Arus utama dan arah era baru estetika. Sejarah Estetika: Estetika Zaman Modern

Kirim karya bagus Anda di basis pengetahuan itu sederhana. Gunakan formulir di bawah ini

Pelajar, mahasiswa pascasarjana, ilmuwan muda yang menggunakan basis pengetahuan dalam studi dan pekerjaan mereka akan sangat berterima kasih kepada Anda.

Diposting di http://allbest.ru

seni keindahan estetik

Perkenalan

1. Estetika sebagai ilmu filsafat

2. Gagasan estetika masyarakat Timur Kuno

3. Pemikiran estetika antik

4. Estetika Abad Pertengahan

5. Ajaran estetika Renaisans

6. Estetika zaman baru

7. Gagasan estetika filsafat klasik Jerman

8. Konsep non-klasik estetika Eropa Barat

Perkenalan

Kemungkinan kontak takdir manusia dengan keindahan adalah salah satu peluang paling menakjubkan yang dapat mengungkap kegembiraan sejati berkomunikasi dengan dunia, keagungan keberadaan. Namun, kesempatan yang diberikan dengan menjadi sering tetap tidak diklaim, terlewatkan. Dan hidup menjadi abu-abu biasa, monoton, tidak menarik. Mengapa ini terjadi?

Perilaku makhluk alam ditentukan sebelumnya oleh struktur organisme mereka. Jadi, setiap hewan yang lahir ke dunia sudah diberkahi dengan serangkaian naluri yang memastikan kemampuan beradaptasi dengan lingkungan. Perilaku hewan dikodekan dengan keras, mereka memiliki "makna" dari kehidupan mereka sendiri.

Seseorang tidak memiliki kepastian perilaku bawaan ini karena fakta bahwa setiap individu mengandung kemungkinan perkembangan yang tidak terbatas (baik positif maupun negatif). Ini menjelaskan keragaman jenis perilaku individu yang tidak ada habisnya, ketidakpastian setiap individu. Seperti yang dicatat Montaigne, ada lebih sedikit kesamaan antara dua perwakilan ras manusia daripada antara dua hewan.

Dengan kata lain, ketika seorang individu lahir, ia segera menemukan dirinya dalam situasi yang tidak pasti untuk dirinya sendiri. Terlepas dari kecenderungan terkaya, gennya tidak memberi tahu Anda bagaimana berperilaku, apa yang harus diperjuangkan, apa yang harus dihindari, apa yang harus dicintai di dunia ini, apa yang harus dibenci, bagaimana membedakan kecantikan sejati dari kecantikan palsu, dll. Gen diam tentang hal terpenting, beradaptasi dengan perilaku apa pun. Bagaimana seseorang mengelola kemampuannya? Akankah cahaya kecantikan muncul di benaknya? Akankah dia mampu menahan tekanan dari pangkalan yang jelek itu?

Itu adalah kekuatan daya tarik yang indah, dan, pada saat yang sama, keinginan seseorang untuk mengatasi pengaruh dasar yang merusak, yang menjadi salah satu alasan terpenting munculnya ilmu kecantikan khusus.

Untuk memahami relevansi yang berkembang dari masalah estetika, perlu diperhatikan seluruh baris fitur pengembangan teknologi. Masyarakat modern dihadapkan pada tren paling berbahaya sepanjang sejarah umat manusia: kontradiksi antara sifat global lepas landas ilmiah dan teknologi dan keterbatasan kesadaran manusia, yang dapat menyebabkan bencana umum.

Pada awal abad ke-20, pengalaman spiritual, ilmiah, dan teknis yang luar biasa telah terkumpul. Gagasan humanisme, kebaikan, keadilan dan keindahan diakui secara luas. Semua bentuk kejahatan terungkap dan seluruh alam semesta spiritual terbentuk, menumbuhkan keindahan.

Namun masyarakat dunia belum menjadi lebih bijak, lebih harmonis dan lebih manusiawi. Dan sebaliknya. Peradaban abad ke-20 ternyata terlibat dalam kejahatan paling masif, mereplikasi jenis dasar keberadaan. Banyak pergolakan sosial yang buruk, manifestasi ekstrim dari kekejaman yang tidak masuk akal sepanjang abad ke-20 menghancurkan kepercayaan pada manusia, citra kepribadian yang optimis. Bagaimanapun, selama periode inilah jutaan orang dihancurkan. Tiang-tiang nilai budaya berusia berabad-abad yang tampaknya tak tergoyahkan terhapus dari muka bumi.

Salah satu kecenderungan yang paling mencolok di abad yang lalu terkait dengan eksaserbasi pandangan dunia yang tragis. Bahkan di negara yang ekonominya stabil, jumlah kasus bunuh diri terus meningkat, jutaan orang menderita berbagai bentuk depresi. Pengalaman keharmonisan pribadi menjadi keadaan yang rapuh, tidak stabil, agak jarang, yang semakin sulit untuk ditembus dalam arus kekacauan manusia universal.

Refleksi tentang keacakan, ketidakpastian, sifat kacau keberadaan manusia, tumbuhnya skeptisisme terkait pencarian pedoman semantik yang dapat diandalkan dan penemuan keindahan sejati menjadi motif budaya yang dominan.

Mengapa pergerakan manusia dalam ruang dan waktu begitu tragis? Apakah mungkin untuk mengatasi gejala mengganggu yang berkembang dalam kehidupan manusia? Dan, yang paling penting, pada jalur apa ditemukan harmoni yang berkelanjutan?

Penyakit mental yang paling umum adalah jatuh dari dunia kecantikan. Faktanya, seringkali seseorang mencari kebahagiaan dengan menguasai ruang luar, mencari kekayaan, kekuasaan, ketenaran, kesenangan fisiologis. Dan di jalur ini dia bisa mencapai ketinggian tertentu. Namun, mereka tidak mampu mengatasi kecemasan, kecemasan yang terus-menerus, karena keyakinan pada kekuatan uang yang tidak terbatas, kekuatan terlalu besar, dan akibatnya, kontak yang dalam dengan landasan suci keberadaan - Kecantikan hilang.

Dan dalam pengertian ini, estetika sebagai ilmu tentang keindahan, tentang kekayaan yang tiada habisnya dan sifat paradoks dari manifestasinya dalam budaya dunia dapat menjadi faktor terpenting dalam humanisasi individu. Dan dengan demikian, tugas utama estetika adalah mengungkapkan fenomena keindahan yang mencakup segalanya, untuk memperkuat cara-cara menyelaraskan seseorang untuk mengakarnya di dunia keindahan dan kreativitas yang tak terhindarkan. Sebagai F.M. Dostoevsky, "estetika adalah penemuan momen indah dalam jiwa manusia oleh orang yang sama untuk perbaikan diri."

1.Eestetika sebagai ilmu filsafat

Estetika adalah sistem pengetahuan tentang sifat-sifat paling umum dan hukum perkembangan yang indah dan jelek, luhur dan rendah, fenomena realitas yang tragis dan lucu serta ciri-ciri refleksinya dalam pikiran manusia. Estetika adalah ilmu filosofis, yang terkait dengan solusi dari pertanyaan utama filsafat. Dalam estetika, ini muncul sebagai pertanyaan tentang hubungan kesadaran estetika dengan realitas.

Topik estetika

Itu terbentuk dalam proses perkembangan pemikiran estetika selama berabad-abad, atas dasar generalisasi praktik sikap estetika masyarakat terhadap produk aktivitasnya, terhadap karya seni, terhadap alam, terhadap manusia itu sendiri. Banyak pertanyaan yang dieksplorasi estetika saat ini telah memenuhi umat manusia sejak lama; mereka dihadapkan pada diri mereka sendiri oleh orang Yunani kuno, dan sebelum orang Yunani, para pemikir Mesir, Babilonia, India, dan Cina memikirkan mereka.

Namun, nama sains - estetika - baru diperkenalkan pada pertengahan abad ke-18 oleh filsuf Jerman Baumgarten. Sebelum dia, masalah estetika dipertimbangkan dalam kerangka konsep filosofis umum sebagai bagian organiknya. Dan hanya pencerahan Jerman ini yang memilih estetika dalam kerangka filsafat sebagai disiplin independen yang menempati tempat di samping disiplin filosofis lainnya - logika, etika, epistemologi, dan sebagainya. Baumgarten berasal istilah "estetika" dari kata Yunani kuno yang berarti "tentang yang masuk akal". Karenanya, estetikanya adalah ilmu tentang persepsi indrawi. Subjek estetika, dan karenanya isi konsep ini, terus berubah sejak saat itu. Hari ini, subjek ilmu ini adalah: pertama, sifat estetika, yaitu yang paling Karakteristik umum, sisi-sisi yang melekat pada berbagai objek estetika realitas; kedua, sifat refleksi dari fenomena tersebut dalam pikiran manusia, dalam kebutuhan estetika, persepsi, ide, cita-cita, pandangan dan teori; ketiga, hakikat aktivitas estetik masyarakat sebagai proses penciptaan nilai estetik.

Esensi dan kekhususan sikap estetika terhadap dunia

Hubungan estetika adalah hubungan spiritual subjek dengan objek, berdasarkan keinginan tanpa pamrih untuk yang terakhir dan disertai dengan perasaan kenikmatan spiritual yang mendalam dari berkomunikasi dengannya.

Objek estetika muncul dalam proses praktik sosio-historis: awalnya secara spontan, dan kemudian sesuai dengan perasaan, kebutuhan, gagasan estetika yang muncul, secara umum, kesadaran estetika orang. Dipandu olehnya, seseorang membentuk "substansi" alam menurut hukum aktivitas estetika. Alhasil, benda-benda yang diciptakannya, misalnya perkakas, tampil sebagai satu kesatuan aspek alam dan sosial, satu kesatuan yang sebagai nilai estetika mampu memenuhi tidak hanya kebutuhan material, utilitarian, tetapi juga kebutuhan spiritual. orang.

Pada saat yang sama, objek yang sama dalam satu hal dapat menjadi berharga secara estetika, misalnya, indah, dan dalam hal lain - secara estetika anti-nilai. Misalnya, seseorang sebagai objek sikap estetika dapat memiliki suara yang indah dan penampilan yang jelek. Selain itu, objek estetika yang sama bisa berharga dan anti-bernilai dalam hal yang sama, tetapi pada waktu yang berbeda. Fakta bahwa suatu objek estetika memiliki signifikansi estetika relatif juga dibuktikan dengan sifat kutub dari kategori estetika utama (indah dan jelek, luhur dan rendah, tragis dan lucu).

Bidang masalah dan basis metodologis estetika

Salah satu pendekatan modern untuk mempertimbangkan subjek estetika sebagai ilmu adalah bahwa bidang estetika yang bermasalah bukanlah bidang fenomena khusus, tetapi seluruh dunia dilihat dari sudut tertentu, semua fenomena diambil dalam terang tugas ini. ilmu memecahkan. Pertanyaan utama ilmu ini adalah hakikat estetika dan keragamannya dalam realitas dan seni, prinsip sikap estetika manusia terhadap dunia, hakikat dan hukum seni. Estetika sebagai ilmu mengungkapkan sistem pandangan estetika masyarakat, yang meninggalkan jejaknya di seluruh wajah aktivitas material dan spiritual manusia.

Pertama-tama, ini menyangkut posisi bahwa fenomena estetika harus dipertimbangkan dalam kualitas akhirnya, secara holistik. Bagaimanapun, dalam kualitas akhir yang holistik kesatuan pengkondisian objektif dan subjektif dari fenomena estetika terwujud.

Implementasi prinsip metodologi ini dimulai dengan ditemukannya akar genetik dari fenomena estetika. Sudut pandang genetik adalah prinsip metodologi estetika asli. Ini menjelaskan bagaimana fenomena estetika (misalnya seni) ditentukan oleh realitas, serta orisinalitas kepribadian pengarang. Sudut pandang genetik adalah prinsip metodologis utama estetika, yang dengannya sifat subjek-objek dari fenomena estetika diperhitungkan.

Struktur teori estetika

Hubungan estetika seseorang dengan kenyataan sangat beragam dan serbaguna, tetapi paling jelas terwujud dalam seni. Seni juga merupakan subjek dari apa yang disebut ilmu sejarah seni (kritik sastra, musikologi, sejarah dan teori seni rupa, studi teater, dll.). Sejarah seni terdiri dari berbagai ilmu (sejarah dan teori jenis tertentu seni). Kompleks teori jenis seni individu dan pengetahuan teoretis yang berkaitan dengan seni, beberapa ahli estetika menyebut teori umum seni dan membedakannya dari estetika itu sendiri.

Cabang ilmu sejarah seni menjalankan fungsi disiplin ilmu bantu dalam kaitannya dengan estetika. Namun, disiplin tambahan estetika tidak berakhir di situ. Disiplin ilmu bantu yang sama dalam hubungannya dengan itu misalnya sosiologi seni, psikologi seni, epistemologi, semantik, dan sebagainya. Estetika menggunakan temuan banyak disiplin ilmu, tanpa identik dengannya. Oleh karena itu, karena sifatnya yang menggeneralisasi, estetika disebut sebagai ilmu filosofis.

Hubungan khusus antara estetika dan seni terlihat jelas dalam kritik seni. Estetika adalah dasar teoretis dari kritik; membantunya untuk memahami dengan benar masalah kreativitas dan mengedepankan aspek-aspek yang sesuai dengan makna seni bagi seseorang dan masyarakat. Atas dasar kesimpulan dan prinsipnya, atas dasar pola yang mapan, estetika memberikan kesempatan kepada kritik untuk menciptakan kriteria evaluasi, mengevaluasi kreativitas dalam kaitannya dengan persyaratan saat ini terkait dengan perkembangan aspek sosial dan nilai.

2. Gagasan estetika masyarakat Timur Kuno

Tradisionalisme budaya Timur kuno

Transisi dari sistem komunal primitif ke formasi pemilik budak mengarah pada pembentukan sejumlah peradaban kuat di Timur dengan budaya material dan spiritual tingkat tinggi.

Kekhasan perkembangan budaya Timur kuno mencakup fitur seperti kedalaman tradisionalisme. Gagasan dan gagasan awal tertentu terkadang hidup dalam budaya Timur selama berabad-abad bahkan ribuan tahun. Untuk waktu yang lama keberadaan budaya kuno Timur, perkembangan menyangkut nuansa individu dari ide-ide tertentu, dan dasarnya tetap tidak berubah.

