Qual è la creazione di una città ideale. pre-risveglio
Classicismo nell'architettura dell'Europa occidentale
Lasciamo fare agli italiani
Orpello vuoto con la sua finta lucentezza.
La cosa più importante è il significato, ma per arrivarci,
Dovremo superare ostacoli e percorsi,
Segui rigorosamente il percorso segnalato:
A volte la mente ha un solo modo...
Devi pensare al significato e solo allora scrivere!
N.Boileau. "Arte poetica".
Traduzione di V. Lipetskaya
Così insegnava ai suoi contemporanei uno dei principali ideologi del classicismo, il poeta Nicolas Boileau (1636-1711). Le rigide regole del classicismo erano incarnate nelle tragedie di Corneille e Racine, le commedie di Molière e le satire di La Fontaine, la musica di Lully e la pittura di Poussin, l'architettura e la decorazione dei palazzi e complessi di Parigi...
Il classicismo si manifestava più chiaramente nelle opere di architettura, incentrate sulle migliori conquiste della cultura antica: un sistema di ordini, una rigida simmetria, una chiara proporzionalità delle parti della composizione e la loro subordinazione all'idea generale. Lo "stile austero" dell'architettura classicista sembrava destinato a incarnare visivamente la sua formula ideale di "nobile semplicità e calma grandezza". Le strutture architettoniche del classicismo erano dominate da forme semplici e chiare, una calma armonia di proporzioni. La preferenza è stata data alle linee rette, all'arredamento discreto, alla ripetizione del contorno dell'oggetto. La semplicità e la nobiltà della lavorazione, la praticità e l'opportunità hanno influenzato tutto.
Sulla base delle idee degli architetti rinascimentali sulla "città ideale", gli architetti del classicismo hanno creato un nuovo tipo di grandioso insieme di palazzi e parchi, strettamente subordinato a un unico piano geometrico. Una delle strutture architettoniche eccezionali di questo periodo era la residenza dei re francesi alla periferia di Parigi: il Palazzo di Versailles.
"Sogno fatato" di Versailles
Mark Twain che visitò Versailles nel metà del diciannovesimo v.
“Ho rimproverato Luigi XIV, che ha speso 200 milioni di dollari per Versailles quando la gente non aveva abbastanza per il pane, ma ora l'ho perdonato. È straordinariamente bello! Fissi, apri gli occhi e cerca di capire che sei sulla terra e non nei giardini dell'Eden. E sei quasi pronto a credere che questa sia una bufala, solo un sogno favoloso.
In effetti, il "sogno da favola" di Versailles stupisce ancora per la scala della pianta regolare, il magnifico splendore delle facciate e lo splendore della decorazione decorativa degli interni. Versailles divenne un'incarnazione visibile dell'architettura grandiosa del classicismo, esprimendo l'idea di un modello del mondo razionalmente organizzato.
Cento ettari di terreno in maniera estremamente poco tempo(1666-1680) furono trasformate in un angolo di paradiso destinato all'aristocrazia francese. Gli architetti Louis Leveaux (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) e André Le Notre(1613-1700). Per un certo numero di anni hanno ricostruito e cambiato molto nella sua architettura, così che attualmente è una complessa fusione di diversi strati architettonici, assorbendo tratti caratteriali classicismo.
Il centro di Versailles è il Grand Palace, al quale conducono tre viali convergenti. Posto su una certa elevazione, il palazzo occupa una posizione dominante sull'area. I suoi creatori hanno diviso la facciata lunga quasi mezzo chilometro in una parte centrale e due ali laterali - risalit, conferendole una speciale solennità. La facciata è rappresentata da tre piani. Il primo, che svolge il ruolo di un massiccio basamento, è decorato a bugnato sul modello dei palazzi-palazzi rinascimentali italiani. Sulla seconda, frontale, si aprono alte finestre ad arco, tra le quali si aprono colonne ioniche e lesene. La gradinata che corona l'edificio conferisce monumentalità all'aspetto del palazzo: si accorcia e termina con gruppi scultorei che conferiscono all'edificio una particolare eleganza e leggerezza. Il ritmo delle finestre, dei pilastri e delle colonne della facciata ne sottolinea la classica austerità e magnificenza. Non è un caso che Molière abbia detto del Gran Palazzo di Versailles:
"La decorazione artistica del palazzo è così in armonia con la perfezione che la natura gli conferisce che può essere definito un castello magico."
Gli interni del Grand Palace sono decorati in stile barocco: abbondano di decorazioni scultoree, ricche decorazioni sotto forma di stucchi dorati e intagli, molti specchi e mobili raffinati. Le pareti ei soffitti sono ricoperti da lastre di marmo colorato con chiari motivi geometrici: quadrati, rettangoli e cerchi. Pannelli e arazzi pittoreschi temi mitologici glorificare il re Luigi XIV. I massicci lampadari in bronzo con dorature completano l'impressione di ricchezza e lusso.
Le sale del palazzo (ce ne sono circa 700) formano infinite infilate e sono destinate a processioni cerimoniali, magnifiche feste e balli in maschera. Nella più grande sala cerimoniale del palazzo - la Galleria degli Specchi (lunga 73 m) - è chiaramente dimostrata la ricerca di nuovi effetti spaziali e luminosi. Le finestre su un lato della sala erano accompagnate da specchi sull'altro. Sotto la luce del sole o con l'illuminazione artificiale, quattrocento specchi creavano un eccezionale effetto spaziale, trasmettendo un magico gioco di riflessi.
Le composizioni decorative di Charles Lebrun (1619-1690) a Versailles e al Louvre colpivano per il loro splendore cerimoniale. Il "metodo di rappresentazione delle passioni" da lui proclamato, che comportava pomposi elogi di persone di alto rango, portò all'artista un successo vertiginoso. Nel 1662 divenne il primo pittore del re, e poi il direttore della manifattura reale di arazzi (quadri di tappeti tessuti a mano, o arazzi) e il capo di tutti i lavori decorativi nella Reggia di Versailles. Nella Galleria degli Specchi del Palazzo, Lebrun dipinse
un soffitto dorato con molte composizioni allegoriche su temi mitologici che glorificavano il regno del "Re Sole" Luigi XIV. Allegorie e attributi pittoreschi ammucchiati, colori vivaci ed effetti decorativi del barocco contrastavano chiaramente con l'architettura del classicismo.
La camera da letto del re si trova nella parte centrale del palazzo ed è rivolta verso il sole nascente. Fu da qui che si aprì la vista di tre autostrade che si irradiavano da un punto, che simbolicamente ricordavano il centro principale del potere statale. Dal balcone, la vista del re ha aperto tutta la bellezza del parco di Versailles. Il suo creatore principale Andre Le Nôtre è riuscito a collegare insieme gli elementi dell'architettura e dell'arte del giardinaggio. A differenza dei parchi paesaggistici (inglesi), che esprimevano l'idea di unità con la natura, i parchi regolari (francesi) subordinavano la natura alla volontà e alle intenzioni dell'artista. Il parco di Versailles colpisce per la sua chiarezza e organizzazione razionale dello spazio, il suo disegno è accuratamente verificato dall'architetto con l'ausilio di compasso e righello.
I vicoli del parco sono percepiti come una continuazione delle sale del palazzo, ognuna delle quali termina con un serbatoio. Molte piscine hanno la forma geometrica corretta. I lisci specchi d'acqua nelle ore prima del tramonto riflettono i raggi del sole e le ombre stravaganti proiettate da cespugli e alberi tagliati a forma di cubo, cono, cilindro o palla. Il verde forma a volte muri solidi e impenetrabili, a volte ampie gallerie, in nicchie artificiali di cui sono poste composizioni scultoree, erme (pilastri tetraedrici coronati da una testa o un busto) e numerosi vasi con cascate di sottili getti d'acqua. Scultura allegorica di fontane realizzate maestri famosi, progettato per glorificare il regno di un monarca assoluto. Il "Re Sole" appariva in loro o sotto le spoglie del dio Apollo, o Nettuno, che cavalcava fuori dall'acqua su un carro o riposava tra le ninfe in una fresca grotta.
Tappeti lisci di prati stupiscono con colori vivaci e colorati con un bizzarro ornamento floreale. Nei vasi (ce n'erano circa 150mila) c'erano fiori freschi, che venivano cambiati in modo tale che Versailles fosse in costante fioritura in qualsiasi periodo dell'anno. I sentieri del parco sono cosparsi di sabbia colorata. Alcuni di loro erano rivestiti con scaglie di porcellana scintillanti al sole. Tutto questo splendore e splendore della natura era completato dagli odori di mandorle, gelsomino, melograno e limone, che si diffondevano dalle serre.
