Sviluppo e formazione del teatro dell'assurdo. Capitolo otto
Guardando attraverso le performance di alcuni drammaturghi, ad esempio Eugene Ionesco, ci si può imbattere in un fenomeno nel mondo dell'arte come il teatro dell'assurdo. Per capire cosa ha contribuito all'emergere di questa direzione, è necessario rivolgersi alla storia degli anni '50 del secolo scorso.
Cos'è il teatro dell'assurdo (dramma dell'assurdo)
Negli anni '50 apparvero per la prima volta produzioni la cui trama sembrava assolutamente priva di significato per il pubblico. L'opera principale era l'alienazione dell'uomo dall'ambiente sociale e fisico. Inoltre, durante l'azione sul palco, gli attori sono riusciti a combinare concetti incompatibili.
Le nuove commedie hanno distrutto tutte le leggi del dramma e non hanno riconosciuto alcuna autorità. Quindi tutti sono stati sfidati tradizioni culturali. Questo nuovo fenomeno teatrale, che in una certa misura negava il sistema politico e sociale esistente, era il teatro dell'assurdo. fu utilizzato per la prima volta dal critico teatrale Martin Esslin solo nel 1962. Ma alcuni drammaturghi non erano d'accordo con questo termine. Ad esempio, Eugene Ionesco ha proposto di chiamare il nuovo fenomeno "il teatro della beffa".
Storia e fonti
Diversi autori francesi e uno irlandese erano all'origine della nuova direzione. Eugene Ionesco è riuscito a conquistare la massima popolarità tra il pubblico e anche Arthur Adamov ha dato il suo contributo allo sviluppo del genere.
L'idea del teatro dell'assurdo è venuta per la prima volta a E. Ionesco. Il drammaturgo ha cercato di imparare l'inglese usando un libro di testo per l'autoapprendimento. Fu allora che attirò l'attenzione sul fatto che molti dei dialoghi e delle battute nel libro di testo sono completamente incoerenti. Ha visto che nelle parole ordinarie c'è molta assurdità, che spesso trasforma anche quelle intelligenti in parole completamente prive di significato.
Tuttavia, affermare che solo pochi drammaturghi francesi furono coinvolti nell'emergere di una nuova direzione non sarebbe del tutto onesto. Dopotutto, gli esistenzialisti parlavano dell'assurdità dell'esistenza umana. Per la prima volta, questo tema è stato completamente sviluppato da A. Camus, il cui lavoro è stato influenzato in modo significativo anche da F. Dostoevskij. Furono però E. Ionesco e S. Beckett a designare e portare in scena il teatro dell'assurdo.
Caratteristiche del nuovo teatro
Come già accennato, la nuova direzione nell'arte teatrale ha negato la drammaturgia classica. Le sue caratteristiche comuni sono:
Elementi fantastici che coesistono con la realtà nel gioco;
L'emergere di generi misti: tragicommedia, melodramma comico, farsa tragica - che hanno cominciato a sostituire quelli "puri";
Uso in produzioni di elementi tipici di altri tipi di arte (coro, pantomima, musical);
In contrasto con la tradizionale azione dinamica sul palcoscenico, come era precedentemente nelle produzioni classiche, nella nuova direzione prevale la staticità;
Uno dei principali cambiamenti che caratterizza il teatro dell'assurdo è il discorso dei personaggi delle nuove produzioni: sembra che comunichino tra loro, perché i partner non ascoltano e non rispondono ai reciproci commenti, ma semplicemente pronunciano le loro monologhi nel vuoto.
Tipi di assurdità
Il fatto che la nuova direzione nel teatro abbia avuto diversi fondatori contemporaneamente spiega la divisione dell'assurdità in tipi:
1. Assurdità nichilista. Queste sono le opere dei già noti E. Ionescu e Hildesheimer. Le loro commedie si distinguono per il fatto che il pubblico non riesce a comprendere il sottotesto del gioco durante l'intera performance.
2. Il secondo tipo di assurdità riflette il caos universale e, come una delle sue parti principali, l'uomo. In questo senso sono state create le opere di S. Beckett e A. Adamov, che hanno cercato di sottolineare la mancanza di armonia in vita umana.
3. Assurdità satirica. Come risulta chiaro dal nome stesso, i rappresentanti di questa tendenza Dürrenmatt, Grass, Frisch e Havel hanno cercato di ridicolizzare l'assurdità del loro ordine sociale contemporaneo e delle aspirazioni umane.
Opere chiave del teatro dell'assurdo
Cos'è il teatro dell'assurdo, il pubblico ha appreso dopo che si è svolta a Parigi la prima di "The Bald Singer" di E. Ionesco e "Waiting for Godot" di S. Beckett.
Una caratteristica della produzione di "The Bald Singer" è quella che avrebbe dovuto essere personaggio principale, non appare mai sul palco. Ci sono solo due coppie sposate in scena, le cui azioni sono assolutamente statiche. Il loro discorso è incoerente e pieno di cliché, che riflette ulteriormente l'immagine dell'assurdità del mondo che li circonda. Tali osservazioni incoerenti, ma assolutamente tipiche, vengono ripetute dai personaggi più e più volte. Il linguaggio, che per sua stessa natura è progettato per facilitare la comunicazione, nel dramma si mette solo di mezzo.
Nella commedia di Beckett Aspettando Godot, due personaggi completamente inattivi aspettano costantemente un certo Godot. Non solo questo personaggio non appare mai durante l'intera azione, inoltre, nessuno lo conosce. È interessante notare che il nome di questo eroe sconosciuto è associato a parola inglese Dio, cioè "Dio". Gli eroi ricordano frammenti incoerenti delle loro vite, inoltre, non sono lasciati con un sentimento di paura e incertezza, perché semplicemente non c'è modo di agire che possa proteggere una persona.
Così, il teatro dell'assurdo dimostra che il significato dell'esistenza umana può essere trovato solo nella consapevolezza che non ha significato.
Presupposti storici per l'emergere del dramma dell'assurdo. Il concetto di "Teatro dell'Assurdo"
L'origine del genere assurdo in Gran Bretagna è avvenuta principalmente nella seconda metà del XX secolo e ha avuto un certo contesto socioculturale e storico.
Nonostante gli effetti devastanti della seconda guerra mondiale, la seconda metà del XX secolo si trasformò in un periodo di pacifica prosperità. Il Regno Unito si trova faccia a faccia con la globalizzazione e le esigenze società postindustriale. In questa sezione considereremo i prerequisiti storici e sociali per l'emergere di questo genere. giocare a un assurdo stoppard linguistico
Per quanto riguarda i cambiamenti nella vita sociale e quotidiana delle persone, possiamo identificare i seguenti presupposti:
- 1) "Società dei consumatori". La ricostruzione del dopoguerra portò l'economia alla piena ripresa. Questo fu l'inizio simbolico dell'era della "società dei consumi". Società dove alto livello salari e una grande quantità di tempo libero fornivano uno standard di vita che il paese non aveva ancora conosciuto.
- 2) Istruzione. Uno dei fattori importanti della prosperità è stato l'incredibile aumento del livello di istruzione dell'intera popolazione. Accesso a istruzione superiore fornito più studenti e, di conseguenza, un aumento del numero di specialisti con istruzione superiore.
- 3) Cultura giovanile . Il conservatorismo insito nella prima metà del XX secolo ha lasciato il posto alla tolleranza nei confronti delle differenze sociali, religiose ed etniche. Origine cultura giovanileè avvenuto sullo sfondo della negazione da parte dei giovani di rigidi principi morali, l'emergere della libertà di pensiero e di azione. La gente voleva proprio una società del genere, composta da individui liberi con opinioni indipendenti, che scegliessero uno stile di vita lontano da quello a cui sono abituate le masse.
- 4) Flussi migratori . L'ambiente del dopoguerra ha provocato l'immigrazione di centinaia di migliaia di irlandesi, indiani e pakistani, che hanno svolto un ruolo speciale nella ricostruzione, sebbene siano stati accolti con un livello di ostilità senza precedenti da parte degli inglesi. Fu necessario creare leggi speciali, una delle quali fu il Race Relations Act (1976), che fu di grande aiuto nella risoluzione dei conflitti etnici. Nonostante alcuni pregiudizi razziali esistano ancora oggi, nella seconda metà del XX secolo è stato compiuto un grande passo verso l'instillazione del rispetto e della tolleranza nei confronti dei rappresentanti di vari gruppi etnici. (Brodey & Malgaretti, 2003: 251-253)
In termini economici, la pressione sociale e la disoccupazione regnavano ovunque. Mentre la prosperità si diffondeva in tutta Europa, un numero enorme di lavoratori e le loro famiglie incontrarono una crisi a causa della perdita di posti di lavoro. La chiusura di miniere, automobili e impianti metallurgici ha portato alla disoccupazione e ai disordini sociali negli anni '70 e '80 del XX secolo.