Mesir Kuno

Orang Mesir mencapai sukses besar di bidang astronomi, matematika, ilmu teknik dan konstruksi, kedokteran, sejarah, geografi. Penemuan awal tulisan berkontribusi pada munculnya contoh asli sastra Mesir kuno yang sangat artistik. Perkembangan seni dan tempatnya yang terhormat dalam budaya Mesir menjadi dasar munculnya penilaian estetika pertama yang tercatat dalam sumber-sumber tertulis. Yang terakhir bersaksi bahwa orang Mesir kuno memiliki rasa keindahan, keindahan (nefer) yang sangat berkembang. Kata "nefer" memasuki gelar resmi firaun.

Mesir Kuno dianggap sebagai tempat kelahiran agama cahaya dan estetika cahaya. Sinar matahari yang didewakan dipuja sebagai kebaikan tertinggi dan keindahan tertinggi di antara orang Mesir kuno. Cahaya dan keindahan telah diidentifikasi dalam budaya Mesir sejak zaman kuno. Esensi keindahan ilahi sering direduksi menjadi pancaran.

Aspek keindahan lainnya, yang melekat di hampir semua budaya Timur kuno, adalah apresiasi estetika yang tinggi terhadap logam mulia. Emas, perak, elektr, lapis lazuli dalam pemahaman orang Mesir adalah bahan yang paling indah. Atas dasar pemikiran orang Mesir kuno tentang keindahan dan keindahan, terbentuklah warna. kanon orang Mesir. Itu termasuk warna-warna sederhana: putih, merah, hijau. Tetapi orang Mesir sangat menghargai warna emas dan lapis lazuli. "Emas" sering bertindak sebagai sinonim untuk "indah".

Pemikiran artistik orang Mesir dari zaman kuno, sebagai hasil dari praktik panjang, mengembangkan sistem kanon yang dikembangkan: kanon proporsi, kanon warna, kanon ikonografi. Di sini kanon menjadi prinsip estetika terpenting yang menentukan aktivitas kreatif seniman. Kanon memainkan peran penting dalam karya para master Mesir kuno dan mengarahkan energi kreatif mereka. Efek artistik dalam seni kanonik dicapai karena sedikit variasi bentuk dalam skema kanonik.

Orang Mesir menghargai matematika dan menerapkan hukumnya di hampir semua bidang aktivitas mereka. Untuk seni rupa, mereka mengembangkan sistem proporsi gambar yang harmonis. Modulus sistem ini adalah ekspresi numerik "bagian emas"-- angka 1.618... Karena proporsinya bersifat universal, menyebar ke banyak bidang sains, filsafat, dan seni, dan dianggap oleh orang Mesir sendiri sebagai cerminan dari struktur alam semesta yang harmonis, mereka dianggap suci .

Tiongkok Kuno

Pemikiran estetika Cina pertama kali diidentifikasi dengan jelas di antara para filsuf abad ke-6 - ke-3 SM. e. Konsep dan istilah estetika, serta ketentuan utama teori estetika, dikembangkan di Cina kuno atas dasar pemahaman filosofis tentang hukum alam dan masyarakat.

Di antara banyak sekolah dan arah, ada tempat khusus Taoisme Dan Konfusianisme . Kedua ajaran ini memainkan peran utama di zaman kuno dan memiliki pengaruh yang menentukan pada semua perkembangan selanjutnya. budaya Cina. Baik Taoisme maupun Konfusianisme peduli dengan pencarian cita-cita sosial, tetapi arah pencarian mereka sama sekali berbeda. Bagian sentral dari Taoisme adalah doktrin dunia. Segala sesuatu yang lain - doktrin masyarakat dan negara, teori pengetahuan, teori seni (dalam bentuknya yang kuno) - berasal dari doktrin dunia. Inti dari filosofi Konfusianisme adalah seseorang dalam hubungan masyarakatnya, seseorang sebagai dasar ketenangan dan ketertiban yang tak tergoyahkan, anggota masyarakat yang ideal. Dengan kata lain, dalam Konfusianisme, kita selalu berurusan dengan cita-cita etis dan estetika, sedangkan bagi Taoisme tidak ada yang lebih indah dari kosmos dan alam, dan masyarakat serta manusia seindah mungkin menjadi seperti keindahan dunia objektif. . Pandangan estetik Konfusius dan para pengikutnya berkembang sejalan dengan teori sosial-politik mereka. Istilah "cantik" itu sendiri (Mungkin) dalam Konfusius, itu adalah sinonim untuk "baik", atau itu hanya berarti cantik secara lahiriah. Secara umum, cita-cita estetika Konfusius adalah kesatuan sintetik dari yang indah, baik, dan bermanfaat.

3. Pemikiran estetika antik

Estetika kuno adalah pemikiran estetika yang berkembang di Yunani dan Roma kuno dari abad ke-6 SM hingga abad ke-6 Masehi. Memiliki gagasan mitologis sebagai sumbernya, estetika kuno lahir, berkembang, dan menurun dalam kerangka formasi pemilik budak, menjadi salah satu ekspresi budaya yang paling mencolok pada masa itu.

Periode berikut dibedakan dalam sejarah estetika kuno: 1) klasik awal atau estetika kosmologis (abad VI-V SM); 2) klasik menengah atau estetika antropologis (abad ke-5 SM); 3) estetika klasik atau eidologis tinggi (dewasa) (abad V-IV SM); 4) Hellenisme awal (abad IV-I SM); 5) Hellenisme akhir (abad I-VI M).

Kosmologi sebagai dasar estetika kuno

Untuk ide-ide estetika, serta untuk seluruh pandangan dunia kuno, kosmologisme yang ditekankan adalah ciri khasnya. Kosmos, dari sudut pandang orang dahulu, meskipun terbatas secara spasial, tetapi dibedakan oleh harmoni, proporsi, dan keteraturan gerak di dalamnya, berperan sebagai perwujudan keindahan. Seni pada masa awal pemikiran kuno belum lepas dari kriya dan tidak berperan sebagai objek estetik ujung ke ujung. Bagi orang Yunani kuno, seni adalah kegiatan produksi dan teknis. Karenanya kesatuan yang tak terpisahkan dari sikap praktis dan murni estetika terhadap objek dan fenomena. Bukan tanpa alasan bahwa kata yang diungkapkan oleh orang Yunani tentang konsep seni, "techne", memiliki akar yang sama dengan "tikto" - "Saya melahirkan", sehingga "seni" dalam bahasa Yunani "generasi" atau material penciptaan oleh sesuatu dari dirinya sendiri sama, tetapi hal-hal baru.

estetika praklasik

Dalam bentuknya yang paling murni dan langsung, estetika kuno yang terkandung dalam mitologi dibentuk pada tahap pembentukan komunal primitif. Akhir abad II dan abad pertama milenium I SM. e. berada di Yunani periode kreativitas epik. Epik Yunani, yang direkam dalam puisi Homer Iliad dan Odyssey, bertindak sebagai sumber dari mana estetika kuno dimulai.

Bagi Homer, kecantikan adalah dewa dan seniman utamanya adalah para dewa. Dewa-dewa bukan hanya prinsip-prinsip kosmis yang mendasari kosmos sebagai karya seni, tetapi juga bagi kreativitas manusia. Apollo and the Muses menginspirasi penyanyi, dan dalam karya penyanyi Homer peran utama bukan penyanyi itu sendiri yang bermain, tapi para dewa, terutama Apollo dan Muses.

Kecantikan dikandung oleh Homer dalam bentuk materi yang paling tipis, transparan, dan bercahaya, dalam bentuk semacam aliran hidup yang mengalir. Kecantikan berperan sebagai semacam pancaran cahaya lapang, yang dapat menyelimuti, menyelimuti objek. Pemberkahan, menyelimuti dengan keindahan bersifat eksternal. Tapi ada juga anugerah batin. Ini terutama inspirasi dari penyanyi Homer dan Homer sendiri.

Ajaran estetika khusus zaman kuno

Ada beberapa doktrin seperti itu, yang masalah-masalahnya banyak penulis kuno coba ungkapkan sendiri.

Kalokagatiya ("Kalos" - cantik, "agatos" - baik, sempurna secara moral) - salah satu konsep estetika kuno, yang menunjukkan keharmonisan eksternal dan internal, yang merupakan kondisi keindahan individu. Istilah "kalokagatia" ditafsirkan secara berbeda dalam periode yang berbeda dari perkembangan sosio-historis masyarakat kuno, tergantung pada jenis pemikirannya. Orang Pythagoras memahaminya sebagai perilaku eksternal seseorang, ditentukan oleh kualitas internal. Pemahaman aristokrat kuno tentang "kalokagatia" melekat pada Herodotus, yang menganggapnya sehubungan dengan tradisi pendeta, Plato, yang mengaitkannya dengan kecakapan militer, kualitas "alami", atau dengan ciri-ciri umum. Dengan perkembangan ekonomi individu kuno, istilah "kalokagatia" mulai digunakan untuk menunjukkan pemilik yang praktis dan rajin, dan dalam bidang kehidupan politik istilah ini digunakan (sebagai kata benda) untuk demokrat moderat. Pada akhir abad ke-5 SM. e. dengan munculnya menyesatkan, istilah "kalokagatiya" mulai digunakan untuk mencirikan pembelajaran dan pendidikan. Plato dan Aristoteles memahami kalokagatiya secara filosofis - sebagai keharmonisan internal dan eksternal, dan secara internal mereka memahami kebijaksanaan, yang penerapannya dalam hidup membawa seseorang ke kalokagatiya. Dengan berkembangnya individualisme dan psikologi di era Hellenisme, kalokagatiya mulai dimaknai bukan sebagai kualitas alamiah, melainkan sebagai hasil latihan dan latihan moral yang berujung pada pemahaman moralistiknya.

Pembersihan (pemurnian) - istilah yang berfungsi untuk menunjuk salah satu momen penting dari dampak estetika seni pada seseorang. Pythagoras mengembangkan teori pembersihan jiwa dari nafsu berbahaya dengan memaparkannya pada musik yang dipilih secara khusus. Plato tidak mengasosiasikan katarsis dengan seni, memahaminya sebagai pemurnian jiwa dari aspirasi indria, dari segala sesuatu yang jasmani, mengaburkan dan mendistorsi keindahan gagasan. Sebenarnya pemahaman estetika tentang katarsis diberikan oleh Aristoteles, yang menulis bahwa di bawah pengaruh musik dan nyanyian, jiwa pendengarnya menjadi bersemangat, pengaruh yang kuat (kasihan, ketakutan, antusiasme) muncul di dalamnya, akibatnya muncul pendengar “menerima semacam pemurnian dan kelegaan yang terkait dengan kesenangan…” . Dia juga menunjukkan efek katarsis dari tragedi, mendefinisikannya sebagai jenis khusus "peniruan melalui tindakan, bukan cerita, yang, melalui kasih sayang dan ketakutan, memurnikan pengaruh tersebut."

Peniruan (imitasi, reproduksi) - dalam estetika kuno, prinsip dasar aktivitas kreatif seniman. Berangkat dari fakta bahwa semua seni didasarkan pada mimesis, para pemikir zaman kuno menafsirkan esensi konsep ini dengan cara yang berbeda. Orang Pythagoras percaya bahwa musik meniru "harmoni alam semesta", Democritus yakin bahwa seni dalam arti luas (sebagai aktivitas kreatif manusia yang produktif) berasal dari peniruan manusia oleh hewan (menenun - dari peniruan laba-laba, rumah -membangun - burung layang-layang, bernyanyi - burung, dll.). Plato percaya bahwa peniruan adalah dasar dari semua kreativitas. Teori estetika mimesis sebenarnya adalah milik Aristoteles. Ini mencakup refleksi realitas yang memadai (penggambaran hal-hal sebagai "mereka dulu dan sekarang"), dan aktivitas imajinasi kreatif (penggambaran mereka sebagai "mereka dibicarakan dan dipikirkan"), dan idealisasi realitas (mereka penggambaran seperti itu, “apa yang seharusnya). Tujuan mimesis dalam seni, menurut Aristoteles, adalah perolehan pengetahuan dan pembangkitan rasa senang dari reproduksi, kontemplasi, dan kognisi suatu objek.

4. Estetika Abad Pertengahan

Prinsip dasar

Estetika abad pertengahan adalah istilah yang digunakan dalam dua pengertian, luas dan sempit. Dalam arti luas, estetika abad pertengahan adalah estetika semua wilayah abad pertengahan, termasuk estetika Eropa Barat, estetika Bizantium, estetika Rusia Kuno, dan lain-lain. Dalam arti sempit, estetika abad pertengahan adalah estetika Eropa Barat pada abad ke-5 hingga ke-14. Yang terakhir, dua periode kronologis utama dibedakan - awal abad pertengahan (abad ke-5 - ke-10) dan akhir abad pertengahan (abad ke-11 - ke-14), serta dua bidang utama - sejarah filosofis dan teologis dan seni. Periode pertama estetika abad pertengahan dicirikan oleh posisi protektif dalam kaitannya dengan warisan kuno. Pada akhir periode abad pertengahan, risalah estetika khusus muncul sebagai bagian dari kode filosofis dan religius yang besar (yang disebut "jumlah"), minat teoretis dalam masalah estetika, yang merupakan ciri khas para pemikir abad XII - XIII.

Periode kronologis besar Abad Pertengahan di Barat berkorelasi dengan pembentukan sosio-ekonomi feodalisme. Struktur hierarkis masyarakat tercermin dalam pandangan dunia abad pertengahan dalam bentuk gagasan tentang apa yang disebut hierarki surgawi, yang penyelesaiannya ada di dalam Tuhan. Pada gilirannya, alam ternyata merupakan perwujudan nyata dari prinsip supersensible (Tuhan). Gagasan tentang hierarki bersifat simbolis. Fenomena sensual dan kasatmata yang terpisah dianggap hanya sebagai simbol dari "Tuhan yang tak terlihat dan tak terlukiskan". Dunia dianggap sebagai suatu sistem hirarki karakter.

Estetika Bizantium

Pada 324-330, Kaisar Constantine mendirikan ibu kota baru Kekaisaran Romawi di situs kota kuno kecil Byzantium - Konstantinopel. Beberapa saat kemudian, Kekaisaran Romawi terpecah menjadi dua bagian - Barat dan Timur. Konstantinopel menjadi ibu kota yang terakhir. Sejak saat itu, sudah menjadi kebiasaan untuk mempertimbangkan sejarah budaya Bizantium, yang ada dalam kerangka satu negara hingga tahun 1453.