C'era natura in questo parco
Come se fosse inanimato;
Come con un alto sonetto,
Stavano scherzando con l'erba.
Niente balli, niente lamponi dolci,
Le Notre e Jean Lully
Nei giardini e nelle danze del disordine
Non potrei sopportarlo.
I tassi si congelarono, come in trance,
I cespugli allineati,
E fece un inchino
Fiori appresi.
V. Hugo Traduzione di E. L. Lipetskaya
N. M. Karamzin (1766-1826), che visitò Versailles nel 1790, parlò delle sue impressioni nelle Lettere di un viaggiatore russo:
“L'immensità, la perfetta armonia delle parti, l'azione del tutto: questo è ciò che il pittore non può rappresentare con un pennello!
Andiamo ai giardini, creazione di Le Nôtre, che ovunque il genio audace pose sul trono dell'arte orgogliosa, e l'umile Na-tura, come un povero schiavo, lo gettò ai suoi piedi ...
Quindi, non cercare la Natura nei giardini di Versailles; ma qui, ad ogni passo, l'Arte cattura lo sguardo...”
Complessi architettonici di Parigi. Impero
Dopo il completamento dei principali lavori di costruzione a Versailles, a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo, André Le Nôtre lanciò vigorosa attività per la riqualificazione di Parigi. Ha eseguito la scomposizione del Parco delle Tuileries, fissando chiaramente l'asse centrale sulla continuazione dell'asse longitudinale dell'insieme del Louvre. Dopo Le Nôtre, il Louvre fu finalmente ricostruito, fu creata Place de la Concorde. Il grande asse di Parigi ha dato un'interpretazione completamente diversa della città, che ha soddisfatto i requisiti di grandezza, grandiosità e splendore. La composizione degli spazi urbani aperti, il sistema di strade e piazze progettate architettonicamente divennero il fattore determinante nella pianificazione di Parigi. La chiarezza del disegno geometrico di strade e piazze collegate in un unico insieme lunghi anni diventerà un criterio per valutare la perfezione del piano urbanistico e l'abilità dell'urbanista. Molte città in tutto il mondo sperimenteranno successivamente l'influenza del classico modello parigino.
Una nuova comprensione della città come oggetto di influenza architettonica su una persona trova una chiara espressione nel lavoro sugli insiemi urbani. Nel processo della loro costruzione sono stati delineati i principi principali e fondamentali dell'urbanistica del classicismo: libero sviluppo nello spazio e connessione organica con l'ambiente. Superando il caos dello sviluppo urbano, gli architetti hanno cercato di creare complessi progettati per una visione libera e senza ostacoli.
I sogni rinascimentali di creare una “città ideale” si concretizzarono nella formazione di un nuovo tipo di piazza, i cui confini non erano più le facciate di certi edifici, ma lo spazio delle strade e dei quartieri ad essa adiacenti, parchi o giardini, un argine del fiume. L'architettura cerca di collegare in una certa unità d'insieme non solo edifici direttamente vicini, ma anche punti molto remoti della città.
Seconda metà del XVIII secolo e il primo terzo del XIX secolo. festeggiato in Francia nuovo stadio sviluppo del classicismo e sua diffusione nei paesi europei - neoclassicismo. Dopo il Grande rivoluzione francese E Guerra patriottica Nel 1812 apparvero nuove priorità nell'urbanistica, in sintonia con lo spirito del loro tempo. Hanno trovato l'espressione più sorprendente nello stile Impero. Era caratterizzato dalle seguenti caratteristiche: pathos cerimoniale di grandezza imperiale, monumentalità, richiamo all'arte della Roma imperiale e dell'antico Egitto, uso di attributi della storia militare romana come principali motivi decorativi.
L'essenza del nuovo stile artistico è stata trasmessa in modo molto accurato nelle significative parole di Napoleone Bonaparte:
"Amo il potere, ma come artista... mi piace estrarne suoni, accordi, armonia."
Stile impero divenne la personificazione del potere politico e della gloria militare di Napoleone, servì come una sorta di manifestazione del suo culto. La nuova ideologia incontrava pienamente gli interessi politici e i gusti artistici del nuovo tempo. Grande insiemi architettonici piazze aperte, strade larghe e viali, ponti, monumenti ed edifici pubblici furono eretti, a dimostrazione della grandezza imperiale e del potere del potere.
Ad esempio, il ponte Austerlitz ricordava la grande battaglia di Napoleone ed è stato costruito con le pietre della Bastiglia. In piazza Carruzel fu costruito arco trionfale in onore della vittoria ad Austerlitz. Due piazze (Consenso e Stelle), separate l'una dall'altra a notevole distanza, erano collegate da prospettive architettoniche.
Chiesa di Santa Genoveffa, eretto da J. J. Soufflot, divenne il Pantheon, il luogo di riposo del grande popolo francese. Uno dei monumenti più spettacolari dell'epoca è la colonna della Grande Armata in Place Vendôme. Simile all'antica colonna romana di Traiano, doveva, secondo il progetto degli architetti J. Gonduin e J. B. Leper, esprimere lo spirito del Nuovo Impero e la sete di grandezza di Napoleone.
Nella decorazione interna luminosa di palazzi ed edifici pubblici, la solennità e la maestosa pomposità erano particolarmente apprezzate, il loro arredamento era spesso sovraccarico di accessori militari. I motivi dominanti erano combinazioni contrastanti di colori, elementi di ornamenti romani ed egizi: aquile, grifoni, urne, ghirlande, torce, grottesche. Lo stile Impero si manifestava più chiaramente negli interni delle residenze imperiali del Louvre e della Malmaison.
L'era di Napoleone Bonaparte terminò nel 1815 e ben presto iniziarono a sradicare attivamente la sua ideologia e i suoi gusti. Dall'Impero "scomparso come un sogno", c'erano opere d'arte in stile Impero, che testimoniavano chiaramente la sua antica grandezza.
Domande e compiti
1. Perché Versailles può essere attribuita a opere eccezionali?
Come idee urbanistiche del classicismo del XVIII secolo. hanno trovato la loro implementazione pratica negli insiemi architettonici di Parigi, ad esempio Place de la Concorde? Cosa la distingue dalle piazze barocche italiane della Roma del XVII secolo, come Piazza del Popolo (vedi p. 74)?
2. Come si è espressa la connessione tra barocco e classicismo? Quali idee ha ereditato il classicismo dal barocco?
3. Quali sono i retroscena storici dell'emergere dello stile Impero? Quali nuove idee del suo tempo cercava di esprimere nelle opere d'arte? Quale principi artistici si affida?
laboratorio creativo
1. Offri ai tuoi compagni di classe una visita guidata di Versailles. Per la sua preparazione, puoi utilizzare materiali video da Internet. I parchi di Versailles e Peterhof vengono spesso confrontati. Quale pensi sia la base per tali confronti?
2. Prova a confrontare l'immagine della "città ideale" dell'era rinascimentale con gli insiemi classicisti di Parigi (San Pietroburgo o la sua periferia).
3. Confronta il design della decorazione interna (interni) della galleria di Francesco I a Fontainebleau e della Galleria degli specchi di Versailles.
4. Conosci i dipinti dell'artista russo A. N. Benois (1870-1960) dal ciclo “Versailles. Cammino del Re” (vedi p. 74). Come trasmettono l'atmosfera generale della vita di corte del re francese Luigi XIV? Perché possono essere considerati come immagini-simboli peculiari?
Argomenti di progetti, abstract o messaggi
"La formazione del classicismo nell'architettura francese dei secoli XVII-XVIII"; "Versailles come modello di armonia e bellezza del mondo"; "A spasso per Versailles: il legame tra la composizione del palazzo e la sistemazione del parco"; "Capolavori dell'architettura del classicismo dell'Europa occidentale"; "L'impero napoleonico nell'architettura della Francia"; "Versailles e Peterhof: esperienza caratteristiche comparative»; "Scoperte artistiche negli insiemi architettonici di Parigi"; "Le piazze di Parigi e lo sviluppo dei principi di pianificazione regolare della città"; "Chiarezza di composizione ed equilibrio di volumi della cattedrale degli Invalides a Parigi"; "Concord Square è una nuova tappa nello sviluppo delle idee urbanistiche del classicismo"; “La severa espressività dei volumi e l'avarizia dell'arredamento della chiesa di Santa Genoveffa (Pantheon) di J. Soufflot”; "Caratteristiche del classicismo nell'architettura dei paesi dell'Europa occidentale"; "Eccezionali architetti del classicismo dell'Europa occidentale".
