibert hilft, der im Glauben an ihn mehrere Gemälde kauft und ihm 1869 ein Haus in Saint-Michel de Bougival, einem Dorf am Ufer des Flusses, zur Verfügung stellt Seine liegt einige Kilometer nordwestlich von Paris.

Auguste Renoir besucht ihn oft in Saint-Michel und die Künstler beginnen, gemeinsam an denselben Themen zu arbeiten. In diesem Stadium wird die Natur zum eigentlichen Untersuchungsgegenstand. Hier, unweit von Paris, zwischen Chatou und Bougival, am Ufer eines der Seinearme, finden die Künstler die farbenfrohste Ecke, die sich am besten zum Studium von Blendungen und Spiegelungen auf dem Wasser eignet – ein kleines Restaurant und ein angrenzendes Badeplatz, ein Sonntagsruheplatz für wohlhabende Pariser. Die Aufmerksamkeit des Künstlers wird vor allem durch flüchtige Effekte in einer sich ständig verändernden Natur erregt; Diese Ausrichtung selbst wird zu Monets kreativem Credo, dem er auch in den folgenden Jahren treu bleibt.

Aus ihrer gemeinsamen kreativen Tätigkeit entstehen berühmte Ansichten Bäder und ein Restaurant, bekannt als „Frosch“. Dieses Bild zeugt, wie auch die zwei Jahre zuvor gemalte Terrasse von Sainte-Adresse, vom Einfluss Monets auf die Malerei. orientalische Kunst, die sich in Frankreich in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts im Zusammenhang mit dem Beginn des Sammelns japanischer Grafiken verbreitete. In der japanischen Kunst entdeckten Monet und seine Zeitgenossen vielversprechende neue Möglichkeiten, die umgebende Welt im Einklang mit dem „Atmosphärensinn“ wiederzugeben.

Auf der Grundlage von Monets Gemälde lässt sich die Komplexität der Beziehung zwischen Impressionismus und japanischem Einfluss am besten erforschen. Ich war mein ganzes Leben lang ein begeisterter Fan Japanische Kunst. Es hieß, dass an den Wänden seines Hauses in Argenteuil, als er in den 70er Jahren dort lebte, japanische Fächer hingen; in seinem letzten Haus in Giverny wird noch immer eine umfangreiche Sammlung japanischer Stiche aufbewahrt, die er im Laufe der Jahre seiner Arbeit gesammelt hat; und 1892 schrieb Edmond de Goncourt in sein Tagebuch, dass er Monet oft in der Bint Gallery traf, einem Zentrum für den Handel mit orientalischen Werken.

In japanischen Holzschnitten entdeckte er die kompositorischen Effekte, die durch eine scharfe Verkürzung und einen dramatischen Rand der Komposition mit einem Rahmen erzielt werden. In seinen letzten Jahren sagte er zum Herzog von Trevize: „An japanischen Künstlern schätzten wir im Westen vor allem den Mut, mit dem sie ihre Themen gestalten.“ Diese Leute haben uns eine neue Komposition beigebracht. Es besteht kein Zweifel daran." Seine Werke gehören tatsächlich zu einer neuen Art von Komposition. 1867 malte er „Die Terrasse von Sainte-Adresse“, das er sein „Werk“ nannte. Chinesisches Gemälde mit Fahnen. Es ist in der Tat eine markante Komposition – mit einem oberen Winkel und ohne Zentrum. Die weite Fläche des Meeres ist übersät mit Segelbooten unterschiedlicher Größe – es gibt etwa dreißig davon; Neben einem Streifen Himmel, der in bewölkte und wolkenlose Teile unterteilt ist, nimmt die Terrasse selbst die Hälfte der Komposition ein, auf der wir viele leuchtende Gladiolen und Kapuzinerkresse sehen, und die Farbvielfalt wird durch zwei leicht asymmetrisch platzierte Flaggen verstärkt auf beiden Seiten der Terrasse.

Im Zusammenhang mit dem Fortschritt sollte auch der Prozess der Bildung einer neuen künstlerischen Sprache betrachtet werden Wissenschaft XIX Jahrhundert und seine neuesten Errungenschaften, insbesondere die Forschungen von Wissenschaftlern wie Eugène Chevreul auf dem Gebiet der Optik und Farbkontraste, die in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts in Frankreich weit verbreitet waren. Basierend auf der Beobachtung des physikalischen Phänomens der Wahrnehmung haben Wissenschaftler festgestellt, dass das Sehen das Ergebnis des Zusammenspiels der vom Auge wahrgenommenen Elemente ist und dass die Farbe eines Objekts vom Material, aus dem es besteht, und von der Nähe davon abhängt andere Objekte und die Qualität des Lichts. Diese Prinzipien hatten zusammen mit den Offenbarungen der japanischen Kunst einen starken Einfluss auf Monet, Renoir und alle Künstler, die lieber im Freien malen. Spuren dieser Prinzipien sehen wir in der impressionistischen Maltechnik: Die reinen Farben des Sonnenspektrums werden direkt auf die Leinwand aufgetragen und nicht auf der Palette gemischt.

Im Juni 1870 fand die Hochzeit von Monet und Camille Donsier statt, an der Gustave Courbet teilnahm. Die Jungen ziehen in die Normandie, nach Trouville, wo sie vom Beginn des Deutsch-Französischen Krieges erfasst werden. Monet will als Republikaner nicht für das Imperium kämpfen und flüchtet unter diesem Vorwand nach England.

