회화 장르로서의 초상화 주제에 대한 프레젠테이션. 미술 장르 - 초상화

교사가 준비한 미술 장르 시각 예술 Timchenko Tatyana Gennadievna MBOU 중등 학교 No. 25 Novoshakhtinsk 초상화

초상화의 예술은 수천 년 전에 탄생했습니다. 사람의 첫 번째 이미지는 페인트로 칠하지 않았습니다. 이들은 이집트 파라오의 거대한 석상이었습니다. 그들은 수세기 동안 강력한 통치자를 영화 롭게하기 위해 만들어졌습니다. 파라오의 동상은 초상화일 뿐만 아니라 묘사된 것의 두 배이기도 했습니다.

조각과 그림에서 사람의 얼굴 이미지는 항상 예술가를 매료시켰지만 어떤 시대에는 특히 초상화 장르가 번창했습니다. 그래서 그것은 고대 로마그리고 르네상스 시대. 그러나 초상화의 가장 큰 번성은 Rembrandt Harmes van Rijn, Anthony van Dyck 및 Diego Velasquez와 같은 위대한 거장을 세계에 제공한 17세기에 있습니다. 렘브란트 Harmenzoon van Rijn 자화상 렘브란트 붉은 옷을 입은 노인의 초상

러시아에서 초상화 예술의 개화는 18세기에 시작되었습니다. F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky는 뛰어난 귀족의 정교하고 정교한 초상화를 만들었습니다. Alexandra Struyskaya의 서정적이고 형언 할 수없는 신비한 매력은 초상화 F. Rokotov의 주인이 포착했습니다. F. S. Rokotov "A. P. Struyskaya의 초상화". V. L. Borovikovsky "M. I. Lopukhina의 초상화." 1797. 트레차코프 갤러리. O.A. Kiprensky“A.S. 푸쉬킨.

러시아인 19세기의 예술가수세기는 귀족이 아니라 재능과 사람들에 대한 사랑으로 유명해진 사람들의 초상화로 바뀌 었습니다. 그들의 초상화는 외부의 광채에 놀라지 않습니다. 그 사람의 진짜 모습을 전하고, 복잡한 세계인간의 성격. I. Repin, V. Serov는 많은 멋진 초상화를 만들었습니다. 그들은 동시대 사람들의 이미지를 우리에게 보존했습니다. 즉. 레핀 V.A. 세로프

V.A. Serov "복숭아를 든 소녀"V.A. Serov "여배우 Yermolova의 초상화".

I. N. Kramskoy "자화상" I. N. Kramskoy "L. N. Tolstoy의 초상화". 1873년 트레티야코프 갤러리. I. N. Kramskoy. "알려지지 않은". 1883. Tretyakov 갤러리.

수업의 목적: 초상화 장르 발전의 역사에 대해 알기; 초상화 장르 발전의 역사를 알기 위해; 창의력으로 다양한 이미지 보기 유명한 예술가에서 수행 다른 스타일. 다양한 스타일로 제작된 유명 예술가의 작품에서 다양한 이미지를 확인하세요. 분석하는 법 배우기 예술 작품그리고 자신만의 미적 감각을 개발합니다. 예술 작품을 분석하고 자신만의 미적 평가를 개발하는 방법을 배우십시오. 예술 작품과 소통하는 능력을 기릅니다. 예술 작품과 소통하는 능력을 기릅니다. 조국에 대한 애국적인 태도를 높입니다. 조국에 대한 애국적인 태도를 높입니다.

초상화의 역사 초상화의 첫 번째 샘플은 조각적이며 고대 이집트. 그 뒤를 이어 고대 초상화의 전성기, 중세 시대 장르의 쇠퇴, 새로운 발견, 르네상스 시대의 이젤 그림 기법으로의 부상과 전환이 이어졌습니다. 추가 개발후세에...