Libri per ulteriori letture
Arkin D. E. Immagini di architettura e immagini di scultura. M., 1990. Kantor A. M. e altri Arte del XVIII secolo. M., 1977. (Piccola storia delle arti).
Classicismo e Romanticismo: Architettura. Scultura. Pittura. Disegno / ed. R.Toman. M., 2000.
Kozhina E.F. Arte della Francia del XVIII secolo. L., 1971.
Lenotr J. La vita quotidiana di Versailles sotto i re. M., 2003.
Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Cultura dell'Illuminismo. M., 1996.
Watkin D. Storia dell'architettura dell'Europa occidentale. M., 1999. Fedotova E.D. Impero napoleonico. M., 2008.
Nella preparazione del materiale, il testo del libro di testo “Cultura artistica mondiale. Dal XVIII secolo ad oggi” (Autore Danilova G. I.).
PAGINA \* MERGEFORMAT 2
Agenzia federale per il trasporto ferroviario
Università statale dei trasporti siberiana
Dipartimento di "Filosofia"
IMMAGINI ARTISTICHE DEL RINASCIMENTO
Saggio
Nella disciplina "Culturologia"
Testa progettata
Professore studente gr. D-111
Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.
(firma) (firma)
08.12.2012
(data di ispezione) (data di presentazione per ispezione)
anno 2012
introduzione
Il Rinascimento è considerato uno dei periodi più luminosi nella storia dello sviluppo della cultura europea. Possiamo dire che il revival è un'intera era culturale nel processo di transizione dal Medioevo al nuovo tempo, durante il quale si è verificato uno sconvolgimento culturale (un punto di svolta, un cambiamento). I cambiamenti fondamentali sono associati all'eradicazione della mitologia.
Nonostante l'origine del termine Rinascimento (fr. Rinascimento, "Rinascimento"), non ci fu alcun risveglio dell'antichità e non poteva esserlo. L'uomo non può tornare al suo passato. Il Rinascimento, utilizzando le lezioni dell'antichità, ha introdotto innovazioni. Non ha riportato in vita tutti i generi antichi, ma solo quelli che erano caratteristici delle aspirazioni del suo tempo e della sua cultura. Il Rinascimento combinò una nuova lettura dell'antichità con una nuova lettura del cristianesimo.
La rilevanza dell'argomento scelto è dovuta alla connessione tra l'era moderna e il Rinascimento: questa è una rivoluzione, prima di tutto, nel sistema di valori, nella valutazione di tutto ciò che esiste e in relazione ad esso.
Lo scopo principale dell'opera è mostrare i cambiamenti fondamentali avvenuti nella visione del mondo delle più grandi figure dell'epoca in esame.
1. Cultura del Rinascimento
XIII-XVI I secoli sono stati un periodo di grandi cambiamenti nell'economia, nella politica e nella cultura. La rapida crescita delle città e lo sviluppo dell'artigianato, e successivamente il passaggio alla produzione manifatturiera, trasformarono il volto dell'Europa medievale.
Le città sono venute alla ribalta. Non molto tempo prima, le forze più potenti del mondo medievale - l'impero e il papato - erano in profonda crisi. IN XVI secolo, il decadente Sacro Romano Impero della nazione tedesca divenne teatro delle prime due rivoluzioni antifeudali: la Grande Guerra dei Contadini in Germania e la Rivolta dei Paesi Bassi.
La natura transitoria dell'epoca, il processo di liberazione dai percorsi medievali in atto in tutti gli ambiti della vita, allo stesso tempo, l'ancora sottosviluppo delle relazioni capitaliste emergenti non poteva che incidere sulle caratteristiche della cultura artistica e del pensiero estetico di quel tempo .
Secondo A. V. Stepanov, tutti i cambiamenti nella vita della società sono stati accompagnati da un ampio rinnovamento della cultura: il fiorire delle scienze naturali ed esatte, la letteratura su lingue nazionali, arti visive. Nato nelle città d'Italia, questo rinnovamento ha poi catturato altri paesi europei. L'autore ritiene che dopo l'avvento della stampa si siano aperte opportunità senza precedenti per la diffusione di opere letterarie e opere scientifiche, e una comunicazione più regolare e più stretta tra i paesi ha contribuito alla penetrazione di nuove tendenze artistiche.
Ciò non significava che il Medioevo si fosse ritirato prima delle nuove tendenze: le idee tradizionali erano conservate nella coscienza di massa. La chiesa ha resistito a nuove idee, usando un mezzo medievale: l'Inquisizione. L'idea della libertà della persona umana ha continuato ad esistere in una società divisa in classi. La forma feudale di dipendenza dei contadini non è scomparsa del tutto, e in alcuni paesi (Germania, in Europa centrale) c'è stato un ritorno alla servitù. Il sistema feudale ha mostrato molta vitalità. Ogni paese europeo l'ha vissuta a modo suo ea modo suo quadro cronologico. Capitalismo per molto tempo esisteva come stile di vita, coprendo solo una parte della produzione sia in città che in campagna. Tuttavia, la lentezza patriarcale medievale iniziò a retrocedere nel passato.
Le grandi scoperte geografiche hanno giocato un ruolo enorme in questa svolta. Ad esempio, nel 1492. H. Colombo, alla ricerca di una via per l'India attraversata oceano Atlantico e sbarcò al largo delle Bahamas, scoprendo un nuovo continente: l'America. Nel 1498 Il viaggiatore spagnolo Vasco da Gama, dopo aver doppiato l'Africa, portò con successo le sue navi sulle coste dell'India. CON XVI v. Gli europei stanno penetrando in Cina e Giappone, di cui prima avevano solo una vaga idea. Dal 1510 inizia la conquista dell'America. IN XVII v. L'Australia è stata scoperta. L'idea della forma della terra è cambiata: il giro del mondo di F. Magellan ha confermato la congettura che abbia la forma di una palla.
Il disprezzo per tutto ciò che è terreno è ora sostituito da un avido interesse per il mondo reale, per l'uomo, per la coscienza della bellezza e della grandezza della natura, che potrebbe essere dimostrato analizzando i monumenti culturali del Rinascimento. Il primato della teologia sulla scienza, indiscutibile nel Medioevo, è scosso dalla fede nelle possibilità illimitate. mente umana che diventa il più alto standard di verità. Sottolineando l'interesse per l'umano in opposizione al divino, i rappresentanti della nuova intellighenzia secolare si definirono umanisti, derivando questa parola dal concetto di " studia humanitanis ”, intendendo lo studio di tutto ciò che è connesso con la natura umana e il suo mondo spirituale.
Per le opere e l'arte del Rinascimento divenne caratteristica l'idea di un essere libero con possibilità creative illimitate. È associato all'antropocentrismo nell'estetica del Rinascimento e alla comprensione del bello, del sublime, dell'eroico. Il principio di una bella personalità umana artistica e creativa è stato combinato dai teorici del Rinascimento con un tentativo di calcolare matematicamente tutti i tipi di proporzioni, simmetria e prospettiva.
Il pensiero estetico e artistico di quest'epoca si basa per la prima volta sulla percezione umana in quanto tale e su un'immagine sensualmente reale del mondo. Qui colpisce anche la sete soggettivista-individualista di sensazioni di vita, indipendentemente dalla loro interpretazione religiosa e morale, sebbene quest'ultima, in linea di principio, non sia negata. L'estetica del Rinascimento concentra l'arte sull'imitazione della natura. Tuttavia, in primo luogo qui non c'è tanto la natura quanto l'artista, che nella sua attività creativa è paragonato a Dio.
E. Chamberlin considera il piacere uno dei principi più importanti per la percezione delle opere d'arte, perché questo indica una significativa tendenza democratica rispetto all'"apprendimento" scolastico delle precedenti teorie estetiche.
Il pensiero estetico del Rinascimento contiene non solo l'idea di assolutizzazione dell'individuo umano in contrapposizione alla personalità divina nel Medioevo, ma anche una certa consapevolezza dei limiti di tale individualismo, basato sull'assoluta autoaffermazione di l'individuo. Da qui i motivi della tragedia, trovati nelle opere di W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo e altri: questa è la natura contraddittoria di una cultura che si è allontanata dagli antichi assoluti medievali, ma a causa di circostanze storiche non ha ancora trovato nuovi basi affidabili.
Il legame tra arte e scienza è uno dei caratteristiche peculiari cultura. Gli artisti cercavano sostegno nelle scienze, spesso stimolando il loro sviluppo. Il Rinascimento è segnato dall'emergere di artisti-scienziati, tra i quali il primo posto appartiene a Leonardo da Vinci.
