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한 페인트 레이어를 다른 레이어에 중첩하는 것을 호출합니다. 가장 큰 것에서 가장 작은 것으로, 일반에서 특정으로 그리는 순서

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페인팅을 수행하려면 특정 순서를 준수해야 합니다. 일반적으로 예술가는 자신의 아이디어를 구체화하는 몇 개의 작은 스케치를 만들어 그림이나 벽화 작업을 시작합니다. 같은 목적으로 그는 자연에서 스케치를 할 수 있습니다.

그런 다음 작가는 미래의 그림을 그립니다. 이를 위해 그는 연필, 목탄 또는 액체 희석 페인트와 얇은 브러시를 사용할 수 있습니다. 도면을 일부 표면에 전사해야 하는 경우 소위 "트레이싱 페이퍼" 또는 "카드보드"를 제조하는 것이 가능합니다. 때때로 예술가는이 작업 단계를 건너 뛰고 예비 드로잉없이 즉시 페인트로 페인팅을 시작합니다.

평면에 페인트를 적용하는 방법에는 여러 가지가 있습니다. 일부 아티스트는 글레이징 기법을 사용하는 것을 선호합니다. 건조된 페인트 레이어 위에 얇은 투명 레이어를 적용합니다. 다른 제품은 한 번의 코팅으로 원하는 색상 솔루션을 얻는 반면 다른 제품은 별도의 스트로크를 사용합니다.

아티스트는 드로잉, 구성, 형태 조각, 공간 전송 및 채색 작업을 동시에 수행할 수 있습니다. 그래서 P. Cezanne은 특히 자연의 풍경화나 정물화를 그릴 때 작업을 좋아했습니다.

그러나 이 경로가 모든 사람에게 제공되는 것은 아닙니다. 뛰어난 시각적 기억력, 정확한 그림, 구성 적 사고, 완벽한 색채 감각이 있어야합니다.

대부분의 아티스트는 일반적인 것에서 구체적인 것으로 작업하는 것을 선호하며 점차 개체의 기본 색상을 적용하고 볼륨 모델링을 따릅니다. 그런 다음 색상의 뉘앙스, 색상 반사, 그림의 전체 색상을 수정합니다. ~에 마지막 단계다시 일반화. 작업의 무결성을 달성하기 위해 불필요한 세부 사항을 제거하고 대비를 약화시키고 주요 항목을 강조 표시할 수 있습니다. 이것이 훌륭한 예술가 A. A. Ivanov가 일하는 것을 좋아했던 방법입니다. 그는 "사람들에게 그리스도의 모습"이라는 그림을 만들기 전에 많은 준비 작업을했습니다. 이 그림 옆에 전시된 수많은 회화 연구 트레차코프 갤러리, 저자의 창의적인 검색을 추적하는 데 도움이 됩니다.

교육적 목적으로 그림 구성을 순차적으로 작업하는 것이 좋습니다. 그림의 비밀과 신비를 배우려면 이 책 말미에 실린 거장들의 진술이 도움이 될 것이다.

예술가 화가는 페인트를 사용하여 주변 세계의 아름다움을 전달합니다. 캔버스, 종이, 판지, 보드, 벽 등 모든 베이스를 선택할 수 있습니다. 베이스는 일반적으로 특수 화합물로 프라이밍됩니다. 화가는 구 아슈, 수채화, 오일 템페라 등 다양한 페인트를 사용합니다. 페인트는베이스에 적용됩니까? 둥글고 플랫 브러쉬다른 두께. 때로는 팔레트 나이프, 걸레가 사용되며 손가락으로 페인트를 칠하기도하지만 즉석 수단이 아닌 특수 도구를 사용하여 그림을 만드는 것이 여전히 좋습니다. 쓰기 기술, 그 기능은 주로 페인트, 용제, 도구의 속성에 따라 다릅니다.

그리기를 어디서부터 시작해야 할까요? 이 질문은 초보 아티스트가 작업을 시작할 때 자주 묻는 질문입니다. 그러나 숙련된 기안자들은 오랫동안 이에 대한 답을 알고 있었습니다. 예술 학교일을 하는 데에는 놀라운 원리가 있습니다. 일반적인 것에서 세부적인 것, 큰 것에서 작은 것 순으로 그리거나 써야 합니다.

이것을 명확하게 이해하려면 어린 아이들이 어떻게 그리는지 기억하는 것으로 충분합니다. 아이가 집중하는 경우가 많습니다. 상세 도면크기와 환경에 어떻게 부합하는지 생각하지 않고 모든 물체. 아이들은 작은 그림을 그릴 수 있습니다. 큰 시트. 그려진 개체가 시트 모서리 어딘가에 있고 주위에 빈 공간이 있습니다. 아이들은 나이 때문에 전체 시트를 전체적으로 인식하지 못하므로 모든 것을 따로 그립니다.

예술가 지망생이 그림을 그리기 시작할 때도 비슷한 일이 일어납니다. 이 세부 사항이 환경에 어떻게 종속되어야하는지에 대해 그림의 통일성을 생각하지 않고 단일 세부 사항의 모든 아름다움을 전달하고 세부적으로 그립니다. 그러나 이젤에서 멀어지면서 멀리서 "양심적으로"작성 된 조각을 보면 모든 것이 가까이서 보였던 것만 큼 좋지 않다는 것을 알 수 있습니다. 세부 사항 자체는 성공했을지 모르지만 나머지 그림에는 맞지 않았기 때문에 일반적으로 모든 것이 비뚤어졌습니다. 예를 들어 살펴보겠습니다.

