E. Ionesco - rappresentante del "teatro dell'assurdo" francese

Quando la seconda guerra mondiale finì, le persone in tutto il mondo iniziarono a chiedersi come fosse potuto accadere che il fascismo fosse sorto nel mezzo dell'Europa civilizzata. Soprattutto, l'umanità era preoccupata per la domanda su quanto fosse intelligente, istruita e brava gente ha permesso lo sterminio di milioni di concittadini solo perché erano di diversa origine.

Uno dei primi tentativi di spiegare movimenti simili è stato fatto da Eugène Ionesco. "Rhinos" (in un'altra traduzione "Rhinoceros") è un'opera teatrale in cui ha descritto il meccanismo dell'emergere di un fenomeno alieno nella società, che sta gradualmente diventando la norma.

Biografia di Eugenio Ionesco

Il drammaturgo è nato in Romania nel 1909, poiché suo padre era di lì e sua madre era francese. Fin dall'infanzia, il ragazzo parlava diverse lingue, incluso il francese. Con l'inizio della prima guerra mondiale, i rapporti tra i genitori del ragazzo si deteriorarono e si sciolsero. La madre prese i bambini e partì per la sua terra natale, in Francia.

Quando Eugene Ionesco è cresciuto, ha cercato di vivere con suo padre in Romania. Qui è entrato all'Università di Bucarest, progettando di insegnare francese. Ma nel 1938 tornò nella patria di sua madre e rimase per sempre a Parigi.

Ionesco scrisse le sue prime poesie in Romania e negli anni della sua vita in Romania iniziò a dimenticare il francese, tanto che, tornato in Francia, dovette reimparare la sua seconda lingua madre.

Diventare drammaturgo

Anche mentre studiava a Bucarest, Eugene vide emergere la popolarità dei movimenti filofascisti. Tuttavia, allo stesso drammaturgo, questo entusiasmo degli altri sembrava selvaggio, e in seguito questa esperienza divenne il tema di Rhinos e delle sue altre opere.

Tornato a Parigi, Ionescu scrive una dissertazione su Charles Baudelaire ed è anche attivamente impegnato nella scrittura delle proprie opere. Ionesco era famoso soprattutto per le sue opere teatrali, ma scrisse anche racconti e saggi.

Come drammaturgo, Eugene fece il suo debutto nel 1950 con la commedia The Bald Singer, che scrisse sotto l'influenza di un manuale di autoistruzione inglese. Fu quest'opera a diventare un classico esempio del "teatro dell'assurdo" - la direzione letteraria a cui Ionesco aderì nel suo lavoro.

Eugene Ionesco è morto nel marzo 1994. Il più popolare tra patrimonio creativo Le commedie di Ionesco Rhinoceros, The Bald Singer, Chairs, The Disinterested Assassin, Macbeth, Air Passage e altre.

Le origini della commedia "Rhino" ("Rhinoceros")

Dopo il successo della sua prima commedia, il drammaturgo ha affinato attivamente la sua capacità di scrivere nel genere dell'assurdità e del paradosso. Rifiutando il realismo delle rappresentazioni teatrali, credeva che fosse necessario tornare alle origini, quando tutte le commedie erano piene di simboli nascosti e mezzi accenni. Alla fine degli anni Cinquanta, quando l'Europa si stava lentamente riprendendo dalla guerra, molti iniziarono a pensare alle ragioni dell'emergere del fascismo, temendo il ripetersi di una simile tragedia. Essendo un oppositore di qualsiasi sistema totalitario sin dai tempi degli studi in Romania, Eugene Ionesco conosceva questo argomento più di chiunque altro. "Rhinoceros" ("Rhinoceros") - quello era il suo nome nuovo gioco, pubblicato nel 1959. Nello stesso anno va in scena al Teatro di Dusseldorf.

Eugene Ionesco "Rhinos": un riassunto

Lo spettacolo è composto da tre atti. Nella prima, vicino al caffè sulla piazza, si siedono due compagni, Jean e Beranger. Jean rimprovera il suo amico, che, a quanto pare, ieri ha bevuto molto e non ha ancora avuto il tempo di riprendersi. All'improvviso, un rinoceronte li supera di corsa. Tutti intorno sono spaventati e discutono di questo evento fuori dal comune, esprimendo la loro indignazione. Solo Berenger è indifferente a tutto, finché nel caffè non entra l'affascinante Daisy, di cui l'uomo è innamorato. Nel frattempo, Jean gli legge una morale sul giusto modo di vivere e alla fine Béranger accetta di dedicare la serata allo sviluppo culturale.

All'improvviso si sente un rombo e si scopre che il rinoceronte ha appena schiacciato il gatto del proprietario. Tutti discutono su quanti rinoceronti ci fossero e su che aspetto avessero. Berenger dichiara inaspettatamente che non si vedeva nulla nella polvere sollevata dal rinoceronte in corsa. Jean si offende con lui, lo insulta e se ne va. Un uomo frustrato ordina da bere e decide di abbandonare il programma culturale previsto.

Il secondo atto della commedia di Ionesco "Il rinoceronte" si svolge al servizio di Beranger in ufficio.

Qui tutti discutono attivamente dei rinoceronti e dell'inspiegabile aumento del loro numero. Litigano, litigano, esprimono opinioni diverse, fino a quando non si rendono conto che la loro collega Beth non si è mai presentata al lavoro.

Presto arriva sua moglie e racconta loro con orrore della perdita del marito, e dietro di lei corre un rinoceronte gigante. All'improvviso, Madame lo riconosce come suo marito e la bestia risponde alla sua chiamata. Seduta sulla sua schiena, parte per casa.

Daisy chiama i vigili del fuoco per aiutare gli impiegati al piano di sotto, poiché Beth il rinoceronte ha rotto le scale. Si scopre che c'è già un numero enorme di rinoceronti in città e il loro numero sta crescendo.

Uno degli operai di Dudar suggerisce a Berenger di andare a bere qualcosa insieme, ma lui rifiuta, poiché decide di andare da Jean e fare pace con lui.

Arrivato a casa di un amico, Berenger vede che non sta bene. A poco a poco, quasi davanti agli occhi dell'eroe, il suo amico si trasforma in un rinoceronte. Un uomo spaventato chiama il suo vicino per chiedere aiuto, ma è già diventato una bestia. Guardando fuori dalla finestra, Berenger vede che molti rinoceronti stanno già distruggendo le panchine per strada. Terrorizzato, corre a casa sua.

Il terzo atto dell'opera teatrale di Eugene Ionesco Il rinoceronte si svolge nell'appartamento di Béranger.

Si sente male e il suo collega Dudar viene da lui. Durante la conversazione, Beranger sembra sempre trasformarsi in un rinoceronte. Questo lo spaventa terribilmente. Tuttavia, il visitatore rassicura l'uomo, dicendo che questo è normale, perché i rinoceronti sono creature piuttosto carine, anche se leggermente rozze. Si scopre che molti rispettati residenti della città, in particolare Logic, sono diventati da tempo rinoceronti e si sentono benissimo. Béranger è inorridito dal fatto che un cittadino così nobile e sensibile scelga una tale strada.

Nel frattempo, Daisy arriva di corsa all'appartamento. Informa gli uomini che anche il loro capo è diventato un rinoceronte, per stare al passo con questo fenomeno ormai di moda. Béranger pensa che i rinoceronti possano in qualche modo essere isolati dagli umani per fermare la crescita della loro popolazione, ma gli ospiti lo convincono che i parenti dei rinoceronti saranno contrari, così come gli attivisti per i diritti degli animali.

Dudar è chiaramente solidale con Daisy, tuttavia è geloso di lei per Beranger, quindi lascia i suoi interlocutori e si trasforma volontariamente in un rinoceronte.

Daisy e Beranger, rimasti soli, sono spaventati, poiché il ruggito degli animali si sente da ogni parte, anche alla radio. Ben presto la ragazza cambia idea, decidendo che i rinoceronti sono degni di rispetto e, dopo aver ricevuto uno schiaffo in faccia dall'indignato Beranger, entra nel branco.

L'uomo è rimasto solo, riflette se ha bisogno di essere un rinoceronte. Di conseguenza, sta cercando una pistola, preparandosi a difendersi fino all'ultimo.

Il protagonista dell'opera è Beranger

Tutta l'azione che si svolge nell'opera teatrale di Ionesco "Il rinoceronte" è incentrata su Beranger.

Sullo sfondo di altri rispettabili residenti della città, sembra un emarginato. Disordinati, poco puntuali, spesso fuori luogo, gli altri addirittura migliore amico Jean. In tal modo, non fa assolutamente del male a nessuno, tranne forse a se stesso.

