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Libretto di Strauss Rosenkavalier. Mente e cuore: Il cavaliere delle rose di R. Strauss al Teatro Bolshoi

3 aprile al Bolshoi avrà luogo il teatro la prima de "Il cavaliere della rosa" - un'opera di Richard Strauss, che non va in scena in Russia dal 1928, ma nel mondo austro-tedesco in popolarità è qualcosa come "Eugene Onegin".

Alexander Gusev
Cominciamo dal fatto che il compositore Riccardo Strauss, un tedesco, non ha nulla a che fare con Johann Strauss, una corona con sangue ebraico. È nato nel XIX secolo, ma il suo lavoro appartiene al XX secolo, uno dei più compositori famosi che lui è. Ha scritto le sue prime opere - "Salome" ed "Electra" in modo espressivo pronunciato: un'enorme orchestra è l'eredità di Wagner. Entrambe le opere riuscirono ad arrivare sul palcoscenico russo prima del 1914. Puoi leggere di più su questo nelle memorie del direttore dei teatri imperiali Telyakovsky. Inoltre, nel lavoro di Strauss, si sono verificati alcuni cambiamenti e, di conseguenza, è apparsa un'opera. Rosenkavalier che può essere tradotto in diversi modi. La traduzione comunemente accettata è "The Rosenkavalier". In realtà, è più corretto: "Cavalier with a Rose". Ma questo non è del tutto armonioso e provoca un flusso di allusioni e battute. Recentemente, il Rosenkavalier è diventato più popolare.

Secondo la trama, il suo eroe è un giovane, il messaggero dello sposo, che deve venire dalla sposa nominata e presentare una simbolica rosa d'argento. L'idea di quest'opera è nata dal poeta austriaco Hofmannsthal, affascinato dall'idea di stilizzazione del XVIII secolo. Ha anche interessato Strauss alla sua idea, che, tuttavia, in musicalmente non lo seguì. Non si è rivolto alla musica del XVIII secolo, al contrario, ha saturato l'opera con la musica della fine del XIX secolo, ovvero il valzer.

L'opera riscosse subito grandi consensi. Telyakovsky voleva metterlo in scena, ma non ebbe tempo: nel 1914 fu emanato un decreto imperiale che vietava tutte le opere di autori tedeschi sulla scena russa. E poi questa storia estetica, ovviamente, non si adattava affatto al pubblico sovietico. Anche se nessuno ha mai negato che la musica sia adorabile.

Va detto che, nonostante Richard Strauss fosse lontano dalla vita sociale e politica, alla fine degli anni '30 divenne una specie di ministro della cultura nel governo di Hitler. Ciò ha notevolmente influenzato l'esecuzione della sua musica negli anni successivi. In particolare, in URSS e in Israele.

È vero, c'è un'opinione secondo cui Strauss ha usato il suo posto per aiutare i musicisti ebrei. Ha avuto una scaramuccia con l'apparato ideologico nazista sul suo collega, lo scrittore Stefan Zweig. E alcune delle sue opere, scritte già negli anni '30, non ebbero una vita molto felice. Quindi la cifra è ambigua.

C'è un curioso schizzo di un musicologo americano che è entrato in Germania insieme a parti dell'esercito americano. Per coincidenza, una parte di esso faceva parte della città dove, come era noto, vive con la sua famiglia l'anziano Richard Strauss. Il musicologo americano ha escogitato, ha incontrato il compositore e ha cercato di intervistarlo, proprio per confermare l'apatia di Strauss. O anche vedere i suoi sentimenti antinazisti. In particolare, ha posto la domanda: il compositore ha mai pensato di emigrare dalla Germania nazista? La risposta è stata: “Sì, sai, ultimamente ci abbiamo pensato. Il cibo è andato a male".

Se parliamo di musica, Richard Strauss era una di quelle persone impegnate, come si suol dire, arte pura. Come è stato scritto nei libri di testo sovietici, era lontano dalla gente, ma ha creato per lo strato di persone benestanti che esisteva allora ed esiste ancora in Europa, a cui lo stato e lo stile di vita consentono loro di godersi l'arte ed essere lontani dai problemi urgenti .

Nel nostro paese, The Rosenkavalier era completamente sconosciuto fino a quando l'Opera di Stato di Vienna non arrivò a Mosca nel 1971 e si esibì per tre volte nella sua eccezionale performance. Stranamente, va ancora sul suo palco. C'era una formazione meravigliosa, grandi artisti, Leonia Rizanek come Marshall, Krista Ludwig come Octavian! C'è stata una prima scoperta. Poi le persone hanno iniziato a viaggiare, ad ascoltare i CD. E ora un certo numero, ovviamente, sa dell'esistenza di quest'opera.

In un certo senso, Il Cavaliere della Rosa si riferisce alle Nozze di Figaro di Mozart, anch'esso un'opera fondamentale per la cultura viennese e mondiale. Alcuni dei personaggi possono essere riconosciuti come predecessori di Mozart. Nel Marshall - la contessa. E ancora di più in Ottaviano - Cherubino. Ma se Cherubino è un ragazzo tormentato da un amore comune per tutte le donne, allora Ottaviano, che ha quasi la stessa età, è già un giovane che ha assaporato le delizie dell'amore. Ed ecco un'altra sfumatura più sensuale.

Sebbene i registi domestici non abbiano messo in scena quest'opera, ci hanno pensato e ragionato. E molte persone sono state molto disgustate dalla prima scena in cui due donne sono a letto. Uno di loro è una parodia nel ruolo di un giovane. E circa 30 anni, soprattutto 40 anni fa, molto spesso questi personaggi venivano interpretati da primedonne piuttosto grandi. E in effetti, per una persona che non fa parte di questo mondo estetico, guardare due donne grandi e di mezza età che eseguono un duetto d'amore su un ampio letto non ha fatto la migliore impressione.

Sebbene in realtà il Marshall abbia circa 35 anni, Octavian ne ha 16-17. E ora questi ruoli sono interpretati, ovviamente, da artisti più adatti per età e dati fisici. E nella vita ora incontriamo differenze di età molto più sorprendenti.

A differenza della Russia, nel mondo "The Rosenkavalier" è una delle opere più popolari, nell'opera di Richard Strauss - ovviamente, la più popolare e la più viennese. Per il pubblico viennese, non solo quest'opera, ma anche questa performance è un culto. Questa produzione è in corso anche a Vienna in questa stagione, Elina Garancha interpreterà il ruolo di Ottaviano.

L'opera è permeata di lirismo e umorismo. Nonostante il fatto che questo ottimo lavoro, è molto semplice - per coloro la cui lingua madre è il tedesco. Conosco ascoltatori russi che sperimentano la stessa cosa quando ascoltano le opere di Rimsky-Korsakov. Ma ora non vanno quasi mai. E ci sono pochissime persone del genere. E ce ne sono molti a Vienna.

In primo luogo, questo è un pubblico molto colto, è impossibile immaginare che i telefoni siano accesi nell'atrio - non solo le chiamate sono impossibili, ma anche la luce dei telefoni. Le persone capiscono che interferisce anche con la percezione. E se alcuni turisti da Paesi orientali prova a farlo, poi appare subito l'addetto, che spiega discretamente che non è necessario.

In secondo luogo, si tratta di un pubblico che conosce già il lavoro e si rivolge specificamente ad esso, forse anche a questa particolare produzione ea questi particolari cantanti. E non scoprono quest'opera da soli, ma vengono a trarne più o meno piacere, a loro ben noto.

La base di questo pubblico sono le persone di mezza età che possono permettersi un biglietto per 60-70 euro. Sebbene Vienna abbia un gran numero di posti in piedi. Non ci sono opermani, giovani e studenti turisti così benestanti. Ci sono esibizioni con la partecipazione di alcuni solisti, quando questi posti in piedi non sono affollati.

La mia opinione personale è che al momento non ci sia pubblico per questo lavoro nel nostro paese. Perché non abbiamo una classe media, e in generale con un pubblico d'opera problema serio- soprattutto al Teatro Bolshoi. Forse quest'opera avrebbe dovuto essere messa in scena qui un po' prima o un po' dopo.

Fu su questo palcoscenico che Richard Mayr, tanto ambito da Strauss, apparve per la prima volta nel ruolo chiave del barone Oks, che non si poteva ottenere a Dresda, dove questa parte fu cantata da Karl Perron, che non corrispondeva del tutto alle idee degli autori su questo personaggio. Anche Basilea, Praga, Budapest e l'Opera Romana hanno reagito rapidamente all'evento. E nell'autunno dello stesso anno, la prima ebbe luogo ad Amsterdam, dove lo stesso autore diresse per la prima volta l'opera. L'evento più importante è stata la produzione al Covent Garden di Londra. Lì, il 29 gennaio 1913, la stagione operistica tedesca di Thomas Beecham si aprì con Il cavaliere della rosa (otto rappresentazioni del Cavaliere furono date in un mese e mezzo). Infine, il 9 dicembre, è stata la volta della New York Metropolitan Opera (direttore Alfred Herz). Concludendo una breve rassegna delle anteprime nazionali de Il Cavaliere della Rosa, segnaliamo produzioni a Lubiana (1913), Buenos Aires e Rio de Janeiro (1915), Zagabria e Copenaghen (1916), Stoccolma (1920), Barcellona (1921), Varsavia ( 1922).), Helsinki (1923). Infine, nel 1927, l'opera raggiunse la Francia, dove fu rappresentata l'11 febbraio alla Grand Opera di Parigi sotto la direzione di Philippe Gaubert. Il 12 agosto 1929 l'opera fu rappresentata per la prima volta al Festival di Salisburgo sotto la direzione di K. Kraus.