화가가 초상화를 그리고 있다고 가정해 봅시다. 그리고 그는 다른 모든 것을 잊고 눈을 그리는 것으로 즉시 작업을 시작합니다. 다음으로 코, 입술, 얼굴 전체, 머리 윤곽을 그립니다. 그런 다음 전체 초상화를 완성합니다. 즉, 눈으로 그림을 그리기 시작하여 머리의 전체 실루엣으로 끝냈습니다(그림 참조). 결과적으로 눈 자체가 나왔지만 옆으로 이동했습니다. 코와 입술에도 같은 일이 일어났습니다. 따라서 초상화는 닮지 않았을뿐만 아니라 비뚤어졌습니다.

그런데 왜 이런 일이 일어 났습니까? 작가가 먼저 작은 물체를 그리기 시작했고 큰 형태로 마무리했기 때문입니다. 즉, 그는 가장 작은 것부터 가장 큰 것까지 일했습니다. 그러나 그가 머리의 윤곽, 얼굴의 타원 (즉, 큰 것)으로 작업을 시작한 다음 코, 입술, 눈 (더 작음)으로 이동했다면 위의 오류는 발생하지 않았을 것입니다 ( 더 정확하게는 확률이 더 낮을 것입니다). 결국, 기초를 설명했습니다. 큰 형태, 작은 세부 사항을 맞추는 것이 훨씬 쉽습니다. 거리와 비율을 비교하는 것이 더 쉽습니다. 그리고 큰 실루엣을 정의하지 않고 작은 것부터 시작하면 나중에 서로 맞추는 것이 매우 어려울 것입니다. 따라서 아티스트는 가장 큰 것부터 가장 작은 것까지 그림을 그리는 순서를 사용합니다. 이 방법 자체가 성공을 보장하지는 않지만 작업에 큰 도움이 됩니다. 그런데 마음대로 그릴 수는 없는 걸까요? 어떤 순서로든? 훌륭한 경험을 가진 거장은 순서에 대해 생각하지 않고 "A" 지점에서 그림을 그리기 시작하여 "B" 지점에서 끝낼 수 있습니다. 그들은 방대한 경험을 가지고 있기 때문에 이미 직관적인 수준에서 모든 것이 잘 풀립니다. 그러나 대부분의 경우 사소한 일이 아니라 전체 그림을 보면서 일반적이고 큰 덩어리로 작업을 시작하는 것이 좋습니다. 결국 거장들은 위반하더라도 클래식 스테이지마음 속에서 그들은 여전히 단편적이지 않고 전체 그림을 봅니다.

전체보기 작은 부품여러 가지 이유로 매우 중요합니다. 그 중 하나는 일반화 능력입니다. 일반화 없이는 드로잉이나 페인팅을 상상할 수 없습니다. 일반화는 단지 일을 더 쉽게 만드는 방법이 아닙니다. 일반화를 통해 예술가는 그림이나 그림이 살아날 수 있다는 환상을 만듭니다. 예를 들어 꽃다발을 생각해보십시오. 별도의 꽃잎에서 쓰기 시작하고 끝까지 자세한 문자로 계속 작업하면 그림에 오류가 포함될 수있을뿐만 아니라 표현력이 떨어지고 "건조"합니다. 그러나 작가가 큰 덩어리로 작업을 시작하고 꽃을 그룹으로 일반화하고 결합한 다음 개별 꽃을 자세히 칠하면 이러한 순서는 음영에 혼동하지 않고 중요한 것을보고 그림을 활기차게 만드는 데 도움이 될 것입니다. 아티스트가 보조를 일반화하고 주요를 강조 표시하면 선택 효과로 활기를 띱니다. 세부적인 것과 일반화된 것의 이웃은 묘사된 풍경이 살아 움직이는 것처럼 보이는 환상을 만듭니다.

그러한 선택에는 큰 그림을 볼 수있는 능력, 사소한 일에 집중하지 않고 중요한 것에주의를 기울이는 능력이 필요합니다. 예술가가 이 점에서 안목을 가지면 무엇이 일반화되어야 하고 어떻게 해야 하는지 더 잘 결정할 수 있을 것입니다. 이 각도에서 사진을 보면 아티스트는 비율을 더 정확하게 결정할 수 있고 색상과 톤 관계를 더 잘 볼 수 있습니다.

그림을 그릴 때는 일정한 순서를 지켜야 합니다. 일반적으로 작가는 자신의 아이디어를 구체화하는 몇 개의 작은 구성 스케치로 그림이나 벽화 작업을 시작합니다. 같은 목적으로 그는 자연에서 스케치를 할 수 있습니다.

재미있는 그림을 그리려면 보는 법을 배워야 합니다. 주변 생활흥미로운 이벤트, 캐릭터, 동기, 각도 및 상태. 스케치, 스케치 및 자연 스케치의 지속적인 실행은 눈과 손뿐만 아니라 구성 적 사고도 개발합니다.

생활 속에서 흥미로운 구성 모티프를 보는 것은 그리 쉬운 일이 아니다. 쉽게 만들 수 있는 뷰파인더 프레임이 도움이 될 수 있습니다. 가장 중요한 것은 반대쪽이 움직일 수 있다는 것입니다. 그러면 형식을 쉽게 변경하고 시야에 들어오는 물체의 원을 늘리거나 줄일 수 있습니다. 프레임이 없으면 그림과 같이 손바닥을 이렇게 접을 수 있습니다.

구성에 대해 가장 표현력이 풍부한 플롯을 선택하는 것도 쉬운 일이 아닙니다. 수백 명의 사람들이 동일한 플롯을 다른 방식으로 인식하고 해석합니다. 즉, 자신의 버전을 만듭니다. 플롯은 작가가 캔버스에 직접 그린 것으로 이해해야 하며, 내용이나 주제는 훨씬 더 광범위할 수 있다.

