18세기 프랑스의 하프시코드 작곡가. 프랑스 하프시코드 연주자
하프시코드[프랑스어] 늦은 위도에서 clavecin. clavicymbalum, 위도에서. clavis - 키(따라서 키) 및 심벌럼 - 심벌즈] - 뽑은 건반 악기. 16세기부터 알려져 있습니다. (14세기 초에 제작되기 시작) 하프시코드에 대한 최초의 정보는 1511년으로 거슬러 올라갑니다. 오늘날까지 살아남은 가장 오래된 이탈리아 작업 도구는 1521년으로 거슬러 올라갑니다.
하프시코드는 psalterium에서 유래했습니다(재구성 및 건반 메커니즘 추가의 결과).
처음에 하프시코드는 모양이 사각형이었고 모습길이가 다른 현(각 키는 특정 톤으로 조정된 특수 현에 해당)과 보다 복잡한 키보드 메커니즘을 가진 "자유" 클라비코드. 하프시 코드의 현은 푸셔 인 막대에 장착 된 새 깃털의 도움으로 핀치로 진동했습니다. 키를 누르면 뒤쪽 끝에 있는 푸셔가 올라가고 깃털이 현에 걸렸습니다(나중에는 새의 깃털 대신 가죽 플렉트럼이 사용되었습니다).
푸셔의 윗부분 장치 : 1 - 현, 2 - 해제 메커니즘의 축, 3 - languette (프랑스어 languette에서), 4 - plectrum (혀), 5 - 댐퍼.
하프시코드의 사운드는 훌륭하지만 선율적이지 않습니다(저키함). 키 타격의 특성에 따라 달라집니다. 하프시 코드의 음향을 향상시키기 위해 2 배, 3 배, 심지어 4 배의 현 (각 음색에 대해)이 사용되었으며, 이는 단일, 옥타브 및 때로는 다른 간격으로 조율되었습니다.
진화
17세기 초부터 거트 현 대신 금속 현이 사용되어 길이가 증가했습니다(고음에서 저음까지). 이 악기는 길이 방향(키와 평행)의 현 배열을 가진 삼각형 익돌체 모양을 획득했습니다.
17-18세기. 하프시코드에 다이내믹한 더 다양한 사운드를 제공하기 위해 악기는 2개(때로는 3개)의 수동 건반(매뉴얼)으로 만들어졌으며, 이 건반은 계단식으로 배열되어 있습니다(보통 상단 매뉴얼은 한 옥타브 높게 조정됨). 고음 확장, 베이스의 옥타브 더블링 및 음색 색상 변경(류트 음역, 바순 음역 등).
레지스터는 건반 측면에 있는 레버나 건반 아래에 있는 버튼 또는 페달로 작동되었습니다. 일부 하프시코드에서는 음색의 다양성을 높이기 위해 류트를 연상시키는 특징적인 음색 색상으로 세 번째 건반을 배치했습니다(소위 류트 건반).
모습
겉으로보기에 하프시 코드는 일반적으로 매우 우아하게 마감되었습니다 (본체는 그림, 인레이, 조각으로 장식되었습니다). 악기의 마감은 루이 15세 시대의 세련된 가구와 잘 어울렸습니다. 16-17세기. 앤트워프의 거장 Ruckers의 하프시코드는 음질과 예술적인 디자인이 돋보였습니다.
다른 나라의 하프시코드
"harpsichord"(프랑스에서는 archichord-영국에서는 kilflugel-독일에서는 clavichembalo 또는 약칭 cembalo-이탈리아에서는)라는 이름은 최대 5 옥타브 범위의 대형 날개 모양 악기에 대해 보존되었습니다. 또한 일반적으로 모양이 직사각형이고 단일 현과 최대 4 옥타브 범위의 작은 악기가 있습니다. epinet (프랑스), spinet (이탈리아), virginel (영국).
바디가 수직인 하프시코드 - . 하프시코드는 솔로, 실내악 앙상블, 관현악 악기로 사용되었습니다.
virtuoso harpsichord 스타일의 창시자는 이탈리아 작곡가이자 harpsichordist D. Scarlatti였습니다 (그는 harpsichord에 대한 수많은 작품을 소유하고 있습니다). 설립자 프랑스어 학교하프시코드 연주자 - J. Chambonnière(그의 "하프시코드 조각", 2권의 책, 1670년이 인기를 끌었습니다).
