소개. 빠른 스케치 유화 빠른 스케치

드 보일리에

자연에서 그리는 것은 항상 전문적인 창의적 훈련입니다. 이 훈련 동안 눈, 뇌, 손이 활발하게 발달합니다. 눈으로 우리는 인식 과정을 훈련합니다. 뇌는 추상화 및 시각적 사고 과정을 담당합니다. 자연에서 끌어냄으로써 우리는 이 분야의 발전에 기여합니다. 이 순간 손은 재료로 작업하는 기술을 개발하고 화면에 이미지를보다 질적으로나 기술적으로 만드는 법을 배웁니다. 따라서 자연에서 자연을 그리면 창작력이 비약적으로 높아진다는 사실은 부정할 수 없다. 이 기사에서는 plein air가 아티스트에게 유용한 방법, 플롯 선택 및 필드 스케치의 주요 기술적 방법에 대해 이야기하고 싶습니다. 나는 다른 기사에서 야외에서 그림을 더 즐겁고 편안하게 만드는 작은 요령을 공유합니다.

플레인 에어 연습의 이점

자연에서 그리는 것은 항상 전문적인 창의적 훈련입니다. 이 과정에서 많은 기술이 필요합니다. 예술 활동. 야외 수업은 눈과 손의 설정에 효과적으로 기여하고 시각적 사고와 비유적 기억을 개발합니다. 자연에서 그림을 그리는 것의 이점에 대해 끝없이 이야기할 수 있습니다. 예술적 지식, 재료 작업 과정이 개선되고 색채 감각이 새로운 차원에 도달하고 있습니다. 야외에서 작가는 보이는 것을 함부로 베끼는 것이 아니라 능동적으로 연구 활동, 신중하게 공부 세계, 가장 미묘한 변화에 주목합니다. 이 관행 덕분에 색상, 모양, 주변 전체 공간에 대한 완전히 새로운 비전이 있습니다. 눈앞에 다양한 음영이 열리고 이제는 일반적인 녹색에서 이미 빨간색, 보라색, 파란색이 발견됩니다 ... 작가의 임무는 자신이 본 것을 그대로 묘사하여 작업에서 이에 대해 올바르게 말하는 것입니다. 이 순간.

그러나이 귀중한 실질적인 이점 중에는 야외 연습의 또 다른 중요한 구성 요소가 눈에 띄지 않게 있습니다. 이것은 사람을 영적으로 풍요롭게하는 야생 동물 세계와의 긴밀한 접촉입니다. 그러한 대화는 항상 내면에 특별히 영감을 주는 각인을 남기고 창조력의 원천이 됩니다. 야외에서 그림을 그릴 때는 당시 만연했던 자연의 상태를 스케치로 옮겨야 한다. 사진은 부분적으로 전달할 수 있습니다 원하는 색상, 공중 관점,하지만이 순간을 가득 채운 살아있는 무언가는 없을 것입니다. 사진에서 그림을 그리면 그 순간의 분위기, 숨결, 빛과 그림자의 유희, 바로 그 순간의 삶의 움직임을 온전히 느낄 수 없습니다. 그렇기 때문에 플레인 에어 스케치가 전달되는 분위기의 특성과 함께 특히 생생한 것으로 판명되는 경우가 많습니다.

눈으로만 보는 것이 아니라 풍경을 볼 수 있기 때문에 저는 야외 연습을 정말 좋아합니다. 나뭇잎의 속삭임과 물소리가 들리고 보이지 않는 다른 것이 주변의 모든 것을 감싸고 있습니다. 그리고 이러한 감각은 붓과 물감을 통해 캔버스나 종이에 전달된다.

에뛰드

스케치의 주요 작업 중 하나는 상태 이전, 자연의 첫인상 집중입니다. 시간 제한은 에튜드의 세부 사항을 결정합니다. 생성 필요 예술적 이미지, 과도한 세부 사항에 들어 가지 않고 최소한의 시각적 및 구성 적 수단을 사용하여 자연에 대한 아이디어를 형성하지만주의의 벡터를 주요한 것으로 향하게합니다. Etudes는 매우 유용한 연습입니다. 이를 수행 할 때 작가는 암기 기술, 컬러 이미지 재생산, 단기 시각적 기억력 개발을 적극적으로 개발합니다. 컬러 이미지 상태를 전달하는 능력은 그림의 감정 표현력에 매우 중요합니다. 물감을 통해 자연의 색채 이미지를 정확하게 찾아 전달할 수 있는 것은 스케치의 체계적인 실행이다.

