Komposer harpsichord Prancis abad ke-18. pemain harpsichord Perancis
harpsichord [Perancis] clavecin, dari Late Lat. clavicymbalum, dari lat. clavis - kunci (karena itu kuncinya) dan simbal - simbal] - keyboard yang dipetik alat musik. Dikenal sejak abad ke-16. (mulai dibangun sejak abad ke-14), informasi pertama tentang harpsichord berasal dari tahun 1511; instrumen tertua karya Italia yang bertahan hingga hari ini berasal dari tahun 1521.
Harpsichord berasal dari psalterium (sebagai hasil rekonstruksi dan penambahan mekanisme keyboard).
Awalnya, harpsichord berbentuk segi empat dan menyerupai penampilan Clavichord "bebas", berbeda dengan yang memiliki senar dengan panjang berbeda (setiap tuts berhubungan dengan senar khusus yang disetel dengan nada tertentu) dan mekanisme keyboard yang lebih kompleks. Senar harpsichord dibawa ke getaran dengan sejumput dengan bantuan bulu burung, dipasang pada tongkat - pendorong. Saat tuts ditekan, pendorong yang terletak di ujung belakangnya terangkat dan bulu tersangkut di tali (kemudian, plektrum kulit digunakan sebagai pengganti bulu burung).
Perangkat bagian atas pendorong: 1 - senar, 2 - sumbu mekanisme pelepasan, 3 - languette (dari languette Prancis), 4 - plektrum (lidah), 5 - peredam.
Suara harpsichord brilian, tetapi tidak merdu (tersentak-sentak) - yang berarti tidak dapat menerima perubahan dinamis (lebih keras, tetapi kurang ekspresif dari itu), perubahan kekuatan dan timbre suara tidak tergantung pada sifat pemogokan pada tombol. Untuk meningkatkan kemerduan harpsichord, string ganda, tiga kali lipat, dan bahkan empat kali lipat (untuk setiap nada) digunakan, yang disetel serempak, oktaf, dan terkadang interval lainnya.
Evolusi
Sejak awal abad ke-17, senar logam digunakan sebagai pengganti senar usus, yang panjangnya bertambah (dari treble ke bass). Instrumen tersebut memperoleh bentuk pterygoid segitiga dengan susunan senar yang membujur (sejajar dengan tuts).
Pada abad 17-18. untuk memberikan harpsichord suara yang lebih beragam secara dinamis, instrumen dibuat dengan 2 (terkadang 3) keyboard manual (manual), yang disusun bertingkat satu di atas yang lain (biasanya manual atas disetel satu oktaf lebih tinggi), serta sakelar register untuk memperluas treble, penggandaan oktaf bass dan perubahan warna timbre (register kecapi, register bassoon, dll.).
Register digerakkan oleh tuas yang terletak di sisi keyboard, atau dengan tombol yang terletak di bawah keyboard, atau dengan pedal. Pada beberapa harpsichord, untuk variasi timbre yang lebih besar, keyboard ke-3 diatur dengan pewarnaan timbre yang khas, lebih sering mengingatkan pada kecapi (yang disebut keyboard kecapi).
Penampilan
Secara lahiriah, harpsichord biasanya diselesaikan dengan sangat elegan (badannya dihiasi dengan gambar, tatahan, ukiran). Hasil akhir instrumen sesuai dengan furnitur bergaya era Louis XV. Pada abad 16-17. Harpsichord dari Antwerp master Ruckers menonjol karena kualitas suaranya dan desain artistiknya.
Harpsichord di berbagai negara
Nama "harpsichord" (di Prancis; archichord - di Inggris, kilflugel - di Jerman, clavichembalo atau disingkat cembalo - di Italia) dipertahankan untuk instrumen berbentuk sayap besar dengan jangkauan hingga 5 oktaf. Ada juga instrumen yang lebih kecil, biasanya berbentuk persegi panjang, dengan senar tunggal dan jangkauan hingga 4 oktaf, yang disebut: epinet (di Prancis), spinet (di Italia), virginel (di Inggris).
Harpsichord dengan tubuh vertikal - . Harpsichord digunakan sebagai instrumen solo, ansambel kamar, dan orkestra.
Pencipta gaya harpsichord virtuoso adalah komposer dan pemain harpsichord Italia D. Scarlatti (dia memiliki banyak karya untuk harpsichord); pendiri sekolah prancis pemain harpsichord - J. Chambonnière ("Harpsichord Pieces" -nya, 2 buku, 1670 sangat populer).
Di antara pemain harpsikord Prancis pada akhir abad 17-18. -, J.F. Rameau, L. Daken, F. Daidriyo. Musik harpsichord Prancis adalah seni rasa halus, sopan santun, jelas secara rasional, tunduk pada etiket aristokrat. Suara harpsichord yang halus dan dingin selaras dengan "nada yang baik" dari masyarakat terpilih.
Gaya gagah (rococo) menemukan perwujudannya yang jelas di antara pemain harpsichord Prancis. Tema favorit miniatur harpsichord (miniatur adalah bentuk karakteristik seni rococo) adalah gambar wanita ("Capturing", "Flirty", "Gloomy", "Shy", "Sister Monica", "Florentine" oleh Couperin), besar tempat ditempati oleh tarian gagah (minuet , gavotte, dll.), gambar-gambar indah kehidupan petani(“The Reapers”, “The Grape Pickers” oleh Couperin), miniatur onomatopoeik (“The Hen”, “The Clock”, “The Chirping” oleh Couperin, “The Cuckoo” oleh Daken, dll.). Ciri khas musik harpsichord adalah banyaknya hiasan melodi.
Pada akhir abad ke-18 karya pemain harpsichord Prancis mulai menghilang dari repertoar pemain. Alhasil, alat musik yang memiliki sejarah panjang dan warisan seni yang begitu kaya itu terpaksa keluar dari praktik musik dan digantikan oleh piano. Dan tidak hanya dipaksa keluar, tapi juga dilupakan sama sekali di abad ke-19.
Ini terjadi sebagai akibat dari perubahan radikal dalam preferensi estetika. Estetika barok, yang didasarkan pada konsep teori pengaruh yang dirumuskan dengan jelas atau dirasakan dengan jelas (secara singkat intinya: satu suasana hati, pengaruh - satu warna suara), di mana harpsichord merupakan alat ekspresi yang ideal, memberi jalan terlebih dahulu ke pandangan dunia sentimentalisme, lalu ke arah yang lebih kuat - Klasisisme dan, terakhir, Romantisisme. Sebaliknya, dalam semua gaya ini, gagasan tentang perubahan - perasaan, gambaran, suasana hati - telah menjadi yang paling menarik dan dikembangkan. Dan piano mampu mengekspresikannya. Harpsichord pada prinsipnya tidak dapat melakukan semua ini - karena kekhasan desainnya.
Sejak pertengahan abad ke-17, keunggulan dalam perkembangan musik clavier berpindah dari virginalis Inggris ke harpsichordist Prancis. Sekolah ini untuk waktu yang lama, hampir seabad, adalah yang paling berpengaruh di Eropa Barat. Nenek moyangnya dianggap Jacques Chamboniere, dikenal sebagai pemain organ dan harpsichord yang luar biasa, seorang guru dan komposer berbakat.
Konser musik harpsichord di Prancis biasanya berlangsung di salon dan istana aristokrat, setelah percakapan sosial ringan atau tarian. Lingkungan seperti itu tidak menyukai seni yang mendalam dan serius. Kecanggihan anggun, kecanggihan, ringan, kecerdasan dihargai dalam musik. Pada saat yang sama, drama skala kecil - miniatur - lebih disukai. "Tidak lama, melelahkan, terlalu serius"- begitulah hukum tidak tertulis, yang seharusnya dipandu oleh para komposer istana Prancis. Tidaklah mengherankan bahwa pemain harpsichord Prancis jarang beralih ke bentuk besar, siklus variasi - mereka condong ke arah rangkaian, terdiri dari miniatur tarian dan program.
Suite pemain harpsichord Prancis, berbeda dengan suite Jerman, yang hanya terdiri dari nomor dansa, dibangun dengan lebih bebas. Mereka jarang mengandalkan urutan ketat alemand - courant - sarabande - jig. Komposisinya bisa apa saja, terkadang tidak terduga, dan sebagian besar lakonnya memiliki judul puitis yang mengungkapkan maksud pengarangnya.
Sekolah pemain harpsichord Prancis diwakili oleh nama L. Marchand, J.F. Dandrier, F. Dazhankura, L.-K. Daquin, Louis Couperine. Yang terpenting, para komposer ini berhasil dalam citra pastoral yang anggun ("The Cuckoo" dan "The Swallow" oleh Daken; "Bird's Cry" oleh Dandrie).
Sekolah harpsichord Prancis mencapai puncaknya dalam karya dua orang jenius - François Couperin(1668–1733) dan rekannya yang lebih muda Jean Philippe Rameau (1685–1764).