이미지가 시작되기 전에도 미래의 그림을 상상해 보는 것이 중요합니다. 일반적으로 아티스트는 가장 표현력이 풍부한 구성을 찾기 위해 먼저 여러 개의 작은 스케치를 수행합니다. 이 단계에서 그림의 형식(수직으로 길쭉한 것, 직사각형, 정사각형, 가로로 길쭉한 것 등)과 크기가 결정됩니다.

길쭉한 형식은 이미지에 조화와 고상함을 부여합니다. 가로로 배치된 직사각형 형태의 형식은 장대한 액션을 묘사하기에 편리합니다. 넓은 풍경 모티프를 묘사하는 데에는 황금비를 기반으로 한 형식이 적합하다고 이미 말씀드렸습니다. 정사각형을 전체 대각선으로 확대하여 얻은 형식은 풍경, 정물 및 주제 구성을 묘사하는 데에도 똑같이 편리합니다.

세로 형식을 과도하게 늘리면 이미지가 스크롤로 바뀌고 가로 형식을 과도하게 늘리면 파노라마 또는 프리즈 구성을 사용해야 합니다. 형식을 선택할 때 구성의 주요 개체 위치(수평 또는 수직), 플롯의 개발(왼쪽에서 오른쪽으로, 그림의 깊이 등)을 고려해야 합니다.

정사각형 형식은 정신적으로 이미지 테두리의 동일한 중심 축 및 동일한 측면과 관련되기 때문에 균형 잡힌 정적인 구성을 만드는 데 가장 적합합니다.

타원과 원의 구성은 서로 수직인 가상의 중심 축을 기준으로 만들어집니다. 여기에서 이미지의 상단과 하단이 명확하게 정의되어야 합니다. 이 구성은 타원형과 쉽게 연관되기 때문에 타원형은 종종 세로 형식으로 사용됩니다. 인간의 얼굴또는 가슴 이미지의 윤곽.

아티스트는 또한 두 가지의 조합으로 구성된 복잡한 구성 형식을 사용합니다. 기하학적 모양, 반원 및 직사각형과 같은.

스케치에서 일반적인 구성 체계가 그려지고 TT의 위치는 주요 요소의 관계입니다. 배우자세한 도면 없이 아마도 스케치의 톤과 색 구성표. 그런 다음 구성의 그림으로 이동한 다음 그림으로 구현합니다.

중 하나 흥미로운 단계작품 - 천연 재료 수집 : 선택한 플롯에 따라 주변 생활 관찰, 집과 거리에서의 스케치 및 스케치. 플롯을 선택한 후 즉시 천연 소재를 수집하거나 컴포지션의 첫 번째 스케치 후에 수집할 수 있습니다.

그런 다음 작가는 연필, 목탄 또는 액체 희석 페인트와 얇은 붓을 사용하여 미래의 그림을 그립니다. 드로잉을 일부 표면으로 전송해야 하는 경우 소위 트레이싱 페이퍼 또는 판지를 제조하는 것이 가능합니다. 도면에서 문제가 해결되지 않으면 다시 한 번 스케치로 이동하여 어려움을 야기한 세부 사항을 해결한 다음 수집된 천연 재료를 사용하여 도면을 다듬을 수 있습니다. 새로운 구성 죄수를 만들 수도 있습니다.", 완성 된 스케치와 삶의 스케치를 고려하여 아이디어를 명확히하십시오.

그 후 그들은 캔버스의 그림 같은 솔루션으로 이동합니다. 첫째, 밑칠은 액체 희석 페인트로 수행되며 물체의 일반적인 색상 및 톤 관계, 로컬 색상이 결정됩니다. 그런 다음 캔버스의 실제 그림 솔루션 인 메인 단계로 이동합니다. 볼륨 모델링을 위해 객체의 기본 색상과 오일을 점차적으로 적용하여 일반에서 특정까지 모든 작업을 수행하는 것이 좋습니다. 색상의 대비와 뉘앙스, 색상 반사, 그림의 전체 색상을 명확히 할 필요가 있습니다. 마지막 단계에서 다시 일반화를 진행합니다. 작업의 무결성을 달성하려면 불필요한 전단지를 제거하고 대비를 약화시키고 주요 항목을 강조 표시해야합니다.

나열된 그림 실행 단계는 특히 교육 목적으로 매우 중요합니다. 그러나 아티스트가 일부 무대를 거부하는 경우가 있습니다. 모든 사람은 다르게 작동합니다. 일부는 세부적인 스케치를 수행하는 반면 다른 일부는 예비 연필 드로잉 없이 바로 작성합니다. 누군가는 끊임없이 자연의 모든 것을 그림으로 찾고, 다양한 자연 상태에서 스케치를 만들고, 적절한 의상과 포즈로 시터를 그리고, 필요한 역사 또는 미술사 자료를 연구합니다. 또 다른 예술가는 자신의 시각적 기억과 상상력을 더 신뢰하고 일반적으로 자연 연구를 거부합니다.

아티스트는 드로잉, 구성, 조각 형식, 공간 렌더링 및 색상 작업을 동시에 수행할 수 있습니다. 이것이 P. Cezanne이 작업하기를 좋아했던 방식입니다. 특히 그가 풍경화나 삶의 정물화를 그렸을 때 그렇습니다. 그러나 이 경로가 모든 사람에게 제공되는 것은 아닙니다. 뛰어난 시각적 기억력, 정확한 그림, 구성 적 사고, 완벽한 색채 감각이 있어야합니다.