최대 고대 초상화인간의 얼굴을 묘사하려는 가장 오래된 알려진 시도는 27,000년 전입니다. 그것은 Angouleme (프랑스)시 근처의 Villonere 동굴에서 발견되었습니다. "초상화"는 얼굴 모양을 닮은 벽의 자연스러운 돌출부에 분필로 만들어졌습니다. 그어진 수평선눈과 입, 코를 나타내는 세로 줄무늬.

고대 그리스인 오랫동안엄격한 의미의 초상화는 존재하지 않았습니다. 그들은 승자에게 상을 주는 관습이 있었습니다. 스포츠 게임공공 장소에 동상을 세웠지 만 완벽한 수치에서만 그들을 묘사한 선수들 일반적으로, 이상화되고 이상적인 아름다움의 표준에 따라 만들어졌습니다. 그리스 공화국도 금지 공인개인은 사실적인 초상화를 의뢰하여 시민의 허영심을 키울 수 있고 그들 사이의 평등 원칙에 위배된다고 믿습니다.

기원전 5세기에만. 처음으로 그리스인들 사이에 실제 초상화와 조각상이 나타났습니다. 알렉산더 대왕 치하의 헬레니즘 예술의 초상화 조각에서 사실적인 방향이 마침내 확립되었습니다. 자연에서 처음으로 가면을 만든 Lysippus와 그의 형제 Lysistratus 덕분입니다. 그리스 예술가의 전형적인 유형화 원칙을 보존하는 헬레니즘 초상화는 외관의 특징뿐만 아니라 다양한 색조도 비교할 수 없을 정도로 더 많이 전달합니다. 감정적 경험모델. 5세기 말부터 기원전 이자형. 고대 그리스 초상화는 점점 더 개별화되고 있으며 결국 이미지의 극화에 끌리고 있습니다.

고대 로마 초상화의 발전은 개인에 대한 관심 증가와 함께 묘사되는 범위의 확장과 관련이 있습니다. 중심에서 예술적 구조많은 고대 로마 초상화, 모델의 독특한 특징을 명확하고 세심하게 전달하면서 개인과 전형적인 것의 통일성을 존중합니다.

엄격한 교회 대포에 의해 제한되는 중세 예술가는 거의 초상화로 향하지 않았습니다. 그의 이해의 개인적인 시작은 종교적 보편성으로 해소되었습니다. 중세 시대에는 사실적이고 자연주의적인 초상화가 매우 드물었습니다. 묘사된 캐릭터의 단순화되고 표준화된 특징으로 인해 특정 사회적 역할로만 그를 식별할 수 있습니다.

중세의 초상 22세기 이후 다소간 초상화는 예술로 복귀하기 시작하지만 여전히 종속적인 역할을 하고 있습니다. 그것은 교회의 일부이다. 건축과 예술묘비, 동전 및 책 미니어처 (특히 책을 제공받은 고객의 초상화)에 보존 된 앙상블.

다시금 주목을 받게 된 초상화의 전환점은 르네상스 시대였습니다. 그것은 시대의 이데올로기의 변화와 관련이 있습니다. 르네상스 인은 인본주의 적 사실주의로 가득 차있었습니다. 즉, 그는 종교의 족쇄를 풀고 개인의 힘을 믿었고 자신을 만물의 척도라고 생각하기 시작하여 예술에서 앞장 섰습니다.

매너리즘의 초상 매너리즘 - (이탈리아어 manierismo, maniera 방식, 스타일에서) 유럽 ​​예술인본주의 문화의 위기를 반영한 ​​16세기 하이 르네상스. 어떤 거장이나 특정 예술 학교의 방식을 동화시킨 예술 스타일.

El Greco 매너리즘 예술에서 초상화는 르네상스 이미지의 선명도를 잃습니다. 그것은 시대의 모순에 대한 극적으로 불안한 인식을 반영하는 특징을 드러낸다. 초상화의 구성 구조가 바뀌고 있습니다. 이제 그것은 강조된 선명도와 영적 표현의 풍부함을 가지고 있습니다.

당시의 유명한 초상화 걸작 중에는 미켈란젤로 다 카라바조의 류트 연주자(Lute Player)가 있는데, 이 작품에서 예술가는 실제 일상 생활에서 모티브를 얻었습니다.