Estetika Bizantium, setelah menyerap dan mengerjakan ulang dengan caranya sendiri, banyak gagasan estetika zaman kuno, berpose dan mencoba memecahkan sejumlah masalah baru yang signifikan bagi sejarah estetika. Di antara mereka, seseorang harus menunjukkan perkembangan kategori seperti gambar, simbol, kanon, modifikasi baru yang indah, munculnya sejumlah pertanyaan yang berkaitan dengan analisis spesifik seni, khususnya analisis persepsi seni. dan interpretasi karya seni, serta pergeseran penekanan ke sisi psikologis kategori estetika. Masalah signifikan dari estetika ini termasuk mengajukan pertanyaan tentang peran seni dalam sistem pemahaman dunia filosofis dan religius secara umum, peran epistemologisnya, dan beberapa masalah lainnya.

"Keindahan mutlak" adalah tujuan dari aspirasi spiritual Bizantium. Salah satu cara untuk tujuan ini yang mereka lihat di "indah" dunia material, karena di dalam dia dan melalui dia, "pelakunya" dari segala sesuatu diketahui. Namun, sikap Bizantium terhadap "keindahan duniawi" bersifat ambivalen dan tidak selalu pasti.

Di satu sisi, para pemikir Bizantium memiliki sikap negatif terhadap keindahan sensual, sebagai penyebab pikiran berdosa dan nafsu duniawi. Di sisi lain, mereka sangat menghargai keindahan di dunia material dan seni, karena dalam pemahaman mereka itu bertindak sebagai "tampilan" dan manifestasi keindahan mutlak ilahi pada tingkat wujud empiris.

Pemikir Bizantium juga mengetahui kategori kutub dari yang cantik - yang jelek dan mencoba mendefinisikannya. Kurangnya keindahan, keteraturan, pencampuran objek yang berbeda secara tidak proporsional - semua ini adalah indikator dari keburukan, "karena keburukan adalah inferioritas, ketiadaan bentuk dan pelanggaran ketertiban."

Bagi para pemikir Bizantium, "indah" (dalam alam dan seni) tidak memiliki nilai objektif. Hanya "keindahan mutlak" ilahi yang memilikinya. Keindahan itu penting bagi mereka setiap kali hanya dalam kontak langsungnya dengan subjek persepsi tertentu. Pertama-tama dalam gambar itu adalah fungsi psikologisnya - untuk mengatur dengan cara tertentu keadaan batin orang. "Cantik" hanyalah sarana untuk membentuk ilusi mental untuk memahami yang super cantik, "keindahan mutlak".

Bersamaan dengan kecantikan dan kecantikan, estetika Bizantium mengedepankan kategori estetika lain, terkadang bertepatan dengannya, tetapi umumnya memiliki makna tersendiri - cahaya. Dengan asumsi hubungan dekat antara Tuhan dan cahaya, Bizantium menyatakannya dalam hubungan "cahaya - keindahan".

Awal Abad Pertengahan

Estetika abad pertengahan Eropa Barat sangat dipengaruhi oleh pemikir Kristen Aurelius Agustinus . Agustinus mengidentifikasi keindahan dengan bentuk, ketiadaan bentuk dengan keburukan. Dia percaya bahwa tidak ada yang benar-benar jelek, tetapi ada objek yang, dibandingkan dengan yang lebih tertata sempurna dan simetris, tidak memiliki bentuk. Yang jelek hanyalah ketidaksempurnaan relatif, tingkat keindahan yang paling rendah.

Agustinus mengajarkan bahwa bagian yang indah sebagai bagian dari keseluruhan, direnggut darinya, kehilangan keindahannya, sebaliknya, yang jelek menjadi indah dengan sendirinya, masuk ke dalam keseluruhan yang indah. Mereka yang menganggap dunia tidak sempurna, Agustinus mengibaratkan orang-orang yang melihat satu kubus mozaik, bukannya merenungkan keseluruhan komposisi dan menikmati keindahan bebatuan yang terhubung menjadi satu kesatuan. Hanya jiwa yang murni dapat memahami keindahan alam semesta. Keindahan ini merupakan cerminan dari “keindahan ilahi”. Tuhan adalah keindahan tertinggi, pola dasar keindahan material dan spiritual. Tatanan yang memerintah di alam semesta diciptakan oleh Tuhan. Keteraturan ini dimanifestasikan dalam ukuran, kesatuan dan harmoni, karena Tuhan "mengatur segalanya dengan ukuran, jumlah dan berat".

Selama hampir satu milenium, karya Agustinus adalah salah satu konduktor utama Platonisme dan Neoplatonisme kuno dalam estetika abad pertengahan Eropa Barat, mereka meletakkan dasar estetika religius abad pertengahan, memahami cara menggunakan seni dalam pelayanan gereja.

Abad Pertengahan Akhir

Apa yang disebut "Jumlah" menjadi contoh filosofi skolastik pada abad ke-13, di mana penyajiannya dilakukan dengan urutan sebagai berikut: pernyataan masalah, penyajian berbagai pendapat, solusi penulis, bukti logis, sanggahan atas kemungkinan dan keberatan aktual. Menurut prinsip ini, "Sum of Theology" juga dibangun. Thomas Aquinas , beberapa bagiannya dikhususkan untuk estetika.

Aquinas mendefinisikan kecantikan sebagai sesuatu yang memberi kesenangan melalui penampilannya. Kecantikan membutuhkan tiga syarat:

1) keutuhan atau kesempurnaan,

2) karena proporsi atau konsonan

3) kejernihan, sehingga benda yang memiliki warna cemerlang disebut indah. Kejelasan ada di alam keindahan. Pada saat yang sama, "kejernihan" tidak berarti pancaran fisik sebanyak kejernihan persepsi, dan dengan demikian mendekati kejernihan pikiran.

Keindahan dan kebaikan tidak benar-benar dibedakan, karena Tuhan, dalam pandangannya, adalah keindahan mutlak dan kebaikan mutlak, tetapi hanya dalam konsep. Berkat adalah sesuatu yang memuaskan keinginan atau kebutuhan. Oleh karena itu dikaitkan dengan konsep tujuan, karena keinginan adalah sejenis gerakan menuju suatu objek.

Kecantikan membutuhkan sesuatu yang lebih. Itu sangat bagus, persepsi yang memberikan kepuasan. Atau, dengan kata lain, hasrat menemukan kepuasan dalam perenungan atau pemahaman akan suatu hal yang indah. Kesenangan estetika terkait erat dengan kognisi. Itulah sebabnya, pertama-tama, sensasi yang paling bersifat kognitif, yaitu visual dan auditori, terkait dengan persepsi estetika. Penglihatan dan pendengaran berhubungan erat dengan pikiran dan karena itu mampu memahami keindahan.

"Cahaya" adalah kategori penting dari semua estetika abad pertengahan. Simbolisme cahaya dikembangkan secara aktif. "Metafisika Cahaya" adalah dasar doktrin kecantikan pada Abad Pertengahan. Claritas dalam risalah abad pertengahan berarti cahaya, pancaran, kejernihan dan termasuk dalam hampir semua definisi kecantikan. Kecantikan bagi Agustinus adalah pancaran kebenaran. Bagi Aquinas, cahaya keindahan berarti "pancaran bentuk suatu benda, apakah itu karya seni atau alam ... sedemikian rupa sehingga tampak baginya dalam segala kepenuhan dan kekayaan kesempurnaan dan memesan."

Perhatian para pemikir abad pertengahan terhadap dunia batin manusia termanifestasi dengan sangat jelas dan penuh dalam perkembangan masalah estetika musik mereka. Pada saat yang sama, penting bahwa masalah estetika musik itu sendiri adalah semacam model konsep universal yang "dihilangkan" dari makna filosofis umum.

Para pemikir abad pertengahan banyak berurusan dengan persepsi keindahan dan seni, mengungkapkan sejumlah penilaian yang menarik untuk sejarah estetika.

5. Ajaran estetika Renaisans

Sifat transisi zaman, orientasi humanistik dan inovasi ideologisnya

Dalam Renaisans, ada: Proto-Renaisans (ducento dan trecento, abad 12-13 - 13-14), Renaisans Awal (quattrocento, abad 14-15), Renaisans Tinggi (cinquecento, abad 15-16).

Estetika Renaisans dikaitkan dengan revolusi besar yang terjadi di semua bidang kehidupan publik: dalam ekonomi, ideologi, budaya, sains, dan filsafat. Pada saat ini, budaya perkotaan berkembang pesat, penemuan geografis yang hebat, yang sangat memperluas cakrawala manusia, transisi dari kerajinan ke pabrik.

Perkembangan kekuatan produktif, disintegrasi hubungan kelas feodal yang membelenggu produksi, mengarah pada pembebasan individu, menciptakan kondisi untuk perkembangannya yang bebas dan universal.

Kondisi yang menguntungkan untuk perkembangan individu yang komprehensif dan universal tercipta tidak hanya karena disintegrasi mode produksi feodal, tetapi juga karena perkembangan kapitalisme yang tidak mencukupi, yang masih pada awal pembentukannya. Karakter ganda dan transisional dari budaya Renaisans dalam kaitannya dengan mode produksi feodal dan kapitalis harus diperhitungkan ketika mempertimbangkan ide-ide estetika era ini. Renaisans bukanlah sebuah negara, tetapi sebuah proses, dan terlebih lagi, sebuah proses yang bersifat transisi. Semua ini tercermin dalam sifat pandangan dunia.

Dalam Renaisans, ada proses penghancuran radikal dari sistem pandangan abad pertengahan tentang dunia dan pembentukan ideologi humanistik baru. Dalam arti luas, humanisme adalah sistem pandangan yang berubah secara historis yang mengakui nilai seseorang sebagai pribadi, haknya atas kebebasan, kebahagiaan, pengembangan dan perwujudan kemampuannya, dengan mempertimbangkan kebaikan seseorang sebagai kriteria penilaian sosial. institusi, dan prinsip kesetaraan, keadilan, kemanusiaan sebagai norma hubungan yang diinginkan antara orang-orang. Dalam arti sempit, itu adalah gerakan budaya Renaisans. Semua bentuk humanisme Italia tidak terlalu mengacu pada sejarah estetika Renaisans melainkan pada suasana sosio-politik estetika.

Prinsip dasar estetika Renaisans

Pertama-tama, kebaruan di era ini adalah promosi keutamaan kecantikan, dan terlebih lagi, kecantikan sensual. Tuhan menciptakan dunia, tetapi betapa indahnya dunia ini, betapa indahnya kehidupan manusia dan tubuh manusia, ekspresi wajah manusia yang hidup dan keharmonisan tubuh manusia!

Pada awalnya, seniman seolah-olah juga melakukan pekerjaan Tuhan dan atas kehendak Tuhan sendiri. Namun, selain seniman harus patuh dan rendah hati, ia harus terpelajar dan terpelajar, ia harus banyak memahami semua ilmu, termasuk filsafat. Guru pertama seniman haruslah matematika, yang ditujukan untuk mengukur tubuh telanjang manusia dengan cermat. Jika zaman kuno membagi sosok manusia menjadi enam atau tujuh bagian, maka Alberti, untuk mencapai akurasi dalam lukisan dan pahatan, membaginya menjadi 600, dan Dürer kemudian menjadi 1800 bagian.

Pelukis ikon abad pertengahan memiliki sedikit minat pada proporsi tubuh manusia yang sebenarnya, karena baginya itu hanyalah pembawa roh. Baginya, keharmonisan tubuh terdiri dari garis besar pertapa, dalam refleksi planar dari dunia supercorporeal di atasnya. Tetapi bagi revivalis Giorgione, "Venus" adalah tubuh telanjang wanita yang utuh, yang, meskipun itu adalah ciptaan Tuhan, Anda entah bagaimana sudah melupakan Tuhan, memandangnya. Di latar depan inilah pengetahuan tentang anatomi nyata. Oleh karena itu, seniman Renaisans tidak hanya ahli dalam semua ilmu, tetapi terutama dalam matematika dan anatomi.

Teori Renaisans, seperti teori kuno, mengajarkan peniruan alam. Namun, di latar depan di sini tidak begitu banyak alam seperti artisnya. Dalam karyanya, sang seniman ingin mengungkap keindahan yang terletak di relung-relung alam itu sendiri. Oleh karena itu, seniman percaya bahwa seni lebih tinggi dari alam. Ahli teori estetika Renaisans, misalnya, memiliki perbandingan: seorang seniman harus menciptakan cara Tuhan menciptakan dunia, dan bahkan lebih sempurna dari itu. Sekarang mereka tidak hanya mengatakan tentang seniman bahwa dia harus ahli dalam semua ilmu, tetapi juga menyoroti karyanya, di mana mereka bahkan mencoba menemukan kriteria kecantikan.

Pemikiran estetika Renaisans untuk pertama kalinya mempercayai visi manusia seperti itu, tanpa kosmologi kuno dan tanpa teologi abad pertengahan. Dalam Renaisans, seseorang untuk pertama kalinya mulai berpikir bahwa gambaran dunia yang nyata dan terlihat secara subyektif-sensual adalah gambaran aslinya, bahwa ini bukanlah fiksi, bukan ilusi, bukan kesalahan penglihatan dan bukan empirisme spekulatif, tapi apa yang kita lihat dengan mata kepala sendiri, - inilah yang sebenarnya.

Dan, di atas segalanya, kita benar-benar melihat bagaimana, ketika objek yang kita lihat menjauh dari kita, ia mengambil bentuk yang sangat berbeda dan, khususnya, ukurannya menyusut. Dua garis yang tampaknya benar-benar paralel di dekat kita, saat mereka menjauh dari kita, semakin dekat dan dekat, dan di cakrawala, yaitu, pada jarak yang cukup jauh dari kita, mereka saling mendekati satu sama lain sampai benar-benar bergabung menjadi satu. titik tunggal. Dari sudut pandang akal sehat, tampaknya ini tidak masuk akal. Jika garisnya sejajar di sini, maka garis itu sejajar di mana-mana. Tetapi di sini ada kepercayaan yang sangat besar dari estetika Renaisans pada realitas penggabungan garis-garis paralel ini pada jarak yang cukup jauh dari kita sehingga seluruh sains kemudian muncul dari sensasi manusia yang nyata ini - geometri perspektif.

Estetika dasar ajaran filosofis dan teori seni

Dalam humanisme awal, pengaruh Epicureanisme sangat terasa, yang berfungsi sebagai bentuk polemik melawan asketisme abad pertengahan dan sarana untuk merehabilitasi kecantikan tubuh yang sensual, yang dipertanyakan oleh para pemikir abad pertengahan.