장면 선택

풍경 모티프, 도시 거리, 야외 정물 등 다양한 주변 세계의 모든 것을 스케치의 자연으로 사용할 수 있습니다. 가장 중요한 것은 선택한 동기가 당신에게 구체적으로 반응해야하며 당신을 무관심하게 만들지 않고 다른 사람들에게는 언뜻보기에 분명하지 않을 수있는 일부 기능을 포착해야한다는 것입니다. 자연을 바라볼 때 눈이 번쩍 뜨이고 손이 빨리 물감을 집어들고 싶어진다면 제대로 선택한 것입니다. 선택한 플롯에서 가장 중요하고 특징적인 것을 보는 데 도움이되는 최적의 관점을 찾기 만하면됩니다. 잘 선택된 형식은 동기의 특수성을 강조하는 데에도 도움이 됩니다. 단기 스케치의 경우 적은 수의 개체가 포함된 간단한 플롯을 선택하는 것이 좋습니다. 이렇게 하면 연구의 무결성에 항상 긍정적인 영향을 미치지는 않는 과도한 세부 사항을 피하는 데 도움이 됩니다. 당신의 야외 연습아직 부자가 아니라면 도시 파노라마를 위해 즉시 가져 가면 안되지만 단순한 자연 모티프로 시작하는 것이 좋습니다. 하늘과 수평선까지 펼쳐진 맑은 들판 사이의 관계조차도 특히 색상 문제를 해결하는 데 매우 흥미로울 수 있습니다. 이러한 플롯은 단기 연구를 수행하는 데 이상적입니다. 더 복잡한 작업을 수행하는 데 필요한 경험과 자신감을 구축하는 데 도움이 될 것입니다.

기술과 회화 기법

모든 예술 재료는 야외에서 사용할 수 있습니다. 제한이 없습니다. 가장 중요한 것은 선택한 재료가 친숙하다는 것입니다. 현장에서는 재료의 특성과 거동을 자세히 연구할 수 없기 때문입니다. 플롯을 선택한 후에는 그 안에 있는 모든 구성 요소의 색상과 색조 관계를 신중하게 분석해야 합니다. 작업 과정에서 색상과 톤 측면에서 결과를 자연과 지속적으로 비교할 필요가 있습니다. 어조의 차이를 더 정확하게 파악하려면 더 자주 눈을 가늘게 뜨고 자연을 본 다음 직장에서 봐야합니다. 색상을 비교하면 어떤 색상이 더 차갑고 더 따뜻하며이 색상에 어떤 음영이 여전히 존재하는지 끊임없이 스스로에게 질문해야합니다. 이러한 상수 비교 분석사진에서 올바른 분위기를 만들고 분위기를 올바르게 전달하는 데 도움이 될 것입니다. 환경. 자연의 각 상태는 고유한 색상과 색조 관계로 특징지어집니다. 올바르게 발견되면 스케치는 다음을 전달합니다. 원하는 상태. 예를 들어, 아침 햇살은 물체를 분홍빛이 도는 노란색 색조로 비추어 그림자를 청자색으로 바꿉니다.

스케치 작업 과정은 "일반에서 특정으로"라는 원칙에 따라 작성되어야 합니다. 즉, 먼저 주요 덩어리가 해결되고 넓은 지점에서 작업이 수행되며 넓은 브러시가 사용됩니다. 그리고 마지막에야 더 자세한 연구를 할 시간이 주어진다. 오랫동안 야외에서 "세부 사항 파헤치기"와 같은 문제가있었습니다. 일반 대중을 배치 할 시간이 없었고 부지런히 풀잎을 그렸고 스케치를 할 시간이 없었던 이유가 궁금했습니다. 세 시간. 이 문제는 첫 번째 단계에서 큰 브러시 만 사용하기 시작하여 가장 중요한 것이 무엇인지 끊임없이 상기시켜줌으로써 해결되었습니다. 마지막에 세부 사항을 남겨두고 그림을 풍부하게 하는 악센트 역할을 합니다. 에튜드를 워크숍에서 여러 세션으로 진행하는 긴 작업과 혼동하거나 에튜드를 어느 정도 완벽하게 만들려고 노력하거나 절대적으로 불필요한 사진 정확도를 혼동할 필요가 없습니다. 에튜드의 실행에는 자체 작업과 논리가 있습니다. 여기서 가장 중요한 것은 노출수 전송입니다. 그림 물감, 그 순간 전 세계에 스며든 분위기. 어떤 기법으로 연구를 수행하는지는 신중하게 연구하면 자연 그 자체를 알 수 있습니다. 종종 그것은 페인트가 적용되는 방식, 획의 특성을 지시할 수 있습니다. 부드러운 채우기이든 브러시의 질감을 남기는 두꺼운 획이든 눈앞에 있는 것의 특성을 파악함으로써 이해할 수 있습니다. 다양한 글쓰기 기법이 결합 된 스케치가 매우 생생하고 흥미로워 보이므로 한 작품의 틀 내에서 실험 해 보시길 권합니다. 페인트 레이어질감과 페인트 적용 기술이 다양합니다. 이 작업을 수행하기 위해 다양한 모양과 더미의 브러시가 도움이 될 것입니다. 각 브러시는 고유한 특징을 남깁니다. 헝겊이나 손가락과 같은 도구를 소홀히 하지 마십시오. 오일이나 파스텔로 작업하는 경우 놀라운 효과를 낼 수 있습니다. 이 모든 기술적 포인트는 예술적 이미지를 만드는 데 도움이 되어야 합니다.