La prima russa ebbe luogo il 24 novembre 1928 al Teatro dell'Opera e del Balletto di Leningrado (direttore V. Dranishnikov, regista S. Radlov).

La storia scenica del Rosenkavalier nel corso del secolo è immensa. Nota due eventi storici a cui è stata programmata la produzione di quest'opera. Nell'estate del 1960 fu eseguito sotto la direzione di G. von Karajan al Festival di Salisburgo per commemorare l'apertura del nuovo Festspielhaus, e nell'inverno del 1985 entrò nel programma insieme al santuario nazionale - "Free Shooter" di Weber " grande apertura l'edificio della Semperoper di Dresda restaurato dopo la guerra.

L'opera è stata brillantemente interpretata da direttori come K. Kraus, E. Kleiber, G. von Karajan, K. Böhm, K. Kleiber, G. Solti, B. Haitink e altri, M. Reining, E. Schwarzkopf, K. Te Kanawa; Ottaviano - S.Jurinats, K.Ludwig, B.Fassbender, A.S.von Otter; Sophie - M. Chebotari, H. Guden, E. Koet, A. Rotenberger, L. Popp; Baron Oks - K. Boehme, O. Edelman, K. Mol. Molti dei famosi cantanti hanno eseguito diverse parti nel Rosenkavalier. Quindi, Lisa della Caza ha avuto ben quattro ruoli in quest'opera nel suo repertorio (Annina, Sophie, Ottaviano e Marshalsha). Molti tenori eccezionali - R. Tauber, H. Rosvenge, A. Dermot, N. Gedda, F. Wunderlich, L. Pavarotti e altri "si sono segnati" nella parte del cantante italiano.

La prima registrazione in studio dell'opera fu la versione ridotta di R. Heger del 1933 (solisti Lotte Lehman, M. Olszewska, E. Schumann e R. Mayr, tanto amati dallo stesso Strauss). Le registrazioni in studio più straordinarie dell'opera includono le versioni di Kraus nel 1944 (solisti Ursulyak, G. von Milinkovich, A. Kern, L. Weber e altri), Karayan nel 1956 (solisti Schwarzkopf, Ludwig, T. Stich-Randall, Edelman e altri.), Haitinka nel 1990 (solisti Te Kanava, Otter, B. Hendrix, K. Riedl e altri).

Gli ascoltatori sovietici potrebbero conoscere una performance meravigliosa Opera di Vienna durante la sua tournée a Mosca nell'autunno del 1971 (direttore J. Krips, solisti L. Rizanek, Ludwig, H. de Groot, M. Jungvirt e altri).

Ora, dopo questa breve digressione storica, portiamo all'attenzione dei lettori un articolo sull'opera, programmato per coincidere con questo anniversario e toccando aspetti musicali ed estetici più generali dell'opera di R. Strauss e, in particolare, Il cavaliere della rosa.

Metamorfosi di un "brillante professionista"

Un tempo, Svyatoslav Richter, dopo aver ascoltato "Distant Ringing" di Schreker, ha osservato: "Richard Strauss, ovviamente, è un brillante professionista, e Schreker sfoga personalmente il suo ...". Quindi, in poche parole, il grande musicista ha giustamente descritto l'arte di Strauss, definendo il suo posto nella tavolozza dei principi creativi dei più grandi maestri del XX secolo. Qualcuno, ovviamente, non sarà d'accordo con tale valutazione. Bene, questa è una questione personale per tutti. Ma rafforzerei anche l'idea di Richter. A mio parere, Strauss appartiene al tipo di artisti per i quali esterno più importante interno chi è di più raffigura di esprime. E quelle metamorfosi avvenute con il suo metodo creativo durante tutta la sua vita lo dimostrano.

Diamo un'occhiata a questo percorso in modo obiettivo e senza stereotipi imposti. Già il periodo Strauss poemi sinfonici il tutto è "fissato" sul raggiungimento del successo, sforzandosi di sorprendere. Viaggia all'infinito, dirige molto, è impegnato nell'organizzazione dell '"Associazione dei compositori tedeschi", il cui compito principale è l'idea di creare una sorta di agenzia che si occupi del copyright del creatore, dei suoi onorari e detrazioni da concerti. Strauss si è rivelato un talentuoso direttore artistico, il che in una certa misura lo rende imparentato con Handel del periodo dell'attività operistica, per il quale questo lato dell'attività artistica era molto significativo.

Avendo esaurito piuttosto rapidamente il suo potenziale in nove poemi sinfonici, Strauss, come tutti i creatori del suo stile, ha continuato a lottare costantemente per la novità e la novità ad ogni costo. Il fatto che abbia rivolto gli occhi al teatro dell'opera era del tutto naturale e ovvio. Sì, infatti, le sue poesie, scritte nello spirito tardo romantico, possedevano in una certa misura proprietà operistiche e teatrali programmatiche, solo senza canto e parole. La genialità e la "recitazione" dell'opera, l'opportunità di unire in essa il suo talento musicale "estroverso" con un'impressionante "cornice" letteraria hanno molto attratto il maestro. Dopo alcune ricerche in due prime opere d'opera, il compositore ha finalmente trovato la felice idea di "Salome" dallo scandaloso Oscar Wilde, sentendo che era proprio una trama erotica così decadente che poteva effettivamente scioccare il rispettabile borghese. L'altrettanto radicale Elektra (1909), che seguì Salome (1905), segnò la quintessenza del cosiddetto. Lo stile "espressionista" di Strauss. Ci sono ragioni sufficienti per credere che queste opere siano diventate una delle più alte manifestazioni del dono del compositore. Certo, ci sono molti che non la pensano così, ma una serie di argomenti pesanti consentono ancora di trarre tali conclusioni. Innanzitutto, è stato in queste opere che Strauss, complicando gradualmente il linguaggio musicale, ha camminato, per così dire, lungo la “linea principale” dello sviluppo dell'arte musicale, che stava entrando nel XX secolo con passi decisivi. In secondo luogo, come in nessun'altra delle sue opere, è qui che il maestro è riuscito a raggiungere un'espressività proveniente dal profondo del suo "io" artistico. E si è lasciato ispirare, ancora una volta, da alcuni impulsi "esterni", ma è riuscito a trasformarli in sensazioni interne, che trovano inesorabilmente una risposta riconoscente da parte di un ascoltatore premuroso. Il linguaggio musicale di queste composizioni è però estremamente acuito da dissonanze e accorgimenti politonali che, in genere, non esulano dal quadro generale del sistema maggiore-minore. Le raffinatezze di suoni e timbri orchestrali, di cui fu maestro, raggiungono anche qui il massimo (soprattutto in Elektra, che può essere considerata a buon diritto una sorta di “opera sinfonica”). Inoltre, le svolte armoniche e melodiche più ardite sono spesso compromesse da "permessi" (cadans) abbastanza familiari, se non banali. Il compositore sembra "giocare" con il pubblico sull'orlo di un fallo, ma non flirta: questo è l'intero Strauss! Controlla sempre se stesso e le sue emozioni e, per così dire, guarda di lato: come viene percepito! Un tale approccio alla composizione in una certa misura lo rende imparentato con Meyerbeer (ovviamente, puramente esteticamente, tenendo conto delle differenze storiche nel loro posto nel processo operistico mondiale). Comunque sia, nelle sue tele espressioniste, Strauss ha raggiunto il limite oltre il quale era necessario decidere dove andare dopo? Corri insieme alla scuola di Novovensk nell'ignoto di nuove conquiste radicali, rischiando l'ostracismo e rimanendo incompreso, o umilia il tuo impulso innovativo e oltraggioso e raggiungi un compromesso con l'accogliente e familiare pensiero estetico borghese? Strauss ha scelto la seconda strada. Anche se ha capito, ovviamente, che questa scelta non avrebbe dovuto essere così primitiva da scivolare nel salone e nell'operetta. Le idee di "semplificazione" e stilizzazione neoclassiche si sono rivelate molto utili qui ...