Ad esempio, nel 1984 ebbe luogo il più grande sciopero dei minatori nella storia della Gran Bretagna. Margaret Thatcher ha incontrato una feroce resistenza da parte dei lavoratori quando ha cercato di chiudere le miniere di carbone. Tuttavia, questo era solo l'inizio. Gli anni del governo Thatcher furono contrassegnati da molti casi simili (scioperi dei ferrovieri, rappresentanti dei servizi pubblici, ecc.)
Tutti i fattori di cui sopra, ovviamente, non potevano che influenzare aspetto culturale vita umana. Erano necessarie nuove forme di espressione della realtà, nuovi modi di trasmettere alle persone la filosofia e la complessità della vita. In risposta a questa esigenza, molti generi contemporanei cultura, letteratura, una delle quali era il teatro dell'assurdo.
In letteratura, dal 1960 la Gran Bretagna è stata travolta da un'ondata di pubblicazioni di nuove opere. Molti di loro sono stati scritti solo per quantità, molti sono sopravvissuti fino ad oggi come esempi di letteratura di qualità. Tuttavia, letteratura contemporaneaè piuttosto difficile da classificare, perché, nonostante tutte le differenze tra generi e opere, sono tutte progettate per mostrare il caleidoscopio dell'esistenza moderna. L'arte postmoderna si è diffusa in molte aree della vita umana, tuttavia, una cosa è chiara: la letteratura britannica ha aperto nuovi orizzonti ai lettori. vita moderna, esprimendolo, a volte, in forme non del tutto familiari al lettore. (Brodey, Malgaretti 2003)
Mentre la prosa e la poesia si allontanavano dai nuovi canoni del XX secolo, il teatro li studiava e li utilizzava. L'arte teatrale tradizionale descriveva le aspirazioni ei desideri della classe alta della società britannica, escludendo ogni tipo di sperimentazione, sia con il linguaggio che con il processo produttivo. Tuttavia, allo stesso tempo, l'Europa è stata completamente assorbita dal rifiuto della tradizione a favore della novità e della concettualità, incarnando sul palco le opere di Eugène Ionesco.
Le commedie di E. Ionesco erano chiamate assurde, perché la trama ei dialoghi erano molto difficili da capire, rivelando la loro illogicità. Gli assurdisti hanno avuto la completa libertà di usare la lingua, giocando con essa, coinvolgendo lo spettatore nella performance stessa. Non c'erano distrazioni inutili sotto forma di scenografia, lo spettatore era completamente assorbito da ciò che stava accadendo sul palco. Anche la logica dei dialoghi è stata percepita come un fattore di distrazione dalla comprensione del significato e dell'idea dell'opera.
Il genere dell'assurdo è apparso a metà del ventesimo secolo in Europa occidentale come uno dei generi della drammaturgia. Il mondo nelle commedie di questo genere è presentato come un mucchio di fatti, parole, azioni, pensieri, privi di qualsiasi significato.
Il termine "teatro dell'assurdo" fu usato per la prima volta dal famoso critico teatrale Martin Esslin, che vide in alcune opere l'incarnazione dell'idea dell'insensatezza della vita, in quanto tale.
Questa direzione artistica è stata ferocemente criticata, ma, tuttavia, ha guadagnato una popolarità senza precedenti dopo la seconda guerra mondiale, che ha solo sottolineato l'incertezza e l'instabilità della vita umana. Inoltre, anche il termine stesso è stato criticato. Ci sono stati persino tentativi di ridefinirlo come anti-teatro.
In pratica, il teatro dell'assurdo mette in discussione il realismo dell'essere, delle persone, delle situazioni, dei pensieri, e tutti i soliti classici tecniche teatrali. Le relazioni causali più semplici vengono distrutte, le categorie di tempo e spazio vengono offuscate. Tutta l'illogicità, l'insensatezza e la mancanza di scopo dell'azione mirano a creare un'atmosfera irreale, forse persino inquietante.
La Francia divenne la culla dell'assurdismo, sebbene i suoi fondatori fossero l'irlandese Samuel Beckett e i rumeni Eugene Ionesco, che lavoravano in francese, ad es. lingua non nativa. E sebbene Ionesco fosse bilingue (ha trascorso l'infanzia a Parigi), è stata la sensazione di una lingua “non nativa” che gli ha dato l'opportunità di considerare i fenomeni linguistici dal punto di vista dell'assurdo, affidandosi alla struttura lessicale come la struttura principale dell'architettura delle opere teatrali. Lo stesso, ovviamente, vale per S. Beckett. Un famigerato inconveniente - lavorare in una lingua straniera - si è trasformato in una virtù. La lingua nelle commedie assurde funge da ostacolo alla comunicazione, le persone parlano e non si sentono.
Nonostante la relativa giovinezza di questa direzione, è riuscito a diventare piuttosto popolare grazie alla logica dell'illogicità. E al centro dell'assurdismo sono seri idee filosofiche e radici culturali.
Prima di tutto, vale la pena menzionare la teoria relativistica della cognizione del mondo, una visione del mondo che nega la possibilità stessa di conoscere la realtà oggettiva.
Inoltre, la formazione dell'assurdismo è stata fortemente influenzata dall'esistenzialismo, una tendenza filosofica idealistica soggettiva costruita sull'irrazionalismo, una tragica visione del mondo, l'illogicità del mondo che la circonda e la sua insubordinazione all'uomo.
All'inizio degli anni '60, l'assurdismo oltrepassò i confini della Francia e iniziò a diffondersi rapidamente in tutto il mondo. Tuttavia, da nessun'altra parte l'assurdismo è apparso nella sua forma più pura. La maggior parte dei drammaturghi che possono essere attribuiti a questa tendenza non sono così radicali nelle tecniche dell'assurdismo. Conservano un atteggiamento tragico e la principale problematica, mostrando l'assurdità e l'incoerenza delle situazioni, spesso si rifiutano di distruggere la trama e la trama, esperimenti lessicali, ei loro personaggi sono concreti e individuali, le situazioni sono definite, molto spesso compaiono motivi sociali. La loro incarnazione è in un riflesso realistico della realtà, cosa che non può essere il caso delle commedie di S. Beckett ed E. Ionesco.
Tuttavia, ciò che è importante, la tecnica dell'assurdo negli anni '60 ha ricevuto uno sviluppo inaspettato in una nuova direzione dell'arte visiva: la performance (il nome originale sta accadendo), le cui opere sono azioni dell'artista che si svolgono in tempo reale. La performance non si basa affatto sulle categorie semantiche e ideologiche dell'assurdismo, ma utilizza le sue tecniche formali: l'assenza di una trama, l'uso di un ciclo di "immagini che scorrono liberamente", la divisione della struttura - lessicale, essenziale, ideologico, esistenziale.
I drammaturghi assurdi spesso usavano non solo l'assurdità, ma la realtà nelle sue manifestazioni ridotta all'assurdità. Il metodo della riduzione all'assurdo è un metodo quando ciò che si vuole negare è preso per verità. Prendiamo una proposizione falsa e la rendiamo vera con tutta la nostra esistenza secondo il metodo della riduzione all'assurdo. Il paradosso sorge solo a seguito dell'uso di prove indiziarie. Prendiamo un giudizio falso (incompleto) e lo rendiamo vero secondo il metodo della riduzione all'assurdo.