내가 야외에서 가져간 기억은 물감의 획에 숨겨져 있습니다. 그래서 그들은 사라지지 않을 것이고 기억의 깊이에 녹지 않을 것입니다. 그림을 그릴 때 작가는 자신이 본 것을 캔버스나 시트에 기계적으로 옮기는 것이 아니라 눈에 보이지 않게 플롯과 연결되어 모든 세부 사항을 기억하고 잠시 동안 폭풍우가 치는 강물이나 펄럭이는 푸른 하늘 등 주변의 것이 됩니다. 또는 향기로운 풀잎. 시간은 흐르지만, 눈에 보이고 포착된 것은 모든 세세한 부분까지 내면의 눈 앞에 쉽게 나타납니다. 다시 동풍과 땅벌의 윙윙 거리는 소리까지 느낄 수 있습니다. 즐겁고, 신나게, 무심하지 않은 마음으로 그려보세요! 결국 줄거리의 분위기는 당신 안에 보이지 않게 남을 것입니다.

습작. Malyutin의 작업에서 중요한 위치는 etude painting이 차지했습니다.

그의 스케치는 두 가지 유형으로 나눌 수 있습니다. 일부는 길이가 깁니다: 그것들은 2-4시간 안에 형태를 주의 깊게 연구하여 자연에 의해 만들어졌으며 주로 다음을 위해 의도되었습니다. 장르 작품. 여기에는 예를 들어 다음이 포함됩니다. 그림 "할아버지와 손녀"(1932 , All-Union Central Council of Trade Unions), 그림 "Artel Lunch"(1934, State Tretyakov Gallery)의 "수박".

이러한 연구는 프라이밍된 미세하고 조밀한 리넨 캔버스. 풀로 지워진 페인트 Malyutin은 신체, 질감이있는 획, 표현력이 풍부한 조각 형태를 정력적으로 적용합니다.

두 번째 유형의 에튜드는 모스크바 지역, 러시아 북부, 크리미아 및 우리 조국의 다른 장소로 자주 여행하는 동안 아티스트가 현장에서 수행하는 15-20 분 에튜드- "패치"를 포함합니다.

이스트라의 수도원

표준 크기(9x15cm)의 이 스케치에서 Malyutin은 두 가지 목표를 추구했습니다. 그에게 그것은 첫째, 자연 속에서 손과 눈의 끊임없는 훈련이었고, 둘째, 스케치에서 예술가는 필요한 색상 관계를 찾고있었습니다.

9x15cm 크기는 작은 스케치북 (K. Korovin의 선물)과 정확히 일치합니다. 일반적으로 현장 학습 중에 Malyutin과 함께합니다. 스케치를 쓰러 갈 때 Malyutin은 작은 스케치북 만 가져갔습니다. 그는 다른 스케쳐들과 현장에서 작업하는 것을 좋아하지 않았습니다. 필요한 색상을 팔레트에 짜내고 주머니에 흰색과 붓을 넣고 글을 쓰러 갔다.

이 스케치의 주요 재료는 1.5~2.5mm 두께의 튼튼한 3겹 합판이었습니다. 드문 경우지만 프라이밍 된 세립 캔버스가 합판에 접착되었습니다 (연구 "Hut", 1925, O. S. Malyutina 컬렉션).

작고 빠르게 칠해진 스케치에 색상을 배치하는 기술은 매우 다양했습니다. 그것은 에튜드 “Alabino. 합판 질감의 그림 같고 다채로운 층의 일부 위치에 포함된 브룩"; 그런 다음 배경에 반 유약 벽돌이있는 더 강렬하게 칠해진 스케치 "Skorotovo"(1936)와 말뭉치의 하늘에 배치 된 거대하고 양각되고 강하게 뚜렷한 획 (구름)이 있습니다. 그런 다음 "Peasant Yard"(1911)의 형태를 명확하게 조각하는 중간 밀도의 색상의 짧고 넓은 스트로크가있는 활기찬 벽돌; 그런 다음 에튜드 "Crimea"에서 전경의 매우 풀칠하고 엠보싱 처리 된 작은 획 (해안 및 돌)과 결합 된 세로 질감 획 (하늘과 물)이 에튜드의 전체 길이를 따라 넓게 놓여 있습니다. 바다"(1925).

일부 스케치는 작은 획으로 날카롭게 놓인 에나멜과 같은 다채로운 두꺼운 페이스트의 거대한 벽돌로 구별됩니다 (스케치 "Tree. Crimea"(1925).

Malyutin은 연구에서 합판의 질감 표면을 능숙하게 사용했습니다. 스케치“크리미아. The Beach”(1925)는 회색 페인트로 약간 닳은 합판의 질감 (수많은 대시 형태로 흔적을 남김)이 해변의 모래 사장을 완벽하게 전달하도록 만들어졌습니다. 배경에서만 물과 서핑 거품이 여러 번 파란색 페인트와 흰색으로 표현되어 표현됩니다. 해변에 앉아 여성 인물베네치안 레드와 블랙의 가벼운 선으로 윤곽선이 그려져 있습니다.

Malyutin은 항상 다양한 숫자의 강모 브러시로 스케치를 그렸습니다.

습작. 아티스트 Malyutin S.V.