Fermiamoci e riassumiamo qualche risultato intermedio. Quindi, un'esplosione così senza precedenti di sincero espressionismo non poteva durare a lungo. La natura della natura artistica, di cui abbiamo parlato sopra, ha avuto il suo pedaggio. L'impulso era esaurito, e anche i mezzi artistici e professionali, perché il talento puramente musicale del compositore, la sua capacità di generare idee fondamentalmente nuove nel campo della linguaggio musicale, spogliati degli squisiti ornamenti e dell'inquadratura teatrale-letteraria che li accompagnava, erano piuttosto limitati e non potevano essere paragonati al potenziale dei suoi colleghi più giovani - Schoenberg, Berg o, per fare un giro più ampio e un po' più lontano, Prokofiev o Stravinsky. Non va inoltre dimenticato che i principi fondamentali del pensiero artistico di Strauss si sono formati nell'Ottocento e sono stati "fecondati" dallo spirito tardo romantico, molto difficile da estirpare. Quei dieci anni che separano le date della sua nascita e di Schoenberg si sono rivelati significativi! L'ulteriore potenziale musicale di Strauss, quindi, si è rivelato in grado di svilupparsi solo nello spirito di una padronanza sempre più virtuosistica e differenziata delle tecniche di scrittura già consolidate, nelle quali, bisogna ammetterlo, ha raggiunto una perfezione senza precedenti.

Tuttavia, Strauss non sarebbe stato Strauss se non fosse riuscito, anche entro questi limiti creativi piuttosto ristretti, a non compiere una trasformazione miracolosa! È diventato possibile grazie alle proprietà della sua natura artistica sopra descritte, che hanno permesso, senza approfondire i "tormenti della creatività" interiori spirituali, di dimostrare facilmente un atto di "mimetismo" artistico magnifico e, direi, elegante nel 1910 avendo completato la "modulazione" nella stilizzazione neoclassica nello spirito del "neomozartianismo". Il risultato di queste metamorfosi fu il "Roseman". Tale facilità ha permesso ad alcuni ricercatori persino di dubitare della sincerità dell'espressionismo straussiano, che, a mio avviso, non è del tutto giusto.

Non si può dire che sia stato un pioniere ideologico in un nuovo campo. Già nel 1907 Ferruccio Busoni parlava con pensieri simili, volti a “raffreddare l'ardore” dell'espressionismo nello spirito della semplificazione, della chiarezza classica e dell'equilibrio delle forme. Busoni, ovviamente, con obiettivi esteriormente simili, aveva altri impulsi e idee artistiche in merito arte operistica che a quel tempo era a un bivio. Sentimenti simili riguardo allo sviluppo del linguaggio musicale "erano nell'aria" nella musica francese, in particolare in Eric Satie, le cui composizioni in questo periodo iniziarono a essere sature di eleganti melodie e "quotidiani" di danza. Le scoperte nel "quotidiano" episodico furono utilizzate anche come tecnica importante da Gustav Mahler, venerato da Strauss, al quale suonò molte delle sue nuove composizioni mentre era ancora in vita.

Per passare finalmente al tema del giubileo - l'opera "Der Rosenkavalier" - non resta che affermare il fatto: quest'opera si è rivelata la seconda vetta, un'altra ipostasi del nostro "Giano bifronte", dopo di che il suo l'intera ulteriore e lunghissima carriera artistica si è rivelata una graduale discesa dalle vette raggiunte nell'empireo dell'auto-ripetizione nello spirito dell'accademismo interno. Su questo percorso, seppur colorato da "diamanti" separati di brillanti reperti stilistici e musicali di altissimo livello (ad esempio, in "Woman Without a Shadow", "Arabella", "Daphne", "Capriccio"), le manifestazioni di Strauss estetiche “secondarie” non destano alcun dubbio.

Quindi, il Rosenkavalier. Si è detto troppo su quest'opera, compreso l'assolutamente banale nella sua evidente correttezza. Non c'è bisogno di inventare le nostre "biciclette", quindi elencheremo le più caratteristiche, con le quali siamo pienamente d'accordo. Qui osserviamo la stilizzazione nello spirito della vecchia era (XVIII secolo), una sorta di "neobarocco" e "evitamento della realtà" nel "mondo accogliente della commedia-melodramma quotidiano" (B. Yarustovsky), ci sentiamo anche Le allusioni mozartiane unite allo stile del singspiel viennese. La trama traccia i parallelismi semantici di Ottaviano - Cherubino, Maresciallo - Contessa, ecc. (A. Gozenpud e altri). I ricercatori prestano attenzione anche all'elemento valzer dell'opera (comunque estremamente raffinato, pieno di elementi di poliritmia), mentre fanno osservazioni ponderate, ma piuttosto banali sulla non storicità di tale armamentario "pseudo-autentico" (non esisteva tale danza nel 18° secolo); sui parallelismi con il lavoro di I. Strauss e F. Legar. Un'altra nota riguarda la straordinaria immagine del barone Oks, che Hofmannsthal e Strauss talvolta associano a Falstaff (D. Marek) nella loro corrispondenza. Sono visibili anche alcuni dei motivi di Molière: Faninal è una specie di Jourdain viennese. Se parliamo della forma musicale, colpiscono le tendenze al ritorno al sistema numerico, il ruolo tradizionale degli ensemble e lo stile buffone dei finali impetuosi. Tra le più importanti qualità anti-wagneriane dell'opera c'è la “volta al canto” (B. Yarustovsky), che si avverte chiaramente nelle parti vocali. Wagner "ha capito" anche in alcuni momenti quasi parodici dell'opera, come, ad esempio, nel duetto di Ottaviano e Marshall dell'Atto 1, che ci fa ricordare il "languore" amoroso di Tristano e Isotta. E se parliamo ancora delle positive influenze wagneriane, allora nell'atmosfera dell'opera si può sentire lo spirito dell'opera del genio tedesco più vicino al Rosenkavalier - The Nuremberg Mastersingers. Tutto questo (e molto altro) rese l'opera straordinariamente popolare, provocando però l'indignazione di alcuni musicisti e cultori del talento di Strauss, che credevano nell'innovativo "messianicismo" del compositore. Pertanto, questi ultimi si consideravano ingannati. Ma erano in minoranza, potevano essere ignorati.

Non c'è bisogno di raccontare nuovamente l'ottimo libretto di H. von Hoffmannsthal, con il quale Strauss ha continuato la sua collaborazione creativa dopo Elektra. Tuttavia, va notato che la sua qualità in quest'opera è di enorme importanza, il che non è frequente nell'arte operistica. In molti modi, sono i colpi di scena drammaturgici aggraziati e inventivi che rendono questa opera extra-lunga così raffinata e varia e assolutamente non noiosa.

I frammenti più belli e perfetti della partitura includono episodi della cerimonia dell'offerta di una rosa di Ottaviano Mir ist die Ehre wiederfahren dall'atto 2, così come il trio finale (tercetto) dei Marescialli, Ottaviano e Sofia Marie Theres'... Hab mir's gelobt, ihn liebzuhaben, che porta al duetto finale di Ottaviano e Sofia Ist ein Traum. Un episodio spettacolare è l'aria del cantante italiano in 1 atto Di rigore armato- un brillante numero "plug-in" per tenore (in italiano). Impossibile non menzionare anche la scena finale del 2° atto Da lieg'ich, dove Strauss mostra vividamente con sottili mezzi musicali i cambiamenti nell'umore del protagonista di questo episodio, il barone Oks - dal cupo sconforto, cambiando (dopo aver bevuto vino e avergli portato Annina da un immaginario appuntamento di Mariandl) giocosità spensierata in previsione di un nuova vicenda. Il Barone canta un valzer che è diventato famoso ed è conosciuto come il Valzer del Barone Och...

L'era moderna, con la sua percezione artistica dell'opera, dominata da qualità glamour e scenografiche esterne, è estremamente ricettiva al lavoro di Richard Strauss ed è un terreno fertile per la popolarità delle sue migliori opere, che stiamo vedendo. Gli ascolti di produzione de Il Cavaliere della Rosa sono alti e inferiori tra le opere del XX secolo, forse agli incrollabili capolavori di Puccini.

Illustrazioni:
Roberto Sterl. Ernst von Schuch dirige un'esibizione de Il cavaliere della rosa, 1912
Riccardo Strauss

L'inventiva dei costumi non distoglie l'attenzione dai meriti vocali degli interpreti (nella foto è la Marshalsha interpretata da Melanie Diener)
Foto di RIA Novosti

Vedomosti, 5 aprile 2012

Pietro Pospelov

È ora di divertirsi

Il Rosenkavalier al Teatro Bolshoi

L'Opera di Mosca non ha assistito per molto tempo a uno spettacolo in cui l'originale, lo spettacolo e la messa in scena formassero un'unità armoniosa - e questo è ciò che è diventato il Rosenkavalier in Teatro Bolshoj.

La creazione di Richard Strauss (1911) ci è arrivata al momento giusto: un'opera lunga (lo spettacolo termina alle dodici e mezza) è così piena di piaceri assaporanti da essere degna del pubblico più prospero. Un'offerta tardiva al XX secolo con il suo tragico modernismo al Bolshoi fu Wozzeck di Alban Berg. È venuto con il Rosenkavalier Aria fresca, profuma di parchi e negozi di dolciumi, il divertimento e la tristezza delle storie d'amore e le barzellette in costume.