Pertanto, utilizzando il metodo della riduzione a una contraddizione, l'autore implementa la formula "che è ciò che doveva essere dimostrato". Sebbene il lettore stesso possa giungere a questa conclusione, qui non si può ancora parlare di alcuna forma interna logica dell'opera. C'è solo il punto di vista del personaggio, "falso", e il punto di vista dell'autore, "vero", - sono in diretta opposizione. L'autore costringe l'eroe a seguire la sua logica fino alla fine. L'impasse logico, a cui lo scrittore conduce il suo eroe con il metodo della riduzione all'assurdo, è ovviamente incluso intenzione dell'autore. Pertanto, consideriamo le trame assurde come una sorta di esperimenti mentali (http://ru.wikipedia.org/wiki/)
Ma in altri casi l'autore non si limita a una soluzione così semplice e formale del problema. L'eroe continua a insistere per conto suo, è ossessionato dalla sua idea, non sente di aver varcato i confini del buon senso. Tutto ciò conferisce alla trama dell'opera un carattere assurdo. Il dispiegamento di un'idea nella direzione dell'assurdità è un processo che non sempre dipende dalla volontà dell'autore e dalle sue intenzioni. Ora l'autore deve inseguire il suo eroe, il cui punto di vista emerge da una posizione statica e acquista dinamicità. L'intero mondo artistico, l'intera struttura dell'opera viene capovolta: l'idea stessa diventa il centro dell'opera, il "falso", che, per così dire, toglie il diritto di voto all'autore e costruisce la realtà da sola . L'idea organizza il mondo artistico non secondo le leggi del senso comune, come farebbe, diciamo, l'autore, ma secondo le sue stesse assurde leggi. Il punto di vista dell'autore è sfocato. In ogni caso, non ha una predominanza visibile in questo particolare frammento di testo, ma quanto l'autore inizialmente era in disaccordo con questa idea "impeccabile", quanto ora la teme e non ci crede. E, naturalmente, l'eroe dell'opera incontra l'autore dove la sua insensibilità raggiunge il limite. L'eroe è spaventato o dalle conseguenze delle sue teorie, o dalla teoria stessa, che a volte può portare molto lontano, entrare in conflitto non solo con l'etica, ma anche con lo stesso buon senso.
L'opera assurda più popolare di S. Beckett "Waiting for Godot" è uno dei primi esempi del Theatre of the Absurd, che i critici indicano. Scritto e messo in scena per la prima volta in Francia nel 1954, lo spettacolo ha avuto un impatto straordinario sugli spettatori grazie alle sue nuove e strane regole. Composto da un'ambientazione desertica (ad eccezione di un albero praticamente senza foglie, vagabondi simili a clown e un linguaggio altamente simbolico), Godot incoraggia il pubblico a mettere in discussione tutte le vecchie regole e cercare di trovare un significato in un mondo che non può essere conosciuto. Il cuore dell'opera è il tema della "resistenza" e del "vivere la giornata" in modo che domani tu abbia la forza per continuare. Strutturalmente, Godot è fondamentalmente un'opera teatrale ciclica in due atti. Inizia con due vagabondi solitari che aspettano su una strada di campagna l'arrivo di un certo Godot, e termina con la posizione di partenza. Molti critici hanno concluso che il secondo atto è semplicemente una ripetizione del primo. In altre parole, Vladimir ed Estragon possono "aspettare Godot" per sempre. Non sapremo mai se hanno trovato una via d'uscita da questa situazione. Come pubblico, possiamo solo guardarli ripetere le stesse azioni, ascoltarli ripetere le stesse parole e accettare il fatto che Godot possa venire o meno. Proprio come loro, siamo bloccati in un mondo in cui le nostre azioni determinano l'esistenza. Potremmo cercare risposte o il significato della vita, ma molto probabilmente non le troveremo. Pertanto, questa commedia è strutturata in modo tale da farci credere che Godot potrebbe non arrivare mai e che dobbiamo accettare l'incertezza che si presenta nella nostra vita quotidiana. I due protagonisti, Vladimir ed Estragon, trascorrono le loro giornate rivivendo il passato, cercando di trovare il senso della loro esistenza, considerando anche il suicidio come una forma di salvezza. Tuttavia, come personaggi sono prototipi assurdi che rimangono isolati dal pubblico. Essenzialmente mancano di personalità e i loro manierismi da vaudeville, specialmente quando si tratta di contemplare il suicidio, fanno ridere il pubblico piuttosto che prenderlo tragicamente. (http://ru.wikipedia.org/wiki/)
Per un altro rappresentante di questo genere, E. Ionesco, l'assurdità è uno strumento, un modo di pensare, grande opportunità sfondare la rete dell'indifferenza, che avvolge strettamente la coscienza uomo moderno. L'assurdo è uno sguardo da un punto di vista completamente inaspettato e uno sguardo rinfrescante. Può scioccare, sorprendere, ma questo è esattamente ciò che può essere usato per rompere la cecità e la sordità spirituali, perché questo è contro l'abituale.
Le situazioni, i personaggi ei dialoghi delle sue commedie seguono le immagini e le associazioni di un sogno piuttosto che della realtà quotidiana. La lingua, con l'aiuto di divertenti paradossi, cliché, detti e altri giochi di parole, viene liberata dai soliti significati e associazioni. Le commedie di E. Ionesco hanno origine da teatro di strada, commedia dell'arte, clownerie da circo. Una tecnica tipica è un mucchio di oggetti che minacciano di divorare gli attori; le cose prendono vita e le persone si trasformano in oggetti inanimati. "Ionesco Circus" è un termine abbastanza spesso applicato alla sua prima drammaturgia Nel frattempo, ha riconosciuto solo una connessione indiretta della sua arte con il surrealismo, più facilmente con Dada.
Ottenendo il massimo effetto di influenza, Eugene Ionesco "attacca" la solita logica del pensiero, conduce lo spettatore in uno stato di estasi per l'assenza dello sviluppo previsto. Qui, come se seguisse i precetti del teatro di strada, richiede non solo l'improvvisazione degli attori, ma rende anche lo spettatore disorientato a cercare lo sviluppo di ciò che sta accadendo dentro e fuori dal palco. Problemi che una volta erano percepiti come un altro esperimento non figurativo stanno iniziando ad acquisire le qualità della rilevanza.
Inoltre, completamente descrizione data La natura e l'essenza delle commedie del genere assurdo si riferiscono alle opere di Tom Stoppard e Daniil Kharms.
A metà del XX secolo, nella drammaturgia europea è apparso un fenomeno chiamato "il teatro dell'assurdo". È diventato davvero innovativo e insolito per lo spettatore, abituato alle classiche produzioni "logiche". Ma nonostante ciò, la nuova arte ha suscitato curiosità e interesse. Cos'è il teatro dell'assurdo e quale ripensamento ha ricevuto oggi?
Descrizione
Il fulcro dell'opera assurda non è l'azione e l'intrigo, ma la percezione dell'autore e la comprensione individuale di un problema. Allo stesso tempo, tutto ciò che accade sul palco è privo di connessione logica. Questo viene fatto in modo che lo spettatore sia confuso, in grado di sbarazzarsi degli schemi nella sua mente e guardare la sua vita da più angolazioni contemporaneamente.
A prima vista, il mondo in tali commedie "illogiche" appare come un mucchio caotico e privo di significato di fatti, personaggi, azioni, parole, in cui non esiste un luogo e un tempo definiti per l'azione. Tuttavia, a un esame più attento, la connessione logica tra tutti questi elementi è presente, solo che è sorprendentemente diversa da ciò che conoscevamo. Le incarnazioni teatrali più sorprendenti dei principi dell'assurdismo sono state le commedie di E. Ionesco "The Bald Singer" e "Waiting for Godot" di S. Beckett. Questa è una sorta di parodia (o filisteismo) del mondo borghese del comfort, il suo fascismo. In questi drammi si può osservare chiaramente la disintegrazione dei legami tra parola e azione, la violazione della stessa struttura dialogica.
Nonostante la gravità e l'entità delle vittime problemi sociali, il mondo del teatro dell'assurdo è incredibilmente comico. I drammaturghi mostrano la realtà, la società è già in quella fase di decadenza, quando nessuno è dispiaciuto. Pertanto, parodie, cinismo e reazioni di risate sono prontamente utilizzate nelle commedie di questo genere. Allo spettatore viene chiaramente dato di capire che è inutile e inutile combattere questo mondo surreale di assurdità. Devi solo crederci e accettarlo.
Storia
È interessante notare che il termine stesso "teatro dell'assurdo" è apparso dopo l'emergere di produzioni innovative. Appartiene al critico teatrale Martin Esslin, che pubblicò il libro nel 1962 con quel titolo. Ha tracciato parallelismi tra il nuovo fenomeno drammatico e la filosofia dell'esistenzialismo di A. Camus, il dadaismo, la poesia da parole inesistenti e l'arte d'avanguardia dell'inizio del XX secolo. Tutto ciò, in una certa misura, secondo il critico, "educava" il teatro dell'assurdo e lo modellava così come si presentava davanti al pubblico.