Orang-orang sezaman menyebut François Couperin "François yang Agung". Tidak ada pemain harpsichord yang bisa menyaingi popularitasnya. Ia dilahirkan dalam keluarga musisi keturunan dan menghabiskan sebagian besar hidupnya di Paris dan Versailles sebagai pemain organ istana dan guru musik untuk anak-anak kerajaan. Komposer bekerja dalam banyak genre (kecuali teater). Bagian paling berharga dari warisan kreatifnya adalah 27 suite harpsichord (sekitar 250 buah dalam empat koleksi). Couperin-lah yang mendirikan tipe suite Prancis, yang berbeda dari model Jerman dan sebagian besar terdiri dari potongan-potongan program. Diantaranya ada sketsa alam ("Kupu-kupu", "Lebah", "Alang-alang"), dan adegan bergenre - gambar kehidupan pedesaan ("Penuai", "Pemetik Anggur", "Perajut"); tetapi terutama banyak potret musik. Ini adalah potret wanita sekuler dan gadis muda sederhana - tanpa nama ("Kekasih", "Satu-Satunya"), atau ditentukan dalam judul drama ("Putri Maria", "Manon", "Suster Monica"). Seringkali, Couperin tidak menggambar wajah tertentu, tetapi karakter manusia ("Pekerja Keras", "Rezvushka", "Anemon", "Tanpa Sentuhan"), atau bahkan mencoba mengekspresikan berbagai karakter nasional ("Wanita Spanyol", "Wanita Prancis" ). Banyak miniatur Couperin mirip dengan tarian populer pada masa itu, seperti courante dan minuet.
Bentuk favorit dari miniatur Cooper adalah rondo.
Seperti yang telah disebutkan, musik para pemain harpsikord berasal dari lingkungan aristokrat dan dimaksudkan untuk itu. Itu selaras dengan semangat budaya aristokrat, karenanya keanggunan eksternal dalam desainnya. materi tematik, ornamen yang melimpah, mewakili elemen paling khas dari gaya aristokrat. Variasi dekorasi tidak dapat dipisahkan dari karya harpsichord hingga awal Beethoven.
musik harpsichord Ramo aneh, bertentangan dengan kamar tradisi genre, pukulan besar. Dia tidak cenderung menulis detail dengan baik. Musiknya terkenal karena karakteristiknya yang cerah, langsung terasa tulisan tangan dari komposer teater yang lahir ("Ayam", "Savages", "Cyclops").
Selain karya harpsichord yang indah, Rameau menulis banyak "tragedi liris", serta "Treatise on Harmony" (1722) yang inovatif, yang membuatnya mendapatkan reputasi sebagai ahli teori musik terbesar.
Perkembangan musik clavier Italia dikaitkan dengan namanya Domenico Scarlatti.
Karya program dianggap sebagai karya yang memiliki plot tertentu - sebuah "program", yang seringkali terbatas pada satu judul, tetapi mungkin berisi penjelasan terperinci.
Mungkin, penampilan dekorasi terkait dengan ketidaksempurnaan harpsichord, yang suaranya mati seketika, dan trill atau groupetto sebagian dapat mengkompensasi kekurangan ini, memperpanjang suara dari suara referensi.
Di Eropa Barat. (terutama poligoal Italia-Spanyol). wajan. musik akhir Abad Pertengahan dan Renaisans (motets, madrigal, dll.) sebagai improvisasi. elemen melakukan. art-va teknik pengurangan telah menerima perkembangan besar. Dia juga membuat salah satu komposisi tekstur. dasar dari instr kuno tersebut. genre seperti pendahuluan, ricercar, toccata, fantasi. Dep. formula kecil secara bertahap menonjol dari beragam manifestasi kebebasan berbicara, pertama-tama di akhir melodi. konstruksi (dalam klausa). Di sekitar ser. 15 c. dalam dirinya. org. tabulasi muncul grafik pertama. lencana untuk menulis dekorasi. K ser. abad ke 16 menjadi banyak digunakan - dalam pembusukan. varian dan koneksi - mordent, trill, gruppetto, to-rye masih termasuk yang utama. instr. perhiasan. Rupanya, mereka terbentuk dalam praktik instr. pertunjukan.
Dari lantai 2. abad ke 16 bebas O. dikembangkan hl. arr. di Italia, terutama dalam melodi yang berbeda. kekayaan wajan solo. musik, serta pemain biola yang tertarik pada keahlian. musik. Saat itu di biola. musik belum menemukan aplikasi vibrato yang luas, yang memberikan ekspresi pada suara yang diperpanjang, dan ornamen melodi yang kaya berfungsi sebagai penggantinya. Melismatik dekorasi (ornements, agréments) menerima perkembangan khusus dalam seni Prancis. pemain lutenis dan pemain harpsikord dari abad ke-17 dan ke-18, yang memiliki ketergantungan yang khas pada tarian. genre mengalami gaya canggih. Dalam bahasa Prancis musik ada instr koneksi dekat. perjanjian dengan wajan sekuler. lirik (yang disebut airs de cour), yang diresapi dengan tarian. plastik. Bahasa inggris virginalists (akhir abad ke-16), rentan terhadap tema lagu dan variasinya. pengembangan, di bidang O. lebih condong ke arah teknik pengurangan. Beberapa melismatik. ikon yang digunakan oleh para perawan tidak dapat diuraikan secara akurat. Di Austria clavier art-ve, yang mulai berkembang secara intensif dari tengah. Pada abad ke-17, hingga J. S. Bach, inklusif, condong ke Italia. kecil dan Perancis. melismatik gaya. Di Prancis musisi abad ke-17 dan ke-18. sudah menjadi kebiasaan untuk mengiringi koleksi lakon dengan meja dekorasi. Meja paling tebal (dengan 29 jenis melismas) diawali dengan koleksi harpsichord J. A. d "Anglebert (1689); meskipun tabel semacam ini menunjukkan perbedaan kecil, mereka telah menjadi semacam katalog perhiasan yang umum digunakan. Khususnya, di tabel tersebut mengawali "Buku Clavier untuk Wilhelm Friedemann Bach" karya Bach (1720), banyak dipinjam dari d'Anglebert.
Keberangkatan dari O. bebas menuju perhiasan yang diatur di antara orang Prancis. pemain harpsichord diabadikan di orc. musik oleh J.B. Lully. Namun, orang Prancis regulasi perhiasan tidak sepenuhnya ketat, karena bahkan tabel yang paling detail pun menunjukkan interpretasi yang tepat hanya untuk aplikasi biasa. Penyimpangan kecil diperbolehkan, sesuai dengan fitur spesifik dari renungan. kain. Mereka bergantung pada setelan dan selera pemainnya, dan dalam edisi dengan transkrip tertulis - pada gaya. pengetahuan, prinsip dan selera editor. Penyimpangan serupa tidak dapat dihindari dalam pertunjukan lakon-lakon termasyhur Prancis. harpsikordisme P. Couperin, yang terus-menerus menuntut penerapan yang tepat dari aturannya untuk mengartikan perhiasan. Franz. itu juga umum bagi pemain harpsikord untuk mengambil ornamen kecil di bawah kendali penulis, yang mereka tulis, khususnya, dalam variasi. duplikat.
Untuk menipu Abad ke-17, ketika Prancis pemain harpsichord telah menjadi trendsetter di bidangnya, seperti ornamen seperti getar dan nada anggun, bersama dengan melodi. fungsi, mereka mulai melakukan harmonik baru. fungsi, menciptakan dan mempertajam disonansi pada downbeat bar. J. S. Bach, seperti D. Scarlatti, biasanya menulis dekorasi sumbang di bagian utama. teks musik (lihat, misalnya, Bagian II dari Italian Concerto). Hal ini memungkinkan I. A. Sheiba untuk percaya bahwa dengan melakukan itu, Bach merampas karyanya. “keindahan harmoni”, karena para penggubah saat itu lebih suka menuliskan semua dekorasi dengan ikon atau catatan kecil, sehingga dalam bentuk grafik. catatan jelas berbicara harmonik. eufoni utama akord.
F. Couperin memiliki bahasa Prancis yang halus. gaya harpsichord mencapai puncaknya. Dalam lakon dewasa J.F. Rameau, terungkap keinginan untuk melampaui batas kontemplasi kamar, untuk memperkuat dinamika perkembangan yang efektif, untuk menerapkannya pada musik. tulisan sapuan dekoratif yang lebih luas, khususnya dalam bentuk harmoni latar. figurasi. Karenanya kecenderungan penggunaan dekorasi yang lebih moderat di Rameau, serta di Prancis selanjutnya. pemain harpsichord, misalnya. di J.Dufly. Namun, pada kuartal ke-3. abad ke 18 O. telah mencapai masa kejayaan baru dalam produksi, terkait dengan tren sentimentalis. Perwakilan terkemuka dari seni ini. arahan dalam musik dibuat oleh F. E. Bach, penulis risalah "The experience of the right way to play the clavier", di mana dia menaruh banyak perhatian pada pertanyaan O.
Berkembang tinggi selanjutnya Klasisisme Wina, sejalan dengan estetika baru. cita-cita, menyebabkan penggunaan O. yang lebih ketat dan moderat. Namun demikian, ia terus memainkan peran penting dalam karya J. Haydn, W. A. Mozart dan L. Beethoven muda. Free O. tetap di Eropa. perdana musik. di bidang variasi, virtuoso conc. cadenzas dan wajan. coloratura. Yang terakhir tercermin dalam romantisme. fp. musik lantai 1. abad ke-19 (khususnya dalam bentuk aslinya oleh F. Chopin). Pada saat yang sama, bunyi melismas yang disonan berubah menjadi konsonan; khususnya, getar mulai dimulai terlebih dahulu. bukan dengan tambahan, tapi dengan yang utama. terdengar, seringkali dengan formasi out-of-beat. Sangat harmonis dan berirama. pelunakan O. kontras dengan peningkatan disonansi akord itu sendiri. Perkembangan harmonika yang belum pernah terjadi sebelumnya menjadi ciri khas komposer romantis. latar belakang figuratif di fp. musik dengan warna yang luas. penggunaan pedalisasi, serta figurasi warna timbre. faktur di orc. skor. Di lantai 2. abad ke-19 Nilai O. menurun. Di abad ke-20 peran O. bebas meningkat lagi sehubungan dengan penguatan improvisasi. dimulai di beberapa bidang musik. kreativitas misalnya. V musik jazz. Ada metodologi-teoritis yang sangat besar. Sastra tentang masalah O. Itu dihasilkan oleh upaya tak kenal lelah untuk mengklarifikasi fenomena O. secara maksimal, "menolak" ini dalam improvisasi mereka. alam. Banyak dari apa yang disajikan oleh penulis karya sebagai aturan komprehensif yang ketat untuk decoding, pada kenyataannya, ternyata hanya rekomendasi parsial.
dari induk mutiara, pada akhir abad ke-18 - dari porselen.Pada pertengahan abad ke-19, untuk pertama kalinya, bahan polimer digunakan untuk prostetik.Yang mana? 1.celluoid 2.ebonit 3.karet. 4. polimetil metakrilat 5. fluoroplas 6. silikon.
