Japanische Kultur. Japanische Kunst – Geschichte – Einführung – Interessantes Japan – LiveJournal

Die japanische Malerei ist eine der schönsten der Welt.

Die japanische Malerei ist eine der ältesten und erstaunlichsten Arten der Kreativität. Wie jedes andere hat es seine eigene lange Geschichte, die je nach Techniken und Merkmalen in mehrere Perioden unterteilt werden kann. Allen Epochen gemeinsam ist die Natur, die in den Gemälden den Hauptplatz einnimmt. An zweiter Stelle der Beliebtheit in der bildenden Kunst Japans stehen häusliche Szenen aus dem Leben.

Yamato

Yamato(VI-VII Jahrhundert) - die erste Periode der japanischen Kunst, die den Grundstein für das Schreiben legte. Den Anstoß für die Entwicklung der Kunst gaben Chinas Errungenschaften auf dem Gebiet der Religion und Schrift. Japan beeilte sich, sein Niveau zu erreichen, nahm Änderungen in seiner Struktur vor und baute alles nach dem Vorbild Chinas auf. Für die Entwicklung der Malerei wurden zahlreiche Werke chinesischer Meister nach Japan gebracht, was die Japaner inspirierte, die sich mutig an die Schaffung ähnlicher Gemälde machten.

Malerei im Takamatsuzuka-Grab

Dieser Zeitraum besteht aus zwei untergeordneten Zeiträumen:

• Kofun- die Periode der japanischen Kunst, die die erste Hälfte von Yamato einnimmt. Der Name der Periode wird mit „Zeit der Hügelgräber“ übersetzt. Tatsächlich spielten Hügel damals eine große Rolle und entstanden überall.
• Asuka- der zweite Teil der Yamato-Ära. Der Zeitraum wurde nach dem politischen Zentrum des Landes benannt, das in diesen Jahren aktiv war. Es ist mit der Ankunft des Buddhismus in Japan und in der Zukunft mit der aktiven Entwicklung aller Kulturbereiche verbunden.

Nara

Der aus China stammende Buddhismus verbreitete sich in Japan aktiv, was zur Entstehung religiöser Themen in der Kunst beitrug. Von diesem Thema fasziniert, bemalten japanische Künstler die Wände von Tempeln, die von einflussreichen Persönlichkeiten geschaffen wurden. Bis heute sind im Horyu-ji-Tempel Wandgemälde aus dieser Zeit erhalten.

Azuchi-Momoyama

Diese Periode ist das genaue Gegenteil ihrer Vorgängerperiode. Düsterkeit und Monochrom verschwinden aus den Werken und werden durch helle Farben und die Verwendung von Gold und Silber in den Gemälden ersetzt.

Zypresse. Bildschirm. Kano Eitoku.

Meiji

Im 19. Jahrhundert begann die Aufteilung der japanischen Malerei in traditionelle und europäische Stile, die stark miteinander konkurrierten. In dieser Zeit kam es in Japan zu gewaltigen politischen Veränderungen. Der Einfluss Europas wirkte sich in diesen Jahren auf fast jeden Winkel des Planeten aus und brachte in jedem Staat seine eigenen Merkmale mit sich. Der europäische Kunststil wurde von den Behörden aktiv unterstützt und lehnte die alten Traditionen ab. Doch bald ließ die Begeisterung für die westliche Malerei schnell nach und das Interesse an traditioneller Kunst kehrte stark zurück.

Entwicklung der japanischen Malerei aktualisiert: 15. September 2017 von: Valentin

Seit der Antike zeichnet sich die japanische Kunst durch aktive Kreativität aus. Trotz der Abhängigkeit von China, wo ständig neue künstlerische und ästhetische Trends auftauchten, führten japanische Künstler immer wieder neue Merkmale ein und veränderten die Kunst ihrer Lehrer, indem sie ihr ein japanisches Aussehen verliehen.

Die Geschichte Japans als solche nimmt erst am Ende des 5. Jahrhunderts konkrete Formen an. Es wurden relativ wenige Gegenstände aus früheren Jahrhunderten (der archaischen Zeit) gefunden, obwohl einige bei Ausgrabungen oder Bauarbeiten gemachte Funde auf ein bemerkenswertes künstlerisches Talent hinweisen.

archaische Periode.

Die ältesten Werke japanischer Kunst sind Tontöpfe vom Jomon-Typ (Schnurabdruck). Der Name stammt von der Verzierung der Oberfläche mit spiralförmigen Abdrücken einer Kordel, die um die Stöcke gewickelt war, die der Meister zur Herstellung des Gefäßes verwendete. Vielleicht entdeckten die Meister zunächst zufällig Drucke aus Korbgeflecht, doch dann begannen sie, sie bewusst einzusetzen. Manchmal wurden schnurartige Tonlocken auf die Oberfläche geklebt, wodurch ein komplexerer dekorativer Effekt, fast ein Relief, entstand. Die erste japanische Skulptur entstand in der Jomon-Kultur. Dogu (wörtlich „Tonbild“) einer Person oder eines Tieres hatte wahrscheinlich eine religiöse Bedeutung. Bilder von Menschen, meist Frauen, sind den Tongöttinnen anderer primitiver Kulturen sehr ähnlich.

Die Radiokarbonanalyse zeigt, dass einige Funde aus der Jomon-Kultur möglicherweise aus dem 6. bis 5. Jahrtausend v. Chr. stammen, eine so frühe Datierung wird jedoch nicht allgemein akzeptiert. Natürlich wurden solche Gerichte schon lange zubereitet, und obwohl noch keine genauen Daten ermittelt werden können, werden drei Zeiträume unterschieden. Die ältesten Exemplare haben einen spitzen Sockel und sind bis auf Spuren eines Töpferwerkzeugs nahezu schmucklos. Gefäße der mittleren Periode sind reicher verziert, manchmal mit geformten Elementen, die den Eindruck von Volumen erwecken. Die Formen der Gefäße der dritten Periode sind sehr vielfältig, der Dekor wird jedoch wieder flacher und zurückhaltender.

Ungefähr im 2. Jahrhundert. Chr. Die Jōmon-Keramik wich der Yayoi-Keramik, die sich durch elegante Form, schlichtes Design und hohe technische Qualität auszeichnete. Die Scherbe des Gefäßes wurde dünner, die Verzierung weniger skurril. Dieser Typ herrschte bis zum 3. Jahrhundert vor. ANZEIGE

Aus künstlerischer Sicht vielleicht die besten Werke Aus der Frühzeit stammen Khaniva, Tonzylinder aus dem 3. bis 5. Jahrhundert. ANZEIGE Charakteristische Denkmäler dieser Zeit sind riesige Hügel oder Grabhügel, Grabstätten von Kaisern und mächtigen Adligen. Oft sehr große Größe Sie sind Zeugnisse der Macht und des Reichtums der kaiserlichen Familie und der Höflinge. Der Bau eines solchen Bauwerks für Kaiser Nintoku-tenno (ca. 395-427 n. Chr.) dauerte 40 Jahre. Das bemerkenswerteste Merkmal dieser Hügelgräber waren die Tonzylinder, die sie wie ein Zaun, Khaniva, umgaben. Normalerweise waren diese Zylinder recht einfach, aber manchmal waren sie mit menschlichen Figuren verziert, seltener mit Figuren von Pferden, Häusern oder Hähnen. Ihr Zweck war zweifach: die Erosion riesiger Erdmassen zu verhindern und den Verstorbenen mit allem zu versorgen, was er im irdischen Leben brauchte. Natürlich wurden die Zylinder sofort in großen Mengen hergestellt. Die Vielfalt der Themen, Mimik und Gestik der sie schmückenden Figuren ist größtenteils das Ergebnis der Improvisation des Meisters. Obwohl es sich hierbei eher um Werke von Kunsthandwerkern als von Malern und Bildhauern handelt, sind sie als echte japanische Kunstform von großer Bedeutung. Gebäude, in Decken gehüllte Pferde, gepflegte Damen und Krieger bieten ein interessantes Bild des Militärlebens im frühen feudalen Japan. Es ist möglich, dass die Prototypen dieser Zylinder in China auftauchten, wo verschiedene Gegenstände direkt in Bestattungen gelegt wurden, aber die Ausführung und Verwendung der Haniwa gehören zur lokalen Tradition.

Die archaische Periode wird oft als eine Zeit angesehen, in der es keine Werke auf hohem künstlerischem Niveau gab, eine Zeit, in der Dinge dominierten, die hauptsächlich von archäologischem und ethnologischem Wert waren. Es sollte jedoch daran erinnert werden, dass die Werke davon frühe Kultur waren im Allgemeinen von großer Vitalität, da ihre Formen als spezifische nationale Merkmale der japanischen Kunst in späteren Perioden überlebten und weiter existierten.

Asuka-Zeit

(552-710 n. Chr.). Einführung des Buddhismus in der Mitte des 6. Jahrhunderts. veränderte die Lebens- und Denkweise der Japaner erheblich und wurde zum Anstoß für die Entwicklung der Kunst dieser und nachfolgender Epochen. Die Ankunft des Buddhismus aus China über Korea wird traditionell auf das Jahr 552 n. Chr. datiert, war aber wahrscheinlich schon früher bekannt. In den Anfangsjahren stieß der Buddhismus auf politischen Widerstand, Widerstand gegen die Nationalreligion Shintoismus, doch schon nach wenigen Jahrzehnten erhielt der neue Glaube die offizielle Genehmigung und wurde schließlich etabliert. In den ersten Jahren seiner Verbreitung in Japan war der Buddhismus eine relativ einfache Religion mit einer kleinen Anzahl von Gottheiten, die Bilder brauchten, aber nach etwa hundert Jahren gewann er an Stärke und das Pantheon wuchs enorm.
In dieser Zeit wurden Tempel gegründet, die nicht nur der Glaubensvermittlung dienten, sondern auch Zentren der Kunst und Bildung waren. Der Klostertempel in Horyu-ji ist einer der wichtigsten für das Studium der frühen buddhistischen Kunst. Unter anderen Schätzen gibt es eine Statue der großen Triade Syaka-Nerai (623 n. Chr.). Bei diesem Werk von Tori Busshi, dem ersten uns bekannten großen japanischen Bildhauer, handelt es sich um ein stilisiertes Bronzebild, das ähnlichen Gruppen in den großen Höhlentempeln Chinas ähnelt. Strenge Frontalität wird in der Pose des sitzenden Shaki (japanische Transkription des Wortes „Shakyamuni“, des historischen Buddha) und zweier seitlich von ihm stehender Figuren beobachtet. Die Formen der menschlichen Figur werden von schweren, symmetrischen Falten schematisch wiedergegebener Kleidung verdeckt, und in den glatten, länglichen Gesichtern spürt man eine verträumte Selbstversunkenheit und Kontemplation. Die Skulptur dieser ersten buddhistischen Periode basiert auf dem Stil und den Prototypen vom Festland vor fünfzig Jahren; Es folgt getreu der chinesischen Tradition, die über Korea nach Japan gelangte.

Einige der bedeutendsten Skulpturen dieser Zeit bestanden aus Bronze, es wurde aber auch Holz verwendet. Die beiden berühmtesten Holzskulpturen sind Statuen der Göttin Kannon: Yumedono Kannon und Kudara Kannon, beide in Horyuji. Mit ihrem archaischen Lächeln und verträumten Gesichtsausdruck sind sie ein attraktiveres Anbetungsobjekt als die Shaki-Triade. Obwohl die Anordnung der Falten der Gewänder auch bei den Kannon-Figuren schematisch und symmetrisch ist, sind sie leichter und voller Bewegung. Große, schlanke Figuren betonen die Spiritualität der Gesichter, ihre abstrakte Freundlichkeit, fern aller weltlichen Sorgen, aber sensibel für die Bitten der Betroffenen. Der Bildhauer schenkte den Umrissen der Figur von Kudara Kannon, die von den Falten der Kleidung verdeckt werden, einige Aufmerksamkeit, und im Gegensatz zur gezackten Silhouette von Yumedono ist die Bewegung sowohl der Figur als auch des Stoffes in die Tiefe gerichtet. Im Profil von Kudar hat Kannon eine anmutige S-Form.

Das einzige erhaltene Beispiel der Malerei, das einen Eindruck vom Stil des frühen 7. Jahrhunderts vermittelt, ist Tamamushi Zushi, der „geflügelte Schrein“. Dieses Miniatur-Heiligtum hat seinen Namen von den schillernden Käferflügeln, die in einen perforierten Metallrahmen eingelassen sind. Später wurde es mit religiösen Kompositionen und Figuren einzelner Charaktere aus farbigem Lack verziert. Wie die Skulpturen dieser Zeit zeigen einige der Bilder große Gestaltungsfreiheit.

Nara-Zeit

(710-784). Im Jahr 710 wurde die Hauptstadt nach Nara verlegt. neue Stadt, erbaut nach dem Vorbild der chinesischen Hauptstadt Chang'an. Es gab breite Straßen, große Paläste und zahlreiche buddhistische Tempel. Nicht nur der Buddhismus in all seinen Aspekten, sondern die gesamte chinesische Kultur und politisches Leben als Vorbild wahrgenommen. Vielleicht hat kein anderes Land die Unzulänglichkeit seiner eigenen Kultur so sehr gespürt und war nicht so anfällig für äußere Einflüsse. Gelehrte und Pilger bewegten sich frei zwischen Japan und dem Festland, und Verwaltung und Palastleben orientierten sich an China während der Tang-Dynastie. Es muss jedoch daran erinnert werden, dass die Japaner trotz der Nachahmung der Vorbilder des Tang-China, insbesondere in der Kunst, dessen Einfluss und Stil wahrnahmen, ausländische Formen fast immer an ihre eigenen anpassten.

In der Skulptur wichen die strenge Frontalität und Symmetrie der vorangegangenen Asuka-Periode freieren Formen. Die Entwicklung von Vorstellungen über die Götter, verbesserte technische Fähigkeiten und die Freiheit des Eigentums am Material ermöglichten es Künstlern, nähere und zugänglichere ikonische Bilder zu schaffen. Durch die Gründung neuer buddhistischer Sekten erweiterte sich das Pantheon um die Heiligen und Begründer des Buddhismus. Neben Bronzeskulpturen sind zahlreiche Werke aus Holz, Ton und Lack bekannt. Der Stein war selten und wurde fast nie für Skulpturen verwendet. Besonders beliebt war Trockenlack, vielleicht weil die daraus hergestellten Arbeiten trotz der Komplexität des Herstellungsprozesses spektakulärer aussahen als Holz und stärker waren als einfacher herzustellende Tonprodukte. Lackfiguren wurden auf einem Holz- oder Tonsockel geformt, der dann entfernt wurde, oder auf Holz- oder Drahtbeschlägen; sie waren leicht und stark. Obwohl diese Technik eine gewisse Starrheit in den Posen vorschrieb, wurde bei der Darstellung von Gesichtern viel Freiheit gelassen, was teilweise zur Entwicklung dessen beitrug, was man eigentlich Porträtskulptur nennen könnte. Die Darstellung des Gesichts der Gottheit erfolgte nach den strengen Vorschriften des buddhistischen Kanons, aber die Popularität und sogar die Vergöttlichung einiger Begründer und Prediger des Glaubens bot hervorragende Möglichkeiten, die Ähnlichkeit eines Porträts zu vermitteln. Eine solche Ähnlichkeit lässt sich in der Trockenlackskulptur des in Japan verehrten chinesischen Patriarchen Genjin im Toshodaiji-Tempel nachweisen. Genjin war blind, als er 753 in Japan ankam, und seine blinden Augen und sein erleuchteter Zustand innerer Kontemplation wurden von einem unbekannten Bildhauer wunderschön dargestellt. Dieser realistische Trend kam am deutlichsten in der Holzskulptur des Predigers Kui zum Ausdruck, die der Bildhauer Kosho im 13.-14. Jahrhundert schuf. Der Prediger ist als wandernder Bettler gekleidet, mit einem Stab, einem Gong und einem Holzhammer, und aus seinem halbgeöffneten Mund kommen kleine Buddhafiguren. Der Bildhauer war mit dem Bild des singenden Mönchs nicht zufrieden und versuchte, die innerste Bedeutung seiner Worte auszudrücken.
Auch die Buddhabilder der Nara-Zeit zeichnen sich durch großen Realismus aus. Sie wurden für immer mehr Tempel geschaffen, sind nicht mehr so ​​unerschütterlich kalt und zurückhaltend wie ihre Vorgänger, haben eine anmutigere Schönheit und Vornehmheit und wenden sich den Menschen, die sie verehren, mit größerer Gunst zu.