17~18세기 후반 프랑스 하프시코드 연주자. -, J.F. Rameau, L. Daken, F. Daidriyo. 프랑스 하프시코드 음악은 세련된 취향의 예술입니다. 세련된 매너, 합리적으로 명확하고 귀족 에티켓에 종속됩니다. 하프시코드의 섬세하고 서늘한 소리는 선택된 사회의 '좋은 음색'과 조화를 이뤘다.
용감한 스타일(로코코)은 프랑스 하프시코드 연주자들 사이에서 생생한 구현을 발견했습니다. 하프시 코드 미니어처 (미니어처는 로코코 예술의 특징적인 형태)의 가장 좋아하는 주제는 여성 이미지 ( "Capturing", "Flirty", "Gloomy", "Shy", "Sister Monica", Couperin의 "Florentine"), 용감한 춤이었습니다. (미뉴에트, 가보트 등), 목가적인 그림 농민 생활("The Reapers", "The Grape Pickers" by Couperin), 의성어 미니어처("The Hen", "The Clock", "The Chirping" by Couperin, "The Cuckoo" by Daken 등). 하프시코드 음악의 전형적인 특징은 풍부한 멜로디 장식입니다.
18세기 말까지 프랑스 하프시 코드 연주자의 작품은 연주자의 레퍼토리에서 사라지기 시작했습니다. 그 결과 오랜 역사와 풍부한 예술적 유산을 지닌 악기는 음악 연습에서 밀려나고 피아노로 대체되었습니다. 그리고 쫓겨날 뿐만 아니라 19세기에 완전히 잊혀졌습니다.
이것은 미적 선호도의 급격한 변화의 결과로 발생했습니다. 하프시 코드가 이상적인 표현 수단이었던 영향 이론 (간단히 본질 : 하나의 분위기, 영향-하나의 소리 색상)에 대한 명확하게 공식화되거나 명확하게 느껴지는 개념을 기반으로하는 바로크 미학은 먼저 양보했습니다. 감상주의의 세계관으로, 그 다음에는 고전주의와 마지막으로 낭만주의라는 더 강한 방향으로. 반대로 이러한 모든 스타일에서 감정, 이미지, 분위기와 같은 변경 가능성에 대한 아이디어가 가장 매력적이고 발전되었습니다. 그리고 피아노는 그것을 표현할 수 있었습니다. 하프시 코드는 디자인의 특성으로 인해 원칙적으로이 모든 것을 수행 할 수 없습니다.
17세기 중반부터 클라비어 음악 발전의 우위는 영국 버지널리스트에서 프랑스 하프시코드 연주자로 넘어갔습니다. 거의 한 세기 동안 오랫동안이 학교는 서유럽에서 가장 영향력이있었습니다. 그것의 조상은 고려됩니다 자크 샹보니에르, 재능있는 교사이자 작곡가 인 오르간과 하프시 코드의 뛰어난 연주자로 알려져 있습니다.
프랑스의 하프시코드 음악 콘서트는 일반적으로 가벼운 사교나 춤 후에 귀족 살롱과 궁전에서 열렸습니다. 이러한 환경은 깊이 있고 진지한 예술을 선호하지 않았습니다. 우아한 세련미, 세련미, 가벼움, 위트가 음악에서 중요했습니다. 동시에 소규모 연극인 미니어처가 선호되었습니다. "길고, 피곤하고, 너무 심각하지 않습니다"-프랑스 궁정 작곡가가 인도해야 할 불문법이었습니다. 프랑스 하프시코드 연주자들이 큰 형식, 변형 주기로 거의 바뀌지 않았다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 모음곡, 댄스 및 프로그램 미니어처로 구성됩니다.
프랑스 하프시코드 연주자의 모음곡은 댄스 곡으로만 구성된 독일 모음곡과 달리 더 자유롭게 구성되어 있습니다. 그들은 alemand - courant - sarabande - jig의 엄격한 순서에 거의 의존하지 않습니다. 그들의 구성은 무엇이든 될 수 있으며 때로는 예상치 못한 것일 수 있으며 대부분의 연극에는 작가의 의도를 드러내는 시적 제목이 있습니다.
프랑스 하프시코드 연주자 학교는 L. Marchand, J.F. Dandrier, F. Dazhankura, L.-K. 다캥, 루이 쿠프랭. 무엇보다 이 작곡가들은 우아하고 목가적인 이미지(Daken의 "The Cuckoo"와 "The Swallow", Dandrie의 "Bird's Cry")에 성공했습니다.