대부분의 예술가는 그림을 만드는 데 필요한 모든 단계를 따르는 것을 선호합니다. 이것이 L. A. Ivanov가 일하는 것을 좋아했던 방식입니다. 그는 "사람들에게 그리스도의 모습"이라는 그림을 위해 많은 준비 작업을했습니다. State Tretyakov Gallery에 전시된 수많은 그림 스케치는 저자의 창의적인 검색을 추적하는 데 도움이 됩니다.

그림 작업에 관한 위의 모든 사항은 영구적이고 의무적이며 변하지 않는 순서로 이해되어서는 안됩니다. 그러나 규칙을 준수하면 달성하는 데 도움이 됩니다. 좋은 결과, 스킬을 마스터하십시오.

기술 자료에서 좋은 작업을 보내는 것은 간단합니다. 아래 양식을 사용하십시오

연구와 작업에 지식 기반을 사용하는 학생, 대학원생, 젊은 과학자들은 여러분에게 매우 감사할 것입니다.

이동 전송 규칙.그림의 물체는 다음 조건에서 움직이는 것처럼 보입니다.

* 하나 이상의 대각선이 있는 경우 카딘에서 이동 방향이 사용됩니다. *움직이는 물체 앞에 여유 공간을 두는 경우;

*악장의 특성을 가장 분명하게 반영하는 특정 순간을 선택하면 절정입니다.

또한 한 순간의 움직임이 아니라 연속적인 단계를 재현하면 이미지가 움직이는 것처럼 보일 것입니다. 예를 들어, 고대 이집트 구호에서. 각각의 인물들은 일정한 위치에서 멈춰있지만, 원 안에 있는 구도를 고려하면 시퀀스가 움직이는 것을 볼 수 있다.

움직임은 개별 움직임의 순간이 아니라 작업 전체를 고려할 때만 이해할 수 있습니다. 움직이는 물체 앞에 여유 공간이 있으면 마치 함께 움직이도록 초대하는 것처럼 정신적으로 움직임을 계속할 수 있습니다.

또 다른 경우에는 개체가 시트 가장자리에 너무 가깝게 표시되면 이동을 계속할 수 없는 것처럼 보입니다.

그림의 선 방향을 사용하여 움직임을 강조할 수 있습니다. 예를 들어 모든 선이 시트 깊숙이 향하는 경우입니다. 순간의 영웅을 묘사하면 움직임의 표현력이 생깁니다. 최고 전압그의 힘. 또한 흐릿한 배경은 움직임을 느끼게 합니다. 물체의 불분명하고 불분명한 윤곽. 많은 수의 세로 또는 수평선배경이 움직임을 느리게 할 수 있습니다.

방향을 바꾸면 때때로 속도가 빨라지거나 느려집니다. 저희 비전의 특징은 텍스트를 왼쪽에서 오른쪽으로 읽고 왼쪽에서 오른쪽으로 이동하는 것이 더 쉽게 인식되고 더 빨라 보입니다.

정적 전송 규칙.컴포지션은 다음 조건에서 정적 것으로 간주됩니다.

*사진에 대각선 방향이 없는 경우;

사물이 색소폰에 따라 차분(정적)하게 묘사되면 동작의 절정이 없습니다.

구성이 대칭, 균형 또는 단순한 기하학적 패턴(삼각형, 원형, 타원형, 정사각형, 직사각형)을 기반으로 구축된 경우.

다른 조건 하에서 예술 작품에서 평화의 감각이 생길 수 있습니다.

예를 들어 K. Korovin의 그림 "In Winter"에서 대각선 방향이 있음에도 불구하고 썰매를 탄 말은 침착하게 서 있으며 다음과 같은 이유로 움직임이 없습니다. 그림의 기하학적 및 구성 중심이 일치하고 구성이 균형을 이루고 말 앞의 여유 공간이 나무로 막혀 있습니다.

플롯 구성 중심의 선택: 컴포지션을 만들 때 그림에서 가장 중요한 것이 무엇인지 결정하고이 주요 항목, 즉 종종 "의미 중심"이라고하는 플롯 및 구성 중심을 강조 표시하는 방법을 관리해야합니다. 그림의 "시각적 중심".

물론 줄거리의 모든 것이 똑같이 중요한 것은 아니며 보조 부분이 주요 부분에 종속됩니다. 구성의 중심에는 플롯 플롯, 메인 액션 및 주인공이 포함됩니다.

컴포지션 센터는 우선 주목을 받아야합니다. 센터는 조명, 색상, 이미지 확대, 대비 및 기타 수단으로 구별됩니다.

회화뿐만 아니라 그래픽, 조각, 장식 예술, 아키텍처에는 구성 센터가 할당됩니다. 예를 들어, 르네상스의 거장들은 캔버스의 중심과 일치하는 구성 중심을 선호했습니다.

이런 식으로 주인공을 배치함으로써 예술가들은 그들의 중요한 역할, 줄거리에 대한 중요성을 강조하고 싶었습니다.

아티스트는 캔버스의 아무 곳에나 컴포지션의 중심을 배치할 때 그림을 만들기 위한 많은 옵션을 제시했습니다. 이 기술은 V. Surikov의 그림 "Boyar Morozova"에서 움직임, 사건의 역학, 플롯의 급속한 발전을 전달하는 데 성공적으로 사용되었습니다.

렘브란트의 그림 "귀환 탕자"- 작업의 주요 아이디어를 가장 정확하게 공개하기 위해 주요 항목이 중심에서 크게 이동하는 구성의 전형적인 예입니다.

이 그림의 줄거리는 복음의 비유에서 영감을 받았습니다. 집 문턱에서 세계를 떠돌아다닌 아버지와 아들이 만났다. 방랑자의 누더기 그림. 렘브란트는 아들이 겪은 험난한 길에 대한 이야기를 전하고 있는 듯하다.