Sejarawan seni Alpatov berkata tentang lukisan Rusia abad ke-18: "... Kepala botak mengintip dari balik wig." Apa yang dia maksud dengan kiasan iniekspresi? Berikan setidaknya tiga contoh.
Yah, saya punya 1 ide: Seniman Rusia abad ke-18 menulis dalam gaya Barat (barok, sentimentalisme, dll.), Tetapi melalui kanon Barat, gaya khusus Rusia masih terwujud (muncul barok Rusia, misalnya), berbeda dari Barat. Kemudian "wig" adalah semacam personifikasi dari Barat (terutama pada masa itu wig menjadi mode), dan "kepala botak" adalah ciri khas Rusia yang "mengintip keluar" melalui kanon "wig".
Butuh lebih banyak dua ide ide. Tolong bantu aku.
dari induk mutiara, pada akhir abad ke-18 - dari porselen.Pada pertengahan abad ke-19, untuk pertama kalinya, bahan polimer digunakan untuk prostetik.Yang mana?
1. seluoid
4. polimetil metakrilat
5.fluoroplast
6.silikon.
TOLONGLAH)))Di setiap pertanyaan, dari empat nama komposer, Anda harus memilih satu.))))
1. Sebutkan nama komposer era Barok.
a) Vivaldi
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Schumann.
2. Manakah dari komposer yang terdaftar yang merupakan kepala biara?
a) Bah;
b) Handel;
c) Vivaldi;
d) Mozart.
3. Sebutkan penulis "The Well-Tempered Clavier", "Matthew Passion", "Inventions".
a) Bah;
b) Beethoven;
c) Chopin;
d) Schumann.
4. Siapa yang menulis opera "Fidelio"?
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
5. Komposer mana yang menulis opera "The Marriage of Figaro", "Don Giovanni",
a) Mozart
b) Beethoven;
c) Mendelssohn;
d) Rosini.
6. Manakah dari komponis berikut yang bukan karya klasik Wina?
a) Haydn;
b) Schumann;
c) Mozart;
d) Beethoven.
7. Siapa penulis opera "Aida", "La Traviata", "Rigoletto"?
a) Mozart
b) Beethoven;
c) Rossini;
d) Verdi.
8. Siapa yang menulis 32 sonata piano?
a) Bah;
b) Mozart;
c) Beethoven;
d) Chopin.
9. Sebutkan penulis "Symphony with tremolo timpani", "Farewell", "Children's".
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schumann;
d) Chopin.
10. Siapa yang disebut "bapak simfoni dan kuartet"?
a) Mazart
b) Beethoven;
c) Haydn;
d) Bach.
11. Siapa di antara komposer yang pertama kali menyebut komposisinya sebagai puisi simfoni?
a) guano
b) Berlioz;
c) Beethoven;
d) Lembar;
12. Bentuk musik apa yang didasarkan pada konflik dua tema?
a) variasi;
b) rondno;
c) bentuk sonata;
d) kabur.
13. Sebutkan penulis simfoni, di mana paduan suara terakhir digunakan:
a) Haydn;
b) Mozart;
c) Schubert;
d) Beethoven.
14. Manakah dari komposer berikut yang menulis hanya untuk piano?
a) Gunod
b) Chopin;
c) Mahler;
d) Schumann;
15. Manakah dari komposer berikut yang menulis musik untuk drama Ibsen "Peer Gynt"?
a) Chopin
b) Berlioz;
c) Mahler;
d) Schumann.
16. siapa yang menulis siklus vokal "The Beautiful Miller's Woman" dan "Winter Way"?
a) Schubert
b) Schumann;
c) Mendelssohn;
d) Bizet.
17. Sebutkan penulis "Unfinished Symphony":
a) Beethoven
b) Haydn;
c) Schubert;
d) Wagner.
18. Siapa yang menulis siklus piano "Karnaval"?
a) Beethoven
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Daftar.
19. Siapa yang menulis lebih dari 100 simfoni?
a) Beethoven
b) Mozart;
c) Haydn;
d) Schubert.
20. Komposer-biola Rusia abad ke-18:
a) Alyabiev;
b) Fomin;
c) Khandoshkin;
d) Verstovsky.
Perkembangan harpsikordisme di Prancis sangat erat kaitannya dengan kondisi istana dan kehidupan bangsawan. Seperti yang telah disebutkan, absolutisme Prancis berdampak signifikan pada seni. Sastra, lukisan, patung, musik, dan teater digunakan untuk meninggikan kekuasaan kerajaan dan menciptakan lingkaran cahaya yang cemerlang di sekitar "Raja Matahari" (sebagaimana bangsawan kontemporer disebut Louis XIV). Pada paruh pertama abad ke-18, pada masa pemerintahan Louis XV, absolutisme Prancis mengalami penurunan secara bertahap. Dia menjadi penghalang jalan pengembangan masyarakat negara. Dana besar yang dipompa oleh raja dan bangsawan dari kelas tiga dihabiskan untuk kemewahan dan kesenangan sekuler. Kredo hidup mereka dengan tepat diungkapkan oleh ungkapan terkenal: "Setelah kita, bahkan banjir!" Dalam kondisi seperti ini, gaya gagah (atau rococo) menjadi meluas. Ini dengan jelas mencerminkan kehidupan masyarakat sekuler. Perayaan, bola, topeng, pastoral - ini adalah subjek yang sering digunakan dalam seni rococo. Berbakat pelukis Perancis kali ini, Antoine Watteau membuat serangkaian lukisan dengan subjek serupa. "Bola di bawah barisan tiang", "Festival di Versailles", "Berangkat ke pulau Cythera" (dewi cinta - Venus) dan banyak lainnya.
Godaan ringan, coquetry, "cinta yang gagah" memberi kesenangan khusus pada hiburan para bangsawan. Wanita sekuler adalah fokus dari hiburan dan seni ini. Puisi ditulis tentang dia, dia digambarkan dalam lukisan, karya musik dipersembahkan untuknya.
Seni Rococo dicirikan oleh bentuk-bentuk miniatur. Para seniman kebanyakan membuat lukisan-lukisan kecil, di mana sosok-sosok orang tampak seperti wayang, dan perabotannya adalah mainan. Patut dicatat bahwa dalam kehidupan sehari-hari orang sekuler mengelilingi dirinya dengan pernak-pernik yang tak ada habisnya. Bahkan buku-buku itu dicetak dalam ukuran yang sangat kecil.
Gairah untuk miniatur jelas tercermin dalam penggunaan perhiasan yang melimpah. Trim interior, furnitur, pakaian dihias dengan ornamen. Seorang sejarawan seni menghitung bahwa jika kita membuka dan menghubungkan semua busur yang tak terhitung jumlahnya yang digunakan oleh para dandies pada waktu itu untuk menghiasi kostum mereka, kita akan mendapatkan pita sepanjang puluhan meter.
Ornamen gaya Rococo yang indah dan plesteran dibedakan oleh kerawang dan keanggunan. Ciri khasnya adalah dekorasi dalam bentuk ikal, dari mana gaya tersebut mendapatkan namanya (rococo berasal dari kata Prancis go-caille - shell).
Sejalan dengan seni yang gagah ini, harpsikordisme Prancis juga berkembang pesat. Karakternya sangat ditentukan oleh tuntutan masyarakat sekuler.
Untuk memvisualisasikannya dengan lebih jelas, mari kita secara mental membawa diri kita ke salon Prancis pada waktu itu dengan dekorasinya yang elegan, furnitur yang bergaya, dan harpsichord yang didekorasi dengan mewah dengan kaki melengkung yang tipis. Wanita berdandan dan angkuh gagah dengan wig terlibat dalam percakapan sosial santai. Ingin menghibur para tamu, nyonya rumah salon mengundang musisi rumahan atau kekasih yang dikenal dengan "bakat" untuk "mencoba" alat musik tersebut. Pelaku di sini tidak diharapkan memiliki seni yang mendalam, penuh dengan ide-ide penting dan hasrat yang kuat. Permainan pemain harpsikord pada intinya harus melanjutkan percakapan sekuler ringan yang sama, yang diungkapkan hanya dalam bahasa bunyi musik.
Bagaimana sikap terhadap seni di salon aristokrat, terlihat dari puisi penyair Prancis di masa kejayaan gaya Rococo - Desforge Mayard:
Harmoni diciptakan oleh tangan Anda.
Dipeluk oleh pesona yang tidak wajar dan manis,
Karena malu, saya memberikan semangat saya ke dalam kekuatannya.
Saya melihat bagaimana jari-jarinya ringan, seperti Cupid -
Wahai penyihir licik! Wahai tiran yang lembut! —
Mereka mengembara, berlari di sepanjang kunci yang patuh,
Mereka terbang dengan seribu lelucon menawan.