Tuttavia, man mano che l'azione si sviluppa, si scopre che la colpa principale di Beranger è solo che non si sforza di rispettare le norme o la moda generalmente accettate. Quindi, quando tutti nel bar sono impegnati a guardare i rinoceronti, un uomo pensa alla sua ragazza. Inoltre, non cerca di mentire per entrare a far parte della squadra e espone accidentalmente gli altri alle bugie.

A differenza dei razionali abitanti della città, Berenger vive di sentimenti. È innamorato di Daisy e grazie a lei non si accorge dei problemi circostanti. Inoltre, un uomo che sembra chiaramente un alcolizzato apprezza l'amicizia molto più di Jean, che ha ragione sotto tutti gli aspetti. Del resto, per far pace con lui, Berenger si rifiuta persino di uscire a bere qualcosa.

Un'altra differenza è il sentimento di inferiorità. Quando tutto è ancora calmo in città, l'eroe sembra sfavorevole sullo sfondo di coloro che lo circondano. E quando tutti gli abitanti, per vari motivi, diventano animali, rifiutandosi di diventare un rinoceronte, Beranger si sente di nuovo diverso da tutti gli altri.

Eugene Ionesco "Rhinos": analisi

Se oggi lo stile dell'opera e le idee in essa espresse sembrano ordinarie, allora al momento della sua apparizione negli anni Sessanta era qualcosa di nuovo, che si distingueva.

Ciò è stato facilitato dal fatto che questa commedia includeva tutte le caratteristiche del teatro dell'assurdo, che si sono distinte in questa direzione Eugene Ionesco ("Rhinos"). I critici hanno accolto positivamente lo spettacolo, in particolare, hanno considerato questo lavoro antifascista. Tuttavia, l'autore stesso ha reagito negativamente a tale interpretazione del suo lavoro, sostenendo che le sue idee erano molto più ampie, ma ognuno è libero di interpretarle a propria discrezione.

Nel suo lavoro, lo scrittore ha protestato attivamente contro qualsiasi idea totalitaria che trasforma le persone in una massa grigia sottomessa, distruggendo l'individualità.

In questa commedia sono chiaramente tracciate caratteristiche del teatro dell'assurdo come la negazione del realismo: tutti gli eventi sembrano fantastici e privi di significato. Spettatori e lettori capiscono cosa è successo, ma perché le persone hanno improvvisamente iniziato a trasformarsi in rinoceronti (punizione per peccati, trucchi UFO o qualcos'altro), nessuno lo sa.

Nello spettacolo viene criticato anche il pensiero razionale e pragmatico, che Ionesco considerava la causa di tutti i problemi. L'unico carattere irrazionale di Beranger rimane immune a una strana malattia che trasforma le persone in rinoceronti.

È interessante notare che nella sua opera Eugene Ionesco ha descritto tutte le fasi della tecnologia di legalizzazione di qualsiasi fenomeno estraneo alla società, che è stata formulata e chiamata la finestra di Overton solo negli anni Novanta del XX secolo. Secondo lei, qualsiasi idea, anche la più selvaggia, ad esempio il cannibalismo, può essere accettata dalla società come norma, dopo aver attraversato sei fasi: impensabile, radicale, accettabile, ragionevole, standard e normale.

Destino scenico dell'opera

Dopo la sua magnifica performance in Teatro parigino"Odeon" nel 1960, il dramma "Rhinos" è stato messo in scena in molti paesi del mondo. Lo spettacolo è stato inizialmente percepito come antifascista, quindi alla prima alcuni dei personaggi erano vestiti con uniformi militari tedesche. Ma nel corso degli anni, la sua percezione è cambiata e nuovi registi hanno utilizzato altre tecniche per trasmettere la loro visione.

Rhinoceros è stato messo in scena sulla maggior parte dei palcoscenici più famosi del mondo e i più grandi attori del teatro e del cinema hanno avuto l'onore di recitare in questo spettacolo. Per la prima volta, il ruolo di Beranger è stato interpretato dall'attore francese Jean-Louis Barrot. Successivamente, questo personaggio è stato interpretato da artisti famosi come Viktor Avilov, Laurence Olivier, Benedict Cumberbatch e altri.

Il destino dei rinoceronti in URSS

Essendo diventato un'opera antifascista riconosciuta, dopo la prima, Rhinos è apparso in URSS solo cinque anni dopo. Il gioco è stato pubblicato in Letteratura Straniera. Ma fu presto bandito, poiché le idee espresse in Rhinos criticavano il comunismo e il socialismo. Tuttavia, ciò non ha impedito la diffusione del gioco. Il suo testo è stato copiato, ristampato e passato di mano in mano. E il divieto ha aggiunto una popolarità senza precedenti a questo lavoro.

Nel 1982, lo spettacolo è stato messo in scena da uno dei teatri amatoriali di Mosca. Tuttavia, quasi immediatamente dopo la prima, lo spettacolo è stato chiuso e non è stato permesso loro di metterlo in scena fino alla Perestrojka. Tuttavia, dopo che Gorbaciov salì al potere, i rinoceronti iniziarono la loro marcia vittoriosa attraverso i migliori palcoscenici dell'URSS e poi della Russia.

Citazioni di Rinoceronti

Uno degli elementi integranti del teatro dell'assurdo Ionesco considerato un gioco di parole. "Rhino" (citazioni sotto) conteneva molti paradossi verbali. Ad esempio, pensando a Logic su un gatto.

O un piccolo dialogo sui bambini:

- Non voglio avere figli. Che noia.
Come hai intenzione di salvare il mondo allora?
"Perché hai bisogno di salvarlo?"

Profondi sono anche i pensieri degli eroi sulla verità: "A volte fai il male per sbaglio, non lo vuoi affatto, o lo incoraggi inavvertitamente".

A più di cinquant'anni dalla sua prima, l'opera teatrale di Ionesco "Rhinos" non perde ancora la sua rilevanza ed è messa in scena in molti teatri di tutto il mondo.

Questo pensiero è confermato dal suo famoso dramma Rhinos. Sembra che l'evidente assurdità scompaia in esso e elementi artistici non convenzionali e realistici penetrano nel testo. "Rhinoceros" non è un "anti-pezzo" alla maniera di "The Holomozoa Singer" con i suoi "interni inglesi" assolutamente esagerati, personaggi fantoccio e situazioni di trama assurde. Se "Golomoza the singer", che Ionesco chiamava "neabsurdnish" e "neebezladnishoy" dalle sue commedie, ha privato le leggi dell'azione drammatica, della composizione, dei personaggi, allora il dramma "Rhinos" ha il solito struttura drammatica. Lo stesso autore ha sottolineato che è "tradizionale e classico nel design. Qui ho seguito le leggi fondamentali del teatro: un'idea semplice, lo stesso semplice sviluppo dell'azione e un puro epilogo".

L'area di una città francese di provincia. Due amici sono seduti a parlare in un bar: Berenger e Jean. Jean è infastidito dal comportamento, dalle abitudini e dallo stile di vita del suo amico, dalla sua mancanza di puntualità, dalla sua passione per l'alcol. Berenger si giustifica: si annoia in questa città, non è fatto per il lavoro quotidiano di otto ore, si stanca e beve, "per entrare nell'oblio" e non sentire la "paura dell'esistenza". Jean tutto il tempo, con l'aiuto della nuda didattica, vuole mettere il suo amico senza talento sulla vera strada, lo esorta ad "armarsi" di tolleranza, cultura, intelligenza, "diventare il padrone della situazione", adempiere coscienziosamente il suo " dovere ufficiale”. In risposta alle argomentazioni di Jean Beranger, si limita a sbadigliare: a differenza del suo secondo dogmatico e rispettoso della legge, è difficile per lui indossare ogni giorno "un cappello pulito, una cravatta non spiegazzata, scarpe lucide" ...

Ma improvvisamente la conversazione sulla pace provinciale viene interrotta. Un rinoceronte appare in città. Poi la seconda, la terza... Inizia un'insolita epidemia: gli abitanti del paese iniziano a trasformarsi - e del tutto volontariamente e consapevolmente, anche quelli che inizialmente hanno resistito - in animali dalla pelle spessa. Al rinoceronte si rivolgono i colleghi di Beranger: Mr. Bef e Mr. Papillon, Bothard e Dudar. Anche il suo amico Jean e l'amata Desi si uniscono al branco.

Solo un Beranger, che, nelle parole di E. Ionesco, "si è opposto alla storia", ammette con orrore: "Sono impazziti. Il mondo è malato. Sono tutti malati". È uno dei residenti "sobri" della città, trasformatosi in un branco di rinoceronti, capisce che è necessario "affidarsi consapevolmente e ingenuamente a loro". E alla fine del dramma, Beranger - un uomo solo tra gli animali - si rivolge a tutte le teste di rinoceronte: "Non verrò con te. Non ti capisco! Rimarrò quello che sono. Sono un uomo. Un uomo. E sebbene sia soggetto a una momentanea debolezza ("OB! Come vorrei diventare come loro! È un peccato che non abbia un corno!"), Beranger è riuscito a riprendersi allo stesso dovere e pronunciare il suo ultimo parole nella commedia: "Combatterò contro tutti! Sono l'ultimo uomo e sarò lei fino alla fine! Non mi arrenderò!"