Il regista Stephen Lawless e il suo team hanno realizzato una performance i cui costumi e mise-en-scene sembrano fotografie cent'anni fa. Ma questa non è una ricostruzione, ma la stessa libera fantasia, come l'opera stessa di Strauss e del librettista Hugo von Hofmannsthal, che ha inventato il Settecento viennese che non è mai esistito. Lawless ha fracassato tre atti dell'opera in tre secoli: XVIII, XIX, XX, che hanno solo enfatizzato tema chiave opere - il passare del tempo. L'orologio, appeso sopra il palco, misura onestamente l'intera performance (e solo alle ultime battute - come ricorda l'ospite trattenuto - improvvisamente iniziano a tornare indietro). Ma l'orologio non è secoli, né Vienna, né le persone, né il cielo cambiano dal cambio dei secoli. Nel finale, il giovanotto riesce a guardarlo, appena uscito dalle braccia dell'ex amante verso un nuovo amore.

"The Rosenkavalier" è stato messo in scena con finzione - quanto vale il valzer del barone Oks abbinato al famoso monumento a Strauss (non Richard - Johann) o alla ragazzina nera di Marshashi, ma soprattutto - organicamente e amorevolmente, in lavoro dettagliato con gli artisti. La formazione principale è tale da far invidia a qualsiasi azienda europea.

Il Marshall è cantato da Melanie Diener - incredibilmente femminile, suona come una vera eroina, dolcemente e saggiamente, con un lungo respiro e un bel pianoforte. Non è inferiore ad Anna Stefani nell'immagine del personaggio principale - il suo Ottaviano si riversa ardentemente e liberamente, e quando si veste da cameriera - con un suono folk comune diretto volutamente comico. The Rosenkavalier è un'opera femminile e Lyubov Petrova chiude la trinità delle eroine: la sua Sophie è aggraziata e di carattere, e canta, anche se un po 'più dura dei suoi partner, ma con un meraviglioso senso dello stile.

Tuttavia, c'è anche un uomo: il grandioso attore-cantante Stephen Richardson nel ruolo del barone Ox, che combina facilmente commedia e fascino maschile. C'è anche un magnifico ruolo caratteristico: il padre di Faninal è interpretato dal leggendario Sir Thomas Allen, che si esibisce sulla scena mondiale da quattro decenni.

Il Rosenkavalier è un progetto di produttore, ei solisti regolari del Bolshoi cantano solo ruoli minori, ma tra loro ci sono artisti in erba del programma giovanile come Yevgeny Nagovitsyn come cantante italiano.

Vasily Sinaisky ha iniziato a dirigere la prima rappresentazione - con una temperatura elevata, ma già nel primo atto, il suo assistente Alexander Solovyov lo ha sostituito in movimento. Ha eseguito "Il cavaliere della rosa", a dir poco, professionalmente - con ispirazione e virtuosismo, diventando il cuore dell'intera magnifica coorte di cantanti. Non c'è dubbio che d'ora in poi Solovyov avrà la fiducia dei primi ministri responsabili. Poiché non c'è dubbio che con Stephen Lawless e i suoi colleghi, il Bolshoi ha trovato una squadra d'oro con la quale è stato in grado di entrare nel nuovo decennio con tanta sicurezza.

RG, 5 aprile 2012

Irina Muraveva

valzer al suono piatti rotti

"The Rosenkavalier" di Richard Strauss è stato presentato per la prima volta al Teatro Bolshoi

L'opera comica di Richard Strauss "The Rosenkavalier", che è sui palcoscenici dei teatri occidentali da più di cento anni, è finalmente arrivata in Russia. Inoltre, il Teatro Bolshoi per la prima volta si è rivolto non solo al nome stesso, ma anche all'opera di Richard Strauss. Un capolavoro di musica post-romantica è stato messo in scena da un team europeo: il regista britannico Stephen Lawless, l'artista belga Benoit Dugardin e il direttore musicale Vasily Sinaisky.

La messa in scena de Il Cavaliere delle Rose sul palcoscenico del Teatro Bolshoi non poteva che incuriosire. Non molto tempo fa, Valery Gergiev, che ha messo in scena Ariadne auf Naxos, Salome, Elektra e Woman without a shadow." Ma gioco teatrale gioioso, leggero, mozzafiato, metamorfosi comiche, trasformazioni carnevalesche: tale Richard Strauss non era conosciuto sul palcoscenico russo. "Il cavaliere della rosa" è una colonna sonora eccezionale per l'autore stesso, soggetto agli umori dell'era decadente con il suo cupo romanticismo ed eccentricità, il culto dell'individualismo e ogni sorta di psicocomplessi.

In questo contesto, il "Cavaliere" di Strauss - una squisita "vignetta" dei tempi d'oro della Vienna di Mozart - teatrale nello spirito, leggero, spensierato e arioso, come il fenomeno stesso di Vienna, associato alla musica di Mozart e ai valzer di Johann Strauss. con loro ed è entrato in gioco musicale Richard Strauss, riempiendo la partitura di citazioni e stilizzazioni e riferendosi o all'elemento danza, cantato dal "re del valzer", o all'era rococò. In una delle scene della commedia diretta da Stephen Lawless, il barone Ochs, un amante di tipo Juan, inizia in previsione di un'altra relazione in una danza tempestosa con la famosa scultura viennese di Johann Strauss che suona il violino.

Lawless non ha limitato la durata del "Rosenkavalier" all'epoca indicata nel libretto di Hoffmannsthal. Dai tempi dell'imperatrice Maria Teresa, i suoi eroi cadono sia nell'Ottocento borghese che nel Novecento: letteralmente, da un'accogliente alcova d'amore con una tenda di seta dorata, dove il maresciallo e il giovane Ottaviano si abbandonano alle gioie del galante età, alla sala da pranzo piena di porcellane da collezione, borghese nouveau riche von Faninal, che sta cercando di vendere la sua bellissima figlia Sophie al donnaiolo-aristocratico barone Oks. Il terzo atto si svolge già nell'ambiente moderno del parco cittadino viennese Prater sullo sfondo delle luci scintillanti della ruota panoramica, del tiro a segno e della taverna. Il barone Ox, ora travestito da cowboy, seduce il giovane Ottaviano, che è vestito di conseguenza con un abito da ragazza. L'epilogo si svolge in uno spazio "anonimo" - fuori dal tempo (le lancette dell'orologio da parete corrono in cerchio), segnato da un solo dettaglio - un ampio letto. Questa è probabilmente la metafora dell'amore, di cui tanto si canta nell'opera straussiana, che paradossalmente termina con un duetto d'amore di voci femminili.

Inutile dirlo opera comica dovrebbe essere allegro, brillare di umorismo, improvvisazioni dell'attore, ipertrofia delle posizioni sceniche. Questa è la sua natura. E il libretto de "Il cavaliere della rosa" trabocca letteralmente di opportunità per stravolgere efficacemente l'intrigo sul palco. Ma naturalmente e facilmente, come nelle Nozze di Figaro di Mozart o nelle farse di Molière, su cui si basavano Strauss e Hoffmannsthal, non ci si può divertire nella performance. Bellissime immagini spettacolari, come diapositive, si sostituiscono l'una con l'altra - l'alcova si trasforma teatralmente in un piccolo palcoscenico, dove il "cantante italiano" ospite del Marshall Yevgeny Nagovitsyn si ispira al "tenore"; - tutto è bello, ma non comico. Nella casa dei nuovi ricchi, i proprietari arrabbiati - Faninal e sua figlia Sophie - battono rumorosamente i piatti di raccolta che ricevono dalle vetrine scintillanti con gusto. Non troppo divertente nel parco dei divertimenti, dove i motori scarlatti trasportano metodicamente i visitatori al Prater, e il coro rumoroso dei falsi "figli" del barone Oks smaschera l'amorevole "padre".

Forse tutto si riduce al ritmo. azione scenica, che quasi ripercorre il fascino dei musicisti per la partitura stessa. È impossibile non notare come apprezzano in dettaglio la musica di Richard Strauss. E sebbene alla prima al Teatro Bolshoi per una sorta di destino malvagio, sia accaduto l'inaspettato: Vasily Sinaisky ha lasciato la tribuna del direttore d'orchestra nel primo atto a causa dell'alta temperatura e il suo assistente Alexander Solovyov lo ha sostituito, la parte musicale della performance si è rivelata essere piuttosto forte. L'orchestra ha dominato lo Strauss non stereotipato: un suono leggero e respirante, le combinazioni più complesse di ritmi di valzer ed espressione wagneriana, ensemble virtuosi di Mozart e le parti vocali più difficili, in cui i solisti ospiti si sono esibiti alla prima - Melanie Diener (Marshalsha) , Stephen Richardson (Baron Ochs), Sir Thomas Allen (von Faninal), Lyubov Petrova (Sophie), Anna Stephanie (Octavian). Il secondo cast della commedia deve ancora fare il suo debutto nel Cavalier of the Roses.

OpenSpace.ru, 5 aprile 2012

Ekaterina Biryukova

Il Rosenkavalier al Teatro Bolshoi

La performance è bellissima, in costume, ma non priva di significato: esattamente la combinazione di cui ha bisogno il Main Stage.