초상화 17세기 17세기에 초상화 장르에서 가장 높은 업적은 네덜란드 회화의 상속자들에 의해 만들어졌습니다. 이때까지 플랑드르 학교와 네덜란드 학교라는 두 개의 독립적인 분파로 나뉘었습니다. 이 학교의 예술가들에게 초상화는 점점 더 많이 획득되었습니다. 더 큰 가치기술이 상당히 향상되었습니다.

XVII 세기를 구분하는 문턱을 간신히 넘었습니다. XVIII에서 우리는 초상화에서 전임자와 다른 다른 유형의 사람들을 보게 될 것입니다. 예술가 Antoine Watteau (), Francois Boucher () 등의 초상화 그림은 가볍고 움직이며 색상이 우아하게 넘치며 절묘한 하프 톤 조합이 특징입니다.

세계 예술의 독창적 인 조각 초상화 중 하나는 Peter I의 기념비입니다. 프랑스 조각가 Etienne Maurice Falcone (), 수년 동안 상트 페테르부르크에 세워졌습니다.

초상화 19세기 19세기 초상화 예술에 예술적 취향의 다양성, 아름다움 개념의 상대성을 도입했습니다. 회화에서의 혁신적인 검색은 이제 현실과의 화해, 이미지의 다양성 검색을 향하고 있습니다. 낭만주의 시대에 초상화는 자유 의지를 부여받은 사람의 내면 "나"의 이미지로 인식됩니다.

F. Chopin의 초상화에 프랑스 붓으로 진정한 낭만적 인 파토스가 나타납니다. 로맨틱 아티스트유진 들라크루아().

20세기와 21세기의 초상. XXI 세기의 초상화 예술에서. 조건부로 두 방향을 구분할 수 있습니다. 그들 중 하나는 사실적인 예술, 노래하는 아름다움과 웅장함의 고전적 전통을 이어갑니다. 인간, 타자는 자신의 내면 세계를 표현하는 새로운 추상적 형태와 방법을 찾고 있다.

일반화 및 지식 통합 초상화 란 무엇입니까? 어떻게 초상화 장르? 초상화 장르의 발전에 영향을 미친 것은 무엇입니까? 초상화의 역사는 어떤 기간으로 나눌 수 있습니까? 가장 오래된 초상화의 날짜는 언제입니까? "매너리즘"이란 무엇이며 그 특징은 무엇입니까? 오늘 수업에서 논의된 예술가와 작품의 이름을 말하십시오. 현대 초상화 장르의 특징은 무엇입니까? 그림과 음악의 관계는?

숙제예술적이고 창의적인 작업 "다양한 시대 문화의 초상화 장르"라는 주제로 앨범, 신문, 연감, 컴퓨터 프레젠테이션 (선택 사항)을 준비하십시오. 예술가, 조각가, 그래픽 아티스트, 시, 산문 구절, 단편에 대한 정보를 포함합니다. 뮤지컬 작품, 초상화 갤러리의 이미지와 일치합니다.

요약 수업이 마음에 드셨나요? 수업이 마음에 드셨나요? 무엇이 가장 흥미로웠나요? 무엇이 가장 흥미로웠나요? 무엇을 새로 배웠습니까? 무엇을 새로 배웠습니까? 수업이 당신에게 어떤 감각과 감정을 불러 일으켰는지 공책에 아이콘으로 표시하십시오. 수업이 당신에게 어떤 감각과 감정을 불러 일으켰는지 공책에 아이콘으로 표시하십시오.

"Kiprensky의 초상화"-자화상 1808 형질 19세기 초상화. 초상화에서 아이디어의 단순함과 무결성, 고상한 색상의 풍부함. "소년 Chelishchev의 초상화". "V. A. Zhukovsky의 초상화". "E.I. Chaplitsa의 초상화". 창작 전기아티스트. “K.N. Batyushkov. "D. Davydov의 초상화"1809

"선생님의 초상"- 심리적 그림교사. 선함, 악함, 없음 배의 다리에 선장. 따라서 개발에 심리적 능력 주요 역할자기 개선, 전문적이고 개인적인 자기 인식, 직업적 위치 할당에 전념합니다. 당신, 데뷔와 에이스에게 행운을 빕니다.