Ma come interpretare questa parabola? Qual è il significato dell'oncologia di massa nell'opera e la resistenza del protagonista? Cosa nasconde in sé la metafora di Ionesco?

Lo ha spiegato il drammaturgo Punto di partenza"Nella creazione di" Rhinos "c'era la storia dello scrittore Denis de Rougemont sulla manifestazione dei nazisti a Norimberga nel 1938. La folla stava aspettando l'arrivo di Hitler, cadde in una specie di isteria e Rougemont fu il primo sorpreso da tali segni di psicosi di massa ". Quando Hitler, - dice Ionesco , - si rivelò molto vicino e intorno a lui tutti caddero completamente e completamente in trance, sentì che stava sorgendo in lui un sentimento di frenesia, che il generale la follia "elettrizza" se stesso. Era pronto per essere sottoposto a questi incantesimi, quando tutto il suo essere si ribellò e resistette alla follia collettiva ... "

Ionesco ha confessato che "Rhinoceros" è "un'opera teatrale antifascista", che "cercava davvero di descrivere il processo di pacificazione del Paese", e "all'inizio il nazismo era inteso come" malattia del rinoceronte ". Almeno, è stato il fascismo, in particolare la sua origine in Romania negli anni '30, a spingere il drammaturgo a creare l'opera. E parecchi registi, come l'eccezionale regista francese Jean-Louis Barrault, hanno interpretato Rhinos come un dramma antifascista. E la famosa scrittrice Elsa Triolet ha difeso la possibilità di un'interpretazione esclusivamente antifascista dell'opera.

Ma il significato della parabola drammatica (vale a dire, questa è la commedia di Jones) è sempre più ampio di un particolare fenomeno, "Rhinoceros" non prevede un'unica interpretazione. Notava giustamente il critico francese Paul Surer: "Rhinoceros" non è una critica, come alcuni hanno capito, di un certo regime - un regime nazista totalitario - in un certo paese, in un certo periodo storico; si tratta di uno studio del processo generale di qualsiasi reclutamento collettivo, tracciato dal momento del suo inizio fino al suo compimento. ma soprattutto è un gioco contro l'isteria collettiva e le epidemie, che si nascondono sotto le spoglie della mente e delle idee, ma non diventano malattie collettive meno gravi che giustificano ideologie diverse. Il drammaturgo ha osservato che la sua opera è "una descrizione abbastanza obiettiva della crescita del fanatismo, la nascita del totalitarismo ... L'opera dovrebbe tracciare e identificare le fasi di questo fenomeno".

Beranger è il protagonista di "Rhinoceros", un eroe che, secondo l'autore, è impegnato nella "ricerca del senso della vita, la ricerca della cosa principale nella nostra realtà", un eroe che soffre della "sua alienazione" e dai "suoi difetti". È importante che, nonostante la sua evidente simpatia per Beranger, Ionesco non lo abbia concepito come l'immagine di una persona ideale, un combattente, una personalità titanica capace di affrontare da solo una società malata di rinite. Il drammaturgo ha notato che può essere definito positivo se "si riconosce che una persona ha il diritto di ritirarsi nella sua solitudine", e allo stesso tempo Beranger è un'immagine negativa, "se consideriamo che una persona non ha il diritto di essere sottoposto alla sua solitudine ... per dire una cosa - Berenger odia il regime totalitario."

La deliberata assurdità di ciò che sta accadendo, l'insensatezza dei dialoghi nei primi drammi di Ionesco sono sostituiti in Rhinos da un'azione in costante sviluppo, un unico nucleo della trama. Interrelando le osservazioni di Ionesco in una certa misura "tradisce" la forma statica dell'antidramma, introduce l'azione dinamica; i personaggi dei burattini senza volto hanno nomi: Jean Dudar, Berenger. Tuttavia, i personaggi dei rinoceronti continuano ad essere maschere, incarnando vari modelli comportamento sociale, che insieme costituiscono, dal punto di vista di Ionesco, un modello universale di umanità.

La scena è una piccola città di provincia. Il livello di interessi dei suoi abitanti illustra chiaramente il pensiero stereotipato, la routine dell'esistenza, il culto del "buon senso" e del benessere personale. Tra i "custodi" delle verità comuni, spicca la figura di Beranger, vivente contro il senso "comune". Tratta in modo sprezzante ciò che i suoi concittadini venerano come un indicatore del "prezzo" di una persona: pulizia enfatizzata, pedanteria, sorprendente somiglianza nei pensieri. I loro detti significativi anche sulle cose più ordinarie suonano come una ripetizione monotona di verità comuni indurite una volta per tutte. Beranger, a differenza dei suoi concittadini, non cerca di avere successo, di fare carriera. È disgustato dalla praticità, dall'abitudine di obbedire senza pensare.

Dalla posizione di "buon senso", Berenger è un perdente. È povero perché trascura le norme di comportamento generalmente accettate. Jean è l'esatto opposto di Berenger. Dall'alto del proprio benessere, insegna al suo amico. Il pathos della sua "lezione" sta nelle verità banali, "consumate" dall'uso troppo frequente, nelle parole di Beranger.

L'invasione della malattia del "rinoceronte" è percepita dai cittadini come un'altra necessità a cui obbedire, altrimenti potrebbero essere sospettati di inaffidabilità. Tutti si sforzano di essere tra i primi a “arraparsi” per testimoniare la propria educazione. I funzionari sono stati tra i primi a cambiare pelle, una categoria sociale per la quale la capacità di obbedire senza pensare è la virtù più alta. Le regole del “gioco” consentono solo due scelte: chi “ha sbagliato” nel tempo prospera, chi non ha avuto tempo o non ha voluto è destinato alla miseria. Beranger appartiene alla categoria di quest'ultimo, resiste attivamente all'epidemia, condannandosi all'isolamento e all'esilio. Berenger dice: “La solitudine mi pesa. Anche la società". L'eroe di Ionesco si libera dai lacci del matrimonio

onets nella loro opposizione all'esplosione generale di sentimenti leali.

“Rinoceronte” è un simbolo capiente che può essere letto in più modi: è anche il pericolo di ogni reclutamento collettivo che minaccia la libertà; è anche l'elemento del conformismo, la fucina di ogni forma di totalitarismo; è anche una metafora della peste fascista. Ionesco era enfaticamente distaccato da qualsiasi interpretazione, lasciando piena libertà ai lettori/spettatori e soprattutto ai registi. Il famoso regista francese Jean-Louis Barrault in uno dei primi produzioni parigine Il 1969 conferì all'opera un pronunciato carattere antifascista. Nel ruggito dei rinoceronti udito dietro le quinte, si sentiva chiaramente la canzone “Lili Marlene”, popolare durante gli anni della Wehrmacht, e il rombo degli stivali.

Fu solo dopo l'esibizione di Barro che Ionesco, che rimase in silenzio, finalmente parlò: "Rhinoceros è senza dubbio un'opera antinazista, ma soprattutto questa commedia è contro l'isteria collettiva e le epidemie che giustificano ideologie diverse".

La drammaturgia di E. Ionesco, parodiando gli aspetti paradossali e assurdi dell'esistenza umana, “insegna a una persona la libertà di scelta”, comprendendo la propria vita e il proprio posto nel mondo. “Noi, io, abbiamo iniziato a mostrare il mondo e la vita nella loro paradossalità reale, reale e non levigata, non ricoperta di zucchero. Il teatro ha lo scopo di insegnare a una persona la libertà di scelta, non capisce né la propria vita né se stesso. Da qui, da questa stessa vita umana, è nato il nostro teatro.

Samuel Beckett (1906 - 1989)

Il lavoro di S. Beckett come drammaturgo inizia solo negli anni '50. A quel tempo, alle sue spalle c'era un duro lavoro fino all'ossessione, pubblicato nel 1938 il romanzo "Murphy", un brillante saggio su M. Proust (1931) e D. Joyce (1929). Nella trilogia del romanzo - "Molloy" (1951), "Malon Dies" (1951), "Nameless" (1953) - vengono delineate le principali linee di sviluppo della drammaturgia di Beckett.

