Deskripsi jazz. Jazz: apa (definisinya), sejarah kemunculannya, tempat kelahiran jazz

Jazz adalah jenis seni musik yang muncul sebagai hasil sintesis Afrika dan budaya Eropa menampilkan cerita rakyat Afrika-Amerika. Ritme dan improvisasi dipinjam dari musik Afrika, harmoni dipinjam dari musik Eropa.

Informasi umum tentang asal-usul pembentukan

Sejarah jazz berasal dari tahun 1910 di Amerika Serikat. Dengan cepat menyebar ke seluruh dunia. Selama abad ke-20, arah musik ini mengalami sejumlah perubahan. Jika kita berbicara singkat tentang sejarah kemunculan musik jazz, perlu diperhatikan beberapa tahapan perkembangan yang dilalui dalam proses pembentukannya. Pada tahun 1930-an dan 1940-an, ia sangat dipengaruhi oleh gerakan swing dan be-bop. Setelah tahun 1950, jazz mulai dilihat sebagai genre musik yang mencakup semua gaya yang dikembangkan sebagai hasilnya.

Jazz kini telah mengambil tempatnya di lapangan seni tinggi. Dinilai cukup bergengsi, mempengaruhi perkembangan budaya musik dunia.

Sejarah munculnya jazz

Arah ini muncul di AS sebagai hasil dari penggabungan beberapa budaya musik. Sejarah asal usul jazz dimulai di Amerika Utara yang sebagian besar dihuni oleh penganut Protestan Inggris dan Prancis. Misionaris agama berusaha untuk mengubah orang kulit hitam menjadi iman mereka, peduli tentang keselamatan jiwa mereka.

Hasil dari sintesis budaya adalah munculnya spiritualitas dan blues.

Musik Afrika dicirikan oleh improvisasi, poliritme, polimetri, dan linearitas. Peran besar di sini diberikan pada awal yang ritmis. Nilai melodi dan harmoni tidak begitu signifikan. Ini disebabkan oleh fakta bahwa musik Afrika memiliki nilai terapan. Itu menyertai aktivitas kerja, ritual. Musik Afrika tidak independen dan dikaitkan dengan gerakan, tarian, pelafalan. Intonasinya cukup bebas, karena tergantung pada keadaan emosi para pemainnya.

Dari musik Eropa yang lebih rasional, jazz diperkaya dengan sistem modal mayor-minor, konstruksi melodi, dan harmoni.

Proses penyatuan budaya dimulai pada abad kedelapan belas dan menyebabkan munculnya jazz pada abad kedua puluh.

Masa sekolah New Orleans

Dalam sejarah jazz, gaya instrumental pertama dianggap berasal dari Louisiana. Musik ini pertama kali muncul dalam penampilan band-band street brass yang sangat populer saat itu. Yang sangat penting dalam sejarah kemunculan jazz di kota pelabuhan ini adalah Storyville - kawasan kota yang khusus dialokasikan untuk tempat hiburan. Di sinilah, di antara musisi Creole, yang berasal dari Negro-Prancis, jazz lahir. Mereka tahu musik klasik ringan, dididik, menguasai teknik bermain Eropa, memainkan alat musik Eropa, membaca not. Tingkat penampilan dan pendidikan mereka yang tinggi pada tradisi Eropa memperkaya jazz awal dengan unsur-unsur yang tidak terpengaruh oleh pengaruh Afrika.

Piano juga merupakan instrumen umum di tempat-tempat Storyville. Sebagian besar improvisasi terdengar di sini, dan instrumen tersebut lebih banyak digunakan sebagai instrumen perkusi.

Contoh gaya awal New Orleans adalah Buddy Bolden Orchestra (kornet), yang ada dari tahun 1895-1907. Musik orkestra ini didasarkan pada improvisasi kolektif dari struktur polifonik. Pada awalnya, irama komposisi jazz awal New Orleans berbaris, karena band-band tersebut berasal dari band-band militer. Seiring waktu, instrumen sekunder dikeluarkan dari komposisi standar pita kuningan. Ansambel semacam itu sering menyelenggarakan kompetisi. Mereka juga dihadiri oleh barisan "putih", yang dibedakan oleh permainan teknis, tetapi kurang emosional.

Ada sejumlah besar orkestra yang memainkan pawai, blues, ragtime, dll.

Selain orkestra Negro, muncul pula orkestra yang terdiri dari musisi kulit putih. Awalnya mereka membawakan musik yang sama, tapi disebut "Dixielands". Belakangan, komposisi ini menggunakan lebih banyak elemen teknologi Eropa, mengubah cara produksi suara.

Band kapal uap

Dalam sejarah asal usul jazz, peran tertentu dimainkan oleh orkestra New Orleans yang mengerjakan kapal uap yang mengarungi Sungai Mississippi. Bagi penumpang yang bepergian dengan kapal uap kesenangan, salah satu hiburan yang paling menarik adalah penampilan orkestra semacam itu. Mereka menampilkan musik dansa yang menghibur. Untuk pemain, persyaratan wajib adalah pengetahuan literasi musik dan kemampuan membaca catatan dari lembaran. Oleh karena itu, komposisi ini memiliki tingkat profesional yang cukup tinggi. Dalam orkestra seperti itu, pianis jazz Lil Hardin, yang kemudian menjadi istri Louis Armstrong, memulai karirnya.

Di stasiun tempat kapal berhenti, orkestra menyelenggarakan konser untuk penduduk setempat.

Beberapa band tetap tinggal di kota-kota di sepanjang sungai Mississippi dan Missouri atau jauh dari mereka. Salah satu kota tersebut adalah Chicago, di mana orang kulit hitam merasa lebih nyaman daripada di Amerika Selatan.

band besar

Di awal tahun 20-an abad ke-20, sebuah bentuk big band berkembang dalam sejarah musik jazz, yang tetap relevan hingga akhir tahun 40-an. Para pemain orkestra semacam itu memainkan bagian yang dipelajari. Orkestrasinya mengasumsikan suara cerah dari harmoni jazz yang kaya, yang dibawakan oleh alat musik tiup dan orkestra jazz paling terkenal adalah orkestra Glenn Miller, Benny Goodman, Count Basie, Jimmy Lunsford. Mereka merekam hits melodi swing yang asli, yang menjadi sumber kegemaran swing di kalangan pendengar yang luas. Pada "battles of the orchestras" yang digelar saat itu, improvisasi solo big band membuat penonton yang hadir histeris.

Setelah tahun 50-an, ketika popularitas band besar menurun, selama beberapa dekade orkestra terkenal terus melakukan tur dan merekam rekaman. Musik yang mereka mainkan berubah, dipengaruhi oleh arah baru. Hari ini big band adalah standar pendidikan jazz.

Chicago Jazz

Pada tahun 1917, Amerika Serikat memasuki Perang Dunia I. Dalam hal ini, dinyatakan sebagai kota yang memiliki kepentingan strategis. Itu menutup semua tempat hiburan tempat sejumlah besar musisi bekerja. Dibiarkan menganggur, mereka bermigrasi secara massal ke Utara, ke Chicago. Selama periode ini, semua musisi terbaik dari New Orleans dan kota-kota lain hadir. Salah satu penampil paling cemerlang adalah Joe Oliver, yang menjadi terkenal di New Orleans. Selama periode Chicago, bandnya termasuk musisi terkenal: Louis Armstrong (cornet kedua), Johnny Dodds (klarinet), saudaranya "Babby" Dodds (drum), pianis muda dan berpendidikan Chicago Lil Hardin. Orkestra ini memainkan improvisasi jazz New Orleans bertekstur penuh.

Menganalisis sejarah perkembangan jazz, perlu dicatat bahwa pada periode Chicago, gaya suara orkestra berubah. Beberapa alat sedang diganti. Pertunjukan yang menjadi stasioner memungkinkan penggunaan menjadi anggota band wajib. Alih-alih bass angin, bass ganda digunakan, bukan banjo - gitar, bukan cornet - terompet. Ada juga perubahan pada grup drum. Sekarang drummer bermain di drum set, dimana kemungkinannya menjadi lebih luas.

Pada saat yang sama, saksofon mulai digunakan dalam orkestra.

Sejarah jazz di Chicago diisi ulang dengan nama-nama baru pemain muda, berpendidikan musik, mampu membaca dari lembaran dan membuat aransemen. Musisi ini (kebanyakan berkulit putih) tidak mengetahui suara jazz New Orleans yang sebenarnya, tetapi mempelajarinya dari artis kulit hitam yang bermigrasi ke Chicago. Pemuda musik meniru mereka, tetapi karena ini tidak selalu berhasil, gaya baru muncul.

Selama periode ini, keterampilan Louis Armstrong mencapai puncaknya, menandai model jazz Chicago dan mendapatkan peran sebagai solois kelas atas.

Di Chicago, blues terlahir kembali, menampilkan pemain baru.

Ada perpaduan jazz dengan panggung, sehingga vokalis mulai tampil di latar depan. Mereka membuat komposisi orkestra mereka sendiri untuk iringan jazz.

Periode Chicago ditandai dengan penciptaan gaya baru di mana instrumentalis jazz bernyanyi. Louis Armstrong adalah salah satu perwakilan dari gaya ini.

Mengayun

Dalam sejarah penciptaan jazz, istilah "swing" (diterjemahkan dari bahasa Inggris - "swing") digunakan dalam dua arti. Pertama, ayunan merupakan sarana ekspresif dalam musik ini. Ini dibedakan oleh denyut ritmis yang tidak stabil, yang menciptakan ilusi percepatan tempo. Dalam hal ini, ada kesan bahwa musik memiliki energi batin yang besar. Pelaku dan pendengar disatukan oleh keadaan psikofisik yang sama. Efek ini dicapai melalui penggunaan teknik ritmis, frasa, artikulasi, dan timbre. Setiap musisi jazz berusaha untuk mengembangkan cara orisinalnya sendiri dalam mengayunkan musik. Hal yang sama berlaku untuk ansambel dan orkestra.

Kedua, ini adalah salah satu gaya jazz orkestra yang muncul di akhir tahun 20-an abad ke-20.

Ciri khas gaya swing adalah improvisasi solo dengan latar iringan yang cukup kompleks. Dalam gaya ini, musisi dengan teknik yang baik, pengetahuan tentang harmoni dan penguasaan teknik dapat bekerja. perkembangan musik. Untuk pembuatan musik seperti itu, disediakan ansambel besar orkestra atau band besar, yang menjadi populer di tahun 30-an. Komposisi standar orkestra secara tradisional terdiri dari 10-20 musisi. Dari jumlah tersebut - dari 3 hingga 5 pipa, jumlah trombon yang sama, grup saksofon, termasuk klarinet, serta bagian ritme, yang terdiri dari piano, string bass, gitar, dan instrumen perkusi.

Memukul

Pada pertengahan 40-an abad ke-20, gaya jazz baru mulai terbentuk, yang kemunculannya menandai awal sejarah jazz modern. Gaya ini berasal sebagai perlawanan terhadap ayunan. Itu memiliki tempo yang sangat cepat, yang diperkenalkan oleh Dizzy Gillespie dan Charlie Parker. Ini dilakukan dengan tujuan tertentu - untuk membatasi lingkaran pemain hanya untuk para profesional.

Para musisi menggunakan pola ritme dan putaran melodi yang benar-benar baru. Bahasa harmonik menjadi lebih kompleks. Basis ritmis dari gendang besar (berayun) berpindah ke simbal. Kemampuan menari apa pun benar-benar hilang dari musik.

Dalam sejarah gaya jazz, bebop adalah orang pertama yang meninggalkan ranah musik populer menuju kreativitas eksperimental, menuju ranah seni dalam bentuknya yang “murni”. Ini terjadi sehubungan dengan minat perwakilan gaya ini dalam akademisi.

Boper dibedakan oleh penampilan dan sikap yang keterlaluan, sehingga menekankan individualitas mereka.

Musik Bebop dibawakan dengan ansambel komposisi kecil. Di latar depan adalah solois dengan gaya individualnya, teknik virtuoso, pemikiran kreatif, penguasaan improvisasi bebas.

Dibandingkan dengan ayunan, arah ini lebih artistik, intelektual, tetapi kurang masif. Itu anti-komersial. Meski demikian, bebop mulai menyebar dengan cepat, ia memiliki pendengarnya sendiri yang luas.

Wilayah jazz

Dalam sejarah jazz, perlu dicatat minat konstan musisi dan pendengar dari seluruh dunia, terlepas dari negara tempat mereka tinggal. Ini karena artis jazz seperti Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington dan banyak lainnya membangun komposisi mereka di atas sintesis berbagai budaya musik. Fakta ini mengatakan bahwa jazz adalah musik yang dipahami di seluruh dunia.

Sampai saat ini, sejarah jazz terus berlanjut, karena potensi perkembangan musik ini cukup besar.

Musik jazz di Uni Soviet dan Rusia

Karena fakta bahwa jazz di Uni Soviet dianggap sebagai manifestasi dari budaya borjuis, itu dikritik dan dilarang oleh pihak berwenang.

Namun 1 Oktober 1922 ditandai dengan konser orkestra jazz profesional pertama di Uni Soviet. Orkestra ini menampilkan tarian Charleston dan Foxtrot yang modis.

Sejarah jazz Rusia mencakup nama-nama musisi berbakat: pianis dan komposer, serta ketua orkestra jazz pertama Alexander Tsfasman, penyanyi Leonid Utyosov, dan pemain terompet Y. Skomorovsky.

Setelah tahun 50-an, mereka mulai aktif aktivitas kreatif banyak ansambel jazz besar dan kecil, di antaranya adalah orkestra jazz Oleg Lundstrem yang bertahan hingga saat ini.

Saat ini, Moskow menyelenggarakan festival jazz setiap tahun, di mana band jazz dan artis solo terkenal dunia ambil bagian.

SEJARAH PERKEMBANGAN JAZZ

Jazz

Tidak mungkin ada orang yang berani menjelaskan apa itu jazz, karena bahkan orang hebat dalam sejarah jazz, Louis Armstrong, tidak melakukan ini, yang mengatakan bahwa itu hanya perlu dipahami dan hanya itu. Memang, jazz, sejarahnya, asal-usulnya, modifikasinya, dan cabangnya terlalu beragam dan beraneka segi untuk memberikan definisi lengkap yang sederhana. Namun ada momen yang memperjelas sifat dari arahan musik ini.

Jazz muncul sebagai kombinasi dari beberapa budaya musik dan tradisi nasional. Awalnya, itu datang dalam masa pertumbuhan dari tanah Afrika, dan di bawah pengaruh musik Barat yang berkembang dan arusnya (blues, reg-times) dan kombinasi cerita rakyat Afrika musik dengan mereka, sebuah gaya diperoleh yang belum mati hingga hari ini. - jazz.