프랑스 하프시코드 학교는 두 천재의 작품에서 절정에 이르렀습니다. 프랑수아 쿠페랭(1668–1733)와 그의 젊은 동시대인 장 필립 라모 (1685–1764).
동시대인들은 François Couperin을 "François the Great"라고 불렀습니다. 어떤 하프시코드 연주자도 인기에서 그와 경쟁할 수 없었습니다. 그는 세습 음악가 집안에서 태어나 파리와 베르사유에서 궁정 오르간 연주자이자 왕실 아이들의 음악 교사로 일생의 대부분을 보냈습니다. 작곡가는 연극을 제외한 여러 장르에서 작업했습니다. 그의 창조적 유산 중 가장 가치 있는 부분은 27곡의 하프시코드 모음곡(4개의 컬렉션에 약 250곡)입니다. 독일 모델과 달리 주로 프로그램 조각으로 구성된 프랑스 유형의 모음곡을 만든 사람은 Couperin이었습니다. 그중에는 자연 스케치 ( "나비", "벌", "갈대")와 장르 장면 - 농촌 생활 사진 ( "리퍼", "포도 피커", "니터")이 있습니다. 그러나 특히 많은 음악적 초상화. 이름이 없거나 ( "Beloved", "The Only One") 또는 연극 제목 ( "Princess Maria", "Manon", "Sister Monica")에 지정된 세속 여성과 단순한 어린 소녀의 초상화입니다. 종종 Couperin은 특정 얼굴이 아닌 인간적인 캐릭터("Hardworking", "Rezvushka", "Anemone", "Touchless")를 그리거나 심지어 다양한 국가적 캐릭터("Spanish Woman", "French Woman")를 표현하려고 시도합니다. ). Couperin의 많은 미니어처는 courante 및 minuet와 같은 당시의 대중적인 춤에 가깝습니다.
Cooper의 미니어처 중 가장 좋아하는 형태는 론도.
이미 언급했듯이 하프시 코드 연주자의 음악은 귀족 환경에서 시작되었으며 그것을 위해 의도되었습니다. 귀족 문화의 정신과 조화를 이루었으므로 디자인의 외적 우아함. 주제 자료, 귀족 스타일의 가장 특징적인 요소를 나타내는 풍부한 장식. 장식의 다양성은 초기 베토벤에 이르기까지 하프시코드 작품과 불가분의 관계가 있습니다.
하프시코드 음악 라모특이한, 챔버와는 반대로 장르 전통, 큰 뇌졸중. 그는 세부 사항을 잘 쓰는 경향이 없습니다. 그의 음악은 밝은 특성으로 유명하며 타고난 연극 작곡가 ( "Chicken", "Savages", "Cyclops")의 손글씨를 즉시 느낍니다.
훌륭한 하프시코드 작품 외에도 Rameau는 많은 "서정적 비극"과 혁신적인 "Treatise on Harmony"(1722)를 저술하여 최고의 음악 이론가라는 명성을 얻었습니다.
이탈리아 clavier 음악의 발전은 이름과 관련이 있습니다. 도메니코 스카를라티.
프로그램 저작물은 종종 하나의 제목으로 제한되지만 자세한 설명이 포함될 수 있는 "프로그램"과 같은 특정 플롯이 있는 저작물로 간주됩니다.
아마도 장식의 모양은 소리가 즉시 사라지는 하프시 코드의 불완전 함과 관련이 있으며 트릴 또는 그루 페토는이 단점을 부분적으로 보완하여 기준 사운드의 사운드를 연장 할 수 있습니다.
서유럽에서. (특히 이탈리아어-스페인어) polygoal. 웍. 즉흥 연주로 중세 후기와 르네상스(모테트, 마드리갈 등)의 음악. 요소 수행. art-va 감소 기술은 크게 발전했습니다. 그녀는 또한 질감 구성 중 하나를 만들었습니다. 그러한 고대 악기의 기초. 프렐류드, 라이서카, 토카타, 판타지 같은 장르. 출발 작은 공식은 우선 선율의 결론에서 자유 발언의 다양한 표현에서 점차 두드러졌습니다. 구성 (절에서). 주위에. 15세기 그 안에. 조직 tablature가 첫 번째 그래픽으로 등장했습니다. 장식을 쓰기 위한 배지. K 서. 16 세기 분해에서 널리 사용되었습니다. 변종 및 연결 - mordent, trill, gruppetto, to-rye는 여전히 주요한 것입니다. 악기 보석류. 분명히 그들은 instr의 관행에서 형성되었습니다. 성능.