In London trifft er Daubigny und Pissarro, mit denen er an Ansichten der Themse und den Nebeln des Hyde Parks arbeitet. Bei Nebeleffekten war es schwierig, den richtigen Zeitpunkt zu wählen. Der Winter 1870-1871 in London ist der schlimmste seit einem Jahrhundert. Das Vorhandensein von Nebel ist besonders in Monets Ansichten des erst ein Jahr zuvor eröffneten Parlaments, des Green Park, des Hyde Park und des London Pool zu spüren. Er selbst liebte den Londoner Nebel, was er Rene Gimpel gestand: „Ich mag London mehr als die englische Landschaft. Ja, ich liebe London. Es ist wie eine Masse, wie ein Ensemble und doch so einfach. Mein Favorit ist der Londoner Nebel. Wie konnten englische Künstler des 19. Jahrhunderts ihre Häuser Stein für Stein streichen? Auf ihren Gemälden stellten sie sogar Ziegelsteine ​​dar, die sie nicht einmal sehen konnten. Ich liebe London nur im Winter. Im Sommer ist die Stadt gut für ihre Parks, aber das ist nichts im Vergleich zu Winter und Winternebel: Ohne Nebel wäre London keine schöne Stadt. Der Nebel verleiht ihm ein erstaunliches Ausmaß. Unter seiner geheimnisvollen Hülle werden eintönige, riesige Viertel grandios. Anschließend kam er immer wieder nach London und malte mehr Londoner Landschaften als jeder andere berühmte Künstler.

In London arbeiteten sowohl Monet als auch Pissarro hart. Jahre später (1906) schrieb Pissarro an den englischen Kritiker Winford Dew-Hirst (der damals an einem Buch über die Impressionisten arbeitete): „Monet und ich liebten die Londoner Landschaft. Monet arbeitete in Parks, und ich, der in Lower Norwood lebte, einem damals bezaubernden Vorort, arbeitete an der Wirkung von Nebel, Schnee und Frühling. Wir haben aus der Natur geschrieben. Wir haben auch Museen besucht. Natürlich waren wir beeindruckt von den Aquarellen und Gemälden von Turner und Constable, den Leinwänden von Old Crome. Wir bewunderten Gainsborough, Lawrence, Reynolds und andere, aber besonders beeindruckt waren wir von Landschaftsmalern, die unsere Ansichten über Freilichtmalerei, Licht und flüchtige Effekte teilten. Unter zeitgenössische Künstler wir interessierten uns für Watts und Rossetti.

Daubigny stellt Monet dem französischen Kunsthändler Paul Durand-Ruel vor. Während seines Aufenthalts in London eröffnete Durand-Ruel eine Galerie in der Bond Street. Dieses Treffen erwies sich als sehr wichtig, da es Durand-Ruel war, der das Werk von Monet und anderen Künstlern der zukünftigen Impressionistengruppe mit Vertrauen und Interesse behandelte und ihnen bei der Organisation von Ausstellungen und dem Verkauf von Gemälden half. Mit Ausnahme der zweiten Ausstellung im Jahr 1871 vertrat Durand-Ruel die Impressionisten auf allen Ausstellungen der Gesellschaft französischer Künstler. Die Werke von Pissarro und Monet wurden häufig ausgestellt, und die geforderten Preise zeigten, wie Durand-Ruel sie selbst schätzte. Bei einer Ausstellung im Jahr 1872 wurden Pissarros Ansichten von Norwood und Sydenham mit 25 Guineen bewertet, und im nächsten Jahr wurde Monets „Parlamentshaus“ für 30 Guineen verkauft.

Monet und Pissarro reichten ihre Arbeiten zur Sommerausstellung der Royal Academy ein, aber, wie Pissarro reumütig bemerkte: „Natürlich wurden wir abgelehnt.“ Es muss Durand-Ruel zu verdanken sein, dass ihre Gemälde 1871 in der französischen Sektion der Internationalen Ausstellung in South Kensington ausgestellt wurden, aber trotz vieler Kommentare zur Ausstellung in der Presse blieben sie unbemerkt.

1871 erfährt Monet vom Tod seines Vaters und reist nach Frankreich. Unterwegs besucht er Holland, wo er, beeindruckt von der Pracht der Landschaft, eine Weile innehält und mehrere Gemälde mit Windmühlen malt, die sich im ruhigen Wasser der Kanäle spiegeln.

Dank Manet, mit dem ihn inzwischen eine starke Freundschaft verbindet, findet er in Argenteuil am Ufer der Seine ein Haus mit einem Garten, in dem er Blumen anbauen kann, was schließlich zur wahren Leidenschaft des Künstlers wurde.

Renoir besuchte ihn oft: Sie kamen sich damals sehr nahe, das gemeinsame Bilderlebnis beeinflusste nicht nur die Entwicklung ihres individuellen Malstils, sondern auch die Entstehung des Impressionismus im Allgemeinen. Der Sommer 1873 erwies sich als luxuriös. Sie malten oft die gleichen Landschaften und erzielten mit kleinen, pulsierenden Strichen erstaunliche Licht- und Farbeffekte, als würden sie mit einer Spritzpistole auf die Leinwand aufgetragen. Nie wieder werden ihre Arbeiten so ähnlich sein. Als 1913 zwei ihrer Werke zum gleichen Thema – in einem Teich schwimmende Enten – in der Durand-Ruel-Galerie ausgestellt wurden, konnte keiner von ihnen sein Gemälde identifizieren. Im Garten von Monets Haus in Argenteuil malten sie sich gegenseitig bei der Arbeit. Renoir stellte seinen Freund vor dem Hintergrund einer Masse bunter Dahlien dar, deren leuchtende Farben durch das Gelb und Grau der Häuser im Hintergrund verstärkt werden. Auch die Häuser werden durch den Schein heller Wolken hervorgehoben, kaum berührt vom gelben Licht der Abendsonne. Diese idyllische Zeit ihrer gemeinsamen Leidenschaft für Licht und Farbeffekte Mit besonderer Brillanz vermittelte Monet in einem Bild die Fassade seines Hauses: Camille, die an der Tür steht, und eine kleine Jean-Figur auf dem Bahnsteig, mit Strohhut und einem Reifen in der Hand. Wie das Renoir-Gemälde ist es mit leichten, zitternden Strichen gemalt, aber es gibt einen deutlichen Unterschied zwischen dem detaillierten Blattwerk und der fast oberflächlichen Interpretation anderer Details: der Figur von Camille und den blauen Blumentöpfen, die vor dem Haus aufgestellt sind.