Anak-anak Cyprian, betapa lincah dan manisnya mereka,
Tapi untuk mencuri hati, dan tanpa mereka
Cukuplah saudara laki-laki mereka dan ibu mereka, menang,
Mereka memerintah di bibir Anda dan berkilau di mata Anda** (153, p.465).
(Diterjemahkan oleh E.N. Alekseeva).
Galaksi pemain harpsichord Prancis pada akhir abad ke-17 dan awal abad ke-18 bersinar dengan nama-nama seperti Francois Couperin, Jean-Philippe Ramoh, Louis Daquin, Francois Dandrieu. Dalam pekerjaan mereka, terwujud dengan jelas fitur kunci gaya rococo. Pada saat yang sama, para musisi ini sering mengatasi persyaratan estetika yang berlaku dan melampaui seni Soviet yang murni menghibur dan konvensional.
François Couperin (1668-1733), dijuluki "yang hebat" oleh orang-orang sezamannya, adalah perwakilan terbesar dari keluarga musik Couperin. Pemuda, setelah kematian ayah, ia mendapat tempat sebagai organis di gereja Saint-Gervais di Paris (posisi organis pada masa itu bersifat turun temurun dan diwariskan dalam keluarga musisi dari generasi ke generasi). Selanjutnya, ia berhasil menjadi pemain harpsikord istana. Di peringkat ini, dia bertahan hampir sampai kematiannya.
Couperin adalah penulis empat koleksi harpsichord yang diterbitkan pada tahun 1713, 1717, 1722 dan 1730, ansambel untuk clavier dengan alat musik gesek dan angin, serta komposisi lainnya. Di antara lakonnya ada banyak pastoral ("Reapers", "Grape Pickers", "Pastoral") dan " potret wanita”, yang mewujudkan berbagai gambar (“Florentine”, “Suram”, “Sister Monica”, “Gadis Remaja”). Anda dapat menemukan ciri-ciri psikologis yang halus di dalamnya; bukan tanpa alasan, dalam kata pengantar buku catatan pertama dramanya, komposer menulis bahwa "potret" ini "sangat mirip".
Banyak drama Couperin didasarkan pada onomatopoeia yang jenaka: Jam Alarm, Kicau, Perajut.
Semua nama ini sebagian besar bersyarat dan seringkali tanpa mengurangi pemahaman tentang makna musik dapat ditransfer dari satu karya ke karya lainnya. Pada saat yang sama, orang tidak bisa tidak mengakui bahwa sang komposer sering berhasil menciptakan "sketsa dari alam" yang khas dan jujur.
Dalam drama Couperin dan pemain harpsikord Prancis lainnya pada masanya, melodi yang kaya ornamen jelas mendominasi suara lainnya. Seringkali hanya ada dua (jadi, bersama dengan melodi, mereka membentuk kain tiga bagian). Suara pengiring biasanya dipertahankan di sepanjang karya dan terkadang memperoleh makna tersendiri.
Ornamen dalam lakon pemain harpsichord Prancis kaya dan beragam. Secara gaya, ini terkait dengan ornamen Rococo yang indah dan plesteran. Menyelubungi kerangka garis melodi seperti ivy yang membungkus batang pohon, melisma menambah kehalusan, keanehan, dan "kenyamanan" pada melodi. Merupakan karakteristik bahwa di Prancis dekorasi yang "membungkus" not melodi menjadi tersebar luas, dan yang paling khas dari mereka, gruppetto, pertama kali ditunjukkan secara grafis oleh seorang musisi Prancis (Chambonniere). Trills, grace note, dan morden juga banyak digunakan dalam musik Prancis.
Dalam lakon pemain harpsikord Prancis abad ke-18, dibandingkan dengan karya Chambonnière, melodi dibedakan dengan pernapasan yang lebih luas. Ini mengembangkan periodisitas yang jelas, yang mempersiapkan pola perkembangan melodi klasik Wina.
Sehubungan dengan masalah melodi pemain harpsichord Prancis, muncul pertanyaan yang sangat penting - tentang hubungan karya mereka dengan musik rakyat. Sekilas, ini mungkin tampak terlepas dari tanah yang populer. Namun, kesimpulan ini akan tergesa-gesa dan keliru. Pemikiran K. A. Kuznetsov, yang berpendapat bahwa Couperin “melalui pakaian tipis aristokrat dari potongan harpsichordnya, menembus musik tarian keliling desa, lagu desa, dengan strukturnya” (56, hlm. 120).
Memang, jika kita membayangkan garis melodi dari beberapa karya ini tanpa hiasan ornamennya, kita akan mendengar motif sederhana dalam semangat lagu daerah Prancis.
Dalam karya Couperin, ditemukan gejala pembusukan suite. Meskipun secara formal komposer menggabungkan karya-karyanya ke dalam siklus (dia menyebutnya ordres - set), tidak ada hubungan organik antara masing-masing bagian suite. Pengecualian dalam hal ini jarang terjadi. Mereka dapat memasukkan upaya menarik untuk menggabungkan beberapa drama dengan konsep program umum (rangkaian "Tahun Muda", yang mencakup karya: "The Birth of a Muse", "Childhood", "A Teenage Girl" dan "Charms", atau siklus "Domino" yang terdiri dari 12 buah , menggambarkan gambar penyamaran).
Couperin dicirikan oleh pencarian di bidang miniatur, yang memenuhi tugas mewujudkan berbagai suasana hati dan kecil, "perhiasan" bekerja pada detail, dan bukan pencarian bentuk monumental yang mampu menyampaikan konsep ideologis yang besar. Di sini dia menunjukkan dirinya sebagai seniman berdiri posisi estetika usang.
Namun jika menyangkut pilihan jenis karya harpsichord, Couperin cenderung menjauh bentuk besar(suite), namun miniaturnya lebih berkembang dan lebih besar skalanya daripada bagian individu dari siklus suite abad ke-17. Terutama baru dan penting dari sudut pandang proses perkembangan seni instrumental di masa depan adalah penciptaan kontras Couperin di dalam pekerjaan individu(bentuk rondo), yang secara tajam membedakan karyanya dari karya Chambonnière. Benar, kontras di Couperin masih tergolong kecil. "Chorus" dan "bait" dalam karya-karyanya jauh dari kontras seperti di Rondo klasik Wina. Selain itu, musik Couperin jauh lebih berhubungan dengan tarian, lebih "suite" daripada "sonata" dalam hal ini. Namun, langkah penting menuju persiapan gaya klasisisme akhir abad ke-18, khususnya sonata siklik (terutama beberapa jenis gerakan terakhirnya), telah diambil Couperin.
Jean-Philippe Rameau (1683-1764) adalah perwakilan dari generasi pemain harpsichord Prancis selanjutnya, dan meskipun karya claviernya secara kronologis bertepatan dengan Couperin, ia memiliki fitur baru dibandingkan dengan yang terakhir ini. Apa yang baru di Rameau ditentukan, tampaknya, terutama oleh sifat aktivitas kreatifnya yang agak berbeda dari Couperin, dan terutama oleh fakta bahwa pada periode pertama hidupnya — selama tahun-tahun menciptakan komposisi yang lebih clavier — dia adalah berhubungan dengan lingkungan sosial lainnya.
Ramo lahir dari keluarga musisi. Di masa mudanya, dia bekerja sebagai pemain biola di sebuah rombongan opera, yang dengannya dia berkeliling Italia, kemudian dia menjadi pemain organ di berbagai kota di Prancis. Secara paralel, Ramo terlibat dalam kreativitas; ia menciptakan, antara lain, untuk harpsichord beberapa karya dan sejumlah ansambel. Penting untuk dicatat bahwa Rameau, sebagai tambahan, menulis musik selama tahun-tahun ini untuk genre yang demokratis seperti komedi lapangan raya. Musik ini sebagian digunakan olehnya dalam karya harpsichord (mungkin, seperti yang disarankan T. N. Livanova, dalam "Tambourine" dan "Peasant Woman" yang terkenal).
Seorang komposer opera dan harpsichord yang luar biasa, Rameau juga seorang musisi teoretis yang memainkan peran utama dalam pengembangan teori harmoni.
Pandangan musik yang luas, karya kreatif dalam berbagai genre - dari opera hingga komedi adil Prancis, pengalaman pertunjukan serbaguna dari pemain organ, pemain harpsikord dan pemain biola - semua ini tercermin dalam seni clavier Rameau. Dalam beberapa aspeknya, karya F. Couperin sangat dekat dengannya. Ada banyak karya dari para komposer ini, secara gaya sangat dekat satu sama lain. Tidak diragukan lagi bahwa kedua orang sezaman yang luar biasa itu tidak luput dari pengaruh timbal balik.
Namun, dalam banyak komposisi Rameau, ada keinginan untuk mengurangi keanehan dan ornamen ornamen dari pola melodi, untuk interpretasi bentuk tarian yang lebih bebas, untuk tekstur yang lebih berkembang dan virtuoso. Jadi, dalam Gigue e-moll, yang ditulis dalam bentuk rondo, ciri-ciri genre-tarian disembunyikan dan gaya merdu dari komposer sentimentalis pertengahan abad ke-18 diantisipasi (L. Godovsky, saat memproses pertunjukan ini, bahkan mengubahnya menjadi "Elegy"). Ini dicirikan oleh pergantian melodi yang sensitif, dan jumlah dekorasi yang lebih sedikit, dan iringan, yang mengingatkan pada populer di lebih banyak periode terlambat"Albertian basses" adalah akord terurai, dinamai dari komposer Italia pada paruh pertama abad ke-18 Alberti, yang mulai menggunakannya secara luas (catatan 11).