2층에서. 16 세기 무료 O. 개발 hl. 도착 이탈리아에서는 특히 다른 선율로. 솔로 웍의 풍부함. 음악뿐만 아니라 기교에 끌리는 바이올리니스트. 음악. 당시 바이올린. 음악은 확장된 소리를 표현하는 비브라토와 그것을 대체하는 멜로디의 풍부한 장식을 아직까지 폭넓게 적용하지 못했습니다. 멜리스마틱 장식(장식, 아그레망)은 프랑스 예술에서 특별한 발전을 이루었습니다. 17세기와 18세기의 류트니스트와 하프시코드 연주자들은 춤에 대한 특징적인 의존도가 있었습니다. 정교한 양식화를 거친 장르. 프랑스어로 음악은 긴밀한 연결 instr이었습니다. 세속적 인 냄비와 agréments. 그 자체로 춤으로 스며든 가사 (소위 airs de cour). 플라스틱. 영어 버지니스트(Virginalists)(16세기 후반), 노래 주제와 그 변형에 취약함. 개발, O. 분야에서 감소 기술에 더 끌렸습니다. 멜리스마적인 사람은 거의 없습니다. virginalists가 사용하는 아이콘은 정확하게 해독할 수 없습니다. 오스트리아에서는 중반부터 집중적으로 발전하기 시작한 clavier art-ve. 17세기에는 J. S. Bach까지 포괄적으로 이탈리아어에 대한 중력이 작용했습니다. 소형 및 프랑스어. 멜리스마틱 스타일. 프랑스어에서 17~18세기의 음악가. 장식 테이블과 함께 연극 컬렉션을 동반하는 것이 관례가되었습니다. 가장 방대한 표(29종의 멜리스마 포함)는 J. A. d "Anglebert(1689)의 하프시코드 컬렉션으로 시작되었습니다. 테이블은 d' Anglebert에서 많이 빌린 Bach의 "Wilhelm Friedemann Bach를위한 Clavier Book"(1720)의 서문입니다.
자유 O.에서 프랑스인들 사이에서 규제된 보석으로의 출발. 하프시 코드 연주자는 오크에 안치되었습니다. J. B. Lully의 음악. 그러나, 프랑스인 장신구에 대한 규제는 절대적으로 엄격하지 않습니다. 왜냐하면 가장 상세한 표조차도 일반적인 용도에 대해서만 정확한 해석을 나타내기 때문입니다. 뮤즈의 특정 기능에 따라 작은 편차가 허용됩니다. 직물. 그들은 의상과 연기자의 취향에 따라 다르며 서면 대본이있는 판에서는 문체에 따라 다릅니다. 편집자의 지식, 원칙 및 취향. 프랑스 유명인의 연극 공연에서도 비슷한 편차가 불가피합니다. 보석 해독 규칙의 정확한 구현을 지속적으로 요구했던 P. Couperin의 하프시 코드주의. 프란츠. 또한 하프시코드 연주자들이 작가의 통제하에 작은 장식을 취하는 것이 일반적이었는데, 그들은 특히 변주곡으로 그것을 썼습니다. 중복.
사기에. 17세기 프랑스인들이 하프시코드 연주자는 멜로디와 함께 트릴과 그레이스 노트와 같은 장식품과 같은 해당 분야의 트렌드세터가 되었습니다. 기능, 그들은 새로운 고조파를 수행하기 시작했습니다. 소절의 강박에서 불협화음을 생성하고 날카롭게 만듭니다. D. Scarlatti와 마찬가지로 J. S. Bach는 대개 메인에 불협화음의 장식을 썼습니다. 음악 텍스트(예를 들어 이탈리아 협주곡 파트 II 참조). 이로 인해 I. A. Sheiba는 그렇게 함으로써 Bach가 자신의 작품을 박탈한다고 믿게 되었습니다. "조화의 아름다움", 당시 작곡가들은 모든 장식을 아이콘이나 작은 음표로 작성하여 그래픽으로 작성하는 것을 선호했기 때문입니다. 기록은 명확하게 하모닉을 말했습니다. 메인의 유포니 화음.