Pertanto, uno dei compiti del Rinascimento è la comprensione da parte dell'uomo di un mondo pieno di bellezza divina. Il mondo attrae una persona perché è spiritualizzata da Dio. Ma nel Rinascimento c'era un'altra tendenza nel sentire una persona della tragedia della sua esistenza.
2. L'immagine del mondo e dell'uomo nelle opere dei grandi maestri Rinascimento
Il termine "Rinascimento" (una traduzione del termine francese "Rinascimento") indica una connessione nuova cultura con l'antichità. Come risultato della conoscenza dell'Oriente, in particolare di Bisanzio, durante l'era delle Crociate, gli europei conobbero antichi manoscritti umanistici, vari monumenti di belle arti e architettura antiche. Tutte queste antichità iniziarono ad essere parzialmente trasportate in Italia, dove furono raccolte e studiate. Ma anche nella stessa Italia c'erano molti antichi monumenti romani, che iniziarono anche ad essere attentamente studiati dai rappresentanti dell'intellighenzia urbana italiana. Nella società italiana sorse un profondo interesse per le lingue classiche antiche, la filosofia antica, la storia e la letteratura. La città di Firenze ebbe un ruolo particolarmente importante in questo movimento. Da Firenze uscirono alcune figure di spicco della nuova cultura.
Utilizzando l'antica ideologia, creata un tempo nelle città più vivaci, in senso economico, dell'antichità, la nuova borghesia l'ha rielaborata a modo suo, formulando la sua nuova visione del mondo, nettamente opposta alla visione del mondo del feudalesimo che prevaleva prima. Il secondo nome del nuovo cultura italiana- l'umanesimo lo dimostra.
La cultura umanistica poneva al centro della sua attenzione l'uomo stesso (humanus - umano), e non il divino, ultraterreno, come avveniva nell'ideologia medievale. L'ascetismo non aveva più un posto nella visione umanistica del mondo. Il corpo umano, le sue passioni ei suoi bisogni non erano visti come qualcosa di "peccaminoso" da sopprimere o torturare, ma come fine a se stesso, come la cosa più importante della vita. L'esistenza terrena era riconosciuta come l'unica vera. La conoscenza della natura e dell'uomo è stata dichiarata l'essenza della scienza. In contrasto con i motivi pessimistici che dominavano la visione del mondo degli scolastici e dei mistici medievali, i motivi ottimistici prevalevano nella visione del mondo e nell'umore delle persone del Rinascimento; erano caratterizzati dalla fede nell'uomo, nel futuro dell'umanità, nel trionfo della ragione umana e dell'illuminazione. A questo nuovo grande movimento intellettuale partecipò una costellazione di eminenti poeti e scrittori, studiosi e artisti di ogni genere. La gloria dell'Italia è stata portata da artisti così meravigliosi: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raffaello, Tiziano.
L'indubbia conquista del Rinascimento fu la costruzione geometricamente corretta del quadro. L'artista ha costruito l'immagine utilizzando le tecniche che ha sviluppato. La cosa principale per i pittori di quel tempo era osservare le proporzioni degli oggetti. Anche la natura è caduta sotto i trucchi matematici.
In altre parole, gli artisti del Rinascimento cercavano di trasmettere un'immagine accurata, ad esempio, di una persona sullo sfondo della natura. Se confrontato con i metodi moderni per ricreare un'immagine vista su una sorta di tela, allora, molto probabilmente, una fotografia con successivo aggiustamento aiuterà a capire a cosa aspiravano gli artisti del Rinascimento.
I pittori del Rinascimento credevano di avere il diritto di correggere i difetti della natura, cioè se una persona aveva brutti tratti del viso, gli artisti li correggevano in modo tale che il viso diventasse dolce e attraente.
Raffigurando scene bibliche, gli artisti del Rinascimento hanno cercato di chiarire che le manifestazioni terrene di una persona possono essere rappresentate più chiaramente se si usano contemporaneamente storie bibliche. Puoi capire cos'è la caduta, la tentazione, l'inferno o il paradiso, se inizi a conoscere il lavoro degli artisti di quel tempo. La stessa immagine della Madonna ci trasmette la bellezza di una donna e porta anche una comprensione dell'amore umano terreno.
Così, nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati. Il suo significato cognitivo era indissolubilmente legato alla sublime bellezza poetica, nella sua ricerca della naturalezza, non scendeva nella meschina quotidianità. L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.
Conclusione
Quindi, il Rinascimento, o il Rinascimento, è un'era nella vita dell'umanità, segnata da un colossale aumento dell'arte e della scienza. Il Rinascimento ha proclamato l'uomo il valore più alto della vita.
Nell'art tema principale divenne un uomo dalle possibilità spirituali e creative illimitate.L'arte del Rinascimento ha gettato le basi della cultura europea della New Age, ha cambiato radicalmente tutti i principali tipi di arte.
In architettura si sono sviluppati nuovi tipi di edifici pubblici.La pittura si arricchì di una prospettiva lineare e aerea, della conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano.Il contenuto terreno è penetrato nei tradizionali temi religiosi delle opere d'arte. Aumento dell'interesse per la mitologia antica, la storia, le scene quotidiane, i paesaggi, i ritratti. Apparve un'immagine, sorse un dipinto ad olio. L'individualità creativa dell'artista ha preso il primo posto nell'arte.
Nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati.L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.
Indubbiamente, il Rinascimento è una delle epoche più belle della storia dell'umanità.
BIBLIOGRAFIA
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- IMMAGINI D'AMORE E DI BELLEZZA NELLA CULTURA DEL RINASCIMENTO / L.M. BRAGINA, M., 2008. 309 P.
- Stepanov A.V. ARTE DEL RINASCIMENTO. ITALIA XIV-XV SECOLO / A.V. STEPANOV, M., 2007. 610 P.
- Stepanov A.V. ARTE DEL RINASCIMENTO. PAESI BASSI, GERMANIA, FRANCIA, SPAGNA, INGHILTERRA / A.V. STEPANOV, AZBUKA-CLASSICS, 2009. 640 P.
- CHAMBERLIN E. L'ETÀ DEL RINASCIMENTO. VITA, RELIGIONE, CULTURA / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 P.
Sergej Khromov
Sebbene nessuna città ideale sia stata incarnata nella pietra, le loro idee hanno trovato vita città reali Rinascimento...
Cinque secoli ci separano dal periodo in cui gli architetti affrontarono per la prima volta i temi della ricostruzione della città. E queste stesse domande sono acute per noi oggi: come creare nuove città? Come ricostruire quelli vecchi - per adattarli a gruppi separati o demolire e ricostruire tutto? E, soprattutto, quale idea posare in una nuova città?
I maestri del Rinascimento incarnavano quelle idee che avevano già risuonato cultura antica e filosofia: idee di umanesimo, armonia della natura e dell'uomo. Le persone si rivolgono di nuovo al sogno di Platone di uno stato ideale e di una città ideale. La nuova immagine della città nasce anzitutto come immagine, come formula, come idea, che è un'audace rivendicazione di futuro - come tante altre invenzioni del Quattrocento italiano.
La costruzione della teoria della città era strettamente connessa con lo studio del patrimonio dell'antichità e, soprattutto, l'intero trattato "Dieci libri sull'architettura" di Marco Vitruvio (seconda metà del I secolo a.C.), architetto e ingegnere nell'esercito di Giulio Cesare. Questo trattato fu scoperto nel 1427 in una delle abbazie. L'autorità di Vitruvio fu sottolineata da Alberti, Palladio, Vasari. Il più grande conoscitore di Vitruvio fu Daniele Barbaro, che nel 1565 pubblicò il suo trattato con i suoi commenti. In un'opera dedicata all'imperatore Augusto, Vitruvio riassunse l'esperienza dell'architettura e dell'urbanistica in Grecia ea Roma. Considerava il già domande classiche selezione di un'area favorevole alla fondazione della città, collocazione delle principali piazze e strade cittadine, tipologia degli edifici. Da un punto di vista estetico, Vitruvio consigliava l'adesione all'ordinamento (seguendo gli ordini architettonici), una pianificazione ragionevole, osservando l'uniformità del ritmo e dell'ordine, la simmetria e la proporzionalità, la conformità della forma allo scopo e la distribuzione delle risorse. |
Nell'urbanistica del Rinascimento, teoria e pratica si sviluppano parallelamente. Si costruiscono nuovi edifici e si ricostruiscono quelli vecchi, si formano insiemi architettonici e contemporaneamente si scrivono trattati, dedicata all'architettura, pianificazione e fortificazione delle città. Tra questi ci sono le famose opere di Alberti e Palladio, schemi delle città ideali di Filarete, Scamozzi e altri. L'idea degli autori è molto più avanti delle esigenze della costruzione pratica: non descrivono progetti già pronti che possono essere utilizzati per pianificare una città specifica, ma un'idea rappresentata graficamente, il concetto di città. Si ragiona sull'ubicazione della città dal punto di vista economico, igienico, difensivo, estetico. Sono in corso ricerche per planimetrie ottimali di aree residenziali e centri urbani, giardini e parchi. Vengono studiate questioni di composizione, armonia, bellezza, proporzione. In queste costruzioni ideali, la pianificazione della città è caratterizzata da razionalismo, chiarezza geometrica, composizione centrica e armonia tra il tutto e le parti. E, infine, ciò che distingue l'architettura del Rinascimento dalle altre epoche è la persona che sta al centro, al centro di tutte queste costruzioni. L'attenzione alla persona umana era così grande che anche strutture architettoniche sono stati paragonati al corpo umano come standard di perfette proporzioni e bellezza.