Fino al 1939, prima del suo definitivo trasferimento a Parigi, l'irlandese Beckett scriveva in inglese. Durante il primo periodo del suo soggiorno parigino, dal 1929 al 1933, fu segretario personale di D. Joyce, che ebbe una notevole influenza sullo sviluppo creativo dello scrittore. Dopo il 1939, Beckett scrive in due lingue: inglese e francese. Il bilinguismo ha determinato l'originalità dello stile di Becket: uno speciale giro di parole, ellitticità, gioco dimostrativo su consonanti e vocali sono stati usati dallo scrittore come mezzo di innovazione linguistica. Beckett ha cercato, nelle sue parole, "di offuscare il linguaggio": "Mi rende più facile scrivere senza stile".

La drammaturgia, che ha portato lo scrittore alla fama mondiale, lo ha attratto con l'opportunità di mostrare chiaramente la natura paradossale dell'esistenza umana. L'impoverimento del vocabolario, il silenzio e le pause sono usati da Beckett nei suoi drammi per esporre la contraddizione tra la “cosa chiamata” e l'essenza. Non c'è da stupirsi che credesse che "l'arte non è necessariamente espressione".

L'evidenza concreta sostituisce la parola come mezzo di comunicazione. Nello spettacolo "Not Me" (1972), su un palcoscenico vuoto sotto i riflettori, c'è solo una bocca, che vomita febbrilmente un flusso di parole incoerenti: "qui ... in questo mondo ... un bambino ... prematuro... in Dio abbandonato... cosa?... una ragazza?... in questo... buco dimenticato da Dio chiamato... chiamato... non importa... genitori chissà chi... niente degno di attenzione fino ai sessant'anni, quando cosa?... settanta?... Signore Dio!... pochi passi... poi fermati... guarda nel vuoto... fermati e guarda ancora... nuotò dove lei occhi guardano... come all'improvviso... a poco a poco tutto si spense... tutta quella luce mattutina di inizio aprile... e lei si ritrovò in... cosa?... chi?... no!... lei ! (pausa e movimento) ... era al buio. Parole e pause qui sono calcolate matematicamente, offuscando la differenza tra una scena dal vivo e una registrata, tra discorso, rumore e silenzio. Le parole di Beckett esistono con cui giocare, creando la propria realtà. L'atteggiamento giocoso nei confronti della realtà è indissolubilmente legato all'ironia, che mina l'univocità di giudizi e valutazioni.

Nella commedia "Happy Days" (1961) tutto è ironico, a cominciare dal titolo. Gli eroi della commedia - Winnie e Willy - stanno gradualmente precipitando nella fossa; allo stesso tempo, Winnie non si stanca di ripetere: "Oh, che giornata felice!", Percependo il caldo torrido del sole di mezzogiorno come una sorta di grazia - "Davvero, le misericordie sono grandi per me". Le parole "happy days", che ricorrono come un ritornello per tutta la commedia, sono una parafrasi di una comune espressione inglese. Queste parole nel dramma non riflettono né i sentimenti di felicità e gioia, né la bellezza del momento vissuto. Ma Winnie non sa "cosa fare finché non trovi le parole". Evitando pause indesiderate, ne riempie il vuoto.

I personaggi di Beckett riescono a ridicolizzare la natura tragicomica della loro situazione: Winnie e Willy sono sopra la terra, bruciati dai raggi impietosi del sole; Nell e Nugg (Endgame, 1957) - per il dolore. Nell dice a suo marito: “Non c'è niente di più divertente del dolore. E all'inizio ci ridiamo, ridiamo di cuore... ma non cambia. Com'è? bello scherzo che sentiamo troppo spesso. Pensiamo ancora che sia spiritoso, ma non ridiamo più".

Nelle commedie di Beckett non ci sono linee chiare tra risate e lacrime. In Endgame, Hamm dice: "Piangi e piangi per non ridere". La risata di Beckett è una maschera tragica dietro la quale si nasconde l'intera complessità della vita, che non è suscettibile di valutazioni univoche.

La narrativa di Beckett si sviluppa solo verso un vuoto totale sempre più grande, in cui i personaggi, la trama, il linguaggio si annullano. L'impotenza di influenzare il corso degli eventi è fissata nelle sue commedie dalla completa immobilità, staticità. Questo paradosso è incarnato nell'immagine visiva. Il mondo di Beckett è abitato da creature mutilate incapaci di muoversi da sole. In "Endgame" l'azione è chiusa da quattro pareti della stanza, i personaggi sono storpi e anziani: Hamm è incatenato a una sedia a rotelle, i suoi genitori vengono messi nei bidoni della spazzatura. In The Game (1963), i personaggi senza nome - Zh2, M e Zh1 - sono racchiusi in vasi che simboleggiano "urne da bara". In "Kachi-Kach" (1981) viene ricreata l'immagine del "movimento stazionario".

è dato da una sedia a dondolo che, senza fermarsi un minuto, non si muove.

Mondo dell'arte Beckett è un mondo di eterna ripetizione, in cui l'inizio coincide con la fine. Di giorno in giorno si rinnova l'attesa di Vladimir ed Estragon (“Aspettando Godot”). In Happy Days, ogni nuovo giorno è simile al precedente. Winnie viene lentamente inghiottita dalla terra, ma è ostinatamente immersa nella meschina vanità delle abitudini quotidiane: “...qui è tutto così strano. Mai nessun cambiamento".

Beckett cerca di "dare voce" al dolore generale della disperazione. In Endgame, Hamm dice a Clov: “Stanotte ho guardato nel mio petto. C'era un grande bobo".

"Aspettando Godot" - il massimo famosa commedia Beckett, destinato a grande fama e per il quale è stato premiato nel 1969. premio Nobel. Con tutta l'esattezza nel valutare il proprio lavoro, Beckett ha ammesso in un'intervista: “Ho scritto tutte le mie cose in pochissimo tempo, tra il 1946 e il 1950. Quindi nulla di utile, secondo me, è sparito. Per "in piedi" si intendeva una trilogia di romanzi e un dramma su Godot.

Corso di lezioni

Fitzgerald è stato uno dei primi nella letteratura americana ad affrontare il tema del crollo del "sogno americano".

Il critico letterario americano M. Cowley ha descritto molto accuratamente la tecnica intrinseca di Fitzgerald "visione doppia" Come caratteristica questo artista della parola. “Ha sviluppato una visione doppia. Non si stancava di ammirare l'orpello dorato della vita di Princeton, della Riviera, della North Shore di Long Island e degli studi di Hollywood, avvolgeva i suoi eroi in una foschia di adorazione, ma lui stesso dissipava questa foschia. Della perdita delle illusioni e dello scontro con la realtà che si trasforma in tragedia e viene raccontata in romanzi, racconti, nel suo saggio “Crash” (1936), dove parla del fatto che in nei primi anni il suo vita adulta Ho visto "come le cose incredibili, improbabili, a volte impensabili diventano realtà". Il percorso della collisione con la realtà, il percorso della catastrofe spirituale, la perdita di idee idealistiche, lo spreco di talento sono gli eroi dei romanzi"Il grande Gatsby"(1925), Tenera è la notte (1934), romanzo incompiuto "L'ultimo magnate". Ma già nel primo romanzo "Di qua dal paradiso"(1920) si è sentito il tema della "perdita", abbracciando gli idealisti romantici di fronte alla dura prosa della realtà.

La morte del talento è raccontata nel romanzo"La notte è tenera". Mentre lavorava all'opera, l'autore ha sottolineato: "... il crollo sarà determinato non dalla mancanza di spina dorsale, ma da fattori veramente tragici, contraddizioni interne dell'idealista e compromessi che le circostanze impongono all'eroe". Nella tendenza sempre crescente degli artisti a soddisfare le esigenze del mercato, a dare arte alle esigenze degli affari, Fitzgerald ha visto una delle manifestazioni della "tragedia americana".

Il romanzo di Fitzgerald è il più famoso e riconosciuto. "Il grande Gatsby". L'eroe dell'opera, arricchitosi con il commercio illegale di alcolici, è pronto a donare tutto se stesso e tutta la sua ricchezza alla sua amata Daisy. Il sogno dell'amore e della felicità vive nella sua anima. È ossessionato da questo sogno. Gatsby irrompe nel mondo della ricchezza e del lusso, a cui appartiene Daisy, che non ha aspettato il ritorno di Gatsby dalla guerra e ha sposato Tom Buchanan. I soldi non rendono felice Gatsby. Il denaro paralizza Daisy, la priva di ogni idea sul vero amore, decenza e moralità. Lei e suo marito sono responsabili della morte di Gatsby. Vivere in un mondo di lusso li ha privati ​​della colpa e della responsabilità. La grande tenerezza, l'amore, l'altruismo di Gatsby non erano capiti da Daisy, non poteva apprezzarli, così come tutti quelli che vivevano nel suo mondo. Ne Il grande Gatsby pensiero artistico Fitzgerald ha ricevuto l'espressione più completa. M. Cowley ha dichiarato: “Fitzgerald sentiva il suo legame di sangue con il tempo così acutamente come qualsiasi altro

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scrittore del suo tempo. Ha cercato con tutte le sue forze di preservare lo spirito dell'epoca, l'unicità di ciascuno dei suoi anni: parole, balli, canzoni popolari, nomi di idoli del calcio, abiti alla moda e sentimenti alla moda. Fin dall'inizio ha sentito che in lui si stava accumulando tutto ciò che è tipico della sua generazione: poteva guardarsi dentro e prevedere di cosa si sarebbero presto occupate le menti dei suoi contemporanei. È sempre rimasto grato all'età del jazz per quello che, nelle sue stesse parole, parlando di sé in terza persona, "questa età lo ha creato, lusingato e reso ricco semplicemente perché ha detto alla gente che pensa e sente allo stesso modo , come loro."