F. Couperin은 세련된 프랑스어를 사용합니다. 하프시코드 스타일이 절정에 달했습니다. J. F. Rameau의 성숙한 연극에서는 실내악의 한계를 넘어 발전의 효과적인 역학을 강화하고 이를 음악에 적용하려는 열망이 드러났습니다. 특히 배경 하모니의 형태로 더 넓은 장식 획을 씁니다. 수치. 따라서 라모와 후기 프랑스어에서 장식을 더 온건하게 사용하는 경향이 있습니다. 예를 들어 하프시코드 연주자. J. Dufly에서. 그러나 3쿼터. 18 세기 O.는 감상주의 경향과 관련된 생산의 새로운 전성기를 맞았습니다. 이 예술의 저명한 대표자. 음악의 방향은 "클라비에를 연주하는 올바른 방법의 경험"이라는 논문의 저자인 F. E. Bach에 의해 이루어졌으며, 여기서 그는 O의 질문에 많은 관심을 기울였습니다.
후속 높은 번성 비엔나 고전주의, 새로운 미학에 맞춰. 이상, O를보다 엄격하고 온건하게 사용했습니다. 그럼에도 불구하고 그녀는 J. Haydn, W. A. Mozart 및 젊은 L. Beethoven의 작업에서 계속해서 중요한 역할을했습니다. Free O.는 유럽에 남아있었습니다. 음악 프리미어. 변주 분야에서 virtuoso conc. 카덴자와 웍. 콜로라투라. 후자는 낭만주의에 반영됩니다. fp. 음악 1층. 19 세기 (특히 F. Chopin의 원본 형식). 동시에 멜리스마의 불협화음은 자음으로 바뀌었습니다. 특히 트릴이 시작되기 시작했습니다. 보조가 아니라 주와 함께. 종종 아웃 오브 비트의 형성과 함께 소리. 이러한 고조파 그리고 리드미컬하다. 연화 O.는 코드 자체의 불협화음 증가와 대조됩니다. 하모니카의 전례 없는 발전은 낭만주의 작곡가들의 특징이 되었습니다. fp의 비 유적 배경. 색채감이 넓은 음악. 음색의 화려한 형상뿐만 아니라 페달링의 사용. orc의 송장. 점수. 2층. 19 세기 O.의 값이 감소했습니다. 20세기에 즉흥 연주의 강화와 관련하여 무료 O.의 역할이 다시 증가했습니다. 음악의 일부 영역에서 시작되었습니다. 예를 들어 창의성. V 재즈 음악. 거대한 방법론 이론이 있습니다. O.의 문제에 관한 문헌 O.의 현상을 최대한 명확히하려는 지칠 줄 모르는 시도, 즉흥 연주에서 "저항"에 의해 생성됩니다. 자연. 작품의 저자가 해독을 위한 엄격한 포괄적인 규칙으로 제시한 것의 대부분은 사실 부분적인 권장 사항에 불과한 것으로 밝혀졌습니다.
자개에서, 18 세기 말-도자기에서 19 세기 중반에 처음으로 보철물에 고분자 재료가 사용되었습니다. 어느 것? 1. 셀룰로이드 2. 에보나이트 3. 고무. 4.폴리메틸 메타크릴레이트 5.플루오로플라스트 6.실리콘.
미술사 학자 Alpatov는 18 세기 러시아 회화에 대해 이렇게 말했습니다. "... 가발 아래에서 대머리가 보입니다." 이 비유는 무엇을 의미했는가표현? 적어도 세 가지 예를 들어보십시오.
글쎄요, 한 가지 생각이 있습니다. 18 세기 러시아 예술가들은 서양 스타일 (바로크, 감상주의 등)로 글을 썼지 만 서양 대포를 통해 서양과는 다른 특별한 러시아 스타일이 여전히 나타났습니다 (예를 들어 러시아 바로크가 나타남). 그런 다음 "가발"은 서양의 일종의 의인화이며 (특히 그 당시 가발이 유행했습니다) "대머리"는 "가발"의 정경을 통해 "엿보는"바로 러시아 기능입니다.
더 필요 둘아이디어. 도와주세요, 제발.
자개에서, 18 세기 말-도자기에서 19 세기 중반에 처음으로 보철물에 고분자 재료가 사용되었습니다. 어느 것?
1. 셀룰로이드
4.폴리메틸메타크릴레이트
5.형광체
6. 실리콘.
도와주세요)))각 질문에서 작곡가의 이름 4개 중 하나를 선택해야 합니다.))))
1. 바로크 시대의 작곡가 이름을 말하십시오.
a) 비발디
b) 모차르트;
c) 베토벤;
d) 슈만.