Teoria
Negli anni '50 del XV sec. Appare il trattato "Dieci libri sull'architettura" di Leon Alberti. Era, in sostanza, il primo lavoro teorico della nuova era su questo argomento. Si occupa di molte questioni di pianificazione urbana, che vanno dalla selezione del sito e dall'urbanistica alla tipologia e all'arredamento degli edifici. Di particolare interesse sono i suoi argomenti sulla bellezza. Alberti scriveva che "la bellezza è un'armonia strettamente proporzionata di tutte le parti, unite da ciò a cui appartengono - tale che nulla può essere aggiunto, sottratto o cambiato senza peggiorarlo". L'Alberti, infatti, fu il primo a proclamare i principi fondamentali dell'insieme urbano rinascimentale, legando l'antico senso delle proporzioni con l'inizio razionalista di una nuova era. Il dato rapporto tra l'altezza dell'edificio e lo spazio ad esso antistante (da 1:3 a 1:6), la coerenza delle scale architettoniche degli edifici principali e secondari, l'equilibrio della composizione e l'assenza di contrasti dissonanti: questi sono i principi estetici degli urbanisti rinascimentali.
La città ideale ha entusiasmato molti grandi personaggi dell'epoca. Ho pensato a lui e a Leonardo da Vinci. La sua idea era quella di creare una città a due livelli: il livello superiore era destinato a strade pedonali e di superficie, e quello inferiore a gallerie e canali collegati con i sotterranei delle case, attraverso i quali si muove il trasporto merci. Noto per i suoi piani per la ricostruzione di Milano e Firenze, nonché per il progetto di una città del fuso.
Un altro importante teorico della città fu Andrea Palladio. Nel suo trattato "Quattro libri sull'architettura" riflette sull'integrità dell'organismo urbano e sul rapporto dei suoi elementi spaziali. Dice che "la città non è altro che un certo grande casa, e viceversa, la casa è una specie di cittadina. A proposito dell'insieme urbano scrive: "La bellezza è il risultato di una bella forma e della corrispondenza del tutto alle parti, delle parti tra loro e anche delle parti al tutto". Un posto di rilievo nel trattato è dato all'interno degli edifici, alle loro dimensioni e proporzioni. Palladio sta cercando di collegare organicamente lo spazio esterno delle strade con l'interno delle case e dei cortili.
Verso la fine del XVI secolo. molti teorici sono stati attratti dalle questioni dello spazio commerciale e delle fortificazioni. Così, Giorgio Vasari Jr. nella sua città ideale presta molta attenzione allo sviluppo di piazze, gallerie commerciali, logge, palazzi. E nei progetti di Vincenzo Scamozzi e Buanayuto Lorrini, i temi dell'arte della fortificazione occupano un posto significativo. Questa fu una risposta all'ordine del tempo: con l'invenzione di proiettili esplosivi, le mura e le torri della fortezza furono sostituite da bastioni di terra, portati fuori dai confini della città, e la città iniziò ad assomigliare a una stella a più raggi nei suoi contorni . Queste idee furono incarnate nella fortezza di Palmanova effettivamente costruita, la cui creazione è attribuita a Scamozzi.
Pratica
Sebbene non una sola città ideale fosse incarnata nella pietra, ad eccezione delle piccole città fortezza, molti dei principi della sua costruzione furono incarnati nella realtà già nel XVI secolo. A quel tempo, in Italia e in altri paesi, furono posate strade larghe e diritte che collegavano elementi importanti dell'insieme urbano, furono create nuove piazze, ricostruite quelle vecchie e successivamente apparvero parchi e complessi di palazzi con una struttura regolare.
| Città Ideale di Antonio Filarete La città era a pianta stellare ottagonale, formata dall'intersezione ad angolo di 45° di due quadrati uguali con un lato di 3,5 km. Nelle sporgenze della stella c'erano otto torri rotonde e nelle "tasche" - otto porte della città. Le porte e le torri erano collegate al centro da strade radiali, alcune delle quali erano canali di navigazione. Nella parte centrale della città, su un'altura, si trovava la piazza principale, a pianta rettangolare, sui cui lati corti doveva esserci palazzo principesco e la cattedrale cittadina, e lungo quelle lunghe - istituzioni giudiziarie e cittadine. Al centro della piazza c'era uno stagno e una torre di avvistamento. Altri due erano attigui alla piazza principale, con le case dei più eminenti abitanti della città. Altre sedici piazze erano situate all'incrocio delle strade radiali con la circonvallazione: otto commerciali e otto per centri parrocchiali e chiese. |
Nonostante il fatto che l'arte del Rinascimento fosse sufficientemente contraria all'arte del Medioevo, si inseriva facilmente e organicamente nelle città medievali. Nel suo attività pratiche Gli architetti del Rinascimento usavano il principio di "costruire il nuovo senza distruggere il vecchio". Riuscirono a creare insiemi sorprendentemente armoniosi non solo da edifici dello stesso stile, come si può vedere nelle piazze dell'Annuziata a Firenze (progettate da Filippo Brunelleschi) e del Campidoglio a Roma (progettate da Michelangelo), ma anche a combinare edifici di tempi diversi in un'unica composizione. Così, sulla piazza di S. Marco a Venezia, gli edifici medievali sono combinati in un insieme architettonico e spaziale con i nuovi edifici del XVI secolo. E a Firenze, da piazza della Signoria con il medievale Palazzo Vecchio, segue armoniosamente via degli Uffizi, disegnata da Giorgio Vasari. Inoltre, l'insieme della Cattedrale fiorentina di Santa Maria del Fiore (ricostruzione di Brunelleschi) combina perfettamente tre stili architettonici contemporaneamente: romanico, gotico e rinascimentale.
La città del Medioevo e la città del Rinascimento
La città ideale del Rinascimento è apparsa come una sorta di protesta contro il Medioevo, espressa nello sviluppo di antichi principi urbanistici. A differenza della città medievale, percepita come una sorta, seppur imperfetta, somiglianza della "Gerusalemme celeste", incarnazione di un piano non umano, ma divino, la città del Rinascimento è stata creata da un creatore umano. L'uomo non si è limitato a copiare ciò che già esisteva, ha creato qualcosa di più perfetto e lo ha fatto secondo la "matematica divina". La città del Rinascimento è stata creata per l'uomo e doveva corrispondere all'ordine terreno del mondo, alla sua reale struttura sociale, politica e quotidiana.
La città medievale è circondata da possenti mura, recintata dal mondo, le sue case sono più simili a fortezze con poche feritoie. La città del Rinascimento è aperta, non si difende dal mondo esterno, lo controlla, lo soggioga. I muri degli edifici, delimitando, uniscono gli spazi di strade e piazze con cortili e stanze. Sono permeabili: hanno molte aperture, portici, colonnati, passi carrai, finestre.