Renaisans menafsirkan filsafat Epicurean dengan caranya sendiri, yang dapat dilihat dalam karya penulis Valla dan risalahnya On Pleasure. Khotbah kesenangan Valla memiliki makna yang kontemplatif dan mandiri. Dalam risalahnya, Valla hanya mengajarkan tentang kesenangan atau kesenangan yang tidak dibebani oleh apapun, tidak mengancam apapun yang buruk, yang tidak memihak dan tanpa beban, yang sangat manusiawi dan sekaligus ilahi.

Neoplatonisme Renaisans mewakili jenis Neoplatonisme yang benar-benar baru, yang menentang skolastik abad pertengahan dan Aristotelianisme yang "skolastik". Tahap pertama dalam perkembangan estetika Neoplatonik dikaitkan dengan nama Nicholas dari Cusa.

Kuzansky mengembangkan konsepnya tentang keindahan dalam risalah On Beauty. Bersamanya, kecantikan tampil tidak hanya sebagai bayangan atau jejak samar dari prototipe ketuhanan, seperti ciri khas estetika Abad Pertengahan. Dalam setiap bentuk yang nyata, yang sensual, keindahan tunggal yang tak terbatas bersinar, yang memadai untuk semua manifestasi khususnya. Kuzansky menolak gagasan tentang tingkat kecantikan hierarkis, kecantikan yang lebih tinggi dan lebih rendah, absolut dan relatif, sensual dan ilahi. Semua jenis dan bentuk keindahan mutlak sama. Kecantikan di Kuzansky adalah milik universal makhluk. Kuzansky mengaestetiskan semua makhluk, apa pun, termasuk realitas sehari-hari yang membosankan. Dalam segala sesuatu yang memiliki bentuk, bentuk, ada keindahan. Oleh karena itu, kejelekan tidak terkandung dalam wujud itu sendiri, ia hanya muncul dari mereka yang mempersepsikan wujud ini. "Aib - dari mereka yang menerimanya ...", - klaim si pemikir. Karena itu, makhluk tidak mengandung keburukan. Di dunia hanya ada keindahan sebagai milik universal alam dan makhluk pada umumnya.

Kedua periode utama dalam perkembangan pemikiran estetika Renaisans Neoplatonisme adalah Akademi Platonis di Florence, dipimpin oleh Ficino . Semua cinta, menurut Ficino, adalah keinginan. Kecantikan tidak lain adalah "keinginan akan keindahan" atau "keinginan untuk menikmati keindahan". Ada kecantikan ilahi, kecantikan spiritual dan kecantikan tubuh. Keindahan ilahi adalah sejenis sinar yang menembus ke dalam pikiran malaikat atau kosmik, kemudian ke dalam jiwa kosmik atau jiwa seluruh dunia, kemudian ke alam sublunar atau alam duniawi, dan akhirnya ke alam materi yang tak berbentuk dan tak bernyawa.

Dalam estetika Ficino, kategori si jelek mendapat interpretasi baru. Jika Nicholas dari Cusa tidak memiliki tempat untuk keburukan di dunia itu sendiri, maka dalam estetika Neoplatonis, keburukan sudah mandiri. nilai estetika. Itu terkait dengan perlawanan materi, yang menentang aktivitas spiritualisasi dari keindahan ilahi yang ideal. Sejalan dengan itu, konsep kreativitas seni juga mengalami perubahan. Seniman tidak hanya harus menyembunyikan kekurangan alam, tetapi juga memperbaikinya, seolah-olah menciptakan kembali alam.

Kontribusi besar bagi perkembangan pemikiran estetika Renaisans dibuat oleh seniman, arsitek, ilmuwan, ahli teori seni, dan filsuf Italia. Alberti . Inti dari estetika Alberti adalah doktrin kecantikan. Kecantikan, menurutnya, terletak pada harmoni. Ada tiga unsur yang membentuk keindahan, khususnya keindahan struktur arsitektural. Ini adalah jumlah, kendala dan penempatan. Tapi kecantikan bukanlah jumlah aritmatika sederhana dari mereka. Tanpa harmoni, harmoni yang lebih tinggi dari bagian-bagian akan berantakan.

Merupakan ciri khas bagaimana Alberti mengartikan konsep "jelek". Kecantikan adalah karya seni mutlak baginya. Yang jelek hanya bertindak sebagai jenis kesalahan tertentu. Karenanya tuntutan bahwa seni tidak boleh mengoreksi, tetapi menyembunyikan benda-benda yang jelek dan jelek.

artis Italia yang hebat da Vinci dalam hidupnya, karya ilmiah dan artistik, ia mewujudkan cita-cita humanistik dari "kepribadian yang dikembangkan secara komprehensif". Kisaran minat praktis dan teoretisnya benar-benar universal. Itu termasuk lukisan, patung, arsitektur, kembang api, teknik militer dan sipil, matematika dan sains, kedokteran, dan musik.

Sama seperti Alberti, dia melihat dalam lukisan tidak hanya "transfer kreasi alam yang terlihat", tetapi juga "fiksi jenaka". Pada saat yang sama, ia memandang secara fundamental berbeda pada tujuan dan esensi seni rupa, terutama lukisan. Masalah utama teorinya, resolusi yang telah ditentukan sebelumnya oleh semua premis teoretis Leonardo lainnya, adalah definisi esensi lukisan sebagai cara untuk mengetahui dunia. "Melukis adalah ilmu dan putri sah alam" dan "harus ditempatkan di atas aktivitas lain, karena mengandung segala bentuk, baik yang ada maupun yang tidak ada di alam."

Lukisan dihadirkan oleh Leonardo sebagai metode universal untuk mengenali realitas, yang mencakup semua objek dunia nyata, terlebih lagi seni lukis menciptakan gambar-gambar yang terlihat yang dapat dimengerti dan dapat diakses oleh pemahaman semua orang tanpa kecuali. Dalam hal ini, kepribadian seniman, yang diperkaya dengan pengetahuan mendalam tentang hukum alam semesta, akan menjadi cermin di mana dunia nyata dipantulkan, dibiaskan melalui prisma individualitas kreatif.

Estetika personal-material Renaisans, yang diekspresikan dengan sangat jelas dalam karya Leonardo, mencapai bentuknya yang paling intens di Michelangelo . Mengungkap kegagalan program kebangkitan estetika yang menempatkan individu di pusat seluruh dunia, tokoh-tokoh High Renaissance cara yang berbeda mengungkapkan hilangnya dukungan utama dalam pekerjaan mereka. Jika di Leonardo sosok yang digambarkan olehnya siap larut di lingkungannya, jika seolah-olah diselimuti semacam kabut tipis, maka Michelangelo dicirikan oleh fitur yang sepenuhnya berlawanan. Setiap figur dalam komposisinya adalah sesuatu yang tertutup dengan sendirinya, sehingga figur tersebut terkadang sangat tidak berhubungan satu sama lain sehingga integritas komposisinya hancur.

Terbawa sampai akhir hidupnya oleh gelombang religiusitas yang ditinggikan yang terus meningkat, Michelangelo sampai pada penyangkalan segala sesuatu yang dia sembah di masa mudanya, dan di atas segalanya, penyangkalan tubuh telanjang yang mekar, mengekspresikan kekuatan manusia super dan energi. Dia berhenti melayani idola Renaisans. Dalam benaknya, mereka dikalahkan, sama seperti idola utama Renaisans ternyata dikalahkan - keyakinan pada kekuatan kreatif manusia yang tak terbatas, melalui seni menjadi setara dengan Tuhan. Seluruh jalan hidup yang dia lewati mulai sekarang bagi Michelangelo tampaknya merupakan khayalan total.

Krisis cita-cita estetika Renaisans dan prinsip-prinsip estetika tingkah laku

Salah satu tanda yang sangat jelas dari semakin menurunnya Renaisans adalah tren artistik dan estetika teoretis yang disebut Mannerisme. Kata "cara" awalnya berarti gaya khusus, yaitu berbeda dari yang biasa, kemudian - gaya bersyarat, yaitu berbeda dari yang alami. Ciri umum seni rupa Mannerisme adalah keinginan untuk membebaskan diri dari cita-cita seni Renaisans yang matang.

Tren ini memanifestasikan dirinya dalam kenyataan bahwa baik ide estetika maupun praktik artistik Quattrocento Italia dipertanyakan. Tema seni pada masa itu bertentangan dengan citra realitas yang berubah dan berubah. Tema yang tidak biasa, menakjubkan, alam mati, benda anorganik dihargai. Kultus aturan dan prinsip proporsi dipertanyakan.

Perubahan praktik artistik membawa modifikasi dan perubahan penekanan pada teori estetika. Pertama-tama, ini menyangkut tugas seni dan klasifikasinya. Masalah utama menjadi masalah seni, bukan masalah keindahan. "keartifisialan" menjadi cita-cita estetika tertinggi. Jika estetika Renaisans Tinggi sedang mencari aturan yang tepat dan terverifikasi secara ilmiah, yang dengannya seniman dapat mencapai transfer alam yang sebenarnya, maka para ahli teori tingkah laku menentang signifikansi tanpa syarat dari aturan apa pun, terutama aturan matematika. Masalah hubungan antara alam dan kejeniusan artistik diinterpretasikan secara berbeda dalam estetika tingkah laku. Bagi seniman abad ke-15, masalah ini diselesaikan demi alam. Seniman menciptakan karyanya, mengikuti alam, memilih dan mengekstraksi keindahan dari seluruh ragam fenomena. Estetika Mannerisme memberikan preferensi tanpa syarat pada kejeniusan seniman. Seniman tidak hanya harus meniru alam, tetapi juga mengoreksinya, berusaha untuk mengunggulinya.

Estetika Mannerisme, mengembangkan beberapa ide estetika Renaisans, menyangkal yang lain dan menggantinya dengan yang baru, mencerminkan situasi yang mengkhawatirkan dan kontradiktif pada masanya. Kejernihan dan keseimbangan harmonis dari Renaisans yang matang, dia mengontraskan dinamika, ketegangan, dan kecanggihan pemikiran artistik dan, karenanya, refleksinya dalam teori estetika, membuka jalan bagi salah satu tren artistik utama abad ke-17 - barok.

6 . Estetika waktu baru

Fondasi budaya rasionalis. Tidak mungkin untuk menarik batas yang tepat antara budaya abad ke-16 dan ke-17. Sudah di abad ke-16, gagasan baru tentang dunia mulai terbentuk dalam ajaran para filsuf alam Italia. Tetapi titik balik sebenarnya dalam ilmu alam semesta terjadi pada pergantian abad ke-16 dan ke-17, ketika Giordano Bruno, Galileo Galilei dan Kepler, yang mengembangkan teori heliosentris Copernicus, sampai pada kesimpulan tentang pluralitas dunia, tentang ketidakterbatasan alam semesta, di mana bumi bukanlah pusatnya, tetapi sebuah partikel kecil ketika penemuan teleskop dan mikroskop mengungkapkan kepada manusia keberadaan yang sangat jauh dan sangat kecil.

Pada abad ke-17, pemahaman tentang manusia, tempatnya di dunia, hubungan antara individu dan masyarakat berubah. Kepribadian pria Renaisans dicirikan oleh kesatuan dan integritas mutlak, tanpa kerumitan dan perkembangan. Kepribadian - Renaisans - menegaskan dirinya sesuai dengan alam, yang merupakan kekuatan yang baik. Energi seseorang, serta keberuntungan, menentukan jalan hidupnya. Namun, humanisme "idilis" ini tidak lagi cocok untuk era baru, ketika manusia berhenti mengakui dirinya sebagai pusat alam semesta, ketika ia merasakan kompleksitas dan kontradiksi kehidupan, ketika ia harus berjuang keras melawan Katolik feodal. reaksi.

Kepribadian abad ke-17 tidak berharga secara intrinsik, seperti kepribadian Renaisans, ia selalu bergantung pada lingkungan, alam, dan massa orang yang ingin ia tunjukkan, untuk mengesankan dan meyakinkannya. Kecenderungan ini, di satu sisi, untuk menyerang imajinasi massa, dan di sisi lain, untuk meyakinkan mereka, adalah salah satu ciri utama seni abad ke-17.

Seni abad ke-17, seperti seni Renaisans, dicirikan oleh kultus pahlawan. Tapi ini adalah pahlawan yang dicirikan bukan oleh tindakan, tetapi oleh perasaan, pengalaman. Ini dibuktikan tidak hanya oleh seni, tetapi juga oleh filosofi abad ke-17. Descartes menciptakan doktrin nafsu, sementara Spinoza menganggap keinginan manusia "seolah-olah itu adalah garis, bidang, dan tubuh".

Persepsi baru tentang dunia dan manusia ini dapat mengambil arah ganda pada abad ke-17, tergantung bagaimana penggunaannya. Dalam dunia alam dan jiwa manusia yang kompleks, kontradiktif, beraneka segi ini, sisi kacau, irasional, dinamis dan emosionalnya, sifat ilusinya, kualitas sensualnya dapat ditekankan. Jalan ini mengarah ke gaya Baroque.

Tetapi penekanan juga dapat ditempatkan pada ide-ide yang jelas dan berbeda yang melihat melalui kebenaran dan keteraturan dalam kekacauan ini, pada pemikiran yang berjuang dengan konfliknya, pada akal yang mengatasi nafsu. Jalan ini mengarah ke klasisisme.

Barok dan klasisisme, setelah menerima desain klasiknya masing-masing di Italia dan Prancis, menyebar ke satu derajat atau lainnya ke seluruh negara Eropa dan merupakan tren dominan dalam budaya artistik abad ke-17.

Prinsip estetika Baroque

Gaya Baroque berasal dari Italia, di negara yang terpecah-pecah menjadi negara-negara kecil, di negara yang mengalami kontra-reformasi dan reaksi feodal yang kuat, di mana warga kaya berubah menjadi aristokrasi, di negara di mana teori dan praktik Mannerisme berkembang pesat, dan di mana, pada saat yang sama, dalam segala kecemerlangannya, tradisi terkaya dari budaya artistik Renaisans telah dilestarikan. Dari Mannerisme, Barok mengambil subjektivitasnya, dari Renaisans - ketertarikannya pada realitas, tetapi keduanya dalam refraksi gaya baru. Dan meskipun sisa-sisa Mannerisme terus mempengaruhi dekade pertama dan bahkan dekade kedua abad ke-17, pada dasarnya penanggulangan Mannerisme di Italia dapat dianggap selesai pada tahun 1600.