1. Shablovskaya, I.V. Storia letteratura straniera(XX secolo, prima metà) / I.V. Shablovskaya. - Minsk: ed. centro Ekonompress,

1998. - S. 285-323.

2. Letteratura straniera del Novecento: libro di testo. per le università / L.G. Andreev [e altri]; ed. L.G. Andreeva. - M.: Superiore. scuola: ed. Centro Accademia,

2000, pp. 356–373.

3. Letteratura straniera. XX secolo: libro di testo. per stallone. ped. università / N.P. Michalskaya [e altri]; sotto totale ed. NP Michalskaya. - M.: Otarda,

2003. - S. 214-252.

Corso di lezioni

Conferenza n. 14

teatro dell'assurdo

1. "Teatro dell'assurdo". Caratteristiche generali.

2. Peculiarità tecnica narrativa S. Beckett.

3. Caratteristiche della tecnica narrativa di E. Ionesco.

1. "Teatro dell'assurdo". caratteristiche generali

"Teatro dell'assurdo" è il nome generale della drammaturgia del periodo post-avanguardia degli anni '50 -'70. Questa peculiare esplosione è stata preparata gradualmente, era inevitabile, sebbene avesse in ogni Stato europeo, oltre ai prerequisiti generali e propri, nazionali. Generale è lo spirito di pacatezza, compiacenza piccolo-borghese e conformismo che regnava in Europa e negli Stati Uniti dopo la seconda guerra mondiale, quando il palcoscenico era dominato dalla quotidianità, dalla terrosità, che diventava una sorta di rigidità e silenzio del teatro durante il “decennio spaventato”.

Era ovvio che il teatro era sulla soglia di un nuovo periodo della sua esistenza, che erano necessari tali metodi e tecniche di rappresentazione del mondo e dell'uomo che avrebbero incontrato le nuove realtà della vita. Il teatro post-avanguardia è l'arte ufficiale più rumorosa e scandalosa, sfidante con la sua tecnica artistica scioccante, che spazza via completamente vecchie tradizioni e spettacoli. Il teatro, che ha assunto la missione di parlare dell'uomo in quanto tale, uomo universale, ma considerandolo come una specie di granello di sabbia nell'esistenza cosmica. I creatori di questo teatro sono partiti dall'idea di alienazione e infinita solitudine nel mondo.

Per la prima volta, il teatro dell'assurdo si è dichiarato in Francia mettendo in scena uno spettacolo E. Ionesco "Il cantante calvo"(1951). Nessuno allora immaginava che una nuova tendenza stesse emergendo nel dramma moderno. In un anno

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Il termine stesso "teatro dell'assurdo", che univa scrittori di varie generazioni, è stato accettato sia dallo spettatore che dal lettore. Tuttavia, gli stessi drammaturghi lo rifiutarono risolutamente. E. Ionesco ha detto: “Sarebbe più corretto chiamare la regia a cui appartengo un teatro paradossale, più precisamente, anche un “teatro paradossale”.

Il lavoro dei drammaturghi del teatro dell'assurdo era molto spesso, secondo T. Proskurnikova, “una risposta pessimistica ai fatti della realtà del dopoguerra e un riflesso delle sue contraddizioni che hanno influenzato coscienza pubblica seconda metà del nostro secolo. Ciò si è manifestato principalmente in un senso di confusione, o meglio, smarrimento, che ha attanagliato l'intellighenzia europea.

All'inizio, tutto ciò di cui parlavano i drammaturghi nelle loro commedie sembrava essere una sciocchezza presentata per immagini, una sorta di "sciocchezza insieme". Ionesco in una sua intervista afferma: “La vita non è paradossale, non è assurda dal punto di vista del buon senso medio? Il mondo, la vita è estremamente incoerente, contraddittoria, inspiegabile dallo stesso buon senso... Una persona molto spesso non capisce, non è in grado di spiegare con coscienza, anche con un senso dell'intera natura delle circostanze della realtà in cui vive. E quindi, non capisce la propria vita, se stesso.

La morte nelle commedie è un simbolo del destino di una persona, personifica persino l'assurdità. Pertanto, il mondo in cui vivono gli eroi del teatro dell'assurdo è il regno della morte. È insormontabile da qualsiasi sforzo umano e qualsiasi resistenza eroica perde il suo significato.

La sorprendente illogicità di ciò che sta accadendo, la deliberata incoerenza e la mancanza di motivazione esterna o interna per le azioni e il comportamento dei personaggi nelle opere di Beckett e Ionesco hanno creato l'impressione che gli attori fossero coinvolti nella performance, che non avevano mai recitato insieme prima e decisi a buttarsi giù a tutti i costi, ma allo stesso tempo a confondere lo spettatore. Gli spettatori scoraggiati a volte salutavano tali spettacoli con fischi e fischi. Ma ben presto la stampa parigina iniziò a parlare della nascita di un nuovo teatro, destinato a diventare la "scoperta del secolo".

Il periodo di massimo splendore del teatro dell'assurdo è passato da tempo ei problemi posti da S. Beckett ed E. Ionesco, la loro tecnica drammatica, rimangono attuali. L'interesse per il teatro dell'assurdo non solo non è svanito, ma, al contrario, è in costante crescita, anche in Russia, come dimostrano le produzioni dell'opera teatrale di S. Beckett "Aspettando Godot" al Teatro Bolshoi di San Pietroburgo (stagione 2000). Qual è il motivo del successo del teatro dell'assurdo, a lungo bandito nel nostro Paese? Non è paradossale che il teatro interessi,

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chi ha invitato il pubblico a conoscere una creatura che solo esteriormente somiglia a una persona, una creatura pietosa e umiliata, o, al contrario, compiaciuta dei suoi limiti e della sua ignoranza?

Nell'opera dei drammaturghi del teatro dell'assurdo si avverte l'approfondimento della tragica percezione della vita e del mondo nel suo insieme.

Le figure di questo teatro - S. Beckett, E. Ionesco, J. Genet, G. Pinter - scrivono, di regola, del tragico destino di una persona, della vita e della morte, ma vestono le loro tragedie sotto forma di farsa, buffoneria.

2. Caratteristiche della tecnica narrativa di S. Beckett

È in questo genere che è stata scritta la commedia di S. Beckett (1909–1989). "Aspettando Godot"(1953). Dopo l'esecuzione dell'opera, il nome del suo autore è diventato famoso in tutto il mondo. Questa commedia è la migliore incarnazione delle idee del teatro dell'assurdo.

La base del lavoro descrivono la tragica esperienza personale e pubblica dello scrittore, sopravvissuto agli orrori dell'occupazione fascista della Francia.

Posizione nel gioco- una strada di campagna abbandonata con un albero secco solitario. La strada incarna il simbolo del movimento, ma non c'è movimento, così come l'azione della trama. La statica della trama ha lo scopo di dimostrare il fatto dell'illogicità della vita.

Due figure sole e indifese, due creature perse in un mondo estraneo e ostile, Vladimir ed Estragon, stanno aspettando il signor Godot, un incontro con il quale dovrebbe risolvere tutti i loro problemi. Gli eroi non sanno chi sia e se può aiutarli. Non l'hanno mai visto e sono pronti a prendere qualsiasi passante per Godot. Ma lo aspettano ostinatamente, riempiendo l'infinito e il tedio dell'attesa con chiacchiere sul nulla, con azioni senza senso. Sono senzatetto e affamati: dividono a metà la rapa e molto lentamente, assaporandola, la mangiano. La paura e la disperazione della prospettiva di continuare a trascinare un'esistenza insopportabilmente miserabile più di una volta li porta a pensieri suicidi, ma l'unica corda è strappata e non ne hanno altra. Ogni mattina vengono al luogo d'incontro concordato e ogni sera se ne vanno a mani vuote. Questa è la trama dell'opera, composta da due atti.

Esteriormente, il secondo atto sembra ripetere il primo, ma questo è solo in apparenza. Anche se non è successo niente, ma allo stesso tempo molto è cambiato. “La disperazione si è intensificata. È passato un giorno o un anno, non lo so. Gli eroi sono invecchiati e alla fine si sono persi d'animo. Sono tutti nello stesso posto, sotto l'albero. Vladimir sta ancora aspettando Godot, o meglio, sta cercando di convincere il suo amico (e se stesso) di questo. Estragon ha perso ogni fiducia."