Va notato che un approccio così creativo al dramma è rimasto a lungo in disgrazia di formidabili critici. Tuttavia, dopo la seconda guerra mondiale, il genere iniziò a guadagnare popolarità. Le principali figure-ideologi di esso sono considerate quattro maestri della parola: E. Ionesco, S. Beckett, J. Gene e A. Adamov. Nonostante appartenessero allo stesso genere teatrale, ognuno di loro aveva ancora il suo tecnica unica, che era più del concetto di "assurdità". A proposito, lo stesso E. Ionesco non ha accettato il nuovo termine, invece di "teatro dell'assurdo" dicendo "teatro della beffa". Ma la definizione di Esslin, nonostante la tenacia e le critiche, è rimasta nell'arte e il genere ha guadagnato popolarità in tutto il mondo.
origini
I tentativi di creare un teatro dell'assurdo furono fatti molto prima dell'ondata europea in Russia, negli anni '30. La sua idea apparteneva all'Association of Real Art (OBERIUtam), o meglio, Alexander Vvedensky. Nel nuovo genere, ha scritto le commedie "Minin and Pozharsky", "God is all around", "The Christmas tree at the Ivanovs", ecc. Daniil Kharms, scrittore, poeta e membro di OBERIU, era il suo affine scrittore.
Nel dramma russo alla fine del XX secolo, il teatro dell'assurdo può essere osservato nelle commedie di L. Petrushevskaya, V. Erofeev e altri.
Modernità
Oggi questo genere teatrale è abbastanza diffuso. E, di regola, il fenomeno dell'avanguardia (come nel suo passato storico) è associato a piccoli teatri (privati). Un esempio lampante è il moderno "Teatro dell'Assurdo di Gauguin Solntsev", un famoso artista strano russo. Oltre alle produzioni itineranti all'insegna del motto "Tutta la nostra vita è un teatro", tiene lezioni di recitazione, che, secondo l'autore, sono utili non solo sul palco, ma anche nella vita di tutti i giorni.
IN questo genere esistono e si sviluppano anche altri gruppi teatrali.
Passero
Il teatro straniero dell'assurdo "Sparrow" è una delle compagnie più apprezzate. È stato creato nel 2012 a Kharkov. All'inizio era solo un duetto di Vasily Baidak (zio Vasya) e Alexander Serdyuk (Kollman). Oggi la composizione del "Passero" comprende sei artisti. Tutti i partecipanti hanno un'istruzione superiore, ma non recitativa. Il nome del gruppo migrato da KVN. E la parola "straniero" è intenzionalmente scritta male. I poster e le esibizioni di "Sparrow" sono sempre brillanti, non privi di umorismo, farsa e, ovviamente, assurdità. Tutte le trame delle produzioni sono inventate dai ragazzi stessi.
Nella musica
Il genere d'avanguardia si riflette non solo nella letteratura e arti dello spettacolo ma anche nella musica. Così nel 2010 è stato pubblicato il diciottesimo album in studio del gruppo Picnic, Theatre of the Absurd.
Il gruppo musicale si è formato nel 1978 ed esiste ancora. Ha iniziato a lavorare nello stile del rock russo e alla fine ha acquisito un suono individuale con l'aggiunta di tastiere sinfoniche e strumenti esotici dei popoli del mondo.
"Theatre of the Absurd" - un album che si apre con la composizione omonima. Tuttavia, il suo testo è privo di commedia. Al contrario: la canzone ha note drammatiche, dicendo che il mondo intero è un teatro dell'assurdo e la persona in essa è il personaggio principale.
L'album include anche canzoni con tale nomi interessanti come "bambola con volto umano”, “Urim Thummim”, “Wild Singer” (si legge un riferimento alla commedia di Ionesco “The Bald Singer”), “E il trucco si laverà via”. In generale, la prossima creazione del gruppo Picnic può essere confrontata con una piccola produzione teatrale Con selezione originale immagini e temi.
Con umorismo
Una delle caratteristiche principali del genere "illogico" è l'umorismo. Ciò riguarda non solo l'assurdo miscuglio di parole, le frasi del loro gioco, ma anche le immagini stesse, che possono apparire in un momento inaspettato in un luogo inaspettato. È stata questa tendenza che è stata più che utilizzata nella stanza "Theatre of the Absurd" dal duetto comico Demis Karibidis e Andrey Skorokhod - residenti famosi spettacolo Club della commedia . Era basato sul lavoro di F.M. "Delitto e castigo" di Dostoevskij, originariamente ripensato dagli artisti. I personaggi, un vecchio prestatore di pegno (Demis Karibidis) e lo studente Rodion Raskolnikov (Andrey Skorokhod), oltre ai punti della trama, hanno toccato realtà economiche, culturali e politiche moderne.
È difficile discutere con l'affermazione che questo mondo "pazzo, pazzo, pazzo" è diventato un po 'pazzo. E se qualcun altro ne dubita, vale la pena guardare almeno uno dei meravigliosi film raccolti in questa "top ten". Tuttavia, non sorprende se qualcuno vuole vedere o rivedere tutti i film. Sicuramente non te ne pentirai!
1. Il film "Amore e morte"
diretto da Woody Allen
Indubbiamente una commedia cult del maestro del genere, Woody Allen. Solo una fontana di umorismo frizzante e allo stesso tempo intellettuale su un argomento molto interessante. L'argomento è il prossimo. Un certo proprietario terriero russo di una città distrettuale sta cercando in tutti i modi di eludere l'appello a combattere Napoleone. Perché tutto ciò che ha nel suo arsenale è una lingua lunga e tagliente. Autoironia impareggiabile, filosofia per manichini, politica e ancora politica - hanno reso questo film amato per sempre, soprattutto nel nostro paese. Se l'eroe è riuscito a evitare l'esercito o meno, guarda tu stesso.
2. Il film "Registro"
diretto da Jan Švankmajer
Un simile livello di surrealismo può essere trovato solo in Lynch. Jan Švankmajer ha tradotto il ceco racconto spaventoso e sembra divertente. Una giovane coppia senza figli, per disperazione, ha avuto l'idea di avere un ceppo di albero invece di un bambino ... Che cresce velocemente e mangia molto, e mangia di tutto. Anche un uomo per un'anima dolce. E se i genitori appena nati si prendono cura del loro tronco in ogni modo possibile, allora i loro meravigliosi vicini, al contrario, non prestano alcuna attenzione alla loro figlia "vivente". Come si suol dire, c'è un contrasto.
3. Il film "Vestito"
diretto da Alex Van Warmerdam
Com'è ammirevole a volte l'immaginazione dei creatori, fino a che punto arriva la loro visualizzazione! Un abito qualunque, anche dai colori accesi, ma che clamore intorno! Le persone impazziscono, lo fanno a pezzi e ancora spinge tutti alla follia. Eccita alcuni, porta alla morte di altri, ma a prima vista è solo uno straccio. Cosa succederà dopo con lui?
4. Il film "Città zero"
diretto da Karen Shakhnazarov
La trama del film sembra essere stata cancellata da un romanzo dei fratelli Strugatsky, dove l'eroe si ritrova in una città sconosciuta, in cui tutto è sottosopra, concetti diversi e una moralità completamente diversa. Come in una parabola biblica, gli viene presentata una testa su un piatto, solo la testa non è di qualcun altro, ma la sua ... E c'è solo una via d'uscita, bisogna abituarsi urgentemente, per non farlo solo impazzire. Tuttavia, c'è anche saggezza nel film. Che alla fine sarà fatto a pezzi da tutti quanti.
5. Il film "L'indagine sul caso di un cittadino al di là di ogni sospetto"
regia di Elio Petri
Il film che ha vinto un Oscar. Commedia! Non un dramma sugli ebrei o una guerra dura. Questo da solo dice che vale qualcosa. E c'è davvero qualcosa da vedere. Immagina: l'eroe uccide la sua donna, lascia prove e va ad arrendersi alla polizia. In ogni altro caso sarebbe già stato condannato, ma non c'era. Il fatto è che lui stesso è il capo della polizia e nessuno vuole nemmeno presumere che sia stato lui. Chi ha detto che vuole andare in galera? No, ha altri piani...
6. Il film "La palla dei vigili del fuoco"
diretto da Milos Forman
L'ultimo film del famoso regista cecoslovacco girato nella sua terra natale. E sapendo questo, è già possibile presumere che potrebbero prendere fuoco. Che tutta questa assurdità rossa, questo circo serio è come uno specchio del regime comunista in cui allora viveva il paese. Ragazzi coraggiosi, eccellenti vigili del fuoco hanno davvero deciso di organizzare il proprio concorso di bellezza durante le vacanze!