Jazz hidup dalam ritme, dalam ketidakkonsistenan, dalam persimpangan dan dalam ketidakpatuhan terhadap nada dan nada suara. Semua musik dibangun di atas konfrontasi dan kontradiksi, tetapi dalam satu karya musik semuanya berpadu secara harmonis dan memukau dengan melodinya, daya tariknya yang istimewa.

Jazzmen pertama, dengan pengecualian yang jarang, menciptakan tradisi orkestra jazz, di mana ada improvisasi dengan suara, kecepatan atau tempo, dimungkinkan untuk memperluas jumlah instrumen dan pemain, menarik tradisi simfoni. Banyak pemain jazz menginvestasikan seni mereka dalam pengembangan tradisi seni memainkan ansambel jazz.

Setelah penampilan pemain brilian yang hidup sepanjang hidupnya dalam ritme jazz, masih tetap menjadi legenda - Louis Armstrong, seni pertunjukan jazz melihat cakrawala baru yang tidak biasa untuk dirinya sendiri: pertunjukan solo vokal atau instrumental menjadi pusat dari keseluruhan pertunjukan , benar-benar mengubah ide tentang jazz.

Dan di sinilah muncul kesempatan untuk menjelaskan ciri lain dari gaya jazz: inilah penampilan individu unik seorang virtuoso jazz, inilah penampilan dan kenikmatannya oleh dia dan pendengar musik saat ini. Dan kunci awet muda jazz adalah improvisasi. Jazz memiliki semangat, tetapi tidak memiliki kerangka untuk menyatukan semuanya. Anda dapat mengganti saksofon ke piano, atau Anda dapat meletakkan kursi dan mengambil mikrofon, dan jika itu tidak berhasil, kembali ke terompet dan mencoba memainkan sesuatu yang tidak dimainkan oleh Armstrong dan Bechet.

Jazz bukan hanya jenis pertunjukan musik tertentu, tetapi juga era ceria yang unik.

asal

Pertanyaan tentang tempat kelahiran jazz diketahui - ini Amerika, tapi dari mana asalnya?

Jazz muncul sebagai perpaduan yang unik. Dan salah satu komponennya, yang memastikan asalnya, dianggap berasal dari Afrika. Pemukim Afrika membawa budaya mereka sendiri, yang berkembang dengan latar belakang pengaruh Eropa dan Amerika yang kuat.

Komunitas dan aturannya (norma perilaku, tradisi) ada dalam darah mereka yang datang, meski sebenarnya hubungan dengan leluhurnya terputus. Dan musik, sebagai perwujudan integral dari budaya asli, telah menjadi salah satu penghubung antara budaya asli Afrika itu dan kehidupan baru di benua lain.

Musik vokal orang Afrika-Amerika, yang dibumbui dengan ritme dan tarian, kelenturan tubuh, dan tepuk tangan, telah berkembang menjadi subkultur musik baru. Musik Afrika benar-benar berbeda dari model Eropa, tidak memiliki galaksi instrumen, sebagian besar mempertahankan ritual dan keterikatan pada adat istiadat.

Asal / Sejarah Jazz

Musik para budak ini, pada akhirnya, mematahkan rezim totaliter, di mana orkestra klasik berkuasa, sepenuhnya mematuhi keinginan tongkat konduktor. Menurut penelitian profesor sejarah dan budaya Amerika Penny Van Eschen, Departemen Luar Negeri AS mencoba menggunakan jazz sebagai senjata ideologis melawan Uni Soviet dan perluasan pengaruh Soviet di negara dunia ketiga. Asal usul jazz dihubungkan dengan blues.

Jazz muncul pada akhir abad ke-19 sebagai perpaduan ritme Afrika dan harmoni Eropa, tetapi asal-usulnya harus dicari sejak budak dibawa dari Afrika ke wilayah Dunia Baru. Budak yang dibawa tidak berasal dari klan yang sama dan biasanya bahkan tidak saling memahami. Kebutuhan akan konsolidasi menyebabkan penyatuan banyak budaya dan, sebagai hasilnya, terciptanya satu budaya (termasuk musik) orang Afrika-Amerika. Proses pencampuran budaya musik Afrika dan Eropa (yang juga mengalami perubahan serius di Dunia Baru) terjadi mulai abad ke-18 dan pada abad ke-19 menyebabkan munculnya "proto-jazz", dan kemudian jazz dalam bentuk yang diterima secara umum. nalar.

Improvisasi memainkan peran mendasar dalam jazz sejati. Selain itu, jazz dibedakan dengan sinkopasi (menonjolkan ketukan lemah dan aksen tak terduga) dan dorongan khusus. Dua komponen terakhir muncul dalam ragtime, dan kemudian dipindahkan ke permainan orkestra (band), setelah itu kata "jazz" muncul untuk menunjukkan gaya pembuatan musik baru ini, pertama dieja sebagai "Jass", kemudian sebagai "Jasz" dan baru sejak 1918 mengakuisisi milikku tampilan modern. Selain itu, banyak bidang jazz yang dibedakan oleh teknik pertunjukan khusus: "goyang" atau ayunan. Tempat lahir jazz adalah Amerika Selatan dan khususnya New Orleans. Pada 26 Februari 1917, lima musisi kulit putih dari New Orleans merekam rekaman jazz pertama di studio perusahaan Victor di New York. Sulit untuk melebih-lebihkan pentingnya fakta ini: sebelum rekaman ini dirilis, jazz tetap menjadi fenomena marjinal, cerita rakyat musik, dan setelah itu mengejutkan seluruh Amerika selama beberapa minggu. Rekaman itu milik "Original Dixieland Jazz Band" yang legendaris.

Asal / Kelahiran Jazz

Asal usul arahan musik ini harus dicari dalam campuran budaya Afrika dan Eropa. Anehnya, tapi jazz dimulai dengan Christopher Columbus sendiri. Tentu saja, penjelajah dan penemu hebat bukanlah pemain jazz pertama. Dengan membuka Amerika ke Eropa, Columbus menandai awal yang hebat dari interpenetrasi Afrika dan Eropa tradisi musik.

Menguasai benua Amerika, orang Eropa memindahkan sejumlah besar musuh kulit hitam ke sini, yang jumlahnya pada tahun 1700 melebihi lebih dari seratus ribu. Budak diangkut dari pantai barat Afrika melintasi Atlantik.

Orang Eropa bahkan tidak dapat menebak bahwa, bersama dengan para budak, mereka mengangkut budaya musik ke Amerika dan Afrika, yang dibedakan oleh ritme musiknya yang menakjubkan. Di Afrika, musik sejak dahulu kala telah menjadi komponen tak terpisahkan dari berbagai ritual. Ritme musik memainkan peran kolosal di sini.

Budaya Eropa membawa harmoni, standar minor dan mayor, melodi, serta awal melodi solo ke jazz.

bernyanyi dalam jazz

Nyanyian jazz tidak bisa disamakan dengan nyanyian dalam arti umum. Awalnya tidak ada suara solo dalam jazz, yang ada hanya instrumen, dan baru sejak penampilan Louis Armstrong (artinya karya selanjutnya) vokal menjadi bagian dari "instrumentasi" jazzmen. Tapi sekali lagi - vokal jazz, dan ini adalah hal lain.

Vokal jazz harus memiliki beberapa ciri, artinya suara pemainnya. Mempertimbangkan dasar jazz - improvisasi, tidak adanya aturan, orang harus memahami bahwa hal yang sama berlaku untuk suara pemain: kemampuan untuk memperluas cakupan lagu "biasa", bermain dengan suara, mudah untuk berimprovisasi, untuk memiliki jangkauan yang baik. Penampil harus mengikuti gaya pertunjukan jazz: ungkapan dan "serangan".

"Scat singing" - istilah ini muncul pada saat Louis Armstrong bekerja di atas panggung, yang bernyanyi dengan cara yang sama seperti dia bermain: suara yang dibuat oleh suaranya sangat mirip dengan suara yang dibuat oleh terompetnya. Vokal jazz akan mulai berubah dan menjadi lebih kompleks beberapa saat kemudian, saat gaya "bop" mulai populer. Saatnya untuk sketsa "bop", dan sang bintang menjadi "ibu negara jazz" - Ella Fitzgerald.

Jika hubungan antara jazz dan blues tidak begitu kuat, maka hubungan antara vokal memiliki hubungan yang lebih jelas. Kemungkinan yang digunakan untuk mengekstraksi suara (kerja laring, mengi dan berbisik, falsetto, dll.) Dari blues diterima dengan senang hati oleh tradisi jazz.

Nama-nama vokalis yang menjadi terkenal dalam sejarah jazz karena nyanyiannya: tentu saja, leluhurnya adalah Louis Armstrong, diikuti oleh Bing Crosby, selanjutnya disebut "suara", Frank Sinatra, Nat King Cole. Wanita telah memberikan kontribusi mereka dan cukup besar: Bessie Smith, yang dijuluki "Empress of the Blues", diikuti oleh nama Billy Holliday, Ella Fitzgerald, penyanyi unik Sarah Voen.

ASAL JAZZ DAN GAYANYA.

Perkenalan

Pernah pemimpin redaksi majalah jazz Amerika paling terkenal "Down Beat", yang didistribusikan di 124 negara di dunia, ditanya oleh seorang reporter selama wawancara: "Apa itu jazz?" "Anda belum pernah melihat pria yang begitu cepat tertangkap basah oleh pertanyaan sesederhana itu!" kata editor kemudian. Sebaliknya, beberapa tokoh jazz lain, sebagai jawaban atas pertanyaan yang sama, dapat memberi tahu Anda tentang musik ini selama dua jam atau lebih, tanpa menjelaskan apa pun secara spesifik, karena pada kenyataannya masih belum ada yang akurat, singkat, dan sekaligus waktu yang sama. untuk definisi kata yang lengkap dan objektif serta konsep "jazz".

Tapi ada perbedaan besar antara musik King Oliver dan Miles Davis, Benny Goodman dan Modern Jazz Quartet, Stan Kenton dan John Coltrane, Charlie Parker dan Dave Brubeck. Banyak komponen dan perkembangan jazz yang sangat konstan selama 100 tahun telah mengarah pada fakta bahwa rangkaian karakteristik persisnya kemarin pun tidak dapat diterapkan sepenuhnya hari ini, dan formulasi besok dapat bertentangan secara diametris (misalnya, untuk dixieland dan bebop, swing big band dan kombo jazz rock).

Kesulitan dalam mendefinisikan jazz juga. faktanya mereka selalu berusaha menyelesaikan masalah ini secara langsung dan banyak bicara tentang jazz dengan sedikit hasil. Jelas, itu bisa diselesaikan secara tidak langsung dengan mendefinisikan semua karakteristik yang mengelilinginya dunia musik dalam masyarakat, maka akan lebih mudah untuk memahami apa yang ada di tengah. Pada saat yang sama, pertanyaan "Apa itu jazz?" diganti dengan "Apa yang dimaksud dengan jazz?". Dan di sini kita menemukan bahwa kata ini memiliki arti yang beragam bagi orang yang berbeda. Setiap orang mengisi neologisme leksikal ini dengan makna tertentu atas kebijaksanaannya sendiri.

Ada dua kategori orang yang menggunakan kata ini. Beberapa orang menyukai jazz, sementara yang lain tidak tertarik. Sebagian besar pecinta jazz memiliki penggunaan kata yang sangat luas, tetapi tidak satupun dari mereka yang dapat menentukan di mana jazz dimulai dan berakhir, karena setiap orang memiliki pendapatnya sendiri tentang masalah ini. Mereka dapat menemukan bahasa yang sama di antara mereka sendiri, namun masing-masing yakin akan kebenaran dan pengetahuannya tentang apa itu jazz, tanpa merinci. Bahkan musisi profesional sendiri, yang menghidupkan jazz dan menampilkannya secara teratur, memberikan definisi yang sangat berbeda dan tidak jelas tentang musik ini.

Variasi interpretasi yang tak ada habisnya tidak memberi kita kesempatan untuk sampai pada kesimpulan tunggal dan tak terbantahkan tentang apa itu jazz dari sudut pandang musik murni. Namun demikian, pendekatan yang berbeda dimungkinkan di sini, yang pada paruh kedua tahun 50-an diusulkan oleh ahli musik terkenal dunia, presiden dan direktur Institut Studi Jazz New York, Marshall Stearns (1908-1966), yang selalu menikmati tanpa batas rasa hormat di kalangan jazz di semua negara di Dunia Lama dan Baru. Dalam buku teksnya yang sangat bagus "History of Jazz", yang pertama kali diterbitkan pada tahun 1956, dia mendefinisikan musik ini dari sudut pandang sejarah murni.

Stearns menulis: "Pertama-tama, di mana pun Anda mendengar jazz, selalu lebih mudah untuk dikenali daripada dijelaskan dengan kata-kata. Tetapi pada perkiraan pertama, kita dapat mendefinisikan jazz sebagai musik semi-improvisasi yang muncul sebagai hasil dari 300 tahun. pencampuran di tanah Amerika Utara dari dua tradisi musik besar - Eropa Barat dan Afrika Barat - yaitu perpaduan sebenarnya dari budaya kulit putih dan hitam. Dan meskipun tradisi Eropa memainkan peran dominan di sini secara musik, tetapi kualitas ritmis yang membuat jazz begitu khas, musik yang tidak biasa dan mudah dikenali, tidak diragukan lagi, berasal dari Afrika. Oleh karena itu, komponen utama musik ini adalah harmoni Eropa, melodi Eropa-Afrika, dan ritme Afrika."

Tetapi mengapa jazz berasal dari Amerika Utara, dan bukan Selatan atau Tengah, di mana juga terdapat cukup banyak orang kulit putih dan kulit hitam? Lagipula, ketika mereka berbicara tentang tempat kelahiran jazz, Amerika selalu disebut tempat lahirnya, tetapi pada saat yang sama, biasanya yang mereka maksud hanyalah wilayah modern Amerika Serikat. Faktanya adalah bahwa jika bagian utara benua Amerika secara historis dihuni terutama oleh Protestan (Inggris dan Prancis), di antaranya ada banyak misionaris agama yang berusaha mengubah orang kulit hitam menjadi Kristen, maka di bagian selatan dan tengah yang luas ini umat Katolik benua (Spanyol dan Portugis), yang memandang budak kulit hitam hanya sebagai hewan penarik, tidak peduli menyelamatkan jiwa mereka. Oleh karena itu, tidak mungkin ada interpenetrasi ras dan budaya yang signifikan dan cukup dalam, yang pada gilirannya berdampak langsung pada tingkat pelestarian musik asli budak Afrika, terutama di bidang ritme mereka. Hingga saat ini, di negara-negara Amerika Selatan dan Tengah, ada pemujaan berhala yang diadakan ritual rahasia dan karnaval yang merajalela diiringi irama Afro-Kuba (atau Amerika Latin). Tidaklah mengherankan bahwa justru dalam hal ritmis inilah bagian selatan Dunia Baru telah secara signifikan memengaruhi seluruh dunia musik populer di zaman kita, sementara Utara telah memberikan sesuatu yang lain pada perbendaharaan seni musik modern, karena contoh, spiritual dan blues.