Gli eroi di Becket possono solo aspettare, niente di più. Questa è una paralisi completa. Ma questa aspettativa sta diventando sempre più insignificante,

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perché il falso messaggero (ragazzo) rimanda costantemente l'incontro con Godot a "domani", non avvicinando lo sfortunato all'obiettivo finale.

Beckett sostiene l'idea che non ci sia nulla al mondo di cui una persona possa essere sicura. Vladimir ed Estragon non sanno se si trovano davvero nel luogo stabilito, non sanno che giorno della settimana e dell'anno sia. L'incapacità di capire e comprendere vita circostanteè evidente almeno nel secondo atto, quando gli eroi, giunti il ​​giorno dopo, non riconoscono il luogo dove il giorno prima avevano atteso Godot. Estragon non riconosce le sue scarpe e Vladimir non è in grado di dimostrargli nulla. Non solo i personaggi, ma insieme a loro gli spettatori iniziano involontariamente a dubitare, sebbene il luogo dell'attesa sia sempre lo stesso. Niente nella commedia può essere detto con certezza, tutto è instabile e indefinito. Un ragazzo corre due volte da Vladimir ed Estragon con un ordine di Godot, ma la seconda volta il ragazzo dice loro che non è mai stato qui prima e vede gli eroi per la prima volta.

Nella commedia, sorge ripetutamente una conversazione secondo cui le scarpe di Estragon sono premute, sebbene siano consumate e piene di buchi. Li indossa costantemente e li toglie di nuovo con grande difficoltà. L'autore, per così dire, ci dice: anche tu per tutta la vita non puoi liberarti dalle catene che ti privano del movimento. Gli episodi con le scarpe introducono nello spettacolo gli elementi di un inizio comico e farsesco, queste sono le cosiddette "immagini di base" (Koreneva M.), prese in prestito da Beckett dalla tradizione della "cultura di base", in particolare la sala musicale e clownerie da circo. Ma allo stesso tempo, Beckett traduce la tecnica farsesca in un piano metafisico, e le scarpe diventano un simbolo dell'incubo dell'essere.

I trucchi da clown sono sparsi in tutto il lavoro: ecco, ad esempio, la scena in cui l'affamato Dragoncello rosicchia avidamente le ossa di pollo che il ricco Pozzo, il servitore di Pozzo, Lucky, gli lancia, osserva con desiderio come viene distrutta la sua cena. Queste tecniche sono presenti nei dialoghi e nei discorsi dei personaggi: quando hanno messo un cappello a Lucky, lui ha emesso un flusso verbale completamente incoerente, gli hanno tolto il cappello - il flusso si è immediatamente prosciugato. I dialoghi dei personaggi sono spesso illogici e si costruiscono sul principio che ogni parlante parli del suo, non ascoltandosi; a volte Vladimir ed Estragon stessi si sentono come se fossero a uno spettacolo da circo:

Vl.: Serata meravigliosa. Estr.: Indimenticabile. Vl.: E non è ancora finita. Ester: A quanto pare no.

Vl.: È appena iniziato. Esther: È terribile.

Vl.: Siamo decisamente nello show. Estr.: Nel circo.

Vl.: Nella sala della musica.

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Estr.: Nel circo.

L'incessante gioco di parole e frasi riempie il vuoto di un'attesa insopportabile; un tale gioco di parole è l'unico filo che separa gli eroi dalla non esistenza. Questo è tutto ciò che possono fare. Davanti a noi c'è una completa paralisi del pensiero.

Basso e alto, tragico e comico sono presenti nell'opera in un'unità e determinazione inseparabili natura di genere lavori.

Chi è Godot? Dio (Dio?) Morte (Tod?) Ci sono molte interpretazioni, ma una cosa è chiara: Godot è una figura simbolica, è completamente priva di calore umano e speranza, è eterea. Cosa sta aspettando Godot? Forse da solo vita umana che è diventata in questo mondo nient'altro che l'attesa della morte? Che Godot arrivi o no, non cambierà nulla, la vita rimarrà un inferno.

Il mondo nella tragedia di Beckett è un mondo in cui "Dio è morto" e "i cieli sono deserti", e quindi le aspettative sono futili.

Vladimir ed Estragon sono eterni viaggiatori, "l'intera razza umana", e la strada lungo la quale vagano è la strada dell'esistenza umana, i cui punti sono tutti condizionali e accidentali. Come già accennato, nel dramma non c'è movimento in quanto tale, c'è solo movimento nel tempo: durante il tempo tra il primo e il secondo atto, le foglie sbocciavano sugli alberi. Ma questo fatto non contiene nulla di concreto - solo un'indicazione del flusso del tempo, che non ha né inizio né fine, così come non ce ne sono nel dramma, dove il finale è del tutto adeguato e intercambiabile con l'inizio. Il tempo qui è solo “invecchiare”, o altrimenti, alla maniera di Faulkner: “la vita non è un movimento, ma una ripetizione monotona degli stessi movimenti. Da qui la fine della commedia:

VL: Allora, ci siamo.

Ester: Andiamo.

Nota: non si muovono.

I creatori della drammaturgia dell'assurdo hanno scelto il grottesco come mezzo principale per rivelare il mondo e l'uomo, una tecnica che è diventata dominante non solo nel dramma, ma anche nella prosa della seconda metà del XX secolo, come testimonia il dichiarazione del drammaturgo e scrittore di prosa svizzero F. Dürrenmatt: “Il nostro mondo è arrivato al grottesco, così come alla bomba atomica, proprio come sono grottesche le immagini apocalittiche di Hieronymus Bosch. Il grottesco è solo un'espressione sensuale, un paradosso sensuale, una forma per qualcosa di informe, il volto di un mondo privo di qualsiasi volto.

Nel 1969, il lavoro di S. Beckett è stato insignito del Premio Nobel.

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3. Caratteristiche della tecnica narrativa di E. Ionesco

Ionesco Eugene (1912-1994) - uno dei creatori dell '"antidramma" e

in Francia, fino all'età di 11 anni visse nel villaggio francese di La Chapelle Antenez, poi a Parigi. In seguito ha affermato che le impressioni infantili della vita del villaggio si riflettevano in gran parte nel suo lavoro come ricordi di un paradiso perduto. All'età di 13 anni è tornato in Romania, a Bucarest, e vi ha vissuto fino all'età di 26 anni. Nel 1938 tornò a Parigi, dove visse per il resto della sua vita.

Quindi, nell'opera di Ionesco, il sistema filosofico e visioni estetiche il teatro dell'assurdo ha trovato la sua espressione più compiuta. Il compito del teatro, secondo Ionesco, è quello di dare un'espressione grottesca all'assurdità vita moderna e l'uomo moderno. Il drammaturgo considera la credibilità il nemico mortale del teatro. Propone di creare una sorta di nuova realtà, in equilibrio sull'orlo del reale e dell'irreale, e considera il linguaggio il mezzo principale per raggiungere questo obiettivo. Il linguaggio non può mai esprimere il pensiero.

Il linguaggio nelle commedie di Ionesco non solo non svolge la funzione di comunicazione, comunicazione tra le persone, ma, al contrario, esacerba la loro disunione e solitudine. Davanti a noi c'è solo l'apparenza di un dialogo fatto di cliché di giornale, frasi di un tutorial lingua straniera, o anche frammenti di parole e frasi bloccati accidentalmente nel subconscio. I personaggi di Ionesco sono inarticolati non solo nel discorso, ma anche nel pensiero stesso. I suoi personaggi hanno poca somiglianza persone normali, questi sono piuttosto robot con un meccanismo danneggiato.

Ionesco ha spiegato la sua dipendenza dal genere commedia dal fatto che è la commedia che esprime più pienamente l'assurdità e la disperazione dell'essere. Questa è la sua prima commedia. "Cantante calvo" (1951), anche se non c'è traccia di alcun cantante in esso. Il motivo per scriverlo è stata la conoscenza di Ionesco del manuale di autoistruzione in lingua inglese, le cui frasi ridicole e banali sono diventate la base del testo dell'opera.

Ha un sottotitolo: "anti-gioco". Non c'è nulla del dramma tradizionale nell'opera. La coppia Marten viene a visitare gli Smith e durante l'azione c'è uno scambio di osservazioni prive di significato. Non ci sono eventi o sviluppo nel gioco. Cambia solo la lingua: alla fine dell'opera si trasforma in sillabe e suoni inarticolati.