창작의 과정과 결과는 작가의 세계관과 밀접한 관련이 있다. 그의 생각, 감정, 환상, 기술, 묘사 된 태도는 그가 만든 그림에 참여합니다.. 작가는 항상 자신의 아이디어에 대한 가장 표현적인 해결책을 찾고 줄거리와 구성을 숙고합니다. 그의 상상 속에서 떠오르는 이미지들은 객관적인 기원을 갖고, 가시적인 현실의 속성에서 태어나고, 고유한 형태를 갖는다. 따라서 그의 생각을 구현하는 화가는 그가 시각적으로 인식하는 사물과 현상의 속성을 말합니다. 묘사 된 것의 시각적 진위가있을 때만 특정 감정, 생각을 표현하여 객관적인 세계와 연관되는 연상 표현을 보는 사람에게 적절한 경험을 유발할 수 있습니다. 좋은 풍경에서 관찰자는 물질적 대상뿐만 아니라 빛과 색상의 자연스러운 유희, 이슬의 은빛 광택 또는 아침 하늘의 유희를 볼 수 있습니다. 이러한 이미지는 기억 속에서 잊혀진 인상을 불러 일으키고 상상력을 발휘하며 이전 경험과 관련된 생각과 감정을 이전 경험과 함께 움직입니다. 그림의 정서적, 미학적 영향은 이러한 연상적 인식의 특성과 연결됩니다.

그림의 시각적 진정성을 달성하기 위해 그림의 작가가 묘사 된 모습을 기계적으로 복사해야한다고 생각해서는 안됩니다. 교육 작업은 주로인지, 자연에 대한 심층적이고 포괄적 인 연구를 특징으로합니다. 종종 교육용 스케치는 너무 "건조", "분수", "프로토콜"이며 플롯 및 주제 용어뿐만 아니라 기술 실행에서도 서로 유사합니다. 이 모든 것은 매우 자연스러운 일이며 학업의 "건조함", 소심함은 그 약점이나 저자의 창의적 재능 부족의 징후로 간주 될 수 없습니다.

동시에, 에튜드의 과제에 대한 학생의 자유로운 태도, 특정 "대담함"은 때때로 믿어지는 것처럼 창의성의 징후가 아닙니다. 교육 작품은 아직 예술적으로 불완전하기 때문에 감성적이고 신선하며 독창적이지 않습니다. 학생들은 아직 경험과 기술이 없으며 교육 문제를 해결하거나 아이디어를 구현하는 다양한 수단을 알지 못하기 때문입니다. 자연과 그 법칙에 대한 자유롭고 창의적인 숙달과 기술적 완벽함은 경험을 통해서만 얻을 수 있습니다.

그것은에 관한 것입니다 학업정해진 교육 과제는 일관되고 명확하게 해결되었으며 이와 관련하여 학생들은 창의적 재능을 키우고 개발했습니다.

주요 부분

평면에 있는 물체의 입체적인 형태와 색상을 보고 전달하는 능력은 회화의 본질이다. 이 디플로마는 주로 자연에서 연습을 통해 취득합니다. 어떻게 더 많은 아티스트자연에서 스케치를 작성할수록 그의 색채 감각, 색상의 조화 및 선의 리듬이 더 선명해집니다. 정물, 풍경, 자연에서 온 사람의 머리와 모습을 묘사하는 끊임없는 연습의 결과로 관찰력이 발달하고 본질적인 것을 강조하고 부차적인 것을 버리고 주변 자연의 아름다움으로 인한 감정을 표현하는 능력, 삶의 다양성이 발달합니다.

숙달의 길은 회화의 이론적 토대에 대한 연구와 실제 연습의 체계적인 구현에서 시작됩니다. 회화의 법칙에 대한 지식이 없으면 학생들의 실제 작업은 눈이 멀고 전문적인 향상이 느려집니다.

묘사는 무엇보다도 추론입니다. 페인팅을 시작할 때 작업에 대해 신중하게 생각하고 목표를 명확하게 정의해야 합니다.

레오나르도 다빈치도 “과학 없이 실천에 빠지는 사람은 방향타와 나침반 없이 항해하는 몸부림치는 사람과 같다. 실습은 항상 좋은 이론을 바탕으로 해야 하며, 이론 없이는 그림을 잘 그릴 수 없습니다."

그들은 정물의 색상 범위, 환경 조건 (빛, 주변 공간 및 상호 영향)을 고려하여 색상이있는 물체의 모양에 대한 심층 연구를 포함하는 장기 연구에 대해 주로 이야기했습니다.

하지만 회화 과정 예술 학교 새로운 예술 의도우리는 초보 예술가들에게 그림을 빠르게 적고 스케치에서 가장 중요한 것, 가장 중요한 것 또는 전체의 일부인 조각만을 캡처하도록 가르칩니다. 따라서 회화의 전체 수업을 지속하는 작품과 함께 다른 형태의 에튜드가 있습니다. 이들은 에튜드 스케치, 조각 에튜드, 기억의 스케치입니다.

이 모든 형태는 존재할 권리가 있습니다. 유일한 질문은 그것들을 현명하게 결합하는 방법입니다. 개체를 심도 있고 자세하게 그리는 장기 연구로만 작업하면 빠른 작업 기술을 습득하지 못하고 연구에서 가장 중요하고 필수적인 기능을 즉시 캡처 할 수 없으며 의식적으로 배우지 않습니다. 중요한 것을 위해 하나 또는 다른 세부 사항을 희생하십시오.