Oleh karena itu, lanjut Stearns, dalam aspek kesejarahan, jazz merupakan sintesa yang diperoleh secara orisinal dari 6 sumber utama. Ini termasuk:

1. Irama Afrika Barat;

2. Lagu kerja (lagu kerja, teriakan lapangan);

3. lagu religi Negro (spiritual);

4. Lagu sekuler Negro (blues);

5. Musik rakyat Amerika selama berabad-abad;

6. Musik penyanyi dan band kuningan jalanan.

1. Asal muasal jazz

Benteng pertama orang kulit putih di Teluk Guinea di pantai Afrika Barat sudah muncul pada tahun 1482. Tepat 10 tahun kemudian, peristiwa penting terjadi - penemuan Amerika oleh Columbus. Pada 1620, budak kulit hitam pertama muncul di wilayah modern Amerika Serikat, yang dengan mudah diangkut dengan kapal melintasi Samudra Atlantik dari Afrika Barat. Selama seratus tahun berikutnya, jumlah mereka bertambah di sana menjadi seratus ribu, dan pada tahun 1790 jumlah ini meningkat 10 kali lipat.

Jika kita mengatakan "Irama Afrika" maka kita harus ingat, tentu saja, bahwa orang kulit hitam Afrika Barat tidak pernah memainkan "jazz" seperti itu - kita sedang berbicara hanya tentang ritme sebagai bagian integral dari keberadaan mereka di tanah air mereka, di mana itu diwakili oleh ritual "paduan suara drum" dengan polyrhythm yang kompleks dan banyak lainnya. Tetapi para budak tidak dapat membawa alat musik apa pun ke Dunia Baru, dan untuk pertama kalinya di Amerika mereka bahkan dilarang membuat drum buatan sendiri, sampel yang belakangan hanya dapat dilihat di museum etnografi. Selain itu, tidak ada orang dengan warna kulit apa pun yang terlahir dengan rasa ritme yang siap pakai, ini semua tentang tradisi, yaitu. dalam kesinambungan generasi dan lingkungan, oleh karena itu, adat dan ritual Negro dilestarikan dan ditransmisikan di Amerika Serikat secara eksklusif secara lisan dan dari ingatan dari generasi ke generasi orang Negro Afrika-Amerika. Seperti yang dikatakan Dizzy Gillespie: "Saya tidak berpikir bahwa Tuhan dapat memberi seseorang lebih dari yang lain jika mereka menemukan diri mereka dalam kondisi yang sama. Anda dapat mengambil siapa pun, dan jika Anda menempatkannya dalam kondisi yang sama lingkungan maka jalan hidupnya pasti akan mirip dengan kita."

Jazz muncul di Amerika Serikat sebagai hasil sintesis berbagai elemen budaya musik masyarakat Eropa yang dipindahkan, di satu sisi, dan cerita rakyat Afrika, di sisi lain. Budaya-budaya ini memiliki kualitas yang berbeda secara fundamental. Musik Afrika bersifat improvisasi, ditandai dengan bentuk kolektif pembuatan musik dengan poliritme, polimetri, dan linearitas yang kuat. Fungsi terpenting di dalamnya adalah permulaan ritmis, polifoni ritmis, dari mana efek ritme silang muncul. Melodi, dan terlebih lagi prinsip harmonik, dikembangkan pada tingkat yang jauh lebih rendah dalam pembuatan musik Afrika daripada musik Eropa. Musik untuk orang Afrika lebih merupakan nilai terapan daripada untuk orang Eropa. Ini sering dikaitkan dengan aktivitas kerja, dengan ritual, termasuk ibadah. Sinkretisme berbagai jenis seni memengaruhi sifat pembuatan musik - ia tidak tampil secara mandiri, tetapi dalam hubungannya dengan tarian, plastisitas, doa, pengajian. Dalam keadaan bersemangat orang Afrika, intonasi mereka jauh lebih bebas daripada orang Eropa yang dirantai ke skala normal. Dalam musik Afrika, bentuk nyanyian tanya jawab (call & response) banyak dikembangkan.

Untuk bagiannya, musik Eropa telah memberikan kontribusi yang kaya untuk sintesis masa depan: konstruksi melodi dengan suara terdepan, standar mayor-minor modal, kemungkinan harmonik, dan banyak lagi. Secara umum, secara relatif, emosionalitas Afrika, awal yang intuitif bertabrakan dengan rasionalisme Eropa, yang secara khusus dimanifestasikan dalam kebijakan musik Protestan.

2. "Arus Ketiga"

Istilah "aliran ketiga" diciptakan oleh kritikus John Wilson. Dia menguraikan alternatif, atau lebih tepatnya, opsi untuk sintesis arus pertama dan kedua, yaitu. musik akademik dan jazz. Arah ini dibentuk pada tahun 50-an dan tidak terkait dengan gaya tertentu. Karya eksperimental berbagai musisi menangkap tren simfo-jazz, jazz-rock, dan avant-garde.

Jazz, sebagai salah satu jenis seni musik paling orisinal di abad ke-20, secara bertahap mulai menguasai seluruh dunia dan, pada akhirnya, memperoleh karakter internasional. Ini terjadi terutama karena fakta bahwa komposer dan pemainnya dalam karya mereka sering beralih ke musik negara dan bangsa lain - India, Amerika Selatan, Arab, dan, tentu saja, ke cerita rakyat mereka sendiri. Sumber inspirasi terpenting bagi para jazzmen dalam mencari arah baru untuk evolusi genre mereka juga merupakan contoh terbaik musik klasik Eropa dan varietasnya yang agak lebih populer.

Kontak sejarah dengan jazz oleh komposer klasik terkenal, dan lusinan nama terkenal dapat disebutkan di sini sebagai contoh (ini adalah Dvorak, Stravinsky, Debussy, Ravel, Milhaud, Honegger, Krenek, serta Copland, Gershwin dan Bernstein), tetapi upaya mereka dipandu oleh keinginan untuk hanya membawa elemen individual jazz ke dalam kancah musik akademis. Sebaliknya, banyak karya eksperimental dari pihak peminat jazzmen yang mencoba menerapkan prinsip perkembangan simfoni tertentu dan menggunakan prinsip asli musik klasik dalam partitur jazz mereka.

Dalam dekade yang berbeda, eksperimen semacam itu kadang-kadang bahkan mengarah pada munculnya gaya baru, jika bukan gaya, maka, dalam hal apa pun, cabang independen pada pohon silsilah sejarah jazz - misalnya, di tahun 20-an itu adalah "jazz simfoni" (Paul Whiteman , yang ingin "make a lady out of jazz"), di tahun 40-an - "progresif" (Stan Kenton), dan di tahun 60-an - "tren ketiga".

The "Third Current" disebutkan dengan tepat dalam sejarah jazz, karena saat itulah para jazzmen, dan bukan klasik, datang ke sana dari pihak mereka. Itu adalah arahan eksperimental jazz modern, yang perwakilannya mencoba membuat karya terperinci untuk ansambel orkestra campuran, yang mencakup pemain akademis dan improvisasi jazz.

Komposisi "arus ketiga" dicirikan oleh perpaduan yang lebih organik dari teknik komposisi Eropa dengan tradisi jazz. Perwakilan paling menonjol dari tren ini di Amerika Serikat adalah musisi dan komposer Günther Schuller, John Lewis (pemimpin Kuartet Jazz Modern), Gary McFarland, Jimmy Giuffrey, dan lainnya.

Diketahui, misalnya, pertunjukan bersama (dan rekaman) Duke Ellington dengan orkestra La Scala dan London Symphony. Kombinasi ini memunculkan nuansa harmonik dan instrumental baru, sehingga bisa dikatakan, "musik intelektual" modern. Ini memiliki pendekatan klasik pada temanya, tetapi pada intinya tetap sangat jazzy. Sangat mungkin untuk mensintesis kedua komponen ini dalam satu jenis musik, dekat dengan jazz (kebebasan improvisasi, perasaan berayun, kesegaran timbre baru), dan dengan teknik komposisi "serius" (teknik dari bidang 12). -musik nada, polifoni, politonalitas, poliritme, evolusi tematik umum, dll.).

Dave Brubeck memberikan kontribusi yang signifikan pada gerakan ketiga dengan komposisi untuk kuartet jazz dan orkestra simfoni. Tradisi menggabungkan orkestra simfoni dan ansambel jazz atau bahkan orkestra berlanjut dengan Wynton Marsalis dan Lincoln Center Orchestra miliknya.

3. Biru modern. Band besar era pasca-ayunan

Secara historis, musik blues berangsur-angsur merambah ke pusat-pusat industri besar dan dengan cepat mendapatkan popularitas di sana. Ini menetapkan fitur karakteristik yang diwarisi dari musik orang Afrika-Amerika, dan dengan jelas mendefinisikan bentuk 12-bar (sebagai yang paling khas) dan menentukan iringan harmonik berdasarkan mode blues. Di antara pemain jazz blues paling terkenal di tahun 50-an dan 60-an. adalah Jimmy Rushing (1903-1972) dan Joe Williams (1918-1999).

Pada akhir 40-an dan awal 50-an, varietas baru muncul - "rhythm and blues" - itu adalah modifikasi perkotaan dari musik blues klasik, yang tersebar luas di area hitam kota-kota terbesar di AS. Menggunakan sarana melodi dan harmonik dasar dari blues, "rnb" dibedakan dengan peningkatan yang signifikan dalam iringan instrumental, cara penampilan yang ekspresif, tempo yang lebih cepat, ritme yang jelas, dan ketukan yang energik, yang dicapai dalam bentuk bolak-balik ketukan besar dan menggelegar pada ketukan 1 dan 3 dengan aksen kering dan tiba-tiba pada ketukan 2 dan 4. Pertunjukan ini ditandai dengan ketegangan emosional yang tak henti-hentinya, suara yang keras, penekanan pada "nada blues", transisi yang sering dari vokalis ke falsetto, intensitas maksimum (tekanan, "dorongan") dari iringan suara dan dibangun di atas antifon "riff" pendek. " dari penyanyi dan pengiringnya.

Sampai akhir tahun 40-an. "rnb" dalam suara "langsung" dan dalam rekaman (dalam serangkaian yang disebut "rekaman rasial") hanya diketahui oleh populasi Negro di kota-kota industri besar. Favorit dari arah ini pada tahun-tahun itu adalah pemain saksofon Louis Jordan dan Earl Bostic, gitaris "T-Bone" Walker dan Muddy Waters, pianis Jay McShann dan kemudian Ray Charles, vokalis Big Joe Turner.

Namun, pada awal 1950-an, minat terhadap musik ritmis ini juga muncul di kalangan orang kulit putih. Lambat laun ada permintaan yang meningkat untuk karya "r'n'b" dari pemuda kulit putih, dan sejumlah musisi beralih ke arah ini, dan mereka menjadi promotor aktif "rnb" pada tahun-tahun itu, yang kemudian merevolusi musik populer dan mengarah ke munculnya rock and roll. Ketika gitaris kulit putih Bill Haley merekam nomor ritme dan blues terkenal "Rock Around the Clock" dengan bandnya pada 12 April 1954, tanggal rilis rekaman ini telah dianggap sebagai hari lahir "rock and roll", dan tema ini sendiri - lagu kebangsaannya.

Pada tahun-tahun itu, disc jockey putih Alan Freed (1922-1965) muncul di sebuah stasiun radio Cleveland dan mulai menyiarkan rekaman artis "rhythm and blues" secara teratur, dan sekarang dapat dikatakan bahwa Freed hampir sepenuhnya bertanggung jawab untuk mengubah keseluruhan. Tentu saja musik populer Amerika. Dialah yang membawa penulis dan seniman Negro "rhythm and blues" dari balik tirai rasial dan memperkenalkan mereka kepada khalayak luas remaja kulit putih. Karena inspirasi, dia menyebut rekaman ini "rock 'n' roll" dan mempopulerkan istilah tersebut di kalangan anak muda dunia.

Versi "rnb" yang diadaptasi ini direduksi menjadi tiga akord utama, beberapa "riff" gitar elektrik sederhana dan ketukan berat dan monoton dengan aksen berat pada ketukan 2 dan 4 (yaitu "off beat"). Namun, harmoni "rock and roll" masih didasarkan pada skema 12-bar blues, jadi kelebihan utamanya adalah dia menyetujui konsep dasar blues dalam kesadaran musik massal orang kulit putih Amerika, dan setelah mereka orang Eropa. , yang memiliki potensi besar untuk pengembangan ritme, melodi, dan harmoni. Blues tidak hanya menghidupkan kembali musik populer secara umum, tetapi juga mengubah orientasi Eropa "kulit putih" sebelumnya dan membuka pintu bagi aliran luas inovasi dan pinjaman dari budaya musik di belahan dunia lain, misalnya musik Amerika Latin.

Kondisi ekonomi yang sulit setelah Perang Dunia Kedua, perubahan kepentingan publik dan manajer secara radikal memengaruhi banyak band besar di era swing. Sebagian besar dari mereka pergi selamanya. Namun, pada awal 1950-an, kebangkitan genre dimulai. Dengan susah payah, tetapi orkestra Benny Goodman, Count Basie, dan beberapa saat kemudian, orkestra Duke Ellington dipulihkan. Publik kembali ingin mendengarkan hits sebelum perang. Terlepas dari pembaruan yang signifikan dari susunan pemain dan kedatangan musisi muda, para pemimpin, menuruti keinginan pendengar, memulihkan repertoar lama. Dari ketiga pilar era ayunan ini, hanya Duke Ellington yang berada di jalur perubahan. Ini menyangkut penggunaan luas dari bentuk suite, yang dimulai selama tahun-tahun perang. Suite berskala besar dengan konten program muncul di repertoarnya. Langkah penting adalah penciptaan "Konser Musik Suci" (1965-66) untuk orkestra, paduan suara, solois, dan penari. Band besar Vibraphonist Lionel Hampton melanjutkan pertunjukan yang penuh semangat, berfokus terutama pada musikalitas dan pesona pemimpin mereka.

Lambat laun, sebagian orkestra berubah menjadi formasi peringatan yang mendukung tradisi yang sudah mapan. Ini termasuk Orkestra Glenn Miller, yang meninggal pada tahun 1944, Orkestra Count Basie, yang ada dengan nama yang sama setelah kematian pemimpin pada tahun 1984, dipimpin oleh Mercer Ellington (putra Adipati), dan kemudian oleh cucunya Paul Mercer Ellington, Adipati Orkestra Ellington (w. . 1974).

