Qual è il nome dell'arte giapponese. Lungometraggi giapponesi

La formazione della cerimonia del tè (chanoyu) come uno dei più grandi fenomeni della cultura giapponese è avvenuta in un periodo molto difficile e travagliato per il paese, quando guerre sanguinose interne e faide tra clan feudali rendevano insopportabile la vita delle persone. La cerimonia del tè è nata sotto l'influenza dell'estetica e della filosofia del buddismo zen e ha cercato di contrastare lo stato d'animo di disperazione con l'adorazione della bellezza.

A quei tempi, i governanti della classe militare e i ricchi mercanti, riuniti per discussioni politiche e commerciali, ne approfittavano spesso per servire il tè. Era considerato un piacere raffinato sedersi a proprio agio in una tranquilla sala da tè, distaccato dalle preoccupazioni e dalle preoccupazioni della vita, e ascoltare il suono dell'acqua che bolle su un braciere. Il grande maestro Sen-no-Rikyu fece del bere il tè un'arte. È stato in grado di sviluppare l'arte della cerimonia del tè come ha fatto, in parte a causa del suddetto background sociale che esisteva.

La sala da tè costruita da Sen no Rikyu a prima vista sembrava molto semplice e persino troppo piccola. Ma è stato progettato nel modo più accurato, con una buona leggibilità, fin nei minimi dettagli. Era decorato con porte scorrevoli ricoperte di carta giapponese traslucida bianca come la neve. Il soffitto era rifinito con bambù o paglia e la trama aperta delle pareti era molto apprezzata. I supporti erano per lo più in legno, conservando la loro corteccia naturale. Per creare l'effetto di un eremo nel design della sala da tè, sono state eliminate tutte le decorazioni inutili e le decorazioni eccessive.

Oggi, la cerimonia del tè è la più caratteristica, arte unica. Svolge un ruolo importante nello spirituale e vita pubblica giapponese per diversi secoli. Nel tempo, il rituale della cerimonia del tè è stato canonizzato, la sequenza di azioni e comportamenti è stata data. Dopo essere già entrati nei semplici cancelli di legno, gli ospiti si sono tuffati in un mondo speciale, lasciandosi alle spalle tutto ciò che è banale e in silenziosa concentrazione obbedendo solo alle leggi dell'azione.

Il chanoyu classico è un rituale rigorosamente programmato a cui partecipano il maestro del tè (la persona che prepara e versa il tè) e gli altri partecipanti alla cerimonia. In sostanza, un maestro del tè è un prete che compie un atto del tè, il resto sono coloro che si uniscono a lui. Ognuno ha il proprio stile di comportamento specifico, compresa sia la postura quando si è seduti, sia ogni movimento, fino all'espressione facciale e al modo di parlare.

Mentre si beve il tè si fanno discorsi saggi, si leggono poesie, si considerano opere d'arte. Mazzi di fiori e utensili speciali per la preparazione della bevanda vengono selezionati con particolare cura per ogni occasione.

L'atmosfera stessa crea l'atmosfera appropriata, che è sorprendentemente semplice e modesta: una teiera di rame, tazze, un agitatore di bambù, una scatola per conservare il tè, ecc. Ai giapponesi non piacciono gli oggetti luminosi e lucenti, sono colpiti dall'ottusità. D. Tanizaki scrive al riguardo: “Gli europei usano stoviglie in argento, acciaio o nichel, le lucidano fino a ottenere una lucentezza abbagliante, ma non sopportiamo una tale lucentezza. Utilizziamo anche oggetti in argento... ma non li lucidiamo mai a specchio. Al contrario, ci rallegriamo quando questa lucentezza viene via dalla superficie degli oggetti, quando acquistano un tocco di prescrizione, quando si scuriscono con il tempo... Amiamo le cose che portano tracce di carne umana, fuliggine d'olio, agenti atmosferici e gonfiore di pioggia. Tutti gli oggetti per la cerimonia del tè portano l'impronta del tempo, ma sono tutti perfettamente puliti. Crepuscolo, silenzio, la teiera più semplice, un cucchiaio di legno per versare il tè, una ruvida tazza di ceramica: tutto questo affascina i presenti.

L'elemento più importante all'interno di una casa da tè è una nicchia: il tokonoma. Solitamente contiene un cartiglio con un dipinto o un'iscrizione calligrafica e un mazzo di fiori, un incensiere con incenso. Tokonoma si trova di fronte all'ingresso e attira immediatamente l'attenzione degli ospiti. Il rotolo tokonama è scelto con grande cura ed è un indispensabile argomento di discussione durante la cerimonia. È scritto in stile buddista zen e con una calligrafia così arcaica che pochi riescono a distinguere e comprendere il significato di ciò che è scritto, ad esempio: "Il bambù è verde e i fiori sono rossi", "Le cose sono cose, e questo è bello !" o "L'acqua è acqua". Ai presenti viene spiegato il significato di questi detti, apparentemente semplici, ma allo stesso tempo filosoficamente molto profondi. A volte questi pensieri sono espressi nella forma poetica dell'haiku, a volte si riflettono nella pittura del vecchio maestro, di regola, secondo il principio del "wabi".

In Giappone esistono molte forme della cerimonia del tè, ma solo alcune sono rigorosamente stabilite: tè notturno, tè dell'alba, tè mattutino, tè pomeridiano, tè serale, tè speciale.

Il tè notturno inizia con la luna. Gli ospiti arrivano verso le undici e mezza e partono verso le quattro del mattino. Solitamente viene preparato il tè in polvere, che viene preparato davanti agli ospiti: le foglie vengono liberate dalle venature e macinate in polvere in un mortaio. Questo tè è molto forte, non va servito a stomaco vuoto. Pertanto, all'inizio, gli ospiti vengono trattati con un cibo leggermente diverso. Il tè si beve all'alba verso le tre o le quattro del mattino. Gli ospiti rimangono alla stessa ora fino alle sei. Il tè del mattino viene praticato nella stagione calda, gli ospiti si riuniscono alle sei del mattino. Il tè pomeridiano viene solitamente servito solo con torte intorno alle 13:00. Il tè serale inizia intorno alle 18:00. Uno speciale tea party (rinjitya-noyu) viene organizzato in ogni occasione speciale: incontro con gli amici, vacanze, cambio di stagione, ecc.

Secondo i giapponesi, la cerimonia del tè evoca semplicità, naturalezza, pulizia. Questo è vero, ovviamente, ma c'è di più nella cerimonia del tè. Introducendo le persone a un rituale consolidato, le abitua all'ordine rigoroso e all'adempimento incondizionato delle regole sociali. La cerimonia del tè è una delle basi più importanti per la coltivazione dei sentimenti nazionali.

Himeji è uno dei castelli più antichi del Giappone.

Arte giapponese del periodo antico
La cultura giapponese ha preso forma e si è sviluppata in particolari condizioni naturali e storiche. Il Giappone si trova su quattro grandi e molte piccole isole bagnate dai mari. Essendo all'estremo limite dell'est, ha sperimentato l'influenza periodicamente in aumento, poi di nuovo in declino di culture continentali come la Cina e la Corea. Periodi di interazione con mondo esterno furono sostituiti nella storia giapponese da lunghi secoli di isolamento culturale (periodi dal X al XIV e dal XVII alla metà del XIX secolo). Quest'ultima circostanza ha contribuito allo sviluppo e al consolidamento di molte caratteristiche uniche della cultura giapponese in generale e dell'arte in particolare. La conoscenza della cultura occidentale ebbe luogo nel XVI secolo, quando si erano già formate le caratteristiche principali della civiltà giapponese originaria. Fino al 1854, il Giappone commerciava con la Cina e l'Olanda attraverso un solo porto.

Dai più antichi abitanti delle isole giapponesi - cacciatori e pescatori - vennero scoperti a seguito di scavi archeologici asce di pietra, arpioni, punte di freccia e vasi in ceramica scolpiti a mano, che prendono il nome dal motivo "Jomon", che significa "traccia di corda", sono impressi su di essi. Pertanto, la cultura neolitica in Giappone è anche chiamata Jomon. I coloni che arrivavano dalla Siberia, dalla Polinesia e successivamente dalla Corea e dalla Cina si trovavano su livelli diversi sviluppo culturale. Questo spiega il fatto che in alcuni strati culturali si trovano monumenti sia dell'era neolitica che dell'età del bronzo. La lingua giapponese è vicina alle lingue del gruppo altaico. Quando a seguito di contatti con cultura cinese Poiché i giapponesi hanno acquisito familiarità con la scrittura geroglifica cinese, si è rivelato molto difficile adattare i geroglifici cinesi per trasmettere il discorso giapponese orale.