Dieser Sommer war für beide Künstler außerordentlich fruchtbar, und für Monet war der folgende Winter nicht weniger fruchtbar. Nie zuvor hatte sie ein so starkes Bedürfnis erfasst, das, was sie gerade sahen, künstlerisch auszudrücken und die Realität ihres Seherlebnisses in leuchtende, reine Farben zu verwandeln.

Zu dieser Zeit verbesserte sich auch die finanzielle Situation des Künstlers deutlich: Das väterliche Erbe und die Mitgift von Camilles Frau bescheren Monets Familie etwas Wohlstand. Nach wie vor reist er von Zeit zu Zeit in die Normandie.

1872 schrieb Monet in Le Havre „Impression. Sonnenaufgang“ – ein Blick auf den Hafen von Le Havre, später präsentiert auf der ersten Ausstellung der Impressionisten. Hier löste sich der Künstler offenbar endgültig von der allgemein akzeptierten Vorstellung des Bildobjekts als eines bestimmten Volumens und widmete sich ganz der Darstellung des momentanen Zustands der Atmosphäre in Blau- und Rosa-Orange-Tönen. Tatsächlich scheint alles ungreifbar zu werden: Der Pier und die Schiffe von Le Havre verschmelzen mit Flecken am Himmel und Spiegelungen im Wasser, und die Silhouetten von Fischern und Booten im Vordergrund sind nur dunkle Flecken, die mit mehreren intensiven Strichen entstanden sind. Die Ablehnung der akademischen Technik, der Malerei unter freiem Himmel und die Wahl ungewöhnlicher Sujets wurden von den damaligen Kritikern mit Feindseligkeit aufgenommen. Louis Leroy, der Autor eines wütenden Artikels, der im Sharivari-Magazin erschien, verwendete im Zusammenhang mit diesem besonderen Gemälde erstmals den Begriff „Impressionismus“ als Definition einer neuen Tendenz in der Malerei.

Doch wer sind diese „auserwählten und kenntnisreichen Kenner“, die die Werke der Impressionisten kaufen? Der erste war der italienische Graf Armand Doria (1824-1896), dessen Gesichtszüge und Manierismen laut seinem Freund Degas an Tintoretto erinnerten. Auf der Ausstellung kaufte er Cézannes Haus des Gehenkten für 300 Franken. Er blieb ein ständiger Förderer von Renoir: Nach seinem Tod, als die Sammlung verkauft wurde, befanden sich zehn Renoir-Gemälde darin. "Eindruck. „Sunrise“ wurde von Georges de Bellio gekauft, einem homöopathischen Arzt, der ursprünglich aus Rumänien stammt; Pissarro bat ihn immer wieder um Rat, wenn seine Kinder krank waren, oder bat ihn, ein Gemälde zu kaufen, wenn er es brauchte. Monet wandte sich auch immer wieder hilfesuchend an ihn, insbesondere in folgendem Brief: „Es ist unvorstellbar, wie unglücklich ich bin. Sie können jederzeit kommen, um meine Sachen zu beschreiben. Und das war genau zu dem Zeitpunkt, als ich die Hoffnung hatte, meine Angelegenheiten zu verbessern. Ohne Mittel auf die Straße geworfen, bin ich bereit, jeden Job zu finden, der mir in den Weg kommt. Das wird ein schrecklicher Schlag sein. Ich möchte gar nicht darüber nachdenken. Ich mache einen letzten Versuch. Hätte ich 500 Franken gehabt, wäre ich gerettet worden. Ich habe noch 25 Gemälde übrig. Für diesen Betrag bin ich bereit, sie Ihnen zu geben. Indem Sie diese Leinwände nehmen, werden Sie sie retten.“ De Bellio kaufte außerdem acht Gemälde von Renoir sowie mehrere Gemälde von Sisley, Morisot, Pissarro und Degas.

Monet hatte auch einen weiteren reichen Gönner – Louis-Joachim Godiber (1812-1878), einen Geschäftsmann und Amateurkünstler aus Havre, der in einem neu erbauten Schloss in Montivilliers lebte. 1868 kaufte er mehrere Gemälde des Künstlers von Gläubigern und zahlte im selben Jahr und im darauffolgenden Jahr Monet den Unterhalt. Er gab ihm auch mehrere Porträts seiner Familienangehörigen in Auftrag. Kaufte Gemälde von Monet und einem anderen lokalen Tycoon, Oscar Schmitz. Der gebürtige Schweizer leitete ein großes Baumwollunternehmen in Le Havre. Doch der bedeutendste Förderer Monets in der ersten Hälfte seines Lebens war Ernest Gauschede (1838-1890), mit dem ihn später im Leben eine enge Verbindung verband. Dieser Direktor eines der großen Kaufhäuser, die während des Zweiten Kaiserreichs in Paris entstanden, lebte in Maugeron, in einem imposanten Renaissance-Herrenhaus. Dort bewahrte er eine Gemäldesammlung auf, zu der sechs Werke von Manet, dreizehn von Sisley, neun von Pissarro, sechs von Degas und mindestens sechzehn Werke von Monet gehörten, bei dem er 1876 eine Reihe dekorativer Gemälde für sein Zuhause in Auftrag gab.