"음악의 초상화"-M.I.Dunaevsky. N. A. 림스키-코르사코프. 거기 누구야? 오페라. 빗자루로 구름을 운전하는 사람은 누구입니까? 공주의 테마는 백조입니다. "음악의 초상화". 그들은 춤을 춥니 다. 누가 거기서 신음하고 있니? 미. 두나옙스키. 거기 누구야? 악센트 - 음악의 강세. 그들은 노래한다. 벨로치카 테마. P.I. 차이코프스키. 어두운 밤의 깊이에서? 연극 "바바 야가"의 그림을 그립니다.

"18세기 러시아 초상화" - Grigory Grigorievich Orlov의 초상화. 1762-1763년 국가 A.M. Izmailova의 여성 초상화. Rokotov는 젊은 여성 이미지의 고상함을 보여주었습니다. 정력적으로 머리를 돌리면 초상화에 고귀한 애정이 생깁니다. 초상화는 그녀의 거부할 수 없는 매력의 힘을 아는 상류층 미인을 묘사합니다. G.R. Derzhavin. 1811.

"초상화의 예술" - 또는 사람들의 그룹, 르네상스 초상화. 초상화 장르 개발의 기본 원칙. 20세기와 21세기의 초상. Peter Paul Rubens 1590 A. Durer "자화상"의 초상화. 초상화 장르의 발전에 영향을 미친 것은 무엇입니까? 초상화 19세기. 초상화란 무엇입니까? G. 홀바인 주니어 "로테르담의 에라스무스의 초상". 예술의 거울 속의 남자: 초상화의 장르.

"18 세기 러시아 초상화 1"-E. Naryshkina의 모습은 그녀 시대의 이상과 완전히 일치합니다. F. 로코토프. V.Novosiltseva의 초상화. 작가는 연극과 축제의 기쁨으로 소녀들을 묘사합니다. "Smolnyanok"의 초상화. A. Matveev "아내와의 자화상." Nelidova의 초상화. 알렉산드라 스트루이스카야의 초상. I. Nikitin "G. Golovkin 장관의 초상화."

목표: 인간 창조물을 새로운 방식으로 보기 예술적 이미지자신과 그를 위해 그것을 발견하기 위해 사람들은 얼굴을 들여다보고 똑같지 않습니다. 당신은 인간의 개성에 놀랐습니다. 인생의 길사람은 외모의 흔적입니다 초상화의 의미-인정의 기쁨-내부의 유사성

초상화의 역사에서 초상화는 우리에게 무엇을 말해 줄 수 있습니까? 우리가 알지 못하는, 심지어 우리와 멀리 떨어져 있는 사람들의 초상화를 보는 것이 왜 그렇게 흥미로울까요? 창조의 시대는 초상화에 어떻게 나타 납니까? 작품의 제작 시기를 추측할 수 있는 기호를 설명하십시오.

안에 상대얼굴 특징을 보존하기 위해 왁스 또는 석고 마스크를 만들고 얼굴에 평온함과 웅장 함을 부여했습니다. 초상화는 종교적으로 수행되었습니다 마법의 기능(장엄한 조각상). 카이로 근처의 파이윰(Fayum)에서 발굴하는 동안 왁스 크레용. 예술가들은 얼굴의 특징에 집중했습니다. 각 주름, 주름은 사람의 삶의 길과 본성을 드러냈습니다. 그들은 여기서 신경쓰지 않았다 외적인 아름다움, 그러나 각 초상화에서 그들은 용기, 엄격한 자신감 및 행동 의지를 강조했습니다. 통해 주장 모습영적 본질을 전달할 수 있으며 중세 시대에 특히 중요해졌습니다. 온다 새로운 관심에게 진짜 사람, 그의 성격의 독창성에. 러시아 예술에서 초상화는 17세기에 등장했습니다. 그들은 온도 페인트-parsuns로 보드에 썼습니다. 18세기 말까지 러시아 화가들은 완벽한 숙달을 달성했습니다.