L'automatismo del linguaggio è il tema principale dell'opera The Bald Singer. Espone il conformismo filisteo dell'uomo moderno,

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vita idee già pronte e slogan, il suo dogmatismo, la sua mentalità ristretta, l'aggressività - tratti che poi lo trasformeranno in un rinoceronte.

Nella tragedia "Chairs" (1952) viene mostrato tragico destino due vecchi, poveri e soli, che vivono ai margini del mondo reale e di quello illusorio. Il vecchio psicopatico immaginava di essere una specie di messia. Ha invitato gli ospiti a raccontarglielo, ma non sono mai venuti. Poi gli anziani recitano una scena di ricevimento in cui l'irreale, personaggi di fantasia sono più reali delle persone reali. Alla fine, il vecchio pronuncia un discorso preparato, e abbiamo di nuovo un flusso verbale assurdo: il trucco preferito di Ionesco:

Vecchia: Hai chiamato le sentinelle? Vescovi? Chimici? Kochegarov? Violinisti? Delegati? Sedie? Poliziotti? Kuptsov? Portafogli? Cromosomi?

Vecchio: Sì, sì, e funzionari postali, locandieri e artisti ...

Vecchia: E i banchieri? Vecchio: Invitato.

Vecchia: E gli operai? Funzionari? Militaristi? Rivoluzionari? Reazionari? Psichiatri e psicologi?

E ancora, il dialogo è costruito come una sorta di montaggio di parole, frasi, dove il significato non gioca un ruolo. Gli anziani si suicidano, confidando che l'oratore dica la verità per loro, ma l'oratore risulta essere sordo e muto.

La commedia "Rhinos" (1959) è un'allegoria universale della società umana, dove la trasformazione delle persone in animali è mostrata come una naturale conseguenza dei fondamenti sociali e morali (simile a quanto accade nel racconto "Trasformazione" di F. Kafka).

Rispetto alle opere precedenti, questa commedia si arricchisce di nuovi motivi. Avendo conservato alcuni elementi della sua precedente poetica, Ionesco raffigura un mondo afflitto da una malattia spirituale - la "rinite", e per la prima volta introduce un eroe capace di resistere attivamente a questo processo.

La scena dell'azione nella commedia è una piccola città di provincia, i cui abitanti sono colti da una terribile malattia: si trasformano in rinoceronti. Il protagonista di Beranger si trova di fronte a una "dispersione" generale, con il rifiuto volontario delle persone dalla forma umana. In contrasto con le sue precedenti affermazioni secondo cui l'opera non dovrebbe essere basata sulla realtà reale, il drammaturgo crea in Rhinos una satira sul regime totalitario. Disegna l'universalità della malattia che ha attanagliato le persone. l'unica persona, che ha mantenuto il suo aspetto umano, rimane Berenger.

I primi lettori e spettatori hanno visto nello spettacolo principalmente un'opera antifascista e la malattia stessa è stata paragonata a quella nazista.

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peste (e ancora un'analogia - con la "Peste" di A. Camus). In seguito, l'autore stesso ha spiegato così l'idea della sua opera teatrale: "Rhinos" è senza dubbio un'opera antinazista, ma prima di tutto è un'opera contro l'isteria collettiva e le epidemie, che si nasconde sotto le spoglie della ragione e delle idee, ma non diventando malattie collettive meno gravi che giustificano varie ideologie”.

L'eroe di Beranger è un perdente e un idealista, un uomo "non di questo mondo". Disprezza tutto ciò che i suoi concittadini onorano e che considerano un indicatore del "prezzo" di una persona: pedanteria, accuratezza, una carriera di successo, un unico modo di pensare, vivere, gusti e desideri. Ionesco di nuovo fa scendere sullo spettatore un flusso di verità comuni e frasi vuote, ma questa volta le persone stanno cercando di nascondere dietro di sé i propri limiti e il proprio vuoto.

Beranger ha un antipodo nel dramma. Questo è Jean, soddisfatto di sé, profondamente convinto della sua infallibilità e correttezza. Insegna all'eroe la mente e si offre di seguirlo. Di fronte a Beranger si trasforma in un rinoceronte, prima aveva i presupposti per diventare una bestia, ora si sono avverati. Al momento della trasformazione di Jean, ha luogo una conversazione tra lui e Berenger, che rivela l'essenza misantropica di questo rispettabile abitante ("Che non si mettano sulla mia strada", esclama, "o li schiaccerò!"). Chiede la distruzione della civiltà umana e al suo posto l'introduzione delle leggi del branco di rinoceronti.

Jean quasi uccide Béranger. Tom deve nascondersi in casa sua. Intorno a lui ci sono rinoceronti o persone pronte a trasformarsi in loro. Ex amici anche l'eroe si unisce ai ranghi dei rinoceronti. L'ultimo, il più schiacciante, colpo per lui viene inferto dalla sua amata Desi.

La standardizzazione e l'assenza di volto hanno reso possibile la trasformazione rapida e indolore delle persone intorno a lui in animali.. Il pensiero del gregge, lo stile di vita e il comportamento hanno preparato il passaggio dal gregge umano al gregge animale.

Ionesco presta molta attenzione alla rappresentazione della tragedia personale dell'eroe, che perde non solo gli amici, ma anche la sua ragazza. La scena dell'addio di Beranger a Desi è scritta dall'autore con grande lirismo. Trasmette la sensazione di un eroe che non riesce a trattenere la creatura più preziosa. È disperato, lasciato completamente solo, disperato dall'impossibilità di diventare come tutti gli altri. Il monologo interiore di Beranger lascia un'impressione deprimente del tragico paradosso di un mondo in cui una persona sogna di rinunciare a se stessa per non essere sola. Esternamente rimane un uomo, ma interiormente è calpestato da un possente branco di rinoceronti.

Soggetto : E.Ionesco. La commedia "Rhinos" come dramma dell'assurdo. "Onosporosis" - un fenomeno spersonalizzazione di massa società.

Bersaglio : approfondire ed ampliare la conoscenza degli studenti sulla diversità della letteratura mondiale del XX secolo; conoscere la vita e l'opera del drammaturgo francese E. Ionesco; continuare a formare e approfondire il concetto di "teatro dell'assurdo" sull'esempio della commedia "Rhinos"; scoprire significato simbolico la trama del dramma, per aiutare gli studenti a vederne l'attualità e la modernità; coltivare il desiderio di preservare l'individualità, il rispetto della persona come valore più alto.

Attrezzatura : presentazione, proiettore, Dizionario, testi dell'opera teatrale, un ritratto dello scrittore, schede per il lavoro in coppia, un frammento del film "Rhinoceros: Made to last", fogli di feedback.

Tipo di lezione : lezione

Risultati educativi previsti:

Soggetto:

A livello di base - dovrebbe conoscere la definizione di "teatro dell'assurdo", il contenuto della commedia "Rhinos"; essere in grado di analizzare e commentare episodi con l'espressione della propria valutazione.

A livello produttivo – deve essere in grado di utilizzare le conoscenze acquisite per formulare i problemi sollevati dall'autore nel dramma, per argomentare e dimostrare in modo convincente la propria opinione.

Personale: dovrebbe trovare la connessione di un'opera letteraria con la storia e la propria esperienza di vita giudicare adeguatamente le ragioni del loro successo/insuccesso nel lavoro durante la lezione, mostrare un atteggiamento positivo nei confronti attività didattiche, per esprimere le proprie opinioni sull'argomento della lezione e sul contenuto dell'opera.

Metasoggetto:

cognitivo - educazione generale : deve formulare domande e risposte sull'argomento oggetto di studio; ascolta attentamente, costruisci dichiarazioni vocali;

rompicapo : mostrare il pensiero indipendente, la capacità di analizzare, generalizzare, trarre conclusioni sui problemi del dramma;

normativo - doverepercepire e comprendere correttamente il compito educativo, pianificare le proprie azioni in conformità con esso, esercitare il controllo reciproco, valutare adeguatamente le proprie attività e le attività dei compagni di classe nella lezione;

comunicativo – dovrebbe essere in grado di interagire in modo costruttivo nel lavoro di coppia, imparare ad ascoltarsi e capirsi, percepire adeguatamente lodi e commenti.

Sono stupito dal successo di questa commedia. Le persone lo capiscono nel modo giusto? Vi riconoscono il mostruoso fenomeno della massificazione...? E, soprattutto, sono tutti individui con un'anima, uno e solo?

E.Ionesco

Durante le lezioni.

1. Momento organizzativo

Saluto, creazione di uno stato d'animo emotivo positivo (compilazione di schede di autovalutazione e feedback)

2. Immergiti nell'argomento

Prima di passare all'argomento della nostra lezione, suggerisco di guardare alcuni fotogrammi del film su uno degli animali più belli che vivono sulla terra. Hanno un aspetto molto bello, un tono della pelle piacevole, voci gentili.

Guardando un frammento del film "Rhinoceros: fatto per durare".