Il periodo iniziale della cultura giapponese, di cui sono stati conservati dati affidabili, è chiamato l'era dei kofuns (tumuli) - sepolture, la cui parte a terra era un tumulo di terra dalla forma caratteristica - una combinazione di un cerchio e un trapezio, simile a un buco della serratura, che simboleggiava l'unione di terra e acqua. Erano di notevoli dimensioni, erano circondati da un doppio fossato con acqua, l'erba cresceva sul tumulo e lungo il perimetro interno del tumulo c'erano figure cave di argilla di persone, animali, modelli di barche e case da 30 cm a uno alto un metro e mezzo. Erano chiamati "haniwa". All'interno della camera funeraria c'erano bare con rappresentanti morti della nobiltà, dove erano collocati oggetti rituali: uno specchio, una campana dotaku, il cui suono avrebbe dovuto spaventare gli spiriti maligni e attirare gli dei - i patroni dei coltivatori. Le sepolture dei re Yamato contenevano sempre simboli rituali di potere come ciondoli di giada e spade. Per esaltare i re del clan Yamato, fu stabilito l'inizio della storia, fu determinata la gerarchia degli dei, fu individuata la divinità Amaterasu ("Splendente dal cielo"), che trasferì il potere su isole giapponesi re del clan Yamato. Il nome "Nippon" o "Nihon", che significa "terra del sol levante", apparve nel VII secolo. Nel 608 iniziarono i viaggi di studio in Cina, che continuarono per più di due secoli.

Dotaku - campane rituali in bronzo - cilindri ristretti verso l'alto, sormontati da ampi anelli con sporgenze ricci, le cui pareti sono divise in quadrati pieni di immagini grafiche

Le credenze eterogenee dei giapponesi, che hanno molte caratteristiche dell'animismo e del feticismo primitivi, si riflettono nello shintoismo. Shinto ("la via degli dei") nella sua essenza riflette le idee giapponesi sulla spiritualità universale della natura. Innumerevoli cosiddetti "kami" (spiriti) esistono sia in oggetti paesaggistici miracolosi, come il Lago Biwa e il Monte Fuji, sia in oggetti creati da persone: spade, specchi, dotati di proprietà magiche per questo motivo. Il santuario shintoista si distingueva per la semplicità della sua struttura in legno: una stanza ad aula unica era posta su palafitte, circondata su tutti i lati da una veranda. L'interno del santuario scintoista era buio e vuoto. I credenti non sono entrati nel tempio.

Periodo Para (645-794 d.C.)

Nara è il nome della prima capitale e l'unica città del Giappone in quel momento. Questo era il momento dell'istituzione della statualità giapponese, dell'introduzione del buddismo e della creazione di monumenti di arte buddista: templi, pagode, varie statue di divinità buddiste. Il buddismo durante questo periodo non era tanto la fede del popolo quanto una continuazione della politica della corte. Varie sette del buddismo hanno svolto un ruolo molto significativo alla corte, le proprietà terriere dei monasteri buddisti sono cresciute, i monaci hanno avuto una grande influenza alla corte. Appaiono monasteri buddisti, che sono gruppi di edifici in legno situati su un'area murata rettangolare. Di particolare importanza era l'ampio viale che conduceva alla porta d'ingresso, la piazza antistante il tempio e la pagoda a più livelli visibile da lontano. I templi in legno erano dipinti con lacca rossa, rialzati su fondamenta di pietra e avevano ampi doppi tetti curvi - irimoya.

Tra i primi templi buddisti ci sono Asukadera, Horyuji, la costruzione di quest'ultimo fu iniziata nel 607 per volere dell'allora regnante principe ereditario Shotoku Taishi. Il monastero era costituito da 53 edifici situati su un'area di 90mila metri quadrati. La facciata del tempio è rivolta a sud, gli edifici principali si trovano sull'asse nord-sud, la zona sacra è a nord, c'era una sala per i sermoni: kodo, kondo e una pagoda a cinque livelli. A Horyuji c'erano 265 statue, l'immagine scultorea principale era la trinità di Shakyamuni, rappresentata da una scultura del fondatore del credo, accompagnata da due bodhisattva. Nell'VIII sec nei grandi monasteri c'erano già botteghe di scultori. Si diffuse il culto del bodhisattva Kannon, il cui nome era una traduzione del nome sanscrito Avalokiteshvara (Attenzione ai suoni del mondo). Pieno di compassione per gli esseri viventi, un bodhisattva è in grado di ascoltare i suoni di coloro che soffrono, ovunque si trovino. Il culto di Avalokiteshvara ebbe origine nell'India nordoccidentale e si diffuse in Cina. Nel Sutra del Loto si diceva che il bodhisattva assumeva la forma di quegli esseri che lo invocavano. In Giappone, la diffusione del culto di Kannon ha portato alla comparsa di un gran numero delle sue immagini - il santo Kannon che aiuta all'inferno, Kannon con la testa di cavallo diffonde misericordia sul bestiame, spiriti maligni - gli asura vengono salvati a migliaia Kannon armato, Kannon con una foresta di pescatori salva le persone.

Periodo Heian (794-1185)

Nel 794 la capitale dello stato fu trasferita nella città di Heian (ora Kyoto). Durante il periodo Heian fiorì una sofisticata cultura di corte. È stato creato un sillabario giapponese - kana (giapponese - un geroglifico preso in prestito). All'inizio solo le donne usavano questa scrittura, mentre la scrittura ufficiale continuava ad essere cinese. Durante il X sec. la scrittura delle donne iniziò ad essere utilizzata negli studi privati. Nell'XI sec. iniziò il periodo di massimo splendore della letteratura classica giapponese, un brillante esempio ne è il romanzo "Genji Monogatari", creato dalla dama di corte Murasaki Shikibu.

Nell'arte di Heian, il posto principale è occupato dalle immagini buddiste delle sette esoteriche Tendai e Shingon che provenivano dalla Cina in quel momento, che insegnavano che tutti gli esseri viventi hanno l'essenza del Buddha. Allenando lo spirito e il corpo, adempiendo ai voti, chiunque è in grado di acquisire l'essenza del Buddha nel processo di diverse rinascite. I templi di queste sette furono costruiti sulle cime delle montagne e delle sporgenze rocciose, le cappelle in esse erano divise in due parti. All'interno, dove si trovava l'immagine sacra, non erano ammessi i comuni credenti.

L'era Heian è un periodo di lusso per i circoli dominanti. In questo momento si formò il tipo di abitazioni shinden. Le mura e le condizioni di un clima caldo non erano capitali e non avevano un valore di riferimento. Potrebbero essere facilmente spostati, sostituiti da altri più durevoli per il freddo o rimossi del tutto quando fa caldo. Inoltre non c'erano finestre. Invece del vetro, è stato teso su un telaio a traliccio carta bianca che lascia entrare luce diffusa nella stanza. L'ampia cornice del tetto proteggeva le pareti dall'umidità e dai raggi solari. L'interno, privo di arredi permanenti, presentava pareti divisorie scorrevoli, grazie alle quali era possibile, a piacere, creare o un salone o più piccoli ambienti isolati, il pavimento era ricoperto da stuoie di paglia - tatami, della stessa misura (180 di 90 centimetri).

I testi confuciani e buddisti furono portati dalla Cina durante il periodo Heian. Spesso erano decorati con immagini. Inizialmente, gli artisti giapponesi copiarono i "luoghi famosi" cinesi, ma a partire dal X secolo. rivolgiti all'immagine di paesaggi e costumi Paese d'origine. Viene progettata la pittura "Yamato-e", che differiva dalla pittura cinese utilizzando temi della poesia giapponese, racconti, romanzi o da leggende popolari. Il dipinto prende il nome dal nome della regione di Yamato, la parte sud-occidentale dell'isola di Honshu, dove si formò lo stato del Giappone.
L'immagine spesso rappresentava un rotolo di illustrazioni con il testo corrispondente, che veniva preso a mano e fatto girare da destra a sinistra, leggendo la sezione corrispondente, si considerava l'illustrazione che la segue.

La pittura Yamato-e raggiunse l'apice nel tardo periodo Heian. In questo momento apparvero artisti professionisti che dipingevano immagini su soggetti secolari su schermi, partizioni scorrevoli (shoji) e pergamene - emakimono. Il più antico dei rotoli è il Genji Monogatari. I rotoli Emakimano erano racconti illustrati. Il rotolo di "Genji-monogatari-emaki", il famoso romanzo di Murasaki Shikibu, è sopravvissuto fino ad oggi, raffigurando la vita oziosa dell'aristocrazia con colori vivaci, è una sintesi di calligrafia, letteratura e pittura. Nei 19 sopravvissuti dei 54 capitoli del romanzo, non c'è un'unica trama e attraverso l'azione nelle illustrazioni. La maggior parte delle scene raffigurate si svolgono in interni, tutto ciò che è visibile è mostrato dall'alto, non c'è un unico punto di fuga delle linee, corrispondenza su larga scala di figure e architettura, i volti di tutti i personaggi sono uguali, solo le acconciature e i vestiti sono diversi . L'oggetto principale dell'attenzione dell'artista è il trasferimento del contenuto emotivo degli eventi che si svolgono nel romanzo, che erano ben noti a tutti. Le tecniche principali sono la costruzione dello spazio e l'uso delle possibilità cromatiche. Per trasmettere lo stato interiore dei personaggi e l'atmosfera di ogni scena, è importante per l'artista a quale angolo rispetto al bordo inferiore del rotolo sono dirette le linee diagonali, che denotano le travi delle strutture o le cornici delle tende, o il bordo della veranda. A seconda del grado di tensione emotiva, questo angolo varia da 30 a 54 gradi.