이러한 에튜드에서 구성 구조의 정의와 함께 색 구성표를 스스로 찾고 색 혼합을 기억하여 원하는 조합을 얻을 수 있습니다. 이러한 에튜드는 30 분에서 1 시간 이내에 수행됩니다.

아래는 과일, 장과 및 가정 용품의 정물에 대한 개별 조각 솔루션의 일련의 빠른 스케치 및 스케치입니다. 짧은 스터디를 그리는 기술을 익히기 위해 일련의 연습을 하십시오.

스케치를 그리는 법을 배웁니다.

봄이나 여름에 균일한 꽃다발을 만들고 그 안에 다른 종류의 꽃 한두 개를 포함하십시오. 빛이 가득한 넓은 방, 베란다 또는 정원에서 확산광에 이러한 꽃다발을 먼저 놓고 1시간 30분에서 2시간 이내에 스케치를 작성합니다. 밝은 빛, 화창한 날, 창문이나 정원에 꽃을 놓고 같거나 다른 꽃다발을 쓰십시오. 이러한 각 작업에서 새로운 조건을 충족하게 됩니다. 강한 직사광선(in 이 경우태양열) 실내 조건에 따라 물체의 색상이 변합니다. 떠오르는 대비, 풍부한 반사, 눈부심, 이러한 모든 요소의 조합과 상호 작용으로 인해 물체는 구체성을 잃는 것처럼 보입니다. 빛과 그림자, 반음영은 서로 명확하게 구분되는 것으로 인식되지 않지만 새로운 음영, 뉘앙스 및 전환으로 서로를 풍부하게 합니다. 한마디로 명암 문제의 해결은 이 경우 매우 중요합니다.

화가에게 조명은 모티프 자체만큼 중요하거나 오히려 하나와 다른 하나가 뗄래야 뗄 수 없이 연결되어 있습니다. 따라서 그들이 plein air*에서 말하는 것처럼 공중에서 에튜드를 작업할 때 큰 관심을 끄는 특별한 문제가 발생합니다. * (French plein air에서 - 아래 열린 하늘. 이 용어는 미술실외 이미지에 적용).

필드 벨에 대한 연구는 직사광선에서 이루어집니다. 투명 페인트로 쉽게 총 질량을 설명합니다. 그러나 그럼에도 불구하고 방대한 것으로 인식됩니다. 꽃다발의 바깥 쪽 가장자리에는 종소리가 투명하고 무거워 보입니다. 그들 중 일부는 배경으로 거의 사라지고 다른 일부는 더 선명하지만 선명하지는 않습니다.

스케치는 우리에게 흥미 롭습니다. 기술적 측면실행. 색상의 순도, 신선함 및 육즙에 대한 일반적인 인상은 페인트 용액으로 풍부하게 포화 된 축축한 축축한 종이에서 작업이 수행된다는 사실에 의해 달성됩니다. 우리 학교의 회화 수업에서는 그러한 글쓰기의 특징에 대해 더 깊이 이야기합니다.

이전 운동과 달리 균일 한 꽃의 꽃다발은 다양한 색상과 모양의 꽃으로 작은 꽃다발을 만듭니다. 패턴이 없는 밝은 벽을 배경으로 방에 확산광을 놓으세요. 꽃다발은 배경과 관련하여 특정 강도의 실루엣을 구성합니다.

그림에서 꽃다발의 전체 질량에서 튀어 나온 꽃의 윤곽을 쉽게 그립니다. 그들은 윤곽, 모양 및 크기가 다를 것입니다. 그런 다음 항상 톤의 강도를 비교하고 특정 색상 그룹을 원하는 색상으로 부분적으로 덮기 시작하여 캐릭터를 전달하려고합니다. 동시에 일부 부품을 나중에 강화할 수 있도록 페인트를 완전히 사용할 필요는 없습니다. 꽃을 그릴 때 어떤 색이 다른 색이나 녹지와 접할 때 날카로운 윤곽선을 피하십시오. 그렇지 않으면 경직된 인상을 주고 살아있는 것보다 더 인공적으로 보일 것입니다. 꽃, 특히 야생화는 항상 부드럽고 연약하며 떨리고 스케치에서 이러한 특성을 전달하기 위해 노력해야합니다.

카모마일과 고사리 잎 옆에 엘더베리 브러시, 노란색 아마 꽃이있는 관심과 사랑을보십시오. 아플리케처럼 종이에 오려 붙인 것처럼 이미지가 평면적인 느낌을 주지 않도록 하십시오. 이를 피하려면 부케 터치의 특징을 배경과 비교하여 결정해야합니다. 일부 부분에서는 꽃이 가벼워 지거나 더 가벼워지고 다른 부분에서는 윤곽 강도가 다른 실루엣을 형성합니다. 꽃다발을 구성하는 다양한 색조에도 불구하고 잡색으로 보이지 않아야하지만 단일 색조의 무결성과 평정을 유지해야합니다. 미술 학교에서 그림을 배울 때 초보자가 작업하는 동안 때때로 눈을 가늘게 뜨고 꽃다발이나 스케치를 보는 것이 좋습니다. 이것은 색조 솔루션에서 발생한 실수를 확인하는 데 도움이 됩니다.