Salah satu masalah yang menjadi ciri khas estetika barok adalah masalah persuasi yang bersumber pada retorika. Retorika tidak membedakan kebenaran dari kemungkinan; sebagai alat persuasi, mereka tampaknya setara - dan karenanya subjektivisme seni barok yang ilusif, fantastis, dikombinasikan dengan klasifikasi teknik "seni" untuk menghasilkan efek yang menciptakan kesan masuk akal yang subjektif dan menyesatkan, mengikuti.

...

Dokumen Serupa

Sejarah ajaran estetika. Estetika sebagai doktrin keindahan dan seni, ilmu keindahan. Perkembangan ajaran estetika pada periode Antiquity, Abad Pertengahan, Renaisans, Zaman Baru. Tren seni Eropa abad XIX-XX.

presentasi, ditambahkan 11/27/2014


Ciri khas estetika Renaisans. Fitur dan tahapan utama upacara minum teh, yang muncul di bawah pengaruh estetika dan filosofi Buddhisme Zen. Sebuah studi tentang simbolisme upacara pernikahan di zaman Renaisans dan polonaise sebagai tarian seremonial.

abstrak, ditambahkan 05/03/2010


Etika sebagai ilmu, subjeknya, tugas dan karakteristiknya. Sejarah doktrin etika. Arah utama dalam etika. Kategori utama etika dan masalah mereka. Estetika sebagai ilmu, subjek, tugas dan tujuan. Sejarah perkembangan estetika. Kategori estetika dasar.

buku, ditambahkan 02/27/2009


Objek dan subjek estetika, ditempatkan dalam sistem ilmu. Perkembangan pemikiran estetika. Sikap estetika terhadap kenyataan. Pembentukan estetika sebagai ilmu. Perkembangan gagasan sejalan dengan filsafat. Objektivitas estetika. Nilai dan penilaian nilai.

abstrak, ditambahkan 06/30/2008


Estetika Renaisans dikaitkan dengan revolusi yang terjadi di semua bidang kehidupan publik. Estetika Renaisans awal sebagai estetika humanisme awal, Renaisans tinggi - Neoplatonisme, filsafat alam akhir. D.Bruno, T.Campanella.

abstrak, ditambahkan 12/30/2008


Estetika wanita yang halus sebagai bagian dari harmoni yang merangkul kehidupan di Italia selama Renaisans. Cita-cita kecantikan para wanita bangsawan Italia; munculnya parfum "untuk menjaga kecantikan". Sebuah risalah oleh Catherine Sforza tentang aturan dan teknik merias wajah.

abstrak, ditambahkan 05/06/2012


Estetika - filosofi aktivitas estetika dan artistik. sistem estetika. Arti teori bagi seniman. Dasar-dasar estetika. Jenis kategori estetika. Konsistensi dalam estetika modern. Desain. Seni. Nilai estetika.

abstrak, ditambahkan 06/11/2008


Dalam sejarah estetika, subjek dan tugasnya telah berubah. Awalnya, estetika adalah bagian dari filosofi dan kosmogoni dan berfungsi untuk menciptakan gambaran holistik dunia. Estetika modern merangkum pengalaman artistik dunia. Tahapan sejarah dalam perkembangan estetika Rusia.

abstrak, ditambahkan 21/05/2008


Aspek historis pembentukan estetika realitas atau estetika kehidupan, di antara perwakilannya adalah pemikir besar Rusia abad ke-19 seperti Belinsky, Chernyshevsky, Dobrolyubov, dan Pisarev. Estetika filosofis Solovyov.

abstrak, ditambahkan 18/11/2010


Karakteristik budaya kuno, analisis spesifik estetika Yunani kuno. Prinsip estetika kuno: mimesis, kalokagathia, katarsis. Konsep harmoni dan kekhususan kanon estetika Yunani kuno. Keinginan seni Yunani untuk idealisasi.

Waktu terbaru juga termasuk hari era artistik: avant-garde dan realisme. keaslian dari zaman ini terletak pada kenyataan bahwa mereka tidak berkembang secara berurutan, tetapi secara historis secara paralel.

kelompok seni avant-garde N kamu ( pramodernisme, modernisme, neomodernisme, postmodernisme) berkembang secara paralel dengan kelompok realistis (realisme kritis abad ke-19, realisme sosialis, prosa pedesaan, neorealisme, realisme magis, realisme psikologis, realisme intelektual). Dalam perkembangan zaman yang paralel ini muncul akselerasi umum dari pergerakan sejarah.

Salah satu ketentuan utama dari konsep artistik tren avant-garde: kekacauan, kekacauan "Hukum kehidupan modern masyarakat manusia. Seni menjadi chaosology, mempelajari hukum kekacauan dunia.

Semua tren avant-garde membatasi kesadaran dan meningkatkan awal ketidaksadaran baik dalam proses kreatif maupun dalam proses penerimaan. Bidang-bidang ini menaruh perhatian besar pada seni massa dan masalah pembentukan kesadaran individu.

Fitur yang menyatukan gerakan seni avant-garde: pandangan baru tentang posisi dan tujuan manusia di alam semesta, penolakan terhadap aturan dan norma yang telah ditetapkan sebelumnya, dari tradisi dan

ketangkasan, eksperimen di bidang bentuk dan gaya, pencarian yang baru sarana artistik dan trik.

Pramodernisme - periode pertama (awal) perkembangan artistik era avant-garde; sekelompok tren artistik dalam budaya paruh kedua abad ke-19, membuka seluruh panggung (tahap ilusi yang hilang) dari perkembangan artistik terkini.

Naturalisme adalah arah artistik, yang invarian dari konsepsi artistiknya adalah pernyataan manusia dari daging di dunia material-material; seseorang, bahkan dianggap hanya sebagai individu biologis yang sangat terorganisir, patut mendapat perhatian dalam setiap manifestasinya; untuk semua ketidaksempurnaannya, dunia ini stabil, dan semua detail tentangnya menjadi perhatian umum. Dalam konsep artistik naturalisme, keinginan dan kemungkinan, cita-cita dan realitas seimbang, masyarakat merasakan kepuasan tertentu, kepuasannya dengan posisinya dan keengganan untuk mengubah apapun di dunia.

Naturalisme mengklaim bahwa seluruh dunia yang terlihat adalah bagian dari alam dan dapat dijelaskan dengan hukum-hukumnya, dan bukan dengan penyebab supranatural atau paranormal. Naturalisme lahir dari absolutisasi realisme dan di bawah pengaruh teori biologi Darwinian, metode ilmiah untuk mempelajari masyarakat dan gagasan deterministik Taine dan positivis lainnya.

Impresionisme - arah artistik (paruh kedua abad ke-19 - awal abad ke-20), konsep artistik yang tidak berubah adalah penegasan kepribadian yang halus, tanggap secara liris, mudah dipengaruhi, mengagumi keindahan dunia. Impresionisme membuka jenis persepsi baru tentang realitas. Tidak seperti realisme, yang berfokus pada transmisi tipikal, impresionisme berfokus pada visi khusus, individu, dan subyektifnya oleh seniman.

Impresionisme adalah penguasaan warna, chiaroscuro, kemampuan untuk menyampaikan keragaman, kehidupan beraneka warna, kegembiraan keberadaan, untuk menangkap momen iluminasi sekilas dan keadaan umum dunia yang berubah di sekitarnya, untuk menyampaikan udara terbuka - permainan cahaya dan bayangan di sekitar seseorang dan benda, lingkungan udara, pencahayaan alami, memberikan tampilan estetika pada objek yang digambarkan.

Impresionisme memanifestasikan dirinya dalam lukisan (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) dan dalam musik (C. Debussy dan M Ravel, A. Scriabin), dan dalam literatur (sebagian G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eklektisisme- arah artistik (yang memanifestasikan dirinya terutama dalam arsitektur), yang melibatkan, saat membuat karya, kombinasi apa pun dari segala bentuk masa lalu, tradisi nasional apa pun, dekorasi yang jujur, pertukaran dan kesetaraan elemen dalam sebuah karya, pelanggaran hierarki dalam karya sistem artistik dan melemahkan sistem dan integritas.

Eklektisisme dicirikan oleh: 1) dekorasi yang melimpah; 2) sama pentingnya berbagai elemen, semua bentuk gaya; 3) hilangnya perbedaan antara bangunan masif dan unik dalam ansambel perkotaan atau karya sastra dan karya lainnya proses sastra; 4) kurangnya kesatuan: fasad memisahkan diri dari badan bangunan, detail - dari keseluruhan, gaya fasad - dari gaya interior, gaya berbagai ruang interior - dari satu sama lain ; 5) komposisi simetris-aksial opsional (berangkat dari aturan jumlah ganjil jendela pada fasad), keseragaman fasad; 6) prinsip "non-finito" (ketidaklengkapan pekerjaan, keterbukaan komposisi); 7) penguatan

pemikiran asosiatif penulis (artis, menulis la, arsitek) dan penampil; 8) pembebasan dari tradisi kuno dan ketergantungan pada budaya dari era yang berbeda dan bangsa yang berbeda; keinginan untuk yang eksotis; 9) multi-gaya; 10) kepribadian yang tidak diatur (tidak seperti klasisisme), subjektivisme, manifestasi elemen pribadi yang bebas; 11) demokrasi: kecenderungan untuk menciptakan tipe perumahan perkotaan yang universal dan non-kelas.

Secara fungsional, eklektisisme dalam sastra, arsitektur, dan seni lainnya ditujukan untuk melayani "wilayah ketiga". Bangunan utama Barok adalah gereja atau istana, bangunan utama klasisisme adalah bangunan negara, bangunan utama eklektisisme adalah gedung apartemen ("untuk semua orang"). Dekorasi eklektik adalah faktor pasar yang muncul untuk menarik banyak pelanggan ke gedung apartemen tempat apartemen disewakan. Rumah yang menguntungkan - tipe perumahan massal.

Modernisme- era artistik yang menyatukan gerakan artistik yang konsep artistiknya mencerminkan percepatan sejarah dan penguatan tekanannya pada seseorang (simbolisme, rayonisme, fauvisme, primitivisme, kubisme, akmeisme, futurisme); periode perwujudan paling lengkap dari avant-garde. Pada masa modernisme, perkembangan dan perubahan trend kesenian terjadi dengan pesat.

Gerakan seni modernis dibangun dengan mendekonstruksi struktur tipologi karya klasik- beberapa elemennya menjadi objek eksperimen artistik. DI DALAM seni klasik unsur-unsur tersebut seimbang. Modernisme mengganggu keseimbangan ini dengan memperkuat beberapa elemen dan melemahkan elemen lainnya.

Simbolisme- arah artistik era modernisme, yang menegaskan konsep artistik: impian penyair adalah ksatria dan wanita cantik. Mimpi dari

ksatria, pemujaan wanita cantik mengisi puisi simbolisme.

Simbolisme muncul di Perancis. Tuannya adalah Baudelaire, Mallarmé, Verlaine dan Rimbaud.

Akmeisme adalah arahan artistik sastra Rusia awal abad ke-20, yang muncul di " zaman perak”, yang ada terutama dalam puisi dan diklaim: penyair- seorang penyihir dan penguasa dunia yang bangga, mengungkap misterinya dan mengatasi kekacauannya.

Acmeism adalah milik: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich dan Futurisme lainnya- arah artistik era modernisme, menegaskan kepribadian militan yang agresif dalam kekacauan dunia yang terorganisir secara perkotaan.

Mendefinisikan artistik faktor futurisme - dinamika. Futuris menerapkan prinsip eksperimen tanpa batas dan mencapai solusi inovatif dalam sastra, lukisan, musik, dan teater.

Primitivisme- arah artistik yang menyederhanakan manusia dan dunia, berjuang untuk melihat dunia melalui mata anak-anak, dengan gembira dan sederhana, di luar "orang dewasa» kesulitan. Keinginan ini menimbulkan kuat dan sisi lemah primitivisme.

Primitivisme adalah nostalgia atavistik untuk masa lalu, merindukan cara hidup pra-peradaban.

Primitivisme berusaha menangkap garis besar utama dunia yang kompleks mencari warna dan garis yang menyenangkan dan dapat dimengerti di dalamnya. Primitivisme adalah perlawanan terhadap kenyataan: dunia menjadi lebih kompleks, dan seniman menyederhanakannya. Namun, sang seniman kemudian menyederhanakan dunia untuk mengatasi kerumitannya.

Kubisme - variasi geometri dari primitivisme yang menyederhanakan realitas, memandangnya dengan mata kekanak-kanakan atau "biadab".

karakter sebelumnya dari primitivisasi: visi dunia melalui bentuk-bentuk figur yang teratur secara geometris.

Kubisme dalam lukisan dan pahatan dikembangkan oleh seniman Italia D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; Jerman - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerika - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Meksiko Diego Rivera, Argentina E. Pettoruti, dll.

Dalam kubisme, konstruksi arsitektur sangat terasa; massa secara mekanis dikawinkan satu sama lain, dan masing-masing massa mempertahankan independensinya. Kubisme membuka arah baru yang fundamental dalam seni figuratif. Karya bersyarat Kubisme (Braque, Gris, Picasso, Léger) mempertahankan hubungannya dengan model. Potret tersebut sesuai dengan aslinya dan dapat dikenali (seorang kritikus Amerika di kafe Paris mengenali seorang pria yang hanya dikenalnya dari potret karya Picasso, yang terdiri dari figur geometris).

Kubis tidak menggambarkan realitas, tetapi menciptakan "realitas yang berbeda" dan tidak menyampaikan penampilan suatu objek, tetapi desain, arsitektur, struktur, esensinya. Mereka tidak mereproduksi "fakta naratif", tetapi secara visual mewujudkan pengetahuan mereka tentang subjek yang digambarkan.

Abstraksionisme- arah artistik seni abad ke-20, konsep artistik yang menegaskan perlunya individu untuk melepaskan diri dari realitas dangkal dan ilusi.

Karya seni abstrak terlepas dari bentuk kehidupan itu sendiri dan mewujudkan kesan warna subyektif dan fantasi senimannya.

Ada dua arus dalam abstraksionisme. Arus pertama liris-emosional, abstraksionisme psikologis - simfoni warna, harmonisasi kombinasi warna tak berbentuk. Tren ini lahir dari keragaman kesan impresionistik tentang dunia yang diwujudkan dalam kanvas-kanvas Henri Matisse.

Pencipta karya pertama abstraksionisme psikologis adalah V. Kandinsky, yang melukis lukisan "Gunung".