초상화를 만드는 데 어떤 유형의 미술이 사용됩니까? 사람의 이미지를 드러내는 특이점은 무엇입니까? 다른 유형시각 예술? "like" 또는 "not like"은(는) 무슨 뜻인가요? 모양과 비율에 따라 얼굴의 디테일이 재현됩니다. 이 정도면 충분합니까? 초상화의 특징에서 똑같이 중요한 것은 무엇입니까?

작가는 사물의 실제 색상을 전달하는 것뿐만 아니라 아이디어의 시적 구현을 ​​위해 특정 분위기를 만들기 위해 색상을 사용합니다. 초상화의 컬러 이미지를 만들 때 큰 중요성배경색, 얼굴, 머리카락, 옷의 색과의 관계가 있습니다. 진실성은 수트의 색상을 "정확하게" 반복하는 것이 아니라, 그것을 성격을 드러내는 수단으로 볼 수 있다는 것입니다. "몸의 아름다움"은 없으며 얼굴은 주변보다 밝거나 어두울 수 있음을 이해해야 합니다. 획이 떨어지는 방식에 따라 질감도 초상화의 이미지를 구성합니다.

창조에 완벽함이 있는 "La Gioconda" 완벽한 이미지? 호화로운 궁전 장식, 풍요와 건강의 이상? "노인의 초상"-따뜻함과 영적 깊이, 큰 슬픔과 기쁨. "Leo Tolstoy의 초상화"는 국가 생활의 진정한 그림 인 사람들의 운명에 대한 작품입니다. "웃는 소녀", "스토커", "알 수 없음"- 캐릭터 공개, 모든 관심은 얼굴, 사람의 존엄성 이전, 이미지의 중요성에 집중됩니다. 모양, 색상 "땋은 머리를 가진 소녀", "Madame Matisse"를 사용한 실험. 현실의 파편들이 기이하게 결합되어 꿈의 환영과도 같은 새로운 부조리하고 불안한 의미를 형성한다. "메이 웨스트의 얼굴".

어떤 유형의 초상화를 알고 있습니까? 예를 들다. 인물 사진의 색상이 어떻게 사람의 이미지를 드러내는지 설명합니다. 예를 들다. 위대한 초상화가 중 누구를 알고 있습니까? 기억에 남는 작품에 대해 알려주세요. 위대한 러시아 초상화 화가의 이름을 지정하고 그들에 대해 알려주십시오. 초상화 장르의 발전사에 대한 이야기를 쓰십시오.

한 사람의 이미지 전송과 캔버스 또는 종이에 두세 사람의 그룹에 전념합니다. 아티스트가 선택한 스타일이 특히 중요합니다. 초상화에서 사람의 얼굴을 그리는 것은 그림에서 가장 어려운 영역 중 하나입니다. 붓의 주인이 전해야 할 형질외모, 감정상태, 내면 세계포즈. 초상화의 크기에 따라 모양이 결정됩니다. 이미지는 흉상, 세대, 절반 길이 또는 전체 길이일 수 있습니다. 포즈에는 얼굴 (전체 얼굴), 한 방향 또는 다른 방향으로 "3/4"회전 및 프로필의 세 가지 각도가 포함됩니다. 포함된 초상화 무한한 가능성예술적 아이디어의 실현. 먼저 스케치를 만든 다음 그림 자체를 만듭니다.