Se la città medievale è la collocazione dei volumi architettonici, allora la città del Rinascimento è in misura maggiore la distribuzione degli spazi architettonici. Il centro della città nuova non è l'edificio della cattedrale o del municipio, ma lo spazio libero della piazza principale, aperto sia in alto che ai lati. Entrano nell'edificio ed escono sulla strada e sulla piazza. E se la città medievale è compositivamente attratta dal suo centro - è centripeta, allora la città del Rinascimento è centrifuga - è diretta al mondo esterno.
| La città ideale di Platone In pianta, la parte centrale della città era un'alternanza di anelli d'acqua e di terra. L'anello d'acqua esterno era collegato al mare da un canale lungo 50 stadi (1 stadia - ca. 193 m). Gli anelli di terra che separavano gli anelli d'acqua avevano canali sotterranei vicino ai ponti adatti al passaggio delle navi. Il più grande anello d'acqua di circonferenza era largo tre stadi, così come quello di terra che lo seguiva; i due anelli successivi, acqua e terra, erano larghi due stadi; infine, l'anello d'acqua che circondava l'isola situata al centro era largo uno stadio. |
La città medievale segue il paesaggio naturale, utilizzandolo per i propri scopi. La città del Rinascimento è piuttosto un'opera d'arte, un "gioco di geometrie". L'architetto modifica il terreno sovrapponendovi una griglia geometrica di spazi disegnati. Una tale città ha una forma chiara: un cerchio, un quadrato, un ottagono, una stella; anche i fiumi vi si raddrizzano.
La città medievale è verticale. Qui tutto è diretto verso l'alto, verso il cielo, lontano e inaccessibile. La città del Rinascimento è orizzontale, la cosa principale qui è la prospettiva, l'aspirazione in lontananza, verso nuovi orizzonti. Per una persona medievale, il cammino verso il Cielo è un'ascensione, realizzabile attraverso il pentimento e l'umiltà, la rinuncia a tutto ciò che è terreno. Per le persone del Rinascimento, questa è un'ascesa attraverso l'acquisizione della propria esperienza e la comprensione delle leggi divine.
Il sogno di una città ideale ha dato slancio alle ricerche creative di molti architetti non solo del Rinascimento, ma anche di epoche successive, ha guidato e illuminato il cammino verso l'armonia e la bellezza. La città ideale esiste sempre all'interno della città reale, tanto diversa da essa quanto il mondo del pensiero dal mondo dei fatti, come il mondo dell'immaginazione dal mondo della fantasia. E se sai sognare come facevano i maestri del Rinascimento, allora puoi vedere questa città: la Città del Sole, la Città dell'Oro.
L'articolo originale è sul sito della rivista "Nuova Acropoli".
All'inizio del XV secolo ci furono enormi cambiamenti nella vita e nella cultura in Italia. Dal XII secolo i cittadini, i mercanti e gli artigiani d'Italia hanno condotto un'eroica lotta contro la dipendenza feudale. Sviluppando il commercio e la produzione, i cittadini si arricchirono gradualmente, abbandonarono il potere dei signori feudali e organizzarono città-stato libere. Questi gratuiti città italiane divenne molto potente. I loro cittadini erano orgogliosi delle loro conquiste. L'enorme ricchezza delle città italiane indipendenti le fece fiorire. La borghesia italiana guardava il mondo con occhi diversi, credeva fermamente in se stessa, nella propria forza. Erano estranei al desiderio di sofferenza, umiltà, rifiuto di tutte le gioie terrene che finora erano state loro predicate. Crebbe il rispetto per la persona terrena che gode delle gioie della vita. Le persone hanno iniziato ad assumere un atteggiamento attivo nei confronti della vita, esplorare con entusiasmo il mondo, ammirarne la bellezza. Durante questo periodo nascono varie scienze, si sviluppa l'arte.
In Italia sono stati conservati molti monumenti dell'arte dell'antica Roma, quindi l'era antica è stata nuovamente venerata come modello, l'arte antica è diventata oggetto di ammirazione. Imitazione dell'antichità e ha dato motivo di chiamare questo periodo nell'arte - rinascita che significa in francese "Rinascimento". Naturalmente, questa non era una ripetizione cieca ed esatta. arte antica, era già un'arte nuova, ma basata su campioni antichi. Rinascimento italiano suddivisa in 3 fasi: VIII - XIV secolo - Pre-rinascimento (proto-rinascimento o Trecento- con esso.); XV secolo - Primo Rinascimento (Quattrocento); fine 15° - inizio 16° secolo - alto rinascimento.
Scavi archeologici sono stati effettuati in tutta Italia, alla ricerca di monumenti antichi. Le statue, le monete, gli utensili, le armi appena scoperte sono state accuratamente conservate e raccolte in musei appositamente creati per questo scopo. Gli artisti hanno studiato su questi campioni dell'antichità, li hanno disegnati dal vero.
Trecento (pre-rinascimento)
Il vero inizio del Rinascimento è associato al nome Giotto di Bondone (1266? - 1337). È considerato il fondatore della pittura rinascimentale. Il fiorentino Giotto ha dato grandi contributi alla storia dell'arte. Era il rinnovatore, l'antenato di tutto pittura europea dopo il medioevo. Giotto ha dato vita alle scene evangeliche, ha creato immagini di persone reali, spiritualizzate, ma terrene.
Giotto per la prima volta crea volumi con l'ausilio del chiaroscuro. Gli piacciono i colori puliti e chiari in tonalità fredde: rosa, grigio perla, viola pallido e lilla chiaro. Le persone negli affreschi di Giotto sono tozze, dal passo pesante. Hanno grandi tratti del viso, zigomi larghi, occhi stretti. Il suo uomo è gentile, premuroso, serio.
Delle opere di Giotto, gli affreschi nei templi di Padova sono meglio conservati. Storie evangeliche ha presentato qui come esistente, terreno, reale. In queste opere racconta i problemi che preoccupano le persone in ogni momento: la gentilezza e la comprensione reciproca, l'inganno e il tradimento, la profondità, il dolore, la mansuetudine, l'umiltà e l'eterno amore materno divorante.
Invece di figure individuali disparate, come nella pittura medievale, Giotto è riuscito a creare storia coerente, un'intera storia sul complesso vita interiore eroi. Invece di uno sfondo dorato convenzionale mosaici bizantini, Giotto introduce uno sfondo paesaggistico. E se nella pittura bizantina le figure, per così dire, si libravano, erano sospese nello spazio, allora gli eroi degli affreschi di Giotto trovavano un terreno solido sotto i loro piedi. La ricerca di Giotto per il trasferimento dello spazio, la plasticità delle figure, l'espressività del movimento hanno reso la sua arte un intero palcoscenico nel Rinascimento.
Uno di maestri famosi pre-risveglio -
Simone Martini (1284 - 1344).
Nella sua pittura si sono conservate le caratteristiche del gotico settentrionale: le figure di Martini sono allungate e, di regola, su fondo dorato. Ma Martini crea immagini con l'aiuto del chiaroscuro, conferisce loro un movimento naturale, cerca di trasmettere un certo stato psicologico.
Quattrocento (primo Rinascimento)
L'antichità ha svolto un ruolo enorme nella formazione della cultura secolare del primo Rinascimento. Apre a Firenze l'Accademia Platonica, la biblioteca Laurenziana contiene la più ricca collezione di manoscritti antichi. Il primo musei d'arte pieno di statue, frammenti di architetture antiche, marmi, monete, ceramiche. Nel Rinascimento spiccavano i principali centri della vita artistica d'Italia: Firenze, Roma, Venezia.
Uno dei centri più grandi, culla di un'arte nuova e realistica, fu Firenze. Nel XV secolo vi abitarono, studiarono e lavorarono molti famosi maestri del Rinascimento.
Architettura del primo Rinascimento
Gli abitanti di Firenze avevano un alto cultura artistica, hanno partecipato attivamente alla creazione di monumenti cittadini, hanno discusso le opzioni per la costruzione di splendidi edifici. Gli architetti abbandonarono tutto ciò che somigliava al gotico. Sotto l'influenza dell'antichità, gli edifici coronati da una cupola iniziarono a essere considerati i più perfetti. Il modello qui era il Pantheon romano.
Firenze è una delle città più belle del mondo, una città-museo. Ha conservato quasi intatta la sua architettura dall'antichità, i suoi edifici più belli sono stati per lo più costruiti durante il Rinascimento. Sopra i tetti di mattoni rossi degli antichi edifici di Firenze si erge l'enorme edificio del Duomo della città Santa Maria del Fiore, spesso chiamato semplicemente Duomo di Firenze. La sua altezza raggiunge i 107 metri. Una magnifica cupola, la cui armonia è sottolineata da nervature di pietra bianca, incorona la cattedrale. La cupola colpisce per le dimensioni (il suo diametro è di 43 m), corona l'intero panorama della città. La cattedrale è visibile da quasi tutte le strade di Firenze, chiaramente incombente contro il cielo. Questa magnifica struttura è stata costruita dall'architetto
Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).