7. Il film "Gatto nero, gatto bianco"
diretto da Emir Kusturica
Commedia frizzante, sfrenata, folle dal genio di Kusturica! Il divertimento zingaro risusciterà i morti dalla tomba, e cosa fa con i vivi ... Qui sparano e cantano allo stesso tempo, amano e rubano spose e faranno di tutto per amore del denaro. Due vecchi mafiosi dormono profondamente mentre i loro figli litigano furiosamente. Ma per amore della felicità dei giovani, ovviamente, si sveglieranno.
8. Il film "Il dottor Stranamore, o come ho imparato a smettere di preoccuparmi e ad amare la bomba atomica"
diretto da Stanley Kubrick
Una commedia intellettuale, ma non per questo meno assurda, del regista di culto Stanley Kubrick. Immagina una situazione molto reale: il paese è presumibilmente in pericolo e un generale militare invia bombardieri nucleari al suo nemico. Ma il pericolo è immaginario e gli aerei sono già in volo e si stanno avvicinando ai confini del nemico. E qui si scopre anche che il nemico ha una risposta automatica - e il paese che ha inviato i bombardieri potrebbe essere spazzato via dalla Terra all'inferno ... Hai immaginato la gravità della situazione? È una tragedia! Ma non in questo caso.
9. Il film "Castello"
il regista Aleksej Balabanov
Il film è stato realizzato, ovviamente, famoso romanzo Franz Kafka. Arrivato a destinazione, l'eroe scopre che nessuno lo sta aspettando e nessuno ha bisogno di lui qui. Metaforicamente parlando, un castello sotto un castello. Tuttavia, la curiosità lo prende, decide di fermarsi qui e provare a scoprire cosa c'è che non va. Rimane così a lungo che riesce persino a sposarsi. Ma non avrà alcun senso. O semplicemente non presta attenzione? La fantasmagoria di Balabanov, la trama spettrale e gli eroi goffi, la trama eterogenea del mondo circostante, sembrerebbe che tutto sia lì. Ma dov'è allora la risposta?
10 Tootsie film
diretto da Sidney Pollack
Tutto è molto semplice. Il ragazzo non riesce a prendere piede nel mondo del cinema, non viene portato da nessuna parte. Quindi si traveste da donna e ottiene il ruolo desiderato. Ma per giocare deve smettere di essere se stesso. Ma ha una ragazza e lei, ovviamente, ha un padre. Come essere allora? Inoltre, papà ha improvvisamente iniziato a piacergli in una nuova immagine ... Una situazione imbarazzante, non è vero. E nessuno sa cosa accadrà quando la verità verrà fuori. Commedia folle con Dustin Hoffman ruolo di primo piano e l'affascinante Jessica Lange.
Per chi vuole qualcosa di più serio, abbiamo raccolto.
32. Caratteristiche del teatro dell'assurdo: origini, rappresentanti, caratteristiche della struttura drammatica.
Opere in elenco relative al teatro dell'assurdo:
Beckett: "Aspettando Godot"
Ionesco: Rinoceronti
Data l'inutilità della rivisitazione della trama di queste commedie, sono davvero più facili da leggere. Di seguito è una rivisitazione della trama, ma questo potrebbe non essere d'aiuto.
Altri rappresentanti:
Kafka: In ogni articolo introduttivo su Kafka, la parola "assurdo" ricorre almeno una volta, ma Moskvina, ad esempio, separa l'opera di Kafka dall'assurdità a causa della logica enfatizzata degli eventi che si svolgono nei mondi di Kafka. Camus condivide anche Kafka e l'assurdo dovuto al fatto che il suo lavoro contiene ancora qualche barlume di speranza, il che è inaccettabile per l'assurdità nella comprensione di Camus.
Stoppard: "Rosencrantz e Guildenstern sono morti" è un ottimo esempio di tragicommedia assurda.
Vvedensky e Kharms: rappresentanti nazionali. Non credo che vadano citati come esempio proprio così, visto che abbiamo un corso di letteratura straniera, ma se richiesto citateli per non perdere la faccia.
Struttura temporanea:
1843 - Viene scritta Paura e tremore di Kierkegaard
1914-1918 - Prima guerra mondiale
1916 - nascita del dadaismo
1917 - nel manifesto "New Spirits" Guillaume Apollinaire introduce il termine "surrealismo"
1939-1945 - Seconda guerra mondiale
1942 - pubblicazione del saggio "Il mito di Sisifo" di Camus
1951 - produzione de "Il cantante calvo" di Ionesco
1952 - produzione delle "Sedie" di Ionesco
1953 - produzione di "Vittime del dovere" di Ionesco
1953 - produzione di "Aspettando Godot" Beckett
1960 - produzione di Rhinos di Ionesco
1962 - pubblicazione del libro "Il teatro dell'assurdo" del critico teatrale Martin Esslin
Il termine "assurdo":
Camus: "Un mondo che si presta a spiegazioni, anche il peggiore, ci è familiare. Ma se l'universo viene improvvisamente privato sia delle illusioni che della conoscenza, una persona ne diventa un estraneo. Una persona è bandita per sempre, perché lui è privato del ricordo della patria perduta e spera nella terra promessa, in realtà il sentimento di assurdità è questa discordia tra una persona e la sua vita, attore e scenario.
"L'uomo si trova di fronte all'irrazionalità del mondo. Sente di desiderare la felicità e la razionalità. L'assurdità nasce in questo scontro tra la vocazione dell'uomo e l'irragionevole silenzio del mondo".
"Se accuso una persona innocente di un crimine terribile, se dichiaro a una persona rispettabile che desidera la propria sorella, allora mi risponderanno che questo è assurdo. [...] Una persona rispettabile sottolinea l'antinomia tra l'atto che gli attribuisco e i principi di tutta la sua vita. "Questo è assurdo" significa "questo è impossibile", e poi "questo è contraddittorio". Se un uomo armato di coltello attacca un gruppo di mitraglieri, io considerare assurda la sua azione, ma lo è solo per la sproporzione tra intenzione e realtà, per la contraddizione tra forze reali e l'obiettivo prefissato. [...] Pertanto, ho tutte le ragioni per affermare che il sentimento di assurdità non nasce da un semplice esame di un fatto o di un'impressione, ma irrompe insieme a un confronto dello stato di cose effettivo con un qualche tipo di realtà, un confronto di un'azione con un mondo che giace al di fuori di questa azione. Essenzialmente, l'assurdità è una scissione. Non è presente in nessuno degli elementi confrontati. Nasce dalla loro collisione."
Ionesco: "Ancora non so bene cosa significhi la parola "assurdo", se non in quei casi in cui chiede dell'assurdo; e ripeto che chi non si stupisce che ci sia, chi non si pone domande sull'essere, quelli che credono che tutto sia normale, naturalmente, mentre il mondo tocca il soprannaturale, queste persone sono imperfette […] Ma tornerà la capacità di stupirsi, la questione dell'assurdità di questo mondo non può che sorgere, anche se non c'è rispondi.[... ] Proviamo ad ascendere, almeno mentalmente, a ciò che non è soggetto a decadenza, al reale, cioè al sacro, e al rituale, questo sacro che si esprime - e che può trovarsi senza creatività artistica.
"L'assurdità è qualcosa di privo di scopo... Una persona tagliata fuori dalle sue radici religiose, metafisiche e trascendentali è perita; tutte le sue azioni sono prive di significato, assurde, inutili."
Esslin: "Una buona commedia ha una trama abilmente costruita; la trama e la trama sono assenti nelle commedie assurde; una buona commedia è apprezzata per i suoi personaggi e le sue motivazioni; nelle commedie assurde, i personaggi non possono essere riconosciuti; di conseguenza, è risolta, in nelle commedie dell'assurdo spesso non c'è né inizio né fine, una buona commedia è uno specchio della natura e rappresenta la sua epoca in schizzi sottili, le commedie dell'assurdo riflettono sogni e incubi; buone giocate caratterizzati da dialoghi precisi e risposte argute, i drammi dell'assurdo sono spesso balbettii incoerenti."
Nel definire specificamente il termine "assurdo", Esslin cita Camus ("discordia tra attore e set") e Ionesco ("qualcosa privo di scopo").
Moskvina: a giudicare dalla conferenza su Proust e Kafka, percepisce l'assurdità principalmente come qualcosa di illogico e irrazionale.
Disposizioni generali
Il teatro dell'assurdo è un tipo di dramma moderno basato sul concetto di totale alienazione di una persona dall'ambiente fisico e sociale. Questi tipi di spettacoli sono apparsi per la prima volta all'inizio degli anni '50 in Francia e poi si sono diffusi in tutta l'Europa occidentale e negli Stati Uniti.