Il Rosenkavalier, l'opera più famosa di Richard Strauss, scritta nel 1911, è praticamente sconosciuta in Russia (nel 1928 ci fu una produzione a San Pietroburgo, nel 1971 - una tournée dell'Opera di Vienna). La sua prima al Bolshoi non è stata un compito facile. In primo luogo, la trama stessa di Hoffmannsthal, dove non si può fare a meno di un grande letto con due donne (in una delle quali si propone di vedere un giovane), porta per abitudine a chissà quali invenzioni, l'ingenuo portavoce di che ha già espresso la versione dell'amore lesbico.

In secondo luogo, si tratta di circa quattro ore di testo tedesco, spiritoso per i madrelingua e completamente alieno anche nella traduzione inventiva di Alexei Parin, evidenziata nei titoli di coda. Per raggiungere la facilità necessaria e far credere al pubblico che l'opera è comica, è ancora mal gestita e le sedie sono vuote alla fine della rappresentazione.

Ebbene, il problema principale, generalmente imprevisto, è stato scoperto proprio il giorno della prima, ancora più precisamente - 12 minuti dopo l'inizio, quando il direttore musicale del teatro Vasily Sinaisky ha lasciato la tribuna del direttore proprio durante la musica ed è stato portato via con un febbre alta. Dal soppalco dove ero seduto, questa iniziativa era perfettamente visibile e dovevo dimenticare completamente la facilità. Ebbene, per chiarire: Richard Strauss, lasciato alla prima di Mosca senza direttore d'orchestra, è qualcosa come un enorme aereo, inoltre, di un design nuovo e sconosciuto, pieno di gente e rimasto senza pilota.

La performance non si è fermata, non si è separata, non si è interrotta e non si è schiantata. E il pubblico probabilmente non se ne è nemmeno accorto. Inoltre, dall'oggi al domani è nato un nuovo direttore: Alexander Solovyov, recentemente accolto nel gruppo di apprendisti del Teatro Bolshoi, che ha assistito alle prove con i solisti, ma ha lavorato a malapena con l'orchestra per loro - è stato lui a prendere il posto al 12° minuto in consolle. E già alla seconda esibizione sotto la sua guida nella musica, no, no, sì, sono apparsi coraggio e fascino. Borbottare sulla mancanza di dolcezza viennese nel suono orchestrale in questa situazione in qualche modo non fa girare la lingua.

Un'altra cosa è che questa storia in sé è un fallimento del sistema. Questo non dovrebbe essere. Il teatro dell'opera è una macchina complessa e costosa che richiede qualsiasi tipo di assicurazione contro situazioni impreviste. Soprattutto se il teatro punta a una partitura che nessuno ha mai diretto qui, e con quei paesi dove ci sono direttori per questo, non abbiamo un regime senza visti.

Nel frattempo, il Teatro Bolshoi dovrebbe essere congratulato per lo spettacolo stesso. Bello, in costume, ma non privo di significato: esattamente la combinazione di cui ha bisogno il Main Stage. È stato realizzato da un team di produzione europeo (regista - Stephen Lawless, scenografo - Benoit Dugardin, costumista - Sue Willmington, luci - Paul Payant). Il tema del tempo, così importante per il Marshall, si gioca nelle sue più diverse manifestazioni. Le epoche e le ore del giorno cambiano di azione in azione: la mattina del 18° secolo con camiciole e spade nel primo atto; l'Ottocento crepuscolare con credenze borghesi e piatti così divertenti da battere - nel secondo atto; notte XX secolo con birra e attrazioni Prater - nel terzo.

Il posto di tutti gli eventi nello spettacolo, al contrario, è invariabile: ovviamente questa è Vienna. Lo sfondo permanente di tutti i cambiamenti di stile è la Secessione, il principale simbolo viennese dell'epoca in cui nacque il Cavaliere di Rosa. E accanto alla disattenzione viennese titolare, la follia leggera non meno caratteristica coesiste perfettamente.

Come è consuetudine negli ultimi tempi, il Bolshoi ha invitato fidati solisti occidentali a condividere la responsabilità della prima nel primo cast, tra cui Lyubov Petrova, diplomata al Conservatorio di Mosca. Era una brava Sophie, che ha fatto un ottimo set con altre due voci femminili: Melanie Diener nei panni di Marshall e Anna Stefani nei panni di Ottaviano. Il principale partito maschile dello sfortunato barone Ochs, affidato a Stephen Richardson, ha perso un po 'contro il loro passato. Ma questo, forse, può essere perdonato per il fatto piacevole che la performance abbia un altro forte cast di solisti - ed è molto più locale.

La numero uno nella composizione che ha cantato il secondo giorno è Alexandra Kadurina del Bolshoi Youth Program - Octavian. Questa parte richiede un insieme unico di qualità: un mezzosoprano fluido e potente più un aspetto da ragazzo, senza il quale un letto con due donne rimane un letto con due donne. E Kadurina ha esattamente questo complesso. Quindi si scopre che oltre al nuovo direttore è nato un nuovo Ottaviano, e se fossi agenti d'opera in tutto il mondo, sarei molto interessato a questo fatto.

Compagna di classe di Kadurina Programma Giovani Alina Yarovaya canta Sophie. Inutile dire che la coppia si è rivelata piacevole alla vista e, a quanto pare, di recente assolutamente incredibile per il palcoscenico del Teatro Bolshoi! È vero, si può ancora lavorare sull'assottigliamento dei duetti.

Un'altra scoperta è il soprano moscovita europeo Ekaterina Godovanets nel ruolo di Marshall: una voce ampia e flessibile, un canto significativo. Se il barone Ochs è incaricato di far sembrare il Rosenkavalier opera comica(nella seconda composizione, Manfred Hemm lo fa al meglio delle sue capacità), poi il Marshall, forse il più saggio personaggio femminile nella storia dell'opera mondiale (e la performance di Godovanets non contraddice in alcun modo tale definizione), è responsabile della serietà, non della tristezza senza speranza e della luce alla fine del tunnel.

Novye Izvestia, 5 aprile 2012

Maya Krylova

Farsa sull'abisso

I moscoviti hanno conosciuto tardivamente l'opera di Strauss

La prima di The Rosenkavalier ha avuto luogo sul palco principale del Teatro Bolshoi. L'opera di fama mondiale di Richard Strauss non è mai andata in scena a Mosca, ma in Russia è andata in scena da molto tempo, anche prima Guerra patriottica, e solo una volta. L'onore di presentare The Rosenkavalier al pubblico di oggi è toccato al regista britannico Stephen Lawless.

Strauss scrisse l'opera nel 1911, e fu un successo: lo stato d'animo ambiguo dell'opera (un misto di farsa e dramma) si adattava perfettamente alla visione del mondo dell'era della decadenza. La leggerezza di Mozart e le giocose melodie di danza di Strauss "tirano fuori" da sotto le pesanti costruzioni alla Wagner, e il viscoso gruppo iridescente di archi sembra essere strappato da sotto un potente cespuglio di strumenti a fiato. Era anche importante che il compositore (insieme al librettista Hugo von Hofmannsthal) cantasse Vienna, la scena dell'opera. La famosa città qui è vista come un archetipo culturale (un leitmotiv di un valzer vale molto) e allo stesso tempo un simbolo di fragilità, un luogo dove si spezzano i cuori e crollano i legami.

Il Cavaliere, ambientato nel Settecento, tesse una trama di intrighi amorosi comici. L'anziana principessa Werdenberg (alias Marshalsha), il suo giovane amante Conte Ottaviano (alias il Cavaliere delle Rose), il parente della principessa - l'avido e lussurioso barone Oks, la sua sposa Sophie, la figlia di un semplice uomo ricco senza titolo Faninal - tutti girano in un carnevale ironico dove gli affetti cambiano più velocemente del vento. E mentre Marshall, una donna dell'età di Balzac, canta tristemente di una premonizione di un'imminente separazione dal suo giovane ammiratore, e il conte diciassettenne la smentisce ardentemente, nelle viscere di Vienna si prepara una trappola del destino: avere giunto a casa di Sophie per conto dello sposo, Ottaviano le porta una rosa, e allo stesso tempo se ne innamora mortalmente. Ma i giovani devono ancora fermare le invasioni di Oks. Dopo aver vestito gli uomini in donne e ritorno, aver rotto piatti, scherzi pratici e altri segni di vaudeville, il barone, ovviamente, si vergogna e la principessa generosamente, anche se con il cuore pesante, concede il suo amante ai suoi coetanei.