Inovasi tekstur Rameau yang paling berani dikaitkan dengan gambar yang melampaui tema rococo biasa. Dalam lakon "Solon simpletons", yang mereproduksi tarian desa, muncul presentasi figurasi yang luas di tangan kiri (catatan 12).
Saat menyampaikan citra "Gipsi" yang penuh gairah dan terburu nafsu, Rameau juga menggunakan figur yang bukan tipikal gaya Rococo berupa arpeggio patah (catatan 13).
Tekstur yang tidak biasa digunakan oleh Rameau dalam karya "Whirlwinds", di mana arpeggio, dimainkan secara bergantian dengan dua tangan, menangkap rentang beberapa oktaf (catatan 14).
Di antara lakon pemain harpsikord lainnya dari sekolah Prancis pada paruh pertama abad ke-18,< Кукушка» Дакена — действительно
очень талантливое произведение, мастерски созданное на основе одного мотива
— «кукования» кукушки. Значительный художественный интерес представляют
некоторые пьесы Дандриё («Дудочки» и другие). Среди его сочинений обращает
на себя внимание рондо «Страждущая» (или «Воздыхающая»), написанное в
сугубо чувствительных тонах и свидетельствующее об усилении во французском
клавесинизме к середине столетия тенденций сентиментализма (прим. 15).
Mari kita rangkum secara singkat ciri-ciri khas gaya musik harpsichord Prancis periode Rococo dalam bentuk yang dimanifestasikan dalam karya perwakilan terbaiknya.
Kami melihat bahwa, terlepas dari kejelasan dan kepastian gaya, musik ini sarat dengan kontradiksi.
Menghormati tema bersyarat Rococo, pemain harpsichord Prancis dalam karya terbaik mereka menciptakan elemen seni yang benar-benar hidup, menguraikan sampai batas tertentu arah genre-piktorial dan liris-psikologis dalam musik.
Melodi harpsichord rococo, permulaan ekspresif utama dari musik ini, terlepas dari pakaian hias yang modis, mengungkapkan hubungan dengan musim semi seni rakyat yang memberi kehidupan dan sampai batas tertentu mengantisipasi bahasa musik klasik di akhir abad ke-18.
Mencerminkan ciri khas seni rococo: kecanggihan, kehalusan, gravitasi menuju miniatur, menuju perataan " sudut tajam”, miniatur-rondo harpsichord sekaligus menyiapkan kontras, dinamisme, dan monumentalitas sonata klasik.
Di luar ketidakkonsistenan ini, tidak mungkin untuk memahami mengapa warisan terbaik dari pemain harpsichord Prancis terus menarik kita bahkan sampai sekarang - pemain dan pendengar yang hidup dengan cita-cita estetika yang sangat berbeda.
Masa kejayaan harpsikordisme Prancis terwujud tidak hanya di bidang komposisi musik, tetapi juga dalam seni pertunjukan dan pedagogis.
Sumber terpenting untuk mempelajari bidang seni musik ini, selain monumen komposer, adalah manual clavier. Yang paling penting dari mereka adalah risalah oleh F. Couperin "The Art of Playing the Harpsichord" (1716), yang mensistematisasikan prinsip-prinsip pertunjukan karakteristik pemain harpsichord Prancis dan memberikan banyak tip pedagogis yang menarik, yang sebagian tidak kehilangan signifikansinya hingga hari ini. . Karya pedagogis lain pada periode itu juga sangat menarik - Metode Mekanika Jari Rameau, diterbitkan dalam buku catatan kedua dari karya harpsichordnya (1724). Ini dikhususkan hanya untuk satu masalah - pengembangan teknis siswa.
Berdasarkan risalah ini dan sumber-sumber lain yang tersedia bagi kami, kami mencatat ciri-ciri paling penting dari seni pertunjukan dan pedagogis pemain harpsikord Prancis pada paruh pertama abad ke-18 dan memikirkan beberapa masalah yang muncul dalam interpretasi mereka. komposisi.
Pertama-tama, perhatian yang diberikan pada penampilan pemain di belakang instrumen adalah ciri khasnya. Seharusnya tidak terlihat bagi para pendengar bahwa memainkan harpsichord adalah pekerjaan yang serius, karena bekerja, menurut konsep orang sekuler, adalah nasib seorang pelayan, "orang biasa". “Di belakang harpsichord,” Couperin mengajarkan dalam manualnya, “seseorang harus duduk dengan nyaman; tampilan tidak boleh terlalu terfokus pada subjek apa pun, atau tersebar; Singkatnya, seseorang harus memandang masyarakat seolah-olah seseorang tidak sibuk dengan apapun” (141, hlm. 5-6). Couperin memperingatkan agar tidak menekankan ketukan saat bermain dengan gerakan kepala, badan, atau kaki. Menurutnya, ini bukan hanya kebiasaan yang tidak perlu yang mengganggu pendengar dan pelakunya. Ini tidak pantas. Untuk "menghilangkan seringai" selama permainan, dia merekomendasikan untuk melihat diri Anda sendiri di cermin selama latihan, yang menyarankan untuk meletakkan harpsichord di dudukan musik.
Semua "kesopanan" dari perilaku pemainnya, yang mengingatkan pada senyum tradisional balerina dalam balet klasik, adalah ciri yang sangat khas dari seni pertunjukan di era Rokoko.
Salah satu tugas terpenting pemain harpsikord adalah kemampuan untuk melakukan ornamen secara halus dan berselera tinggi dalam melodi. Pada abad ke-17, pewarnaan melodi sebagian besar dilakukan oleh pemainnya. “Dalam memilih perhiasan,” tulis Saint-Lambert dalam manualnya, “ada kebebasan penuh. Dalam karya yang dipelajari, dekorasi dapat dimainkan bahkan di tempat yang tidak diperlihatkan. Anda dapat membuang dekorasi dalam drama jika ternyata tidak sesuai, dan menggantinya dengan yang lain pilihan Anda” (190, hlm. 124). Seiring waktu, sikap terhadap perubahan improvisasi melismas menjadi berbeda. Perkembangan keahlian yang halus dan canggih, di mana detail ornamen terkecil menjadi sangat penting dan berfungsi sebagai indikator "selera sejati" musisi, membelenggu permulaan improvisasi dalam seni pertunjukan. Dilihat dari beberapa pernyataan Couperin, pada masanya di sekolah harpsichord Prancis, improvisasi mulai merosot secara bertahap. Dia mulai menentang seni pertunjukan, berdasarkan pembelajaran yang cermat dari komposisi pra-tulis dan bijaksana dalam setiap detail. Couperin sangat menentang perubahan dekorasi improvisasi dalam karya-karyanya tanpa kompromi. Di kata pengantar buku ketiga potongan harpsichord, dengan kegigihan yang luar biasa, bahkan dengan nada yang agak jengkel, sangat tidak biasa baginya gaya sastra, bersikeras pada kebutuhan untuk benar-benar memenuhi semua detail teks, karena jika tidak, katanya, lakonnya tidak akan memberikan kesan yang tepat pada orang-orang dengan selera yang sebenarnya.
Kata-kata salah satu pemain clavier terhebat di masanya ini tidak kehilangan artinya hingga hari ini. Setiap pianis yang memainkan karya master lama harus mengingatnya.
Dibandingkan dengan musisi dari sekolah nasional lain, pemain harpsichord Prancis memberikan aturan yang lebih tepat untuk mengartikan sebuah ornamen. Dalam hal ini orang tidak bisa tidak melihat pengaruh rasionalisme, ciri khas budaya Prancis, yang memunculkan keinginan akan kejelasan dan subordinasi kreativitas artistik pada pola-pola logis yang mapan.
Mengenal praktik penguraian melismas oleh pemain harpsichord Prancis penting karena sangat menentukan prinsip pembuatan perhiasan di sekolah nasional lainnya. Seperti, misalnya, instruksi Couperin, sebagai eksekusi getar dari alat bantu atas atau catatan rahmat karena durasi berikutnya, dibagikan oleh sebagian besar musisi pada paruh pertama abad ke-18.
Berikut adalah beberapa contoh melismas F. Couperin dan penguraiannya sesuai dengan instruksi yang diberikan oleh komposer (catatan, 16).
Terbatas dalam hal palet dinamis oleh fitur instrumen, pemain harpsichord Prancis, tampaknya, berusaha mengimbangi kemonotonan dinamika dengan variasi timbre. Dapat diasumsikan bahwa, seperti pemain harpsichord modern, mereka mengubah warna saat mengulang refrein rondo atau meningkatkan kontras antara bait dan refrein menggunakan timbre yang mereka miliki. Penggunaan yang terampil dari berbagai register (kecapi, bassoon, dan lainnya) tidak diragukan lagi memberikan karakteristik dan kecerahan yang lebih besar pada karya harpsichord. Sebagai contoh rekaman miniatur harpsichord oleh pemain modern, perhatikan interpretasi dari lakon Couperin terkenal The Reapers oleh Zuzana Ruzickova (catatan 17).
Semua refrein, kecuali yang ketiga, dilakukan dengan keahliannya. Sifat liris dari dua ayat pertama diungkapkan oleh warna sonoritas yang berbeda dan lebih ringan. Kontras antara refrain dan bait ketiga, yang paling tinggi dalam nada, ditekankan oleh penampilannya satu oktaf lebih tinggi dan timbre suara keperakan. Dengan demikian, pencatatannya sesuai dengan garis umum perkembangan syair yang digariskan oleh pengarangnya, hingga klimaks “tenang” di syair ketiga dan memperkuat relief pertentangan dua bidang kiasan - tarian “grup” dan “ individual” (ini juga difasilitasi oleh ritme - sangat pasti dalam bagian refrein dan dengan elemen rubato dalam bait).