초상화 장르의 역사

인간의 얼굴을 묘사하려는 가장 오래된 시도는 27,000년 전으로 거슬러 올라갑니다. "그림"은 프랑스 도시 앙굴렘 근처의 동굴에서 발견되었습니다. 초상화는 윤곽선이 분필로 윤곽이 그려져 있으며 특징을 모호하게 닮았습니다. 인간의 얼굴. 고대 예술가눈, 코, 입의 주요 라인을 설명했습니다. 나중에 (또한 동굴에서) 발칸 반도와 이탈리아에서 더 명확하고 명확한 이미지가 나타나기 시작했으며 그 중 프로필에 그려진 얼굴이 우세했습니다. 창조하는 것은 인간의 본성이다. 재능있는 사람들흔적을 남기지 않고는 살 수 없습니다. 들판 한가운데 자갈을 깔아 놓은 문양일 수도 있고, 나무껍질에 새겨진 장식품일 수도 있고, 바위에 숯불로 그린 누군가의 얼굴일 수도 있다. 창의력을 발휘할 기회는 많습니다.

stucco 이미지

옛날에는 초상화 장르가 조각으로 구현되는 경향이 있었는데, 고대에는 붓을 철저히 마스터하고 빛과 그림자의 유희를 전달할 수 있는 예술가가 없었기 때문입니다. 점토로 된 얼굴의 이미지가 더 좋았으므로 먼 시대에는 치장 벽토 초상화가 지배적이었습니다. 회화의 예술은 인류가 문화적 소통의 필요성을 깨닫게 된 훨씬 후에 나타났습니다.

매장

도면에 가까운 이미지의 모양은 더 많은 것을 나타냅니다. 후기, 최초의 초상화는 고대 동부 영토에서 발견되었습니다. 이집트 국가에서는 죽은 자의 신화가 일어났습니다. 매장하는 동안 조건부로 고인의 두 배로 간주되는 일종의 초상화가 만들어졌습니다. 미라화의 원리가 나타난 다음 초상화가 나타났습니다. 초상화 장르의 역사에는 드로잉과 조각 모두에서 상징적인 이미지의 많은 예가 포함되어 있습니다. 죽은 자의 얼굴 그림은 점점 더 원본과 비슷해졌습니다. 그리고 다른 세계로 떠난 자의 얼굴을 복사해 마스크로 대체했다. 이집트인의 죽음은 석관에 묻히기 시작했으며 그 뚜껑에는 고인이 묘사되어 있습니다. 전체 높이아름다운 양식화 된 얼굴로. 그러한 장례식은 귀족만을 위해 마련되었습니다. 예를 들어 이집트 파라오는 석관뿐만 아니라 거대한 구조물인 무덤에도 배치되었습니다.

다양한 솔루션

작가는 초상화를 그릴 때 선택할 수 있습니다. 원본에 따라 사람의 얼굴과 옷을 묘사하거나 창의적으로 정교하고 창의적인 그림을 만듭니다. 이에 대한 주된 조건은 지배적 인 역할을하는 유사성입니다. 독립 - 초상 예술, 가장 광범위한 스펙트럼의 실험에 열려 있습니다. 아티스트는 최신 기술 성과를 적용하여 기술을 향상시킬 수 있습니다.

실제로 실행 기술은 최적의 결과를 달성하는 데 결정적입니다. 초상화의 가장 일반적인 방법은 전문 예술가이 스타일은 수세기의 깊이에 뿌리를 두고 있습니다. 그것은 고대 예술가들이 사용했습니다. 그들의 작업은 오늘날까지 살아 남았습니다. 미술의 한 장르로서의 초상화는 태곳적부터 존재해 왔으며 오늘날 대중적인 예술적 표현 수단입니다.

"드라이 브러쉬"

안에 최근에획이 아닌 소량의 물감을 문질러서 이미지를 만드는 기법이 대중화된다. 동시에 브러시는 거의 건조하고 방법 자체를 사용하면 아름다운 하프 톤을 얻을 수 있습니다. 가장 미묘한 그림 장르는 초상화이고 페인트의 얼굴 이미지에는 섬세한 색조가 필요하기 때문에 "드라이 브러시"기법이 이러한 목적에 가장 적합합니다.

유형

초상화의 장르는 의식, 실내, 친밀한 및 음모의 여러 유형으로 나뉩니다. 작가가 자신을 묘사하는 자화상이라는 특별한 유형도 있습니다. 원칙적으로 이것은 순전히 개별 도면입니다. 일반적으로 초상화 장르는 특정 규칙에 따라 완전히 독립적입니다. 이러한 규칙은 특정 상황에서 범위가 확장될 수 있지만 절대 위반되지 않습니다.