Alla premiere del Teatro Bolshoi c'erano condizioni estreme. All'ultimo momento, il direttore d'orchestra Vasily Sinaisky si è ammalato, ma il maestro è comunque salito sul podio del direttore d'orchestra, sperando di superare il disturbo. Purtroppo, a metà del primo atto ha dovuto (inosservato dal pubblico) consegnare la bacchetta del direttore d'orchestra al suo assistente Alexander Solovyov. Lui, a sua volta, ha compiuto un'impresa: si è impegnato a salvare lo spettacolo, non avendo prove sul palco per la sua anima (sono state dirette da Sinaisky). Forse, dallo shock iniziale (l'orchestra, nel bel mezzo dell'esibizione, ha ricevuto un nuovo "leader", anche lui ha avuto difficoltà), il primo atto è sembrato in qualche modo noioso. Ma nel secondo e nel terzo atto tutti si sono riuniti, Solovyov ha mostrato abilità, l'energia è uscita dalla buca dell'orchestra e si sono sentiti suoni veramente straussiani. Certo, la lunghezza della partitura non è venuta meno: Strauss ne Il Cavaliere è molto prolisso, le sue infinite riflessioni ti trascinano dentro come un vortice. Soprattutto alla fine del primo atto, quando la Marescialla tormenta l'amante con lamenti filosofici, e alla fine della rappresentazione, dove il pedante compositore non si accontentò del meraviglioso terzetto di Ottaviano e delle due dame del suo cuore, ma dopo (nemmeno temendo l'effetto di un falso finale) ha fatto cantare a lungo Sophie e il suo conte sull'amore futuro. Ma tutto è stato salvato dalla regia di Lawless e dalla scenografia di Benoit Dugardin.

La loro decisione è elegante e discreta, come l'umorismo inglese: l'opera sull'Austria ha ricordato il Pickwick Club. Lawless non solo ha coinciso emotivamente con Strauss: lui, come il compositore, non sempre capisce se è divertente o triste. Ha messo in scena l'opera nel raro genere dell'elegia comica, creando una farsa sull'inesorabilità del tempo e sulla ripetizione delle passioni: in tutte le età le persone si comportano allo stesso modo. Sopra la scenografia e i personaggi in scena grande orologio, le cui frecce corrono inesorabili, non sempre, però, in avanti. Proprio come Strauss ama le allusioni alla musica di due secoli, Lawless gioca correttamente ma con decisione con i segni di tre epoche: la prima azione si svolge nel XVIII secolo (un palazzo con dorature), la seconda - nel XIX (un ricco borghese casa con arredi ostentati), e il terzo - a metà del XX (attrazioni nel Prater viennese). Il regista inizia la performance con un grazioso scena erotica: su un enorme letto al centro di una gigantesca camera da letto, Marshall (la tedesca Melanie Diener) giace tra le braccia di Ottaviano (l'inglese Anna Stephanie). Quindi la gente riempirà la stanza spaziosa: lacchè e clienti, mercanti e truffatori della città, servi e kuafer di Arapchat verranno a inchinarsi alla principessa di alto lignaggio. Attori in costume alla maniera del vecchio teatro delizieranno le orecchie di una nobildonna con il canto e i suoi occhi con la danza. Ma mentre gli innamorati sono soli, la loro conversazione stabilisce il livello di qualità: nulla ti impedisce di goderti un'ottima voce. Devo dire che il casting condotto dal Bolshoi è soprattutto un elogio. Soprattutto femminile. E Diener, Stephanie e Sophie (il russo Lyubov Petrova, solista della Metropolitan Opera) cantano in modo tale da ascoltare e ascoltare. Anche l'interprete della parte di Oks (il britannico Stephen Richardson) è bravo: i modi esilaranti e compiaciuti del suo personaggio sono organici come il basso pesante con una buona dizione tedesca. E Sir Thomas Allen (il vecchio Faninal), il connazionale di Richardson, diventato signore per i suoi servizi nella voce accademica, non ha dato l'opportunità di dubitare della correttezza della decisione della regina d'Inghilterra.

MN, 5 aprile 2012

Giulia Bederova

Giacca rovesciata

"The Rosenkavalier" di Richard Strauss - prima al Teatro Bolshoi

Il Teatro Bolshoi ha presentato la seconda prima dell'opera in questa stagione. E ora può vantarsi che il suo repertorio include non solo il Wozzeck di Alban Berg, ma anche il Rosenkavalier di Richard Strauss. Un'altra opera tedesca iconica e incredibilmente popolare dell'inizio del XX secolo sui palcoscenici europei è un frammento di un contesto così lontano dall'opera russa di oggi che l'apparizione di questi titoli sul poster sembra comunque eroica.

L'iniziatore della produzione è stato il direttore d'orchestra Vasily Sinaisky: questa è la sua buona intenzione, sogno e azione, che sarà scritta a caratteri cubitali sul suo conto come direttore musicale. Ma è stato lui a non poter dirigere la prima rappresentazione: essendo andato alla console con una temperatura elevata, dopo l'ouverture, proprio all'inizio della prima scena, Sinaisky ha passato la bacchetta all'assistente Alexander Solovyov in movimento. Il che ha portato la performance all'ammirazione generale dei partecipanti e del pubblico. Bene direttore musicale tutto per questo era ben preparato, il sostituto non ha perso la testa e tutti si sono rivelati grandi professionisti.

La professionalità è una delle qualità principali di questa premiere. È così di alta qualità in tutti i suoi componenti e così professionale che è letteralmente destinato al successo. Così come, però, può essere una delusione per chi vorrebbe vedere dal vivo la vita sul palcoscenico del Bolshoi più che prodotti di alta moda, forme snelle e significato poco stuzzicante. In una situazione in cui ci sono poche anteprime in teatro, una scelta del genere sembra fondamentale e anche ogni volta sembra fatale. Ma se ce ne fossero di più, la scelta non sembrerebbe così ardua: qualcosa si fa per la reputazione, e qualcosa per l'anima, qualcosa per l'esportazione, qualcosa per i noti amanti dell'antichità e qualcos'altro per il pubblico avanzato.

Il Rosenkavalier è un vero e proprio prodotto europeo di fascia alta (dal nome alla precisione e morbidezza del disegno) che va bene avere nel repertorio tanto quanto il giusto abito da sera nell'armadio. Lo spettacolo ha tutto il necessario per il successo commerciale e artistico. L'intrigo del titolo della prima ("Il cavaliere della rosa" non è mai stato eseguito qui), il fascino della trama e della colonna sonora, piena di frivolo gioco stilistico, frivolo avventurismo della persuasione mozartiana e penetranti imbrogli della lirica wagneriana nello spirito. C'è un pulito, intelligente ed eroico opera musicale(dal pittoresco orchestrale al casting di grande successo ed espressività, la cui unità è appena ostacolata dalla complessità acustica dello spazio). C'è un design elegante: la bellezza della scenografia e dei costumi è abilmente inventata, sembra impressionante e attrae, non irrita. La direzione è vivace, ben rasata e seducentemente sfuggente. Il regista inglese Stephen Lawless è un conservatore della moda famoso in tutto il mondo. E rappresenta quel ramo registico britannico, che nella pratica mondiale occupa una posizione elegante esattamente nel mezzo tra terry retrogrado e attualizzazione militante dei capolavori, quando la performance sembra esteriormente semplice ed elegante, ma nell'approccio stesso alla bellezza, un aspetto moderno e l'esperienza è indovinata, mentre il corso rilassato delle cose è dotato di sfumature intellettuali. Per l'attuale Cavalier, Lawless, seguendo Strauss, ha ideato uno strumento concettuale femminista, che ha anche impreziosito con riflessioni sul tempo. Quindi, un orologio è sospeso in modo spettacolare sul palco e tre atti dell'opera hanno acquisito una nuova interpretazione (per Strauss, tutto accade come nel XVIII secolo, per Lawless - in questo momento solo il primo atto. Segue poi il XIX secolo borghese e, infine, l'inizio del XX). Come risultato del lavoro della macchina del tempo, va letta la crescita dei personaggi, e soprattutto del Marshall, che all'inizio della storia era già adulto. Nel finale, deve lasciare andare il suo giovane amante - con maggiore saggezza, determinazione femminile e tristezza, più secoli e vite sono passati sul palco in quel momento.

Ma sembra che Melanie Diener, proprietaria di un soprano meravigliosamente morbido e gentile, oltre che di aspetto espressivo e talento tragico, canterebbe e suonerebbe altrettanto magnificamente in qualsiasi secolo. Tuttavia, è possibile che sia stato Lawless a portarla in un tale stato immerso nel ruolo, chissà. Ma è importante che lo spettatore non lo sappia con certezza. Per quanto riguarda l'idea femminista (fintanto che il regista ne ha parlato in precedenza), nella performance vive ancora non più di quanto Strauss abbia stabilito, e nelle sue opere le donne forti sono sempre diventate le protagoniste delle opere. Oltre a Diener, ci sono altre due donne straordinarie nella line-up della premiere. Anna Stefani nella classica parte in pantalone del giovane Ottaviano, sulla cui tradizionalità Strauss ironizza, vestendo il suo eroe da ragazza e seguendo Mozart, facendo leva su questa confusione di trama e materiale, senza inutili effetti, si limita a decorare la scena con un incredibile bella voce, tavolozza sobria e abilità stilistica. Lyubov Petrova (Sophie, per la quale Ottaviano dimentica il suo antico amore) - un'eccellente cantante mozartiana dalla Russia, richiesta in Occidente e conosciuta solo dagli specialisti nel nostro paese - in generale, un vero dono per questa produzione, dove la parte di la giovane sposa, se risultasse non cantata in modo così espressivo, potrebbe semplificare notevolmente un disegno già semplice. E così si scopre che sono le voci a dare volume alla performance. E le domande alla premiere sono sorte solo per Stephen Richardson (Baron Ochs), il cui comportamento prevedibilmente comico non è stato arricchito in alcun modo dalle sfumature della voce: Richardson ha riso, ma non ha suonato.