Bodhisattva - Kannon appare in Cina, Corea e Giappone principalmente in forma femminile, nelle mani con una brocca, un ramo di salice e un lazo

Non c'erano tramezzi nelle case degli aristocratici, i migliori artisti dipingevano quadri yamato-e su schermi e tende. I dipinti di Yamato-e erano l'unità con Lavori letterari, che sono stati posizionati anche su schermi e tende. In antologie di poesia dei secoli X-XIII. i versi scritti sugli schermi del IX-X secolo non sono rari. Il maggior numero di tali poesie è contenuto nell'antologia "Sui-shu". Proprio come la poesia riguardava le quattro stagioni, così lo era la pittura per gli schermi. In linea con le canzoni popolari, si sviluppò un certo sistema di formule poetiche, che poi divenne la base della poetica classica giapponese. Quindi, il segno della primavera era una foschia nebbiosa, un salice, un segno dell'estate - un cuculo, cicale, autunno - foglie di acero scarlatto, un cervo, una luna, inverni - neve e fiori di prugna.

Kyoto è un'antica gemma del Giappone.

L'abbondanza di omonimi nella lingua ha permesso di dare ai versi molti significati. Temi e trame hanno permesso, attraverso un dettaglio o un accenno, in una forma poetica estremamente concisa (31 sillabe per tanka), di esprimere la diversità di tutte le sfumature degli stati emotivi. C'è stata una transizione graduale da schermi con testi a schermi senza testo. È così che si sono formate le attuali suddivisioni del genere pittorico: shiki-e ("immagini delle quattro stagioni") e mei-se-e ("immagini di luoghi famosi").
La composizione di tali dipinti non corrispondeva a nessuna delle categorie pittura cinese. La più grande fusione tra natura e uomo diventerà caratteristica di vari generi di arte giapponese.

Periodo Kamakura (1185-1333) e periodo Muromachi (1333-1568)

Alla fine del XII secolo, la capitale fu nuovamente spostata, il potere nel paese a seguito di una sanguinosa guerra civile fu preso dal clan Minamoto, il cui capo spostò la capitale nel suo insediamento di Kamakura, il cui nome divenne il nome di la fase successiva nella storia del Giappone. La classe militare dei samurai salì al potere nel paese, da cui provenivano gli shogun - gli attuali governanti militari del Giappone, l'imperatore, che rimase a Nara, mantenne solo attributi nominali di potere. La raffinatezza della cultura di corte dei samurai preferiva la semplicità. I monasteri della setta Zen non includevano più pagode, i templi assomigliavano a capanne rurali. Dalla fine del XIII sec. sotto l'influenza delle idee panteistiche della setta Zen, il paesaggio iniziò a incarnare l'idea della presenza di divinità buddiste in qualsiasi oggetto del paesaggio. Nei monasteri di Kamakura si è sviluppata l'iconografia dei ritratti del Patriarca di Minsk: una posa seduta e calma con una caratteristica accentuata del volto, il potere ipnotico dello sguardo. Sotto l'influenza della setta Zen, la scultura è relegata in secondo piano, la pittura, in particolare la pittura di paesaggio, esprime l'atteggiamento delle persone di quest'epoca.

Il periodo Muromachi inizia con gli eventi del 1333, quando i signori feudali delle regioni sud-orientali dell'isola di Honshu catturarono e incendiarono Kamakura, restituendo la capitale a Heian. Era un periodo di conflitti interni e guerre di clan feudali. A guidare il tempo dei guai era l'insegnamento degli aderenti alla setta Zen secondo cui, avendo raggiunto l'unità con la natura, si può fare i conti con le difficoltà della vita e raggiungere l'unità con il mondo. In primo luogo nell'arte giapponese, sotto l'influenza dell'insegnamento Zen secondo cui il "corpo" del Buddha è la natura, viene proposta la pittura di paesaggio. Nella seconda metà del XII sec. la pittura con inchiostro nero è penetrata in Giappone dalla Cina. I giapponesi che praticavano prevalentemente tale pittura erano membri della setta Zen. Hanno creato un nuovo stile che ha spiegato il nuovo credo (shigaku - una combinazione di pittura e poesia). XV e XVI secolo - il tempo della massima fioritura della pittura a inchiostro, il cui maestro principale fu Sesshu Toyo (1420-1506). Parallelamente a questo stile esisteva anche lo stile yamato-e.

I cambiamenti nelle relazioni socio-politiche, che portarono alla ribalta la classe militare, portarono anche alla comparsa nel XVI secolo. Sein stile architettonico. Il volume precedentemente unico della casa è ora suddiviso con l'ausilio di porte scorrevoli (shoji), tramezzi scorrevoli (fusuma). Nelle stanze apparve un posto speciale per le lezioni: uno scaffale per i libri e una finestra con un ampio davanzale e una nicchia (tokonoma) dove era posto un bouquet o una pietra dalla forma stravagante e appeso un rotolo verticale.

Nel XVI sec. Nella storia dell'architettura giapponese, i padiglioni del tè compaiono in connessione con la necessità del corretto svolgimento della cerimonia del tè. Il tè è stato portato in Giappone durante il periodo Kamakura dai monaci buddisti come pozione. Il rituale del tè (cha-no-yu) è stato introdotto su iniziativa del monaco zen Murata Shuko e ha richiesto un metodo speciale per la sua attuazione. Si formò così un nuovo tipo di struttura architettonica - chashitsu (padiglione per la cerimonia del tè), nella sua base costruttiva era vicino a un edificio residenziale, e nella sua funzione - a un tempio buddista. I supporti del padiglione del tè erano in legno, il soffitto era rifinito con bambù o canna. All'interno di una capanna rivestita di stuoie, 1,5 o 2 tatami con pareti di adobe, piccole finestre di diversi livelli, una nicchia tokonoma con un paesaggio monocromatico sospeso e un fiore in un vaso, c'era un focolare, una mensola per gli utensili.

Durante il periodo Muromachi fiorì l'arte del giardinaggio. I giardini giapponesi sono diversi. I piccoli giardini sono spesso situati nei templi o associati a una casa tradizionale, sono progettati per essere visti. Grande giardini paesaggistici progettato per essere percepito dall'interno.

Kondo - (giapponese sala d'oro) - il tempio principale del complesso buddista, contenente icone, statue, pitture murali

Il giardino del tempio Zen è stato costruito secondo il principio di un rotolo paesaggistico monocromatico. Invece di un foglio di carta, l'artista ha usato la distesa di un lago o una piattaforma ricoperta di ciottoli, invece di macchie e lavaggi dello spesso: pietre, muschi, fogliame di alberi e arbusti. A poco a poco i fiori scomparvero dal giardino, furono sostituiti da muschi e arbusti, iniziarono ad essere utilizzate pietre al posto dei ponti. Alcuni giardini erano paesaggistici, collinari (tsukiyama). I giardini di Tsukiyama erano una combinazione di elementi naturali come rocce, muschi, alberi, stagni, con un padiglione obbligatorio sulla riva. Il giardino paesaggistico più antico si trova a Kyoto e appartiene al monastero di Sohoji. I giardini secchi erano chiamati "hiraniva", cioè Piatto. Hiraniva è un giardino "filosofico", poiché richiedeva allo spettatore un'immaginazione sviluppata. Il giardino hiraniwa “era rimasto di pietre, sabbia, ciottoli. Chiuso su tre lati da un muro che lo circondava, il giardino era destinato solo alla contemplazione. Alla fine del XV sec. creò uno dei giardini secchi più famosi del monastero di Ryoanji. Comprende 15 pietre situate su un'area rettangolare ghiaiosa. Nel giardino hiraniwa del monastero Daitokuji, creato nel 1509, la natura è rappresentata da composizioni di pietre e ciottoli. Una delle parti del giardino era chiamata "oceano del vuoto" ed è costituita da due basse colline di ciottoli al centro di un'area rettangolare. I giardini potrebbero completarsi a vicenda.

Alla fine del XV sec. si formò la scuola di corte di pittura decorativa Kano. Il fondatore della scuola Kano Masanobu (1434-1530) proveniva da una classe militare, diventando un riconosciuto artista professionista di corte. I suoi paesaggi avevano solo primo piano, tutto il resto era coperto da una foschia nebbiosa. L'enfasi su un particolare soggetto dell'immagine sarebbe diventata caratteristica della scuola di Kano. Il posto principale nel lavoro degli artisti della scuola di Kano era occupato da pitture murali decorative e schermi con pittura di genere. Le pitture murali sono diventate la componente principale della sintesi con la forma architettonica e un mezzo per influenzare il significato figurativo dello spazio architettonico. A loro volta, le caratteristiche della forma architettonica richiedevano determinate qualità stilistiche dei dipinti, motivo per cui si è gradualmente formato un nuovo canone stilistico, che è stato conservato in Pittura giapponese fino al XIX secolo.

Shinden è un tipo di edificio residenziale. Di pianta rettangolare, l'edificio principale ad aula unica, rivolto verso la piazza con la sua facciata meridionale, e incorniciato da gallerie da est e da ovest

Periodo Momoyama (1X73-1614)

E questa volta l'era delle guerre feudali finì, il potere nel paese passò ai successivi dittatori militari: Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Iyaesu Tokugawa. Era un'epoca di crescita urbana, di secolarizzazione e democratizzazione della cultura, di penetrazione di nuovi orientamenti di valore. L'architettura di culto ha perso il suo antico significato. I nuovi governanti del Giappone dichiararono il loro potere costruendo grandiosi castelli, la cui costruzione fu causata dalla comparsa delle armi da fuoco in Giappone e da un corrispondente cambiamento nelle tattiche di combattimento e difesa. Il castello è diventato un tipo fondamentalmente nuovo di architettura giapponese. Il territorio del castello, situato in posizione asimmetrica, circondato da un fossato e da torri di guardia e angolari, comprendeva una piazza centrale e numerosi cortili e stanze, ricoveri sotterranei e passaggi. Gli alloggi erano situati in un edificio in legno situato sul territorio del castello con una rigida gerarchia dello spazio interno, che rifletteva la gerarchia sociale. Gli interni dei castelli, immersi nella penombra, erano i più adatti per pitture murali decorative, di dimensioni grandiose, piene di colori vivaci su fondo dorato.