Orkestra progresif secara bertahap kehilangan semangat eksperimen dan memperoleh repertoar yang relatif standar. Orkestra Woody Herman dan Stan Kenton, setelah menghasilkan solois yang paling menarik, menyerahkan tongkat estafet kepada rekan-rekan yang lebih muda. Diantaranya perlu diperhatikan band-band yang menciptakan sound baru berdasarkan aransemen yang bright, polystylist, penggunaan baru dari sound instrumen brass, terutama pipa. Band terompet Maynard Fergusson dan Don Ellis menjadi pusat kemajuan suara orkestra di tahun 60-an. Gerakan yang konsisten ke arah yang dipilih terjadi di laboratorium kreatif salah satu pendiri keren, Gil Evans. Penampilannya sendiri, rekaman dengan Miles Davis pada pergantian tahun 50-an - 60-an, eksperimen lebih lanjut dengan musik modal dan elemen jazz-rock di tahun 70-an merupakan tren individu yang penting dalam sejarah jazz.

Pada tahun 70-an, dorongan kuat untuk gerakan band diberikan oleh orkestra yang dikumpulkan dari musisi muda dan sangat kuat di kancah jazz New York oleh pemain terompet Thad Jones, mantan anggota band Basie, dan drummer Mel Louis, yang bermain di orkestra Stan Kenton. Selama satu dekade, band ini dianggap yang terbaik, berkat aransemen modern yang megah dan instrumentalis tingkat tinggi. Orkestra bubar karena Jones pindah ke Denmark, tetapi untuk waktu yang lama Mel Louis mencoba mendukungnya bekerja sama dengan trombonis dan arranger Bob Brookmeier. Pada 1980-an, tempat pertama dalam hierarki dunia ditempati oleh band ciptaan pianis dan arranger Jepang Toshiko Akiyoshi bersama suaminya, pemain saksofon Lou Tabakin. Orkestra ini tidak biasa karena diciptakan oleh seorang wanita, terutama menampilkan karya-karyanya, tetapi terus mengikuti tradisi orkestra Amerika. Pada tahun 1985, orkestra dibubarkan, dan Akiyoshi mengorganisir sebuah band baru bernama "Orkestra Jazz New York Toshiko Akiyoshi".

Di tahun 90-an, genre big band tidak mengering, tapi mungkin menguat. Pada saat yang sama, jangkauan gaya orkestra meluas. Sayap konservatif, selain orkestra peringatan, diwakili oleh Orkestra Lincoln Center, dipimpin oleh salah satu musisi jazz yang paling disukai oleh pejabat, pemain terompet dan komposer berbakat Wynton Marsalis. Orkestra ini mencoba mengikuti jejak Duke Ellington untuk menciptakan karya bentuk besar dan terprogram. Yang lebih beragam adalah karya orkestra yang sangat kuat dan lebih modern yang dinamai Charles Mingus (The Mingus Big Band). Band ini menarik musisi kreatif. Ide-ide yang lebih radikal dianut oleh berbagai "workshop" yang bersifat sementara, dan beragam band yang menganut ide-ide yang lebih avant-garde. Di antara orkestra tersebut adalah band Sam Rivers (Sam Rivers), George Gruntz (George Gruntz), banyak konglomerat Eropa.

4. Hardbop. funky

Berbeda dengan kehalusan dan kesejukan gaya cool, rasionalitas progresif di Pantai Timur Amerika Serikat, musisi muda di awal tahun 50-an terus mengembangkan gaya bebop yang nampaknya sudah habis. Pertumbuhan kesadaran diri orang Afrika-Amerika, karakteristik tahun 50-an, memainkan peran penting dalam tren ini. Perhatian sekali lagi ditarik untuk mempertahankan kesetiaan pada tradisi improvisasi Afrika-Amerika. Pada saat yang sama, semua pencapaian bebop tetap dipertahankan, namun banyak pencapaian keren yang ditambahkan baik di bidang harmoni maupun di bidang struktur ritmis. Musisi generasi baru, pada umumnya, memiliki pendidikan musik yang bagus. Tren yang disebut "hardbop" ini ternyata sangat banyak. Itu termasuk terompet Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown (Clifford Brown), Donald Byrd (Donald Byrd), pianis Thelonious Monk, Horace Silver, drummer Art Blakey (Art Blakey), pemain saksofon Sonny Rollins (Sonny Rollins), Hank Mobley ( Hank Mobley), Cannonball Adderley, bassis Paul Chambers dan banyak lainnya.

Untuk pengembangan gaya baru, inovasi teknis lain yang signifikan, yang terdiri dari penampilan rekaman lama bermain, juga signifikan. Sekarang Anda dapat merekam solo panjang. Bagi para musisi, hal ini menjadi godaan dan ujian yang sulit, karena tidak semua orang mampu berbicara secara utuh dan ringkas dalam waktu yang lama. Pemain terompet adalah yang pertama memanfaatkan keunggulan ini, memodifikasi gaya Dizzy Gillespie menjadi permainan yang lebih tenang namun dalam. Yang paling berpengaruh adalah Fats Navarro dan Clifford Brown (keduanya mengambil jalan hidup yang terlalu pendek). Para musisi ini tidak berfokus pada bagian virtuoso berkecepatan tinggi di nada atas, tetapi pada baris melodi yang bijaksana dan logis.

Kompleksitas musik yang dicapai, misalnya oleh Art Blakey, yang menggunakan struktur ritme yang kompleks, tidak menyebabkan hilangnya jazz, spiritualitas emosional. Hal yang sama berlaku untuk pembentukan baru dalam improvisasi Horace Silver atau dalam figurasi poliritmik dalam solo Sonny Rollins. Musik mengambil ketajaman, kepahitan dan dimensi ayunan baru. Peran khusus dalam pengembangan hardbop dimainkan oleh Art Blakey, yang menciptakan ansambel Jazz Messengers pada tahun 1955. Komposisi ini memainkan peran sekolah di mana bakat dari banyak perwakilan dari arah ini terungkap dan berkembang. Diantaranya adalah pianis Bobby Timmons dan Horace Silver, pemain saksofon Benny Golson, Hank Mobley, pemain terompet Lee Morgan, Kenny Dorham, Wynton Marsalis dan banyak lainnya. "Jazz Messengers" dalam satu atau lain bentuk masih ada, setelah hidup lebih lama dari pemimpinnya (1993).

Pemain saksofon tenor Sonny Rollins menempati tempat khusus di galaksi musisi hard bop. Gayanya berevolusi dari garis Parker dan nada lebar Coleman Hawkins, dan inovasi dikaitkan dengan temperamen dan spontanitasnya sebagai seorang improvisasi. Ini ditandai dengan kebebasan khusus dalam penggunaan bahan harmonik. Pada pertengahan 1950-an, Rollins menarik perhatian pada kekhasan ungkapannya, yang merupakan figur poliritmik yang luar biasa, mencabik-cabik materi harmonik yang berasal dari tema. Dalam improvisasi melodinya, kekerasan suara, sarkasme musik muncul.

Bagian dari musik yang muncul selama periode "hard bop" secara alami menyerap blues, digunakan dalam tempo lambat atau sedang dengan ekspresi khusus, berdasarkan ketukan yang diucapkan. Gaya ini disebut "funky" (funky). Kata itu gaul dan berarti definisi yang mengintensifkan bau atau rasa yang tajam dan menyengat. Dalam jazz, ini identik dengan musik "nyata" yang biasa-biasa saja. Munculnya cabang ini tidak disengaja. Di tahun 50-an, ada penyimpangan dari esensi jazz Negro lama dalam jazz, dan melemahnya idiom jazz menjadi nyata. Semakin sulit untuk menentukan jenis musik apa yang harus dianggap sebagai jazz. Musisi jazz bereksperimen dengan cerita rakyat bangsa yang berbeda, mereka tertarik dengan impresionisme dan atonalisme, mereka mulai terlibat dalam musik awal. Tidak semua proses ini cukup meyakinkan. Sejumlah musisi beralih ke komposisi yang dibumbui dengan suara blues tradisional dan nyanyian religius. Awalnya, unsur religi lebih bersifat dekoratif daripada fungsional. Kadang-kadang seruan kuno dari ladang kapas berperan sebagai pengantar tokoh bebop yang cukup tradisional. Sonny Rollins menunjukkan tanda-tanda gaya ini, tetapi ekspresinya yang paling mencolok dapat ditemukan pada pianis Horace Silver, yang menciptakan musik blues yang funky. Ketulusan musiknya diperkuat dengan motif religius yang menjadi pedoman sang musisi.

Dari gaya funky, sosok Charles Mingus tumbuh - seorang bassis ganda, komposer dan pemimpin band, seorang musisi yang tidak cocok dengan kerangka gaya tertentu. Mingus menetapkan sendiri tugas untuk membangkitkan sensasi emosional yang sangat spesifik pada pendengarnya. Pada saat yang sama, beban didistribusikan antara komposisi itu sendiri dan para musisi, yang harus berimprovisasi, mengalami emosi tersebut dengan tepat. Mingus mungkin termasuk dalam kategori komposer jazz yang sangat kecil. Dia sendiri menganggap dirinya sebagai pengikut Duke Ellington dan beralih ke area budaya, religiusitas, mistisisme Afrika-Amerika yang sama - area yang membutuhkan penggunaan teknik yang funky..

5. Jazz gratis

Pada awal tahun 60-an, babak perkembangan gaya jazz berikutnya sebagian besar disebabkan oleh penguatan kesadaran diri rasial para musisi Negro. Di kalangan anak muda saat itu, proses ini diekspresikan dalam bentuk yang sangat radikal, termasuk jazz yang selalu menjadi pelampiasan budaya orang Afrika-Amerika. Dalam musik, ini sekali lagi terwujud dalam keinginan untuk meninggalkan komponen Eropa, untuk kembali ke sumber akar jazz. Dalam jazz baru, musisi kulit hitam beralih ke agama non-Kristen, terutama Buddha dan Hindu. Di sisi lain, masa ini ditandai dengan munculnya gelombang protes, ketidakstabilan sosial, kemandirian warna kulit (gerakan hippie, anarkisme, hasrat mistisisme oriental). “Free jazz” yang muncul saat itu berbelok tajam dari jalur utama perkembangan jazz, dari arus utama. Kombinasi kepenuhan pengalaman spiritual dan estetika dengan pendekatan baru yang fundamental terhadap pengorganisasian materi musik benar-benar memagari jazz baru dari bidang seni populer. Itu adalah percepatan dramatis dari proses yang telah dimulai oleh para boppers.

Dixieland dan stylist swing menciptakan improvisasi melodi, musisi bebop, keren, dan hardbop mengikuti struktur akor dalam solo mereka. Free jazz adalah penyimpangan radikal dari gaya sebelumnya, karena dalam gaya ini solois tidak diwajibkan untuk mengikuti arahan tertentu atau membangun bentuk sesuai dengan kanon yang diketahui, dia dapat pergi ke arah yang tidak dapat diprediksi. Awalnya, aspirasi utama para pemimpin free jazz adalah fokus destruktif pada ritme, struktur, harmoni, melodi. Hal utama bagi mereka adalah ekspresi tertinggi, ketelanjangan spiritual, ekstasi. Pengalaman pertama musisi jazz baru Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler tidak memutuskan ikatan dengan norma arus utama. Rekaman jazz bebas pertama masih menarik hukum harmonik. Namun, lambat laun proses ini mencapai titik ekstrem yang melanggar tradisi. Ketika Ornette Coleman sepenuhnya memperkenalkan jazz gratis kepada penonton New York (meskipun Cecil Taylor sudah dikenal sebelumnya dan cukup baik), banyak musisi bebop dan penikmat jazz sampai pada kesimpulan bahwa musik ini tidak hanya dianggap jazz, tetapi juga sebenarnya musik . Dengan demikian, mantan radikal menjadi konservatif dalam waktu kurang dari 15 tahun.

Salah satu penghancur kanon pertama adalah Cecil Taylor, yang pada saat mayoritasnya adalah seorang musisi yang sangat terlatih. Dia lulus dari konservatori, mengenal jazz dengan baik dan berpikir untuk menerapkan prinsip musik komposer ke dalam proses improvisasi. Pada tahun 1956, bersama pemain saksofon Steve Lacy, dia berhasil merilis sebuah rekaman yang berisi beberapa ide jazz baru. Dengan cara yang hampir sama, sebagian besar berasal dari Thelonious Monk, pianis dan komposer Herbie Nichols, yang meninggal lebih awal, berjalan saat ini. Terlepas dari kesulitan menerima musik yang tidak mengandung referensi biasa, Cecil Taylor sudah menjadi sosok terkenal pada tahun 1958, yang difasilitasi oleh penampilannya di klub Five Spot.

Tidak seperti Taylor, pendiri jazz bebas lainnya, Ornette Coleman, memiliki sejarah pertunjukan yang panjang namun tidak pernah bermain dengan "benar". Mungkin Coleman, tanpa disadari, dibentuk sebagai master primitivisme. Ini, pada gilirannya, memberinya dasar untuk transisi yang mudah ke musik non-standar, yang dia lakukan bersama dengan pemain terompet yang memainkan terompet saku - Don Cherry. Para musisi beruntung, mereka menjadi tertarik pada bassis ganda Red Mitchell dan pianis John Lewis, yang memiliki bobot di lingkungan musik. Pada tahun 1959 para musisi merilis disk "Something Else!!" dan menerima pertunangan di "Five Spot". Sebuah tonggak untuk New Jazz adalah disk yang direkam oleh Ornette Coleman's double line-up "Free Jazz" pada tahun 1960.

Free jazz seringkali bersinggungan dengan gerakan avant-garde lainnya, yang misalnya dapat menggunakan bentuk dan urutan struktur ritmisnya sendiri. Sejak awal, jazz bebas tetap menjadi milik segelintir orang dan biasanya ditemukan di bawah tanah, namun memiliki pengaruh yang sangat kuat pada arus utama modern. Terlepas dari penyangkalan total, normativitas tertentu telah berkembang dalam jazz bebas, yang memungkinkan untuk membedakannya dari tren jazz baru lainnya. Konvensi ini menyangkut rencana umum karya tersebut, interaksi musisi, dukungan ritmis dan, tentu saja, rencana emosional. Perlu dicatat bahwa bentuk improvisasi kolektif lama telah muncul kembali dalam jazz bebas. Sudah menjadi ciri khas jazz bebas untuk bekerja dengan "bentuk terbuka" yang tidak terikat pada struktur tertentu. Pendekatan ini mulai muncul di kalangan musisi yang tidak murni jazz bebas - seperti misalnya improvisasi spontan Keith Jarrett di konser solonya.

Penolakan "jazz baru" dari norma musik Eropa menyebabkan minat yang besar pada budaya non-Eropa, terutama budaya timur. John Coltrane sangat serius dengan musik India, Don Cherry - Indonesia dan Cina, Farow Sanders - Arab. Apalagi orientasi ini tidak dangkal, dekoratif, tetapi sangat dalam, dengan keinginan untuk memahami dan menyerap seluruh karakter tidak hanya musik yang sesuai, tetapi juga lingkungan estetika dan spiritualnya.