이 페인팅 수업의 다음 연습은 빠른 학습 작업에서 기술을 심화하도록 설계되었습니다. 이 연습은 그림에서 풍부함과 다채로움을 달성하기 위해 이전에 습득한 라 프리마 기법을 사용하여 작업을 설정합니다. 각 운동에 1~2시간을 따로 떼어두는 것이 유용합니다.

우선 딸기 스케치와 유사한 작업을 완료할 수 있습니다. 여기에서 이전 연구에서와 같이 저자는 페인트 용액으로 포화된 브러시의 기능을 사용하거나 순수 페인트의 가볍고 투명한 스트로크를 넣어 혼합을 최소화합니다. 결과적으로 큰 열매의 육즙과 부드러움이 전달되어 빛이 스며드는 느낌이 듭니다.

머그잔을 사용한 연구도 형태로 이루어집니다. 빠른 스케치. 다양한 주제의 조합으로 공연이 재미있다. 예술가가 나타나기 전에 새 작업- 토마토 껍질의 반짝이는 표면 옆에 금속의 광채를 보여줍니다. 색상은 깨끗하고 가볍고 투명하며 전체적인 색상은 밝습니다. 따라서 작품은 신선함과 즉각적인 인상을줍니다.

결과적으로 실행 속도가 빠른 연구에서 작업은 기본 색상 관계, 기본 대비를 설정하고 조명을 전달하는 것입니다. 이러한 에튜드에서는 모든 부분에 대한 자세한 설명이 필요하지 않습니다. 예를 들어, 꽃다발의 전체 질량에 대한 일반화 된 솔루션이있는 종소리가있는 꽃다발에서 카모마일과 실루엣으로 윤곽이 잡힌 종 자체의 특징적인 윤곽선을 볼 수 있습니다.

이러한 에튜드는 종속적 의미와 독립적 의미를 모두 가질 수 있습니다. 종속 - 긴 스케치 전에 예비 스케치를 수행할 때; 독립적 - 특수한 그림 문제 (조명 조건 전송, 색상 조합 전송)를 해결할 때 마지막으로 어떤 종류의 동기를 포착해야하지만 더 자세히 완료 할 시간이 없을 때.

회화 코스에서 새로운 예술 의도우리는 그러한 빠른 에튜드에 대한 지나친 방종에 대해 경고합니다. 솔루션의 일반화로 인해 연구는 주제 특성을 잃지 않아야 합니다. 한마디로 초보자를 위한 드로잉에서 일반화는 그 자체로 끝이 되어서는 안됩니다. 오히려 그것의 도움으로 우리는 주어진 대상이나 현상에 대한 가장 특징적이고 전형적인 속성을 표현하려고 노력합니다.

Artintenstudio에서 회화 수업 중 학생들이 그린 아크릴 스케치.

에뛰드는 자연에서 온통 자연으로 만든 보조적 성격과 한정된 크기의 회화 작품이다.

야외에서 공부하면서 작가는 그림에서 자연의 진실하고 살아있는 구체화의 임무를 설정합니다.

스케치는 자연을 연구하는 수단, 예술가를 위한 훈련 연습, 기술 향상 수단이 될 수 있습니다. 예를 들어 개별 장소, 플롯, 나무, 잎사귀 및 화가가 관심을 가질만한 기타 세부 사항의 스케치와 같이 그림 준비를위한 재료로 사용되는 경우가 많습니다. 정규직그 위에 있는 자연은 풍경을 만드는 데 도움이 됩니다.

에뛰드 페인팅은 눈의 발달, 손의 탄력 강화, 페인팅 스킬 향상을 가능하게 합니다.

에튜드는 크기뿐만 아니라 개별적인 세부 사항과 그들 사이의 관계에서도 정확하고 사실이어야 하는 신중하게 작업된 그림이 필요합니다. 그에게는 과도한 세부 사항이없는 삶의 일반적인 개략도, 주요 선의 충실도 및 정확성과 물체의 윤곽이 중요합니다. 드로잉에서 작가는 자연에서 관찰하고 연구한 것을 전달할 수 있어야 합니다. 그러나 볼 수있을뿐만 아니라 일반화되었습니다. 이차적 인 세부 사항없이 필수적이고 중요한 것입니다.

연구를위한 그림은 종이, 판지 또는 연필, 목탄으로 캔버스의 프라이밍 된 표면에 직접 수행되지만 무엇보다도 하나의 페인트로 브러시로 수행됩니다.

우리 조경 마스터의 작업에서 연구는 매우 많은 부분을 차지했습니다. 중요한 장소. 탁월한 스케치 페인팅 마스터는 A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I. I. Shishkin, N. K. Roerich, M. V. Nesterov, K. A. Korovin이었습니다. 완성도와 회화적인 실행의 숙달이라는 측면에서 그들의 연구 중 많은 부분이 독립적인 의미를 지닌 작품으로 간주될 수 있습니다.