Kano Eitoku (1543-1590). Il creatore di un nuovo stile di murales, progettato per glorificare i dittatori militari. Sviluppa dapprima il principio di un'unica composizione su grandi superfici orizzontali, allargando le forme, abbandonando piccole parti trasmettere non solo le sagome, ma anche la dinamica delle loro forme. Eitoku si caratterizza per la volontà di aumentare la piattezza del quadro, per esaltarne le qualità decorative. Quindi, in luoghi che simboleggiano lo spazio vuoto, ci sono macchie con una mescolanza di polvere d'oro. Lo spazio della composizione si dispiega non in profondità, ma lungo lo sguardo.
Nel 1576, sulle rive del lago Biwa, fu eretto un castello fino ad allora sconosciuto con una colossale torre di sette piani, che avrebbe dovuto dimostrare il potere del dittatore Oda Nobunaga. Una caratteristica del castello era la presenza non solo di camere ufficiali, ma anche private. Le decorazioni principali delle stanze erano pitture murali, commissionate da Kano Eitoku, che vi lavorò per tre anni con un folto gruppo di assistenti. Kano Eitoku, affrettato dal dittatore con l'esecuzione dell'ordine, iniziò ad ingrandirne le forme, servendosi di uno spesso pennello di paglia di riso, ricorrendo ad un laconico linguaggio artistico. Il posto principale era occupato dall'immagine di alberi, fiori, uccelli e animali. La combinazione di colori era brillante, non c'erano sfumature di colore.

Il cambiamento della situazione sociale nel paese dopo l'ascesa al potere degli shogun Tokugawa portò al divieto di costruzione di castelli.
Nell'opera di artisti del primo terzo del XVII secolo. nuovi tratti iniziano a prendere il sopravvento. Nella pittura divenne più evidente il desiderio di composizioni equilibrate e calme, la crescita di forme ornamentali, l'interesse per la cultura dell'era Heian e le opere di Yamato-e. Caratteristica distintiva Scuole Kano di questo tempo: ornamentalità e maggiore decoratività. Quando nel secondo quarto del XVII secolo. la costruzione di castelli fu vietata, lo schermo divenne la principale forma di pittura decorativa. La monumentalità di Kano Eitoku ha lasciato la pittura decorativa. L'arte ha acquisito una colorazione personale che ne ha influenzato le qualità stilistiche. pittura decorativa XVII secolo il più delle volte ispirato agli eroi e ai temi della letteratura classica, che riflette la gamma di interessi dell'aristocrazia tribale e il bassotto dell'élite borghese emergente. Pittura decorativa sviluppata nella vecchia capitale - Kyoto.

Ogata Korin divenne il portavoce del gusto dei nuovi consumatori d'arte: abitanti delle città, commercianti e artigiani. nuovo rappresentante Scuole Kano.

Emakimano è un rotolo orizzontale di carta o seta incollato su una base incorniciata da un bordo di broccato con un rullo di legno all'estremità.

Ogata Korin (1658-1716) visse come un ricco libertino, visitando costantemente i "distretti del divertimento". Solo dopo la rovina, di fronte al forte bisogno di guadagnarsi da vivere, iniziò a dipingere tessuti ea dipingere. Ogata Korin si è occupata sia della ceramica che della lacca, ha dipinto kimono e ventagli. Come
maestro, ha iniziato a conoscere pittura tradizionale e i suoi metodi. Korin ha sempre cercato la compattezza, l'equilibrio delle forme, un tratto caratteristico maniera creativa- concentrarsi sullo sviluppo di diversi motivi della trama, sulla loro ripetizione e variazione. Nel lavoro di Ogata Korin, per la prima volta, è apparso il lavoro dal vero. Nel dipinto del paravento “Red and White Plum Tree”, il motivo della trama ripreso da Korin risale alla poesia classica con le sue immagini dell'inizio della primavera e del risveglio della natura. Su entrambi i lati del ruscello, su fondo dorato, sono scritti alberi in fiore: un tozzo, con un grosso tronco ricurvo e rami che salgono quasi verticalmente, un susino rosso e un altro, indicato solo dal piede del tronco e fortemente ricurvo, come se cadesse nell'acqua, e quindi improvvisamente si alzò su un ramo, cosparso di fiori bianchi.

Kano Eitoku falco su un pino. Schermo. Particolare della fine del XVI secolo.

Ogata Kenzan (1663-1743), a differenza del fratello maggiore Ogata Korin, gravitato verso valori spirituali fin dalla sua giovinezza, era un seguace del buddismo zen, conosceva la letteratura classica cinese e giapponese, nessun teatro, rituale del tè. Sul territorio appartenente al tempio Ninnaji, Kenzan ricevette il permesso di costruire la propria fornace per la ceramica, che produsse prodotti per 13 anni fino al 1712. Non cercava la redditività, era guidato dall'idea di creare prodotti altamente artistici . Per la prima volta, ha utilizzato le tradizionali tecniche di pittura a inchiostro nella pittura volumetrica. Kenzan iniziò a usare il colore, scriveva su un frammento umido, l'argilla porosa assorbiva la vernice, come la carta nella pittura a inchiostro. Come il suo grande poeta contemporaneo Basho, che ha trasformato il popolare genere basso dell'haiku in una rivelazione, Ogata Kenzan ha dimostrato che i normali piatti, tazze e vasi di ceramica possono essere sia oggetti utilitaristici che allo stesso tempo capolavori d'arte poetici.

Periodo Edo (1614-1868)

Nel 1615, i samurai furono reinsediati da Kyoto a Edo. Crebbe l'importanza della classe dei mercanti, dei mercanti e degli usurai, concentrata a Mara, Kyoto e Osaka. Per i rappresentanti di questi gruppi sociali era caratterizzato da una percezione secolare della vita, dal desiderio di liberarsi dall'influenza della morale feudale. Per la prima volta l'arte affronta i temi della vita quotidiana, compresa la vita dei cosiddetti. quartieri divertenti: il mondo delle case da tè, il teatro Kabuki, i lottatori di sumo. La comparsa delle xilografie era associata alla democratizzazione della cultura, poiché le incisioni sono caratterizzate da circolazione, economicità e accessibilità. Dopo pittura domestica l'incisione divenne nota come ukiyo-e (letteralmente - il mondo mortale e mutevole).

La produzione di incisioni ha acquisito una vasta portata. Il primo periodo nello sviluppo della grafica ukiyo-e è associato al nome di Hasikawa Moronobu (1618-1694), che raffigurava scene semplici della vita degli abitanti delle case da tè, artigiani, combinando eventi in tempi diversi, estranei a ciascuno altro, su un'incisione. Lo sfondo delle incisioni è rimasto bianco, le linee erano chiare. A poco a poco, la gamma di temi delle incisioni si espanse, l'interesse non solo per l'esterno, ma anche per il mondo interiore dei personaggi divenne più profondo. Incisione giapponese nel 1780-1790. entra nel suo periodo di massimo splendore. Suzuki Haranobu (1725-1770) iniziò per la prima volta a rivelare il mondo interiore degli eroi in incisioni come "Bellezze che strappano un ramo di prugna", "Amanti in un giardino innevato". È stato il primo a utilizzare la tecnica del rotolamento, che crea una transizione dal tono scuro a quello chiaro, variando lo spessore e la trama delle linee. Non gli sono mai importati dei colori reali, il mare nelle sue incisioni è rosa, il cielo è sabbioso, l'erba è blu, tutto dipende dal generale stato d'animo emotivo scene. Uno dei suoi i migliori lavori"Lovers Playing the Same Shamisen" è stato creato sul tema del proverbio giapponese: "Se la musica promuove l'amore, suona".