Idiom jazz bebas sering menjadi bagian integral dari musik polistilistika. Salah satu perwujudan paling mencolok dari pendekatan ini adalah karya sekelompok musisi kulit hitam Chicago yang mulai tampil pada tahun 60-an di bawah naungan Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM). Belakangan, para musisi ini (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favours, Don Moye) menciptakan "Chicago Art Ensemble", yang mengajarkan berbagai gaya dari mantra ritual Afrika dan Injil hingga jazz gratis. Sisi lain dari proses yang sama muncul dalam karya pemain klarinet dan pemain saksofon Anthony Braxton, yang terkait erat dengan "Chicago Art Ensemble". Musiknya bebas dan intelektual. Terkadang Braxton menggunakan prinsip matematika untuk komposisinya, seperti teori grup, tetapi ini tidak mengurangi dampak emosional dari musiknya. Perselisihan tentang kemungkinan musik semacam ini tidak mereda hingga saat ini. Dengan demikian, otoritas resmi lembaga jazz Amerika, Wynton Marsalis, dengan hina menyebut Braxton sebagai "pemain catur yang baik", sementara pada saat yang sama, dalam jajak pendapat American Association of Jazz Journalists, Marsalis mengambil baris berikutnya setelah Braxton di nominasi komposer jazz.

Perlu dicatat bahwa pada awal tahun 1970-an, minat terhadap jazz bebas mulai memikat para musisi kreatif Eropa, yang sering menggabungkan prinsip "kebebasan" dengan perkembangan praktik musik Eropa abad ke-20 - atonalitas, teknik serial. , aleatoric, sonoristics, dll. Di sisi lain, Di sisi lain, beberapa pemimpin jazz bebas menjauh dari radikalisme ekstrim dan, di tahun 80-an, bergerak menuju semacam kompromi, meskipun versi musiknya asli. Diantaranya adalah Ornette Coleman dengan proyek Prime Time, Archie Shepp dan lainnya.

6. Perkembangan fusion: jazz-rock. Fusi. ECM. jazz dunia

Definisi asli "jazz rock" adalah yang paling jelas: menggabungkan improvisasi jazz dengan energi dan ritme musik rock. Hingga tahun 1967, dunia jazz dan rock hampir terpisah. Namun saat ini, rock menjadi lebih kreatif dan kompleks, rock psychedelic, musik soul muncul. Pada saat yang sama, beberapa musisi jazz menjadi bosan dengan hardbop murni, tetapi mereka juga tidak ingin memainkan musik avant-garde yang sulit dipahami. Akibatnya, dua idiom yang berbeda mulai bertukar pikiran dan bergabung. Mulai tahun 1967, gitaris Larry Coryell, pemain vibraphonist Gary Burton, pada tahun 1969 drummer Billy Cobham dengan grup "Dreams", yang berperan sebagai Brecker Brothers (Brecker Brothers), mulai menguasai hamparan gaya baru. Pada akhir tahun 60-an, Miles Davis memiliki potensi untuk bertransisi ke jazz-rock. Dia adalah salah satu pencipta modal jazz, yang berdasarkan itu, dengan menggunakan ritme 8/8 dan instrumen elektronik, Miles mengambil langkah baru dengan merekam album "Bitches Brew", "In a Silent Way". Bersamanya saat ini adalah galaksi musisi yang brilian, banyak di antaranya kemudian menjadi tokoh fundamental dari arah ini - John McLaughlin (John McLaughlin), Joe Zawinul (Joe Zawinul), Herbie Hancock. Asketisme, keringkasan, dan kontemplasi filosofis yang menjadi ciri khas Davis ternyata paling disambut baik dalam gaya baru. Pada awal 1970-an, jazz-rock memiliki identitas tersendiri sebagai gaya jazz kreatif, meski dicemooh oleh banyak penganut jazz puritan. Grup utama dari arah baru adalah "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", berbagai ansambel Miles Davis. Mereka memainkan jazz-rock berkualitas tinggi, yang menggabungkan banyak teknik dari jazz dan rock.

Fusi

Komposisi jazz-rock yang paling menarik dicirikan oleh improvisasi, dikombinasikan dengan solusi komposisi, penggunaan prinsip harmonik dan ritmis musik rock, perwujudan aktif melodi dan ritme Timur, pengenalan yang kuat dari alat pemrosesan elektronik dan mensintesis suara menjadi musik. Dalam gaya ini, jangkauan penerapan prinsip-prinsip modal telah diperluas, rangkaian berbagai mode, termasuk mode eksotis, telah diperluas. Di tahun 70-an, jazz-rock menjadi sangat populer, kekuatan musik paling aktif masuk ke dalamnya. Lebih berkembang dalam kaitannya dengan sintesis berbagai alat musik, jazz-rock disebut "fusion" (paduan, fusi). Dorongan tambahan untuk "fusion" adalah anggukan lain (bukan yang pertama dalam sejarah jazz) terhadap musik akademik Eropa. Nyatanya, pada tahap ini, fusi melanjutkan garis "arus ketiga" tahun 50-an.

Kombinasi berbagai pengaruh budaya terlihat bahkan dalam komposisi ansambel yang paling menarik. Contoh penting adalah "Weather Report", yang disutradarai oleh kibordis Austria Amerika awal Joseph Zawinul dan pemain saksofon Amerika Wayne Shorter, masing-masing waktu yang berbeda Pergi melalui Sekolah Miles Davis. Ansambel menyatukan musisi dari Brasil, Cekoslowakia, Peru. Di masa depan, instrumentalis dan vokalis dari hampir seluruh dunia mulai bekerja sama dengan Zawinul. Dalam penerus "Weather Report", proyek "Syndicat", geografi musisi meluas dari Tuva ke Amerika Selatan.

Sayangnya, seiring berjalannya waktu, jazz-rock sebagian besar memperoleh ciri-ciri musik komersial, di sisi lain, rock sendiri menolak banyak penemuan kreatif yang dilakukan pada pertengahan 1970-an. Dalam banyak kasus, fusion sebenarnya menjadi kombinasi jazz dengan pop biasa dan ritme ringan dan blues; penyeberangan. Ambisi musik fusion untuk kedalaman dan pemberdayaan musik tetap tidak terpenuhi, meskipun pencarian terus berlanjut pada kesempatan langka, seperti di band seperti "Tribal Tech" dan ansambel Chick Corea.

jazz elektrik

Penggunaan konverter suara elektronik dan synthesizer terbukti sangat menarik bagi musisi yang terutama berada di perbatasan dengan musik rock atau komersial. Nyatanya, hanya ada sedikit contoh yang bermanfaat dalam massa umum musik elektrik. Jadi, misalnya, Joe Zawinul dalam proyek "Weather Report" telah mencapai perpaduan unsur etnik dan nada yang sangat efektif. Herbie Hancock untuk waktu yang lama menjadi idola bukan dari publik melainkan musisi, menggunakan synthesizer, banyak keyboard, dan berbagai macam trik elektronik di tahun 70-an dan 80-an. Di tahun 90-an, area musik ini semakin bergerak ke ranah non-jazz. Ini difasilitasi dengan ditingkatkan kreasi komputer musik, yang, dengan kelebihan dan kemampuan tertentu, kehilangan kontak dengan kualitas utama jazz - improvisasi.

Ceruk terpisah dalam komunitas gaya jazz sejak awal tahun 70-an ditempati oleh perusahaan Jerman ECM (Edisi Musik Kontemporer - Rumah Penerbitan musik kontemporer), yang secara bertahap menjadi pusat asosiasi musisi yang mengaku tidak terlalu terikat pada jazz asal Afrika-Amerika sebagai kemampuan untuk menyelesaikan berbagai tugas artistik, tidak membatasi diri pada gaya tertentu, tetapi sejalan dengan proses improvisasi kreatif. Namun, seiring waktu, wajah tertentu perusahaan berkembang, yang menyebabkan pemisahan artis label ini menjadi arah gaya yang berskala besar dan menonjol. Orientasi pendiri label Manfred Eicher (Manfred Eicher) untuk menggabungkan berbagai idiom jazz, cerita rakyat dunia, dan musik akademis baru menjadi satu suara impresionistik memungkinkan untuk mengklaim kedalaman dan pemahaman filosofis tentang nilai-nilai kehidupan dengan menggunakan sarana tersebut.

Studio rekaman utama perusahaan yang berbasis di Oslo jelas berkorelasi dengan peran utama dalam katalog musisi Skandinavia. Pertama-tama, ini adalah orang Norwegia Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer, Jon Christensen. Namun, geografi ECM mencakup seluruh dunia. Berikut adalah orang Eropa John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin dan perwakilan budaya non-Eropa Egberto Gismonti , Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem dan banyak lagi yang lain. Legiun Amerika tidak kalah representatif - Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Dewey Redman (Redman Dewey), Bill Frisell, John Abercrombie ( John Abercrombie, Leo Smith. Dorongan revolusioner awal dari publikasi perusahaan berubah dari waktu ke waktu menjadi suara yang terpisah secara meditatif. formulir terbuka dengan lapisan suara yang dipoles dengan hati-hati. Aicher secara alami melewati garis tak terlihat yang memisahkan banyak upaya untuk menggabungkan jazz dan musik akademik Eropa. Ini bukan lagi tren ketiga, tetapi hanya aliran yang mengalir lancar ke "Seri Baru" ECM dengan musik akademik, sangat mirip dengan rilisan jazz. Arah kebijakan label di luar batas budaya populer, bagaimanapun, telah menyebabkan peningkatan popularitas jenis musik ini, yang dapat dilihat sebagai semacam paradoks. Beberapa penganut arus utama menyangkal jalan yang dipilih oleh musisi ke arah ini; namun, jazz, sebagai budaya dunia, berkembang terlepas dari keberatan tersebut, dan memberikan hasil yang sangat mengesankan.

jazz dunia

"Jazz Dunia" (Jazz Dunia) adalah istilah Rusia yang terdengar aneh yang mengacu pada perpaduan musik Dunia Ketiga, atau "Musik Dunia", dengan jazz. Arah yang sangat bercabang ini dapat dibagi menjadi beberapa jenis.

Musik etnik, yang meliputi improvisasi jazz, seperti jazz Latin. Dalam hal ini, terkadang hanya solo yang diimprovisasi. Iringan dan komposisi pada dasarnya sama dengan musik etnik itu sendiri;

Jazz, yang mencakup aspek terbatas dari musik non-Barat. Contohnya adalah rekaman "Malam di Tunisia" lama Dizzy Gillespie, musik di beberapa piringan hitam kuartet dan kwintet Keith Jarrett yang dirilis pada 1970-an di label Impulse!, menggunakan instrumentasi Timur Tengah yang agak diubah dan teknik harmonik serupa. Ini termasuk beberapa musik Sun Ra dari tahun 50-an hingga 90-an yang menggabungkan ritme Afrika, beberapa rekaman Yusef Lateef menggunakan instrumen dan teknik tradisional Islam;

Gaya musik baru muncul dari cara organik menggabungkan improvisasi jazz dengan ide dan instrumen orisinal, harmoni, teknik komposisi, dan ritme dari tradisi etnis yang ada. Hasilnya orisinal, dan jelas mencerminkan aspek esensial etnisitas. Contoh dari pendekatan ini sangat banyak dan termasuk ansambel Don Cherry, Codona dan Nu; beberapa musik John McLaughlin dari tahun 70-an hingga 90-an, berdasarkan tradisi India; beberapa musik Don Ellis tahun 70-an, yang meminjam ide dari musik India dan Bulgaria; karya Andy Narell di tahun 90-an, yang memadukan musik dan instrumen Trinidad dengan improvisasi jazz dan funk.

"World Fusion Jazz" bukan pertama kalinya jalur ini diambil dalam sejarah jazz, dan trennya sendiri tidak eksklusif untuk jazz Amerika. Misalnya, musik Polinesia dicampur dengan gaya pop Barat pada awal abad ke-20, dan suaranya muncul dari beberapa musisi jazz paling awal. Karibia ritme tarian menjadi bagian penting dari budaya pop Amerika sepanjang abad kedua puluh, dan karena musisi jazz sering berimprovisasi pada tema pop, mereka berbaur hampir terus menerus. Django Reinhardt menggabungkan tradisi musik gipsi, impresionisme Prancis dengan improvisasi jazz di tahun 30-an di Prancis. Daftar musisi yang aktif di kawasan perbatasan bisa mencapai ratusan bahkan ribuan nama. Diantaranya, misalnya, orang-orang berbeda seperti Al DiMeola (Al DiMeola), grup "Dead Can Dance", Joe Zawinul, grup "Shakti", Lakshminarayana Shankar (Lakshminarayana Shankar), Paul Winter (Paul Winter), Trilok Gurtu dan banyak lainnya.

7. Pop - jazz : funk, acid jazz, crossover, smooth jazz

Pengecut

Funk modern mengacu pada gaya jazz populer tahun 70-an dan 80-an, di mana pengiring bermain dalam gaya musik black pop soul dan funk, sementara improvisasi solo yang ekstensif lebih kreatif dan bersifat jazzy. Alih-alih menggunakan rangkaian idiom jazz yang kaya dan terakumulasi dari gudang pemain saksofon jazz modern (Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman), sebagian besar pemain saksofon gaya ini menggunakan rangkaian frasa sederhana mereka sendiri, yang terdiri dari teriakan blues. dan erangan. Mereka membangun tradisi yang dibawa dari solo saksofon dalam rekaman vokal R&B seperti King Curtis di Coastrs, Junior Walker dengan grup vokal Motown, David Sanborn Sanborn) dengan "Blues Band" oleh Paul Butterfield (Paul Butterfield). Tokoh menonjol dalam genre ini adalah Grover Washington, Jr., yang sering memainkan solo ala Hank Crawford dengan iringan ala funk. Beginilah penampilannya pada rekamannya yang paling terkenal, meskipun Washington mampu memainkan musik dalam gaya jazz lain. Anggota The Jazz Crusaders, Felder Wilton dan Joe Sample meraih popularitas luas dengan mengubah repertoar mereka selama tahun 1970-an dan menghapus kata "jazz" dari nama band. Sebagian besar musik Michael Brecker, Tom Scott, dan murid-muridnya menggunakan pendekatan ini, meskipun mereka mungkin juga bermain dengan gaya John Coltrane atau Joe Henderson. "Najee", Richard Elliott (Richard Elliott) dan orang-orang sezaman mereka juga bekerja dengan gaya "funk modern". Antara 1971 dan 1992, Miles Davis memimpin ansambel memainkan variasi kompleks dari gaya ini, meskipun pemain saksofon di bandnya dipengaruhi oleh John Coltrane, dan gitarisnya menunjukkan pemikiran jazz modern bersama dengan pengaruh dari Jimy Hendrix. Banyak funk modern juga dapat diklasifikasikan sebagai "crossover".

jazz asam

Banyak yang menganggap komposisi akhir Miles Davis sebagai nenek moyang dari arah ini. Istilah "acid jazz" ("acid jazz") telah dikaitkan dengan salah satu jenis musik jazz ringan, terutama genre dansa, disatukan oleh fakta bahwa sebagian dimainkan oleh musisi "live", dan sisanya diambil. baik dalam bentuk sampel atau dalam bentuk suara, yang diperoleh dengan menggunakan rekaman, paling sering burung murai vinil tua, yang diproduksi untuk diskotik. Namun, hasil musiknya bisa dari gaya apa pun, dengan suara yang berubah. Lebih disukai untuk tujuan ini adalah "punk-jazz" radikal, "soul", "fusion". Acid jazz juga memiliki sayap avant-garde yang lebih radikal, seperti karya gitaris Inggris Derek Bailey. Namun, ini berbeda dari acid jazz versi disko dengan kontribusi signifikan dari permainan "live" para musisi. Rupanya, arah ini memiliki masa depan yang memungkinkan untuk berkembang.