Nachdem Monet erneut nach Holland gereist ist, kehrt er nach Argenteuil zurück. Dort trifft Monet den Künstler und Sammler Gustave Caillebotte, sie werden gute Freunde. In Argenteuil richtet Monet nach dem Vorbild Daubignys eine schwimmende Werkstatt zum Schreiben direkt auf der Seine ein. Er ist immer noch begeistert von der Blendung auf dem Wasser und entwickelt und verfeinert in Zusammenarbeit mit Renoir, Sisley und Manet eine Technik, die es ihm ermöglicht, Lichteffekte schneller zu erfassen, als sich die Beleuchtung ändert. Am 24. April 1874 wird im Atelier des Fotografen Nadar am Boulevard des Capuchins in Paris eine Ausstellung der Anonymen Gesellschaft der Künstler von Malern, Bildhauern und Graveuren eröffnet; Monet, Degas, Cezanne, Berthe Morisot, Renoir, Pissarro und viele andere Künstler unterschiedlicher Stilrichtungen werden dort ausgestellt, vereint durch den leidenschaftlichen Wunsch, sich von der offiziellen Malerei, die in den Salons präsentiert wird, zu distanzieren. Die Ausstellung wurde in der Presse kritisiert und die Öffentlichkeit reagierte negativ darauf; Die ausgestellten Werke, insbesondere die Gemälde einer Monet nahestehenden Künstlergruppe, waren zu neu und unverständlich für Bewunderer der akademischen Malerei, die stets in der Werkstatt entstand und davon ausging, dass Kunst nichts anderes sei als der Wunsch, die Realität zu idealisieren, zu verbessern im Namen der Kanons der klassischen Kultur.

Auch die zweite Ausstellung der Gruppe, die 1876 in Durand-Ruels Werkstatt organisiert wurde, stieß bei der Kritik nicht auf Verständnis. Anschließend stellte Monet achtzehn seiner Werke aus, darunter das Gemälde „Japanerin“. Emile Zola, der stets mit den Impressionisten sympathisierte, erkannte nach dieser Ausstellung Monet als den unbestrittenen Anführer der Gruppe an. Nach dem Scheitern der Ausstellung konnten die Gemälde nur schwer verkauft werden, die Preise waren extrem niedrig und für Monet begann erneut eine Zeit materieller Schwierigkeiten. Als er im Sommer nach Argenteuil zurückkehrte, traf er den Finanzier und Sammler Ernest Goshede.

Im Spätherbst kehrt Monet mit dem Wunsch nach Paris zurück, Ansichten der Winterstadt durch einen Nebelschleier zu malen, und beschließt, den Bahnhof Saint-Lazare zu seinem Objekt zu machen. Mit Genehmigung des Regisseurs Eisenbahnen Er sitzt am Bahnhof und arbeitet den ganzen Tag, wodurch er ein halbes Dutzend Leinwände schafft, die später vom Kaufmann Paul Durand-Ruel erworben werden.

Mittlerweile finden recht regelmäßig Ausstellungen einer Künstlergruppe statt, die heute als Impressionisten bekannt ist. Der dritte fand 1877 statt, der vierte im Jahr 1879, aber die Öffentlichkeit steht dieser Richtung immer noch feindselig gegenüber, und die erneut von Gläubigern bedrängte finanzielle Situation von Monet scheint aussichtslos. Aus diesem Grund ist er gezwungen, mit seiner Familie von Argenteuil nach Vetheuil zu ziehen, wo er mit dem Ehepaar Goshede lebt und mehrere prächtige Landschaften mit Ansichten der Umgebung malt.

1879 stirbt Camilla nach langer Krankheit im Alter von nur zweiunddreißig Jahren. „Heute Morgen, um halb elf, beruhigte sich meine arme Frau nach unerträglichem Leid. Ich bin in einem furchtbar deprimierten Zustand, völlig allein mit meinen unglücklichen Kindern. Ich schreibe Ihnen mit der Bitte, mir noch einen Gefallen zu tun: Könnten Sie beim Mont des Pitiers (Pfandhaus der Stadt Paris) ein Medaillon einlösen, für das ich Ihnen eine Kaution übersende? Dieses Ding lag meiner Frau am Herzen, und zum Abschied von ihr möchte ich ihr dieses Medaillon um den Hals legen“, schrieb Monet an seinen Wohltäter Georges de Bellio.

Im Jahr 1879 malt Monet ein wunderschönes Porträt seiner geliebten Frau. Ein Jahr später schickt Monet zwei Gemälde in den Salon, doch nur eines davon wird von der Jury angenommen. Dies ist die letzte offizielle Ausstellung, an der Monet teilnimmt.

Im Juni desselben Jahres wird im Saal der Zeitschrift „Vi Modern“ („Modernes Leben“) des Verlegers und Sammlers Georges Charpentier eine Ausstellung mit achtzehn Gemälden von Monet eröffnet. Es beschert dem Künstler den lang ersehnten Erfolg in der Presse. Und der Verkauf von Gemälden aus dieser Ausstellung ermöglicht es Monet, seine finanzielle Situation zu verbessern.

Schließlich erreichte er, dass er tun und lassen konnte, was er wollte, ohne an den Verkauf seiner Bilder denken zu müssen. Beginnend mit seiner persönlichen Ausstellung im Georges Petit im Jahr 1880 erweiterte sich der Kreis seiner Mäzene. Sein Einkommen aus Durand-Ruel betrug 1881 20.000 Francs; Darüber hinaus profitierte er vom Verkauf seiner Werke privat und über andere Händler.