Menggunakan kemungkinan dinamis yang kaya dari piano, pianis harus tanpa lelah menjaga kecemerlangan pertunjukan, karena sangat sulit untuk mencapainya. Untuk memperkaya palet suara, Anda perlu menggunakan dinamika dan pedal dengan terampil. Tidak setiap pedal dan tidak setiap dinamika berkontribusi untuk meningkatkan warna performa. Terkadang ini sarana ekspresi juga dapat memiliki efek sebaliknya. Untuk mencapai keragaman timbre, seseorang harus menggunakan warna pedal yang kontras dan apa yang disebut dinamika "berteras". Warna pedal yang kontras tidak berarti penggunaan pedal yang terus menerus, tetapi pergantian konstruksi tanpa pedal (atau hampir tanpa pedal) dan yang dikayuh dengan berat. Dalam konstruksi yang seharusnya terdengar sangat transparan, terkadang Anda harus menggunakan kayuhan pedal yang paling ringan. Pentingnya pedalisasi semacam ini untuk transmisi potongan harpsichord ke piano ditekankan oleh N. I. Golubovskaya dalam kata pengantar komposisi para perawan Inggris. “Peran yang sangat penting dalam penampilan karya harpsichord,” katanya, “memperoleh gradasi halus dari kedalaman menekan pedal. Pedal yang tidak lengkap, terkadang hampir tidak ditekan mempertahankan transparansi polifonik, melembutkan nada yang kering” (32, hlm. 4).
Prinsip dinamika "berteras" terdiri dari penggunaan dominan perbandingan kontras gradasi kekuatan sonoritas. Ini tidak berarti, tentu saja, penggunaan nuansa dinamis lainnya dikecualikan. Ini tentang hanya prinsip pendefinisiannya adalah kontras, dan bukan kelancaran transisi dari satu kekuatan kemerduan ke kekuatan lainnya. Dalam batas-batas salah satu segmen tangga nada dinamis, misalnya, dalam piano atau forte, minor diminuendo dan crescendo dapat dan harus digunakan.
Banyak komposer pada masa itu menulis lagu-lagu merdu yang lambat untuk harpsichord. Couperin dan pemain harpsikord Prancis lainnya memiliki banyak komposisi seperti itu. Secara karakteristik, dalam karya yang membutuhkan kemerduan legato, pemain harpsikord merekomendasikan agar permainan sekoheren mungkin. Couperin dalam kasus seperti itu terkadang menyarankan untuk menggunakan pergantian jari pada satu tombol.
Sangat wajar bahwa, mengingat kemungkinan besar memainkan legato yang ada pada piano modern, kita harus mewujudkan keinginan para pemain harpsichord dan, dalam kasus yang diperlukan, di mana sifat musik membutuhkannya, berusaha untuk mencapai koherensi dan melodi yang maksimal. suara.
Dalam rencana inilah dia menampilkan drama F. Couperin dan J.-F. Pianis Rameau Helen Bosky (rekaman perusahaan Ceko "Suprafon"). Mereka tampil dengan segala pesona kecanggihan artistiknya dan pada saat yang sama tanpa penekanan khusus pada unsur tingkah laku, etiket seremonial yang melekat pada seni gaya Rokoko. Seperti Ruzickova, Bosky berfokus terutama pada pengungkapan konten emosional dari drama tersebut, kekayaan nuansa perasaan yang tercetak di dalamnya. Pada saat yang sama, pianis sampai batas tertentu mereproduksi fitur timbre-dinamis dari suara harpsichord, tetapi, dengan menggunakan kemungkinan ekspresif piano, ia memberikan perkembangan intonasi dan ekspresifitas yang lebih besar pada pemikiran musik. Contoh karakteristiknya adalah interpretasi F. Couperin tentang Sarabande di h-moll. Penulis menyebutnya "Satu-Satunya", mengungkapkan, tampaknya, sikap khususnya terhadap gambar yang tercetak di dalamnya. Di galeri "potret wanita" oleh pemain harpsikord Prancis, Sarabande menonjol karena ketegangan yang tidak biasa dari lingkungan emosional, kekuatan yang tertahan, tetapi siap untuk keluar dari perasaan dramatis, terkadang diterangi oleh cahaya liris yang tulus. ekspresi. Drama itu menarik dengan ekspresif dari melo-nya, yang kandungan intonasinya dinaungi cembung oleh warna-warni, berani untuk pergantian harmonik saat itu.
Untuk menyampaikan pada harpsichord semua kekayaan musik miniatur secara penuh tidak mungkin dilakukan. Memang: bagaimana mencapai fleksibilitas vokal dan ucapan yang diperlukan untuk melafalkan melodi yang membutuhkan perubahan konstan dalam kekuatan suara (tugas ini semakin diperumit dengan banyaknya melismas, yang secara organik harus menyatu dengan suara utama melodi ) (catatan 18)?
Bagaimana baris melodi yang berubah secara dinamis ini dapat dikorelasikan dengan suara-suara yang mengiringinya, yang terkadang berfungsi sebagai latar belakang yang lembut, kemudian, seperti bass pada hitungan kedua, mengemuka? Bagaimana menonjolkan keindahan puitis dari nada VI rendah pada langkah keempat dan kelima, efek paling halus dari "luapan" harmoni dari nada rendah ke nada atas, ketika muncul dalam iluminasi warna-warni yang sama sekali berbeda, menyebabkan sebagian besar oleh "cahaya" suara melodi yang sangat intens?
Di piano, tugas-tugas ini cukup bisa diselesaikan. Performa Bosca bisa menjadi buktinya. Pada saat yang paling genting, ketika klimaks "tenang" diwujudkan (bar 2 dan 3 dari Contoh 18 6), perhatian pendengar tidak hanya tertarik oleh kelembutan khusus dari suara akord keenam minor arpeggio, suaranya yang merdu, tetapi juga dengan sedikit penurunan tempo. Dalam imajinasi, kenangan indah sepertinya muncul yang ingin saya hidupkan kembali. Kami juga mencatat penampilan akord ketujuh yang berkurang di awal hitungan berikutnya. Akor ketujuh yang dikurangi, tanpa ampun "dieksploitasi" oleh komposer romantis, terdengar masih segar di masa Couperin. Penampilannya yang pertama dan satu-satunya dalam lakon itu memberikan kesan keanehan yang harmonis. Begitulah cara pianis mendengarnya. Dia memberikan pewarnaan yang sedikit teredam dan dengan pewarnaan emosional yang tiba-tiba ini mempersiapkan persepsi perkembangan musik yang dramatis dan impulsif.
Untuk menyampaikan nuansa perasaan yang begitu halus yang membutuhkan perubahan timbre-dinamis yang fleksibel dalam suara, sarana ekspresif piano menjadi lebih diperlukan daripada saat menampilkan bagian pertama dari karya tersebut.
Yang sangat penting ketika menafsirkan miniatur harpsichord adalah penampilan halus oleh pemain ritme metro tari, yang memberikan pesona khusus dan vitalitas asli kepada banyak karya yang belum kehilangan hubungannya dengan tarian. Bukan kebetulan bahwa risalah pemain harpsichord Prancis memiliki indikasi
tepatnya untuk jenis metroritme pertunjukan ini - elastis, aktif. Pertunjukan Wanda Landowska tentang "Rebana" Rameau dan banyak karya lainnya oleh pemain harpsikordis diresapi dengan permulaan tarian semacam ini.
Mari kita perhatikan beberapa prinsip karakteristik pemain harpsichord Prancis di area motorik.
Keahlian mereka dibandingkan dengan keahlian claviers kontemporer dari sekolah nasional lainnya - J. S. Bach, Scarlatti - adalah tipe yang relatif terbatas. Mereka hanya menggunakan teknik jari halus dan, terlebih lagi, terutama teknik posisi, yaitu, bagian dan figurasi dalam posisi tangan tanpa menempatkan jari pertama. Namun di bidang teknik jari, pemain harpsichord Prancis mencapai kesempurnaan yang luar biasa. Menurut Saint-Lambert, virtuoso Paris dibedakan oleh "kemandirian" jari mereka yang begitu berkembang sehingga mereka dapat dengan bebas melakukan trill dengan jari mana pun.
Prinsip-prinsip metodologis pemain harpsikord Prancis, yang mendasari pengembangan keterampilan motorik, paling jelas dirumuskan oleh Rameau dalam karya pedagogisnya yang telah disebutkan. Secara umum, sistem pandangan ini bersifat progresif pada masa itu.
Di antara instalasi Rameau yang paling maju, perlu dicatat advokasinya tentang peluang besar untuk pengembangan kecenderungan alami manusia, yang tunduk pada pekerjaan yang gigih, terarah, dan sadar. “Tentu saja, tidak semua orang memiliki kemampuan yang sama,” tulis Rameau. “Namun, kecuali ada beberapa cacat tertentu yang mengganggu gerakan normal jari, kemungkinan untuk mengembangkannya sedemikian rupa sehingga permainan kita dapat menyenangkan, hanya bergantung pada diri kita sendiri, dan saya berani mengatakan bahwa ketekunan dan pekerjaan yang diarahkan upaya yang diperlukan dan beberapa waktu pasti akan meluruskan jari, bahkan yang paling tidak berbakat. Siapa yang berani hanya mengandalkan kemampuan alami? Bagaimana seseorang bisa berharap untuk menemukannya tanpa melakukan pekerjaan pendahuluan yang diperlukan untuk menemukannya? Lalu apa yang dapat dikaitkan dengan kesuksesan yang dicapai, jika bukan pekerjaan khusus ini? (186, hal. XXXV). Kata-kata dari seorang tokoh terkemuka dalam budaya borjuis pada periode pembentukannya, dijiwai dengan keyakinan yang tak tergoyahkan pada kekuatan pikiran manusia, pada kemungkinan mengatasi kesulitan yang signifikan, sangat kontras dengan rekayasa beberapa ilmuwan borjuis modern yang menyebarkan fatalistik. penentuan perkembangan kemampuan manusia oleh kecenderungan bawaannya.