L'edificio a cupola più magnifico e famoso del Rinascimento era Basilica di San Pietro a Roma. È stato costruito in 100 anni. I creatori del progetto originale erano architetti Bramante e Michelangelo.
Gli edifici rinascimentali sono decorati con colonne, pilastri, teste di leone e "putti"(bambini nudi), ghirlande di fiori e frutti in gesso, foglie e molti dettagli, campioni dei quali sono stati trovati tra le rovine di antichi edifici romani. Torna di moda arco semicircolare. Le persone ricche iniziarono a costruire case più belle e più confortevoli. Invece che strette l'una all'altra, le case apparivano lussuose palazzi - palazzo.
Scultura del primo Rinascimento
Nel XV secolo lavorarono a Firenze due famosi scultori: Donatello e Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- uno dei primi scultori in Italia, che ha utilizzato l'esperienza dell'arte antica. Ha creato una delle opere più belle del primo Rinascimento: la statua del David.
Secondo leggenda biblica, un semplice pastore, il giovane Davide sconfisse il gigante Golia, salvando così gli abitanti della Giudea dalla schiavitù e in seguito divenne re. David era una delle immagini preferite del Rinascimento. È raffigurato dallo scultore non come un umile santo della Bibbia, ma come un giovane eroe, vincitore, difensore della sua città natale. Nella sua scultura, Donatello canta l'uomo come l'ideale di una bella personalità eroica nata nel Rinascimento. David è incoronato con la corona d'alloro del vincitore. Donatello non aveva paura di introdurre un dettaglio come il cappello di un pastore, segno della sua semplice origine. Nel Medioevo la chiesa proibiva di raffigurare un corpo nudo, considerandolo un vaso del male. Donatello fu il primo maestro che violò coraggiosamente questo divieto. Afferma con questo che corpo umano Meraviglioso. La statua del David è la prima scultura rotonda di quell'epoca.
È nota anche un'altra bellissima scultura di Donatello: la statua di un guerriero , comandante del Gattamelata. Fu il primo monumento equestre del Rinascimento. Creato 500 anni fa, questo monumento si erge ancora su un alto piedistallo, decorando la piazza della città di Padova. Per la prima volta non un dio, non un santo, non un uomo nobile e ricco è stato immortalato nella scultura, ma un nobile, coraggioso e formidabile guerriero con una grande anima, che meritava fama per grandi imprese. Vestito con un'armatura antica, Gattemelata (questo è il suo soprannome, che significa "gatto maculato") siede su un possente cavallo in una posa calma e maestosa. I lineamenti del volto del guerriero sottolineano un carattere deciso e deciso.
Andrea Verrocchio (1436 -1488)
Il più famoso allievo di Donatello, che realizzò il famoso monumento equestre al condottiero Colleoni, che fu collocato a Venezia sulla piazza vicino alla chiesa di San Giovanni. La cosa principale che colpisce nel monumento è il movimento energetico congiunto del cavallo e del cavaliere. Il cavallo, per così dire, si precipita oltre il piedistallo di marmo su cui è eretto il monumento. Il Colleoni, in piedi sulle staffe, disteso, alzando la testa, scruta lontano. Una smorfia di rabbia e tensione gli si gelò sul viso. Nella sua postura si sente un'enorme volontà, il suo viso ricorda un rapace. L'immagine è piena di forza indistruttibile, energia, dura autorità.
Pittura del primo Rinascimento
Il Rinascimento ha aggiornato anche l'arte della pittura. I pittori hanno imparato a trasmettere correttamente lo spazio, la luce e l'ombra, le pose naturali, i vari sentimenti umani. Era il primo Rinascimento che era il momento dell'accumulo di queste conoscenze e abilità. I dipinti di quel tempo sono intrisi di luce e buon umore. Lo sfondo è spesso dipinto con colori chiari, mentre edifici e motivi naturali sono delineati con linee nette, predominano i colori puri. Con ingenua diligenza vengono raffigurati tutti i dettagli dell'evento, i personaggi sono spesso allineati e separati dallo sfondo da contorni netti.
La pittura del primo Rinascimento mirava solo alla perfezione, tuttavia, grazie alla sua sincerità, tocca l'anima dello spettatore.
Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, detto col nome Masaccio (1401 - 1428)
È considerato un seguace di Giotto e il primo maestro della pittura del primo Rinascimento. Masaccio ha vissuto solo 28 anni, ma in una vita così breve ha lasciato un segno nell'arte difficile da sopravvalutare. Riuscì a portare a termine le rivoluzionarie trasformazioni della pittura iniziate da Giotto. La sua pittura si distingue per un colore scuro e profondo. Le persone negli affreschi di Masaccio sono molto più dense e potenti che nei dipinti dell'era gotica.
Masaccio fu il primo a disporre correttamente gli oggetti nello spazio, tenendo conto della prospettiva; iniziò a raffigurare le persone secondo le leggi dell'anatomia.
Ha saputo unire figure e paesaggio in un'unica azione, trasmettere la vita della natura e delle persone in modo drammatico e allo stesso tempo del tutto naturale - e questo è il grande merito del pittore.
Si tratta di una delle poche opere da cavalletto commissionate da Masaccio nel 1426 per la cappella della chiesa di Santa Maria del Carmine a Pisa.
La Madonna siede su un trono costruito rigorosamente secondo le leggi della prospettiva giottesca. La sua figura è scritta con tratti sicuri e chiari, che creano l'impressione di un volume scultoreo. Il suo viso è calmo e triste, il suo sguardo distaccato non è diretto da nessuna parte. Avvolta in un manto blu scuro, la Vergine Maria tiene tra le braccia il Bambino, la cui figura dorata si staglia netta su uno sfondo scuro. Le profonde pieghe del mantello permettono all'artista di giocare con il chiaroscuro, che crea anche un particolare effetto visivo. Il bambino mangia l'uva nera, simbolo di comunione. Gli angeli disegnati in modo impeccabile (l'artista conosceva perfettamente l'anatomia umana) che circondano la Madonna conferiscono all'immagine un ulteriore suono emotivo.
L'unica fascia dipinta da Masaccio per un trittico bifacciale. Dopo la morte prematura del pittore, il resto dell'opera, commissionata da papa Martino V per la chiesa di Santa Maria in Roma, fu completata dall'artista Masolino. Raffigura due figure di santi rigorose e monumentalmente eseguite vestite di rosso. Girolamo tiene in mano un libro aperto e un plastico della basilica, ai suoi piedi giace un leone. Giovanni Battista è raffigurato nella sua forma abituale: è scalzo e tiene in mano una croce. Entrambe le figure colpiscono per la precisione anatomica e un senso del volume quasi scultoreo.
L'interesse per una persona, l'ammirazione per la sua bellezza erano così grandi nel Rinascimento che questo portò all'emergere di un nuovo genere nella pittura: il genere del ritratto.
Pinturicchio (variante di Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)
Originario di Perugia in Italia. Per qualche tempo dipinse miniature, aiutò Pietro Perugino a decorare con affreschi la Cappella Sistina a Roma. Matura esperienza nella forma più complessa di pittura murale decorativa e monumentale. Pochi anni dopo, Pinturicchio divenne un muralista indipendente. Ha lavorato agli affreschi negli appartamenti Borgia in Vaticano. Ha realizzato pitture murali nella biblioteca del duomo di Siena.
L'artista non solo trasmette una somiglianza di ritratto, ma cerca di rivelare lo stato interiore di una persona. Davanti a noi c'è un adolescente vestito con l'abito rigoroso di un cittadino. Colore rosa, sulla testa un piccolo berretto blu. I capelli castani cadono sulle spalle, incorniciando un viso delicato, lo sguardo attento degli occhi castani è pensieroso, un po' ansioso. Alle spalle del ragazzo un paesaggio umbro con alberi sottili, un fiume argenteo, un cielo che si tinge di rosa all'orizzonte. La tenerezza primaverile della natura, come eco del carattere dell'eroe, è in armonia con la poesia e il fascino dell'eroe.
L'immagine del ragazzo è data in primo piano, grande e occupa quasi l'intero piano del quadro, e il paesaggio è dipinto sullo sfondo e molto piccolo. Ciò crea l'impressione del significato dell'uomo, il suo dominio sulla natura circostante, afferma che l'uomo è la creazione più bella della terra.