이미 나열된 것 외에도 체계적인 접근이 필요한 특별한 예술적 특징을 포함하는 또 다른 초상화 장르가 있습니다. 이것은 캔버스가 묘사할 때 의상을 입은 초상화입니다. 현대인과거의 옷. 플롯의 범위는 제한되지 않습니다. 그가 입은 스킨에서 원어, 르네상스의 웨딩 드레스에. 이 초상화의 다양성에는 연극적인 요소가 있습니다. 안에 러시아 연방, 특히 모스크바에서는 의상을 입은 초상화가 널리 퍼졌지만 이것은 패션을 위해서가 아니라 예술에 대한 찬사였습니다.

예술의 초상화 장르

에 그려진 그림 다른 시간, 하나의 전제 조건을 결합합니다. 사진은 신뢰할 수 있어야 합니다. 초상화 구성 요소, 즉 캐릭터의 얼굴 이미지가 중요한 역할을합니다. 그림의 성공 여부는 얼굴 특징을 얼마나 주의 깊게 작성하느냐에 달려 있습니다. 눈, 미소 또는 반대로 찡그린 눈썹의 표현, 모든 뉘앙스가 캔버스에 반영되어야합니다. 작업은 쉽지 않지만 신뢰성 요소는 아티스트의 기술을 증명합니다. 그렇기 때문에 예술의 초상화 장르가 매우 모호하지 않고 마스터의 전적인 헌신이 필요합니다. 숙련된 아티스트그림은 사람, 그들의 얼굴이 있는 플롯에서 가장 잘 수행됩니다. 확대그리고 강조된 움직임.

문학 초상화

작가와 예술가는 종종 사람의 얼굴을 묘사합니다. 문학적 장치이를 위해 훨씬 더 풍부한 러시아어를 사용하면 수많은 예술 형식, 회전 및 문구. 작가가 추구하는 목표는 작가의 의도와 의미가 동일하며 작가는 사람의 기분, 생각, 감정 및 경험의 반영으로 얼굴 표정을 묘사합니다. 초상화는 다소 복잡합니다. 피상적 인 공식을 피하면서 설명하는 것이 필요합니다. 이것은 진정한 크리에이터의 기술을 필요로 합니다. 인간 형태의 본질을 몇 마디로 표현할 수있는 러시아 작가 중 위대한 Maxim Gorky가 1 위를 차지합니다. 그의 미국인 추종자도 언어 기술을 완벽하게 마스터했습니다. 초상화 그리기. 장르 문학적 초상다양하고 설명은 특정 스타일을 따르며 명랑하거나 슬프거나 짧거나 길 수 있으며 모두 개별 작업에 따라 다릅니다.

사진

daguerreotype의 출현으로 미술의 가능성이 확대되었고 초상화도 예외는 아닙니다. 사진 초상화는 유화보다 비용이 훨씬 저렴하고 인지도는 100%였습니다. 그리고 예술가들은 사진이 가난한 사람들을 위한 것이라고 인색하게 말했지만, "일반 대중은 은도금된 판에 있는 더 정확한 이미지로 돌아섰습니다. 초상화 사진 장르는 빠르게 유행했습니다. 사랑하는 사람.

그러나 새로운 방법인 다게레오타입에는 단점이 있었습니다. 그림 같은 초상화와 달리 사진은 아무것도 변경할 수 없습니다. 이미지가 단번에 멈춰서 무언가를 고칠 수 없었습니다. 그리고 그 사람이 앉아 있거나 서 있는 사진을 찍은 것을 고려하면(긴장된 자세로) 사진에 나오지 않았습니다. 최선의 방법으로. 따라서 많은 실망, 주장 및 불만이있었습니다. 그럼에도 불구하고 인물 사진이 뿌리를 내리고 사람들은 예술적으로 포즈를 취하는 방법을 배웠고 모든 것이 제자리를 찾았습니다.