Tokonoma: una nicchia all'interno di una casa da tè

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - un eccezionale maestro di ukiyo-e. Il suo lavoro è iniziato con gli album "The Book of Insects", "Songs of Shells". Nei suoi ritratti di donne a mezzo busto e busto, Utamaro usa per la prima volta la polvere di mica, che crea uno sfondo scintillante. Bellezza perfetta Utamaro con una forma aggraziata e una vestibilità della testa,
collo sottile, bocca piccola, sopracciglia nere e corte. Nella serie "Dieci personaggi femminili"e" Giorni e ore delle donne "ha cercato di identificare diversi tipi di aspetto e carattere delle donne. Alla fine degli anni '90. in Utamaro affronta il tema della maternità in incisioni come “Madre con bambino” e “Gioco della palla”, parallelamente realizza trittici e polittici su temi storici, ricorrendo a designazioni indirette (sono raffigurati gli eroi del paese come bellezze). Teshusai Shyaraku ha creato una serie di ritratti di attori di teatro kabuki e lottatori di sumo. Abbandonò le tradizioni generalmente accettate, facendo del grottesco la sua tecnica principale. Il terzo periodo nello sviluppo delle stampe ukiyo-e cade nel 1800-1868. In questo momento, l'influenza su arte giapponese Incisioni olandesi e tedesche. Per la creatività della dinastia artistica Utagawa, il rifiuto della ricerca dell'individualità, il desiderio di eleganza formale sono diventati i personaggi. Il periodo di massimo splendore del genere paesaggistico nell'incisione è associato al nome di Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai ha studiato antico e tendenze moderne Arte giapponese, conosceva l'arte della Cina e conosceva l'incisione europea. Fino a quasi 50 anni, Hokusai ha lavorato nel modo tradizionale degli artisti ukiyo-e. Solo negli album Manga (un libro di schizzi), il cui primo volume fu pubblicato nel 1812, Hokusai trovò il suo campo artistico. Ora dipingeva scene quotidiane, paesaggi, folle.

giardini paesaggistici giapponesi

All'età di 70 anni, Hokusai creò la sua serie "36 vedute del Monte Fuji", su ciascuna delle incisioni l'artista raffigura il Monte Fuji. La combinazione del tema del genere con il paesaggio è una caratteristica di Hokusai. A differenza degli antichi pittori di paesaggi, Hokusai mostra la terra dal basso. Allo stesso tempo, crea la serie "Viaggio attraverso le cascate del paese", "Bridges", "Big Flowers", "100 Views of Fuji". Hokusai potrebbe trasferire cose da lato inaspettato. Nelle incisioni 100 Vedute del Fuji, le montagne o emergono dall'oscurità della notte, come una visione, o sono visibili dietro gli steli di bambù, o si riflettono nel lago. Il seguace di Hokusai Ando Hiroshige (1797-1858) dipinse la natura in modo molto più realistico. Agente fluviale di professione, ha viaggiato molto in tutto il paese, creando le sue serie "53 stazioni Tokaido", "8 vedute del lago Omi", "69 vedute di Kishikaido". L'arte di Hiroshige si avvicina alla pittura europea, completando il periodo di massimo splendore di duecento anni dell'incisione ukiyo-e.

Giappone? Come si è sviluppato? Risponderemo a queste e ad altre domande nell'articolo. La cultura giapponese è stata plasmata da movimento storico, iniziata quando i giapponesi si trasferirono dalla terraferma all'arcipelago e nacque la civiltà del periodo Jomon.

L'attuale illuminazione di questo popolo è stata fortemente influenzata da Europa, Asia (in particolare Corea e Cina) e Nord America. Uno dei segni della cultura giapponese è il suo lungo sviluppo nell'era del completo isolamento dello stato (politica sakoku) da tutti gli altri paesi durante il regno dello shogunato Tokugawa, che durò fino alla metà del XIX secolo - l'inizio del epoca Meiji.

Influenza

Come si è sviluppata la cultura artistica del Giappone? La civiltà è stata significativamente influenzata dalla posizione regionale isolata del paese, climatica e caratteristiche geografiche, così come fenomeni naturali (tifoni e frequenti terremoti). Ciò si esprimeva nello straordinario atteggiamento della popolazione nei confronti della natura come essere vivente. Una caratteristica del carattere nazionale dei giapponesi è la capacità di ammirare l'attuale bellezza dell'universo, che si esprime in molti tipi di arte in un piccolo paese.

La cultura artistica del Giappone è stata creata sotto l'influenza del buddismo, dello shintoismo e del confucianesimo. Queste stesse tendenze hanno influenzato il suo ulteriore sviluppo.

tempi antichi

D'accordo, la cultura artistica del Giappone è magnifica. Lo shintoismo ha le sue radici in tempi antichi. Il buddismo, sebbene sia apparso prima della nostra era, iniziò a diffondersi solo dal V secolo. Il periodo Heian (VIII-XII secolo) è considerato l'epoca d'oro dello stato del Giappone. Nello stesso periodo, la pittoresca cultura di questo paese raggiunse il suo apice.

Il confucianesimo apparve nel XIII secolo. In questa fase, c'era una separazione della filosofia di Confucio e del buddismo.

Geroglifici

L'immagine della cultura artistica del Giappone è incarnata in una versificazione unica, che si chiama In questo paese, anche l'arte della calligrafia è molto sviluppata, che, secondo la leggenda, è nata da immagini divine celesti. Sono stati loro a dare vita alla scrittura, quindi la popolazione è gentile con ogni segno di ortografia.

Si dice che siano stati i geroglifici a dare la cultura giapponese, poiché le immagini che circondano l'iscrizione sono apparse da loro. Poco dopo, si iniziò a osservare una forte combinazione di elementi di pittura e poesia in un'opera.

Se studi un rotolo giapponese, scoprirai che l'opera contiene due tipi di simboli. Questi sono segni di scrittura: sigilli, poesie, kolofen e pittoreschi. Allo stesso tempo, il teatro Kabuki ha guadagnato una grande popolarità. Un diverso tipo di teatro - Ma - è preferito principalmente dal personale militare. la loro severità e crudeltà hanno avuto una forte influenza su No.

Pittura

La cultura artistica è stata studiata da molti specialisti. Un ruolo enorme nella sua formazione è stato svolto dalla pittura kaiga, che in giapponese significa disegno o pittura. Quest'arte è considerata il tipo più antico di pittura dello stato, che è determinato da un numero enorme di soluzioni e forme.

In esso, un posto speciale è occupato dalla natura, che determina il principio sacro. La divisione della pittura in sumi-e e yamato-e esiste dal X secolo. Il primo stile si sviluppò più vicino al XIV secolo. È una specie di acquerello monocromatico. Yamato-e sono rotoli piegati orizzontalmente che sono comunemente usati nella decorazione di opere letterarie.

Poco dopo, nel XVII secolo, apparve nel paese la stampa su tablet: ukiyo-e. I maestri raffiguravano paesaggi, geishe, attori famosi il teatro kabuki. Questo tipo di pittura nel XVIII secolo ha avuto una forte influenza sull'arte europea. La tendenza emergente si chiamava "giapponesismo". Nel Medioevo, la cultura del Giappone andò oltre i confini del paese: iniziò ad essere utilizzata nella progettazione di interni eleganti e alla moda in tutto il mondo.

Calligrafia

Oh, quanto è bella la cultura artistica del Giappone! La comprensione dell'armonia con la natura può essere vista in ciascuno dei suoi segmenti. Cos'è la calligrafia giapponese moderna? Si chiama shodo ("via delle notifiche"). La calligrafia, come la scrittura, è una disciplina obbligatoria. Gli scienziati hanno scoperto che quest'arte è arrivata lì contemporaneamente alla scrittura cinese.

A proposito, nei tempi antichi, la cultura di una persona veniva giudicata dal suo livello di calligrafia. Oggi esiste un gran numero di stili di scrittura e i monaci buddisti li sviluppano.

Scultura

Come è nata la cultura giapponese? Studieremo lo sviluppo e le tipologie di quest'area della vita umana nel modo più dettagliato possibile. La scultura è il tipo di arte più antico del Giappone. Nei tempi antichi, la gente di questo paese realizzava statuette di idoli e piatti di ceramica. Quindi le persone iniziarono a installare statue di khaniv, create da argilla cotta, sulle tombe.

Lo sviluppo dell'artigianato scultoreo nella moderna cultura giapponese è associato alla diffusione del buddismo nello stato. Uno dei rappresentanti più antichi dei monumenti giapponesi è considerato la statua del Buddha Amitabha, realizzata in legno, collocata nel tempio Zenko-ji.

Le sculture erano molto spesso realizzate con travi, ma sembravano molto ricche: gli artigiani le ricoprivano di vernice, oro e colori vivaci.

Origami

Ti piace la cultura artistica del Giappone? La comprensione dell'armonia con la natura porterà un'esperienza indimenticabile. tratto caratteristico La cultura giapponese è diventata prodotti sorprendenti di origami ("carta piegata"). Questa abilità deve la sua origine alla Cina, dove, infatti, è stata inventata la pergamena.

All'inizio, la "carta piegata" veniva usata nelle cerimonie religiose. Quest'arte poteva essere studiata solo dalla classe superiore. Ma dopo la seconda guerra mondiale, l'origami lasciò le case dei nobili e trovò i suoi estimatori in tutta la Terra.

Ikebana

Tutti dovrebbero sapere qual è la cultura artistica dei paesi dell'est. Il Giappone ha investito molto lavoro nel suo sviluppo. Un altro componente di questa cultura paese meravigliosoè ikebana ("fiori vivi", " nuova vita colori"). I giapponesi sono fan dell'estetica e della semplicità. Sono proprio queste due qualità che vengono investite nelle opere. La raffinatezza delle immagini si ottiene attraverso l'uso benefico della bellezza naturale della vegetazione. Anche l'ikebana, come l'origami, faceva parte di una cerimonia religiosa.

Miniature

Probabilmente, molti hanno già capito quella cultura artistica Antica Cina e il Giappone sono strettamente intrecciati. E cos'è un bonsai? È un'abilità unica giapponese coltivare una replica in miniatura quasi esatta di un vero albero.

In Giappone è anche comune realizzare netsuke, piccole sculture che sono una specie di portachiavi. Spesso tali figurine in questa veste erano attaccate agli abiti dei giapponesi, che non avevano tasche. Non solo lo decoravano, ma fungevano anche da contrappeso originale. I portachiavi erano realizzati a forma di chiave, marsupio, cesto di vimini.