Arus kedua geometris (logis, intelektual) abstraksionisme ("neoplastisisme") adalah kubisme non-figuratif. Dalam lahirnya arus ini peran penting dimainkan oleh P. Cezanne dan para kubisme, yang menciptakan ruang artistik jenis baru dengan menggabungkan berbagai bentuk geometris, bidang berwarna, garis lurus dan putus-putus.

Suprematisme(penulis istilah dan fenomena artistik yang sesuai Kazimir Malevich) - untuk abstraksionisme, mempertajam dan memperdalam fitur-fiturnya. Malevich membuka tren "Suprematisme" pada tahun 1913 dengan lukisan "Lapangan Hitam". Belakangan, Malevich merumuskan prinsip estetiknya: seni bertahan lama karena nilainya yang tak lekang oleh waktu; kepekaan plastik murni - "martabat karya seni." Estetika dan puisi Suprematisme menegaskan formula dan komposisi bergambar universal (Suprematis) - konstruksi ideal elemen teratur geometris.

Rayonisme adalah salah satu tren yang mendekati abstraksi yang menegaskan kesulitan dan kegembiraan keberadaan manusia dan ketidakpastian dunia, di mana semua objek yang diterangi oleh sumber cahaya yang berbeda ternyata dibedah oleh sinar cahaya ini dan kehilangan kiasannya yang jelas. .

Luchisme berasal dari 1908 - 1910 gg. dalam karya seniman Rusia Mikhail Larionov dan istrinya Natalia Goncharova.

Selama neomodernisme, semua gerakan seni avant-garde berasal dari pemahaman tentang realitas seperti itu: seseorang tidak dapat menahan tekanan dunia dan menjadi manusia baru. Selama periode ini, perkembangannya

Ada gerakan seni avant-garde yang menegaskan konsep artistik dunia dan kepribadian yang pesimis dan tidak menyenangkan. Diantara mereka Dadaisme, konstruktivisme, surealisme, eksistensialisme, neo-abstraksionisme, dll.

Dadaisme adalah gerakan artistik yang menegaskan konsep artistik; dunia- kegilaan yang tidak masuk akal, merevisi akal dan iman.

Prinsip-prinsip Dadaisme adalah; memutuskan tradisi budaya dunia, termasuk tradisi bahasa; melarikan diri dari budaya dan kenyataan, gagasan tentang dunia sebagai kekacauan kegilaan, di mana orang yang tak berdaya dilemparkan; pesimisme, ketidakpercayaan, penyangkalan nilai, perasaan kehilangan secara umum dan ketidakberartian, penghancuran cita-cita dan tujuan hidup. Dadaisme adalah ekspresi dari krisis nilai-nilai budaya klasik, pencarian bahasa baru dan nilai-nilai baru.

Surealisme adalah gerakan seni yang berfokus pada orang yang bingung di dunia yang misterius dan tidak dapat diketahui. Konsep kepribadian dalam surealisme dapat diringkas dalam rumusan agnostisisme: “Saya seorang laki-laki, tetapi batasan kepribadian saya dan dunia telah kabur. Saya tidak tahu di mana "aku" saya dimulai dan di mana berakhir, di manakah dunia dan apa itu?

Surealisme sebagai arahan artistik dikembangkan oleh: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

Surealisme muncul dari Dadaisme, awalnya sebagai arah sastra, yang kemudian diekspresikan dalam lukisan, juga dalam sinema, teater, dan sebagian lagi dalam musik.

Bagi surealisme, manusia dan dunia, ruang dan waktu adalah cair dan relatif. Mereka kehilangan batasan. Relativisme estetika diproklamirkan: semuanya mengalir, semuanya

tampaknya campur aduk, kabur; tidak ada yang pasti. Surealisme menegaskan relativitas dunia dan miliknya nilai-nilai. Tidak ada batasan antara kebahagiaan dan ketidakbahagiaan, individu dan masyarakat. Kekacauan dunia menyebabkan kekacauan pemikiran artistik- inilah prinsip estetika surealisme.

Konsep artistik surealisme menegaskan misteri dan ketidaktahuan dunia, di mana waktu dan sejarah menghilang, dan seseorang hidup di alam bawah sadar dan tidak berdaya menghadapi kesulitan.

Ekspresionisme- arah artistik yang menegaskan: terasing, seseorang hidup di dunia yang tidak bersahabat. Sebagai pahlawan saat itu, ekspresionisme mengedepankan kepribadian yang gelisah, diliputi oleh emosi, [tidak mampu membawa keharmonisan ke dunia yang dicabik-cabik oleh nafsu. -

Ekspresionisme sebagai arah artistik muncul atas dasar hubungan dengan berbagai bidang kegiatan ilmiah: dengan psikoanalisis Freud, fenomenologi Husserl, epistemologi neo-Kantian, filosofi Lingkaran Wina, dan psikologi Gestalt.

Ekspresionisme memanifestasikan dirinya dalam berbagai jenis seni: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - dalam lukisan; A. Rimbaud, A. Yu Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - dalam sastra; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - dalam musik.

Ekspresionisme atas dasar budaya abad XX. membangkitkan romantisme. ekspresionisme ketakutan yang melekat pada dunia dan kontradiksi antara dinamisme eksternal dan gagasan tentang esensi dunia yang tidak dapat diubah (ketidakpercayaan pada kemungkinan perbaikannya). Menurut artistik konsep ekspresionisme, kekuatan esensial kepribadian diasingkan dalam penentangan pria dan institusi publik yang bermusuhan: semuanya tidak berguna. Ek ekspresionisme adalah ekspresi rasa sakit seorang seniman humanis,

disebabkan oleh ketidaksempurnaan dunia. Konsep kepribadian ekspresionis: Manusia- makhluk emosional, "alami", asing bagi dunia industri dan rasional, perkotaan tempat dia dipaksa untuk hidup.

Konstruktivisme- arah artistik (20-an abad XX), invarian konseptualnya adalah idenya- keberadaan manusia terjadi di lingkungan kekuatan industri yang terasing darinya; dan pahlawan waktu- rasionalis masyarakat industri.

Prinsip-prinsip kubisme neo-positivis, yang lahir dalam seni lukis, diperluas dalam bentuk transformasi ke sastra dan seni lainnya dan dikonsolidasikan ke arah baru, menyatu dengan gagasan teknik - konstruktivisme. Yang terakhir menganggap produk industri sebagai independen, terasing dari individu dan menentang nilai-nilainya. Konstruktivisme muncul saat fajar revolusi ilmu pengetahuan dan teknologi dan mengidealkan ide-ide teknisisme; dia menghargai mesin dan produknya daripada individu. Bahkan dalam karya konstruktivisme yang paling berbakat dan humanistik, faktor pengasingan kemajuan teknologi diterima begitu saja. Konstruktivisme penuh dengan kesedihan kemajuan industri, kelayakan ekonomi; itu teknokratis.

Estetika konstruktivisme berkembang di antara ekstrem (terkadang jatuh ke salah satunya) - utilitarianisme, membutuhkan penghancuran estetika, dan estetika. Dalam seni visual dan arsitektur, prinsip-prinsip kreatif konstruktivisme sedekat mungkin dengan teknik dan meliputi: perhitungan matematis, lakonikisme sarana artistik, skema komposisi, logikaisasi.

Dalam sastra, konstruktivisme sebagai arahan artistik berkembang (1923 - 1930) dalam karya kelompok

LCC (Pusat Sastra Konstruktivis): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Zelinsky (ahli teori grup) dan lain-lain. Konstruktivisme juga memengaruhi teater (karya sutradara Vsevolod Meyerhold, yang mengembangkan prinsip-prinsip biomekanik, teknik teater, dan memperkenalkan elemen tontonan sirkus ke dalam aksi panggung. Gagasan konstruktivisme mencakup berbagai jenis seni, tetapi memiliki pengaruh terbesar pada arsitektur Hal ini terutama mempengaruhi karya Le Corbusier, I. Leonidov, VA Shchuko dan VG Gelfreich.

Eksistensialisme- konsep keberadaan manusia, tempat dan perannya di dunia ini, hubungannya dengan Tuhan. Inti dari eksistensialisme- keutamaan keberadaan atas esensi (manusia itu sendiri membentuk keberadaannya dan, memilih apa yang harus dilakukan dan apa yang tidak dilakukan, membawa esensi menjadi ada). Eksistensialisme menegaskan kepribadian berharga diri yang egois dan kesepian di dunia yang absurd. Bagi eksistensialisme, individu berada di atas sejarah.

Dalam konsep artistiknya, eksistensialisme (J.P. Sartre, A. Camus) mengklaim bahwa dasar keberadaan manusia itu absurd, jika hanya karena seseorang itu fana; ceritanya berubah dari buruk menjadi lebih buruk dan kembali menjadi buruk lagi. Tidak ada gerakan ke atas, hanya ada tupai roda sejarah di mana kehidupan umat manusia berputar tanpa alasan.

Kesepian mendasar, yang ditegaskan oleh konsep artistik eksistensialisme, memiliki konsekuensi logis yang berlawanan: hidup tidak masuk akal di mana seseorang melanjutkan dirinya dalam kemanusiaan. Tetapi jika seseorang adalah penyendiri, jika dia adalah satu-satunya nilai di dunia, maka dia direndahkan secara sosial, dia tidak memiliki masa depan, dan kemudian kematian adalah mutlak. Itu mencoret seseorang, dan hidup menjadi tidak berarti.

Neo-abstraksionisme(abstraksionisme gelombang kedua) - ekspresi diri spontan-impulsif; penolakan mendasar terhadap kiasan, penggambaran realitas, atas nama ekspresi murni; aliran kesadaran ditangkap dalam warna.

Neo-abstraksionisme diciptakan oleh generasi baru abstraksionis: J. Paul Lak, De Kuhn dan Yig, A. Manisirer dan lain-lain Mereka menguasai teknik surealis dan prinsip "otomatisme mental". Paul Lak menekankan dalam tindakan kreatif bukan pada karya, tetapi pada proses penciptaannya. Proses ini menjadi tujuan dengan sendirinya dan di sinilah asal mula “aksi melukis” terbentuk.

Prinsip-prinsip neo-abstraksionisme dibuktikan oleh M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. Ahli teori Italia D. Severini mendesak untuk melupakan kenyataan, karena tidak mempengaruhi ekspresi plastis. Ahli teori lain, M. Zefor, menganggap lukisan abstrak tidak membawa apapun dari lingkungan normal kehidupan manusia. Fotografi menghilangkan figuratif lukisan, meninggalkan yang terakhir hanya kemungkinan ekspresif untuk mengungkap dunia subyektif seniman.

Mata rantai lemah dalam teori abstraksionisme dan neo-abstraksionisme adalah tidak adanya kriteria nilai yang jelas untuk membedakan kreativitas dari spekulasi, keseriusan dari lelucon, bakat dari biasa-biasa saja, keterampilan dari tipu daya.

Solusi artistik abstraksionisme dan neo-abstraksionisme (harmonisasi warna dan bentuk, penciptaan "keseimbangan" bidang dengan ukuran berbeda karena intensitas warnanya) digunakan dalam arsitektur, desain, seni dekoratif, teater, bioskop, dan televisi.

Postmodernisme sebagai era artistik membawa paradigma artistik yang mengklaim itu seseorang tidak dapat menahan tekanan dunia dan menjadi posthuman. Semua arahan artistik dari ini

periode diresapi dengan paradigma ini, memanifestasikan dan membiaskannya melalui konsep dunia dan kepribadian mereka yang tidak berubah: seni pop, sonopucmuka, aleatorik, pointillisme musik, hiperrealisme, kejadian, dll.

Seni pop- seni figuratif baru. Seni pop menentang penolakan abstraksionis terhadap realitas dengan dunia material yang kasar, yang dikaitkan dengan status artistik dan estetika.

Ahli teori seni pop berpendapat bahwa dalam konteks tertentu, setiap objek kehilangan makna aslinya dan menjadi sebuah karya seni. Oleh karena itu, tugas seniman dipahami bukan sebagai penciptaan objek artistik, tetapi sebagai pemberian kualitas artistik pada objek biasa dengan mengatur konteks tertentu untuk persepsinya. Estetika dunia material menjadi prinsip seni pop. Seniman berusaha keras untuk mencapai daya tarik, visibilitas, dan kejelasan kreasi mereka, menggunakan puisi label dan iklan untuk ini. Seni pop adalah komposisi benda sehari-hari, terkadang dipadukan dengan model atau pahatan.

Mobil kusut, foto pudar, sobekan koran dan poster yang ditempel di kotak, boneka ayam di bawah toples kaca, sepatu compang-camping yang dicat cat minyak putih, motor listrik, ban bekas atau kompor gas - ini adalah pameran seni pop art.

Di antara para seniman seni pop dapat diidentifikasi: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine dan lain-lain.

Seni pop sebagai arah seni memiliki sejumlah varietas (tren): seni op (artistik efek optik terorganisir, kombinasi garis dan bintik geometris), env-apm(komposisi, organisasi artistik dari lingkungan sekitar penonton), surel(benda bergerak dengan bantuan motor listrik

dan konstruksi, tren seni pop ini menonjol sebagai arah artistik independen - kinetisme).

Seni pop mengedepankan konsep identitas konsumen dari masyarakat "konsumsi massal". Kepribadian ideal seni pop adalah konsumen manusia, yang estetika komposisi komoditas yang masih hidup harus menggantikan budaya spiritual. Kata-kata diganti barang, sastra diganti benda, keindahan diganti kegunaan, keserakahan akan materi, konsumsi komoditas, menggantikan kebutuhan spiritual, adalah ciri khas pop art. Arah ini pada dasarnya berorientasi pada massa, orang yang tidak kreatif, kehilangan pemikiran mandiri dan meminjam pemikiran "nya" dari iklan dan media massa, seseorang yang dimanipulasi oleh televisi dan media lainnya. Kepribadian ini diprogram oleh seni pop untuk memenuhi peran yang diberikan sebagai pengakuisisi dan konsumen, dengan patuh menghancurkan pengaruh peradaban modern yang mengasingkan. Kepribadian Seni Pop - Budaya Massa Zombie.

Hiperrealisme adalah gerakan artistik yang konsepsi artistiknya tidak berubah: sistem kehidupan yang tidak dipersonalisasi di dunia yang kejam dan kasar.

Hyperrealism - menciptakan karya supernaturalistik bergambar yang menyampaikan detail terkecil dari objek yang digambarkan. Plot hiperrealisme sengaja dibuat dangkal, gambarnya secara tegas "obyektif". Arah ini mengembalikan seniman ke bentuk dan sarana seni rupa yang biasa, khususnya kanvas lukisan, yang ditolak oleh seni pop. Hiperrealisme menjadikan lingkungan perkotaan yang mati, buatan manusia, "kedua" sebagai tema utama lukisannya: pompa bensin, mobil, jendela toko, bangunan tempat tinggal, bilik telepon, yang ditampilkan terasing dari manusia.