3. Motivazione per le attività di apprendimento

È questo l'animale che hai immaginato? (...) Ma gli eroi dell'opera che considereremo oggi pensavano proprio questo.

Non è un caso che abbiamo iniziato il nostro lavoro con un frammento di un film sui rinoceronti. Questo film ci aiuterà a vedere la direzione di tutto il nostro lavoro. Allora perché i rinoceronti? (Perché è così che si chiama la commedia: "Rinoceronte")

Qual è l'atteggiamento degli eroi della commedia nei confronti dei rinoceronti? (ammirano, li chiamano belli, loro stessi vogliono diventare rinoceronti).

Questo desiderio non è assurdo dal punto di vista di una persona pensante? Cosa dice Ionesco della sua commedia? (opera con epigrafe)

domanda problematica

Se vivessi in questa città, sarei un rinoceronte? (annotazione del taccuino)

4. Formulazione dell'argomento della lezione

Formuliamo la prima parte del nostro argomento:E.Ionesco. La commedia "Rhinos" come dramma dell'assurdo.

Leggi la seconda parte del nostro argomento. Qual è la spersonalizzazione di massa della società, come viene chiamato questo processo nella commedia? ("Onorosporation") Come suonerà la seconda parte del nostro tema?"Onosozhivanie" - un fenomeno di spersonalizzazione di massa della società.

4. Definizione degli obiettivi

Definiamo ciascuno per sé gli obiettivi della lezione e scriviamoli sul foglio di feedback (imparare, imparare, capire, ricordare ). Nella tua voce, usa le parole "teatro dell'assurdo", "massiccia spersonalizzazione", "fiutare".

(obiettivi di scrittura e lettura)

5. Lavora sull'argomento della lezione

Chi è Eugenio Ionesco? Ascoltiamo i nostri "biografi".

( Prestazioni degli studenti )

Eugene Ionesco è un drammaturgo francese di origine rumena, scrittore, pensatore, classico dell'avanguardia teatrale. Nato nel 1909 in Romania. Pochi anni dopo, i suoi genitori si trasferirono in Francia, prima nel villaggio di La Chapelle-Anthenaise e poi a Parigi. Nel 1922 Ionesco tornò in Romania, dove iniziò a scrivere le sue prime poesie in rumeno e francese. Entrando all'università di Bucarest, studia francese e letteratura, e dal 1929 iniziò ad insegnare. Nello stesso anno si trasferisce a Parigi. Nel 1938 ha difeso la sua tesi di dottorato alla Sorbona. Nel 1970 è diventato membro dell'Accademia francese delle scienze. In Francia, Ionesco visse fino alla fine dei suoi giorni, creando molte opere teatrali, opere in prosa e memorie biografiche. I più famosi sono il suo romanzo The Lonely One, le commedie The Bald Singer, The Lesson e, naturalmente, The Rhinos.

Eugene Ionesco è entrato nella letteratura mondiale come teorico e praticante del "teatro dell'assurdo". Quali opere iniziarono a chiamarsi così, quali segni hanno le commedie del "teatro dell'assurdo"? Ascoltiamo i nostri critici letterari.

( Prestazioni degli studenti )

Il termine teatro dell'assurdo è stato coniato da Martin Esslin nel 1962. È così che iniziarono a essere chiamate opere teatrali con una trama illogica e insensata, presentando allo spettatore una combinazione di incompatibilità, promuovendo la non sistematicità, la negazione degli ideali estetici, distruggendo i canoni teatrali. Il teatro dell'assurdo sfidato tradizioni culturali, ordine politico e sociale. Gli eventi delle commedie dell'assurdo sono lontani dalla realtà, i personaggi e la realtà circostante manifestano l'incredibile e l'inimmaginabile. È difficile determinare il luogo e l'ora, l'ordine e la logica dell'azione potrebbero non essere rispettati. Gli autori creano immagini ridicole, spaventose, sorprendenti, a volte divertenti con la loro incongruenza. Il teatro dell'assurdo è un'irrazionalità che sfida la spiegazione e la logica.

Usando il testo di questo discorso, scrivi la definizione del teatro dell'assurdo in una frase(lavoro in coppia)

È possibile chiamare il dramma "Rhinoceros" un dramma dell'assurdo? Argomenta la tua opinione (trama fantastica, trasformare le persone in rinoceronti, ragioni incomprensibili e inspiegabili per l'azione)

Il dramma di Ionesco è uno di commedie più interessanti letteratura mondiale contemporanea. Scritto nel 1959, rifletteva il più complesso problemi sociali tempo: il fenomeno della spersonalizzazione di massa, lo scontro della personalità e dell'individualità con l'ideologia del collettivismo, che uccide questa individualità. Di cosa parla questa commedia?

(Lo spettacolo è composto da tre atti. Una breve storia sul contenuto di ogni atto)

Caratteristiche dei personaggi principali - Berenger e Jean (aspetto, età, occupazione, tratti caratteriali). Chi fa un'impressione favorevole e chi perde in confronto? Quale degli amici si trasforma in un rinoceronte, come succede? Quali tratti caratteriali si manifestano in Jean? (Lavorare con il testo, lettura espressiva dialoghi (d.1 scena in un caffè, d.2 trasformazione di Jean))

Lavoro in coppia. Compilando la tabella. Argomentazione del testo.

Ognuno trasformato in un rinoceronte aveva le sue ragioni per "rinoceronte". Definiamoli (distribuzione)

Perché solo Beranger ha saputo resistere all'epidemia della "rinoplastica"? (conclusione: ha apprezzato la sua individualità e natura umana)

Qual è il culmine della commedia? (Il suo finale) Perché Ionesco lascia aperto il finale: non vediamo Beranger combattere, non sappiamo se ne uscirà vittorioso? (è importante mostrare non la lotta contro l'ideologia, ma gli "strumenti" per influenzare ogni persona al fine di spersonalizzarla: suscitare interesse, propaganda, desiderio di essere come tutti gli altri, paura della solitudine e della diversità, cambiamento morale e sociale valori,graduale modifica).

La storia della sua scrittura ci aiuterà a comprendere appieno l'intera profondità di questa commedia. Ascoltiamo il discorso dei nostri "storici".

(Esibizione degli studenti)

E. Ionesco ha notato che l'impulso per scrivere la commedia sono state le impressioni Scrittore francese Denis de Rougemont. Era a una manifestazione nazista guidata da Hitler a Norimberga nel 1936. Questa folla, secondo lo scrittore, è stata gradualmente catturata da una sorta di isteria. Da lontano, la gente in mezzo alla folla gridava il nome di Hitler come un matto. Mentre si avvicinava, crebbe un'ondata di questa isteria, che catturò sempre più persone.

Inoltre, c'era un episodio della vita dell'autore stesso. Ha assistito all'isteria di massa allo stadio della città durante il discorso di Hitler e quasi l'ha subita lui stesso. Ciò che ha visto ha fatto riflettere il drammaturgo. Dopotutto, non tutte queste persone erano naziste, molte erano semplicemente influenzate dalla folla. Secondo lo stesso Ionesco, come testimone della nascita del fascismo in Romania negli anni '30, ha cercato davvero di descrivere questo processo.

In quale episodio della commedia Ionesco ha espresso le sue impressioni su ciò che ha visto? Argomenta la tua opinione (monologo finale di Beranger). Cos'è il "fiutare"? Perché Rhinos può essere definita una commedia antinazista?

6. Riassunto della lezione

Riflessione

Ripetiamo i passaggi della lezione e ricordiamo cosa e perché abbiamo fatto.

(abbiamo conosciuto la biografia di E. Ionesco, trovato segni del dramma dell'assurdo nella commedia, studiato il testo, scoperto le ragioni della "rinoceronte")

Torniamo al nostro problema problematico. Cosa ti ha aiutato a scoprire?

Come valuteresti il ​​tuo lavoro? E quale dei tuoi compagni di classe potresti elogiare? Torna ai tuoi fogli di autovalutazione e dimmi se sei riuscito a raggiungere gli obiettivi che ti sei prefissato all'inizio della lezione?

Compiti a casa

1) Scrivi sui tuoi quaderni una mini-argomentazione sul fatto che il dramma "Rhinoceros" possa essere considerato moderno.

2) Eugene Ionesco ha detto: "Il teatro dell'assurdo vivrà per sempre". Sei d'accordo con la sua previsione? Scrivi un breve saggio a riguardo.

Istituto scolastico di bilancio comunale

Scuola media di Batalna

E.Ionesco. Il gioco "Rinoceronti"

come un dramma dell'assurdo. "Onosporosis" - un fenomeno

spersonalizzazione di massa

società

Lezione di letteratura aperta al grado 11

Insegnante:Chernaya Evgenia Viktorovna

Anno accademico 2014 – 2015

Tavola analitica