Aus dieser Zeit sind nur sehr wenige Gemälde erhalten. Die mehrfarbige Zeichnung auf Papier zeigt das vergangene und gegenwärtige Leben des Buddha. Dies ist eines der wenigen antiken Beispiele für Emakimono oder Rollmalerei. Die Schriftrollen wurden langsam von rechts nach links entrollt, und der Betrachter konnte sich nur an dem Teil des Bildes erfreuen, der sich zwischen den Händen befand, die die Schriftrolle entrollten. Die Illustrationen befanden sich direkt über dem Text, im Gegensatz zu späteren Schriftrollen, wo sich ein Textabschnitt mit einem erklärenden Bild abwechselte. In diesen ältesten erhaltenen Beispielen der Rollmalerei sind umrissene Figuren vor dem Hintergrund einer kaum umrissenen Landschaft dargestellt, und die Hauptfigur, in diesem Fall Syaka, erscheint in verschiedenen Episoden.

Frühes Heian

(784-897). Im Jahr 784 wurde die Hauptstadt vorübergehend nach Nagaoka verlegt, unter anderem um der Dominanz des buddhistischen Klerus von Nara zu entgehen. Im Jahr 794 zog sie für längere Zeit nach Heian (heute Kyoto). Ende des 8. und 9. Jahrhunderts waren eine Zeit, in der Japan viele ausländische Innovationen erfolgreich assimilierte und sich an seine eigenen Merkmale anpasste. Auch die buddhistische Religion erlebte eine Zeit des Wandels, die Entstehung neuer Sekten des esoterischen Buddhismus mit ihren entwickelten Ritualen und Etikette. Von diesen waren die Tendai- und Shingon-Sekten die einflussreichsten, die ihren Ursprung in Indien hatten, nach China gelangten und von dort von zwei Gelehrten, die nach einer langen Ausbildung in ihre Heimat zurückkehrten, nach Japan gebracht wurden. Die Shingon-Sekte („Wahre Worte“) war bei Hofe besonders beliebt und nahm schnell eine beherrschende Stellung ein. Die wichtigsten Klöster befanden sich auf dem Berg Koya in der Nähe von Kyoto. Wie andere wichtige buddhistische Zentren wurden sie zum Aufbewahrungsort riesiger Sammlungen von Kunstdenkmälern.

Skulptur 9. Jh. bestand größtenteils aus Holz. Die Götterbilder zeichneten sich durch Strenge und unzugängliche Erhabenheit aus, die durch die Feierlichkeit ihres Aussehens und ihrer Massivität unterstrichen wurde. Vorhänge wurden gekonnt nach Standardmustern geschnitten, Schals lagen in Wellen. Die stehende Shaki-Figur aus dem Tempel von Muroji ist ein Beispiel für diesen Stil. Für dieses und ähnliche Bilder des 9. Jahrhunderts. gekennzeichnet durch starre Schnitzereien mit tieferen, deutlichen Falten und anderen Details.

Die Zunahme der Zahl der Götter bereitete den Künstlern große Schwierigkeiten. In komplexen, kartenähnlichen Mandalas (ein geometrisches Muster mit magischer Bedeutung) waren die Gottheiten hierarchisch um einen zentral platzierten Buddha angeordnet, der selbst nur eine Manifestation des Absoluten war. Zu dieser Zeit erschien eine neue Art der Darstellung der von Flammen umgebenen Schutzgottheiten, die schrecklich im Aussehen, aber wohltätig in der Natur waren. Diese Gottheiten waren asymmetrisch angeordnet und in beweglichen Posen mit beeindruckenden Gesichtszügen dargestellt, um den Glauben energisch vor möglichen Gefahren zu schützen.

Mittlere und späte Heian- oder Fujiwara-Zeit

(898-1185). Die Verlegung der Hauptstadt nach Heian, die den schwierigen Forderungen des Klerus entgehen sollte, führte auch zu Veränderungen im politischen System. Der Adel war die dominierende Kraft und die Familie Fujiwara wurde zu ihrem charakteristischsten Vertreter. Zeitraum 10-12 Jahrhunderte. wird oft mit diesem Namen in Verbindung gebracht. Es begann eine Zeit besonderer Macht, in der echten Kaisern „dringend geraten“ wurde, die Staatsangelegenheiten beiseite zu lassen und sich angenehmeren Beschäftigungen mit Poesie und Malerei zu widmen. Bis zum Erreichen des Erwachsenenalters wurde der Kaiser von einem strengen Regenten geführt – meist aus der Familie Fujiwara. Es war ein Zeitalter des Luxus und bemerkenswerter Errungenschaften in Literatur, Kalligraphie und Kunst; Alles fühlte sich träge und emotional an, was selten die Tiefe erreichte, aber im Großen und Ganzen charmant war. Elegante Raffinesse und Eskapismus spiegelten sich in der Kunst dieser Zeit wider. Sogar die Anhänger des Buddhismus suchten nach einfacheren Wegen und die Verehrung des himmlischen Buddha Amida erfreute sich besonderer Beliebtheit. Die Vorstellungen von Mitgefühl und rettender Gnade des Buddha Amida spiegelten sich tief in der Malerei und Skulptur dieser Zeit wider. Die Massivität und Zurückhaltung der Statuen des 9. Jahrhunderts. im 10.-11. Jahrhundert. wich Glückseligkeit und Charme. Die Gottheiten werden verträumt, nachdenklich ruhig dargestellt, die Schnitzerei wird weniger tief, die Oberfläche wird bunter, mit einer reich entwickelten Textur. Die bedeutendsten Denkmäler dieser Zeit gehören dem Bildhauer Jocho.
Auch die Werke der Künstler erhielten weichere Züge, die an Zeichnungen auf Stoff erinnerten, und sogar die schrecklichen Gottheiten – die Verteidiger des Glaubens – wurden weniger einschüchternd. Sutras (buddhistische Texte) wurden in Gold und Silber auf tiefblauem Papier geschrieben, wobei der feinen Kalligraphie des Textes oft eine kleine Illustration vorangestellt war. Am meisten beliebte Reiseziele Der Buddhismus und die mit ihm verbundenen Gottheiten spiegeln die Vorlieben der Aristokratie und die allmähliche Abkehr von den strengen Idealen des frühen Buddhismus wider.

Die Atmosphäre dieser Zeit und seine Werke hängen teilweise mit der Beendigung der formellen Beziehungen zu China im Jahr 894 zusammen. Der Buddhismus in China wurde damals verfolgt und der korrupte Tang-Hof befand sich im Niedergang. Das abgeschiedene Inseldasein, das auf diese Trennung folgte, veranlasste die Japaner, sich ihrer eigenen Kultur zuzuwenden und einen neuen, reineren japanischen Stil zu entwickeln. Tatsächlich weltliche Malerei des 10.-12. Jahrhunderts. war fast ausschließlich japanisch – sowohl in der Technik als auch in der Komposition und den Handlungen. Ein charakteristisches Merkmal dieser japanischen Schriftrollen, Yamato-e genannt, war das Überwiegen von Engi-Plots (Herkunft, Geschichte). Während die chinesischen Schriftrollen meist eine weite, erstaunliche Natur, Panoramen von Bergen, Bächen, Felsen und Bäumen darstellten und Menschen relativ unbedeutend wirkten, stand auf den Erzählrollen der Japaner in Zeichnung und Text die Person im Mittelpunkt. Die Landschaft spielte für die erzählte Geschichte nur die Rolle eines Hintergrunds, der der Hauptgeschichte untergeordnet war handelnder Mensch oder Personen. Viele Schriftrollen waren gemalte Chroniken des Lebens berühmter buddhistischer Prediger oder historischer Persönlichkeiten, ihrer Reisen und Feldzüge. Andere erzählten von romantischen Episoden aus dem Leben des Adels und der Höflinge.

Der scheinbar eigenwillige Stil der frühen Schriftrollen entstand aus einfachen Tuscheskizzen auf den Seiten buddhistischer Notizbücher. Dabei handelt es sich um kunstvolle Zeichnungen, die menschliches Verhalten durch Tierbilder karikieren: ein Affe in Klosterkleidung, der einen aufgeblasenen Frosch anbetet, Wettbewerbe zwischen Hasen, Affen und Fröschen. Diese und andere späte Heian-Rollen bildeten die Grundlage für die komplexeren Erzählrollen des entwickelten Stils des 13. und 14. Jahrhunderts.

Kamakura-Zeit

(1185-1392). Ende des 12. Jahrhunderts brachte gravierende Veränderungen im politischen und religiösen Leben Japans und natürlich auch in seiner Kunst. Die Eleganz und Ästhetik des Kyoto-Hofes wurde ersetzt oder, in der Tradition der „Sonderherrschaft“, durch eine neue, strenge und mutige Herrschaft „ergänzt“ – das Kamakura-Shogunat. Obwohl Kyoto nominell die Hauptstadt blieb, richtete der Shogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) sein Hauptquartier in der Stadt Kamakura ein und errichtete in nur 25 Jahren ein starres System aus Militärdiktatur und Feudalismus. Auch der Buddhismus, der so komplex und ritualisiert geworden war, dass er für normale Laien unverständlich war, erlebte einen großen Wandel, der keine Förderung der Künste versprach. Die Yodo-Sekte („Reines Land“), eine Form der Verehrung des Buddha Amida, unter der Führung von Honen Shonin (1133–1212), reformierte die Hierarchie der Buddhas und Gottheiten und gab allen, die einfach an Amida glaubten, Hoffnung auf Erlösung. Diese Lehre eines leicht erreichbaren Paradieses wurde später von einem anderen Mönch, Shinran (1173-1262), dem Gründer der Shin-Sekte, vereinfacht, der erkannte, dass Amidas Nachsicht so groß ist, dass keine Notwendigkeit besteht, religiöse Handlungen vorzunehmen, sondern nur genügt den Zauberspruch „Namu Amida Butsu“ zu wiederholen (das erste Wort bedeutet „unterwerfen“; die zweiten beiden sind „Buddha Amida“). Solch eine einfache Art, eine Seele zu retten, war äußerst attraktiv und wird heute von Millionen genutzt. Eine Generation später gab der militante Prediger Nichiren (1222–1282), nach dem die Sekte benannt ist, diese vereinfachte Form der Religion auf. Seine Anhänger verehrten das Lotos-Sutra, das keine sofortige und bedingungslose Erlösung versprach. In seinen Predigten ging es oft um politische Themen, und seine Überzeugungen und Reformvorschläge für Kirche und Staat fanden großen Anklang bei der neuen Kriegerklasse in Kamakura. Schließlich begann die Philosophie des Zen, die bereits im 8. Jahrhundert entstand, im buddhistischen Denken dieser Zeit eine immer größere Rolle zu spielen. Zen betonte die Bedeutung der Meditation und die Verachtung aller Bilder, die den Menschen in seiner Suche nach einer Verbindung mit Gott behindern könnten.

Es war also eine Zeit, in der religiöses Denken die Anzahl der Gemälde und Skulpturen, die früher für den Gottesdienst benötigt wurden, begrenzte. Dennoch entstanden in der Kamakura-Zeit einige der schönsten Werke japanischer Kunst. Der Auslöser war die inhärente japanische Liebe zur Kunst, aber der Schlüssel zum Rätsel ist die Einstellung der Menschen zu neuen Glaubensbekenntnissen und nicht das Dogma als solches. Tatsächlich legen die Werke selbst den Grund für ihre Entstehung nahe, denn viele dieser Skulpturen und Gemälde voller Leben und Energie sind Porträts. Obwohl die Zen-Philosophie gewöhnliche Gegenstände religiöser Verehrung als Hindernis für die Erleuchtung betrachtete, war die Tradition der Verehrung von Lehrern durchaus akzeptabel. Das Porträt selbst konnte kein Gegenstand der Verehrung sein. Diese Haltung gegenüber dem Porträt gab es nicht nur im Zen-Buddhismus: Viele Geistliche der Sekte des Reinen Landes wurden fast wie buddhistische Gottheiten verehrt. Dank des Porträts entstand sogar eine neue architektonische Form – die Mieido oder Porträtkapelle. Die rasante Entwicklung des Realismus entsprach ganz dem Zeitgeist.
Und das, obwohl es sich bei den malerischen Priesterporträts offensichtlich tatsächlich um Bilder handelte bestimmte Menschen Dabei handelte es sich häufig um Überarbeitungen von Gemälden, die die chinesischen Begründer des Buddhismus darstellten. Sie waren beim Predigen gemalt, mit offenem Mund und gestikulierenden Händen; Manchmal wurden Bettelmönche dargestellt, die eine schwierige Reise zur Ehre des Glaubens auf sich nahmen.

Eine der beliebtesten Handlungsstränge war Raigo (erwünschte Ankunft), in der Buddha Amida mit seinen Gefährten auf einer Wolke herabsteigt, um die Seele eines Gläubigen auf dem Sterbebett zu retten und ins Paradies zu überführen. Die Farben solcher Bilder wurden oft durch aufgetragenes Gold verstärkt, und Wellenlinien, flatternde Umhänge und wirbelnde Wolken verliehen dem Herabsteigen des Buddha ein Gefühl von Bewegung.

Unkei, der in der zweiten Hälfte des 12. und frühen 13. Jahrhunderts arbeitete, war der Autor einer Innovation, die das Schnitzen von Holz erleichterte, das während der Kamakura-Zeit das bevorzugte Material der Bildhauer blieb. Zuvor war der Meister durch die Größe und Form des Decks oder Baumstamms, aus dem die Figur geschnitten wurde, eingeschränkt. Die Arme und Bekleidungselemente wurden separat übereinander gelegt, das fertige Stück ähnelte jedoch oft der ursprünglichen zylindrischen Form. Bei der neuen Technik wurden Dutzende kleiner Teile sorgfältig aneinandergefügt und bildeten eine hohle Pyramide, aus der die Lehrlinge dann die Figur grob herausschneiden konnten. Dem Bildhauer stand ein formbareres Material zur Verfügung und die Fähigkeit, komplexere Formen zu schaffen. Muskulöse Tempelwächter und Gottheiten in flatternden Umhängen und Gewändern wirkten auch deshalb lebendiger, weil ihnen Kristalle oder Glas in die Augenhöhlen eingeführt wurden; Statuen wurden mit vergoldeter Bronze verziert. Mit zunehmender Trocknung des Holzes wurden sie leichter und weniger anfällig für Risse. Die erwähnte Holzstatue von Kuya Shonin, das Werk von Unkeis Sohn Kosho, demonstriert die höchste Errungenschaft des Realismus der Kamakura-Ära in der Porträtskulptur. Tatsächlich erreichte die Skulptur zu dieser Zeit ihren Höhepunkt in ihrer Entwicklung und nahm in der Folgezeit keinen so herausragenden Platz mehr in der Kunst ein.

Auch die weltliche Malerei spiegelte den Zeitgeist wider. Die Erzählrollen der späten Heian-Zeit erzählten in zurückhaltenden Farben und anmutigen Linien von den romantischen Eskapaden des Prinzen Genji oder den Unterhaltungen der zurückgezogen lebenden Damen des Hofes. Mit leuchtenden Farben und energischen Strichen stellten die Künstler der Kamakura-Ära nun die Schlachten verfeindeter Clans, in Flammen stehende Paläste und verängstigte Menschen auf der Flucht vor angreifenden Truppen dar. Selbst wenn sich auf der Schriftrolle eine religiöse Geschichte abspielte, war das Bild weniger eine Ikone als vielmehr ein historischer Beweis für die Reisen heiliger Menschen und die Wunder, die sie vollbrachten. In der Gestaltung dieser Grundstücke lässt sich eine wachsende Liebe zur Natur und Bewunderung für einheimische Landschaften erkennen.