Salah satu prinsip teknik harpsichord yang paling bermanfaat di area motorik adalah perjuangan tanpa lelah melawan ketegangan otot yang berbahaya. Perlunya kebebasan aparatur motor selama pertandingan berulang kali ditekankan oleh Couperin. Ramo juga banyak membicarakan hal ini. Yang sangat berharga adalah komentarnya tentang perlunya menjaga kelenturan pergelangan tangan saat bermain. “Fleksibilitas ini,” katanya, “kemudian juga meluas ke jari, membuatnya benar-benar bebas dan memberi mereka keringanan yang diperlukan” (186, hlm. XXXVI).
Penting juga untuk menggunakan teknik fingering baru Rameau, yaitu: penempatan jari pertama, yang tentunya terkait dengan munculnya tekstur yang lebih berkembang pada komposisinya.
Dipercaya secara luas bahwa J.S. Bach "menemukan" teknik ini. Itu pergi dari tangan ringan F. E. Bach, yang mengungkapkannya dalam karya metodisnya. Sementara itu, ada alasan bagus untuk tidak mengaitkan inovasi ini dengan J. S. Bach saja. Itu mulai menyebar di berbagai sekolah nasional, dan di Prancis, bahkan mungkin lebih awal daripada di Jerman. Setidaknya Denis yang telah disebutkan, penulis risalah tentang penyetelan spinet (ingat bahwa risalah itu diterbitkan pada tahun 1650), merekomendasikan agar semua jari digunakan secara luas. “Saat saya mulai belajar,” tulisnya, “para guru menganut aturan bahwa saat bermain Anda tidak boleh menggunakan ibu jari tangan kanan; namun, kemudian saya menjadi yakin bahwa jika seseorang memiliki tangan sebanyak Briareus (raksasa dari mitologi kuno yang memiliki seratus tangan dan lima puluh kepala. - A.A), - mereka akan tetap digunakan oleh semua orang saat bermain, meskipun tidak banyak tombol pada keyboard ”(143, hlm. 37).
Ada alasan untuk percaya bahwa pada paruh pertama abad ke-18, ibu jari mulai digunakan secara luas oleh beberapa pemain clavier Italia. D. Scarlatti, menurut memoar orang-orang sezamannya, mengatakan bahwa dia tidak melihat alasan mengapa tidak menggunakan kesepuluh jari saat bermain, jika alam memberikannya kepada manusia. Kata-kata ini rupanya harus dipahami sebagai nasehat untuk menggunakan sisipan jari pertama. Sejak tahun 30-an abad ke-18, prinsip penjarian baru, yang disebut "Italia", mulai menyebar di Inggris. Jika kita akui Scarlatti memang menggunakan ibu jari, maka kemungkinan besar dialah yang membawa teknik fingering ini ke Inggris.
Peletakan jari pertama merupakan inovasi yang sangat penting. Ini dengan cepat memajukan pengembangan teknik clavier. Pada saat yang sama, teknik ini, yang memfasilitasi mengatasi banyak kesulitan teknis, seperti yang biasanya terjadi dalam kasus seperti itu, pada gilirannya memengaruhi perkembangan tekstur clavier, berkontribusi pada komplikasi selanjutnya. Awalnya diterapkan oleh virtuoso paling menonjol pada masanya, prinsip penjarian baru mulai menyebar secara bertahap di antara pemain biasa. Namun, butuh beberapa dekade lagi bagi mereka untuk akhirnya mendapatkan pijakan dalam praktik. Sepanjang abad ke-18, bersamaan dengan penyisipan jari pertama, penjarian kuno berdasarkan pergeseran jari tengah juga banyak digunakan. Bahkan di akhir abad ini, D. G. Türk, salah satu guru piano yang paling dihormati, menulis dalam manualnya bahwa dia tidak berani membuang penjarian ini, meskipun faktanya dia hanya mengizinkannya digunakan dalam kasus yang jarang terjadi. Baru pada abad ke-19 prinsip meletakkan jari pertama dengan kuat ditetapkan dalam pedagogi piano. Adapun teknik menggeser jari tidak sepenuhnya hilang dari latihan. Ini digunakan saat memainkan not ganda, dalam polifoni, di beberapa bagian (lihat, misalnya, Etude Chopin a-moll op. 10).
Bersamaan dengan prinsip-prinsip ini, yang tidak kehilangan signifikansi progresifnya untuk seluruh sejarah budaya pianistik selanjutnya, Rameau memiliki pernyataan yang secara historis bersifat sementara, tetapi sangat khas pada masa itu. Dia percaya, misalnya, bahwa fenomena psikologis yang rumit dan terorganisir dengan baik seperti proses latihan dapat direduksi menjadi "mekanika sederhana". Hal ini tercermin dalam keterbatasan pemikiran ilmiah abad ke-18, yang melekat bahkan pada pemikir paling terkemuka pada masa itu - para filsuf materialis. “Materialisme abad yang lalu,” tulis Engels, “sebagian besar bersifat mekanis, karena dari semua ilmu alam pada saat itu hanya mekanika yang telah mencapai penyelesaian tertentu. Di mata kaum materialis abad ke-18, manusia adalah sebuah mesin, sebagaimana hewan di mata Descartes. Aplikasi ini secara eksklusif dari skala mekanika ke proses yang bersifat kimiawi dan organik - di mana hukum mekanis, meskipun terus beroperasi, tetapi surut ke latar belakang sebelum hukum lain yang lebih tinggi - merupakan yang pertama aneh, tetapi kemudian tak terelakkan. batasan materialisme Prancis klasik ”(3 , hlm. 286).
Dalam upaya untuk menghilangkan sebanyak mungkin gerakan tangan, Rameau mengatakan bahwa itu harus "seolah-olah mati" dan hanya berfungsi untuk "menopang jari-jari yang menempel padanya dan memindahkannya ke tempat-tempat di keyboard yang tidak dapat dijangkau. sendiri" (186, hlm. XXXVI).
Setelah "mengatur" jari pada keyboard, Ramo menyarankan untuk memulai permainan latihan - "Pelajaran Pertama". "Pelajaran Pertama" ini tidak lain adalah urutan dari lima bunyi: do, re, mi, fa, sol. Penulis merekomendasikan untuk mempelajarinya terlebih dahulu dengan masing-masing tangan secara terpisah, kemudian "dengan berbagai cara, sampai Anda merasa bahwa tangan telah memperoleh keterampilan sedemikian rupa sehingga tidak ada lagi yang perlu ditakuti untuk melanggar kebenaran Gerakannya" (186, hal.XXVII).
Dari sudut pandang subagog Soviet, prinsip-prinsip Rameau di atas tidak sesuai dengan pengawasan. Belum lagi kekeliruan mereduksi latihan menjadi "mekanika sederhana", berusaha tangan seolah-olah "mati" adalah salah, tidak tepat untuk segera memulai dengan latihan seperti "Pelajaran Pertama" Ramo.
Namun, pada masanya, sistem prinsip motorik ini sudah maju. Ini mencerminkan kecenderungan progresif menuju pengenalan metode berpikir ilmiah ke dalam seni pedagogis dan menuju rasionalisasi proses pendidikan teknis siswa. Itu terkait dengan praktik permainan harpsichord, berdasarkan penggunaan teknik jari halus dalam jangkauan instrumen yang relatif kecil.
Karya-karya pemain harpsikord Prancis, yang dulu sangat populer, pada akhir abad ke-18 tidak lagi menempati tempat penting dalam repertoar pertunjukan dan pedagogis. Kebangkitan musik ini di Prancis dimulai pada dekade terakhir abad terakhir. Sampai batas tertentu hal itu dijelaskan oleh perkembangan kecenderungan estetika dan gaya, tetapi dalam banyak hal juga oleh keinginan yang sehat dari musisi progresif untuk mengembangkan tradisi klasik nasional.
Musisi Rusia juga menunjukkan minat pada karya pemain harpsichord Prancis abad ke-18. Mari kita mengingat kembali penampilan karya Couperin dan Rameau oleh Anton Rubinstein dalam Konser Sejarahnya. Penampilan Rachmaninoff tentang "The Cuckoo" oleh Daken dapat menjadi contoh luar biasa dari interpretasi asli miniatur harpsichord. Tidak seperti beberapa pianis, yang memberikan karya ini karakter yang elegi dan lesu, pianis yang brilian mempertajam ciri khas humornya yang elegan dan antusiasme yang ceria. Detail jenaka memainkan peran penting dalam menciptakan gambar seperti itu - "gambar" ritmis yang kuat dari suara pendek dalam motif "memasak".
Di antara pemain Soviet dari karya pemain harpsikord Prancis, kami mencatat E. Beckman-Shcherbina, N. Golubovskaya, G. Kogan, M. Nemenova-Lunts, N. Perelman. G. Kogan juga berkontribusi pada promosi warisan harpsichord dengan ceramah dan artikelnya.
Ada edisi akademik dari karya lengkap F. Couperin, yang dibuat oleh sekelompok ahli musik Perancis yang dipimpin oleh Maurice Cauchy (Paris, 1932-1933), dan karya Rameau, diedit oleh C. Saint-Saens (Paris, 1895-1918).