L'idea dell'assurdità della sorte umana in un mondo ostile o indifferente è stata sviluppata per la prima volta da A. Camus (Il mito di Sisifo), fortemente influenzato da S. Kierkegaard, F. Kafka e F. M. Dostoevskij. Le radici del teatro dell'assurdo possono essere identificate nelle attività teoriche e pratiche dei rappresentanti di tali movimenti estetici dell'inizio del XX secolo come il dadaismo e il surrealismo, e nel clown, nel music hall, nelle commedie di Ch. Chaplin.
Circa l'occorrenza nuovo dramma iniziato a parlare dopo Anteprime parigine"Bald singer" (The Bald Soprano, 1950) Ionesco e "Waiting for Godot" (Waiting for Godot, 1953) Beckett. Tipicamente, in "The Bald Singer" la cantante stessa non appare, ma sono sul palco due coppie sposate, il cui discorso incoerente e cliché riflette l'assurdità di un mondo in cui il linguaggio rende la comunicazione più difficile di quanto faciliti. Nella commedia di Beckett, due vagabondi aspettano per strada un certo Godot, che non si fa mai vedere. In un'atmosfera tragicomica di perdita e alienazione, questi due antieroi rievocano frammenti incoerenti di una vita passata, sperimentando un inconscio senso di pericolo.
L'arte dell'assurdo è una tendenza modernista che cerca di creare un mondo assurdo come riflesso del mondo reale; per questo, copie naturalistiche della vita reale si allineano casualmente senza alcuna connessione.
La base della drammaturgia era la distruzione del materiale drammatico. Non c'è concretezza locale e storica nelle commedie. L'azione di una parte significativa delle commedie del teatro dell'assurdo si svolge in piccoli spazi, camere, appartamenti, completamente isolati da mondo esterno. La sequenza temporale degli eventi viene distrutta. Così, nella commedia di Ionesco "The Bald Singer" (1949), 4 anni dopo la morte, il cadavere risulta caldo e lo seppelliscono sei mesi dopo la morte. Due atti della commedia "Waiting for Godot" (1952) sono separati da una notte e "forse - 50 anni". I personaggi stessi non lo sanno.
La mancanza di concretezza storica e il caos temporaneo sono completati da una violazione della logica nei dialoghi. Il dialogo è ridotto, al di fuori del partner. I personaggi non si sentono.
Anche il nome stesso delle commedie "The Bald Singer" è assurdo: in questo "anti-dramma" il cantante calvo non solo non compare, ma non viene nemmeno menzionato.
Hanno condiviso con l'esistenzialismo l'idea del mondo come caos, ogni collisione di una persona con il mondo dà origine a un conflitto, sfiducia nella comunicazione.
Portano il principio all'espressione artistica - mostrano l'assurdo per mezzo dell'assurdo.
Gli assurdisti hanno preso in prestito sciocchezze e una combinazione dell'incompatibile dai surrealisti e hanno trasferito queste tecniche sul palcoscenico. Con scrupolosa accuratezza, S. Dalì scrisse la Venere di Milo su uno dei suoi quadri. Con meno cura, raffigura le scatole situate sul suo busto. Ciascuno dei dettagli è simile e comprensibile. L'accostamento del busto di Venere con i cassetti priva l'immagine di ogni logica.
Parte delle proposte sono in una combinazione assurda.
Il teatro dell'assurdo voleva mostrare il mondo reale.
Una persona nel teatro dell'assurdo è incapace di agire. Gli eroi delle opere d'arte dell'assurdo non possono portare a termine una sola azione, non sono in grado di realizzare una sola idea.
Le personalità nelle commedie sono livellate, prive di individualità, simili ai meccanismi. Spesso gli eroi delle commedie hanno gli stessi nomi, secondo le figure del teatro dell'assurdo le persone sono indistinguibili l'una dall'altra.
I personaggi ridicoli agiscono come un eroe, non sanno nulla del mondo e di se stessi, elementi declassati o filistei, non ci sono eroi che hanno ideali e vedono il senso della vita. Le persone sono condannate a esistere in un mondo incomprensibile e immutabile di caos e assurdità.
Nel tentativo di enfatizzare l'atmosfera di bruttezza, patologia che circonda una persona, Beckett raffigura l'antiestetismo, la follia della vita nelle sue opere. Per disgustare i lettori e gli spettatori degli eroi della commedia "Waiting for Gordo", Beckett ripete con insistenza che uno di loro "puzza alla bocca" e l'altro "puzza i piedi".
Numerose rappresentazioni del teatro dell'assurdo nel primo decennio (1949-1958) sono determinate non dalla trama delle opere, ma dall'atmosfera generale di idealismo e caos ricreata sul palcoscenico.
Il termine "Teatro dell'Assurdo" è introdotto da Esslin nel saggio omonimo: fu lui a vedere la somiglianza tra la filosofia assurdista di Camus espressa ne Il mito di Sisifo e L'uomo ribelle e le commedie di Ionesco, Beckett , Adamov e Genet.
Ionesco sul teatro dell'assurdo
"Mi sembra che la metà delle opere teatrali create prima di noi sia assurda nella misura in cui, ad esempio, è comica; dopotutto, la commedia è assurda. E mi sembra che il progenitore di questo teatro, il suo grande antenato , potrebbe essere Shakespeare, che fa dire al suo eroe: "Il mondo è una storia raccontata da un idiota, piena di rumore e di furore, priva di ogni senso e significato". Si può probabilmente affermare che il teatro dell'assurdo risale a a tempi ancora più lontani e che Edipo era anche un personaggio assurdo, poiché era assurdo ciò che gli era successo, ma con una differenza: Edipo infrangeva le leggi inconsapevolmente e veniva punito per averle infrante.Ma le leggi e le norme esistevano.Anche se infrante. Nel nostro teatro, i personaggi sembrano ciò a cui non si aggrappano, e se posso citare me stesso, allora gli anziani nella mia commedia "Sedie" in un mondo senza leggi e norme, senza regole e concetti trascendentali. la stessa cosa in uno spirito più allegro in una commedia come "Cantante calvo", per esempio.
Mi sembra che la parola "assurdo" sia troppo forte: è impossibile chiamare qualcosa di assurdo se non si ha un'idea chiara di ciò che non è assurdo, se non si conosce il significato di ciò che non è assurdo. Ma posso dire che i personaggi di "Chairs" cercavano un significato che non trovavano, cercavano la legge, cercavano la più alta forma di comportamento, cercavano qualcosa che non si può chiamare altrimenti divinità.
Il teatro dell'assurdo è stato anche un teatro di lotta - ed è stato proprio questo per me - contro il teatro borghese, che a volte parodiava, e contro il teatro realista. Ho sostenuto e continuo a sostenere che la realtà non è realistica, e ho criticato e combattuto contro il teatro realista, realista sociale, brechtiano. Ho già detto che il realismo non è la realtà, che il realismo è una scuola teatrale che tratta la realtà in un certo modo, proprio come il romanticismo o il surrealismo. Nel teatro borghese non mi piaceva che si occupasse di sciocchezze: affari, economia, politica, adulterio, spettacolo nel senso pascaliano del termine. Si può probabilmente affermare che il teatro dell'adulterio nell'Ottocento e all'inizio del Novecento abbia origine da Racine, con l'unica grande differenza che a Racine si moriva per adulterio, lui uccideva. E per gli autori post-Rasinov, questo non è altro che una sciocchezza. Un altro inconveniente del teatro realistico è che è ideologico, cioè, in una certa misura, un teatro ingannevole e disonesto. Non solo perché non si sa cosa sia la realtà, non solo perché nessuna persona di scienza è in grado di dire cosa significhi "reale", ma anche perché l'autore realistico si pone il compito di dimostrare qualcosa, reclutare persone, spettatori, lettori in nome di un'ideologia in cui l'autore vuole convincerci, ma che da ciò non diventa più vera. Ogni teatro realistico è un teatro fraudolento, anche e soprattutto se l'autore è sincero. La genuina sincerità viene dal più lontano, dalle profondità dell'irrazionale, dell'inconscio. Parlare di sé è molto più convincente e veritiero che parlare degli altri, che coinvolgere le persone in associazioni politiche sempre controverse. Quando parlo di me, parlo di tutti. Un vero poeta non mente, non dissimula, non vuole reclutare nessuno, perché un vero poeta non inganna, ma inventa, e questo è completamente diverso.