Penyeberangan

Dengan penurunan aktivitas musik rock secara bertahap (dari sudut pandang artistik) sejak awal tahun 70-an, dengan penurunan aliran ide dari dunia rock, musik fusion (menggabungkan improvisasi jazz dengan ritme rock) menjadi lebih lugas. Pada saat yang sama, banyak yang mulai menyadari bahwa jazz elektrik dapat menjadi lebih komersial, produser dan beberapa musisi mulai mencari kombinasi gaya tersebut untuk meningkatkan penjualan. Mereka benar-benar berhasil menciptakan jenis jazz yang lebih mudah diakses oleh pendengar rata-rata. Banyak kombinasi berbeda telah muncul selama dua dekade terakhir, di mana promotor dan humas suka menggunakan ungkapan " Jazz kontemporer", digunakan untuk mendeskripsikan "perpaduan" jazz dengan unsur musik pop, ritme dan blues serta "musik dunia". Namun, kata "crossover" lebih tepat untuk mendeskripsikan esensi materi. Crossover dan fusion mencapai tujuannya dan meningkatkan penikmat musik jazz, terutama karena bagi mereka yang muak dengan gaya lain. Dalam beberapa hal, musik ini patut mendapat perhatian, meskipun dalam banyak kasus konten jazz di dalamnya direduksi menjadi nol. Untuk gaya yang ada, di faktanya, musik pop dengan sedikit penyelingan improvisasi, yang membawa musik melampaui jazz, "pop instrumental" adalah istilah yang paling cocok. Contoh rentang gaya crossover dari rekaman vokal Al Jarreau dan George Benson hingga Kenny G, Spyro Gyra, dan Rippingtons ada pengaruh jazz, namun demikian, musik ini cocok dengan bidang seni pop yang diwakili oleh Gerald Albright, David Benoit, Michael Brecker, Randy Brecker, "Para Tentara Salib", George Duke, Pemain Saksofon Bill Evans, Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Mangione (Chuck Mangione), Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

Mulus

"Smooth jazz" (jazz halus) adalah produk dari gaya fusion, yang menekankan sisi musik yang lembut dan halus. Secara umum, "smooth jazz" lebih mengandalkan ritme dan garis melodi daripada improvisasi. Ini menggunakan lapisan suara synthesizer, ritme funk, bass funk, garis elastis gitar dan terompet, saksofon alto atau sopran. Musiknya tidak intelektual seperti hard bop, tapi juga tidak terlalu energik seperti funk atau soul jazz. Komposisi "Smooth jazz" terlihat sederhana, dangkal dan halus, dan memiliki suara keseluruhan nilai yang lebih besar daripada bagian individu. Perwakilan karakteristik dari gaya "halus" adalah George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman.

Jazz adalah jenis musik khusus yang menggabungkan musik Amerika abad sebelumnya, irama Afrika, sekuler, lagu kerja dan ritual. Penggemar arahan musik semacam ini dapat mengunduh lagu favorit mereka menggunakan situs http://vkdj.org/.

Fitur jazz

Jazz dibedakan oleh fitur-fitur tertentu:

• irama;
• improvisasi;
• poliritme.

Dia menerima keharmonisannya sebagai hasil dari pengaruh Eropa. Jazz didasarkan pada ritme tertentu yang berasal dari Afrika. Gaya ini mencakup arah instrumental dan vokal. Jazz ada melalui penggunaan alat musik, yang merupakan kepentingan sekunder dalam musik biasa. Musisi jazz harus memiliki kemampuan berimprovisasi dalam solo dan orkestra.

Ciri ciri musik jazz

Ciri utama jazz adalah kebebasan ritme, yang membangkitkan rasa ringan, relaksasi, kebebasan, dan gerakan maju terus menerus pada para pemainnya. Seperti dalam karya klasik, jenis musik ini memiliki ukuran, ritme, yang disebut ayunan. Untuk arah ini, denyut konstan sangat penting.

Jazz memiliki repertoar yang khas dan bentuk yang tidak biasa. Yang utama adalah blues dan balada, yang menjadi semacam dasar untuk semua jenis versi musik.

Arah musik ini adalah kreativitas mereka yang membawakannya. Kekhususan dan orisinalitas musisilah yang menjadi dasarnya. Tidak mungkin mempelajarinya hanya dari catatan. Genre ini sepenuhnya bergantung pada kreativitas dan inspirasi pemain pada saat permainan, yang memasukkan emosi dan jiwanya ke dalam karya tersebut.

Fitur karakteristik utama dari musik ini meliputi:

• harmoni;
• merdu;
• irama.

Berkat improvisasi, sebuah karya baru tercipta setiap saat. Tidak pernah dalam hidup dua karya yang dibawakan oleh musisi yang berbeda terdengar sama. Kalau tidak, orkestra akan mencoba meniru satu sama lain.

Gaya modern ini memiliki banyak ciri musik Afrika. Salah satunya adalah setiap instrumen dapat berperan sebagai instrumen perkusi. Saat menampilkan komposisi jazz, nada sehari-hari yang terkenal digunakan. Fitur pinjaman lainnya adalah permainan instrumen meniru percakapan. Seni musik profesional semacam ini, yang sangat berubah seiring waktu, tidak memiliki batasan yang tegas. Ini sepenuhnya terbuka untuk pengaruh pemain.

Jazz pertama-tama adalah improvisasi, kehidupan, kata-kata, evolusi. Jazz nyata hidup di Mississippi, datang dari tangan seorang pianis di bar Storyville, atau dari sekelompok musisi yang bermain di tempat sepi di pinggiran Chicago.

Tempat lahir sebenarnya

Sejarah jazz adalah salah satu kisah paling orisinal dalam musik. Karakter dan gayanya, ciri kepribadiannya yang kuat, sangat menarik, meskipun beberapa tren membutuhkan kesiapan yang tinggi dari pihak pendengar. Seperti yang pernah dikatakan pemimpin band AS John Philip Sousa, jazz harus didengar dengan kaki Anda, bukan kepala Anda. Tapi itu terjadi di tahun 30-an, dengan band jazz dari New Orleans - Buddy Bolden - atau pria dari Austin High di bar ilegal di Chicago. Mereka memainkan musik untuk menari.

Namun, mulai tahun 1940-an, publik mulai mendengarkan musik jazz dengan kepala, bukan kaki. Bentuk suara baru muncul - mencoba menarik pendengar dengan kecerdasan, keren, bebas - mereka tetap sedikit di sela-sela Meskipun pernyataan dan serangan buruk dari Souza, penonton merasakan jazz dengan antusiasme yang lebih besar. Apa rahasia vitalitasnya yang luar biasa?

Jika kita berbicara tentang jazz, seperti - tentang musik Afrika-Amerika - maka tidak banyak yang bisa dikatakan.
Ini adalah salah satu bentuk ekspresi spontan individu yang tercipta saat ini, yaitu improvisasi, kebebasan, lagu protes dan marjinalisasi.Akar jazz harus dianggap sebagai perbudakan kulit hitam di negara bagian Amerika Selatan, Amerika Utara - saat bekerja di perkebunan kapas Di sinilah benih dan kecambah pertama bertunas , lagu dan melodi pertama dari genre populer terakhir dalam sejarah musik Barat diletakkan di sini. Semacam ekspresi urban yang mulai bangkit kembali di kafe-kafe hitam di New Orleans pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20.

Menurut statistik, pasar budak Afrika sekitar 15 juta. pria, wanita dan anak-anak dijual di berbagai belahan dunia. Sebagian besar dari orang-orang ini berakhir di Amerika. Perkebunan kapas dan ladang tembakau membutuhkan banyak pekerjaan. Orang Afrika berkulit hitam itu kuat dan hanya bekerja sedikit upah, makanan dan tempat tinggal. Selain itu, mereka hanya memiliki ingatan akan lagu dan tarian yang tak terlupakan dari Afrika asli mereka. Jadi, musik adalah pusat kehidupan seorang budak, membantu mengatasi semua kesulitan dan penderitaan perbudakan. Ini adalah bagasi utama dari ritme dan melodi budak.

Orang kulit hitam Afrika, dengan religiusitas yang tinggi, menerima agama Kristen dengan mudah. Namun, karena terbiasa memulai ritual keagamaan mereka dengan nyanyian dan tarian, mereka segera mulai memperkenalkan gerakan tepuk tangan dan ritmis ke dalam pertemuan dan upacara mereka di kamp-kamp di Selatan. Suara orang berkulit gelap memiliki timbre yang sangat khas, nyanyian melodi benar-benar membuat Anda terharu. Komunitas agama Protestan kulit hitam menciptakan himne mereka sendiri yang menyerukan pembangkangan.

Lagu-lagu tentang pekerjaan ditambahkan ke tema, doa, dan permohonan ini. Mengapa? Ya, karena budak itu menyadari bahwa lebih mudah baginya untuk bekerja dengan bernyanyi.
Kesederhanaan frasa ini mungkin karena pengetahuan mereka yang buruk tentang bahasa penjajah dan dikembangkan menjadi puisi dan kelembutan yang kuat. Menurut Jean Cocteau, blues verses adalah kemunculan terakhir puisi yang otomatis populer, dan blues sebagai genre biasanya jazz.

Amerika Serikat, dalam pencarian budaya.

Jazz untuk AS adalah salah satu kartu nama terbaiknya, dan semua sejarawan musik setuju dengan kontribusi mereka yang paling signifikan terhadap budaya dunia.

Proses identitas budaya ini relatif singkat. Tahap selanjutnya dimulai: kemerdekaan koloni. Tapi... apa yang harus mereka ciptakan warisan budaya? Di satu sisi, warisan Eropa dari masyarakat adat: keturunan pemukim tua, imigran baru, di sisi lain, warga kulit hitam Amerika, setelah perbudakan yang begitu lama. Dan di mana ada budak, di situ ada musik Dari sini disimpulkan bahwa musik Negro sedikit banyak lebih populer, setidaknya di Selatan.

Perlindungan dan pengakuan resmi.

Para penguasa menyadari bahwa ini adalah fenomena musik baru. Sementara itu, Departemen Luar Negeri telah mengambil kendali, dan bahkan mengatur, tur internasional "jazzmen" Amerika. Louis Armstrong, Duke Ellingtong, Dizzy Gillespie, Jack Teagarden, Stanz Getz, Keith Jarrots, dan lainnya telah memamerkan gaya ini ke seluruh dunia. Dilakukan di hadapan raja dan ratu, Louis Armstrong diterima oleh Paus di Vatikan, Benny Goodman dan orkestranya berkeliling Rusia selama musim panas 1962. Tepuk tangan memekakkan telinga, bahkan Nikita Khrushchev memberikan tepuk tangan meriah.
Secara alami, blues berevolusi, sehingga menciptakan bahasanya sendiri: Jazz. Apa bahasa seperti itu? Penggunaan kegigihan ritmis, timbre instrumental yang tidak biasa, improvisasi solo yang rumit yang sulit ditemukan pada jenis musik lain, inilah bahasa jazz, jiwanya. Semuanya diresapi dengan kata ajaib: ayunan. Seperti yang dikatakan Duke Ellingtong - "Ayunan adalah sesuatu yang melampaui interpretasinya sendiri, tidak ada dalam teks musik, hanya muncul dalam pertunjukan konstan.
Faktanya, jazz adalah salah satu cara paling umum untuk memahami musik kulit hitam Amerika. Musik yang mengekspresikan cinta dan kesedihan, menggambarkan kehidupan para pahlawan, kepahitan dan kekecewaan setiap hari. Jazz awal adalah semacam katup kekecewaan emosional, seorang pria kulit hitam di dunia orang kulit putih.

Kegembiraan Kehidupan New Orleans

Nama - New Orleans - adalah kunci ajaib yang membantu kita menemukan, mengenali, dan mencintai musik jazz. Di kota yang dibangun dan dihuni terutama oleh imigran Prancis dan Spanyol ini, suasananya berbeda dengan negara bagian (negara bagian) lain. Tingkat budayanya lebih tinggi - banyak penduduknya adalah bangsawan, lebih borjuis dari benua lama - penghasilan lebih tinggi dan tentu saja, restoran bagus dan rumah indah. Segala sesuatu yang dibawa dari Eropa kuno - furnitur halus, kristal, perak, buku, lembaran musik, dan berbagai instrumen untuk mencerahkan malam musim semi yang hangat, kunci, biola, seruling, dll. semuanya berakhir di New Orleans dulu. Kota itu dikelilingi tembok tinggi untuk menghalau serangan orang India, kota itu dipertahankan oleh garnisun tentara Prancis, yang tentu saja memiliki orkestra sendiri untuk melakukan pawai militer. Berkat kebetulan ini, New Orleans menjadi lebih ceria dan percaya diri.
Itu dianggap sebagai kota yang toleran dalam segala aspek, termasuk hubungannya dengan orang kulit hitam.
Perang saudara membawa perubahan besar bagi negara. Perbudakan dihapuskan untuk orang kulit hitam, mereka mulai pindah ke kota untuk bekerja, dan bersama mereka musik.

Di New Orleans, mantan budak akhirnya bisa membeli apa yang mereka lihat di toko kaset. Sebelumnya, mereka sendiri membuat perkakas sendiri dari labu, tulang, parutan, mangkok logam. Sekarang, selain banyo dan harmonika, mereka dapat membeli trombon, terompet, klarinet, dan drum. Masalahnya, mantan budak itu tidak tahu partitur, solfeggio, not, tidak tahu teknik musik apa pun, mereka hanya merasakan musiknya dan bisa berimprovisasi.