La seconda formazione di artisti in "Cavaliere" non è di natura importata, ma, conoscendo le capacità, ad esempio, di Alexandra Kadurina, Alina Yarovaya ed Ekaterina Godovanets, ci si può aspettare che anche loro affronteranno con garbo il loro compito e decorare la freddezza correttamente elegante dell'immagine con la multidimensionalità delle capacità di esecuzione e la messa in scena delle proprie emozioni.

Riccardo Strauss
1864-1949
"IL CAVALIERE DELLA ROSA" (1911).
Commedia musicale in tre atti
libretto di Hugo von Hofmannsthal

L'azione si svolge a Vienna, durante i primi anni del regno di Maria Teresa (1740).
PRIMA L'AZIONE. Camera da letto della duchessa, moglie del maresciallo Werdenberg. Un giovane di diciassette anni, il conte Ottaviano, si inginocchia davanti al maresciallo, dichiarandole ardentemente il suo amore. All'improvviso, c'è un rumore fuori. Questo è il cugino del maresciallo, il barone Ox von Lerchenau. La duchessa implora Ottaviano di scappare. Ottaviano ha appena avuto il tempo di cambiarsi in un vestito da cameriera prima che la porta si apra. Il barone Oks chiede alla principessa di raccomandargli un giovane aristocratico, che, secondo l'usanza, dovrebbe portare una rosa d'argento alla fidanzata di Oks Sophie, figlia del ricco Faninal, recentemente diventato un nobile. Nel frattempo il barone presta attenzione alla cameriera, come risulta dal nome di Mariandl, che non ha avuto il tempo di scappare. La principessa raccomanda il conte Ottaviano come sensale. È il momento dei visitatori. Tra loro ci sono gli avventurieri Valzacchi e Annina. Una nobile vedova e i suoi tre figli chiedono aiuto. Il flautista suona, il cantante italiano canta, il parrucchiere pettina i capelli del maresciallo.
Rimasta sola, la padrona di casa si guarda tristemente allo specchio. Ottaviano ritorna. Vuole consolare la sua amata, lei evita il suo abbraccio. Il tempo passa e verrà l'ora in cui Ottaviano la lascerà. Ottaviano non vuole sentirne parlare. Ma la duchessa gli chiede di andarsene. Ricordando la promessa al barone, il maresciallo invia una rosa d'argento in una custodia con il negro dopo Ottaviano.
ATTO SECONDO. Soggiorno in casa di M. Faninal. Tutti stanno aspettando il cavaliere delle rose e poi lo sposo. Entra Ottaviano. È vestito con un abito d'argento e tiene in mano una rosa d'argento. Sofia è entusiasta. Ottaviano si chiederà: come poteva vivere senza di lei prima? I giovani parlano teneramente. Appare il barone Ox. Elargisce complimenti volgari e allontana completamente la sua sposa da se stesso. I giovani rimangono soli e Sophie chiede a Ottaviano di sconvolgere il suo matrimonio con lo stupido barone. I giovani si abbracciano in un impeto d'amore. Valzacchi e Annina, assoldati da Oks, spiano questa scena e chiamano il barone. Il barone finge di non attribuire alcuna importanza all'accaduto: ha urgente bisogno di sposare una sposa ricca. Chiede che il contratto di matrimonio sia firmato immediatamente. Ottaviano gli lancia insulti negli occhi, estrae la spada e ferisce leggermente il barone al braccio. Il Barone considera la ferita mortale. Faninal caccia Ottaviano e minaccia di imprigionare Sophie in un convento. Il barone si sdraia sul letto. Il vino gli dà forza, ma ancora di più lo è un biglietto della cameriera del maresciallo, che gli fissa un appuntamento.
ATTO TERZO. Stanza alla periferia di Vienna. Il sorteggio è in preparazione. Ottaviano supera Valzacchi e Annina. Lui stesso indossa un abito da donna e ritrae la cameriera Mariandle. Il barone entra con una mano fasciata. Si affretta a ritirarsi con la cameriera. Ottaviano finge timidezza. I suoi complici nuotano costantemente fuori dall'oscurità, spaventando il barone. All'improvviso entra una signora con quattro bambini, che si precipitano dal barone gridando “Papà! Papà!”, la signora chiama il barone suo marito. In questo momento compaiono Faninal e Sophie. La sala si riempie di gente. Ottaviano cambia i vestiti con discrezione. Tutto si sta chiarendo. Ma all'improvviso arriva il maresciallo. Il Barone se ne va, seguito da tutti gli altri. La principessa consiglia a Ottaviano di seguire i dettami del suo cuore. Tutti e tre sono entusiasti. Nel trio finale, il compositore porta i personaggi oltre la commedia. Le feste degli eroi, dedite a ogni enigma della vita, si riconciliano in una sorta di contemplazione superiore, sebbene rimangano senza risposta. Le loro domande sono sospese nell'aria, perché l'incoerenza è la legge della vita.

***

Elisabeth Schwarzkopf(Schwarzkopf) (1915-2006) - Cantante tedesca (soprano). Ha ricevuto la sua educazione musicale presso la Scuola Superiore di Musica di Berlino, ha preso lezioni di canto da M. Ifogyun. Fece il suo debutto nel 1938 alla Berlin City Opera, nel 1942-51 la principale solista dell'Opera di Stato di Vienna. Dal 1948 si è esibita sui più grandi palcoscenici d'opera in Europa e in America e ha partecipato regolarmente ai festival di Salisburgo e Bayreuth. Dal 1951 ha vissuto a Londra, per diversi anni è stata solista al Covent Garden Theatre. Nel repertorio da camera, Schwarzkopf è stato accompagnato al pianoforte da Edwin Fischer, Walter Gieseking, Wilhelm Furtwängler e Gerald Moore. A metà degli anni '70. lasciò il palcoscenico dell'opera, continuando a tenere concerti e registrare dischi. Schwarzkopf si è distinto per l'eccezionale flessibilità e purezza della sua voce, la bellezza del suo timbro, la sensibilità stilistica e le eccezionali capacità di recitazione sul palcoscenico dell'opera. Uno degli interpreti eccezionali delle opere di W. A. Mozart e R. Strauss.

Christa Ludovico(Ludwig) (nato nel 1928) - Cantante tedesco (mezzosoprano). Entrato alla Higher School of Music di Francoforte sul Meno. Ha fatto il suo debutto lì nel 1946. Nel 1955 fece il suo debutto all'Opera di Vienna. Nello stesso anno ha luogo la sua prima esibizione al Festival di Salisburgo (Compositore in Ariadne auf Naxos di R. Strauss). Le sue brillanti interpretazioni nelle parti di Dorabella, Cherubino, Ottaviano la pongono tra i più grandi maestri del palcoscenico operistico. Nel 1971 fece una tournée a Mosca con l'Opera di Vienna. Una delle esibizioni di questi tour, "Der Rosenkavalier", in cui il cantante ha interpretato la parte di Ottaviano, è stata registrata su dischi (direttore J. Krips). Proprietario di una voce unica, Ludwig ha affrontato altrettanto facilmente non solo ruoli di mezzosoprano, ma anche parti drammatiche di soprano. Così compaiono nel suo repertorio Leonora (Fidelio), Dido (I Troiani), Marchalsha (Der Rosenkavalier, direttore d'orchestra Leonard Bernstein). Il cantante è soggetto anche alle parti wagneriane (Ortrud, Kundri, Branghen, Frick). Si è esibita nel repertorio da camera. Tra i ruoli principali del periodo tardo, Clitennestra in "Electra" di R. Strauss dovrebbe essere particolarmente indicata. Fu con questa parte che la cantante completò la sua carriera teatrale nel 1995 sul palcoscenico dell'Opera di Vienna.

Soprano Teresa Stich-Randal(Stich-Randal), tedesca di nazionalità, è nata nel 1927 negli Stati Uniti, dove ha ricevuto la sua educazione vocale. Ha preso parte ai concerti di Arturo Toscanini. Poi si è trasferita in Europa, dal 1952 è solista dell'Opera di Vienna. Ha avuto un grande successo in opere di Mozart, Verdi, Richard Strauss, eseguite nei festival di Salisburgo, nei maggiori teatri in Europa e negli Stati Uniti. Ha tenuto concerti da camera. Tra le registrazioni della cantante, pubblicate su dischi in Russia, Antonida in Glinka's Life for the Tsar, dove i suoi partner erano Boris Hristov e Nikolai Gedda (direttore Igor Markevich).