스케치를 만들 때 아티스트는 일반적으로 화가 자신의 개별 특성에 따라 다양한 방법으로 해결하는 특정 작업을 스스로 설정합니다.

개별 풍경화가의 스케치 작업, 이러한 작업을 수행하는 방법, 작업의 기술적 특징에 대한 지식은 의심 할 여지없이 젊고 초보 예술가에게 관심이 있으며 많은 실수를 피하는 데 도움이 될 것입니다.

뛰어난 풍경의 거장 N. K. Roerich는 자신의 작품에서 그림을 스케치할 큰 장소를 할당했습니다. 이미 언급한 바와 같이, 창의적인 방법 Roerich는 자연에 대한 면밀하고 사려 깊은 관찰과 지속적이고 예리한 연구를 기반으로 작품을 제작했습니다. 스케치를 쓰기 시작하면서 그는 먼저 자신이 찾은 솔루션 인 매우 구체적인 작업을 설정했습니다. 자연에 대한 관찰과 연구의 결과로 작가의 영혼에서 비롯된 작품 구성의 아이디어는 회화 작업을 시작하기 전에 그가 생각한 것입니다. 언제 구성 건설스케치는 정신적으로 결정되었고 구성의 줄거리가 결정되고 주요 색상 결정이 설명되었을 때 Roerich는 그림을 스케치 한 다음 페인팅을 진행했습니다.

자연에 대한 오랜 연구 과정에서 작가가 발견하고 그를 감동시킨 순간은 그에 대한 인상의 근거였다. 창조적 의식과 정신적 가공의 인상과 이를 바탕으로 발생한 예술적 이미지는 스케치 작업을 하는 동안 지속적으로 기억 속에 보존되었다.

Roerich는 자연에서 한 번 관찰하면 다시는 볼 수 없다는 것을 완벽하게 알고 있었기 때문에 몇 시간 안에 신속하게 연구를 작성했습니다. 그렇지 않으면 결국 하루, 때로는 몇 시간 안에 이미 완전히 다를 것이기 때문에 이것 또는 저 자연 상태의 첫인상을 원래의 신선함과 즉시 성으로 전달하는 것은 불가능합니다.

Roerich는 물론 자연에서 보는 것을 묘사할 수 있는 것이 매우 중요하지만 묘사하고 싶은 것을 볼 수 있는 것도 똑같이 중요하다고 믿었습니다. Roerich에 따르면 이것은 관찰자의 무관심한 시선이 아니라 사랑스럽고 관통하는 시선으로 자연을 바라보아야하며 자신이 좋아하는 것을 정신적으로 선택하고 주목해야한다는 사실로 구성된 예술가의 주요 특성입니다. 자연 연구에 영혼의 모든 열정과 자연에 대한 사랑을 투자하지 않는다면 자연을 그릴 필요가 없습니다.

에뛰드에서는 스스로 설정한 작업에 대해 간단하고 복잡해 보이지 않는 솔루션을 찾을 수 있어야 합니다. 구성과 색상 및 패턴 측면에서 이러한 결정은 간결해야 합니다. 그러나 이것은 경험뿐만 아니라 이 작업에서 설정한 주요 목표에 대한 강한 믿음도 필요합니다. 예술가는 구성과 그림의 모든 가능성을 사용하여 보조가 아닌 주요 목표를 해결하고 달성하는 데 집중할 수 있어야합니다. 집중력, 평정심, 중요한 것을보고 강조하는 능력, 작업의 속도 및 정확성-이것이 에튜드 제작 성공의 열쇠입니다.

당신의 강점과 능력을 계산하고 예술가가 관심을 갖는 자연 상태가 얼마나 오래 지속되는지 더 크거나 작은 정확도로 결정하여 작성해야합니다. 이렇게 하지 않으면 오류에 빠지기 쉽습니다. 결국 조명은 항상 변경됩니다. 다음과 같이 발생할 수도 있습니다. 예를 들어 지구를 칠하는 것과 같이 특정 조건에서 스케치를 그리기 시작합니다. 당신이 눈치 채지 못했고 믿기지 않는 것으로 판명되었습니다. 지나치게 오랜 시간 동안 스케치를 작성하는 것은 불가능합니다. 자연의 첫인상이 흐려지고 작가는 피곤해지며 점차 신선함과 지각의 선명도를 잃습니다.

Roerich의 스케치는 독창적인 구성으로 항상 놀라우며, 이는 탁월한 충만함으로 자연의 고유한 독창성을 드러내는 데 도움이 됩니다.

중요 성공적인 작업예술가는 스케치의 크기를 가지고 있습니다. 따라서 자신의 강점과 능력을 고려하여 비교적 짧은 시간에 가장 가볍고 작업하기 편리한 캔버스의 크기를 선택하여 스케치의 완성도를 높이는 것이 매우 중요합니다. 일하다. Roerich는 일반적으로 35.5x45.8cm 크기의 판지를 사용했습니다. 스케치를 위해 그는 더 작은 판지를 사용했습니다.