Storia della pittura

Cultura dell'arte giappone antico interessato a molte persone. La pittura in questo paese ebbe origine durante il Paleolitico giapponese e si sviluppò in questo modo:

• Periodo Yamato. Durante il periodo di Asuka e Kofun (IV-VII secolo), insieme all'introduzione dei geroglifici, alla creazione di un regime statale in stile cinese e alla divulgazione del buddismo, molte opere d'arte furono portate in Giappone dalla Cina. Successivamente, i dipinti in stile cinese iniziarono a essere riprodotti nella Terra del Sol Levante.
• Ora di Nara. Nei secoli VI e VII. Il buddismo ha continuato a svilupparsi in Giappone. A questo proposito iniziò a fiorire la pittura religiosa, utilizzata per decorare i numerosi templi costruiti dall'aristocrazia. In generale, durante l'era Nara, il contributo allo sviluppo della scultura e dell'arte fu maggiore che nella pittura. primi dipinti Questo ciclo include murales delle pareti interne del tempio Horyu-ji nella prefettura di Nara, che raccontano la vita del Buddha Shakyamuni.
• Era Heian. Nella pittura giapponese, a partire dal X secolo, si distingue la tendenza di yamato-e, come abbiamo scritto sopra. Tali dipinti sono i rotoli orizzontali usati per illustrare i libri.
• L'era di Muromachi. Nel XIV secolo apparve lo stile Supi-e (acquerello monocromatico) e nella prima metà del XVII secolo. gli artisti iniziarono a stampare incisioni su tavole: ukiyo-e.
• La pittura dell'era Azuchi-Momoyama è in netto contrasto con la pittura del periodo Muromachi. Ha uno stile policromo con largo uso dell'argento e in questo periodo l'istituzione educativa di Kano godette di grande prestigio e fama. Il suo fondatore fu Kano Eitoku, che dipinse soffitti e porte scorrevoli per separare le stanze. Tali disegni adornavano i castelli e i palazzi della nobiltà militare.
• epoca Maiji. Dalla seconda metà del XIX secolo, l'arte è stata divisa in concorrenti tradizionali e stili europei. Durante l'era Maiji, il Giappone ha subito grandi cambiamenti sociali e politici attraverso il processo di modernizzazione ed europeizzazione organizzato dalle autorità. Giovani artisti promettenti sono stati inviati all'estero per studiare e artisti stranieri sono venuti in Giappone per creare programmi artistici scolastici. Comunque sia, dopo l'iniziale ondata di curiosità in merito stile artistico In Occidente, il pendolo è tornato indietro e lo stile tradizionale giapponese è rinato. Nel 1880, le pratiche artistiche occidentali furono bandite dalle mostre ufficiali e pesantemente criticate.

Poesia

La cultura artistica dell'antico Giappone è ancora oggetto di studio. La sua caratteristica è la versatilità, alcuni sintetici, poiché si è formata sotto l'influenza di diverse religioni. È noto che la poesia classica giapponese è emersa dalla vita di tutti i giorni, ha agito al suo interno, e questa sua terrosità è stata conservata in una certa misura nelle forme tradizionali della poesia odierna: haiku a tre versi e tanka a cinque versi, che si distinguono per un pronunciato carattere di massa. A proposito, è proprio questa qualità che li distingue dal "verso libero" che gravita verso l'elitarismo, apparso in Giappone all'inizio del XX secolo sotto l'influenza della poesia europea.

Hai notato che le fasi di sviluppo della cultura artistica del Giappone sono sfaccettate? La poesia nella società di questo paese ha svolto un ruolo speciale. Uno dei generi più famosi è l'haiku, puoi capirlo solo familiarizzando con la sua storia.

Apparve per la prima volta nell'era Heian, era simile allo stile renga, che era una sorta di sfogo per i poeti che volevano prendersi una pausa dai versi riflessivi del wah. L'haikai si sviluppò in un genere a sé stante nel XVI secolo quando il renga divenne troppo serio e l'haiku si basava sul linguaggio colloquiale ed era ancora divertente.

Certo, la cultura artistica del Giappone è brevemente descritta in molte opere, ma proveremo a parlarne in modo più dettagliato. È noto che nel Medioevo uno dei generi letterari giapponesi più famosi era il tanka ("canto laconico"). Nella maggior parte dei casi si tratta di cinque versi, costituiti da una coppia di strofe con un numero fisso di sillabe: 5-7-5 sillabe in tre versi della prima strofa e 7-7 in due versi della seconda. Per quanto riguarda il contenuto, il tanka utilizza il seguente schema: la prima strofa rappresenta un'immagine naturale specifica e la seconda riflette il sentimento di una persona che riecheggia questa immagine:

• Nelle montagne lontane
  Fagiano dalla coda lunga che sonnecchia -
  Questa lunga, lunga notte
  Posso dormire da solo? ( Kakinomoto no Hitovaro, inizio VIII secolo, tradotto da Sanovich.)

drammaturgia giapponese

Molti sostengono che la cultura artistica di Cina e Giappone sia affascinante. Ti piacciono le arti dello spettacolo? La drammaturgia tradizionale del Sol Levante si divide in joruri (teatro delle marionette), drammaturgia del teatro Noh (kyogen e yokyoku), teatro kabuki e shingeki. I costumi di quest'arte comprendono cinque generi teatrali di base: kyogen no, bugaku, kabuki e bunraku. Tutte queste cinque tradizioni sono ancora presenti oggi. Nonostante le colossali differenze, sono collegati da principi estetici comuni che sono alla base dell'arte giapponese. A proposito, la drammaturgia del Giappone è nata sul palcoscenico del n.

Il teatro Kabuki apparve nel XVII secolo e raggiunse il suo apogeo verso la fine del XVIII. La forma delle esibizioni che si sono sviluppate nel periodo specificato è conservata sul palcoscenico moderno di Kabuki. Le produzioni di questo teatro, contrariamente ai palcoscenici del No, incentrate su una ristretta cerchia di estimatori dell'arte antica, sono pensate per il pubblico di massa. Le radici delle abilità Kabuki provengono dalle esibizioni di comici - interpreti di piccole farse, scene che consistevano in balli e canti. L'abilità teatrale del Kabuki ha assorbito gli elementi di joruri e no.

L'aspetto del teatro Kabuki è associato al nome dell'operaio del santuario buddista O-Kuni a Kyoto (1603). O-Kuni si è esibito sul palco con danze religiose, che includevano i movimenti delle danze popolari del Nembutsu-odori. Le sue esibizioni erano intervallate da commedie comiche. In questa fase, le produzioni erano chiamate yujo-kabuki (kabuki delle cortigiane), o-kuni-kabuki o onna-kabuki (kabuki delle donne).

Incisioni

Nel secolo scorso, gli europei, e poi i russi, hanno incontrato il fenomeno dell'arte giapponese attraverso l'incisione. Nel frattempo, nel Paese del Sol Levante, disegnare su un albero all'inizio non era affatto considerato un'abilità, sebbene avesse tutte le proprietà della cultura di massa: economicità, disponibilità, diffusione. Gli intenditori di Ukiyo-e sono stati in grado di ottenere la massima intelligibilità e semplicità sia nell'incarnazione delle trame che nella loro scelta.

Ukiyo-e era una scuola d'arte speciale, quindi è stata in grado di presentare un numero di maestri eccezionali. Pertanto, il nome di Hisikawa Moronobu (1618-1694) è associato alla fase iniziale dello sviluppo dell'incisione su trama. A metà del XVIII secolo, fu creato Suzuki Harunobu, il primo conoscitore dell'incisione multicolore. I motivi principali del suo lavoro erano scene liriche, in cui si prestava attenzione non all'azione, ma alla trasmissione di stati d'animo e sentimenti: amore, tenerezza, tristezza. Come squisito arte antica Nell'era Heian, i virtuosi dell'ukiyo-e fecero rivivere lo straordinario culto della bellezza raffinata di una donna in un ambiente urbano rinnovato.

L'unica differenza era che invece degli orgogliosi aristocratici Heian, le stampe raffiguravano graziose geishe dei quartieri dei divertimenti di Edo. L'artista Utamaro (1753-1806) è, forse, un esempio unico di professionista nella storia della pittura, che ha dedicato completamente la sua creazione a raffigurare dame in varie pose e abiti, in varie circostanze della vita. Una delle sue opere migliori è l'incisione "Geisha Osama", che è conservata a Mosca, nel Museo di pittura Pushkin. L'artista ha trasmesso in modo insolitamente sottile l'unità del gesto e dell'umore, le espressioni facciali.

Manga e anime

Molti artisti cercano di studiare la pittura del Giappone. Cos'è l'anime (animazione giapponese)? Si differenzia da altri generi di animazione essendo più in sintonia con uno spettatore adulto. Qui c'è una divisione duplicativa in stili per un non ambiguo pubblico di destinazione. La misura dello schiacciamento è il genere, l'età o il ritratto psicologico dello spettatore. Molto spesso, l'anime è un adattamento cinematografico di fumetti manga giapponesi, anch'essi molto famosi.

La parte fondamentale del manga è pensata per uno spettatore adulto. Secondo i dati del 2002, circa il 20% dell'intero mercato del libro giapponese era occupato da fumetti manga.

Il Giappone ci è vicino geograficamente, ma, nonostante ciò, per lungo tempo è rimasto incomprensibile e inaccessibile al mondo intero. Oggi sappiamo molto di questo paese. Un lungo isolamento volontario ha portato al fatto che la sua cultura è completamente diversa dalle culture di altri stati.