잃어버린 자의 고통에 공감하며 오랫동안이 뒷모습을 바라 볼 수 있습니다. 공간의 깊이는 전경에서 시작하여 명암과 색의 대비가 지속적으로 약해지기 때문에 발생한다. 사실 그것은 청원의 시에나 증인의 인물에 의해 지어졌으며 점차 황혼에 녹아 내립니다.

눈먼 아버지는 용서의 표시로 아들의 어깨에 손을 얹었습니다. 이 제스처에서-지혜, 고통 및 갈망, 수년에 걸쳐 축적 된 불안 및 용서. Rembrandt는 빛으로 그림의 주요 부분을 강조하여 우리의 관심을 집중시킵니다.

구성 중심은 거의 그림의 가장자리에 있습니다. 작가는 오른쪽에 서 있는 장남의 모습과 구도의 균형을 맞춘다. 높이 거리의 1/3에 주요 의미 중심을 배치하는 것은 황금 섹션의 법칙에 해당합니다.

고대부터 예술가들이 창작물을 최대한 표현하기 위해 사용했습니다.

컴포지션의 황금 부분 규칙(삼분의 일). 구성 중심을 식별하기 위해 이미지의 가장 중요한 요소는 황금 섹션의 비율, 즉 대략 "전체의 점"의 거리에 따라 배치됩니다. 묘사된 물체의 측면의 비례 비율과 캔버스 자체는 조화를 이루기 위해 황금 섹션을 기반으로 구축되어야 합니다.

둘 이상의 컴포지션 센터가 있는 그림을 사용하면 동시에 발생하고 중요성이 동일한 여러 이벤트를 표시할 수 있습니다.

Velasquez "Las Meninas"의 그림과 그 계획을 고려하십시오. 그림의 구성 중심 중 하나는 어린 유아입니다. 시녀들은 양쪽에서 그녀를 향해 몸을 기울였다. 캔버스의 기하학적 중심에는 모양과 크기가 같은 두 개의 대조되는 점이 있습니다. 그들은 낮과 밤처럼 정반대입니다. 하나는 흰색이고 다른 하나는 검은 색입니다. 이들은 두 개의 출구입니다. 외부 세계- 그림의 또 다른 구성 중심.

하나의 출구는 태양이 비추는 문입니다. 다른 하나는 왕실 부부가 비치는 거울이다. 두 번째 출구는 세속 사회로의 출구로 인식될 수 있다. 그림에서 시작되는 밝음과 어두움의 대비는 예술가와 통치자 사이의 논쟁으로 이해할 수 있습니다.

작가가 그린 인물들은 상상력이 풍부한 관객이 서로 관련되거나 대조되는 초상화를 그릴 수 있을 만큼 많다(화가와 왕, 신하와 엘리트, 아름다움과 추함, 아이와 부모, 사람과 동물).

한 장의 사진에서 한 번에 여러 가지 방법을 사용하여 중요한 것을 강조할 수 있습니다.

예를 들어 "격리"(다른 물체와 분리된 주요 물체의 이미지) 기술은 주요 물체의 크기와 색상을 강조하여 사용할 수 있습니다.

공식적으로가 아니라 이런 식으로 플롯 구성 중심을 강조하는 방법을 사용하는 것이 중요합니다. 에게 가장 좋은 방법작업의 목적과 내용을 밝힙니다.

컴포지션에서 대칭 및 비대칭의 전달.아티스트 다른 시대그림의 대칭 구조를 사용했습니다. 많은 고대 모자이크는 대칭이었습니다. 르네상스 화가들은 종종 대칭의 법칙에 따라 작품을 구성했습니다. 이 구조를 통해 평화, 위엄, 특별한 엄숙함 및 사건의 중요성에 대한 인상을 얻을 수 있습니다. 대칭 구도에서 사람이나 사물은 그림의 중심 축을 기준으로 거의 거울에 비칩니다.

예술의 대칭은 현실을 기반으로 하며 대칭적인 형태로 가득 차 있습니다.

예를 들어 사람의 모습, 나비, 눈송이 등은 대칭입니다. 대칭 구성은 정적(안정적)이고 왼쪽과 오른쪽 절반은 균형을 이룹니다.

비대칭 구성에서 개체의 배열은 작업의 플롯과 의도에 따라 가장 다양 할 수 있으며 왼쪽과 오른쪽 절반이 균형을 이루지 않습니다.

컴포지션의 균형 이동.대칭 구도에서는 모든 부분이 균형을 이루며, 비대칭 구도는 균형과 불균형이 있을 수 있습니다. 큰 밝은 점은 작은 어두운 점과 균형을 이룹니다.

많은 작은 점들이 하나의 큰 점으로 균형을 이룰 수 있습니다. 많은 옵션이 있습니다. 부품은 무게, 틀 및 색상으로 균형을 이룹니다. 평형은 수치 자체와 수치 사이의 간격 모두에 관련됩니다.

특별한 운동은 구성의 균형 감각을 개발합니다. 크고 작은 값, 밝음과 어두움, 다양한 실루엣과 색 반점의 균형을 맞추는 방법을 배우는 것이 필요합니다. 여기에서 스윙에서 균형을 찾은 경험을 회상하는 것이 유용할 것입니다.

두 명의 어린이를 그네의 다른 쪽 끝에 놓으면 한 명의 십대가 균형을 잡을 수 있다는 것을 누구나 쉽게 알아낼 수 있습니다. 그리고 아기는 그네 가장자리에 앉지 않고 중앙에 더 가까운 어른과도 그네를 탈 수 있습니다.

동일한 실험을 가중치로 수행할 수 있습니다. 이러한 비교는 조화를 이루기 위해, 즉 구도에서 균형을 찾기 위해 크기, 색조 및 색상에서 그림의 다른 부분의 균형을 맞추는 데 도움이 됩니다.