Masalah ketidaktahuan diselesaikan dengan susah payah. Tapi mereka mengerti bahwa Anda perlu bermain dan juga bernyanyi, itu alat musik harus menjadi kelanjutan dari suara Dan pelatihan dimulai.
Jika sebuah band militer melewati jalan-jalan, orang-orang Negro selalu berada di barisan depan dan mendengarkan dengan penuh perhatian, tidak ada satupun bait musik sakral yang terlewatkan di gereja. Lambat laun mereka mencampurkan beberapa ketukan tangan dan menambahkan beberapa bar tepuk tangan (mendengarkan kaki), mereka mulai memperkenalkan masa lalu (perbudakan) mereka ke dalam blues, sehingga musik baru mulai dihidupkan kembali, dibuat dari hati dan sangat puitis.

Penggunaan musik ini digunakan oleh orang kulit hitam pada saat pemakaman, sebagai masyarakat kelas bawah, organisasi amal atau perusahaan tidak terlalu mendukung perdamaian ekonomi mantan budak dalam kehidupan publik, tetapi ketika kematian, mereka memberikan sejumlah uang.Dengan demikian, kerabat menyelenggarakan pemakaman yang megah, yang diiringi oleh sekelompok musisi dan banyak dukungan dari keluarga, teman dan tetangga. Dalam iring-iringan yang panjang musik lambat dan sedih terdengar ke pemakaman. Sekembalinya, tema berubah dan dimainkan musik cepat, atau lebih tepatnya improvisasi jazz. Karena pendapat umum adalah bahwa almarhum ada di surga, dan mereka harus bersukacita bersama Dia. Selain itu, karena kurangnya relaksasi setelah menghela nafas panjang dan emosi, lingkungan selalu menuntut dari para musisi bahwa bagian akhir upacara harus selalu menyenangkan.
Oleh karena itu, para ahli percaya bahwa pada pemakaman orang kulit hitam, mereka pertama kali mulai memainkan jazz.

Selama beberapa dekade, mereka mencoba untuk melarang, membungkam dan mengabaikan jazz, mereka mencoba melawannya, tetapi kekuatan musik ternyata lebih kuat dari semua dogma. KE Abad XXI jazz telah mencapai salah satu poin tertinggi perkembangannya, dan tidak berniat untuk memperlambat.

Di seluruh dunia, tahun 1917 dalam banyak hal merupakan titik penting dan titik balik. Dua revolusi sedang terjadi di Kekaisaran Rusia, Woodrow Wilson terpilih kembali untuk masa jabatan kedua di Amerika Serikat, dan ahli mikrobiologi Felix d'Herelle mengumumkan penemuan bakteriofag. Namun, tahun ini terjadi peristiwa yang juga akan tercatat selamanya dalam catatan sejarah. Pada tanggal 30 Januari 1917, rekaman jazz pertama direkam di studio Victor's New York. Ini adalah dua lagu - "Livery Stable Blues" dan "Dixie Jazz Band one Step" - dibawakan oleh Original Dixieland Jazz Band, ansambel musisi kulit putih. Musisi tertua, pemain terompet Nick LaRocca, berusia 28 tahun, yang termuda, drummer Tony Sbarbaro, berusia 20 tahun. Penduduk asli New Orleans, tentu saja, mendengar "musik hitam", menyukainya, dan sangat ingin memainkan jazz dari penampilan mereka sendiri. Tak lama setelah merekam disk, Original Dixieland Jazz Band mendapat kontrak di restoran bergengsi dan mahal.

Seperti apa rekaman jazz pertama? Rekaman gramofon adalah piringan tipis yang dibuat dengan menekan atau mencetak plastik dari berbagai komposisi, di permukaannya alur khusus dengan rekaman suara diukir dalam bentuk spiral. Suara rekaman itu direproduksi melalui perangkat teknis khusus - gramofon, gramofon, elektrofon. Cara merekam suara ini adalah satu-satunya cara untuk "mengabadikan" jazz, karena hampir tidak mungkin menyampaikan semua detail improvisasi musik secara akurat dalam notasi musik. Untuk itu, para ahli musik dalam pembahasan berbagai karya jazz, pertama-tama mengacu pada nomor rekaman yang merekam karya ini atau itu.

Lima tahun setelah debut debut asli Dixieland Jazz Band, musisi kulit hitam mulai merekam di studio. Di antara yang pertama direkam adalah ansambel Joe King Oliver dan Jelly Roll Morton. Namun, semua rekaman jazzmen kulit hitam dirilis di Amerika Serikat sebagai bagian dari "serial rasial" khusus yang didistribusikan pada tahun-tahun itu hanya di kalangan penduduk kulit hitam Amerika. Rekaman, dirilis dalam "seri rasial", ada hingga tahun 40-an abad XX. Selain jazz, mereka juga merekam blues dan spiritual - lagu paduan suara spiritual orang Afrika-Amerika.

Rekaman jazz pertama berdiameter 25 cm pada 78 rpm dan direkam secara akustik. Namun, sejak pertengahan 1920-an Pada abad ke-20, perekaman dilakukan secara elektromekanis, dan ini berkontribusi pada peningkatan kualitas suara. Ini diikuti dengan rilis catatan dengan diameter 30 cm di tahun 40-an. rekaman semacam itu diproduksi secara massal oleh sejumlah label rekaman yang memutuskan untuk merilis komposisi lama dan baru yang dibawakan oleh Louis Armstrong, Count Basie, Sidney Bechet, Art Tatum, Jack Teagarden, Thomas Fets Waller, Lionel Hampton, Colman Hawkins, Roy Eldridge dan banyak lainnya.

Rekaman fonograf semacam itu memiliki label khusus - "V-disc" (kependekan dari "Victory disc") dan ditujukan untuk tentara Amerika yang berpartisipasi dalam Perang Dunia II. Rilisan ini tidak dimaksudkan untuk dijual, dan pemain jazz, pada umumnya, mentransfer semua bayaran mereka ke Victory Fund dalam Perang Dunia II.

Sudah pada tahun 1948, catatan Columbia meluncurkan rekaman lama pertama (yang disebut "longplay", LP) di pasar rekaman musik dengan pengaturan alur suara yang lebih padat. Rekaman itu berdiameter 25 cm dan diputar pada 33 1/3 rpm. LP sudah berisi sebanyak 10 drama.

Mengikuti Kolumbia, produksi drama panjang mereka sendiri pada tahun 1949 didirikan oleh perwakilan RCA Victor. Rekaman mereka berdiameter 17,5 cm dengan kecepatan putaran 45 putaran per menit, dan kemudian rekaman serupa mulai diproduksi dengan kecepatan putaran 33 1/3 putaran per menit. Pada tahun 1956, pelepasan piringan hitam dengan diameter 30 cm dimulai, 12 buah ditempatkan di dua sisi piringan hitam tersebut, dan waktu pemutaran bertambah menjadi 50 menit. Dua tahun kemudian, rekaman stereo dengan rekaman dua saluran mulai menggantikan rekaman monofonik. Pabrikan juga mencoba memasukkan rekaman 16 rpm ke pasar musik, tetapi upaya ini berakhir dengan kegagalan.

Setelah itu, selama bertahun-tahun, inovasi dalam produksi rekaman mengering, tetapi sudah di akhir tahun 60-an. rekaman quadraphonic dengan sistem perekaman empat saluran diperkenalkan kepada pecinta musik.

Produksi piringan hitam memberikan lompatan besar pada jazz sebagai musik dan mendukung perkembangan musik ini - khususnya, munculnya bentuk komposisi yang lebih besar. Selama bertahun-tahun, durasi satu pertunjukan tidak lebih dari tiga menit - ini adalah syarat untuk merekam suara pada piringan hitam standar. Pada saat yang sama, meski dengan perkembangan kemajuan rilis rekaman, durasi karya jazz tidak langsung bertambah: di tahun 50-an. Piringan hitam dibuat terutama berdasarkan matriks publikasi tahun-tahun sebelumnya. Sekitar waktu yang sama, rekaman dirilis dengan rekaman oleh Scott Joplin dan pemain ragtime terkenal lainnya, yang direkam pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. pada silinder berlubang karton untuk piano mekanis, serta pada rol lilin untuk gramofon.

Seiring waktu, rekaman lama mulai digunakan untuk merekam karya dalam bentuk yang lebih besar dan konser langsung. Perilisan album dari dua atau tiga rekaman, atau antologi dan diskografi khusus dari satu artis atau lainnya, juga tersebar luas.

Tapi bagaimana dengan jazz itu sendiri? Selama bertahun-tahun itu dianggap sebagai "musik ras yang lebih rendah". Di AS, itu dianggap musik orang kulit hitam, tidak layak untuk masyarakat Amerika kelas atas, di Nazi Jerman, bermain dan mendengarkan jazz berarti menjadi "konduktor hiruk-pikuk Negro-Yahudi", dan di Uni Soviet - "pembela borjuis cara hidup" dan "agen imperialisme dunia".

Ciri khas jazz adalah musik ini telah berhasil meraih kesuksesan dan pengakuan selama beberapa dekade. Jika musisi dari semua gaya lain sejak awal karir mereka dapat berusaha untuk bermain di tempat dan stadion terbesar, dan ada banyak contoh untuk mereka, maka pemain jazz hanya dapat mengandalkan bermain di restoran dan klub, bahkan tanpa memimpikan tempat yang besar. .

Jazz sebagai gaya berasal lebih dari seabad yang lalu di perkebunan kapas. Di sanalah para pekerja kulit hitam menyanyikan lagu-lagu mereka, menyatu dari nyanyian Protestan, himne paduan suara spiritual Afrika "spiritual", dan lagu-lagu sekuler yang keras dan penuh dosa, hampir "kriminal" - blues, tersebar luas di restoran-restoran pinggir jalan yang kotor, di mana kaki seorang kulit putih Orang Amerika tidak mau melangkah. Pencapaian puncak dari "koktail" ini adalah band-band kuningan, yang terdengar seolah-olah anak-anak Afrika-Amerika yang bertelanjang kaki mengambil instrumen yang dinonaktifkan dan mulai memainkan segala macam hal.

Tahun 20-an abad XX menjadi "Zaman Jazz" - begitulah penulis Francis Scott Fitzgerald menyebut mereka. Sebagian besar pekerja kulit hitam terkonsentrasi di ibu kota kriminal Amerika Serikat pada tahun-tahun itu - Kansas City. Penyebaran jazz di kota ini difasilitasi oleh banyaknya restoran dan tempat makan yang disukai para mafiosi. Kota ini telah menciptakan gaya tertentu, gaya band-band besar yang memainkan fast blues. Selama tahun-tahun ini, seorang anak laki-laki kulit hitam bernama Charlie Parker lahir di Kansas City: dialah yang, lebih dari dua dekade kemudian, menjadi seorang reformis jazz. Di Kansas City, dia berjalan melewati tempat-tempat diadakannya konser, dan benar-benar menyerap potongan-potongan musik yang dia sukai.

Terlepas dari popularitas jazz yang luar biasa di New Orleans dan distribusinya yang luas di Kansas City, sejumlah besar pemain jazz masih lebih menyukai Chicago dan New York. Dua kota di Pantai Timur Amerika Serikat menjadi titik konsentrasi dan perkembangan jazz yang paling penting. Bintang kedua kota itu adalah pemain terompet dan vokalis muda Louis Armstrong, penerus pemain terompet terhebat di New Orleans, Raja Oliver. Pada tahun 1924, penduduk asli New Orleans lainnya tiba di Chicago - pianis dan penyanyi Jelly Roll Morton. Musisi muda itu tidak rendah hati dan dengan berani menyatakan kepada semua orang bahwa dia adalah pencipta jazz. Dan sudah pada usia 28 tahun, dia pindah ke New York, di mana pada saat itu orkestra pianis muda Washington Duke Ellington mendapatkan popularitas, yang sudah menyingkirkan orkestra Fletcher Henderson dari sinar kemuliaan.

Gelombang popularitas "musik hitam" masuk ke Eropa. Dan jika jazz didengarkan di Paris bahkan sebelum dimulainya Perang Dunia Pertama, dan bukan di "kedai minuman", tetapi di salon aristokrat dan ruang konser, maka di tahun 20-an London menyerah. Orang jazz kulit hitam suka bepergian ke ibu kota Inggris - terutama dengan mempertimbangkan fakta bahwa di sana, tidak seperti Amerika, mereka diperlakukan dengan hormat dan manusiawi di belakang layar, dan tidak hanya di sana.

Patut dicatat bahwa penyair, penerjemah, penari, dan koreografer Valentin Parnakh menjadi penyelenggara konser jazz pertama di Moskow pada tahun 1922, dan 6 tahun kemudian popularitas musik ini mencapai St.

Awal tahun 1930-an ditandai dengan era baru- era band besar, orkestra besar, dan gaya baru mulai bergema di lantai dansa - ayunan. Orkestra Duke Ellinton mampu menyalip popularitas rekan-rekan mereka dari orkestra Fletcher Henderson dengan bantuan gerakan musik non-standar. Improvisasi simultan kolektif yang telah menjadi merek dagang Sekolah New Orleans jazz, menjadi bagian dari masa lalu, dan sebagai gantinya skor kompleks, frase ritmis dengan pengulangan, dan roll call grup orkestra semakin populer. Sebagai bagian dari orkestra, peran arranger semakin meningkat, yang menulis orkestrasi yang menjadi kunci kesuksesan seluruh tim. Pada saat yang sama, solois-improvisasi tetap menjadi pemimpin dalam orkestra, yang tanpanya tim dengan orkestrasi sempurna pun tidak akan diperhatikan. Pada saat yang sama, mulai sekarang, solois dengan ketat mengamati jumlah "kotak" dalam musik, sedangkan sisanya mendukungnya sesuai dengan aransemen tertulis. Popularitas orkestra Duke Ellington tidak hanya dibawa oleh solusi non-standar dalam aransemen, tetapi juga oleh komposisi orkestra kelas satu itu sendiri: pemain terompet Bubber Miley, Rex Stewart, Cootie Williams, pemain klarinet Barney Bigard, pemain saksofon Johnny Hodges dan Ben Webster, bassis ganda Jimmy Blanton tahu bisnis mereka tidak seperti yang lain. Orkestra jazz lain juga menunjukkan kerja tim dalam hal ini: pemain saksofon Lester Young dan pemain terompet Buck Clayton bermain di Count Basie, dan tulang punggung orkestra adalah bagian ritme "paling mengayun di dunia" - pianis Basie, bassis ganda Walter Page, drummer Joe Jones dan gitaris Freddie Green.

Orkestra Clarinetist Benny Goodman, yang seluruhnya terdiri dari musisi kulit putih, memperoleh popularitas luar biasa di pertengahan 30-an, dan di paruh kedua tahun 30-an memberikan pukulan telak pada semua batasan rasial dalam jazz: di atas panggung Carnegie Hall di sebuah orkestra yang dipimpin oleh Goodman pada saat yang sama musisi kulit hitam tampil! Sekarang, tentu saja, acara semacam itu bukanlah hal baru bagi pencinta musik yang canggih, tetapi pada tahun-tahun itu penampilan orang kulit putih (pemain klarinet Goodman dan drummer Gene Krupa) dan orang kulit hitam (pianis Teddy Wilson dan pemain vibrafon Lionel Hampton) benar-benar merobek semua pola. tercabik-cabik.