Duchessa di Werdenberg (Marshall) - Elisabeth Schwarzkopf, soprano
Baron Ochs von Lerchenau - Otto Edelman, contrabbasso
Conte Ottaviano – Christa Ludwig, mezzosoprano
Herr von Faninal - Eberhard Wächter, baritono
Sophie, sua figlia - Teresa Stich-Randal, soprano
Valzacchi - Paul Kühn, tenore
Annina – Kerstin Meyer, mezzosoprano
Cantante italiano - Nikolai Gedda, tenore
Coro e Orchestra Filarmonica di Londra
Direttore Herbert von Karajan
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RichardStrauss ha scritto un'opera"Cavaliere della Rosa"nel 1909-1910 su libretto di Hugo von Hofmannsthal. La prima produzione ebbe luogo il 26 gennaio 1911 al Royal Teatro dell'opera(Dresda). In Russia, la prima ebbe luogo nel 1928 al Teatro dell'Opera e del Balletto di Leningrado (ora Mariinsky). Successivamente, le opere di Richard Strauss furono ascoltate raramente in Unione Sovietica, alcune furono addirittura bandite. Fortunatamente, la situazione sta cambiando, ad esempio, a dicembreCamera di Mosca Teatro musicale prende il nome da B.A. Pokrovsky ha messo in scena per la prima volta in Russia "Idomenea" W.-A. Mozarta cura di Richard Strauss ).

Al Teatro Bolshoi sopra l'opera"The Rosenkavalier", le cui prime rappresentazioni si sono svolte il 3, 4, 6, 7, 8 e 10 aprile, ha lavorato un team internazionale: regista-produttore - Stephen Lawless, x scenografo - Benoit Dugardin, costumista - Sue Willmington, lighting designer - Paul Payant, coreografo - Lynn Hockney, inLa parte principale della parte principale è stata eseguita da Melanie Diener (Marshalsha) e Stephen Richardson (Baron Ochs, cugino di Marshall). Per me stesso ho sceltoseconda formazione "casalinga" il 04/10/2012, ma anche lì ci sono solidi "Varangiani":
Maresciallo — Ekaterina Godovanets, diplomato al Conservatorio Nazionale di Parigi, dal 2012 solista dell'Opera di Stato di Norimberga (Germania);
Barone Ochs von Lerchenau - Austriaco Manfred Hemm, noto per il suo repertorio mozartiano;
Faninale - Baritono tedesco Michael Kupfer, specialista del repertorio austro-tedesco (Mozart, Lorzing, Beethoven, Wagner e, naturalmente, Richard Strauss);
Ottaviano — Alessandra Kadurina, laureato al programma Bolshoi Youth Opera;
Sofia — Alina Yarovaja, laureato della Gioventù programma operistico Teatro Bolshoi;
Valzacchi- L'alunno di Princeton Jeff Martin
Annina — Artista del popolo La russa Irina Dolzhenko.

L'azione si svolge a Vienna, durante i primi anni del regno di Maria Teresa (1740).
Libretto - Hugo von Hofmannsthal.
Musica - Riccardo Strauss.
Direttore d'orchestra - Vasily del Sinai.
L'opera va in scena Tedesco(va in tre atti) — 4 ore e 15 minuti).

A causa della lunga durata dell'opera (e contrariamente al consueto ritardo di dieci minuti per il Bolshoi), lo spettacolo è iniziato minuto per minuto: gli spettatori che erano in ritardo e si sono attardati al buffet sono rimasti sorpresi! Ancora più sorpresa nella sala è stata causata dai suratiti delle esibizioni di accompagnamento con goffi giri di parole: "Non capisci?" (nel senso di "non credi?"), "Rimuovi questo cavallo in lutto" (su Annina travestita), "Sono affascinato da tanta raffinatezza" (cioè, affascinato) ... Il fatto è che Hoffmannsthal è magistralmente libretto scritto abbonda non solo di perle di belles-lettres, ma anche di un dialetto colloquiale viennese. E gli "errori" citati dal barone Oks von Lerchenau caratterizzano molto accuratamente il suo livello di "cultura": durante l'opera, questo personaggio comico è stato "giustamente" deriso non solo dal disprezzante Marshall (ovviamente, insieme al librettista), ma anche dallo stesso compositore.
Hugo von Hofmannsthal ha scritto: "Bisogna ammettere che il mio libretto ha uno svantaggio significativo: gran parte di ciò che costituisce il suo fascino si perde nella traduzione".

Direttore d'opera e direttore principale Teatro Bolshoi Vasily Sinaisky: " Questa è musica di straordinaria bellezza, satura di magnifiche melodie, principalmente valzer. Quest'opera ha un intrigo estremamente divertente e un aspetto comico e giocoso molto forte. E i personaggi sembrano persone assolutamente viventi, perché tutti sono scritti in modo molto chiaro e ognuno ha la propria psicologia. Alle prove dico costantemente all'orchestra: suonala come le opere di Mozart - con fascino, fascino e allo stesso tempo con ironia. Sebbene questa partitura incarni sia il Mozart leggero e ironico che il Wagner drammatico e teso" .

Tuttavia, c'è un eloquente "racconto d'opera" su questo argomento: una volta il compositore, in piedi alla tribuna del direttore, nel terzo atto dell'opera "Il cavaliere della rosa" sussurrò al violinista accompagnatore: "Quanto è terribilmente lungo , non è vero?" — "Ma, maestro, l'ha scritto lei!" "Lo so, ma non avrei mai immaginato che avrei dovuto dirigere io stesso."
Quindi alcuni episodi avrebbero potuto essere accorciati, poiché lo stesso Richard Strauss, a sua volta, ha curato l'Idomeneo di Mozart, riducendo la partitura a due ore. IN il primo atto, ad esempio, il ragionamento filosofico di Marshall è troppo lungo (che si tratti della "lettera di Tatyana" in "Eugene Onegin" - sia brevemente che in modo penetrante).
Sebbene l'opera nel suo insieme, grazie a valzer, uno stato d'animo ironico e una trama leggera (con un riferimento a " triangolo amoroso"La contessa-Cherubino-Fanchetta della commedia di Beaumarchais "Crazy Day, o Le nozze di Figaro") è stata accolta favorevolmente dal pubblico di Mosca. Cosa possiamo dire dell'Austria e della Germania, dove il "Rosenkavalier" è popolare quanto noi " Eugene Onegin" o "Peak lady"!

The Rosenkavalier è un'opera densamente popolata e la sua trama ha molte linee secondarie: qui ci sono intrighi amorosi intrecciati in modo intricato e vestire un giovane amante da cameriera (inoltre, il barone Ox si è immediatamente "affondato" su "una tale bellezza"), e le truffe di incalliti truffatori e intriganti Valzacchi e Annina, che alla fine si schierarono dalla parte di Ottaviano e giocarono un ruolo importante nel raggiungimento di un esito positivo ... Ma, soprattutto, l'opera è diventata un vero monumento a Vienna, la capitale mondiale di valzer, di cui il pubblico è costantemente ricordato dall'alcova del Marshall con una cupola traforata dorata (esattamente come sull'edificio del Museo di Vienna secessione), ora ballando il valzer in un abbraccio con una copia del monumento viennese a Johann Strauss, barone Oks, poi allineati, come membri del famoso coro dei ragazzi di Vienna, dieci manichini "figli del barone", sotto la guida della "abbandonata" Annina, cantando l'infinito "papà-papà-papà".

Inoltre, ogni atto dell'opera corrisponde ai costumi e alle scenografie di una certa epoca (e sullo sfondo del palco "in ogni momento" c'è un quadrante luminoso - per informare il pubblico in tempo reale, ironia del regista: ci sono . .. ore rimaste alla fine dello spettacolo).
Nel primo atto è l'anno 1740, l'era aristocratica di Maria Teresa e del suo omonimo feldmaresciallo, la principessa Werdenberg (l'azione si svolge in un'enorme camera da letto principesca, dove un'alcova con le sue dimensioni ricorda una tenda e può trasformarsi in un palcoscenico in miniatura per esibizioni di musicisti, ballerini e tenore italiano, e anche lo stesso Luciano Pavarotti amava recitare in questo brillante episodio dell'opera). Il secondo atto è la metà del XIX secolo, il periodo di massimo splendore della borghesia, la trama si sviluppa nella casa di Faninal, un ricco rappresentante della classe media che sogna di sposarsi con una famiglia aristocratica dando in sposa sua figlia Sophie all'arrogante barone Ok. È qui, sullo sfondo di lussuose vetrine con porcellane, che si svolge l'evento centrale dell'opera: la cerimonia di offerta di una rosa d'argento, tradizionale dono dello sposo (a nome e per conto del Barone sua fidanzata Sofia un ninnolo profumato all'olio di rose viene presentato dal diciassettenne Ottaviano, raccomandato dal Maresciallo per la missione onoraria del "Cavaliere della Rosa", scena che diventa per entrambi i giovani personaggi l'inizio del colpo di fulmine. Per il terzo atto sono stati scelti l'inizio del XX secolo e il parco pubblico democratico di Vienna - Prater, che eguaglia tutte le classi. Il finale riporta nuovamente il pubblico negli appartamenti aristocratici del Marshall: l'azione dell'opera va a un delicato epilogo, e basta. personaggi secondari lascia questa grande sala. Ma dopo l'addio di Ottaviano al Maresciallo, inferiore alla sua giovane rivale Sophie (il famoso trio, spesso eseguito come separato numero del concerto), tutto-tutto-tutto caratteri rumorosamente e allegramente torna di nuovo sul palco - già per inchinarsi.

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