Qui viene presentata la solenne partenza del cardinale Kapranik verso il duomo di Basilea, durata quasi 18 anni, dal 1431 al 1449, prima a Basilea e poi a Losanna. Anche il giovane Piccolomini era al seguito del cardinale. In un'elegante cornice ad arco semicircolare è presentato un gruppo di cavalieri, accompagnati da paggi e servitori. L'avvenimento non è così reale e attendibile, ma cavallerescamente raffinato, quasi fantastico. In primo piano, un bellissimo cavaliere su un cavallo bianco, con un vestito e un cappello lussuosi, girando la testa, guarda lo spettatore: questo è Enea Silvio. Con piacere l'artista dipinge abiti ricchi, bellissimi cavalli in coperte di velluto. Le proporzioni allungate delle figure, i movimenti leggermente manierati, le leggere inclinazioni della testa sono vicine all'ideale di corte. La vita di papa Pio II fu ricca di eventi luminosi, e Pinturicchio parlò degli incontri del papa con il re di Scozia, con l'imperatore Federico III.
Filippo Lippi (1406 - 1469)
C'erano leggende sulla vita di Lippi. Lui stesso era un monaco, ma lasciò il monastero, divenne un artista errante, rapì una suora dal monastero e morì avvelenato dai parenti di una giovane donna di cui si innamorò in età avanzata.
Dipinse immagini della Madonna col Bambino, piene di sentimenti ed esperienze umane viventi. Nei suoi dipinti raffigurava molti dettagli: oggetti per la casa, l'ambiente, quindi i suoi soggetti religiosi erano simili ai dipinti secolari.
Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)
Dipinse non solo soggetti religiosi, ma anche scene della vita della nobiltà fiorentina, della loro ricchezza e del loro lusso, ritratti di nobili.
Davanti a noi c'è la moglie di un ricco fiorentino, amico dell'artista. In questa giovane donna non molto bella, lussuosamente vestita, l'artista ha espresso calma, un momento di quiete e silenzio. L'espressione sul volto della donna è fredda, indifferente a tutto, sembra che preveda la sua morte imminente: poco dopo aver dipinto il ritratto, morirà. La donna è raffigurata di profilo, tipico di molti ritratti dell'epoca.
Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)
Uno dei nomi più significativi della pittura italiana del Quattrocento. Compì numerose trasformazioni nei metodi di costruzione della prospettiva di uno spazio pittoresco.
L'immagine è dipinta su una tavola di pioppo con tempera all'uovo - ovviamente, a questo punto l'artista non aveva ancora imparato i segreti pittura ad olio, nella tecnica di cui saranno scritte le sue opere successive.
L'artista ha colto la manifestazione del mistero della Santissima Trinità al momento del Battesimo di Cristo. La colomba bianca, spiegando le ali sopra la testa di Cristo, simboleggia la discesa dello Spirito Santo sul Salvatore. Le figure di Cristo, Giovanni Battista e gli angeli in piedi accanto a loro sono dipinte con colori sobri.
I suoi affreschi sono solenni, sublimi e maestosi. Francesca credeva nell'alto destino dell'uomo e nelle sue opere si fanno sempre cose meravigliose. Ha usato transizioni di colori sottili e delicate. Francesca è stata la prima a dipingere en plein air (nell'aria).
La creazione di una città ideale ha tormentato scienziati e architetti di vari paesi ed epoche, ma i primi tentativi di progettare una città del genere sorsero nel Rinascimento. Sebbene gli scienziati lavorassero alla corte dei faraoni e degli imperatori romani, i cui lavori miravano a creare una sorta di insediamento ideale, in cui non solo tutto obbedisse chiaramente alla gerarchia, ma anche in cui sarebbe stato comodo vivere sia per il sovrano e il semplice artigiano. Ricorda almeno Akhetaten, Mohenjodaro o un fantastico progetto proposto da Stasicrate ad Alessandro Magno, secondo il quale proponeva di scolpire una statua di un comandante del Monte Athos con una città situata sul braccio. L'unico problema era che questi insediamenti sono rimasti sulla carta o sono stati distrutti. L'idea di progettare una città ideale è venuta non solo agli architetti, ma anche a molti artisti. Ci sono riferimenti che Piero della Francesca, e Giorgio Vasari, e Luciano Laurana e molti altri erano impegnati in questo.
Piero della Francesco era noto ai suoi contemporanei soprattutto come autore di trattati, dedicato all'arte. Solo tre di loro ci sono pervenuti: "Trattato sull'abaco", "Prospettiva in pittura", "Cinque corpi regolari". Fu lui a sollevare per primo la questione della creazione di una città ideale in cui tutto fosse soggetto a calcoli matematici, promettendo costruzioni di chiara simmetria. Per questo molti studiosi attribuiscono al Pierrot l'immagine "Veduta di una città ideale", che si inserisce perfettamente nei principi del Rinascimento.
Leon Battista Alberti si avvicinò di più alla realizzazione di un progetto così vasto. È vero, non è riuscito a realizzare la sua idea nella sua interezza, ma ha lasciato un gran numero di disegni e appunti, secondo i quali altri artisti sono stati in grado di realizzare in futuro ciò che Leon non è riuscito a realizzare. In particolare, Bernardo Rosselino è stato l'esecutore di molti suoi progetti. Ma Leon ha implementato i suoi principi non solo per iscritto, ma anche sull'esempio di molti degli edifici che ha costruito. Si tratta, in sostanza, di numerosi palazzi destinati a famiglie nobili. L'architetto rivela il proprio esempio di città ideale nel suo trattato Sull'architettura. Lo scienziato ha scritto questo lavoro fino alla fine della sua vita. Fu pubblicato postumo e divenne il primo libro stampato a rivelare i problemi dell'architettura. Secondo Leon, la città ideale doveva riflettere tutti i bisogni di una persona, rispondere a tutti i suoi bisogni umanistici. E questo non è casuale, perché il leader pensiero filosofico nel Rinascimento c'era un umanesimo antropocentrico. La città dovrebbe essere divisa in quartieri, che sarebbero suddivisi secondo un principio gerarchico o secondo il tipo di impiego. Al centro, sulla piazza principale, si trova un palazzo dove si sarebbe concentrato il potere cittadino, oltre alla cattedrale principale e alle abitazioni di nobili famiglie e amministratori cittadini. Più vicino alla periferia c'erano le case di mercanti e artigiani, ei poveri vivevano proprio al confine. Una tale disposizione degli edifici, secondo l'architetto, era un ostacolo all'emergere di vari disordini sociali, poiché le case dei ricchi sarebbero state separate dalle abitazioni dei cittadini poveri. Un altro importante principio urbanistico è che doveva soddisfare le esigenze di qualsiasi categoria di cittadini, in modo che sia il sovrano che il sacerdote potessero vivere comodamente in questa città. Doveva contenere tutti gli edifici, dalle scuole e biblioteche ai mercati e terme. Anche l'accessibilità pubblica di tali edifici è importante. Anche se ignoriamo tutti i principi etici e sociali di una città ideale, i valori artistici esterni rimangono. La planimetria doveva essere regolare, secondo la quale la città era divisa in quartieri netti da strade diritte. In generale, tutto strutture architettoniche deve essere subordinato forme geometriche e disegnato lungo la linea. I quadrati erano rotondi o rettangolari. Secondo questi principi, le città antiche, come Roma, Genova, Napoli, furono sottoposte alla parziale demolizione delle vecchie strade medievali e alla costruzione di nuovi spaziosi quartieri.
In alcuni trattati è stata trovata un'osservazione simile sul tempo libero delle persone. Riguardava principalmente i ragazzi. È stato proposto di costruire campi da gioco e incroci nelle città di un tipo tale che i giovani che giocano fossero sotto la costante supervisione di adulti che potessero osservarli senza impedimenti. Queste precauzioni avevano lo scopo di educare alla prudenza i giovani.
La cultura del Rinascimento fornì per molti versi spunti di ulteriore riflessione sulla struttura della città ideale. Ciò era particolarmente vero per gli umanisti. Secondo la loro visione del mondo, tutto dovrebbe essere creato per una persona, per la sua comoda esistenza. Quando tutte queste condizioni sono soddisfatte, una persona riceverà pace sociale e felicità spirituale. Pertanto, in tale
la società semplicemente a priori non può avere guerre o rivolte. L'umanità si è mossa verso un tale risultato per tutta la sua esistenza. Ricorda almeno la famosa "Utopia" di Thomas More o "1984" di George Orwell. Opere di questo tipo hanno influito non solo sui tratti funzionali, ma hanno anche pensato alle relazioni, all'ordine e alla struttura della comunità che viveva in questa località, non necessariamente una città, forse anche il mondo. Ma queste basi furono poste nel XV secolo, quindi possiamo tranquillamente affermare che gli scienziati del Rinascimento erano persone del loro tempo istruite in modo completo.