Muromachi- oder Ashikaga-Zeit

(1392-1568). Im Jahr 1392, nach mehr als 50 Jahren des Streits, vereinte der dritte Shogun der Ashikaga-Familie, Yoshimitsu (1358-1408), das Land wieder. Der Regierungssitz wurde erneut zur nominellen Hauptstadt von Kyoto, wo die Ashikaga-Shogune ihre Paläste im Muromachi-Viertel errichteten. (Diese Zeit wird manchmal Muromachi, manchmal Ashikaga genannt.) Der Krieg verschonte nicht viele Tempel – Aufbewahrungsorte japanischer Kunst, die zusammen mit den dort befindlichen Schätzen verbrannt wurden. Das Land war schwer verwüstet, und selbst der Frieden brachte kaum Erleichterung, da die verfeindeten Clans bei ihrem Erfolg nach Lust und Laune Gefälligkeiten verteilten. Es scheint, dass die Situation für die Entwicklung der Kunst äußerst ungünstig war, aber in Wirklichkeit förderten die Ashikaga-Shogune sie, insbesondere im 15. und 16. Jahrhundert, als die Malerei blühte.

Die bedeutendste Kunst dieser Zeit waren die monochromen poetischen Tuschezeichnungen, die vom Zen-Buddhismus gefördert und von den chinesischen Designs der Song- und Yuan-Dynastie beeinflusst wurden. Während der Ming-Dynastie (1368–1644) wurden die Kontakte mit China erneuert und Yoshimitsu, ein Sammler und Kunstmäzen, förderte die Sammlung und das Studium chinesischer Malerei. Sie wurde zum Vorbild und Ausgangspunkt für begabte Künstler, die mit leichten und fließenden Pinselstrichen Landschaften, Vögel, Blumen, Bilder von Priestern und Weisen malten. Die japanische Malerei dieser Zeit zeichnet sich durch eine sparsame Linienführung aus; Der Künstler scheint die Quintessenz der dargestellten Handlung herauszuarbeiten und lässt den Blick des Betrachters sie mit Details füllen. Die Übergänge von Grau und glänzender schwarzer Tinte in diesen Gemälden stehen der Philosophie des Zen sehr nahe, die natürlich ihre Autoren inspirierte. Obwohl dieses Glaubensbekenntnis bereits unter der militärischen Macht Kamakuras beträchtlichen Einfluss erlangte, verbreitete es sich im 15. und 16. Jahrhundert, als zahlreiche Zen-Klöster entstanden, rasch weiter. Da es hauptsächlich die Idee der „Selbsterlösung“ predigte, brachte es die Erlösung nicht mit Buddha in Verbindung, sondern verließ sich vielmehr auf die strenge Selbstdisziplin des Menschen, um eine plötzliche intuitive „Erleuchtung“ zu erreichen, die ihn mit dem Absoluten vereint. Der sparsame, aber kühne Einsatz von Tinte und die asymmetrische Komposition, bei der die unbemalten Teile des Papiers eine wesentliche Rolle bei der Darstellung idealisierter Landschaften, Weiser und Wissenschaftler spielten, standen im Einklang mit dieser Philosophie.

Einer der berühmtesten Vertreter von Sumi-e, einem Stil der monochromen Tuschemalerei, war Sesshu (1420–1506), ein Zen-Priester, dessen langes und produktives Leben ihm anhaltende Verehrung sicherte. Am Ende seines Lebens begann er, den Haboku-Stil (schnelle Tinte) zu verwenden, der im Gegensatz zum reifen Stil, der klare, sparsame Striche erforderte, die Tradition der monochromen Malerei fast zur Abstraktion brachte.
In denselben Zeitraum fallen die Tätigkeit der Künstlerfamilie Kano und die Entwicklung ihres Stils. In der Themenwahl und der Verwendung von Tinte ähnelte es dem Chinesischen, blieb jedoch in Bezug auf die Ausdrucksmittel japanisch. Kano wurde mit Unterstützung des Shogunats zur „offiziellen“ Schule oder zum künstlerischen Malstil und erlebte bis weit ins 19. Jahrhundert hinein seine Blütezeit.

Die naive Tradition des Yamato-e lebte in den Werken der Tosa-Schule, der zweiten wichtigen Richtung der japanischen Malerei, weiter. Tatsächlich waren zu dieser Zeit beide Schulen, Kano und Tosa, eng miteinander verbunden, sie einte das Interesse am modernen Leben. Motonobu Kano (1476-1559), einer von herausragende Künstler Zu dieser Zeit heiratete er nicht nur seine Tochter mit dem berühmten Künstler Tosa, sondern malte auch auf seine Weise.

Im 15.-16. Jahrhundert. es gab nur wenige nennenswerte Skulpturenwerke. Es ist jedoch anzumerken, dass die Entwicklung des Noo-Dramas mit seiner Vielfalt an Stimmungen und Emotionen den Bildhauern ein neues Betätigungsfeld eröffnete – sie schnitzten Masken für Schauspieler. Im klassischen japanischen Drama, das von und für die Aristokratie aufgeführt wurde, trugen die Schauspieler (einer oder mehrere) Masken. Sie vermittelten eine Bandbreite an Gefühlen von Angst, Unruhe und Verwirrung bis hin zu verhaltener Freude. Einige der Masken waren so prächtig geschnitzt, dass die kleinste Drehung des Kopfes des Schauspielers subtile Veränderungen im Ausdruck hervorrief. Bemerkenswerte Exemplare dieser Masken werden seit Jahren von den Familien aufbewahrt, für deren Mitglieder sie hergestellt wurden.

Momoyama-Zeit

(1568-1615). Im Jahr 1593 baute der große Militärdiktator Hideyoshi seine Burg auf Momoyama, den „Pfirsichhügel“, und mit diesem Namen wird üblicherweise der Zeitraum von 47 Jahren vom Fall des Ashikaga-Shogunats bis zur Gründung der Tokugawa- oder Edo-Zeit bezeichnet , im Jahr 1615. Dies war die Zeit der Vorherrschaft einer völlig neuen Militärklasse, deren großer Reichtum zur Blüte der Künste beitrug. Imposante Schlösser mit großen Audienzsälen und langen Gängen kamen Ende des 16. Jahrhunderts in Mode. und forderten Schmuck, der ihrer Größe angemessen war. Es war eine Zeit strenger und mutiger Menschen, und die neuen Mäzene waren im Gegensatz zur früheren Aristokratie nicht besonders an intellektuellen Aktivitäten oder den Feinheiten des Handwerks interessiert. Glücklicherweise wurde die neue Generation von Künstlern ihren Mäzenen gerecht. In dieser Zeit erschienen wunderbare Paravents und bewegliche Paneele in den leuchtenden Farben Purpur, Smaragd, Grün, Lila und Blau. Solche üppigen Farben und dekorativen Formen, oft auf einem Hintergrund aus Gold oder Silber, waren hundert Jahre lang sehr beliebt, und ihre Schöpfer wurden zu Recht als „große Dekorateure“ bezeichnet. Dank des subtilen japanischen Geschmacks verkam der pompöse Stil nicht zur Vulgarität, und selbst als Zurückhaltung und Understatement Luxus und dekorativen Exzessen Platz machten, gelang es den Japanern, die Eleganz zu bewahren.

Eitoku Kano (1543-1590), einer der ersten großen Künstler dieser Zeit, arbeitete im Stil von Kano und Tosa, erweiterte das zeichnerische Konzept des ersten und kombinierte es mit der Farbvielfalt des zweiten. Obwohl nur wenige Werke erhalten sind, deren Autor Eitoku sicher identifiziert werden kann, gilt er als einer der Begründer des Momoyama-Stils, und die meisten Künstler dieser Zeit waren seine Schüler oder wurden von ihm beeinflusst.

Edo- oder Tokugawa-Zeit

(1615-1867). Die lange Friedensperiode, die im neu vereinten Japan herrschte, wird nach dem Namen des Herrschers entweder Tokugawa-Zeit oder Edo (das heutige Tokio) genannt, da diese Stadt 1603 zum neuen Machtzentrum wurde. Zwei berühmten Generälen der kurzen Momoyama-Zeit, Oda Nobunaga (1534–1582) und Toyotomi Hideyoshi (1536–1598), gelang es schließlich durch militärische Aktionen und Diplomatie, mächtige Clans und militante Geistliche zu versöhnen. Mit dem Tod von Hideyoshi im Jahr 1598 ging die Macht an Ieyasu Tokugawa (1542–1616) über, der die gemeinsam begonnenen Maßnahmen vollendete. Die entscheidende Schlacht von Sekigahara im Jahr 1600 stärkte Ieyasus Position, der Fall der Burg Oska im Jahr 1615 ging mit dem endgültigen Zusammenbruch des Hideyoshi-Hauses und der Errichtung der ungeteilten Herrschaft des Tokugawa-Shogunats einher.

Die friedliche Herrschaft der Tokugawa dauerte 15 Generationen und endete erst im 19. Jahrhundert. Es war im Grunde eine Zeit der Politik der „geschlossenen Türen“. Durch ein Dekret von 1640 wurde Ausländern die Einreise nach Japan verboten und die Japaner durften nicht ins Ausland reisen. Die einzige kommerzielle und kulturelle Verbindung bestand mit den Holländern und Chinesen über den Hafen von Nagasaki. Wie in anderen Zeiten der Isolation kam es Ende des 17. Jahrhunderts zu einem Aufschwung nationaler Gefühle und zur Entstehung. die sogenannte Schule der Genremalerei und Gravur.
Die schnell wachsende Hauptstadt Edo wurde nicht nur zum Zentrum des politischen und geschäftlichen Lebens des Inselreichs, sondern auch zum Zentrum des Kunsthandwerks. Die Anforderung, dass Daimyō, die Feudalherren der Provinz, für einen bestimmten Teil eines jeden Jahres in der Hauptstadt sein mussten, führte zu einem Bedarf an neuen Gebäuden, einschließlich Palastgebäuden, und somit an Künstlern, die diese ausschmückten. Eine gleichzeitig aufstrebende Klasse wohlhabender, aber nichtaristokratischer Kaufleute bot Künstlern neue und oft unprofessionelle Mäzene an.

Die Kunst der frühen Edo-Zeit führt teilweise den Momoyama-Stil fort und entwickelt ihn weiter, wobei seine Tendenzen zu Luxus und Pracht verstärkt werden. Der aus der Vorperiode übernommene Reichtum an bizarren Bildern und der Polychromie entwickelt sich weiter. Dieser dekorative Stil erreichte seinen Höhepunkt im letzten Viertel des 17. Jahrhunderts. im sog. die Genroku-Ära der Tokugawa-Zeit (1688-1703). In der japanischen dekorativen Kunst gibt es keine Parallelen in der Extravaganz und dem Reichtum an Farben und dekorativen Motiven in Malerei, Stoffen, Lack, in künstlerischen Kleinigkeiten – Attribute eines luxuriösen Lebensstils.

Da es sich um eine relativ späte Epoche der Geschichte handelt, ist es nicht verwunderlich, dass die Namen vieler Künstler und ihrer Werke erhalten geblieben sind; hier können nur einige der prominentesten genannt werden. Zu den Vertretern der dekorativen Schule, die während der Momoyama- und Edo-Zeit lebten und arbeiteten, gehören Honnami Koetsu (1558–1637) und Nonomura Sotatsu (gest. 1643). Ihre Arbeit zeigt ein bemerkenswertes Gespür für Muster, Komposition und Farbe. Koetsu, ein talentierter Keramiker und Lackkünstler, war für die Schönheit seiner Kalligraphie bekannt. Gemeinsam mit Sotatsu schufen sie damals in Mode befindliche Schriftrollengedichte. In dieser Kombination aus Literatur, Kalligraphie und Malerei waren die Bilder keine bloßen Illustrationen: Sie erzeugten oder suggerierten eine Stimmung, die der Wahrnehmung des Textes angemessen war. Ogata Korin (1658–1716) war einer der Erben des dekorativen Stils und perfektionierte zusammen mit seinem jüngeren Bruder Ogata Kenzan (1663–1743) dessen Technik. Kenzan, der eher als Keramiker denn als Künstler bekannt ist, brannte Gefäße, die mit Motiven seines berühmten älteren Bruders beschriftet waren. Die Wiederbelebung dieser Schule im frühen 19. Jahrhundert. des Dichters und Malers Sakai Hoitsu (1761-1828) war der letzte Aufschwung des dekorativen Stils. Horitsus wunderschöne Schriftrollen und Schirme verbanden Korins Zeichensinn mit dem Naturinteresse des Maruyama-Naturalismus und führten zu dem Reichtum an Farben und dekorativen Motiven der früheren Periode, gemildert durch die Pracht und Feinheit des Pinselstrichs.

Neben dem polychromen Dekorationsstil erfreute sich die Tuschezeichnung der traditionellen Kano-Schule weiterhin großer Beliebtheit. 1622 wurde Kanō Tanyu (1602-1674) zum Hofmaler des Shoguns ernannt und nach Edo berufen. Mit seiner Ernennung zu dieser Position und der Gründung der Edo-Schule der Kano-Malerei in Kobikito begann eine fünfzigjährige Periode der künstlerischen Führung dieser Tradition, die die Bedeutung der Kano-Familie wiederherstellte und die Werke der Edo-Zeit hervorhob bedeutend in der Kano-Malerei. Trotz der Popularität von mit Gold und leuchtenden Farben bemalten Paravents, die von „großen Dekorateuren“ und Rivalen geschaffen wurden, gelang es Tangyu dank der Stärke seines Talents und seiner offiziellen Position, die Malerei der wiederbelebten Kano-Schule beim Adel bekannt zu machen. Tanyu fügte den traditionellen Merkmalen der Kano-Schule Kraft und Einfachheit hinzu, basierend auf einer starren unterbrochenen Linie und einer durchdachten Anordnung von Kompositionselementen auf einer großen freien Fläche.

Ende des 18. Jahrhunderts setzte sich ein neuer Trend durch, bei dem das Interesse an der Natur im Vordergrund stand. Maruyama Okyo (1733–1795), Leiter der neuen Schule, war Bauer, wurde dann Geistlicher und schließlich Künstler. Die ersten beiden Klassen brachten ihm weder Glück noch Erfolg, aber als Künstler erreichte er große Höhen und gilt als Begründer der realistischen Maruyama-Schule. Er studierte beim Meister der Kano-Schule, Ishida Yutei (gest. um 1785); Auf der Grundlage importierter niederländischer Stiche verstand er die westliche Technik der perspektivischen Darstellung und kopierte diese Stiche manchmal einfach. Er studierte auch chinesische Stile der Song- und Yuan-Dynastie, darunter den subtilen und realistischen Stil von Chen Xuan (1235–1290) und Shen Nanping; Letzterer lebte zu Beginn des 18. Jahrhunderts in Nagasaki. Okyo schuf viele Werke aus der Natur und seine wissenschaftlichen Beobachtungen bildeten die Grundlage für die Wahrnehmung der Natur, auf der die Maruyama-Schule basierte.

Neben Interesse am Naturalismus im 18. Jahrhundert. erneuter Einfluss der chinesischen Kunsttradition. Vertreter dieses Trends tendierten zur Malschule der Maler-Wissenschaftler Ming (1368–1644) und Qing (1644–1912), obwohl ihr Verständnis des aktuellen Stands der Kunst in China wahrscheinlich begrenzt war. Die Kunst dieser japanischen Schule wurde Bujinga (die Kunst der gebildeten Menschen) genannt. Einer der einflussreichsten Meister des Bujinga-Stils war Ikeno Taiga (1723-1776), berühmter Künstler und Kalligraph. Sein reifer Stil zeichnet sich durch dicke Konturlinien aus, die mit leichten Federstrichen in hellen Tönen und Tinte gefüllt sind. Er malte auch mit breiten, freien Strichen schwarzer Tinte und stellte Bambusstämme dar, die sich im Wind und Regen neigten. Mit kurzen, geschwungenen Linien erzielte er einen Effekt, der an Gravuren mit dem Bild nebliger Berge über einem von Wald umgebenen See erinnert.
17. Jahrhundert brachte eine weitere bemerkenswerte Kunstrichtung der Edo-Zeit hervor. Dies sind die sogenannten Ukiyo-e (Bilder der sich verändernden Welt) – Genreszenen, die von und für das einfache Volk geschaffen wurden. Die frühen Ukiyo-e hatten ihren Ursprung in der alten Hauptstadt Kyoto und waren größtenteils malerisch. Doch schon bald verlagerte sich das Zentrum ihrer Produktion nach Edo, und die Aufmerksamkeit der Meister richtete sich auf den Holzschnitt. Die enge Verbindung des Holzschnittdrucks mit Ukiyo-e hat zu der falschen Annahme geführt, dass der Holzschnittdruck die Entdeckung dieser Zeit sei; Tatsächlich entstand es im 11. Jahrhundert. Solche frühen Bilder waren Votivbilder und stellten die Begründer des Buddhismus und Gottheiten dar. Während der Kamakura-Zeit wurden einige Erzählrollen aus geschnitzten Blöcken reproduziert. Besonders populär wurde die Gravurkunst jedoch in der Zeit von der Mitte des 17. bis zum 19. Jahrhundert.