Personaggi senza radici metafisiche, forse alla ricerca di un centro dimenticato, un punto di appoggio che si trova al di fuori di loro. Beckett ha scritto della stessa cosa, più freddamente, forse più chiaroveggente. Volevamo portare in scena e mostrare al pubblico l'esistenza stessa esistenziale di una persona nella sua pienezza, integrità, nella sua profonda tragedia, il suo destino, cioè la consapevolezza dell'assurdità del mondo. La stessa storia "raccontata da un idiota"
Esslin sul teatro dell'assurdo
"Vale la pena sottolineare che i drammaturghi le cui opere sono considerate sotto il titolo generale di "teatro dell'assurdo" non rappresentano alcuna scuola autoproclamata o autosufficiente. Al contrario, ciascuno di questi scrittori è una persona che considera lui stesso solitario, estraneo, circonciso e isolato dal mondo, esistente nella propria sfera. Ognuno di loro ha la sua idea di forma e contenuto; le loro radici, origini, esperienza. Se sono anche comprensibili e, nonostante tutto, hanno in comune con altri, ciò è dovuto al fatto che il loro lavoro è un vero specchio che riflette ansie, sentimenti e pensieri di un'ipostasi importante della vita dell'Occidente moderno.
Una caratteristica distintiva di questa tendenza è che, rifiutato dai secoli passati, considerato inutile e screditato, il nostro secolo ha spazzato via come illusioni a buon mercato e infantili. Il declino della religione è stato mascherato fino alla fine della seconda guerra mondiale da una fede surrogata nel progresso, nel nazionalismo e in altre illusioni totalitarie. Tutto questo è stato distrutto dalla guerra. Nel 1942, Albert Camus chiese freddamente perché, se la vita ha perso il suo significato, una persona non vede più una via d'uscita nel suicidio.
Il sentimento della sofferenza metafisica e l'assurdità della sorte umana in termini generali è il tema delle commedie di Beckett, Adamov, Ionesco, Genet [...]. Ma questo non è l'unico tema del teatro dell'assurdo. Tale percezione dell'insensatezza della vita, il rifiuto della svalutazione degli ideali, della purezza, della determinazione è il tema delle commedie di Giraudou, Anouilh, Salacre, Sartre e, naturalmente, Camus. Ma questi drammaturghi differiscono essenzialmente dai drammaturghi dell'assurdo nel loro senso dell'irrazionalismo della condizione umana in una forma molto chiara e logicamente ragionata. Il teatro dell'assurdo cerca di esprimere l'insensatezza della vita e l'impossibilità di un approccio razionale ad essa mediante un aperto rifiuto degli schemi razionali delle idee discorsive. Mentre Sartre o Camus mettono nuovi contenuti in vecchie forme, il teatro dell'assurdo fa un passo avanti nel tentativo di raggiungere un'unità di idee di base e forme di espressione. In un certo senso, nel teatro di Sartre e Camus, l'espressione artistica non è adeguata alla loro filosofia, diversamente da come ricorre il teatro dell'assurdo.
Il teatro dell'assurdo tende a una radicale svalutazione del linguaggio: la poesia deve nascere dalle concrete immagini materiali della scena stessa. In questo concetto, l'elemento del linguaggio gioca un ruolo importante ma subordinato, ma ciò che accade dentro e fuori la scena spesso contraddice le parole che i personaggi dicono. [...]
Il teatro dell'assurdo fa parte del movimento "antiletterario" del nostro tempo, espresso nella pittura astratta, che ha abbandonato gli elementi "letterari" nei dipinti; nel "nuovo romanzo francese" basato sull'immagine del soggetto e rifiutando l'empatia e l'antropomorfismo.
Esslin su "Aspettando Godot" di Beckett
"Le commedie di Beckett richiedono un approccio attento per evitare le insidie che ne semplificano il significato. Ciò non significa che non si possa intraprendere uno studio approfondito, isolando la serie di immagini e temi, cercando di comprenderne la base strutturale. I risultati saranno più facili da raggiungere seguendo l'idea dell'autore, sapendo cosa si può ottenere, se non risposte alle sue domande, almeno capire le domande che pone.
"Aspettando Godot" non ha trama; si sta indagando su una situazione statica. "Non succede niente, nessuno viene, nessuno se ne va, è spaventoso."
Su una strada di campagna, vicino a un albero, stanno aspettando due vecchi vagabondi Vladimir ed Estragon. All'inizio del primo atto - una situazione aperta. Alla fine del primo atto, vengono informati che Monsieur Godot, che credono di dover incontrare, non può venire, ma verrà sicuramente domani. Il secondo atto ripete questa situazione. Lo stesso ragazzo viene e riferisce la stessa cosa.
C'è un elemento di umorismo crudo e di base nella commedia, caratteristico del music hall o della tradizione circense: Estragon perde i pantaloni; un bavaglio con tre cappelli stesi per un intero episodio, che i vagabondi indossano, poi si tolgono, poi si passano l'un l'altro, creando una confusione senza fine, e l'abbondanza di questa confusione fa ridere. L'autore di una talentuosa dissertazione su Beckett, Niklaus Gessner, elenca circa quarantacinque osservazioni indicanti che uno dei personaggi sta perdendo la posizione verticale che simboleggia la dignità umana.
Molti ingegnosi tentativi sono stati fatti per stabilire l'etimologia del nome Godot, per scoprire se l'intenzione di Beckett fosse conscia o inconscia di farne l'oggetto delle ricerche di Vladimir ed Estragon. Si può presumere che Godot sia una forma indebolita di Dio, un nome diminutivo simile a Pierre - Pierrot, Charles - Charlot più un'associazione con l'immagine di Charlie Chaplin, il suo ometto, che in Francia si chiama Charlot; la sua bombetta è indossata da tutti e quattro i personaggi della commedia.
Sia che Godot significhi l'intervento di forze soprannaturali, sia che simboleggi la base mitica dell'essere, e il suo arrivo dovrebbe cambiare la situazione, o che combini entrambi, in ogni caso, il suo ruolo è secondario. Il tema dell'opera non è Godot, ma l'atto dell'attesa come aspetto caratteristico della condizione umana. Per tutta la vita, stiamo aspettando qualcosa, e Godot è l'oggetto della nostra aspettativa, sia che si tratti di un evento o di una cosa, o di una persona, o della morte. Inoltre, nell'atto dell'attesa, lo scorrere del tempo si fa sentire nella sua forma più pura e visiva. Se siamo attivi, allora tendiamo a dimenticare il passare del tempo, non prestandovi attenzione, ma se siamo passivi, allora ci troviamo di fronte all'azione del tempo. Come scrive Beckett in uno studio su Proust: "Questa non è una fuga dalle ore e dai giorni. Non da domani, non da ieri, perché ieri siamo stati deformati o deformati da noi. ... Ieri non è un traguardo che abbiamo superato , ma un segno sui sentieri battuti degli anni, il nostro destino senza speranza, pesante e pericoloso, si trova dentro di noi ... Non solo siamo più stanchi di ogni ieri, diventiamo diversi e per niente più disperati di prima. Lo scorrere del tempo ci pone di fronte al problema principale dell'essere: la natura del nostro "io", un soggetto in continua evoluzione nel tempo, che è in perpetuo movimento, e quindi è sempre al di fuori del nostro controllo. "L'uomo può percepire la realtà solo come un'ipotesi retrospettiva. In lui è costantemente in atto un lento, opaco, monocromatico processo di trasfusione in un vaso contenente il fluido del tempo passato, multicolore, guidato dal fenomeno di questo tempo."
L'attesa è il riconoscimento per esperienza dell'azione del tempo, che è in continua evoluzione. Inoltre, poiché in realtà non accade nulla, il passare del tempo è solo un'illusione. L'incessante energia del tempo parla contro se stessa, è senza scopo e quindi inefficace e priva di significato. Più le cose cambiano, più rimangono le stesse. E questa è la terrificante immutabilità del mondo. "Le lacrime del mondo sono un valore costante. Se qualcuno si mette a piangere, vuol dire che da qualche parte qualcuno ha smesso di piangere." Un giorno è uguale all'altro e moriamo come se non fossimo mai nati. Ne parla Pozzo nell'ultimo monologo-esplosione: "Quanto puoi schernire, facendo domande sul maledetto tempo?.. Non ti basta che... ogni giorno è uguale all'altro, un bel giorno era intorpidito, e un altro bel giorno sono diventato cieco, e verrà un giorno così bello quando diventeremo tutti sordi, e in un bel giorno siamo nati, e verrà il giorno e moriremo, e ci sarà un altro giorno, esattamente lo stesso, e dopo un altro, lo stesso ... Partoriscono proprio sulle tombe: solo il giorno sorgerà, e ora è già di nuovo notte.