비대칭 구성에서 의미론적 중심이 그림의 가장자리에 더 가까우면 균형이 완전히 결여되는 경우가 있습니다. 거울 이미지를 보면 그림의 인상이 바뀝니다. 우리 비전의 이러한 속성은 구성에서 균형을 찾는 과정에서도 고려해야 합니다.

구성 규칙, 기술 및 수단은 여러 세대의 예술가의 풍부한 창의적 경험을 기반으로 하지만 구성 기술은 가만히 있지 않고 지속적으로 진화하며 새로운 마스터의 창의적 관행으로 풍부해집니다. 일부 구성 방법은 고전적이 되지만 삶이 예술의 다른 작업을 설정함에 따라 새로운 구성 방법이 나타납니다.

3 . 회화의 재료와 기법 중 하나인 구아슈

3.1 회화 미술 재료 및 작업 기법

화가는 구 아슈, 수채화, 온도, 오일 등의 페인트를 사용하여 주변 세계의 아름다움을 전달합니다. 캔버스, 종이, 판지, 보드, 벽 등 원하는베이스를 선택할 수 있습니다. 화합물. 두께가 다른 둥글고 평평한 브러시로 베이스에 페인트를 바릅니다. 때때로 이것을 위해 팔레트 나이프가 사용됩니다. 칼. 헝겊, 심지어 손가락도 있지만 즉석 수단보다는 특수 도구를 사용하는 것이 좋습니다.

페인트는 팔레트에 놓고 혼합하여 원하는 색조를 얻습니다. 팔레트는 직사각형, 타원형 또는 기타 모양의 작고 얇은 판입니다. 오일 팔레트 그림주로 나무로 만들어지며 작업용으로 사용됩니다. 수채화와 구 아슈- 흰색 플라스틱, 때때로 페인트를 위한 오목한 부분이 있음. 저는 가끔 팔레트로 사용해요! 흰색 접시, 타일 또는 종이 조각. 아티스트가 사용하는 색상 목록을 팔레트라고도 합니다. 이런 의미에서 "팔레트"라는 용어는 "색상"의 개념에 가깝습니다.

쓰기 기술, 그 기능은 주로 페인트, 용제, 도구의 속성에 따라 다릅니다. 전에 17세 말- 18세기 초 예술가와 견습생은 스스로 페인트를 준비했으며 일반적으로 학생들에게 맡겨졌습니다. 그들은 돌을 가루로 만들고 그것을 접착제, 기름 또는 계란과 섞었습니다. 페인트 산업 생산 색상 팔레트더 다양합니다.

그림 물감에는 특별한 이름이 있습니다. 매우 자주 이러한 이름은 해당 이름이 만들어지는 화학적 또는 자연적 요소(광물, 식물)와 관련이 있습니다. 모든 페인트의 기본 - 안료 - 이들은 다양한 착색 물질 또는 염료입니다. 그들은 광물, 화학, 유기(동물 또는 식물) 기원. 페인트를 준비하기 위해 안료를 분말로 미세하게 분쇄하고 결합제(기름, 접착제 등)와 혼합합니다. 유기 안료는 광물 안료보다 강도가 떨어집니다. 지금은 주로 인공 안료가 가장 오래 지속되는 것으로 사용됩니다.

종종 페인트의 이름은 페인트를 만드는 데 사용되는 바인더에서 나옵니다. 예를 들어, 베이스 오일 페인트- 아마씨 또는 기타 오일. 접착제 페인트는 수채화, 구 아슈, 온도입니다. 접착제 페인트는 교사 훈련 학교와 초등학교에서 미술을 가르치는 실습에 가장 자주 사용되기 때문에 접착제 페인트에 대해 자세히 알려 드리겠습니다.

구아슈- 물로 희석되는 불투명(케이스, 덮개) 페인트. 이러한 페인트로 만든 예술 작품을 "구아슈"라고도 합니다. 구 아슈 페인트는 흰색을 추가하여 안료와 접착제로 만듭니다. 수채화와 달리 종이에 적용된 페인트 층은 투명하지 않지만 무광택이고 밀도가 높으며 벨벳 같은 표면이 있으며 흰색이 혼합되어 있습니다. 건조되면 구 아슈 색상이 다소 희게 (밝아짐) 아티스트가 드로잉 과정에서 고려해야합니다. 구 아슈 페인트는 밝고 작업 중에 수정이 가능하며 스위트는 다른 색상의 실패한 장소 위에 만 놓을 수 있습니다. 어두운 톤은 밝은 톤으로 가릴 수 있습니다. 구 아슈에 흰색을 추가하여 더 밝은 톤을 얻습니다.

3. 2 그림 실행 순서

흥미로운 그림 캔버스를 만들려면 주변 생활에서 흥미로운 사건, 인물, 동기, 각도 및 상태를 보는 법을 배워야 합니다. 스케치, 스케치 및 자연 스케치의 지속적인 실행은 눈과 손뿐만 아니라 구성 적 사고도 개발합니다.

타원과 원의 구성은 서로 수직인 가상의 중심 축을 기준으로 만들어집니다. 여기에서 이미지의 상단과 하단이 명확하게 정의되어야 합니다. 타원형은 인물 사진의 형식으로 자주 사용되는데, 이 구성은 사람 얼굴의 타원형이나 흉상의 윤곽과 쉽게 일치하기 때문입니다.

예술가들은 또한 반원과 직사각형과 같은 두 가지 기하학적 모양의 조합으로 구성된 복잡한 구성 형식을 사용합니다.