Die Sujets der Ukiyo-e-Stiche waren die schönen Kurtisanen der Schwulenviertel, Lieblingsschauspieler und Szenen aus Dramen. Früh, sog. Primitive Gravuren waren in Schwarz gehalten, mit starken rhythmischen Wellenlinien und zeichneten sich durch einfache Designs aus. Manchmal wurden sie von Hand in einer orangeroten Farbe namens tan-e (leuchtend rote Gemälde) mit senfgelben und grünen Markierungen bemalt. Einige der „primitiven“ Künstler verwendeten Handmalerei namens Urushu-e (Lackmalerei), bei der dunkle Bereiche durch die Zugabe von Leim verstärkt und heller gemacht wurden. Ein früher polychromer Druck, der 1741 oder 1742 erschien, hieß benizuri-e (purpurroter Druck) und verwendete normalerweise drei Farben – Rosenrot, Grün und manchmal Gelb. Im Jahr 1765 erschienen wirklich mehrfarbige Gravuren, die die gesamte Palette nutzten und Nishiki-e (Brokatbilder) genannt wurden.

Viele der Graveure erstellten nicht nur Einzeldrucke, sondern illustrierten auch Bücher und verdienten Geld mit erotischen Illustrationen in Büchern und auf Schriftrollen. Man sollte bedenken, dass die Ukiyo-e-Gravur aus drei Arten von Tätigkeiten bestand: Es handelte sich um die Arbeit eines Zeichners, dessen Name auf dem Druck stand, eines Schnitzers und eines Druckers.

Hishikawa Moronobu (ca. 1625–1694) gilt als Begründer der Tradition der Herstellung von Ukiyo-e-Drucken. Weitere „primitive“ Künstler dieser Richtung sind Kiyomasu (1694–1716) und die Kaigetsudo-Gruppe (eine seltsame Künstlergemeinschaft, deren Existenz unklar bleibt) sowie Okumura Masanobu (1686–1764).

Die Übergangskünstler, die Benizuri-e-Drucke schufen, waren Ishikawa Toyonobu (1711–1785), Torii Kiyohiro (aktiv ca. 1751–1760) und Torii Kiyomitsu (1735–1785).

Die Werke von Suzuki Harunobu (1725–1770) eröffnen die Ära der polychromen Gravur. Harunobu-Drucke waren voller sanfter, fast neutraler Farben und wurden von anmutigen Damen und galanten Liebhabern bevölkert. Sie waren ein großer Erfolg. Etwa zur gleichen Zeit arbeiteten Katsukawa Shunsho (1726–1792), Torii Kienaga (1752–1815) und Kitagawa Utamaro (1753–1806) mit ihm zusammen. Jeder von ihnen trug zur Entwicklung dieses Genres bei; Meister brachten Gravuren mit, die anmutige Schönheiten darstellen und Berühmte Schauspieler zur Perfektion. In den Jahren 1794 und 1795 schuf der geheimnisvolle Tosusai Saraku innerhalb weniger Monate erstaunlich starke und geradezu grausame Porträts der Schauspieler jener Zeit.

In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts Dieses Genre hat seine Reife erreicht und begann zu verfallen. Katsushika Hokusai (1760–1849) und Ando Hiroshige (1797–1858) sind die größten Meister dieser Zeit, deren Werk den Niedergang der Gravurkunst im 19. Jahrhundert verbindet. und seine Wiederbelebung zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Beide waren hauptsächlich Landschaftsmaler und hielten in ihren Stichen die Ereignisse des modernen Lebens fest. Die brillante Beherrschung der Technik von Schnitzern und Druckern ermöglichte es, skurrile Linien und die geringsten Schattierungen der untergehenden Sonne oder des im Morgengrauen aufsteigenden Nebels in die Gravur zu übertragen.

Die Meiji-Restauration und die Moderne.

Es kommt oft vor, dass es in der antiken Kunst des einen oder anderen Volkes nur wenige Namen, Daten und erhaltene Werke gibt, so dass ein Urteil nur mit großer Vorsicht und Konvention gefällt werden kann. Allerdings ist es nicht weniger schwierig, zeitgenössische Kunst zu beurteilen, da uns eine historische Perspektive fehlt, um das Ausmaß einer Bewegung oder eines Künstlers und seines Werkes richtig einzuschätzen. Das Studium der japanischen Kunst bildet da keine Ausnahme, und das Beste, was man tun kann, ist, ein Panorama der zeitgenössischen Kunst zu präsentieren und einige vorläufige vorläufige Schlussfolgerungen zu ziehen.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Japanische Häfen wurden wieder für den Handel geöffnet, auf der politischen Bühne kam es zu großen Veränderungen. 1868 wurde das Shogunat abgeschafft und die Herrschaft von Kaiser Meiji wiederhergestellt. Die offizielle Hauptstadt und Residenz des Kaisers wurden nach Edo verlegt und die Stadt selbst wurde als Tokio (östliche Hauptstadt) bekannt.

Wie schon in der Vergangenheit hat das Ende der nationalen Isolation ein großes Interesse an den Errungenschaften anderer Nationen hervorgerufen. Zu dieser Zeit machten die Japaner einen großen Sprung in Wissenschaft und Technologie. Künstlerisch zeigt der Beginn der Meiji-Ära (1868–1912) die Akzeptanz alles Westlichen, einschließlich der Technologie. Dieser Eifer hielt jedoch nicht lange an und es folgte eine Zeit der Assimilation, der Entstehung neuer Formen, die eine Rückkehr zu den eigenen Traditionen mit neuen westlichen Trends verband.

Unter den Künstlern erlangten Kano Hogai (1828–1888), Shimomura Kanzan (1873–1916), Takeuchi Seiho (1864–1924) und Tomioka Tessai (1836–1942) Berühmtheit. Die ersten drei hielten am traditionellen japanischen Stil und den traditionellen japanischen Themen fest, versuchten jedoch, Originalität in Stimmung und Technik zu zeigen. Seihō beispielsweise arbeitete in der ruhigen und konservativen Atmosphäre Kyotos. Sein frühe Arbeiten Er wurde im naturalistischen Stil von Maruyama geschaffen, reiste später jedoch ausgiebig nach China und wurde stark von der chinesischen Tuschemalerei beeinflusst. Seine Reisen in Museen und Führungen Kunstzentren Auch Europa hat in seinem Werk Spuren hinterlassen. Von allen bedeutenden Künstlern dieser Zeit kam nur Tomioka Tessai der Entwicklung eines neuen Stils nahe. In seinen energischen und kraftvollen Werken verbinden sich raue, verdrehte, gezackte Linien und schwarze Tuscheflecken mit fein geschriebenen Farbflecken. In späteren Jahren hatten einige junge Ölmaler dort Erfolg, wo ihre Großväter gescheitert waren. Die ersten Versuche, mit diesem ungewöhnlichen Material zu arbeiten, erinnerten an Pariser Leinwände und zeichneten sich weder durch besonderen Wert noch durch spezifisch japanische Merkmale aus. Mittlerweile entstehen jedoch Werke von außergewöhnlicher Anziehungskraft, in denen durch abstrakte Themen ein ausgeprägter japanischer Sinn für Farbe und Ausgewogenheit zum Vorschein kommt. Andere Künstler, die mit natürlicherer und traditionellerer Tinte arbeiten und manchmal die Kalligraphie als Ausgangspunkt verwenden, schaffen energiegeladene abstrakte Werke in brillanten Schwarztönen mit Grautönen.

Wie in der Edo-Zeit, im 19. und 20. Jahrhundert. Skulptur war nicht beliebt. Aber in diesem Bereich Vertreter moderne Generation, ausgebildet in Amerika und Europa, experimentierte mit großem Erfolg. Die kleinen Bronzeskulpturen, abstrakt in der Form und seltsam benannt, zeigen den japanischen Sinn für Linie und Farbe, der sich in der Verwendung einer sanften grünen oder warmen braunen Patina manifestiert; Holzschnitzereien zeugen von der Liebe der Japaner zur Textur des Materials.

Sosaku Hanga, der japanische „Kreativdruck“, erschien erst im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts, stellte aber als besondere Kunstrichtung alle anderen Bereiche der modernen Kunst in den Schatten. Dieser moderne Druck ist streng genommen kein Nachfolger des älteren Ukiyo-e-Holzschnitts; Sie unterscheiden sich in Stil, Handlung und Herstellungsmethoden. Künstler, von denen viele stark von der westlichen Malerei beeinflusst waren, erkannten die Bedeutung ihrer eigenen künstlerisches Erbe und fanden in Holz das geeignete Material, um ihren kreativen Idealen Ausdruck zu verleihen. Hanga-Meister malen nicht nur, sondern schnitzen auch Bilder auf Holzklötzen und drucken sie selbst aus. Obwohl die Holzbearbeitung in dieser Kunstform am höchsten ist, werden alle modernen westlichen Drucktechniken verwendet. Durch das Experimentieren mit Blättern, Bindfäden und „gefundenen Gegenständen“ können Sie in manchen Fällen einzigartige Oberflächentextureffekte erzeugen. Die Meister dieses Trends waren zunächst gezwungen, Anerkennung zu suchen: Schließlich wurden selbst die besten Errungenschaften der Ukiyo-e-Schule von intellektuellen Künstlern mit einer Analphabetenmenge in Verbindung gebracht und als plebejische Kunst angesehen. Künstler wie Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi und Maekawa Senpan haben viel dazu beigetragen, den Respekt für die Druckgrafik wiederherzustellen und sie als einen würdigen Zweig der schönen Künste zu etablieren. Sie zogen viele junge Künstler in ihre Gruppe und die Zahl der Graveure geht mittlerweile in die Hunderte. Zu den Meistern dieser Generation, die in Japan und im Westen Anerkennung fanden, gehören Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen und Saito Kiyoshi. Dies sind Meister, deren Innovation und unbestreitbares Talent es ihnen ermöglicht haben, einen würdigen Platz unter den führenden Künstlern Japans einzunehmen. Viele ihrer Kollegen und andere, jüngere Hanga-Künstler schufen ebenfalls bemerkenswerte Stiche; Dass wir ihre Namen hier nicht nennen, bedeutet nicht, dass ihre Arbeit schlecht bewertet wird.

KUNST UND ANGEWANDTE KUNST, ARCHITEKTUR UND GÄRTEN

Die vorherigen Abschnitte befassten sich hauptsächlich mit Malerei und Skulptur, die in den meisten Ländern als die wichtigsten Kunstarten gelten. bildende Kunst. Vielleicht ist es unfair, am Ende des Artikels die dekorative Kunst und das Volkshandwerk, die Gartenkunst und die Architektur einzubeziehen – Formen, die ein wichtiger und integraler Bestandteil der japanischen Kunst waren. Mit Ausnahme der Architektur bedürfen sie jedoch möglicherweise besonderer Beachtung allgemeine Periodisierung Japanische Kunst und mit Stiländerungen.

Keramik und Porzellan.

Die wichtigsten Kunsthandwerke in Japan sind Keramik und Porzellan. Keramikkunst lässt sich natürlich in zwei Kategorien einteilen. Das feine polychrome Imari-, Nabeshima- und Kakiemon-Porzellan erhielt seinen Namen von den Produktionsorten und war mit seiner reichen Bemalung auf cremefarbener oder bläulich-weißer Oberfläche für den Adel und den Hof bestimmt. Das Verfahren zur Herstellung von echtem Porzellan wurde in Japan im späten 16. oder frühen 17. Jahrhundert bekannt; Teller und Schalen mit glatter Glasur, mit asymmetrischem oder brokatartigem Muster, werden sowohl im Inland als auch im Westen geschätzt.

Im Gegensatz zum Porzellan in grober Keramik aus Ton oder minderwertiger Steinmasse, wie es für Shino, Oribe und Bizen typisch ist, liegt der Fokus auf dem Material, der scheinbar nachlässigen, aber durchdachten Anordnung dekorativer Elemente. Beeinflusst von den Konzepten des Zen-Buddhismus erfreuten sich solche Gefäße in intellektuellen Kreisen großer Beliebtheit und fanden vor allem bei Teezeremonien weite Verbreitung. In vielen Tassen, Teekannen und Dosen, Attributen der Kunst der Teezeremonie, wurde die Essenz des Zen-Buddhismus verkörpert: strenge Selbstdisziplin und strenge Einfachheit. Während der Blütezeit der japanischen dekorativen Kunst beschäftigten sich die talentierten Künstler Korin und Kenzan mit der Dekoration von Keramikprodukten. Es sei daran erinnert, dass Kenzans Ruhm eher mit seinem Talent als Keramiker und nicht mit seinem Talent als Maler zusammenhängt. Einige der einfacheren Arten und Techniken zur Herstellung von Gefäßen stammen aus volkstümlichen Handwerkstraditionen. Moderne Werkstätten führen die alten Traditionen fort und stellen wunderschöne Produkte her, die durch ihre elegante Schlichtheit begeistern.

Lackprodukte.

Bereits im 7.-8. Jahrhundert. Lack war in Japan bekannt. Aus dieser Zeit sind die Deckel der Schatullen erhalten geblieben, die mit Menschenbildern und geometrischen Motiven verziert und mit dünnen goldenen Linien versehen sind. Von der Bedeutung der Trockenlacktechnik für die Bildhauerei im 8. und 9. Jahrhundert haben wir bereits gesprochen; Gleichzeitig und später wurden Dekorationsgegenstände wie Briefkästen oder Räucherkästen hergestellt. Während der Edo-Zeit wurden diese Produkte in großen Mengen und mit prächtigster Verzierung hergestellt. Luxuriös dekorierte Schachteln für Frühstück, Kuchen, Weihrauch und Medikamente, sogenannte Inro, spiegelten den Reichtum und die Liebe zum Luxus wider, die dieser Zeit innewohnten. Die Oberfläche der Objekte war mit Mustern aus Gold- und Silberpulver, Goldfolienstücken, allein oder in Kombination mit Muscheleinlagen, Perlmutt, einer Legierung aus Zinn und Blei usw. verziert; Diese Muster bildeten einen Kontrast zur rot, schwarz oder braun lackierten Oberfläche. Manchmal fertigten Künstler wie Korin und Koetsu Lackentwürfe an, es ist jedoch unwahrscheinlich, dass sie persönlich an diesen Arbeiten beteiligt waren.

Schwerter.

Die Japaner waren, wie bereits erwähnt, über einen beträchtlichen Zeitraum ihrer Geschichte ein Volk von Kriegern; Waffen und Rüstungen galten für einen Großteil der Bevölkerung als lebenswichtige Gegenstände. Das Schwert war der Stolz eines Mannes; Sowohl die Klinge selbst als auch alle anderen Teile des Schwertes, insbesondere der Griff (Tsuba), wurden in verschiedenen Techniken verziert. Tsuba aus Eisen oder Bronze wurden mit Gold- und Silbereinlagen verziert, geschnitzt oder mit beidem besetzt. Sie zeigten Landschaften oder Personenfiguren, Blumen oder Familienwappen (mon). All dies ergänzte die Arbeit der Schwertmacher.

Stoffe.