Ide edisi pertama karya F. Couperin diberikan oleh koleksi empat volume karya harpsichordnya, dirilis di Budapest pada 1969-1971 oleh pianis dan pemain harpsichord Hongaria J. Gat. Jenis publikasi serupa adalah volume karya lengkap untuk harpsichord oleh Rameau, diterbitkan pada tahun 1972 oleh penerbit Muzyka (editor L. Roshchina, artikel pengantar oleh V. Bryantseva). Sejumlah besar lakon oleh F. Couperin, Rameau, dan pemain harpsichord Prancis lainnya, dilengkapi dengan catatan mendetail tentang sifat penampilan mereka, dimuat dalam tiga koleksi yang disusun oleh A. Yurovsky (Moscow, 1935, 1937).
Laporan tentang sejarah ilmu pengetahuan
topik "Musik Prancis di abad ke-18"
siswa kelas 10 Fakultas Fisika dan Matematika
Lyceum №1525 "Bukit Sparrow"
Kazakov Philip.
Hal pertama yang harus dikatakan tentang musik Prancis pada abad ke-18 adalah bahwa, tidak seperti negara-negara terkemuka di bidang musik (seperti Jerman, Austria, Spanyol, dan Italia), Prancis tidak dapat membanggakan sejumlah besar negara yang sangat terkenal. komposer atau pemain, atau beragam karya terkenal. Gluck dianggap sebagai komposer Prancis paling terkenal saat itu, tetapi dia juga berasal dari Jerman. Sebagian, situasi ini ditentukan oleh kepentingan masyarakat yang menentukan gaya musik. Pertimbangkan perkembangan musik di abad ke-18.
Pada awal abad ini, gaya musik paling populer bersifat sentimental klasisisme. Itu adalah musik lambat yang tidak tergesa-gesa, tidak terlalu rumit. memainkannya instrumen dawai. Biasanya dia menemani pesta dansa, tetapi mereka juga suka mendengarkannya dalam suasana rumahan yang santai.
Kemudian, fitur dan teknik mulai masuk ke dalam musik kecapi Usang, seperti getar dan bendera. Ini memperoleh tampilan yang lebih rumit, frase musik menjadi lebih kompleks dan menarik. Musik menjadi lebih terlepas dari kenyataan, lebih fantastis, kurang benar dan dengan demikian lebih dekat dengan pendengarnya.
Mendekati paruh kedua abad ke-18, ciri-ciri Rococo begitu menyatu ke dalam musik sehingga mulai memperoleh orientasi tertentu. Jadi, segera dua arah muncul dengan jelas dalam musik: musik untuk menari dan musik untuk menyanyi. Bola diiringi musik untuk menari, musik untuk menyanyi dibunyikan dalam suasana rahasia. Seringkali, bangsawan juga suka menyanyi dengan suara harpsichord rumah. Pada saat yang sama, genre teatrikal balet komedi baru muncul, menggabungkan dialog, tarian dan pantomim, instrumental, kadang-kadang musik vokal. Penciptanya adalah J. B. Moliere dan komposer J. B. Lully. Genre tersebut berdampak signifikan pada perkembangan teater musikal Prancis selanjutnya.
Mengikuti pemisahan genre musik yang lebih halus, musik marching mulai bermunculan. Itu adalah musik yang keras, keras, dan berisik. Pada saat ini, tersebar luas instrumen perkusi(drum dan simbal), yang mengatur ritme, sehingga merampas kinerja individu. Ada juga banyak penggunaan instrumen seperti terompet, yang terutama berfungsi untuk meningkatkan volume musik secara keseluruhan. Karena penampilan penabuh genderang dan alat musik keras itulah musik Prancis pada akhir abad ke-18, menurut saya, menjadi sangat primitif dan tidak menonjol. Puncak pencapaian musik marching adalah penampilan karya "La Marseillaise", yang ditulis oleh Rouger De Lisle pada tahun 1792.
Rouget De Lisle Claude Joseph (1760-1836) Insinyur, penyair, dan komposer militer Prancis. Dia menulis himne, lagu, roman. Pada 1792 ia menulis komposisi " Marseille”, yang kemudian menjadi lagu kebangsaan Prancis.
François Couperin (1668-1733)- Komposer Prancis, pemain harpsikord, organis. Dari dinasti yang sebanding dengan dinasti Bach Jerman, karena ada beberapa generasi musisi di keluarganya. Couperin dijuluki "Couperin yang hebat" sebagian karena selera humornya, sebagian karena karakternya. Karyanya adalah puncak seni harpsichord Prancis. Musik Couperin dibedakan oleh daya cipta melodi, keanggunan, dan kesempurnaan detail.
Rameau Jean Philippe (1683-1764)- Komposer Prancis dan ahli teori musik. Menggunakan pencapaian budaya musik Prancis dan Italia, ia secara signifikan memodifikasi gaya opera klasik, menyiapkan reformasi opera K. V. Gluck. Dia menulis tragedi liris Hippolytus dan Arisia (1733), Castor dan Pollux (1737), opera-balet Gallant India (1735), karya harpsichord dan banyak lagi. Karya teoretisnya merupakan tahap penting dalam perkembangannya doktrin harmoni .
Gluck Christoph Willibald (1714-1787) komposer Prancis-Jerman yang terkenal. Aktivitasnya yang paling gemilang dikaitkan dengan panggung opera Paris, tempat ia menulis karya terbaiknya kata-kata Perancis. Oleh karena itu, orang Prancis menganggapnya sebagai komposer Prancis. Banyak opera miliknya: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" dan lainnya diberikan di Milan, Turin, Venesia, Cremoni. Setelah mendapat undangan ke London, Gluck menulis dua opera untuk teater Hay-Market: "La Cadutade Giganti" (1746) dan "Artamene" dan opera bunga rampai (pasticcio) "Pyram". Yang terakhir ini memiliki pengaruh besar pada aktivitas Gluck selanjutnya. Semua opera yang membawa kesuksesan besar bagi Gluck ditulis menurut pola Italia, terdiri dari rangkaian arias; di dalamnya Gluck tidak terlalu memperhatikan teksnya. Dia menyusun opera "Piram" dari fragmen opera sebelumnya yang paling sukses, menyesuaikan teks lain dari libretto baru ke fragmen ini. Kegagalan opera ini membawa Glucan pada gagasan bahwa hanya musik semacam itu yang dapat menghasilkan kesan yang tepat, yang berhubungan langsung dengan teks. Dia mulai menganut prinsip ini dalam karya-karyanya selanjutnya, semakin mengasimilasi dirinya secara bertahap sikap serius untuk pelafalan, mengerjakan arioso resitatif hingga detail terkecil dan tidak melupakan pelafalan bahkan dalam arias.
Keinginan untuk hubungan yang erat antara teks dan musik sudah terlihat dalam "Semiramide" (1748). Namun pergantian komposer yang lebih nyata ke opera sebagai drama musikal terlihat dalam "Orfeo", "Alceste", "ParideedElena" (1761-64), yang dipentaskan di Wina. Pembaru opera Gluck ada di "Iphigenie en Aulide", diberikan di Paris dengan sukses besar (1774). Ada juga yang diberikan: "Armide" (1777) dan "IphigenieenTauride" (1779) -
Karya terbesar Gluck Opera terakhir G. adalah "Echo et Narcisse". Selain opera, Gluck menulis simfoni, mazmur, dan lainnya. Semua opera, selingan, dan balet yang ditulis oleh Gluck berjumlah lebih dari 50.
Sebagai kesimpulan, kebersatuan musik Prancis abad ke-18 harus ditekankan sekali lagi. Kreativitas musik itu seperti kerajinan atau hobi ringan. Di kerajinan, karena semua karya sejenis dan mirip satu sama lain. Sebagai hobi, karena banyak komposer membuat musik hanya untuk kepentingan itu. waktu senggang, mengisi waktu senggang Anda dengan gambar seperti itu. Pekerjaan seperti itu tidak bisa disebut kreasi kreatif profesional. Bahkan komposer Prancis paling terkenal saat itu, Gluck (yang, omong-omong, bukan seorang komposer Prancis), disebut oleh para simpatisan sebagai komposer dari satu karya. Artinya Orpheus dan Eurydice.
Sumber:
Ensiklopedia Hebat Cyril dan Methodius,
Ensiklopedia Musik Klasik,
Brockhaus dan Efron,
Musik Klasik (uang saku),
Internet,
Ahli musik yang kompeten Natalia Bogoslavskaya.
"Marseillaise" ("Marseillaise") - Prancis lagu revolusioner. Awalnya disebut "Lagu Pertempuran Tentara Rhine", lalu "March of the Marseilles" atau "La Marseillaise". Di bawah Republik Ketiga, itu menjadi lagu kebangsaan Prancis (sejak 14 Juli 1975, telah dibawakan dalam versi musik baru). Di Rusia, "Working Marseillaise" tersebar luas (melodi "La Marseillaise", teks oleh P. L. Lavrov, diterbitkan di surat kabar "Vpered" pada 1.7.1875).
HARMONI, sarana musik ekspresif, berdasarkan kombinasi nada menjadi konsonan dan pada hubungan konsonan dalam gerakan berurutannya. Jenis konsonan utama adalah akord. Harmoni dibangun menurut hukum mode tertentu dalam musik polifonik di gudang mana pun - homofoni, polifoni. Elemen harmoni - irama dan modulasi - adalah faktor terpenting dalam bentuk musik. Doktrin harmoni adalah salah satu bagian utama dari teori musik.