Zum Schreiben geht er nach Fécamp in der Normandie, wo ihn die Natur, das Meer und die besondere Atmosphäre dieses Landes anziehen. Dort arbeitet er, lebt entweder in Dieppe, in Pourville oder in Etretat und schafft eine Reihe großartiger Landschaften.

Unterdessen finden in der Gruppe der Impressionisten gewisse Veränderungen statt und es droht eine Spaltung. Renoir nahm bereits 1878 nicht an der vierten Ausstellung der Impressionisten teil, da er glaubte, dass er versuchen sollte, auf den offiziellen Weg zurückzukehren und deshalb seine Werke im Salon auszustellen. Monet selbst versucht 1880 dasselbe und nimmt 1881 nicht an der sechsten Ausstellung der Gruppe, sondern an der siebten Ausstellung von 1882 teil.

1883 stirbt Manet, sein Tod fällt symbolisch mit dem Zerfall der Gruppe zusammen. Im Jahr 1886 fand offiziell die achte und letzte Ausstellung der Impressionisten statt, an der jedoch Renoir, Monet und Sisley nicht teilnahmen; aber Georges Seurat und Paul Signac erklärten sich. Vertreter eines neuen Trends – des sogenannten Pointillismus. In dieser Zeit reist Monet, der 1883 mit der Familie Gauchede in die Kleinstadt Giverny zog, nach Italien, nach Bordighera, wo er die Pracht des Lichts bewundert und an Ausstellungen teilnimmt, die der Kaufmann Georges Petit in Paris organisiert. Seine Reisen in die Normandie, nach Etretat hören nicht auf; dort trifft er Guy de Maupassant. Im Jahr 1888 arbeitet Monet in Antibes. Dank des Interesses von Theo van Gogh – dem Besitzer der Galerie und Bruder des Künstlers – gelingt es ihm, mit verhaltener Unterstützung der Kritiker in zwei Pariser Galerien auszustellen.

Im folgenden Jahr erzielt Monet endlich einen echten und dauerhaften Erfolg: In der Petit Gallery wird zeitgleich mit einer Ausstellung mit Werken des Bildhauers Auguste Rodin eine Retrospektive von Monet organisiert, die einhundertfünfundvierzig seiner Werke aus dem Jahr 1864 präsentiert bis 1889. Monet wird ein berühmter und angesehener Maler.

Nach der von Durand-Ruel im Jahr 1886 in New York veranstalteten Ausstellung interessierten sich die Amerikaner für Monets Schöpfungen. Das Ergebnis war ausgezeichnet. Im Jahr 1887 erreichte Monets Gesamteinkommen 44.000 Franken, und 1891 brachten ihm Durand-Ruel und die Firma „Busso und Valadon“ etwa 100.000 Franken. Im Zeitraum von 1898 bis 1912 schwankte sein Einkommen um die 200.000.

Der Wohlstand, von dem er in seiner Jugend so verzweifelt geträumt hatte, wurde schließlich erreicht, und er nutzte ihn sinnvoll aus und schuf sich eine Zitadelle des wirtschaftlichen und geistigen Friedens. Noch nie in der Kunstgeschichte war der Name eines Künstlers so eng mit seiner Heimat verbunden. Diese Zitadelle hatte auch physikalische Parameter. Im Jahr 1883 begann er, ein Haus in Giverny von einem normannischen Grundbesitzer zu mieten (der Eigentümer selbst zog in das Dorf Vernoy), und Monet lebte dreiundvierzig Jahre lang in diesem Haus, bis zu seinem Tod im Jahr 1926. Für die Welt der Kunst haben Haus und Garten in Giverny damals und bis heute die gleiche Bedeutung wie Assisi für die Anhänger des Heiligen Franziskus. Ständig umgeben von einer lärmenden Schar adoptierter Kinder und den Sorgen einer liebevollen, aber mürrischen Frau, pflegte Monet Beziehungen zu einem riesigen Freundeskreis: Künstlern und Schriftstellern.

Der Reisende Monet war im Gegensatz zu anderen Impressionisten ein begeisterter Künstler. Er reiste nach Norwegen, wo sein Adoptivsohn Jacques lebte; unternahm Reisen nach Venedig, nach Antibes, nach Holland, in die Schweiz, mehrmals nach London. In Frankreich besuchte er Petit-Dal an der Küste der Normandie, wo sein Bruder sein Haus hatte; Belle-Ile, Noirmoutier, das Creuse-Tal im Zentralmassiv; schließlich Rouen, wo er mehrere Tage verbrachte. Von all diesen Orten brachte er einen Stapel Skizzen mit, die er in Giverny fertigstellte. Er reiste ziemlich oft nach Paris – es war gut, nicht weit zu reisen: entweder ins Theater oder in die Oper, wo er gerne Boris Godunow zuhörte und später Diaghilews russisches Ballett bewunderte, das er sehr schätzte. Er verfolgte aufmerksam die laufenden Ausstellungen, insbesondere die, an denen Van Gon, Seurat, Gauguin sowie Vuillard und Bonnard teilnahmen, die zu ihm nach Giverny kamen. Monet las viel und interessierte sich besonders für Michelets umfangreiche „Geschichte Frankreichs“, die ihm seit seiner Kindheit bekannt und nahrhaft war starkes Gefühl Patriotismus in vielen seiner Werke. Er las fleißig moderne Autoren: Flaubert, Ibsen, Goncourt, Mallarmé, Tolstoi und Ruskin. Er verfügte über eine umfangreiche Sammlung von Büchern über Gartenarbeit.