Reich gemusterte Seidenstoffe und andere Stoffe, die von Hof und Geistlichen in Zeiten des Überflusses und der Opulenz bevorzugt wurden, sowie schlichte Stoffe mit einem fast primitiven Design, das für die Volkskunst charakteristisch ist, sind ebenfalls Ausdruck nationaler japanischer Begabung. Nachdem die Textilkunst während der reichen Ära von Genroku ihren Höhepunkt erreicht hatte, blühte sie im modernen Japan wieder auf. Es kombiniert Ideen und Kunstfasern aus dem Westen mit traditionellen Farben und dekorativen Motiven.

Gardens.

In den letzten Jahrzehnten hat das Interesse an japanischen Gärten und Architektur zugenommen, da die westliche Öffentlichkeit diesen Kunstformen stärker ausgesetzt ist. Gärten in Japan nehmen einen besonderen Platz ein; Sie sind Ausdruck und Symbol hoher religiöser und philosophischer Wahrheiten, und diese obskuren, symbolischen Untertöne wecken in Kombination mit der scheinbaren Schönheit von Gärten das Interesse der westlichen Welt. Man kann nicht sagen, dass es religiöse oder philosophische Ideen waren Hauptgrund Beim Anlegen von Gärten berücksichtigte der Planer jedoch beim Planen und Anlegen eines Gartens solche Elemente, deren Betrachtung den Betrachter zum Nachdenken über verschiedene philosophische Wahrheiten anregen würde. Hier wird der kontemplative Aspekt des Zen-Buddhismus in einer Gruppe ungewöhnlicher Steine, Wellen aus geharktem Sand und Kies, kombiniert mit Rasen oder Pflanzen verkörpert, die so angeordnet sind, dass der Bach dahinter verschwindet und wieder auftaucht, was den Betrachter zum eigenständigen Vervollständigen ermutigt die während des Baus festgelegten Gartenideen. Charakteristisch für die Zen-Philosophie ist die Bevorzugung vager Hinweise gegenüber verständlichen Erklärungen. Bonsai-Zwergbäume und kleine Topfgärten, die heute im Westen beliebt sind, sind eine Fortsetzung dieser Ideen.

Die Architektur.

Hauptsächlich Baudenkmäler Japan ist Tempel, Klosteranlagen, feudale Burgen und Paläste. Von der Antike bis heute ist Holz der Hauptbaustoff und bestimmt maßgeblich die Gestaltungsmerkmale. Die ältesten religiösen Gebäude sind Schreine der japanischen Nationalreligion Shinto; Den Texten und Zeichnungen zufolge handelte es sich um relativ einfache Gebäude mit einem Strohdach, wie die antiken Wohnhäuser. Die nach der Ausbreitung des Buddhismus errichteten und damit verbundenen Tempelbauten basierten in Stil und Grundriss auf chinesischen Vorbildern. Die Architektur buddhistischer Tempel hat sich im Laufe der Zeit verändert und die Ausstattung und Anordnung der Gebäude war in den verschiedenen Sekten unterschiedlich. Japanische Gebäude zeichnen sich durch große Hallen mit hohen Dächern und einem komplexen Konsolensystem aus und ihre Ausstattung spiegelt den Geschmack ihrer Zeit wider. Die schlichte und majestätische Architektur des Horyu-ji-Komplexes, der im frühen 7. Jahrhundert in der Nähe von Nara erbaut wurde, ist ebenso charakteristisch für die Asuka-Zeit wie die Schönheit und Eleganz der Proportionen des Hoodo, Ujis „Phönixhalle“, die sich im Lotussee widerspiegelt , stammt aus der Heian-Zeit. Die aufwändigeren Bauwerke der Edo-Zeit erhielten zusätzliche Verzierungen in Form von reich bemalten Schiebetüren und Paravents, die von denselben „großen Dekorateuren“ angefertigt wurden, die die Innenräume von Wasserburgen und feudalen Palästen schmückten.

Die Architektur und die Gärten Japans sind so eng miteinander verbunden, dass sie als Teile voneinander betrachtet werden können. Dies gilt insbesondere für Gebäude und Gartenhäuser für die Teezeremonie. Ihre Offenheit, Einfachheit und sorgfältig gestaltete Verbindung zu Landschaft und Perspektive haben einen großen Einfluss auf moderne Architektur Westen.

AUSWIRKUNGEN DER JAPANISCHEN KUNST IM WESTEN

Innerhalb nur eines Jahrhunderts wurde die Kunst Japans im Westen bekannt und hatte einen erheblichen Einfluss auf ihn. Auch früher gab es Kontakte (z. B. handelten die Niederländer über den Hafen von Nagasaki mit Japan), doch die Objekte, die im 17. Jahrhundert nach Europa gelangten, waren hauptsächlich Werke der angewandten Kunst – Porzellan und Lackwaren. Sie wurden eifrig als Kuriositäten gesammelt und auf verschiedene Weise kopiert, doch diese dekorativen Exporte spiegelten nicht das Wesen und die Qualität der japanischen Kunst wider und vermittelten den Japanern sogar eine wenig schmeichelhafte Vorstellung vom westlichen Geschmack.

Erstmals erfuhr die westliche Malerei 1862 in Europa während der großen Internationalen Ausstellung in London den direkten Einfluss japanischer Kunst. Fünf Jahre später wurden japanische Holzschnitte auf der Pariser Weltausstellung vorgestellt und erweckten neues Interesse. Es entstanden sofort mehrere private Kupferstichsammlungen. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh und andere betrachteten japanische Farbdrucke als Offenbarung; Oft wird ein leichter, aber immer erkennbarer Einfluss der japanischen Druckgrafik auf die Impressionisten festgestellt. Die Amerikaner Whistler und Mary Cassatt waren von der Zurückhaltung der Linien und den leuchtenden Farben der Ukiyo-e-Drucke und -Gemälde fasziniert.

Die Öffnung Japans für Ausländer im Jahr 1868 weckte eine Faszination für alles Westliche und führte dazu, dass sich die Japaner von ihrer eigenen reichen Kultur und ihrem künstlerischen Erbe abwandten. Zu dieser Zeit wurden viele schöne Gemälde und Skulpturen verkauft und gelangten in westliche Museen und Privatsammlungen. Ausstellungen dieser Gegenstände führten den Westen nach Japan und weckten das Interesse an Reisen in den Fernen Osten. Zweifellos eröffnete die Besetzung Japans durch amerikanische Truppen am Ende des Zweiten Weltkriegs mehr Möglichkeiten als zuvor, japanische Tempel und ihre Schätze kennenzulernen und tiefer zu studieren. Dieses Interesse spiegelte sich in der Besucherzahl amerikanischer Museen wider. Das Interesse am Orient im Allgemeinen wurde durch die Organisation von Ausstellungen japanischer Kunst geweckt, die aus japanischen öffentlichen und privaten Sammlungen ausgewählt und nach Amerika und Europa gebracht wurden.

Wissenschaftliche Forschung letzte Jahrzehnte hat viel dazu beigetragen, die Meinung zu widerlegen, dass japanische Kunst nur ein Spiegelbild chinesischer Kunst sei, und zahlreiche japanische Veröffentlichungen dazu Englische Sprache führte den Westen in die Ideale des Ostens ein.

Die moderne japanische Kunstszene scheint vollständig globalisiert zu sein. Künstler reisen zwischen Tokio und New York, fast alle haben eine europäische oder amerikanische Ausbildung erhalten, sie sprechen über ihre Arbeit in internationalem Kunstenglisch. Dieses Bild ist jedoch noch lange nicht vollständig.

Nationale Formen und Trends erweisen sich als eines der begehrtesten Güter, die Japan dem Weltmarkt für künstlerische Ideen und Werke anbieten kann.

Flugzeugbetrieb. Wie Superflat amerikanische Geek-Kultur und traditionelle japanische Malerei vereint

Takashi Murakami. „Tang Tan Bo“

Während in der westlichen Welt die Grenze zwischen Hoch- und Massenkultur für fast alle (außer vielleicht den eifrigsten postmodernen Theoretikern) immer noch relevant, wenn auch problematisch, ist, sind diese Welten in Japan völlig gemischt.

Ein Beispiel dafür ist Takashi Murakami, der Ausstellungen in den besten Galerien der Welt und Streaming-Produktion erfolgreich kombiniert.

Aufzeichnung des Rundgangs durch die Murakami-Ausstellung „Es wird sanften Regen geben“

Allerdings ist Murakamis Beziehung zur Populärkultur – und für Japan ist dies in erster Linie die Kultur der Manga- und Anime-Fans (Otaku) – komplizierter. Der Philosoph Hiroki Azuma kritisiert das Verständnis von Otaku als authentisches japanisches Phänomen. Otaku sehen sich direkt mit den Traditionen der Edo-Zeit des 17.-19. Jahrhunderts verbunden – der Ära des Isolationismus und der Ablehnung der Modernisierung. Azuma argumentiert, dass die Otaku-Bewegung – basierend auf Manga, Animation, Graphic Novels und Computerspielen – nur im Kontext der amerikanischen Besatzung nach dem Krieg als Folge des Imports amerikanischer Kultur entstanden sein konnte. Die Kunst von Murakami und seinen Anhängern erfindet Otaku mit Pop-Art-Techniken neu und entlarvt den nationalistischen Mythos von der Authentizität der Tradition. Es stellt eine „Re-Amerikanisierung der japanisierten amerikanischen Kultur“ dar.

Aus künstlerischer Sicht kommt Superflat der frühen japanischen Ukiyo-e-Malerei am nächsten. Das bekannteste Werk dieser Tradition ist der Druck „Die große Welle vor Kanagawa“ von Katsushika Hokusai (1823–1831).

Für die westliche Moderne war die Entdeckung der japanischen Malerei ein Durchbruch. Sie ermöglicht es, das Bild als Fläche zu sehen und versucht, diese Eigentümlichkeit nicht zu überwinden, sondern mit ihr zu arbeiten.

Katsushiki Hokusai. „Die große Welle vor Kanagawa“

Pioniere der Leistung. Was bedeutet japanische Kunst der 1950er Jahre heute?

Dokumentation des kreativen Prozesses von Akira Kanayama und Kazuo Shiraga

Superflat nahm erst in den 2000er Jahren Gestalt an. Doch die für die Weltkunst bedeutsamen künstlerischen Aktionen begannen in Japan viel früher – und sogar früher als im Westen.

Die performative Wende in der Kunst vollzog sich an der Wende der 60er und 70er Jahre des letzten Jahrhunderts. In Japan erschien die Aufführung in den fünfziger Jahren.

Zum ersten Mal hat die Gutai-Gruppe ihren Fokus von der Schaffung autarker Objekte auf den Prozess ihrer Produktion verlagert. Von hier aus – ein Schritt zur Aufgabe des Kunstobjekts zugunsten eines flüchtigen Ereignisses.

Obwohl einzelne Künstler aus Gutai (und es gab 59 von ihnen in zwanzig Jahren) im internationalen Kontext aktiv existierten, versteht man, wie ihre kollektive Aktivität in der japanischen Nachkriegskunst im Allgemeinen erst vor kurzem im Westen begann. Der Boom kam 2013 mit mehreren Ausstellungen in kleinen Galerien in New York und Los Angeles, „Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde“ im MoMA und der großen historischen Retrospektive „Gutai: Splendid Playground“ im Guggenheim Museum. Der Moskauer Import japanischer Kunst scheint eine fast verspätete Fortsetzung dieses Trends zu sein.

Sadamasa Motonaga. Arbeit (Wasser) im Guggenheim Museum

Es ist auffällig, wie modern diese Retrospektivausstellungen wirken. Zentrales Objekt der Ausstellung im Guggenheim Museum ist beispielsweise die Rekonstruktion von Work (Water) von Sadamasa Motonaga, bei der die Ebenen der Museumsrotunde durch Polyethylenrohre mit farbigem Wasser verbunden sind. Sie erinnern an Pinselstriche, die von der Leinwand gerissen wurden, und dienen als Beispiel für Gutais zentralen Fokus auf „Konkretheit“ (wie der Bandname aus dem Japanischen übersetzt wird), der Materialität der Objekte, mit denen der Künstler arbeitet.

Viele Gutai-Mitglieder erhielten eine Ausbildung mit Bezug zur klassischen Nihonga-Malerei, viele sind biografisch mit dem religiösen Kontext des Zen-Buddhismus und seiner charakteristischen japanischen Kalligraphie verbunden. Sie alle fanden einen neuen, prozessualen oder partizipatorischen Zugang zu alten Traditionen. Kazuo Shiraga hat auf Video aufgezeichnet, wie er seine Anti-Rauschenberg-Monochrome mit den Füßen zeichnet, und hat sogar Gemälde in der Öffentlichkeit geschaffen.

Minoru Yoshida verwandelte Blumen aus japanischen Drucken in psychedelische Objekte – ein Beispiel dafür ist die Bisexuelle Blume, eine der ersten kinetischen (bewegten) Skulpturen der Welt.

Die Kuratoren der Ausstellung im Guggenheim Museum sprechen über die politische Bedeutung dieser Werke:

„Die Gutai demonstrierten die Bedeutung freier individueller Aktion, der Zerstörung der Erwartungen des Publikums und sogar der Dummheit als Möglichkeiten, der sozialen Passivität und Konformität entgegenzuwirken, die es einer militaristischen Regierung über Jahrzehnte ermöglichten, eine kritische Masse an Einfluss zu erlangen, in China einzumarschieren und dann Treten Sie dem Zweiten Weltkrieg bei.

Gut und weise. Warum Künstler in den 1960er Jahren Japan nach Amerika verließen

Gutai war im Japan der Nachkriegszeit die Ausnahme von der Regel. Avantgardistische Gruppen blieben marginal, die Kunstwelt war streng hierarchisch. Der wichtigste Weg zur Anerkennung war die Teilnahme an Wettbewerben anerkannter Vereinigungen klassischer Künstler. Daher zogen es viele vor, in den Westen zu gehen und sich in das englischsprachige Kunstsystem zu integrieren.

Besonders hart war es für die Frauen. Selbst im fortschrittlichen Gutai erreichte ihr Anteil nicht einmal ein Fünftel. Was können wir über traditionelle Institutionen sagen, für deren Zugang es notwendig war? besondere Bildung. In den sechziger Jahren hatten sich Mädchen jedoch bereits das Recht dazu erworben, Kunst zu erlernen (wenn es nicht um Dekoration ging, die zu den Fähigkeiten gehörte). Ryosai Kenbo- eine gute Ehefrau und eine weise Mutter) war ein gesellschaftlich verpönter Beruf.

Yoko Ono. Stück abschneiden

Die Geschichte der Auswanderung fünf mächtiger japanischer Künstlerinnen aus Tokio in die Vereinigten Staaten war Gegenstand von Midori Yoshimotos Studie „Into Performance: Japanische Künstlerinnen in New York“. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi und Shigeko Kubota beschlossen zu Beginn ihrer Karriere, nach New York zu gehen und arbeiteten dort unter anderem an der Modernisierung der Traditionen der japanischen Kunst. Nur Yoko Ono wuchs in den USA auf – doch auch sie weigerte sich bewusst, nach Japan zurückzukehren, da sie während ihres kurzen Aufenthalts in den Jahren 1962–1964 von der künstlerischen Hierarchie Tokios desillusioniert war.

Ono wurde die berühmteste der fünf, nicht nur als Ehefrau von John Lennon, sondern auch als Autorin protofeministischer Performances, die sich der Objektivierung des weiblichen Körpers widmeten. Es gibt offensichtliche Parallelen zwischen Cut Piece It, bei dem das Publikum Stücke von der Kleidung des Künstlers abschneiden konnte, und „Rhythm 0“ von der „Großmutter der Performance“ Marina Abramović.

Auf kurzen Beinen. So bestehen Sie die Schauspielausbildung des Autors Tadashi Suzuki

Im Fall von Ono und Gutai erlangten die Methoden und Themen ihrer Arbeit unabhängig von den Autoren internationale Bedeutung. Es gibt andere Formen des Exports – wenn die Werke des Künstlers auf internationaler Ebene mit Interesse wahrgenommen werden, die Übernahme der eigentlichen Methode jedoch aufgrund ihrer Spezifität nicht erfolgt. Der auffälligste Fall ist das Schauspieltrainingssystem von Tadashi Suzuki.