스케치에서 Roerich는 일반적으로 페인트 톤을 완전히 사용하지는 않았지만 실제보다 다소 억제했으며 팔레트의 전체 범위를 완전히 사용하지 않았습니다. 그렇게하면서 아티스트는 다음을 고려했습니다. 즉시 울퉁불퉁하고 강렬한 톤을 취한 다음 컬러 스트라이크를 적용해야 할 때 전체 범위가 이미 사용되었으며 만들 것이 아무것도 없다는 것이 밝혀졌습니다.

연구를 진행하는 동안 Roerich는 팔레트를 과도한 색상으로 어지럽히 지 않고 제한했으며 초과는 항상 색 영역을 단일 전체로 결합하는 데 큰 어려움을 초래하고 자연에서 관찰되는 색상 관계 전달의 진실성을 박탈한다고 믿었습니다.

Roerich의 스케치에서 뛰어난 기술로 서로 호환되지 않는 톤을 병치하여 형성하는 효과 내부 통일, 그리고 색상 대비에서 작가의 특별한 단순함과 대담함. 밝은 톤과 어두운 톤, 밝은 톤과 둔탁한 톤을 능숙하게 비교하여 그의 그림에 뛰어난 광도를 부여합니다. 그 다채로운 음색은 빛으로 채워지고 스며드는 것 같습니다. 색상의 광채는 자연에 대한 예리한 연구와 관찰에서 비롯된 화가 Roerich의 놀라운 특성 중 하나입니다.

V. N. Baksheev는 스케치 작업에 많은 관심과 시간을 할애했습니다. 그의 각 그림은 스케치에 따라 그려졌습니다. 이미 그 안에 작가는 선택한 주제의 가장 특징적인 것을 찾으려고 노력했습니다. 유사자연과 더불어, 또한 내면의 충만함으로. 물론 스케치는 그가 큰 캔버스를 만드는 데 도움이되었습니다. 그는 형태, 색상, 빛을 연구했습니다. 그러나 작가는 그림 작업이 옳다고 믿고 스케치를 함부로 베끼지 않았다. 창작 과정, 당신이 전송 내면의 삶, 심리학.

다음은 에튜드의 요구 사항에 대해 이 책의 저자와의 대화 중 하나에서 Baksheev가 말한 내용입니다. 우선 스케치는 엄격하게 그려지고 색상이 사실적이어야 합니다. 자연을 매우 주의 깊게 연구해야 합니다. 비율, 색상 관계, 빛과 그림자 등 모든 것을 먼저 찾은 다음 페인팅을 진행하는 것이 중요합니다. 그런 다음 페인트 작업을 시작할 때 이것이 당신의 것이 될 것이라고 스스로 확신하십시오. 최고의 것당신이 그것을 잘 쓴다; 그것을 설정하고 시작하십시오! Polenov는 먼저 캔버스에 밝고 명확한 톤을 넣은 다음 가장 어둡고 밝은 톤을 넣으라고 조언했습니다. 밝은 부분과 어두운 부분, 따뜻한 부분과 차가운 부분 모두에 대해 하프톤을 비교합니다. 밑칠하지 않고 부분적으로 그리고 가능하면 완전한 색상으로 작성해야 합니다. 에튜드는 잘 작성해야하고 자세하게 작성해야합니다 ... 또한 자연보다 더 잘 쓸 수 없습니다. 그렇지 않으면 거짓으로 나옵니다» .

Baksheev는 스케치에 다른 시간을 보냈습니다. 그는 낮 동안 완료하기 위해 일부를 작성했고 다른 일부는 더 오랜 시간에 완료했습니다. 집에서 그는 원칙적으로 그림이 이것으로 인해 거짓이 되었기 때문에 수정 및 수정을하지 않았습니다.

에튜드 페인팅 SV Malyutin에 진지하게 참여했습니다. 그의 스케치는 두 가지 유형으로 나눌 수 있습니다. 일부는 길이가 깁니다. 2~4시간 안에 형식을 주의 깊게 연구하여 자연에서 만들어졌으며 주로 장르 작업을 위한 것입니다. 두 번째 유형은 모스크바 지역, 러시아 북부, 크리미아 및 우리나라의 다른 장소를 자주 여행하는 동안 아티스트가 현장에서 만든 15-20분 에튜드-얼룩을 포함합니다. 잘 건조되고 노련한 3층 합판으로 만든 표준 크기(9x15cm)에 대한 이러한 연구에서 Malyutin은 두 가지 목표를 추구했습니다. 그에게 그것은 첫째로 자연 속에서 눈과 손의 끊임없는 훈련이었고 둘째로 에튜드에서 작가는 필요한 색상과 색조 관계를 찾았습니다.

M. V. Nesterov는 에튜드 페인팅에 매우 세심했습니다. 그의 스케치에서 우리는 이러한 유형의 창의성에 대한 그의 태도와 완전히 일치하는 신중한 수행 방식을 볼 수 있습니다. Nesterov는 학생들에게 다음과 같이 말했습니다. 에뛰드는 진지한 것입니다! 스케치는 매우 신중하게 작성해야 합니다. 그것들은 임의적이지 않아야 하지만 사전에 잘 생각하고 예술가의 창조적 의도와 완전히 일치해야 합니다. 스케치에 거짓말하면 그림에 더 많은 거짓말이 있습니다.» .