Hiperrealisme menunjukkan konsekuensi dari urbanisasi yang berlebihan, perusakan ekologi lingkungan, membuktikan bahwa metropolis menciptakan lingkungan yang tidak manusiawi. Tema utama hiperrealisme adalah kehidupan mekanis impersonal dari kota modern.

Landasan teori hiperrealisme - gagasan filosofis dari aliran Frankfurt, yang menegaskan perlunya menjauh dari bentuk pemikiran figuratif yang diideologiskan.

Karya seni fotorealisme didasarkan pada foto yang diperbesar dan sering diidentikkan dengan hiperrealisme. Namun, baik dalam hal teknologi pembuatan gambar dan, yang paling penting, dalam hal konsepsi artistik dunia dan kepribadian yang tidak berubah-ubah, ini adalah arah artistik yang dekat, tetapi berbeda. Hiperrealis meniru foto dengan sarana gambar di atas kanvas, fotorealis meniru lukisan dengan mengolah (dengan cat, kolase) foto.

Fotorealisme menegaskan prioritas dokumenter dan konsepsi artistik: orang biasa yang andal di dunia biasa yang andal.

Tujuan fotorealisme adalah citra kehidupan sehari-hari modern. Jalanan, orang yang lewat, jendela toko, mobil, lampu lalu lintas, rumah, barang-barang rumah tangga direproduksi dalam karya fotorealisme secara otentik, objektif, dan sangat mirip.

Ciri-ciri utama fotorealisme: 1) kiasan, menentang tradisi abstraksionisme; 2) ketertarikan pada plot; 3) keinginan untuk menghindari "klise realistis" dan dokumenter; 4) ketergantungan pada pencapaian artistik teknologi fotografi.

Sonoristik- arah dalam musik: permainan warna nada, mengekspresikan "aku" dari pengarangnya. Untuk perwakilannya, yang penting bukanlah nada, tetapi timbre. Mereka mencari yang baru musikal warna, suara tidak konvensional: mereka bermain dengan tongkat, terus

gergaji, sumpit di senar piano, tampar di geladak, terus kendali jarak jauh, suara dihasilkan dengan menyeka corong dengan sapu tangan.

Dalam musik nyaring murni, melodi, harmoni, dan ritme tidak memainkan peran khusus, hanya suara timbre yang penting. Kebutuhan untuk memperbaikinya menghidupkan bentuk grafis khusus dari timbre rekaman dalam bentuk garis tipis, tebal, bergelombang, berbentuk kerucut. Terkadang rentang di mana pemain perlu bermain juga ditunjukkan.

Pendiri musik sonora adalah komposer Polandia K. Penderecki, dan inisiatifnya dilanjutkan oleh K. Serocki, S. Bussotti dan lain-lain.

Pointilisme musik- arah di pandangan depan * ciri-cirinya adalah pecahnya jalinan musik, penyebarannya dalam register, kompleksitas ritme dan tanda birama, banyaknya jeda.

Pointillisme musik menolak untuk menciptakan sesuatu yang dapat dipahami realitas artistik(dari realitas yang dapat dipahami berdasarkan tradisi musik dan seni dunia dan menggunakan kode-kode semiotika musik tradisional). Pointilisme mengarahkan individu ke arah emigrasi ke dunia jiwanya dan menegaskan fragmentasi dunia sekitarnya.

Aleatorika- arah artistik sastra dan musik, berdasarkan pada gagasan filosofis bahwa kesempatan menguasai kehidupan, dan menegaskan konsep artistik: manusia- pemain di dunia situasi acak.

Perwakilan dari aleatorik: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky dan lain-lain. Kesempatan menyerbu sastra atau karya musik secara mekanis: dengan melempar chip (dadu), bermain catur, mengocok halaman atau berbagai fragmen, serta menggunakan

improvisasi: teks musik ditulis dalam "tanda-simbol" dan kemudian ditafsirkan secara bebas.

kejadian- ini adalah salah satu jenis budaya seni modern di Barat. A. Keprou adalah penulis produksi pertama dari "Courtyard", "Creations" yang sedang berlangsung. Pertunjukan yang terjadi melibatkan tindakan misterius, terkadang tidak logis dari para pemain dan dicirikan oleh banyaknya alat peraga yang terbuat dari barang-barang bekas dan bahkan diambil dari tempat pembuangan sampah. Para peserta acara mengenakan kostum yang cerah dan sangat konyol, menekankan ketidakberdayaan para pemain, kemiripan mereka dengan kotak atau ember. Beberapa pertunjukan terdiri dari, misalnya, pelepasan yang menyakitkan dari bawah terpal. Pada saat yang sama, perilaku individu para aktor bersifat improvisasi. Terkadang aktor beralih ke penonton dengan permintaan untuk membantu mereka. Dimasukkannya penonton dalam aksi ini sesuai dengan semangat kejadian.

Konsep dunia dan kepribadian yang dikemukakan oleh kejadian dapat dirumuskan sebagai berikut: dunia- rangkaian peristiwa acak, seseorang harus secara subyektif merasakan kebebasan penuh, tetapi pada kenyataannya mematuhi satu tindakan, dimanipulasi.

Terjadi menggunakan lukisan cahaya: cahaya terus berubah warna dan kekuatan, diarahkan langsung ke aktor atau bersinar melalui layar yang terbuat dari bahan yang berbeda. Seringkali disertai dengan efek suara (suara manusia, musik, denting, derak, gerinda). Suaranya terkadang sangat kuat, tidak terduga, dirancang untuk efek kejut. Presentasi meliputi transparansi dan bingkai film. Laura juga menggunakan zat aromatik. Pelaku menerima tugas dari sutradara, tetapi durasi tindakan peserta tidak ditentukan. Setiap orang dapat meninggalkan permainan kapan pun mereka mau.

Terjadi diatur di tempat yang berbeda: di tempat parkir, di halaman yang dikelilingi gedung-gedung tinggi, di bawah tanah. benteng, loteng. Ruang kejadian, menurut prinsip aksi ini, tidak boleh membatasi imajinasi seniman dan penonton.

Ahli teori kejadian M. Kerby merujuk jenis tontonan ini ke bidang teater, meskipun ia mencatat bahwa kejadian berbeda dari teater karena tidak adanya struktur pertunjukan tradisional: plot, karakter, dan konflik. Peneliti lain mengasosiasikan hakikat kejadian dengan lukisan dan pahatan, dan bukan dengan teater.

Dengan asal-usulnya, terjadi kembali ke pencarian artistik awal abad ke-20, hingga upaya beberapa pelukis dan pematung untuk mengalihkan fokus dari lukisan atau patung ke proses penciptaan mereka sendiri. asal-usul dalam "lukisan aksi": dalam "percikan tetesan" J. Pollock, dalam sapuan "tebasan" De Kooning, dalam pertunjukan bergambar berkostum oleh J. Mathieu.

seni merusak diri sendiri- ini adalah salah satu fenomena aneh postmodernisme. Lukisan yang dilukis dengan cat memudar di depan penonton. Buku "Nothing", diterbitkan di AS pada tahun 1975 dan dicetak ulang di Inggris. Ini memiliki 192 halaman, dan tidak satupun dari mereka memiliki satu baris pun. Penulis mengklaim bahwa dia mengungkapkan pemikirannya: Saya tidak punya apa-apa untuk diberitahukan kepada Anda. Semua ini adalah contoh seni penghancuran diri. Ia juga memiliki ekspresinya dalam musik: penampilan sebuah karya di atas piano yang rusak atau pada biola yang rusak, dan seterusnya.

Konseptualisme- adalah arah seni seni Barat, yang dalam konsepsi artistiknya menegaskan seseorang yang terlepas dari makna langsung (langsung) budaya dan dikelilingi oleh produk aktivitas intelektual yang estetis.

Karya-karya konseptualisme berbeda secara tak terduga dalam tekstur dan penampilannya: foto, fotokopi dari teks, telegram, reproduksi, grafik, kolom angka, diagram. Konseptualisme tidak menggunakan produk intelektual dari aktivitas manusia untuk tujuan yang dimaksudkan: penerima tidak boleh membaca dan menafsirkan makna teks, tetapi menganggapnya sebagai produk estetika murni, menarik dalam penampilannya.

Perwakilan konseptualisme; Seniman Amerika T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler, dan lainnya.

Realisme kritis abad ke-19,- arahan artistik” yang mengedepankan konsep: dunia dan manusia tidak sempurna; KELUAR- non-perlawanan terhadap kejahatan dengan kekerasan dan perbaikan diri.

M realisme sosialis- arahan artistik yang menegaskan konsep artistik: seseorang aktif secara sosial dan termasuk dalam penciptaan sejarah dengan cara kekerasan"

realisme petani- arah artistik yang menegaskan bahwa petani adalah pembawa utama moralitas dan penopang kehidupan berbangsa.

Realisme petani (prosa desa) - arah sastra prosa Rusia (60-an - 80-an); tema sentral - desa modern, tokoh utamanya adalah seorang petani - satu-satunya perwakilan sejati rakyat dan pembawa cita-cita.

neorealisme- arah artistik realisme abad ke-20, yang memanifestasikan dirinya dalam sinema Italia pascaperang dan sebagian dalam sastra. Fitur: neorealisme menunjukkan minat yang dekat pada pria dari rakyat, dalam kehidupan orang biasa: perhatian yang tajam terhadap detail, observasi, dan fiksasi elemen-elemen yang memasuki kehidupan setelah Perang Dunia Kedua. Produk-

Ajaran neorealisme menegaskan gagasan humanisme, pentingnya nilai-nilai kehidupan yang sederhana, kebaikan dan keadilan dalam hubungan manusia, persamaan manusia dan martabat mereka, terlepas dari status properti mereka.

Realisme magis- arah artistik realisme, yang menegaskan konsep: seseorang hidup dalam realitas yang menggabungkan modernitas dan sejarah, supernatural dan natural, paranormal dan biasa.

Keanehan realisme magis- episode fantastis berkembang menurut hukum logika sehari-hari sebagai realitas sehari-hari.

realisme psikologis- gerakan artistik abad ke-20, mengedepankan konsep: individu bertanggung jawab; dunia spiritual harus diisi dengan budaya yang mempromosikan persaudaraan manusia dan mengatasi egosentrisme dan kesepian mereka.

realisme intelektual- Ini adalah arah artistik dari realisme, di mana drama ide terungkap dan karakter dalam wajah "memerankan" pemikiran penulis, mengungkapkan berbagai aspek dari konsepsi artistiknya. Realisme intelektual mengandaikan pola pikir konseptual dan filosofis seniman. Jika realisme psikologis berupaya menyampaikan plastisitas gerak pikiran, mengungkap dialektika jiwa manusia, interaksi dunia dan kesadaran, maka realisme intelektual berupaya memecahkan masalah aktual secara artistik dan meyakinkan, menganalisis keadaan dunia.

Informasi serupa.

Rencana

Perkenalan

Pertanyaan 1. Estetika Zaman Baru dan estetika modern

Pertanyaan 2. Kekhususan Protestan, sebagai salah satu arahan agama Kristen

Kesimpulan

Daftar sumber yang digunakan

Perkenalan

Mata kuliah di pekerjaan kontrol adalah subjek etika, estetika dan studi agama.

Objek studi adalah aspek individu dari disiplin.

Relevansi penelitian ini disebabkan, pertama-tama, oleh fakta bahwa setiap agama adalah pandangan dunia dan pemikiran sosial yang dikemas dalam bentuk kultus. Yang sangat menarik untuk diteliti adalah kasus-kasus ketika agama tidak tetap tidak berubah, tetapi dilengkapi dengan kehidupan dan perubahan di dalamnya. Sementara itu, setiap periode perkembangan manusia, sesuai dengan pandangan moral, etika dan filosofisnya, membentuk etika dan estetika tersendiri dari perilaku dan aktivitas manusia dalam masyarakat. Proses perkembangan agama seringkali berhubungan langsung dengan standar etika masyarakat dan perwujudan estetika. Terkadang etika dan estetika bertentangan dengan kultus agama, mendahului dan memperkenalkan ide-ide filosofis baru.

Tujuan pekerjaan berdasarkan metodologi yang dipelajari dan literatur pendidikan mencirikan objek studi dalam pekerjaan kontrol.

Untuk mencapai tujuan ini, direncanakan untuk menyelesaikan tugas-tugas utama berikut:

Pertimbangkan ciri-ciri estetika Zaman Baru dan estetika modern;

Jelaskan proses munculnya Protestantisme dan prinsip-prinsip agama ini, sajikan ciri-ciri utama pemujaan keyakinan ini;

Merangkum hasil penelitian dalam karya.

Pertanyaan 1. Estetika Zaman Baru dan estetika modern

Basis ideologis Zaman Baru adalah humanisme, dan kemudian filsafat alam.

Humanisme- dari lat. manusia - pengakuan akan nilai seseorang sebagai pribadi, haknya untuk pengembangan bebas dan perwujudan kemampuannya. Persetujuan kebaikan manusia sebagai kriteria untuk menilai hubungan sosial. DI DALAM pengertian filosofis- pemikiran bebas sekuler, menentang skolastik dan dominasi spiritual gereja. Di era ini, semacam pendewaan manusia terjadi - "mikrokosmos", makhluk setara dewa yang menciptakan dan menciptakan dirinya sendiri. Pandangan-pandangan ini antroposentrisme. Ini adalah istilah filosofis yang berakar pada paruh kedua abad ke-19 untuk merujuk pada ajaran idealis yang memandang manusia sebagai tujuan utama dan tertinggi alam semesta. Tapi fondasinya diletakkan di zaman Renaisans.

Panteisme- dari bahasa Yunani. theos yang artinya tuhan. Ini adalah ajaran agama dan filosofis yang mengidentifikasi Tuhan dan seluruh dunia. Kecenderungan panteistik terwujud dalam mistisisme sesat Abad Pertengahan. Panteisme adalah karakteristik dari filosofi alam Renaisans dan sistem materialistik Spinoza, yang mengidentifikasi konsep "tuhan" dan "alam".