Selbst in Russland ist das Suzuki-Theater beliebt – und das ist nicht verwunderlich. Das letzte Mal 2016 war er mit der Aufführung von „Die Trojanerinnen“ nach den Texten von Euripides bei uns und in den 2000er Jahren mehrfach mit Shakespeare- und Tschechow-Inszenierungen dabei. Suzuki übertrug die Handlung der Stücke auf den aktuellen japanischen Kontext und bot nicht offensichtliche Interpretationen der Texte: Er entdeckte den Antisemitismus bei Ivanov und verglich ihn mit der verächtlichen Haltung der Japaner gegenüber den Chinesen, übertrug die Handlung von König Lear auf eine japanische Irrenanstalt.

Suzuki baute sein System im Gegensatz zur russischen Theaterschule auf. IN Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert, während der sogenannten Meiji-Zeit, erlebte das modernisierende kaiserliche Japan den Aufstieg von Oppositionsbewegungen. Das Ergebnis war eine groß angelegte Verwestlichung einer zuvor äußerst geschlossenen Kultur. Zu den importierten Formen gehörte das Stanislavsky-System, das in Japan (und in Russland) immer noch eine der wichtigsten Regiemethoden ist.

Suzuki-Übungen

In den sechziger Jahren, als Suzuki seine Karriere begann, verbreitete sich immer mehr die These, dass sich japanische Schauspieler aufgrund ihrer körperlichen Merkmale nicht an Rollen aus westlichen Texten gewöhnen könnten, die das damalige Repertoire füllten. Dem jungen Regisseur gelang es, die überzeugendste Alternative anzubieten.

Suzukis Übungssystem, Beingrammatik genannt, umfasst Dutzende Arten des Sitzens und noch mehr Arten des Stehens und Gehens.

Seine Schauspieler spielen meist barfuß und wirken, durch die Absenkung des Schwerpunktes, möglichst fest am Boden verankert, schwer. Suzuki bringt ihnen und ausländischen Künstlern seine Technik im Dorf Toga bei, in alten japanischen Häusern voller moderner Ausrüstung. Seine Truppe gibt nur etwa 70 Auftritte pro Jahr, und die restliche Zeit lebt er fast ohne das Dorf zu verlassen und hat keine Zeit für persönliche Angelegenheiten – nur für die Arbeit.

Das Toga Center entstand in den 1970er Jahren und wurde auf Wunsch des Direktors vom weltberühmten Architekten Arata Isozaka entworfen. Suzukis System mag patriarchalisch und konservativ wirken, aber er selbst spricht über Toga in modernen Begriffen der Dezentralisierung. Schon Mitte der 2000er Jahre erkannte Suzuki, wie wichtig es ist, Kunst aus der Hauptstadt in die Regionen zu exportieren und lokale Produktionsstandorte zu organisieren. Laut dem Regisseur ähnelt die Theaterkarte Japans in vielerlei Hinsicht der russischen – die Kunst konzentriert sich auf Tokio und mehrere kleinere Zentren. Auch das russische Theater würde von einem Ensemble profitieren, das regelmäßig in Kleinstädten auf Tournee geht und seinen Sitz weit entfernt von der Hauptstadt hat.

SCOT Company Center in Toga

Blumenpfade. Welche Ressource hat das moderne Theater in den Noh- und Kabuki-Systemen entdeckt?

Die Suzuki-Methode erwächst aus zwei alten japanischen Traditionen – aber auch aus Kabuki. Nicht nur, dass diese Theaterformen oft als die Kunst des Gehens bezeichnet werden, sondern auch in offensichtlicheren Details. Suzuki folgt oft der Regel über die Ausübung aller Rollen durch Männer und verwendet charakteristische räumliche Lösungen, zum Beispiel Hanamichi („der Weg der Blumen“) des Kabuki-Musters – eine Plattform, die sich von der Bühne bis in die Tiefen des Zuschauerraums erstreckt. Er nutzt auch durchaus erkennbare Symbole wie Blumen und Schriftrollen.

Natürlich in globale Welt Das Privileg der Japaner, ihre nationalen Formen zu verwenden, steht außer Frage.

Das Theater eines der bedeutendsten Regisseure unserer Zeit, des Amerikaners Robert Wilson, wurde auf Anleihen von But aufgebaut.

Er verwendet nicht nur Masken und Make-up, die das Massenpublikum an Japan erinnern, sondern übernimmt auch Handlungsweisen, die auf maximaler Verlangsamung der Bewegung und autarker Ausdruckskraft der Geste basieren. Durch die Kombination traditioneller und ritueller Formen mit hochmoderner Lichtmusik und minimalistischer Musik (eines von Wilsons berühmtesten Werken ist eine Inszenierung von Philip Glass‘ Oper Einstein on the Beach) schafft Wilson im Wesentlichen die Synthese von Ursprung und Relevanz, die ein Großteil der modernen Kunst anstrebt .

Robert Wilson. „Einstein am Strand“

Aus Noh und Kabuki ist eine der Säulen des modernen Tanzes erwachsen – Butoh, wörtlich übersetzt – der Tanz der Dunkelheit. Butoh wurde 1959 von den Choreografen Kazuo Ono und Tatsumi Hijikata erfunden, die sich auch auf einen niedrigen Schwerpunkt und die Konzentration auf die Füße stützten. Es ging darum, Reflexionen traumatischer Kriegserlebnisse in die körperliche Dimension zu übertragen.

„Sie zeigten den Körper krank, zusammenbrechend, sogar monströs, monströs.<…>Die Bewegungen sind entweder langsam oder bewusst scharf und explosiv. „Dafür kommt eine spezielle Technik zum Einsatz, bei der die Bewegung aufgrund der Knochenhebel des Skeletts so ausgeführt wird, als ob die Hauptmuskeln nicht beansprucht werden“, schreibt die Tanzhistorikerin Irina Sirotkina Butoh in die Geschichte der Befreiung des Körpers ein, verbindet es mit der Abkehr von der Ballettnormativität. Sie vergleicht Butoh mit den Praktiken von Tänzern und Choreografen des frühen 20. Jahrhunderts – Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, spricht vom Einfluss auf den späteren „postmodernen“ Tanz.

Ein Fragment des Tanzes von Katsura Kana, dem modernen Nachfolger der Butoh-Tradition

Heute ist Butoh in seiner ursprünglichen Form keine avantgardistische Praxis mehr, sondern eine historische Rekonstruktion.

Das von Ohno, Hijikata und ihren Anhängern entwickelte Bewegungswörterbuch bleibt jedoch eine wertvolle Ressource für zeitgenössische Choreografen. Im Westen wird es von Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky und sogar im Video zu „Belong To The World“ von The Weekend verwendet. In Japan ist der Nachfolger der Butoh-Tradition beispielsweise Saburo Teshigawara, der im Oktober nach Russland kommen wird. Obwohl er selbst Parallelen zum Tanz der Dunkelheit bestreitet, finden Kritiker durchaus erkennbare Zeichen: einen scheinbar knochenlosen Körper, Zerbrechlichkeit, geräuschlosen Schritt. Zwar werden sie bereits in den Kontext der postmodernen Choreografie gestellt – mit ihrem hohen Tempo, ihren Läufen und der Arbeit mit postindustrieller Noise-Musik.

Saburo Teshigawara. Metamorphose

Lokal global. Inwiefern ähnelt zeitgenössische japanische Kunst der westlichen Kunst?

Die Werke von Teshigawara und vielen seiner Kollegen fügen sich organisch in die Programme der besten westlichen Festivals für zeitgenössischen Tanz ein. Wenn Sie die Beschreibungen der Aufführungen und Aufführungen durchgehen, die beim Festival / Tokio – der größten jährlichen Show des japanischen Theaters – gezeigt wurden, werden Sie kaum grundlegende Unterschiede zu europäischen Trends erkennen können.

Eines der zentralen Themen ist die Ortsspezifität – japanische Künstler erkunden die Räume Tokios, von Ansammlungen des Kapitalismus in Form von Wolkenkratzern bis hin zu Randgebieten der Otaku-Konzentration.

Ein weiteres Thema ist die Untersuchung von Missverständnissen zwischen den Generationen, des Theaters als Ort der Live-Begegnung und der organisierten Kommunikation von Menschen unterschiedlichen Alters. Ihr gewidmete Projekte von Toshika Okada und Akira Tanayama wurden mehrere Jahre in Folge nach Wien zu einem der wichtigsten europäischen Festivals der darstellenden Künste gebracht. Die Übertragung dokumentarischer Materialien und persönlicher Geschichten auf die Bühne war Ende der 2000er Jahre nichts Neues, doch der Kurator der Wiener Festwochen präsentierte diese Projekte der Öffentlichkeit als Möglichkeit für einen Live-Punkt-zu-Punkt-Kontakt miteinander Kultur.

Ein weiterer Schwerpunkt ist die Aufarbeitung der traumatischen Erfahrung. Für die Japaner ist es nicht mit dem Gulag oder dem Holocaust verbunden, sondern mit der Bombardierung von Hiroshima und Nagasaki. Das Theater bezieht sich ständig auf ihn, aber die kraftvollste Aussage über Atomexplosionen als Moment der Entstehung der gesamten modernen japanischen Kultur stammt immer noch von Takashi Murakami.

zur Ausstellung „Little Boy: Die Künste der explodierenden Subkultur Japans“

„Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture“ ist der Titel seines kuratierten Projekts, das 2005 in New York gezeigt wurde. „Little Boy“ – „Baby“ auf Russisch – der Name einer der Bomben, die 1945 über Japan abgeworfen wurden. Murakami sammelte Hunderte von Manga-Comics von führenden Illustratoren, unverwechselbares Vintage-Spielzeug und Merchandise-Artikel, die von berühmten Animes von Godzilla bis Hello Kitty inspiriert wurden, und hat die Konzentration von Niedlichkeit – Kawaii – im Museumsraum auf die Spitze getrieben. Gleichzeitig startete er eine Auswahl an Animationen, in denen Bilder von Explosionen, nackter Erde und zerstörten Städten zu zentralen Bildern wurden.

Dieser Widerstand war die erste große Aussage über die Infantilisierung der japanischen Kultur als Mittel zur Bewältigung der posttraumatischen Belastungsstörung.

Nun scheint diese Schlussfolgerung bereits offensichtlich. Darauf baut eine akademische Studie über Kawaii von Inuhiko Yomota auf.

Es gibt auch spätere traumatische Auslöser. Zu den wichtigsten zählen die Ereignisse vom 11. März 2011, das Erdbeben und der Tsunami, die zu einem schweren Unfall im Kernkraftwerk Fukushima führten. Beim Festival/Tokyo-2018 war ein ganzes Programm von sechs Aufführungen dem Verständnis der Folgen einer Natur- und Technologiekatastrophe gewidmet; Sie wurden auch zum Thema eines der in Soljanka präsentierten Werke. Dieses Beispiel zeigt deutlich, dass sich das Arsenal an kritischen Methoden westlicher und japanischer Kunst nicht grundsätzlich unterscheidet. Haruyuki Ishii kreiert eine Installation aus drei Fernsehgeräten, die in Hochgeschwindigkeit geschnittenes und gelooptes Filmmaterial aus Fernsehprogrammen über das Erdbeben in einer Schleife abspielen.

„Die Arbeit besteht aus 111 Videos, die der Künstler täglich in den Nachrichten sah, bis zu dem Moment, als alles, was er sah, nicht mehr als Fiktion wahrgenommen wurde“, erklären die Kuratoren. Das neue Japan ist ein anschauliches Beispiel dafür, dass Kunst sich einer Interpretation auf der Grundlage nationaler Mythen nicht widersetzt, aber gleichzeitig zeigt ein kritischer Blick, dass dieselbe Interpretation für Kunst jeglicher Herkunft relevant sein könnte. Die Kuratoren sprechen über Kontemplation als Grundlage der japanischen Tradition und beziehen sich dabei auf Zitate aus Lao Tzu. Gleichzeitig, als würde man es ausklammern, ist bei fast jeder zeitgenössischen Kunst der „Beobachtereffekt“ (wie die Ausstellung genannt wird) im Mittelpunkt – sei es in Form der Schaffung neuer Kontexte für die Wahrnehmung bekannter Phänomene oder in der Erweckung die Frage nach der Möglichkeit adäquater Wahrnehmung als solcher.

Imagined Communities – ein weiteres Werk des Videokünstlers Haruyuki Ishii

Spiel

Allerdings sollte man nicht glauben, dass das Japan der 2010er Jahre eine Konzentration von Fortschrittlichkeit ist.

Die Gewohnheiten des guten alten Traditionalismus und die Liebe zur orientalistischen Exotik sind noch nicht überlebt. „The Theatre of Virgins“ ist der Titel eines eher bewundernden Artikels über das japanische Theater „Takarazuka“ in der russischen konservativen Zeitschrift „PTJ“. Takarazuka entstand Ende des 19. Jahrhunderts als Geschäftsprojekt, um Touristen in eine abgelegene Stadt gleichen Namens zu locken, die zufällig zur Endstation einer Privatbahn wurde. Im Theater spielen ausschließlich unverheiratete Mädchen, die nach Angaben des Bahnbesitzers männliche Zuschauer in die Stadt locken sollten. Heute funktioniert Takarazuka wie eine Industrie, mit einem eigenen Fernsehsender, einem umfangreichen Konzertprogramm und sogar einem örtlichen Vergnügungspark. Aber nur unverheiratete Mädchen haben noch das Recht, in der Truppe zu sein – hoffen wir, dass sie nicht zumindest ihre Jungfräulichkeit prüfen.

Allerdings verblasst Takarazuka im Vergleich zum Toji Deluxe Club in Kyoto, den die Japaner auch Theater nennen. Demnach zu urteilen, sehen sie absolut wild aus Beschreibung New Yorker-Kolumnist Ian Buruma, Striptease-Show: Mehrere nackte Mädchen auf der Bühne machen die Demonstration ihrer Genitalien zum öffentlichen Ritual.

Wie viele künstlerische Praktiken, diese Show basiert auf alten Legenden (mit Hilfe einer Kerze und einer Lupe konnten die Männer aus dem Publikum abwechselnd die „Geheimnisse der Muttergöttin Amaterasu“ erkunden), und der Autor selbst wurde an die Noh-Tradition erinnert .

Die Suche nach westlichen Analoga für Takarazuki und Toji überlassen wir dem Leser – es ist nicht schwer, sie zu finden. Wir stellen nur fest, dass ein erheblicher Teil der modernen Kunst genau auf die Bekämpfung solcher Unterdrückungspraktiken abzielt – sowohl westliche als auch japanische, vom Superflat- bis zum Butoh-Tanz.

Japan ist ein sehr interessanter Staat, bekannt für eine große Vielfalt an Traditionen und Bräuchen. Die geografische Lage des Landes der aufgehenden Sonne machte es etwas isoliert von anderen Staaten, wodurch es sich ohne Rücksicht auf europäische Länder entwickelte. Die Kultur Japans ist äußerst reich und vielfältig. Unter dem Einfluss der Geschichte entstanden eigenartige japanische Traditionen wichtige Ereignisse. Allmählich entwickelte sich Japan zu einem mächtigen, geschlossenen Staat mit charakteristischen Merkmalen und einer bestimmten Mentalität der Bevölkerung.

Hauptaspekte der japanischen Kultur

Die Kultur des Landes manifestiert sich in vielen Bereichen der Gesellschaft. In Japan sind seine Aspekte;

Der Prozess des Teetrinkens ist für die Japaner keine einfache Befriedigung der physiologischen Bedürfnisse des Körpers, sondern ein echter Kult. Die Teezeremonie in Japan wird von besonderen Attributen begleitet und enthält viele Traditionen. Es scheint, dass eine solche ehrfürchtige Haltung gegenüber dem alltäglichen Prozess ihren Ursprung in der Meditation buddhistischer Mönche hat. Sie waren es, die dem Prozess des Teetrinkens so viel Bedeutung verliehen.

Für Europäer prägt der Begriff „Kimono“ die Nationalkleidung Japans. Im Land der aufgehenden Sonne selbst gibt es jedoch zwei Bedeutungen dieses Wortes – im engeren und im weiteren Sinne. Das Wort „Kimono“ bezieht sich in Japan nicht nur auf die Nationaltracht, sondern auf alle Kleidungsstücke im Allgemeinen. Unter dem Kimono werden in der Regel ein besonderes Gewand und sieben Gürtel getragen. Ein im Sommer getragener Kimono wird Yukata genannt. Abhängig vom Alter der Frau kann auch das Kleidungsmodell variieren.