Monet investierte viel Arbeit in seine Umgebung und verwandelte ein heruntergekommenes normannisches Haus in einen idealen Wohnort. Julie Manet, Tochter von Berthe Morisot und Eugène Manet, die das Haus 1893 kurz nach einigen von Monet vorgenommenen Umbauten besuchte, schrieb in ihrem bezaubernden Tagebuch der Eindrücke: „Seit unserer letzten Reise nach Giverny hat sich das Haus merklich verändert. Über der Werkstatt richtete sich M. Monet ein Schlafzimmer mit großen Fenstern und Türen sowie Parkett aus harzigem Kiefernholz ein. In diesem Raum hängen viele Gemälde, darunter Isabelle, die sich die Haare kämmt, Gabriel am Becken, Cocotte mit Hut, ein Pastell mit Maman, ein Pastell von Onkel Edward, ein sehr attraktiver Akt von Mr. Renoir, Gemälde von Pissarro usw.

Aber der Garten schien noch erstaunlicher zu sein: Er drückte nicht nur die Persönlichkeit von Monet aus, sondern war auch selbst ein Wahrzeichen. Fast sein ganzes Leben lang lebte Monet in Häusern mit Garten, in Argenteille und in Veteil, und er hat sie sicherlich in seinen Gemälden festgehalten. Er wurde von Caillebotte ermutigt, mit der Gartenarbeit zu beginnen, der einen wunderschönen Garten in Petit-Genville hatte und mit ihm in besonderen Angelegenheiten korrespondierte. Es waren fruchtbare Zeiten für Gärtner. Neue Pflanzen wurden aus Amerika und Fernost nach Europa importiert. In den 1880er Jahren ergab sich für diejenigen, die keinen Zugang zu Baumschulen hatten, eine neue Möglichkeit, Samen per Post zu bestellen: Dieses neue Geschäft boomte. Monet sammelte eifrig Samenkataloge und „arrangierte“ seine Gärten wie ein malerisches Bild. In seinen in Argenteuil angefertigten Notizen wird beispielsweise eine Momentaufnahme der Farbverteilung für sieben Rosenreihen gegeben: Lila, Weiß, Rot, Lila, Gelb, Creme, Rosa.

Als er zum ersten Mal in Giverny ankam, sah er am Haus nur einen gewöhnlichen Garten, typisch für ein französisches Dorf. Monet begann sofort mit der Neugestaltung: Zunächst verlieh er ihm Geometrie, indem er bestimmte „Gartenblumen“ pflanzte: Marshmallows, Dahlien, Rosen, Kapuzinerkresse, Gladiolen; Er pflanzte sie in einer solchen Reihenfolge, dass sie fast das ganze Jahr über blühten. Der Garten umfasste etwa zwei Hektar und ein Teil davon lag auf der anderen Straßenseite. In der Nähe befand sich ein kleiner Teich; Monet kaufte es 1893 zusammen mit den umliegenden Grundstücken. Nachdem er die Erlaubnis der örtlichen Behörden erhalten hatte, baute er es in einen Wassergarten um und ließ Wasser aus dem nahegelegenen Fluss Epte durch die Schleusen hinein. Rund um den Teich pflanzte er Blumen und Sträucher: einige waren lokalen Ursprungs – Himbeeren, Pfingstrosen, Stechpalmen, Pappeln; Teil exotischer Pflanzen - Japanische Kirsche, rosa und weiße Anemonen. Die beiden Gärten wurden bewusst gegensätzlich angelegt. Dasjenige, das sich am Haus befand, behielt das traditionelle französische Aussehen bei: mit Gassen, die von Schlingpflanzen umrankt waren; Wege, die im rechten Winkel zueinander verlaufen und über Stufen von einem Teil des Gartens zum anderen führen. Der Garten, der sich auf der anderen Straßenseite und rund um den Teich erstreckte, war bewusst exotisch und romantisch angelegt. Bei der Planung folgte Monet dem Rat eines japanischen Gärtners, der Giverny schon seit einiger Zeit besuchte: Chinesischer Ginkgo, japanische Obstbäume, Bambus, eine japanische Brücke, als ob sie aus Hokusais Stich hierher eingewandert wäre, stachen aus der bescheidenen, gewohnten Vegetation hervor. Seerosen schwammen im Teich und der Garten war mit einem Labyrinth aus gewundenen und sich kreuzenden Wegen übersät.

„Mein schönstes Werk ist mein Garten“, sagte Monet. Und die Zeitgenossen stimmten ihm zu. Proust beschrieb diesen Garten sehr treffend: „Dies ist kein Garten eines alten Floristen, sondern eher der Garten eines Koloristen, wenn ich ihn so nennen kann, ein Garten, in dem die Gesamtheit der Blumen keine Schöpfung der Natur ist, denn sie sind es.“ so gepflanzt, dass nur Blumen in harmonierenden Farbtönen gleichzeitig blühen. So entsteht ein endloses Feld aus Blau oder Rosa.

Octave Mirbeau, ein Schriftsteller und Kritiker, der nie an Beinamen gespart hat, schenkt diesen Nachlass Gesamte Beschreibung: „Im Frühling erheben Schwertlilien vor dem Hintergrund blühender Obstbäume ihre wirbelnden Blütenblätter, geschmückt mit weißen, rosa, violetten, gelben und blauen Rüschen mit braunen Streifen und violetten Flecken.“ Im Sommer fallen Kapuzinerkresse in verschiedenen Farbtönen und safranfarbener Kalifornischer Mohn in schillernden Büscheln auf beiden Seiten des sandigen Weges. In breiten Blumenbeeten wachsen märchenhafte Mohnblumen, die verwelkte Schwertlilien verstopfen. Eine erstaunliche Farbkombination, viele blasse Farbtöne; eine prächtige Symphonie aus Weiß, Rosa, Gelb und Flieder mit Schüssen aus hellen Hauttönen, vor denen Orangen explodieren, Spritzer aus Kupferflammen herausspritzen, rote Flecken bluten und funkeln, Flieder wüten, Zungen aus schwarzem und violettem Feuer entweichen.