Dettagli Categoria: Belle Arti e Architettura dell'Ottocento Inserito il 14/08/2017 18:30 Visualizzazioni: 1604

Nella prima metà del XIX sec. Ukiyo-e dominava ancora la pittura giapponese. Nel 1868, dopo la rivoluzione Meiji e l'apertura dei confini, le conquiste della civiltà occidentale divennero più accessibili in Giappone e l'ukiyo-e gradualmente passò di moda, sostituito dalla fotografia.
Ma prima le cose principali.

Stile Ukiyo-e

Ukiyo-e(Dipinti giapponesi (immagini) del mondo che cambia) - una tendenza nelle arti visive del Giappone. Inizialmente, questo termine buddista era usato nel significato di "mondo mortale, valle del dolore". Ma nel periodo Edo, con l'avvento di isolati appositamente designati, in cui fiorì il teatro kabuki e furono le dimore di geishe e cortigiane, il termine fu ripensato, e cominciò ad essere inteso come "il mondo dei piaceri fugaci, il mondo d'amore».
Le stampe Ukiyo-e sono il principale tipo di xilografia in Giappone. Questa forma d'arte divenne popolare nella cultura urbana nella seconda metà del XVII secolo. Il fondatore di ukiyo-e è un pittore e artista grafico giapponese. Hisikawa Moronobu.

H. Moronobu “Autunno ad Asakusa. Fiori di ciliegio nel Parco di Ueno. Pittura dello schermo. Galleria più libera (Washington)
Inizialmente le incisioni erano in bianco e nero, realizzate a inchiostro. Dall'inizio del XVIII secolo. alcune opere sono state dipinte a mano con un pennello.
Le stampe Ukiyo-e erano destinate principalmente agli abitanti delle città che non potevano permettersi dipinti pittorici più costosi.
I temi Ukiyo-e sono immagini della vita di tutti i giorni: bellissime geishe, lottatori di sumo, famosi attori del teatro kabuki e successivamente stampe di paesaggi.

Katsushika Hokusai "La grande onda di Kanagawa" (1823-1831)
Durante il periodo dei secoli XVIII-XIX. artisti degni di nota furono Utamaro, Hokusai, Hiroshige e Toshusai Syaraku.
In un momento in cui lo stile ukiyo-e iniziò a passare di moda in Giappone, guadagnò popolarità nell'Europa occidentale e in America, gli storici dell'arte iniziarono ad acquistare in modo massiccio incisioni.
Le incisioni giapponesi hanno ispirato molti artisti europei che hanno lavorato nello stile del cubismo, dell'impressionismo, del post-impressionismo: Vincent van Gogh, Claude Monet e altri, questa influenza è stata chiamata "giapponesismo".

Vincent van Gogh "Ritratto di padre Tanguy" (1887-1888). Tela, olio. Museo Rodin (Parigi)

Notevoli artisti ukiyo-e:

Hisikawa Moronobu (XVII secolo)
Kitagawa Utamaro (XVIII secolo)
Kawanabe Kyosai (XIX secolo)
Katsushika Hokusai (secoli XVIII-XIX)
Utagawa Hiroshige (XIX secolo)
Utagawa Kunisada (XIX secolo)
Utagawa Kuniyoshi (XIX secolo)
Keisai Eisen (XIX secolo)
Suzuki Harunobu (XIX secolo)
Toyohara Kunitika (XIX secolo)
Tsukioka Yoshitoshi (XIX secolo)
Ogata Gekko (secoli XIX-XX)
Hasui Kawase (XX secolo)

Considera il lavoro di alcuni di loro.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Katsushika Hokusai. auto ritratto
Famoso artista giapponese ukiyo-e, illustratore, incisore. Ha lavorato sotto molti pseudonimi (almeno 30). Nato in una famiglia di artigiani, inizia a dipingere all'età di 6 anni. Lavorando in una libreria, ha imparato a leggere e scrivere. Poi ha lavorato nella bottega di un incisore: l'incisione era molto popolare in Giappone a quel tempo.
Nel 1793-1794. inizia vita indipendente un artista, piuttosto pesante in termini materiali, ma saturo di arte - studia diverse scuole di pittura: le scuole Kano (paesaggi, immagini di uccelli e animali, scene quotidiane; decoravano le porte degli schermi scorrevoli con un motivo); Scuola Sotatsu (foto Vita di ogni giorno giapponese e paesaggi giapponesi su porte scorrevoli). L'artista inizia gradualmente a sviluppare il proprio stile.
Nel 1796, l'artista iniziò a utilizzare ciò che in seguito divenne ampiamente famoso alias Hokusai. Nel 1800, all'età di 41 anni, l'artista iniziò a chiamarsi Gakejin Hokusai ("Painting Mad Hokusai").
L'artista comprende l'immagine del mondo attraverso la consapevolezza del significato, del valore speciale della vita quotidiana delle persone, del loro lavoro e delle loro preoccupazioni. La vita della natura, il suo significato e la sua bellezza nei paesaggi di Hokusai diventano chiari solo grazie alla presenza in essi di persone impegnate nelle loro solite faccende. Hokusai ha trascorso la maggior parte della sua vita viaggiando per il paese, disegnando tutto ciò che vedeva. Hokusai era conosciuto non solo come incisore, ma anche come scrittore, poeta e pittore.
Fu il primo degli artisti dell'incisione giapponese, nel cui lavoro il paesaggio acquisì importanza. genere indipendente. I paesaggi di Hokusai hanno catturato la natura vivace e maestosa del Giappone.
Per il mio lungo attività artistica ha realizzato circa 30.000 disegni e incisioni e illustrato circa 500 libri.
Il periodo di massimo splendore della creatività di Hokusai risale al 1820 e all'inizio del 1830. In questo momento, ha creato la sua migliore serie di paesaggi. Queste serie stupiscono per la profondità e la ricchezza della visione artistica di Hokusai - da un'ampia comprensione filosofica della visione del mondo nella serie "36 vedute del Monte Fuji" (1823-1829), mostrando l'epica grandezza della natura nella serie "Bridges" ( 1823-1829), ammirando il suo potere elementare in "Waterfalls" (1827-1830) a una sottile esperienza lirica della natura nella serie "Poets of China and Japan" (1830).

Katsushika Hokusai Vento del Sud. Giornata limpida". Xilografia a colori (1823-1831) dalla serie "Trentasei vedute del Fuji"
Una delle più opere significative Hokusai, in cui si rivela più pienamente l'originalità del suo lavoro di artista-pensatore, è la serie "36 Views of Fuji". La maggior parte dei fogli di questa serie rappresentano varie scene di genere: un pescatore che getta le reti; segatori che lavorano in un magazzino di legname; un bottaio che fa una vasca, ecc. Tutte queste scene sono ambientate in un paesaggio con il Monte Fuji sullo sfondo.
Creatività Hokusai ha causato numerose imitazioni, il numero dei suoi studenti era molto grande. Ma quasi tutti i seguaci dell'artista sono caratterizzati dall'assimilazione solo del lato esterno del suo metodo creativo.

Surimono

Surimono è un tipo di arte tradizionale giapponese, xilografia colorata, che è stata un dono tra l'intellighenzia urbana giapponese. Gli anniversari, la nascita di un figlio, l'inizio della stagione dei fiori di ciliegio, l'imminente capodanno, ecc. Potrebbero essere la ragione di un tale regalo. I generi di surimono erano diversi: l'immagine di figure, l'immagine di animali, fiori e uccelli, il paesaggio.
L'immagine creata con mezzi visivi, poetici e tecnici doveva avere integrità. Surimono è sia arte, sia un gioco e un modo di intrattenimento, parte della vita quotidiana dei cittadini.

Katsushika Hokusai "Carpe" (surimono)
Il merito di Hokusai nell'ascesa della popolarità del surimono è grande: ne fa il più importante dei tipi di xilografie giapponesi.
Le persone sul surimono di Hokusai sono "vive". Raffigurati sullo sfondo del paesaggio, interagiscono attivamente con esso: si coprono gli occhi dal sole con le mani, indicano le nuvole, scrutano le infinite distese, a volte anche voltando le spalle allo spettatore.

Katsushika Hokusai. Surimono

manga

"Manga" (in giapponese letteralmente "disegni di Hokusai") è una delle opere più importanti del patrimonio creativo dell'artista, creata da lui all'apice della fama. "Manga" è un'espressione delle opinioni di Hokusai sulla creatività, la sua filosofia, rivela i segreti del maestro; è prezioso non solo come pietra miliare nella vita di Hokusai, ma anche come importante fonte di informazioni sulla cultura e l'arte del Giappone nell'era del tardo feudalesimo. Il manga di Hokusai è spesso definito "l'enciclopedia del popolo giapponese". La maggior parte dei disegni raffigurava scene della vita cittadina, c'erano molti schizzi di persone. La collezione era un diario in cui il maestro inseriva tutto ciò che vedeva nella vita sotto forma di disegni (non testo).

Katsushika Hokusai "Contemplazione del Monte Fuji" (1814) Manga
Hokusai, come l'arte giapponese in generale, ha avuto un impatto significativo sull'Europa arte XIX secolo, compreso l'impressionismo francese. Il tema delle incisioni di Hokusai è presente nelle opere di Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir e altri.
L'ultimo rappresentante significativo dell'incisione giapponese nella prima metà del XIX secolo. pittore paesaggista Ando Hiroshige.