Sikap seperti itu terhadap seseorang menandai munculnya bentuk-bentuk baru kesadaran diri dan individualisme Renaisans. Penekanan ditempatkan pada masalah etika, doktrin kehendak bebas individu, diarahkan pada kebaikan dan kebaikan bersama. Ada semacam rehabilitasi manusia dan pikirannya. Itu menolak sikap teologis abad pertengahan terhadap manusia sebagai bejana yang berdosa, ditakdirkan untuk menderita dalam hidup. Kegembiraan dan kesenangan dinyatakan sebagai tujuan keberadaan duniawi. Kemungkinan keberadaan manusia yang harmonis dan dunia sekitarnya diumumkan. Kaum humanis berkontribusi pada pengembangan cita-cita kepribadian yang sempurna dan berkembang secara komprehensif, yang kebajikannya ditentukan bukan oleh bangsawan sejak lahir, tetapi oleh perbuatan, kecerdasan, bakat, dan pelayanan kepada masyarakat. Dalam Humanisme, sejak awal kecenderungan natural-filosofis disimpulkan, yang mendapat perkembangan khusus pada abad ke-16. masalah utama, yang menempati filsuf alam - rasio Tuhan dan alam. Mempertimbangkannya, mereka berusaha untuk mengatasi dualisme pemikiran abad pertengahan, mereka memahami dunia sebagai hubungan organik antara materi dan roh. Menyadari materialitas dan ketidakterbatasan dunia, mereka menganugerahi materi dengan kemampuan untuk mereproduksi dirinya sendiri, dan pada saat yang sama kehidupan, menciptakan doktrin ruang hidup. Jadi, dalam sistem filosofis Renaisans, gambaran panteistik dunia terbentuk. Gagasan tentang animasi universal alam semesta mempertanyakan keberadaan yang supernatural, dunia lain, karena segala sesuatu yang ajaib dinyatakan alami, alami, berpotensi dapat dikenali: segera setelah ditemukan dan dijelaskan, bagaimana keajaiban itu berhenti. Penilaian seperti itu bertentangan dengan dogma gereja. Skolastik abad pertengahan, berdasarkan pengetahuan dan otoritas buku, ditentang oleh humanisme dan filsafat alam dengan rasionalisme, metode eksperimental untuk mengetahui dunia, berdasarkan persepsi dan eksperimen indrawi. Pada saat yang sama, animasi kosmos memunculkan gagasan tentang hubungan misterius antara manusia dan alam, pengakuan ilmu gaib. Sains dipahami sebagai keajaiban alam, astronomi terjalin dengan astrologi, dan sebagainya. Secara umum, pemahaman tentang alam sebagai tuan internal, bertindak secara mandiri, hidup menurut hukumnya sendiri, berarti pemutusan dengan gagasan abad pertengahan yang mapan tentang dewa pencipta dan mengarah pada munculnya agama alam baru. Pergolakan ideologis ini didasarkan pada kebangkitan kekuatan produktif, produksi material, ilmu pengetahuan dan teknologi. Semua ini mengarah pada perkembangan progresif Eropa.

Ciri pembeda terpenting dari pandangan dunia Renaisans adalah fokusnya pada seni. Jika fokus zaman kuno adalah kehidupan alam-kosmik, pada Abad Pertengahan itu adalah Tuhan dan gagasan keselamatan terkait dengannya, maka pada Renaisans fokusnya adalah pada manusia. Oleh karena itu, pemikiran filosofis periode ini dapat dicirikan sebagai antroposentris.

Dalam Renaisans, individu memperoleh kemandirian yang jauh lebih besar, dia semakin tidak mewakili persatuan ini atau itu, tetapi dirinya sendiri. Dari sini tumbuh kesadaran diri baru seseorang dan posisi sosialnya yang baru: kesombongan dan penegasan diri, kesadaran akan kekuatan dan bakatnya sendiri menjadi ciri khas seseorang.

Keserbagunaan adalah cita-cita seorang pria renaisans. Teori arsitektur, lukisan dan pahatan, matematika, mekanika, kartografi, filsafat, etika, estetika, pedagogi - ini adalah lingkaran studi, misalnya, seniman Florentine dan humanis Alberti.

Mari kita beralih ke penalaran salah satu humanis abad ke-15, Giovanni Pico (1463-1494), dalam Orasinya yang terkenal tentang Martabat Manusia. Setelah menciptakan manusia dan "menempatkannya di pusat dunia", Tuhan, menurut filsuf ini, menyapanya dengan kata-kata ini: "Kami tidak memberimu, hai Adam, tempat tertentu, atau citramu sendiri, atau kewajiban khusus, sehingga baik tempat maupun Anda memiliki kewajiban atas kehendak bebas Anda sendiri, sesuai dengan kehendak dan keputusan Anda.

Pico memiliki gagasan tentang seorang pria yang telah diberikan kehendak bebas oleh Tuhan dan yang harus menentukan nasibnya sendiri, menentukan tempatnya di dunia. Manusia di sini bukan sekedar makhluk alam, melainkan pencipta dirinya sendiri.

Dalam Renaisans, aktivitas apa pun - baik itu aktivitas seniman, pematung, arsitek atau insinyur, navigator atau penyair - dianggap berbeda dari pada zaman kuno dan Abad Pertengahan. Di kalangan orang Yunani kuno, kontemplasi ditempatkan di atas aktivitas (dalam bahasa Yunani, kontemplasi adalah teori). Pada Abad Pertengahan, pekerjaan dipandang sebagai semacam penebusan dosa. Namun, bentuk aktivitas tertinggi diakui di sini sebagai yang mengarah pada keselamatan jiwa, dan dalam banyak hal mirip dengan kontemplasi: itu adalah doa, ritual liturgi. Dan hanya di zaman Renaisans, aktivitas kreatif memperoleh semacam karakter sakral. Dengan bantuannya, seseorang tidak hanya memenuhi kebutuhan pertikular-terestrialnya; dia menciptakan dunia baru, menciptakan keindahan, menciptakan hal tertinggi di dunia, dirinya sendiri. Dan bukan kebetulan bahwa di zaman Renaisans garis yang sebelumnya ada antara sains, aktivitas teknis-praktis, dan fantasi artistik menjadi kabur untuk pertama kalinya. Insinyur dan seniman sekarang bukan hanya seorang "pengrajin", "teknisi", sekarang dia adalah seorang pencipta. Mulai saat ini, seniman tidak hanya meniru ciptaan Tuhan, tetapi juga kreativitas yang sangat ilahi. Dalam dunia sains, kami menemukan pendekatan seperti itu di Kepler, Galileo, Navanieri.

Seseorang berusaha untuk membebaskan dirinya dari akar transendentalnya, mencari pijakan tidak hanya di kosmos, yang darinya dia telah tumbuh selama ini, tetapi dalam dirinya sendiri, dalam cahaya baru - tubuh yang melaluinya mulai sekarang dia melihat jasmani dengan cara yang berbeda pada umumnya. Walaupun kelihatannya paradoks, justru doktrin abad pertengahan tentang kebangkitan manusia dalam daging yang mengarah pada "rehabilitasi" manusia dengan semua materialitas materialnya, yang menjadi ciri khas Renaisans.

Kultus kecantikan yang khas pada zaman Renaisans dikaitkan dengan antroposentrisme, dan bukan kebetulan bahwa lukisan yang digambarkan sangat indah wajah manusia Dan tubuh manusia menjadi bentuk seni yang dominan di era ini. Seniman hebat - Botticelli, Leonardo da Vinci, Raphael, pandangan dunia Renaisans menerima ekspresi tertingginya.

Dalam Renaisans, tidak seperti sebelumnya, nilai individu meningkat. Baik di zaman kuno maupun di Abad Pertengahan tidak ada minat yang membara pada manusia dalam semua keragaman manifestasinya. Di atas segalanya, di era ini, orisinalitas dan keunikan masing-masing individu ditempatkan.

Perkembangan kepribadian yang kaya di Abad XV-XVI sering disertai dengan individualisme yang ekstrem: nilai individualitas yang melekat berarti absolutisasi pendekatan estetika terhadap manusia.

Pertanyaan 2. Kekhususan Protestan, sebagai salah satu arahan agama Kristen

Protestantisme adalah salah satu dari tiga arah utama Kekristenan, bersama dengan Katolik dan Ortodoksi, yang merupakan kumpulan dari banyak gereja dan sekte independen yang terkait dengan Reformasi, sebuah gerakan anti-Katolik yang luas pada abad ke-16. di Eropa. Gerakan ini dimulai di Jerman pada tahun 1517, ketika M. Luther menerbitkan "95 tesis" -nya, dan berakhir pada paruh kedua abad ke-16. pengakuan resmi Protestantisme. Selama Abad Pertengahan, banyak upaya dilakukan untuk mereformasi Gereja Katolik. Namun, istilah "reformasi" pertama kali muncul pada abad ke-16; itu diperkenalkan oleh para reformis untuk mengungkapkan gagasan tentang perlunya gereja kembali ke asal-usul alkitabiahnya. Pada gilirannya, Gereja Katolik Roma memandang Reformasi sebagai sebuah pemberontakan, sebuah revolusi. Konsep "Protestan" muncul sebagai nama umum untuk semua pendukung Reformasi.

Perkembangan ilmu estetika di negara-negara Eropa Barat dan Amerika Serikat pada paruh pertama abad kita mengungkapkan periode kontradiktif ini dalam banyak konsep dan teorinya, terutama yang bersifat non-realistis, yang banyak di antaranya disebut "modernisme". didirikan.

Modernisme (dari bahasa Prancis modern - terbaru, modern) adalah simbol umum tren seni abad ke-20, yang ditandai dengan penolakan terhadap metode tradisional representasi artistik dunia.

Modernisme sebagai sistem seni disiapkan oleh dua proses perkembangannya: dekadensi (yaitu, pelarian, penolakan terhadap kehidupan nyata, kultus keindahan sebagai satu-satunya nilai, penolakan terhadap masalah sosial) dan avant-garde (yang manifestonya menyerukan untuk memutuskan warisan dari masa lalu dan menciptakan sesuatu yang baru, bertentangan dengan sikap artistik tradisional).

Semua tren dan arus utama modernisme - kubisme, ekspresionisme, futurisme, konstruktivisme, imajinisme, surealisme, abstraksionisme, seni pop, hiperrealisme, dll., ditolak atau sepenuhnya mengubah seluruh sistem sarana dan teknik artistik. Secara khusus, di berbagai jenis seni, ini diungkapkan: dalam perubahan gambar spasial dan penolakan pola artistik dan figuratif dalam seni visual; dalam revisi organisasi melodi, ritmis dan harmonik dalam musik; dalam munculnya "aliran kesadaran", monolog internal, montase asosiatif dalam sastra, dll. Gagasan kesukarelaan irasional dari A. Schopenhauer dan F. Nietzsche, doktrin intuisi oleh A. Bergson dan N. Lossky, psikoanalisis 3 memiliki pengaruh besar pada praktik modernisme Freud dan C. G. Jung, eksistensialisme M. Heidegger, J.-P. Sartre dan A. Camus, teori filsafat sosial dari Sekolah Frankfurt T. Adorno dan G. Marcuse.

Suasana emosional secara umum dari karya-karya seniman modernis dapat diungkapkan dalam ungkapan berikut: kekacauan kehidupan modern, disintegrasinya berkontribusi pada kekacauan dan kesepian seseorang, konfliknya tidak dapat diselesaikan dan tanpa harapan, dan keadaan di mana dia berada. ditempatkan tidak dapat diatasi.

Setelah Perang Dunia Kedua, sebagian besar tren modernis dalam seni kehilangan posisi avant-garde sebelumnya. Di Eropa dan Amerika pascaperang, budaya "massa" dan "elit" mulai aktif memanifestasikan dirinya, dengan berbagai tren estetika dan tren yang sesuai dengannya, dan juga menyatakan diri. sekolah estetika karakter non-Marxis. Secara umum, tahap pascaperang dalam perkembangan estetika asing dapat diartikan sebagai pascamodern.

Postmodernisme adalah sebuah konsep yang menunjukkan tahap super baru, yang terakhir hingga saat ini, dalam rantai tren budaya yang secara alami saling mengubah selama perjalanan sejarah. Postmodernisme sebagai paradigma budaya modern adalah arah umum pembangunan budaya Eropa terbentuk pada tahun 70-an. abad ke-20

Munculnya tren postmodern dalam budaya dikaitkan dengan kesadaran akan keterbatasan kemajuan sosial dan ketakutan masyarakat bahwa akibatnya mengancam kehancuran ruang dan waktu budaya itu sendiri. Postmodernisme, seolah-olah, harus menetapkan batas-batas campur tangan manusia dalam perkembangan alam, masyarakat, dan budaya. Oleh karena itu, postmodernisme dicirikan oleh pencarian bahasa artistik universal, konvergensi dan penggabungan berbagai gerakan artistik, terlebih lagi gaya “anarkisme”, keragamannya yang tak ada habisnya, eklektisisme, kolase, ranah montase subyektif.

Ciri-ciri postmodernisme adalah:

Orientasi budaya postmodern dan "massa" dan "elit" masyarakat;

Pengaruh seni yang signifikan pada bidang non-seni aktivitas manusia (pada politik, agama, ilmu komputer, dll.);

Gaya pluralisme;

Kutipan luas dalam kreasi karya seni era sebelumnya;

ironi berakhir tradisi artistik budaya masa lalu;

Menggunakan teknik permainan saat membuat karya seni.

Dalam kreasi artistik postmodern, ada reorientasi sadar dari kreativitas ke kompilasi dan kutipan. Bagi postmodernisme, kreativitas tidak sama dengan kreasi. Jika sistem "seniman - karya seni" bekerja dalam budaya pra-postmodern, maka dalam postmodernisme penekanannya dialihkan ke hubungan "karya seni - penonton", yang menunjukkan perubahan mendasar dalam kesadaran diri seniman. Ia berhenti menjadi "pencipta", karena makna karya lahir langsung dari tindakan persepsinya. Karya seni postmodern harus dilihat, dipamerkan, tidak bisa eksis tanpa penonton. Dapat dikatakan bahwa dalam postmodernisme terjadi peralihan dari “karya seni” menjadi “konstruksi artistik”.

Postmodernisme sebagai teori mendapat pembenaran yang signifikan dalam karya J. Baudrillard "The System of Things" (1969), J. F. Lyotard "Postmodern Knowledge" (1979) dan "Dispute" (1984), P. Sloterdijk "Magic Tree" (1985 ) dan lainnya

Pada bagian ini, hanya tren estetika terpenting dan aliran orientasi non-Marxis, serta masalah utama ilmu estetika abad ke-20, yang akan dianalisis.