Monet sagte, dass er den größten Teil seines Einkommens für den Garten ausgegeben habe. Aber das ist nur eine bescheidene Übertreibung. Er hatte einen Gärtner und fünf Arbeiter und war selbst ständig damit beschäftigt, den Garten zu verbessern und zu erweitern.

Monet wandte sich an die Präfektur und bat um die Genehmigung für den Wiederaufbau des Teiches. Er schrieb, dies sei „um einer Augenweide und Motiven für die Malerei willen“ notwendig. Tatsächlich dienten Giverny und seine Gärten nicht nur als Motive für seine Malerei; Sie gaben ihm eine Art Basis für die Verwirklichung des Projekts, das sein Lebenswerk werden sollte und dessen Höhepunkt sich dieser Garten herausstellte.

1892 heiratet Monet schließlich Alice, in die er seit vielen Jahren verliebt ist. Zur gleichen Zeit schrieb Monet „Hacks“ – die erste große Gemäldeserie, in der der Künstler versucht, die Nuancen beleuchteter Heuhaufen auf der Leinwand einzufangen. je nach Tageszeit und Wetter wechselnd. Er arbeitet gleichzeitig an mehreren Leinwänden und bewegt sich entsprechend den entstehenden Lichteffekten von einer zur anderen. Diese Serie war ein großer Erfolg und beeinflusste viele Künstler dieser Zeit maßgeblich.

Monet kehrt in einer neuen Serie – Pappeln – zum Erlebnis der Heuhaufen zurück, in der auch Bäume am Ufer des Flusses Epte zu verschiedenen Tageszeiten dargestellt sind. Während er an Pappeln arbeitet, begibt sich Monet jedes Mal mit mehreren Staffeleien zur Baustelle und stellt sie in einer Reihe auf, um je nach Lichtverhältnissen schnell von einer zur anderen zu wechseln. Darüber hinaus möchte er dieses Mal seine eigene Vision in den Gemälden zum Ausdruck bringen, und er schafft dies in wenigen Minuten und konkurriert in der Geschwindigkeit mit der Natur.

Bevor die Serie endet, erfährt Monet, dass die Pappeln gefällt und verkauft werden sollen. Um die Arbeit abzuschließen, kontaktiert er den Käufer und bietet ihm eine finanzielle Rückerstattung für die Verzögerung des Holzeinschlags an. Auch diese Serie, die 1892 in der Galerie Durand-Ruel ausgestellt wurde, war ein großer Erfolg, doch noch begeisterter war die große Serie „Kathedrale von Rouen“, an der Monet von 1892 bis 1894 arbeitete. Konsequent den Wechsel der Beleuchtung vom Morgengrauen bis zur Abenddämmerung darstellend, malte er fünfzig Ansichten der majestätischen gotischen Fassade, die sich im Licht auflösten und entmaterialisierten. Er schreibt immer schneller und trägt hastig punktierte Striche auf die Leinwand auf.

Im Februar 1895 reiste er nach Norwegen, nach Sandviken in der Nähe von Oslo, wo er Fjorde, den Berg Kolsaas und Ansichten des Dorfes, in dem er lebt, malte. Dieser Zyklus von Winterlandschaften erinnert stilistisch an Werke, die um 1870 entstanden sind. Im folgenden Jahr unternimmt Monet eine echte Pilgerreise zu den Orten, an denen er in den vergangenen Jahren gemalt hat; und Pourville, Dieppe, Varezhenville kehren wieder zu seinen Leinwänden zurück.

1897 geht die Sammlung des 1894 verstorbenen Gustave Caillebotte in den Besitz nationaler Museen über und viele Werke der Impressionisten gelangen schließlich in staatliche Sammlungen. Im Sommer werden auf der zweiten Biennale von Venedig zwanzig Gemälde von Monet ausgestellt.

Im Herbst 1899 beginnt er in Giverny mit dem Seerosenzyklus, an dem er bis zu seinem Tod arbeiten wird. Zu Beginn des neuen Jahrhunderts findet Monet in London statt; Der Künstler malt erneut das Parlament und eine Reihe von Gemälden, die durch ein Motiv vereint sind – Nebel. Von 1900 bis 1904 reiste Monet häufig nach Großbritannien und stellte 1904 in der Durand-Ruel Gallery 37 Ansichten der Themse aus. Im Sommer kehrt er zu den Seerosen zurück und beteiligt sich im Februar des folgenden Jahres mit 55 Werken an einer großen Ausstellung der Impressionisten, die Durand-Ruel in London organisiert.

1908 begibt sich Monet auf seine vorletzte Reise: Auf Einladung der Familie Curtis, einem amerikanischen Freund des Künstlers John Singer Sargent, reist er mit seiner Frau nach Venedig, wo er im Palazzo Barbaro am Canal Grande lebt. Monet beschließt, zum Arbeiten länger in der Stadt zu bleiben und lässt sich für zwei Monate im Britannia Hotel nieder. Die Atmosphäre Venedigs, die Lichteffekte, die Spiegelungen des Wassers und die Spiegelungen der darin befindlichen Denkmäler faszinieren ihn so sehr, dass er im darauffolgenden Jahr erneut dorthin kommt. An einen Architekten, der in einem Interview erklärte: „Der Dogenpalast kann eher als Beispiel eines Impressionismus definiert werden als.“ gotische Architektur“, – Monet antwortete: „Der Architekt, der diesen Palast konzipierte, war der erste Impressionist. Er ließ es auf dem Wasser schwimmen, aus dem Wasser aufsteigen und in der Luft von Venedig leuchten, so wie ein impressionistischer Maler leuchtende Striche auf die Leinwand malt, um ein Gefühl für die Atmosphäre zu vermitteln. Bei diesem Bild wollte ich genau die Atmosphäre von Venedig wiedergeben. Der Palast, der in meiner Komposition auftauchte, war nur ein Vorwand, um die Atmosphäre darzustellen. Schließlich ist ganz Venedig in diese Atmosphäre eingetaucht. Schwebt in dieser Atmosphäre. Das ist Impressionismus in Stein gemeißelt.“ Nach Frankreich zurückgekehrt, arbeitet er weiterhin in der Werkstatt an Gemälden aus der venezianischen Zeit, die erst 1912, ein Jahr nach dem Tod seiner Frau Alice, in der Galerie Bernheim Jr. ausgestellt werden. Der Ausstellung ging ein Artikel von Octave Mirbeau voraus.