Presto Vladimir è d'accordo con questo: "Partono in agonia proprio sulle tombe. E sotto, nella fossa, il becchino sta già preparando la sua pala".
Quando a Beckett è stato chiesto quale fosse il tema di "Aspettando Godot", a volte ha citato il beato Agostino: "Agostino ha un detto meraviglioso. Vorrei citarlo in latino. Suona meglio in latino che in inglese: ladri è stato salvato. Non tener conto che l'altro era condannato all'eterno tormento». A volte Beckett aggiungeva: "Sono interessato ad alcune idee, anche se non ci credo ... Questo detto ha un'immagine straordinaria. Colpisce"
Un tratto caratteristico dell'opera è il suggerimento che la migliore via d'uscita dalla situazione dei vagabondi - e lo dicono - sia preferire il suicidio all'attesa di Godot. "Ci pensavamo quando il mondo era giovane, negli anni novanta... Unisci le mani e salta giù dalla Tour Eiffel tra i primi. Allora eravamo ancora abbastanza rispettabili. 60 Ma ora è troppo tardi, non lo lasciano nemmeno noi lì dentro". Il suicidio è la loro soluzione preferita, impraticabile a causa della loro incompetenza e mancanza di strumenti per il suicidio. Il fatto che il suicidio fallisca ogni volta, Vladimir ed Estragon spiegano per aspettativa o fingono questa aspettativa. "Vorrei sapere cosa avrebbe proposto. Allora sapremmo se farlo o no." La speranza della salvezza può essere semplicemente un modo per sfuggire alla sofferenza e al dolore che la contemplazione della condizione umana crea. Questo è un sorprendente parallelo tra la filosofia esistenzialista di Jean-Paul Sartre e l'intuizione creativa di Beckett, che non ha mai espresso consapevolmente visioni esistenzialiste. Se per Beckett, come per Sartre, l'obbligo morale di una persona è affrontare la vita, rendendosi conto che l'essenza dell'essere non è nulla, e la libertà e la necessità di crearsi costantemente fanno una scelta dopo l'altra, allora Godot, nella terminologia Sartre , può ben personificare la "malafede": "Il primo atto di malafede è eludere ciò che è impossibile eludere, eludere l'evasione".
Nonostante i possibili parallelismi, non dovremmo andare lontano nel tentativo di attribuire Beckett a nessuna scuola filosofica. L'insolito e la magnificenza di "Aspettando Godot" è che il gioco coinvolge molte interpretazioni dal punto di vista filosofico, religioso, psicologico. Inoltre, questa è una poesia sul tempo, la fragilità e il mistero della vita, il paradosso della variabilità e della stabilità, della necessità e dell'assurdità"
Esslin su "Rhino" Ionesco
"Il riconoscimento mondiale di Ionesco, come figura centrale del teatro dell'assurdo, è iniziato con il "Rhino".
L'eroe di "Rhino" è Beranger.
Beranger in Rhinoceros lavora nel reparto di produzione di una casa editrice di letteratura giuridica, come un tempo lavorava Ionesco. È innamorato della sua collega Mademoiselle Desi. Il suo nome ricorda il primo amore di Beranger, Dani. Ha un amico Jean. La domenica mattina hanno visto, o credono di aver visto, uno o forse due rinoceronti correre lungo la via principale del paese. A poco a poco, i rinoceronti stanno diventando sempre di più. Gli abitanti hanno contratto una misteriosa malattia, la rinoceronte, che non solo li trasforma in rinoceronti, ma fa nascere il desiderio di trasformarsi in questi animali forti, aggressivi e dalla pelle spessa. Nel finale in tutta la città, solo Berenger e Desi rimangono umani. Ma Desi non può resistere alla tentazione di diventare come tutti gli altri. Berenger è rimasto solo; l'ultimo uomo, dichiara coraggiosamente che non capitolerà.
È noto che Rhino riflette i sentimenti di Ionesco prima di lasciare la Romania nel 1938, quando sempre più suoi conoscenti si unirono al movimento fascista della Guardia di Ferro. Ha detto: "Come sempre, mi sono lasciato andare ai miei pensieri. Per tutta la vita ho ricordato come sono rimasto sbalordito dalla possibilità di manipolare l'opinione, la sua evoluzione istantanea, il potere della sua infezione, trasformandosi in un'epidemia. Le persone si lasciano accettare improvvisamente una nuova religione, dottrina, arrendersi al fanatismo... In quei momenti, diventiamo testimoni di una vera e propria mutazione mentale. smetti di capirti, hai l'impressione di affrontare mostri, ad esempio rinoceronti.In essi si mescolano sincerità e crudeltà.Ti uccideranno con la coscienza pulita.Nell'ultimo quarto di secolo, la storia ha dimostrato che le persone non solo sono diventate come rinoceronti, ma trasformato in loro."
Alla prima a Düsseldorf al teatro Schauspielhaus il pubblico tedesco riconobbe immediatamente le argomentazioni dei personaggi, che sentivano di dover seguire la tendenza generale: il pubblico stesso ascoltò o usò tali argomentazioni in un momento in cui il popolo tedesco non poteva resistere alle tentazioni di Hitler. Alcuni personaggi della commedia desideravano diventare dalla pelle dura: ammiravano la forza brutale e la semplicità che sorgevano quando i sentimenti umani troppo deboli venivano soppressi. Altri lo hanno fatto perché sarebbe stato possibile trasformare i rinoceronti in esseri umani se si potesse imparare a capire il loro modo di pensare. Anche lei un gruppo, specialmente Desi, non poteva permettersi di essere diversa dalla maggioranza. La rinoceronte non è solo una malattia chiamata totalitarismo, caratteristica della destra e della sinistra, ma anche il desiderio di conformismo. "Rhinoceros" è un gioco spiritoso. È pieno di effetti brillanti; differisce dalla maggior parte delle commedie di Ionesco in quanto dà l'impressione di essere comprensibile. Londra Volte ha pubblicato una recensione intitolata "Il gioco di Ionesco è chiaro a tutti".
Ma è davvero così facile da capire? Bernard Francuel dentro CaieriduCollé gedePatafisico notato in un articolo spiritoso che la confessione finale di Beranger e le sue precedenti riflessioni sulla superiorità degli umani sui rinoceronti ricordano stranamente le grida di "Lunga vita alla razza bianca!" nelle commedie "Il futuro nelle uova" e "Vittime del dovere". Se esaminiamo il filo logico del pensiero di Beranger in una conversazione con un amico Dudar, vedremo che difende il suo desiderio di rimanere un uomo con le stesse esplosioni istintivo sentimenti che condanna nei rinoceronti, e quando si accorge del suo errore si corregge solo, sostituendo l '"istinto" con l'intuizione. Inoltre, proprio alla fine, Berenger si rammarica amaramente di non potersi trasformare in un rinoceronte! La sua ultima audace dichiarazione di fede nell'umanesimo non è altro che il disprezzo di una volpe per l'uva troppo verde. La sfida farsesca e tragicomica di Berenger è lontana dall'eroismo genuino, e il significato finale dell'opera non è così chiaro come alcuni critici hanno pensato. Lo spettacolo mostra l'assurdità della sfida nella stessa misura dell'assurdità del conformismo, la tragedia di un individualista che non può fondersi con una massa felice di persone che non sono così sensibili come lui, il sentimento di un artista che si sente un paria. Questi sono i temi di Kafka e Thomas Mann. In una certa misura, la situazione finale di Beranger ricorda la vittima di un'altra metamorfosi: Gregor Samsa nelle Metamorfosi di Kafka. Samza si trasforma in un enorme insetto, il resto non cambia; L'ultimo uomo di Beranger si trova nella stessa situazione di Samsa, per ora è normale trasformarsi in un rinoceronte, rimanere un uomo è mostruoso. Nel monologo finale, Berenger si rammarica di avere la pelle bianca e morbida e sogna una pelle ruvida, verde scuro, simile a una conchiglia. "Solo io sono un mostro, solo io!" urla finché non decide finalmente di rimanere umano.
Rhinoceros è un opuscolo contro il conformismo e l'insensibilità (quest'ultima è decisamente presente nell'opera), una presa in giro dell'individualista, che fa solo sacrifici per necessità, sottolineando la superiorità della sua natura artistica finemente organizzata. Laddove la commedia va oltre la semplificazione propagandistica, si trasforma in una prova della fatale complessità e assurdità della vita umana. E solo una performance che rivela la dualità della posizione di Beranger nel finale può dare un quadro completo della commedia".
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