In Japan werden zwei religiöse Bewegungen gleichzeitig erfolgreich gepredigt – Shintoismus und Buddhismus. Der Shintoismus entstand im alten Japan und basiert auf der Verehrung verschiedener Kreaturen. Der Buddhismus wiederum ist in mehrere Spielarten unterteilt. In Japan gibt es viele Schulen, die die eine oder andere Richtung des Buddhismus fördern.

Steingärten haben in der Kultur Japans eine besondere Bedeutung. Sie sind nicht nur eine architektonische Schöpfung, die die Aufmerksamkeit von Touristen auf sich zieht, sondern auch ein Ort spirituelles Wachstum. Hier finden die Japaner Erleuchtung durch die Betrachtung von Steinstrukturen, die in einer besonderen Reihenfolge angeordnet sind. Den Steingärten liegt ein konkreter Plan zugrunde, den nur ein aufgeklärter Mensch entwirren kann.

Tango no Sekku ist ein Fest zu Ehren der Jungen. Es ist nicht nur allen kleinen männlichen Vertretern gewidmet, sondern auch der Männlichkeit und Stärke des gesamten japanischen Volkes. Es ist üblich, den Feiertag im Frühling zu feiern, wenn die Natur erwacht und mit ihrer Schönheit erfreut. Am Tag des Tango no Sekku werden die Jungen von ihren Eltern betreut. Der Vater muss seinem Sohn von allen japanischen Kriegern und ihren Heldentaten erzählen. Und seine Mutter deckt ihm den Tisch mit leckerem Essen.

Die Kirschblüte gilt als das schönste Naturphänomen. Viele Touristen kommen hierher, nur um die Betrachtung einer blühenden Pflanze zu genießen. Im Frühling kann man in den Parks Japans eine große Menschenmenge beobachten. Viele Familien machen Picknicks und beobachten die Schönheit des japanischen Kirschbaums.

Bögen können den besonderen Traditionen des Landes zugeschrieben werden. Sie repräsentieren die Regeln des guten Benehmens. Bei Japanern ist es nicht üblich, sich zu verabschieden, stattdessen verneigen sie sich genauso oft wie der Gesprächspartner.

Samurai repräsentieren eine bestimmte Gesellschaftsschicht, die sich unter dem Einfluss von Traditionen und Bräuchen entwickelt hat. Es hat einen direkten Bezug zur Kultur des Landes. Samurai sind Krieger, die einen bestimmten Dienst verrichten, der sowohl militärischer, Sicherheits- als auch Haushaltsdienst sein kann. In jedem dieser Fälle verkörpern Samurai den Mut, die Männlichkeit und den Adel des japanischen Volkes.

Der Entstehungsprozess der Kultur des alten Japan

Mit der Entstehung der japanischen Sprache und Schrift begann sich die Kultur des alten Japan zu entwickeln. Die Grundlage dafür hat das Land der aufgehenden Sonne von China übernommen. Die japanische Schrift enthält auch Hieroglyphen, die ein ausländischer Staatsbürger nicht verstehen kann. Im Laufe der Zeit wurden der japanischen Sprache neue Wörter, Laute und Phrasen hinzugefügt. Er hat sich jedoch völlig verändert Gemeinsamkeiten mit China sind noch nachvollziehbar.

Auch die Religiosität des Landes hat ihren Ursprung in der Antike. Der Shintoismus war eine Folge der Entwicklung verschiedener Mythologien. An dieser Moment Diese Lehre fördert den Kult der Führer und Toten. Der Buddhismus hingegen hat so tiefe Wurzeln, dass die Meinungen von Wissenschaftlern und Historikern über die Entstehung dieser Art von Religion sehr unterschiedlich sind.

Japanische Kunst

Fast alle in Japan praktizierten Kunstarten haben eine Grundidee: Ruhe und Entspannung. Es ist gerade die Harmonie des Menschen mit sich selbst, die Kunst enthält, unabhängig von der Art und Weise, wie Informationen präsentiert werden. Viele weltweit bekannte Kunstformen begannen ihre Entwicklung in Japan. Darunter kann Origami unterschieden werden – die Fähigkeit, verschiedene Formen aus Papier zu falten.

Andere beliebter Teil Aus der japanischen Kunst wurde Ikebana. Hierbei handelt es sich um eine Fertigkeit, mit einer speziellen Technologie Blumensträuße zu formen. Von hier aus entstand eine ebenso beliebte Aktivität, die Bonsai genannt wird. Dabei handelt es sich um die Schaffung vielfältiger Kompositionen aus Zwergbäumen. In Omiya, nicht weit von Tokio entfernt, gibt es einen ganzen Bonsai-Park. Jeder hier vorgestellte Zwergbaum ist auf seine Art einzigartig und schön.

Gemälde Japans verdienen besondere Bedeutung, da jedes Gemälde eine verborgene Bedeutung hat. Als Design kommen in der Regel leuchtende Farben, kontrastierende Übergänge und klare Linien zum Einsatz. Japan hat auch die Kunst der Kalligraphie. Dies ist die Fähigkeit, Hieroglyphen ästhetisch schön zu schreiben. Auch angewandte Kunst ist in Japan weit verbreitet. In Tokio gibt es ein ganzes Museum, das diesem Handwerk gewidmet ist. Hier sehen Sie Produkte aus Papier, Glas oder Metall. Und dies ist keine vollständige Liste der für diesen Zweck verwendeten Materialien.

Besondere Aufmerksamkeit verdient auch der japanische Einrichtungsstil. Es umfasst Funktionalität und Einfachheit sowie Originalität der Leistung. Darüber hinaus trägt die Innenarchitektur wie jede andere Form japanischer Kunst eine religiöse Philosophie.

Japanische Architektur

Architektonische Strukturen in Japan sind auf die eine oder andere Weise mit Religion verbunden. Tempelgebäude enthielten zunächst meist keine Blumen. Dies war auf die Verwendung von unlackiertem Holz im Bauwesen zurückzuführen. Später begannen sie, Rot- und Blautöne zu verwenden.

Als Hauptmaterial für architektonische Gebäude in Japan gilt Holz. Dies liegt daran, dass die Aktie diese Ressource groß genug im Land. Neben der Tatsache, dass der Baum Wärme gut leitet und Feuchtigkeit aufnimmt, ist er auch praktisch bei Erdbeben, die in Japan recht häufig vorkommen. Wenn es sehr schwierig ist, ein Steinhaus nach der Zerstörung wiederherzustellen, ist es mit einem Holzhaus viel einfacher.

Das Hauptmerkmal der japanischen Architektur ist das Vorhandensein gleichmäßiger geometrischer Formen. Am häufigsten sind dies Dreiecke und Rechtecke. Es ist fast unmöglich, in irgendeiner Struktur glatte und runde Linien zu finden. Das Hauptprinzip, nach dem die Japaner ihre Häuser ausstatten, ist die untrennbare Existenz des Inneren des Hauses und des Äußeren. Dies gilt für japanische Gärten. Sie sollten genau im gleichen Stil wie das Haus selbst eingerichtet sein. Andernfalls gilt es als geschmacklos und als völlig geschmacklos. Die Japaner legen besonderen Wert auf ihre Gärten.

japanische Musik

In Bezug auf die musikalische Entwicklung orientierte sich Japan an anderen Ländern und nutzte beliebige andere Länder Musikinstrumente. Später modernisierte sie sie jedoch unter dem Einfluss lokaler Geschmäcker und Traditionen. Der erste Einfluss auf die Entstehung der klassischen Musik in Japan war die lokale Dengaku-Folklore, gemischt mit ausländischen Einflüssen, wodurch die Musik entstand, die Japan heute vertraut ist.

Auch die religiöse Seite des Themas trug zum musikalischen Ursprung bei. Dank des Christentums verbreitete sich das Orgelspiel. Und der Buddhismus förderte das Flötenspiel.

Derzeit erfreut sich klassische Musik in Japan zunehmender Beliebtheit. Viele Mitglieder dieser Kreativitätszelle reisen außerhalb Japans. Dazu gehören Goto Midori, Ozawa Seiji und Uchida Mitsuko. Vor relativ kurzer Zeit wurden in Japan Säle eröffnet, in denen man bequem klassische Musik hören kann. Dazu gehören die Kiyo Hall, die Osaka Symphony Hall, der Orchard usw.

Haushaltstraditionen Japans

Die Japaner sind ein wohlerzogenes Volk, das seine Traditionen und Bräuche achtet. Respekt vor sich selbst und anderen gilt in Japan als Norm. Von Kindheit an werden Kindern die Normen guter Manieren beigebracht, ihnen die Grundwerte des japanischen Volkes erklärt und sie auf jede erdenkliche Weise aufgeklärt. Und das alles zum Wohle der Gesellschaft. Jeder Tourist, der aus einem anderen Land in das Land der aufgehenden Sonne kommt, ist überrascht, wie freundlich, freundlich und wohlerzogen die Japaner sind.

Im Gegensatz zu europäischen Ländern gilt in Japan seit langem ein Rauchverbot an öffentlichen Orten. Dies gilt auch für Privatgrundstücke. Das Rauchen in der Nähe anderer Personen ist nur mit deren Einverständnis gestattet.

Unter anderem halten sich die Japaner strikt an alle Hygieneregeln, die ihnen die Gesellschaft vorschreibt. Beispielsweise gibt es in jedem Raum, auch in religiösen Gebäuden, spezielle Strohteppiche. Man kann sie nicht mit Schuhen betreten, sie gelten nicht nur als Innendekoration, sondern auch als echtes Sakrileg. Außerdem beschlossen die Japaner, sich vor möglichen Bakterien zu schützen, die sie von der Toilette an ihre Füße bringen. An jedem öffentlichen Ort und in Wohnungen gibt es spezielle Toilettenpantoffeln, die eine Übertragung schädlicher Keime in andere Räume verhindern.

Essen gilt für die Japaner nicht als Lebensvorgang, sondern als echter Kult. Vor dem Essen wischen sich die Japaner immer die Hände mit einem speziellen, mit Wasser getränkten Handtuch ab, das Oshibori genannt wird. Die Tischdekoration erfolgt nicht zufällig, sondern nach einem speziellen Schema. Sogar jedes Gerät hat seinen eigenen Platz. Die Japaner teilen sie in Männer und Frauen ein, und das ist ihnen sehr wichtig. Löffel werden in Japan nur zum Essen von O-Zonen-Suppe verwendet, die für das neue Jahr zubereitet wird. Andere erste Gänge trinken die Japaner lieber ausschließlich aus speziellen Schüsseln. Darüber hinaus gilt es nicht als schlechte Form, sich während des Essens auf die Lippen zu schmatzen. Es wird angenommen, dass auf diese Weise der Geschmack des Gerichts besser zur Geltung kommt.

Die Relevanz guter Form in Japan wird durch das Vorhandensein der folgenden Regeln bewiesen:

• Es ist notwendig, Ort und Zeit des Treffens im Voraus zu besprechen. In Japan zu spät zu kommen gilt als unverschämt und überschreitet die Grenzen des Anstands.
• Sie können den Gesprächspartner nicht unterbrechen, Sie müssen geduldig warten, bis die Person etwas sagt, und dann beginnen, ihre Meinung zu äußern.
• Wenn Sie die falsche Nummer anrufen, müssen Sie sich entschuldigen.
• Wenn Ihnen jemand zu Hilfe gekommen ist, müssen Sie ihm auf jeden Fall danken.
• Einige Gäste der Japaner können als Ehrengäste betrachtet werden. Für sie weisen sie sogar einen besonderen Platz am Tisch zu, der in der Regel vom Eingang zum Raum am weitesten entfernt ist.
• Wenn man den Japanern ein Geschenk macht, sollte man sich dafür entschuldigen, dass man trotz allem bescheiden ist. Das sind die Regeln, du solltest sie nicht brechen.
• Am Esstisch können Männer ihre Beine übereinander schlagen, während Frauen dies strengstens untersagt ist. Die Beine sollten angezogen sein und in eine Richtung zeigen.

Zu den Traditionen im Leben Japans gehört auch die Verehrung älterer Menschen. Es spielt keine Rolle, welchen Beruf, welches Einkommen, welches Aussehen oder welche Charaktereigenschaften eine Person hat, wenn sie älter ist, muss sie mit Respekt behandelt werden. Das Alter weckt in Japan Respekt und Stolz. Das bedeutet, dass die Person einen langen Weg zurückgelegt hat und nun Ehrungen verdient.

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Guten Tag, liebe Leser Sucher nach Wissen und Wahrheit!

Heute laden wir Sie ein, die Schönheit des alten Japans zu berühren und über die Kunst zu sprechen. Im folgenden Artikel werfen wir einen kurzen Blick auf die historischen Phasen, die die Entstehung der japanischen Kunst beeinflusst haben, und gehen dann detaillierter auf die einzelnen Komponenten ein. Sie lernen nicht nur die Besonderheiten traditioneller Formen wie Architektur, Malerei kennen, sondern auch Kampfkunst, Miniaturen, Theater, Parks und vieles mehr.

Der Artikel verspricht also interessant und vor allem informativ zu werden!

Historische Perioden

Das Land der aufgehenden Sonne verfügt über eine einzigartige Kultur, die in traditionellen Originalgebäuden und Tempeln, Gemälden, Skulpturen, Dekorationen, Gärten und literarischen Werken zum Ausdruck kommt. In den letzten Jahrhunderten erfreuen sich nicht-triviale Bereiche wie Holzschnitte, Poesie, Origami, Bonsai, Ikebana und sogar Manga und Anime zunehmender Beliebtheit. Sie alle haben vor langer Zeit Gestalt angenommen, ihre Wurzeln liegen in der Antike.

Über diese Zeit war bis Anfang des letzten Jahrhunderts nur sehr wenig bekannt, da Japan gegenüber dem Rest der Welt ein eher verschlossenes Land war. Seitdem wurden jedoch zahlreiche Studien durchgeführt, deren archäologische Ausgrabungsfunde erstaunlich sind. Sie zeigen, dass es bereits im zweiten Jahrtausend v. Chr. eine kulturelle japanische Gesellschaft gab und vor 15.000 bis 12.000 Jahren primitive Stämme auf den Inseln lebten.

Die japanische Kultur nahm etwa im 4. Jahrtausend v. Chr. Gestalt an, erreichte ihren Höhepunkt jedoch im Mittelalter – in der Zeit vom 6. bis 18. Jahrhundert.

Die alte japanische Geschichte beginnt in prähistorischen Zeiten und endet mit der Heian-Phase im 8.-9. Jahrhundert, obwohl viele Forscher auch spätere Perioden einbeziehen. Dabei werden drei große Phasen unterschieden, die wiederum in kleinere Perioden bzw. unterteilt werden jidai. Jeder von ihnen zeichnet sich durch das Erscheinen neuer Produkte, Strukturen und Stile aus.

1. Primitives Gemeinschaftssystem

Die primitive Gesellschaft in Japan existierte im Neolithikum, als die ersten Steinwerkzeuge auftauchten, sowie während der Jomon- und Yayoi-Zeit. Es wird angenommen, dass der Jōmon vom 10. Jahrtausend bis zum 4. Jahrhundert v. Chr. existierte. Dann tauchten die ersten Keramiken auf, die den gleichen Namen wie die gesamte Ära trugen – Jomon.

Jōmon-Steingutgefäß

Diese Gefäße hatten eine asymmetrische Form und traditionelle Ornamente in Form eines gedrehten Seils. Es wird angenommen, dass sie in verschiedenen Ritualen und Ritualen verwendet wurden. Gleichzeitig erschienen verschiedene Arten von Schmuck – Ohrringe, Armbänder und Halsketten aus Ton, Tierzähnen, Muscheln, Steinen, Kristall.