Ab 1908 begann sich die Vision des Künstlers zu verschlechtern; Jetzt widmet er seine ganze Aufmerksamkeit dem Garten und arbeitet weiter an der Serie „Seerosen“, die bereits 1890 begonnen wurde. Nachdem Monet das Wasser eines kleinen Nebenflusses des Flusses Epte, der Rue, umgeleitet hatte, der durch sein Land floss, legte er in Giverny einen kleinen Teich an. Auf der so entstandenen Spiegelfläche des Stausees züchtete er Seerosen und pflanzte Weiden und verschiedene exotische Pflanzen herum. Um das Projekt abzuschließen, wurde eine Holzbrücke über den Teich gebaut, deren Idee von orientalischen Gravuren inspiriert war. Der Künstler war schon immer von Blumen und Spiegelungen auf dem Wasser fasziniert, aber dieses Projekt hat zweifellos seinen Einfluss beeinflusst Japanische Kultur, die sich seit der Jahrhundertmitte in Europa verbreitet hat und sich stark für Monet und seine Zeitgenossen interessiert. Diese wunderbare Ecke des Gartens ist den letzten großen Werken von Monet gewidmet, einem müden Künstler, dessen Sehprobleme mit den Jahren immer ernster werden.

1914 starb sein ältester Sohn Jean. Monet fühlt sich immer einsamer. arbeitet aber weiter, ermutigt von Georges Clemenceau und Octave Mirbeau, die oft einen Freund besuchen.

Dank der Anwesenheit von Monet verwandelt sich Giverny in eine Art Künstlerkolonie, vor allem amerikanischer Künstler, aber Monet selbst zieht es vor, die Führung zu übernehmen geschlossenes Bild Leben und versichert, dass er kein „Rezept“ für junge Menschen hat, was bedeutet, dass er niemandem etwas beibringen kann. Er verbringt seine ganze Zeit im Garten – und schreibt, schreibt. Die fortschreitende Verschlechterung seines Sehvermögens ermöglicht es ihm, Lichteffekte nicht mehr mit der gleichen Genauigkeit wie zuvor zu übertragen. Manchmal, wenn ihm die Leinwand erfolglos erscheint, zerstört Monet wütend sein Werk. Und doch malt er weiter und entwickelt aufgrund seiner Sehprobleme einen neuen Malansatz für sich.

Während seiner jahrelangen Arbeit in Giverny war jeder Winkel des Gartens zu jeder Tageszeit in seinem Gedächtnis eingeprägt. Und Monet dachte, es wäre interessant, eine Reihe von Eindrücken des Ganzen aufzuschreiben, und zwar nicht aus dem Leben, sondern aus der Werkstatt. In diesem Zusammenhang entschloss er sich, auf seinem Anwesen eine neue große Werkstatt zu errichten. Der Bau der neuen Räumlichkeiten wurde 1916 abgeschlossen: Die Werkstatt war 25 Meter lang, 15 Meter breit und die Decke bestand zu zwei Dritteln aus Glas. Dort macht sich Monet an die Arbeit. Er malt auf vier mal zwei Meter großen Leinwänden und schafft erstaunliche Werke, die in komplexer Weise die Eindrücke des von ihm geschaffenen Königreichs vermitteln und dabei immer wieder Morgennebel, Sonnenuntergänge, Dämmerung und nächtliche Dunkelheit auf die Leinwand bannen.

1918, anlässlich des Waffenstillstands, beschließt er, dem Staat eine neue Serie zu schenken. Sein Freund Georges Clemenceau, der damalige Premierminister, möchte Monet repräsentative Räumlichkeiten zur Verfügung stellen, nämlich den Orangerie-Pavillon im Tuileriengarten. Doch Monet ist mit seinem Werk noch immer nicht zufrieden und arbeitet mit der für seine Einstellung zur Malerei charakteristischen Beharrlichkeit bis 1926, seinem Todesjahr, weiter. Neben der Serie von acht dem Staat gespendeten Tafeln, die 1927 im ovalen Saal der Orangerie aufgestellt wurden, malte Monet in dieser Zeit zahlreiche weitere Werke, die nach dem Tod des Künstlers in seiner Werkstatt in Giverny gefunden wurden und heute aufbewahrt werden im Marmottan-Museum in Paris. Einige von ihnen sind nicht datiert, beziehen sich aber zweifellos auf die letzte Schaffensperiode und nähern sich in gewisser Weise den avantgardistischen ästhetischen Strömungen des Beginns des Jahrhunderts, insbesondere dem Expressionismus.

Tatsächlich treibt Monet den Prozess der Dematerialisierung, der bereits in einer Reihe von Kathedralen skizziert wurde, auf die Spitze. Es geht nicht nur über die Stilistik des Impressionismus hinaus, sondern nimmt in gewisser Weise vielleicht auch die künstlerische Sprache der nichtfigurativen Malerei der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg vorweg.

Die Biografie basiert auf der Website www.centre.smr.ru