Andō Hiroshige (1797-1858)

Utagawa Hiroshige è un artista grafico giapponese, un rappresentante della direzione ukiyo-e, un maestro delle xilografie a colori. Autore di almeno 5400 incisioni. In paesaggi lirici con motivi di genere, ha trasmesso gli stati instabili della natura, gli effetti atmosferici della neve e della nebbia. Ha lavorato sotto lo pseudonimo di Ando Hiroshige.
Ha perso presto suo padre e sua madre. belle arti Ho iniziato a studiare dopo aver visto il lavoro di Hokusai.
Hiroshige fu allievo dell'incisore Utagawa Toyohiro (1763-1828). La prima opera che ha portato la fama di Hiroshiga è stata la serie di stampe "53 Stazioni Tokaido", stampate nel 1834. Continuando il genere paesaggistico di Hokusai, Hiroshige lo sviluppa a modo suo.
La Tokaido era una delle cinque strade che collegavano Edo con altre parti del Giappone. Correva lungo la costa orientale di Honshu. Lungo di essa si trovavano 53 stazioni postali, dove ai viaggiatori veniva offerto alloggio, vitto e stalle.
Nel 1832, Hiroshige attraversò il Tokaido come parte di una delegazione ufficiale che trasportava cavalli per la corte imperiale. I paesaggi hanno fatto una forte impressione sull'artista e ha realizzato molti schizzi. Al ritorno a casa, ha creato un ciclo di 53 opere. Il successo di questa serie ha reso Hiroshige uno degli incisori più significativi e riconosciuti.

R. Hiroshige. 1a stazione: Shinogawa

R. Hiroshige. 30a Stazione: Maisaka

R. Hiroshige. 32a stazione: Shirasuka
IN bellezza naturale la natura di Hiroshige attira l'espressività.
L'opera di Hiroshige completa il periodo di brillante fioritura delle xilografie a colori giapponesi del XVIII e della prima metà del XIX secolo. Incisione 1850-1860 non ha proposto un solo grande artista, la stilizzazione e l'eclettismo stanno diventando sempre più pronunciati in esso.
Nel 1868 in Giappone ebbe luogo una rivoluzione borghese e negli anni ottanta dell'Ottocento divenne una monarchia. Questi eventi hanno segnato l'inizio di una nuova tappa nella storia dell'arte giapponese, perché. Il Giappone è entrato nel sistema mondiale dei paesi capitalisti. Nell'arte del Giappone di questo periodo sorsero numerose scuole e raggruppamenti. Alcuni di loro hanno intrapreso la strada della padronanza dell'arte europea, altri artisti giapponesi (ad esempio Kuroda Kiyoteri (1866-1924) sono partiti per studiare in Europa. Ma c'erano anche quelli che cercavano di preservare la purezza delle tradizioni nazionali.
Fine XIX-inizio XX secolo nell'arte del Giappone è stato un periodo di revisione dell'antica tradizione artistica, lo sviluppo dell'arte europea, la ricerca di una nuova, nonché il proprio modo di sviluppo.

Arti applicate del Giappone

Il periodo di massimo splendore dell'arte applicata giapponese iniziò alla fine del XVI secolo. Nel 19 ° secolo la scultura in legno, la scultura in osso, la ceramica e la porcellana erano ampiamente utilizzate.
Va anche detto di netsuke- scultura in miniatura, un'opera di arti e mestieri giapponesi. Netsuke è un piccolo portachiavi intagliato che veniva utilizzato su abiti tradizionali giapponesi, kimono e kosode.

Netsuke raffigurante Hotei (il dio della comunicazione, del divertimento e della prosperità). Avorio, opera contemporanea
Il primo netsuke apparve in Giappone tra la seconda metà del XVI e l'inizio del XVII secolo. Dalla fine del XIX secolo e per tutto il XX secolo. netsuke sono stati realizzati per l'esportazione. Sono ancora in fase di realizzazione oggi. Questi sono prodotti souvenir prodotti con un metodo di trasporto, non molto Alta qualità. Ma l'arte del netsuke non è scomparsa. E oggi ci sono maestri la cui specialità è l'intaglio del netsuke.

Netsuke con un segreto

Il Giappone è un fantastico paese orientale situato sulle isole. Un altro nome per il Giappone è Paese Alba. Il clima mite caldo umido, le catene montuose dei vulcani e le acque del mare creano paesaggi magnifici tra i quali crescono giovani giapponesi, che lasciano senza dubbio un'impronta nell'arte di questo piccolo stato. Qui le persone con nei primi anni si abituano alla bellezza e fiori freschi, piante ornamentali e piccoli giardini con un lago sono un attributo delle loro abitazioni. Ognuno sta cercando di organizzare per sé un pezzo di fauna selvatica. Come tutte le nazionalità orientali, i giapponesi hanno mantenuto un legame con la natura, che è onorato e rispettato nel corso dei secoli di esistenza della loro civiltà.

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Architettura giapponese

Per molto tempo Il Giappone era considerato un paese chiuso, i contatti erano solo con Cina e Corea. Pertanto, il loro sviluppo è avvenuto lungo un proprio percorso speciale. Successivamente, quando varie innovazioni iniziarono a penetrare nel territorio delle isole, i giapponesi le adattarono rapidamente a se stesse e le rifecero a modo loro. Lo stile architettonico giapponese è costituito da case con massicci tetti curvi che ti consentono di proteggerti dalle continue forti piogge. La vera opera d'arte è palazzi imperiali con giardini e padiglioni.

Tra i luoghi di culto trovati in Giappone, si possono distinguere templi shintoisti in legno sopravvissuti fino ad oggi, pagode buddiste e complessi di templi buddisti apparsi in più periodo tardivo storia, quando il buddismo entrò nel paese dalla terraferma e fu dichiarato religione di stato. Gli edifici in legno, come sapete, non sono durevoli e vulnerabili, ma in Giappone è consuetudine ricreare gli edifici nella loro forma originale, quindi anche dopo gli incendi vengono ricostruiti nella forma in cui sono stati costruiti una volta.

Scultura del Giappone

Il buddismo ha avuto una forte influenza sullo sviluppo dell'arte giapponese. Molte opere rappresentano l'immagine del Buddha, quindi nei templi sono state create numerose statue e sculture del Buddha. Erano fatti di metallo, legno e pietra. Solo qualche tempo dopo apparvero artigiani che iniziarono a realizzare ritratti scultorei secolari, ma nel tempo la necessità di essi scomparve, quindi sempre più spesso iniziarono ad essere utilizzati rilievi scultorei con profondi intagli per decorare gli edifici.

La scultura netsuke in miniatura è considerata la forma d'arte nazionale in Giappone. Inizialmente, tali figure svolgevano il ruolo di un portachiavi, che era attaccato alla cintura. Ogni figurina aveva un foro per una corda, su cui erano appesi gli oggetti necessari, poiché i vestiti a quel tempo non avevano tasche. Le statuette di Netsuke raffiguravano personaggi secolari, dei, demoni o vari oggetti che aveva uno speciale significato segreto, ad esempio, un desiderio di felicità familiare. I Netsuke sono realizzati in legno, avorio, ceramica o metallo.

Arti e mestieri giapponesi

La fabbricazione di armi da taglio è stata elevata al rango di arte in Giappone, portando alla perfezione la fabbricazione della spada del samurai. Spade, pugnali, telai di spade, elementi di munizioni da combattimento servivano come una sorta di gioielli maschili, che denotavano l'appartenenza a una classe, quindi furono realizzati abili artigiani, decorato con pietre preziose e intagli. Anche tra i mestieri popolari del Giappone c'è la produzione di ceramiche, oggetti laccati, la tessitura e l'artigianato dell'intaglio del legno. I ceramisti giapponesi dipingono ceramiche tradizionali con vari motivi e smalti.

Pittura giapponese

All'inizio, la pittura giapponese era dominata da un tipo di pittura monocromatica, strettamente intrecciata con l'arte della calligrafia. Entrambi sono stati creati secondo gli stessi principi. L'arte di produrre pittura, inchiostro e carta arrivò in Giappone dalla terraferma. A questo proposito è iniziato un nuovo ciclo di sviluppo dell'arte della pittura. A quel tempo, uno dei tipi di pittura giapponese erano i lunghi rotoli orizzontali di emakinomo, che raffiguravano scene della vita del Buddha. La pittura di paesaggio in Giappone iniziò a svilupparsi molto più tardi, dopo di che apparvero artisti specializzati in scene da vita secolare, scrivendo ritratti e scene militari.

In Giappone di solito disegnavano su paraventi, shoji, muri di case e vestiti. Il paravento per i giapponesi non è solo un elemento funzionale della casa, ma anche un'opera d'arte da contemplare, che determina l'atmosfera generale della stanza. Anche l'abbigliamento kimono nazionale appartiene agli oggetti dell'arte giapponese, portando uno speciale sapore orientale. Anche i pannelli decorativi su lamina d'oro con colori vivaci possono essere attribuiti alle opere della pittura giapponese. I giapponesi raggiunsero una grande abilità nella creazione di ukiyo-e, la cosiddetta xilografia. La trama di tali dipinti erano episodi della vita di comuni cittadini, artisti e geishe, nonché magnifici paesaggi che divennero il risultato dello sviluppo dell'arte della pittura in Giappone.