스케치에는 자세한 그림없이 주요 배우의 위치와 관계, 일반적인 구성 체계가 그려집니다. 아마도 스케치의 톤과 색 구성표. 그런 다음 구성의 그림으로 이동한 다음 그림으로 구현합니다.

작업의 흥미로운 단계 중 하나는 선택한 플롯에 따라 주변 생활 관찰, 집과 거리의 스케치 및 스케치와 같은 천연 재료 수집입니다. 플롯을 선택한 후 즉시 천연 소재를 수집하거나 컴포지션의 첫 번째 스케치 후에 수집할 수 있습니다.

그림 작업에 관한 위의 모든 사항은 영구적이고 의무적이며 변하지 않는 순서로 이해되어서는 안됩니다. 그러나 규칙을 따르면 좋은 결과를 얻고 기술을 습득하는 데 도움이 됩니다.

3. 3 정물화 기법

페인팅 구 아슈 색상 구성

정물화 그림은 학습 과정의 기본입니다. 이것은 손, 눈, 색채 감각의 발달, 시각의 통합에 필요한 단계입니다. 정물을 통해 알려진 현실 세계모든 다양성에서. 정물은 사물의 무작위 모음이 아닙니다. 자연에 대한 능동적인 태도, 미의식은 모든 단계에서 나타나야 한다.

가정 용품의 정물 이미지 시퀀스: 첫 단계.가는 선으로 정물의 상세한 도면을 수행하여 주요 비례 관계 및 객체 디자인을 식별합니다.

두 번째 단계.언더페인팅 실행. 물체와 커튼의 지역 색상을 처음으로 배치합니다. 개체의 색상은 흰색 실트를 사용하여 팔레트에서 컴파일됩니다.

세 번째 단계.색상 및 톤 관계 식별. 세부 사항의 정교함과 세련미는 어두운 곳에서 빛을 발하고 어두운 곳에서 빛을 냅니다. 구아슈를 사용하면 작업을 변경할 수 있습니다. 문제가 해결되지 않으면 한 색상을 다른 색상과 겹칩니다. 일반화 및 작업 완료.

풍경 이미지 시퀀스 구아슈: 첫 단계.풍경 구성의 그림 만들기. 그림의 색상에 따라 따뜻하거나 차가운 페인트를 사용하여 가볍고 자유로운 브러시 드로잉.

두 번째 단계.하늘의 주요 색상, 나무의 면류관, 물을 놓습니다. 진정한 색조 및 색상 관계를 전달합니다.

세 번째 단계.세부 사항 그리기, 요약 및 작업 완료. 풍경의 색상 통일성 달성.

3. 4 사람 머리의 그림 같은 이미지 작업 기법

인간의 머리 그림은 공통점그림 같은 이미지를 만듭니다. 몇 가지에 대해 생각합시다 방법론적 특징헤드 스터디를 수행합니다. 머리를 묘사하는 작업은 구조를 전달하고 색상으로 모양을 조각하고 자연의 개별 특성을 드러내는 것으로 축소됩니다. 생활의 색채 풍부함을 전할 필요가 있습니다. 인간의 몸, 인간의 머리와 환경의 연결.

그림을 그리기 위한 그림은 연필, 목탄으로 해도 되지만 붓으로 바로 그릴 수도 있습니다. chiaroscuro의 경계를 설명하기 위해 머리의 구조적 구조, 공간에서의 위치를가는 선으로 전달해야합니다.

항상 그렇듯이 작업은 일반에서 특정으로 수행됩니다. 먼저 밑칠에서 큰 평면의 일반적인 색조 및 색상 관계가 결정된 다음 모양이 작은 획으로 성형되고 세부 사항이 그려집니다. 마지막 단계에서는 무결성을 달성하기 위해 모든 것이 일반화됩니다.

자연의 가장 어두운 곳에서 작업을 시작하는 것이 좋습니다. 얼굴의 그림자는 매우 투명한 오니입니다. 살아있는 안색을 거의 숨기지 않습니다. 다인의 조명 부분을 그들과 비교하면 중간 톤을 더 쉽게 찾을 수 있습니다. 종이의 흰색이 일시적으로 조명 표면을 대체합니다. 적어도 일반적으로 얼굴의 다른 부분이 아직 해결되지 않은 경우 각 속눈썹을 서두르지 마십시오. 동시에 자연의 모든 부분을 통해 작업하고 관계의 방법으로 작업하십시오. 머리의 볼륨을 옮기는 과정에서 그것을 주시하십시오. 스트로크가 형태에 놓이도록. 미묘한 색상 다양성은 많은 반사에 따라 달라집니다. 얼굴과 의복의 색상은 항상 배경색과 보완적인 색조를 띤다.

작업의 마지막 단계에서 머리 실루엣의 표현력, 접촉을 신중하게 고려하십시오. 화가는 자연에 대한 전체론적 시각을 가지고 있으며, 그는 작품을 올바르게 완성할 것입니다.

살아있는 모델의 머리에 대한 화보 연구를 수행하는 순서: 첫 단계.브러시로 그리기. 머리의 일반적인 모양과 공간에서의 위치를 설명합니다. 불필요한 세부 사항없이 린든 부분, 헤어 스타일 모양을 그립니다.

두 번째 단계.올바른 색조 및 색상 관계를 관찰하면서 얼굴, 머리카락, 배경의 기본 색상을 배치합니다.

세 번째 단계.세부 사항을 처방하고, 작업을 요약하고 완성하며, 초상과 유사하게 만들고, 모델의 성격과 이미지를 전달합니다.

3. 5 인물의 그림 같은 이미지 작업 방법

교육용으로 남자의 모습이 그려져 있지만 허리띠와 전체 높이. 그림을 그리려면 조형 해부학, 원근법 및 색채 과학의 법칙에 대한 지식이 필요합니다. 인물의 그림 이미지를 작업하기 전에 하나의 페인트(그리자이유)로 이 물체에 대해 여러 가지 연구를 수행하는 것이 유용합니다.