Di akhir tahun 30-an, orkestra putih Glenn Miller mendapatkan popularitas. Penonton dan pendengar segera memperhatikan karakteristik "suara kristal" dan aransemen yang dibuat dengan ahli, tetapi pada saat yang sama menyatakan bahwa semangat jazz dalam musik orkestra sangat minim. Selama Perang Dunia Kedua, "era ayunan" berakhir: kreativitas menghilang, dan "hiburan" bersinar di atas panggung, dan musik itu sendiri berubah menjadi massa konsumen yang tidak memerlukan embel-embel khusus. Bersamaan dengan perang, keputusasaan datang ke kubu jazzmen: tampaknya bagi mereka musik favorit mereka bergerak dengan mulus menuju matahari terbenam keberadaan.

Namun, awal revolusi jazz baru ditaburkan di salah satu kota asal gaya musik ini - New York. Musisi muda, kebanyakan berkulit hitam, tidak tahan dengan penurunan musik mereka di orkestra di klub resmi, setelah konser larut malam, berkumpul di klub mereka sendiri di 52nd Street. Mekah bagi mereka semua adalah klub Milton Playhouse. Di klub-klub New York inilah para pemain jazz muda melakukan sesuatu yang tak terbayangkan dan baru secara radikal: mereka berimprovisasi sebanyak mungkin pada akord blues sederhana, membangunnya dalam urutan yang tampaknya sama sekali tidak pantas, memutarnya keluar dan mengatur ulang, bermain sangat kompleks dan panjang. melodi yang dimulai tepat di tengah-tengah irama, dan berakhir di sana. Milton Playhouse pada tahun-tahun itu memiliki banyak pengunjung: semua orang ingin melihat dan mendengarkan binatang buas yang aneh, lahir dengan hiasan dan tak terbayangkan di atas panggung. Dalam upaya untuk memotong orang-orang profan acak yang sering suka naik ke atas panggung dan berimprovisasi dengan musisi, pemain jazz mulai mengambil komposisi dengan tempo tinggi, terkadang mempercepatnya ke kecepatan luar biasa yang hanya bisa ditangani oleh para profesional.

Beginilah gaya jazz revolusioner, be-bop, lahir. Pemain saksofon alto Charlie Parker yang dibesarkan di Kansas City, pemain terompet John Berks Gillespie, dijuluki "Dizzy" ("Dizzy"), gitaris Charlie Christian (salah satu pendiri bahasa harmonik), drummer Kenny Clarke dan Max Roach - nama-nama ini selamanya tertulis dalam huruf emas untuk sejarah jazz dan, khususnya, be-bop. Basis ritmis dari drum di be-bop dipindahkan ke piring, atribut eksternal khusus dari musisi muncul, dan sebagian besar konser ini berlangsung di klub tertutup kecil - begitulah cara pembuatan musik band dapat dijelaskan. Dan di atas semua kekacauan yang tampak ini, saksofon Parker bangkit: tidak ada yang setara dengannya dalam hal level, teknik, dan keterampilan. Tidaklah mengherankan bahwa temperamen musisi membakar tuannya begitu saja: Parker meninggal pada tahun 1955, "kelelahan" karena permainan saksofon, alkohol, dan obat-obatan yang konstan dan berkecepatan tinggi.

Penciptaan be-bop-lah yang tidak hanya memberikan dorongan bagi perkembangan jazz, tetapi juga menjadi Titik pangkal, dari mana percabangan jazz dimulai. Be-bop mengarah ke underground - venue kecil, pendengar terpilih dan setia, dan juga tertarik pada akar musik secara umum, sedangkan cabang kedua mewakili jazz di ranah sistem konsumen - begitulah pop jazz dulu. lahir, yang ada sampai hari ini. Jadi, selama bertahun-tahun, elemen pop jazz digunakan oleh bintang musik seperti Frank Sinatra, Sting, Kathy Melua, Zaz, Amy Winehouse, Kenny G, Norah Jones, dan lainnya.

Adapun cabang jazz yang kurang populer, hard bop mengikuti be-bop. Dalam gaya ini, taruhan dibuat dengan warna biru, awal yang luar biasa. Perkembangan hard bop dipengaruhi oleh permainan pemain saksofon Sonny Rollins, pianis Horace Silver, pemain terompet Clifford Brown dan pemain drum Art Blakey. Omong-omong, tim Blakey di bawah berjudul The Jazz Messengers menjadi sumber bakat jazz di seluruh dunia hingga kematian musisi tersebut pada tahun 1990. Pada saat yang sama, lainnya gaya sendiri: hati pendengar dimenangkan oleh jazz keren, umum di Pantai Timur, dan Barat mampu menentang gaya Pantai Barat dengan tetangganya. Seorang anggota Orkestra Parker, pemain terompet hitam Miles Davis, bersama dengan arranger Gil Evans, menciptakan jazz keren ("jazz keren") menggunakan harmoni baru dalam be-bop. Penekanannya dialihkan dari tempo tinggi musik ke kompleksitas aransemen. Pada saat yang sama, pemain saksofon bariton kulit putih Gerry Mulligan dan ansambelnya mengandalkan aksen lain dalam jazz keren - misalnya, pada improvisasi kolektif simultan yang berasal dari sekolah New Orleans. Itu Pantai Barat, dengan pemain saksofon kulit putih Stan Getz dan Zoot Sims memainkan pantai barat ("pantai barat"), menampilkan gambar be-bop yang berbeda, menciptakan suara yang lebih ringan daripada milik Charlie Parker. Dan pianis John Lewis menjadi pendiri Modern Jazz Quartet, yang pada dasarnya tidak bermain di klub, mencoba memberikan konser jazz, bentuk yang luas dan serius. Ngomong-ngomong, hal yang sama dicapai oleh kuartet pianis Dave Brubeck.

Maka, jazz mulai mengambil bentuknya sendiri: komposisi dan bagian solo pemain jazz menjadi lebih panjang. Pada saat yang sama, tren muncul dalam hard bop dan jazz keren: satu bagian berlangsung selama tujuh hingga sepuluh menit, dan satu solo - lima, enam, delapan "kotak". Secara paralel, gaya itu sendiri diperkaya oleh berbagai budaya, terutama Amerika Latin.

Pada akhir 1950-an, reformasi baru jatuh pada jazz, kali ini di bidang bahasa yang harmonis. Inovator di bagian ini lagi-lagi Miles Davis, yang merilis rekaman terkenalnya "Kind of Blue" pada tahun 1959. Kunci tradisional dan progresi akord telah berubah, para musisi tidak dapat meninggalkan dua akord selama beberapa menit, tetapi pada saat yang sama mereka mendemonstrasikan perkembangan pemikiran musik sedemikian rupa sehingga pendengar bahkan tidak memperhatikan monotonnya. Pemain saksofon tenor Davis, John Coltrane, juga menjadi simbol reformasi. Teknik bermain dan pemikiran musik Coltrane, yang ditunjukkan pada rekaman di awal tahun 60-an, tidak tertandingi hingga hari ini. Pemain saksofon alto Ornette Coleman, yang menciptakan gaya jazz bebas ("jazz gratis"), juga menjadi simbol pergantian tahun 50-an dan 60-an dalam jazz. Harmoni dan ritme dalam gaya ini praktis tidak dihormati, dan para musisi mengikuti melodi apa pun, bahkan melodi yang paling absurd sekalipun. Dalam istilah harmonik, jazz bebas menjadi puncaknya - kemudian ada kebisingan dan hiruk pikuk mutlak, atau keheningan total. Batasan absolut seperti itu membuat Ornette Coleman menjadi seorang jenius dalam musik pada umumnya dan jazz pada khususnya. Mungkin hanya musisi avant-garde John Zorn yang paling dekat dengannya dalam karyanya.

Tahun 60-an juga tidak menjadi era popularitas jazz tanpa syarat. Musik rock mengemuka, yang perwakilannya rela bereksperimen dengan teknik perekaman, kenyaringan, elektronik, distorsi suara, avant-garde akademik, teknik bermain. Menurut legenda, ide rekaman bersama gitaris virtuoso Jimi Hendrix dan pemain jazz legendaris John Coltrane digagas saat itu. Namun, pada tahun 1967, Coltrane meninggal, dan beberapa tahun kemudian Hendrix meninggal, dan gagasan ini tetap menjadi legenda. Miles Davis juga berhasil dalam genre ini: di akhir tahun 60-an, dia cukup berhasil memadukan musik rock dan jazz, menciptakan gaya jazz-rock, perwakilan terkemuka yang di masa mudanya kebanyakan bermain di band Davis: pemain keyboard Herbie Hancock dan Chick Corea, gitaris John McLaughlin, drummer Tony Williams. Pada saat yang sama, jazz-rock alias fusion mampu melahirkan perwakilan individu yang menonjol: gitaris bass Jaco Pastorius, gitaris Pat Metheny, gitaris Ralph Towner. Namun, popularitas fusion, yang muncul di akhir tahun 60-an dan mendapatkan popularitas di tahun 70-an, dengan cepat menurun, dan hari ini gaya ini adalah produk yang sepenuhnya komersial, berubah menjadi smooth jazz ("smoothed jazz") - musik latar di mana ritme dan garis melodi digantikan oleh improvisasi. Smooth jazz diwakili oleh George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman dan lainnya.

Pada tahun 70-an, ceruk terpisah ditempati oleh jazz dunia ("musik dunia") - perpaduan khusus yang diperoleh sebagai hasil dari perpaduan yang disebut "musik cacing" (musik etnis, terutama dari negara-negara Dunia Ketiga) dan jazz. Merupakan ciri khas bahwa dalam gaya ini penekanannya sama-sama ditempatkan pada sekolah jazz lama dan struktur etnik. Dikenal misalnya motifnya musik daerah Amerika Latin(hanya solo yang diimprovisasi, iringan dan komposisi tetap sama seperti pada musik etno), motif Timur Tengah (Dizzy Gillespie, kuartet dan kuintet Keith Jarrett), motif musik India (John McLaughlin), Bulgaria (Don Ellis) dan Trinidad ( Andy Narrel).

Jika tahun 60-an menjadi era pencampuran musik jazz dengan musik rock dan etnik, maka di tahun 70-an dan 80-an para musisi kembali memutuskan untuk mulai bereksperimen. Funk modern berakar pada periode ini, dengan pengiring memainkan jiwa pop hitam dan musik funk, sementara improvisasi solo yang ekstensif lebih kreatif dan jazzy. Perwakilan terkemuka dari gaya ini adalah Grover Washington Jr., anggota The Crusaders Felder Wilton dan Joe Semple. Selanjutnya, semua inovasi menghasilkan jangkauan jazz funk yang lebih luas, perwakilan paling cemerlang di antaranya adalah Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics.

Juga, acid jazz ("acid jazz") secara bertahap mulai muncul di atas panggung, yang bercirikan ringan dan "menari". Ciri khas penampilan para musisi adalah iringan sampel yang diambil dari burung murai vinil. Miles Davis yang ada di mana-mana kembali menjadi pelopor jazz asam, dan Derek Bailey mulai mewakili sayap yang lebih radikal dari rencana avant-garde. Di Amerika Serikat, istilah "acid jazz" praktis tidak populer: di sana musik seperti itu disebut groove jazz dan club jazz. Puncak popularitas acid jazz datang pada paruh pertama tahun 90-an, dan di "nol" popularitas gaya tersebut mulai menurun: jazz baru menggantikan acid jazz.

Adapun Uni Soviet, orkestra pianis dan komposer Moskow Alexander Tsfasman dianggap sebagai ansambel jazz profesional pertama yang tampil di radio dan merekam rekaman. Di hadapannya, band-band jazz muda berfokus terutama pada penampilan musik dansa pada tahun-tahun itu - foxtrot, Charleston. Berkat ansambel Leningrad yang dipimpin oleh aktor dan penyanyi Leonid Utyosov dan pemain terompet Ya.B. Skomorovsky, jazz hadir situs besar Uni Soviet sudah berusia 30-an. Komedi "Merry Fellows" dengan partisipasi Utyosov, difilmkan pada tahun 1934 dan menceritakan tentang seorang musisi jazz muda, memiliki soundtrack yang sesuai oleh Isaac Dunayevsky. Utyosov dan Skomorovsky menciptakan gaya khusus yang disebut tea-jazz ("jazz teatrikal"). Eddie Rosner, yang pindah dari Eropa ke Uni Soviet dan menjadi pemopuler swing, bersama band-band Moskow tahun 30-an dan 40-an, memberikan kontribusinya pada perkembangan jazz di Uni Soviet. di bawah kepemimpinan Alexander Tsfasman dan Alexander Varlamov.

Pemerintah sendiri di Uni Soviet agak ambigu tentang jazz. Tidak ada larangan resmi atas penampilan lagu-lagu jazz dan distribusi rekaman jazz, namun, ada kritik terhadap gaya musik ini mengingat penolakan terhadap ideologi Barat pada umumnya. Sudah di tahun 40-an, jazz harus bergerak di bawah tanah karena penganiayaan yang telah dimulai, tetapi di awal tahun 60-an, dengan munculnya "pencairan" Khrushchev, pemain jazz keluar lagi. Namun, kritik terhadap jazz tidak berhenti sampai saat itu. Dengan demikian, orkestra Eddie Rozner dan Oleg Lundstrem melanjutkan aktivitasnya. Komposisi baru juga muncul, di antaranya orkestra Joseph Weinstein (Leningrad) dan Vadim Ludvikovsky (Moskow), serta Riga Variety Orchestra (REO), menonjol. Aransemen berbakat dan improvisasi solo juga tampil di panggung: Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Kamar dan klub jazz sedang berkembang, yang penganutnya adalah Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril dan Leonid Chizhik. Mekah jazz Soviet dan kemudian Rusia adalah klub Blue Bird, yang ada dari tahun 1964 hingga 2009 dan memunculkan musisi seperti saudara laki-laki Alexander dan Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko, dan lainnya.

Dalam jazz "nol" menemukan nafas baru, dan penyebaran Internet yang cepat menjadi pendorong yang sangat besar tidak hanya untuk rekaman yang sukses secara komersial, tetapi juga untuk artis bawah tanah. Hari ini, siapa pun dapat pergi ke konser eksperimen gila John Zorn dan penyanyi jazz-pop "lapang" Cathy Malua, seorang penduduk Rusia dapat dibanggakan oleh Igor Butman, dan seorang Kuba dapat dibanggakan oleh Arturo Sandoval. Lusinan stasiun muncul di radio, menyiarkan jazz dalam segala bentuknya. Tidak diragukan lagi, abad ke-21 telah menempatkan segalanya pada tempatnya dan memberikan jazz tempat yang seharusnya - di atas alas, bersama dengan gaya klasik lainnya.