Tonohrringe und Armbänder aus der Jomon-Zeit

Im 3. Jahrhundert v. Chr. begann die Yayoi-Ära, die sechs Jahrhunderte dauerte. Dann Einheimische Sie lernten den Reisanbau, begannen mit der Landwirtschaft, beherrschten weiterhin die Keramikkunst und begannen auch, Metalle zu schmelzen, darunter Eisen, das wichtigste, und stellten Waffen aus Kupfer und Glocken aus Bronze her.

Dotaku-Bronzeglocke, Ende der Yayoi-Ära

• Die Staatsbildung: Die japanische Staatlichkeit nahm vom 4. bis 8. Jahrhundert Gestalt an. Diese Periode ist als Kofun- und Yamato-Periode bekannt. Dann entstand im Land ein ganzes Netzwerk von Grabhügeln, und Japan selbst begann sich dem Himmlischen Reich anzunähern und übernahm unweigerlich die Religion – und damit auch Architektur und Skulptur. Das wichtigste Gebäude der Ära ist Horyu-ji, vertreten durch eine Pagode in fünf Ebenen. In der Nähe der Hügel wurden spezielle Skulpturen aus Ton, sogenannte „Khaniva“, aufgestellt.

Horyu-ji, Japan

• Erlass von Gesetzen. Diese Phase fällt in die Zeiträume von Nara (VIII. Jahrhundert) und Heian (Ende VIII.-XII. Jahrhundert). In diesem Moment kommen die Japaner ihren Nachbarn – den Chinesen und Koreanern – noch näher. Neben dem buddhistischen Konzept übernehmen sie auch konfuzianische und taoistische Konzepte, übernehmen Metallverarbeitungstechniken, Bauweisen und Gebäudedesign sowie neue Trends in der Malerei. Architektur ist Besonders im Wandel: Einfache Shinto-Schreine werden durch mehrstufige buddhistische Stupas ersetzt, die denen in Indien ähneln. In den Behausungen der einfachen Leute lagen statt nackter Erde Holzbretter auf dem Boden und darauf Zypressendächer.

Darstellung der Nara-Zeit in Japan

Wenn wir von einer späteren Zeit sprechen, können wir mehrere weitere Epochen und ihre wichtigsten kulturellen Merkmale unterscheiden:

• Karakum (XII-XIV Jahrhundert) – die Entstehung von Samurai und Kampfkünsten;
• Sengoku und Jidai (XV-XVI Jahrhundert) – die Zeit der europäischen Expansion in die Welt des Ostens, in der das Christentum und westliche Kulturtrends sogar in das Land der aufgehenden Sonne vordrangen;
• Edo (XVII-XIX Jahrhundert) – die Macht der berühmten Tokugawa-Familie, gekennzeichnet durch die Isolation Japans und die Entwicklung einer kulturellen Identität.

Alles, was später geschah, ist bereits Neuzeit und Moderne, und jetzt gibt es zweifellos selbst im relativ geschlossenen Japan eine gewisse kulturelle Globalisierung- Die Erfahrungen westlicher Meister werden übernommen und im Westen wiederum kommen japanische Motive in Mode. Allerdings hatte die Kunst Japans schon immer einen besonderen Geschmack und einzigartige Merkmale.

Einfachheit, Verhältnismäßigkeit zum Menschen, Prägnanz, natürliche Materialien, Einheit mit der Natur – so lassen sich japanische Meisterwerke sowohl der Antike als auch der Moderne charakterisieren.

Malen

Wie Sie wissen, stand Japan lange Zeit abseits, seine Grenzen waren für andere Länder geschlossen. Als die Japaner mit Beginn des 7. Jahrhunderts begannen, immer häufiger mit ihren Nachbarn zu kommunizieren, um Verbindungen zur kontinentalen Welt aufzubauen, entdeckten sie Farben, Pergament, Tinte und mit ihnen die schönen Künste.

Zunächst war es äußerst einfach und prägnant: Einfache Bilder wurden auf schwarzem oder weißem Papier erstellt, normalerweise in einer von drei Farben – Gelb, Grün oder Rot. Doch nach und nach wuchs das Können der örtlichen Maler, und zwar vor allem aufgrund der Verbreitung der Lehren Buddhas, da immer mehr Bilder aus dem Leben des Lehrers und seiner Schüler entstanden.

Bilder mit buddhistischen Themen im alten Japan

Bereits im 9. Jahrhundert hatte Japan einen eigenen, von den Chinesen unabhängigen Zweig der Malerei gebildet. Gleichzeitig begann die Rolle des Buddhismus zu schwächen und religiöse Motive wurden durch sogenannte Säkulare, also Säkulare, ersetzt, die während der Herrschaft der Tokugawa-Familie besonders beliebt waren.

Shogune der Tokugawa-Dynastie

Kaiga, wie die Japaner die Malerei nannten, nahm völlig unterschiedliche Formen und Stile an, und die Natur nahm darin einen wichtigen Platz ein. Seitdem hat sich die Malerei in neuen Formen manifestiert:

• Yamato-e ist die Hauptschule der Maler. Es entstand im 9.-10. Jahrhundert und wurde von der Akademie der Künste unter dem Kaiser gefördert. Die Werke waren gerollte Schriftrollen, die darstellten literarische Handlungen gepaart mit gekonnter Kalligraphie. Es gab zwei Haupttypen von Schriftrollen: Emakimono – viele Meter lang, horizontal gefaltet und oft auf dem Tisch betrachtet, und Kakimono – vertikal gefaltet und an der Wand aufgehängt. Normalerweise wurde Seide oder Papier im Yamato-e-Stil bunt bemalt, später wurden jedoch zunehmend Keramikgeschirr, Nationalkleidung, Fächer, Wände und Paravents als Leinwand verwendet. Besonderes Augenmerk wurde auf die Vermittlung des Gemütszustandes gelegt.
• Sumi-e – als eigenständiger Stil entstand um das XIV. Jahrhundert. Seine Merkmale sind die Verwendung von Aquarell- und Schwarz-Weiß-Farben.
• Porträts – wurden im XIII.-XIV. Jahrhundert populär.
• Landschaft – erlangte im XIV.-XV. Jahrhundert Popularität, vor allem aufgrund der Verbreitung des Zen-Buddhismus im ganzen Land, der auf der Idee der Kontemplation und Einheit mit der Natur basiert.
• Ukiyo-e ist ein charakteristisches helles Gemälde auf den Tafeln. Es erschien im 17. Jahrhundert und enthielt Bilder der Natur, berühmter japanischer Geishas oder Kabuki-Theaterkünstler. Ein Jahrhundert später wurde dieser Trend so populär, dass er sogar die Herzen der Europäer eroberte – sie begannen, diesen Stil in ihren eigenen Werken anzuwenden.

Traditioneller Ukiyo-e-Druck

architektonische Leitung

Ursprünglich beschränkte sich die japanische Architektur auf den Bau alter traditioneller Häuser – Haniwa. Sie wurden vor dem 4. Jahrhundert geschaffen und ihr Aussehen kann nur anhand der erhaltenen Miniatur-Tonmodelle und -zeichnungen beurteilt werden, da sie bis heute nicht erhalten sind.

Hier vergingen das Leben und das Leben der einfachen Leute. Dabei handelte es sich um originale Unterstande, die von oben mit einem Strohdach abgedeckt waren. Es wurde von speziellen Holzrahmen getragen.

Später erschien Takayuka – ein Analogon zu Getreidespeichern. Sie bestanden auch aus speziellen Stützbalken, die es ermöglichten, die Ernte vor Naturkatastrophen und Schädlingen zu schützen.

Etwa zur gleichen Zeit, im 1. bis 3. Jahrhundert, entstanden Tempel der alten Shinto-Religion zu Ehren der Gottheiten, die die Kräfte der Natur beschützten. Sie wurden meist aus unbehandeltem und unbemaltem Zypressenholz gebaut und hatten eine lakonische rechteckige Form.

Das Stroh- oder Kieferndach hatte ein Giebeldach, und die Gebäude selbst waren auf Säulen errichtet, die von Pavillons umgeben waren. Ein weiteres charakteristisches Merkmal shintoistischer Schreine ist das U-förmige Tor vor dem Eingang.

Im Shintoismus gibt es ein Gesetz der Erneuerung: Alle zwanzig Jahre wurde der Tempel zerstört und fast genau derselbe, aber neu, an derselben Stelle errichtet.

Der berühmteste Tempel dieser Art heißt Ise. Es wurde erstmals zu Beginn des 1. Jahrtausends erbaut und der Überlieferung nach immer wieder umgebaut. Ise besteht aus zwei ähnlichen Komplexen, die leicht voneinander entfernt liegen: Der erste ist den Kräften der Sonne gewidmet, der zweite der Gottheit der Fruchtbarkeit.

Seit dem 6. Jahrhundert verbreiteten sich im Land der aufgehenden Sonne die aus China und Korea stammenden buddhistischen Lehren und damit auch die Prinzipien des Baus buddhistischer Tempel. Zunächst stellten sie chinesische Kopien dar, doch später zeichnete sich in der Tempelarchitektur ein besonderer, wahrhaft japanischer Stil ab.

Die Bauwerke wurden asymmetrisch gebaut, als ob sie mit der Natur verschmelzen würden. Prägnanz und Klarheit der Formen, ein Holzrahmen, gepaart mit einem Steinfundament, Pagoden in mehreren Ebenen, nicht zu helle Farben – das zeichnet die Heiligtümer dieser Zeit aus.

Viele von ihnen haben bis heute überlebt. Zu den Baudenkmälern zählen der Horyu-ji aus dem Anfang des 7. Jahrhunderts mit seinem berühmten Goldenen Tempel und 40 weiteren Gebäuden sowie der Todai-ji aus der Mitte des 8. Jahrhunderts in der Stadt Nara, der noch heute als größtes Holzbauwerk der Welt gilt Planet. Gleichzeitig ist die buddhistische Architektur eng mit Skulptur und Malerei verflochten, die Gottheiten und Motive aus dem Leben des Lehrers darstellen.

Todai-ji-Tempel

An der Wende vom 12. zum 13. Jahrhundert begann im Staat der Feudalismus, und daher wurde der Shinden-Stil, der sich durch Pracht auszeichnet, populär. Er wurde durch den Sein-Stil ersetzt, an dessen Spitze Einfachheit und eine gewisse Intimität stehen: Anstelle von Wänden gibt es fast schwerelose Bildschirme, auf dem Boden liegen Matten und Tatami.

Zur gleichen Zeit entstanden Paläste und Tempel lokaler Feudalherren. Meisterwerke dieser Art von Bauwerken sind der berühmte Kinkaku-ji oder der Goldene Pavillon aus dem 14. Jahrhundert sowie der Ginkaku-ji aus dem 15. Jahrhundert, der auch als Silbertempel bekannt ist.

Ginkakuji-Tempel (Goldener Pavillon)

Zusammen mit den Palästen und Tempeln im XIV.-XV. Jahrhundert begann die Landschaftsgartenkunst zu entstehen. Sein Erscheinen ist in vielerlei Hinsicht auf das Eindringen der kontemplativen Lehren des Zen in Japan zurückzuführen. Rund um Tempel und große Wohnhäuser entstanden Gärten, deren Hauptbestandteile nicht nur Pflanzen, Blumen, sondern auch Steine, Wasser sowie Sand- und Kieselhügel waren, die das Wasserelement symbolisierten.

Die einzigartige Stadt Kyoto ist auf der ganzen Welt berühmt.

Eine andere Art von Garten ist ein Teegarten, der „Tyaniva“ genannt wird. Es umgibt das Teehaus, in dem eine besondere, gemütliche Zeremonie abgehalten wird, und ein besonderer Weg führt durch den gesamten Garten zum Haus. Das im Mittelalter entstandene Ziehen ist heute überall anzutreffen.

Skulpturale Richtung

Skulptur im alten Japan wird meist mit religiösen und rituellen Traditionen in Verbindung gebracht. Auch in III-V Jahrhunderte Die Menschen lernten, kleine Figuren namens Dogu herzustellen.

Dogu stellte Menschen und Tiere dar, und da sie in Hügeln gefunden wurden, können wir schließen, dass sie zusammen mit den Toten ins Grab gelegt wurden – es waren ihre Diener, die in der nächsten Welt nützlich sein könnten. Dogu waren Ton-, Bronze-, Holz- und Lackfiguren. Später wurden auch größere Gottheitsstatuen in der Nähe von Hügeln und Shinto-Schreinen errichtet.

Dogu-Figur

Die Ankunft des Buddhismus im Land wirkte sich natürlich auch auf die örtliche Skulptur aus. Im 6.-7. Jahrhundert entstanden zahlreiche Buddha-Denkmäler. Nach den chinesischen und koreanischen Meistern begannen lokale Bildhauer ihre Reise.

Im 9. Jahrhundert begann sich die bildhauerische Richtung noch weiter zu entwickeln, aber das Aussehen der Buddhas veränderte sich und sie begannen mehrere, bis zu tausend Gesichter und Hände zu haben. Meistens wurden sie aus starken Holzarten, Lack, Bronze und Ton hergestellt.

Viele schöne Denkmäler sind bis heute erhalten geblieben. Im Haryu-ji-Tempel beispielsweise sitzt eine majestätische Buddhafigur auf einer Lotusblume, und im Todai-ji gibt es ein ganzes Ensemble von Gottheiten, angeführt von einem 16 Meter hohen Buddha, der von den Bildhauern Kaikei und Unkei geschaffen wurde .

Andere Arten

Japanische Kunst ist vielfältig und man kann stundenlang darüber reden. Lassen Sie uns über einige andere Kunstarten sprechen, die ihren Ursprung in der Antike haben.

• Kalligraphie

Es heißt Sedo, was „der Weg der Benachrichtigungen“ bedeutet. Die Kalligraphie in Japan entstand dank der wunderschönen Hieroglyphen, die von den Chinesen übernommen wurden. In vielen modernen Schulen gilt es als Pflichtfach.

• Haiku oder Haiku

Haiku ist eine besondere japanische Lyrik, die im 14. Jahrhundert erschien. Der Dichter wird „Hajin“ genannt.

• Origami

Dieser Name bedeutet übersetzt „gefaltetes Papier“. Aus dem Reich der Mitte stammend, wurde Origami ursprünglich in Ritualen verwendet und war eine Beschäftigung des Adels, hat sich aber in letzter Zeit auf der ganzen Welt verbreitet.

Antike Kunst Origami in Japan

• Ikebana

Das Wort bedeutet in der Übersetzung „lebende Blumen“. Wie Origami wurde es ursprünglich in Ritualen verwendet.

• Miniaturen

Die beiden häufigsten Arten von Miniaturen sind Bonsai und Netsuke. Bonsai sind Kopien echter Bäume in stark reduzierter Form. Netsuke sind kleine Figuren wie Talisman-Anhänger, die im 18.-19. Jahrhundert auftauchten.

• Kampfsportarten

Sie werden hauptsächlich mit Samurai – einer Art Rittertum, Ninja – Attentäter-Söldnern, Bushido – Kriegern – in Verbindung gebracht.

• Theaterkunst

Das berühmteste Theater, der Stolz aller Japaner, ist das klassische Kabuki-Theater. Lesen Sie mehr über die Theaterkunst in Japan.

Kabuki-Theater in Japan

Abschluss

Wie wir dem Artikel entnehmen können, verfügt Japan über eine ganze Schatzkammer an Meisterwerken der Kunst, nicht nur auf nationaler, sondern auch auf globaler Ebene. Seit der Antike, die lange vor unserer Zeitrechnung begann, begannen die Japaner, schöne Dinge zu erschaffen und zu erschaffen: Gemälde, Gebäude, Statuen, Gedichte, Parks, Miniaturen – und das ist nicht die ganze Liste.

Interessanterweise sind die darin eingebetteten Funktionen Japanische Kultur der Antike lässt sich in den Schöpfungen unserer Zeit nachvollziehen – das ist Einfachheit, Prägnanz, Natürlichkeit, der Wunsch nach Harmonie mit der Natur.

Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit, liebe Leser! Wir hoffen, dass Sie heute viel über ein so mysteriöses und fernes Land wie Japan erfahren haben. Machen Sie mit – hinterlassen Sie Kommentare, teilen Sie Links zu Artikeln mit Freunden – wir freuen uns sehr, sie zu erkunden geheimnisvolle Welt Osten mit dir!

Bis bald!