작업 초기에 자연을 심거나 특정 위치에 두는 것뿐만 아니라 연구하는 것도 중요합니다. 형질움직임, 의상 선택에 대해 생각하십시오. 따라서 그림 같은 자연 스케치를 수행하는 것이 좋습니다. 스케치에서 가장 성공적인 구성 솔루션을 찾는 과정에서 선택한 형식, 전체 색상으로 그림의 플라스틱 배치를 결정해야 합니다. 모델의 특성에 따라 구성의 전체 구성이 결정됩니다.

언더페인팅에서는 톤 및 컬러 솔루션의 기본이 결정됩니다. 또한 모델의 체적, 재료 및 공간적 특성을 전달하려면 획으로 형태를 조각하고 관계 작업을 수행해야 합니다.

인물을 묘사할 때 주변 사물과 배경과의 관계를 색으로 찾는 것이 중요하다. 자연의 조명 부분 옆에 있는 동일한 커튼은 다소 어둡게 나타나고 어두운 곳 근처에서는 다소 밝게 나타납니다.

마지막 단계에서 얼굴, 머리카락, 의복의 재료 및 질감 특성에주의를 기울여야합니다. 얼굴과 손은 항상 액세서리와 배경보다 더 세심하게 작업됩니다. 조각화, 세부 사항의 과도한 정교화 및 스케치 불완전성을 피하기 위해 제 시간에 작업을 완료하는 것이 중요합니다. 인체 이미지에 대한 다양한 창의적 접근이 가능합니다.

인물의 그림 연구를 수행하는 순서: 첫 단계.브러시로 그리기. 그림의 일반적인 움직임, 비율 및 공간에서의 위치를 설명합니다. 머리, 목을 그립니다. 불필요한 세부 사항없이 찢어진 팔, 다리.

두 번째 단계.몸, 머리카락, 옷, 배경의 기본 색상 배치, 올바른 색조 및 색상 관계 전송.

세 번째 단계.디테일 그리기, 작업 요약 및 완성, 모델의 캐릭터와 이미지 전송.

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그런 다음 작가는 미래의 그림을 그립니다. 이를 위해 그는 연필, 목탄 또는 액체 희석 페인트와 얇은 브러시를 사용할 수 있습니다. 도면을 일부 표면으로 전송해야 하는 경우 소위 "트레이싱 페이퍼" 또는 "카드보드"를 만들 수 있습니다. 때때로 예술가는이 작업 단계를 건너 뛰고 예비 드로잉없이 즉시 페인트로 페인팅을 시작합니다.

104. P. 세잔. 숲속에서

그러나 이 경로가 모든 사람에게 제공되는 것은 아닙니다. 뛰어난 시각적 기억력, 정확한 그림, 구성 적 사고, 완벽한 색채 감각이 있어야합니다.

대부분의 아티스트는 일반적인 것에서 구체적인 것으로 작업하는 것을 선호하며 점차 개체의 기본 색상을 적용하고 볼륨 모델링을 따릅니다. 그런 다음 색상의 뉘앙스, 색상 반사, 그림의 전체 색상을 수정합니다. 마지막 단계에서 다시 일반화를 진행합니다. 작업의 무결성을 달성하기 위해 불필요한 세부 사항을 제거하고 대비를 약화시키고 주요 항목을 강조 표시할 수 있습니다. 이것이 훌륭한 예술가 A. A. Ivanov가 일하는 것을 좋아했던 방법입니다. 그는 "백성에게 나타난 그리스도의 모습"이라는 그림을 만들기 전에 많은 준비 작업을 했습니다. Tretyakov Gallery에서 이 그림 옆에 전시된 수많은 그림 스케치는 작가의 창의적인 탐색을 추적하는 데 도움이 됩니다.

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예술가 화가는 페인트를 사용하여 주변 세계의 아름다움을 전달합니다. 캔버스, 종이, 판지, 보드, 벽 등 모든 베이스를 선택할 수 있습니다. 베이스는 일반적으로 특수 화합물로 프라이밍됩니다. 화가는 구 아슈, 수채화, 온도, 오일 등 다양한 페인트를 사용합니다. 페인트는 두께가 다른 둥글고 평평한 브러시로베이스에 적용됩니다. 때로는 팔레트 나이프, 칼, 헝겊이 사용되며 손가락으로 페인트를 칠하기도하지만 즉석 수단이 아닌 특수 도구를 사용하여 그림을 만드는 것이 여전히 좋습니다. 쓰기 기술, 그 기능은 주로 페인트, 용제, 도구의 속성에 따라 다릅니다.

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17 세기 말-18 세기 초까지 예술가와 견습생은 일반적으로 돌을 가루로 부수고 접착제, 기름 또는 계란과 섞은 학생들에게 맡겨진 페인트를 스스로 준비했습니다. 페인트의 산업 생산으로 인해 색상 팔레트가 더욱 다양해졌습니다.

그림 물감에는 특별한 이름이 있습니다. 매우 자주 이러한 이름은 그것이 만들어지는 화학적 또는 자연적 요소(광물, 식물)를 알려줍니다. 모든 페인트의 기본은 안료(미세하게 분쇄된 유색 분말)입니다. 종종 페인트의 이름은 페인트를 준비하는 데 사용되는 바인더의 종류에서 비롯됩니다. 예를 들어 유성 페인트는 아마씨 또는 기타 오일을 기반으로 합니다. 접착성 페인트는 수채화, 구 아슈, 온도입니다. 옛날에는 계란 노른자로 에그 템페라를 만들었습니다.