2. 나열된 작곡가 중 수도원장은 누구였습니까?
a) 바흐;
b) 헨델;
c) 비발디;
d) 모차르트.
3. "The Well-Tempered Clavier", "Matthew Passion", "Inventions"의 저자 이름을 지정합니다.
a) 바흐;
b) 베토벤;
c) 쇼팽;
d) 슈만.
4. 누가 오페라 "피델리오"를 썼습니까?
a) 하이든;
b) 모차르트;
c) 베토벤;
d) 쇼팽.
5. 오페라 "피가로의 결혼", "돈 조반니",
가) 모차르트
b) 베토벤;
c) 멘델스존;
d) 로시니.
6. 다음 중 비엔나 고전이 아닌 작곡가는 누구입니까?
a) 하이든;
b) 슈만;
c) 모차르트;
d) 베토벤.
7. 오페라 "아이다", "라 트라비아타", "리골레토"의 작가는 누구입니까?
가) 모차르트
b) 베토벤;
c) 로시니;
d) 베르디.
8. 피아노 소나타 32곡은 누가 작곡했습니까?
a) 바흐;
b) 모차르트;
c) 베토벤;
d) 쇼팽.
9. "Symphony with tremolo timpani", "Farewell", "Children's"의 저자 이름을 지정하십시오.
a) 하이든;
b) 모차르트;
c) 슈만;
d) 쇼팽.
10. "교향곡과 사중주의 아버지"라고 불리는 사람은 누구입니까?
a) 마자르트
b) 베토벤;
c) 하이든;
d) 바흐.
11. 그의 작품을 교향시라고 부른 작곡가는 누구입니까?
a) 구아노
b) 베를리오즈;
c) 베토벤;
d) 시트;
12. 두 가지 주제의 충돌에 기초한 음악 형식은 무엇입니까?
a) 변형;
b) 론노;
c) 소나타 형식;
d) 푸가.
13. 합창단이 마지막으로 사용되는 교향곡의 저자 이름을 지정하십시오.
a) 하이든;
b) 모차르트;
c) 슈베르트;
d) 베토벤.
14. 다음 중 피아노만을 위해 작곡한 작곡가는 누구입니까?
a) 구노
b) 쇼팽;
c) 말러;
d) 슈만;
15. Ibsen의 드라마 "Peer Gynt"의 음악을 작곡한 작곡가는 누구입니까?
a) 쇼팽
b) 베를리오즈;
c) 말러;
d) 슈만.
16. 보컬 사이클 "The Beautiful Miller's Woman"과 "Winter Way"는 누가 썼나요?
a) 슈베르트
b) 슈만;
c) 멘델스존;
d) 비제트.
17. "미완성 교향곡"의 저자 이름:
가) 베토벤
b) 하이든;
c) 슈베르트;
d) 바그너.
18. 누가 피아노 사이클 "카니발"을 썼습니까?
가) 베토벤
b) 모차르트;
c) 하이든;
d) 목록.
19. 100개가 넘는 교향곡을 작곡한 사람은 누구입니까?
가) 베토벤
b) 모차르트;
c) 하이든;
d) 슈베르트.
20. 18세기 러시아 작곡가 겸 바이올리니스트:
a) 알리야예프;
b) 포민;
c) 칸도시킨;
d) 베르스토프스키.
프랑스에서 하프시코드의 발전은 궁정 및 귀족 생활의 조건과 밀접한 관련이 있습니다. 이미 언급했듯이 프랑스 절대주의는 예술에 중요한 영향을 미쳤습니다. 문학, 회화, 조각, 음악 및 연극은 왕권을 높이고 "태양왕"(루이 14세라고 불리는 현대 귀족으로서) 주변에 화려한 후광을 만드는 데 사용되었습니다. 18세기 전반, 루이 15세 치세 동안 프랑스 절대주의는 점진적으로 쇠퇴했습니다. 그는 장애물이 되었다 지역 사회 개발국가. 왕과 제 3 영지의 귀족이 뽑아 낸 막대한 자금은 사치와 세속적 쾌락에 사용되었습니다. 그들의 삶의 신조는 잘 알려진 문구로 적절하게 표현되었습니다. "우리 뒤에는 홍수도 있습니다!" 이러한 조건에서 용감한 스타일(또는 로코코)이 널리 퍼집니다. 세속 사회의 삶을 생생하게 반영합니다. 축제, 무도회, 가장 무도회, 목회 - 이들은 특히 로코코 예술에서 자주 사용되는 주제입니다. 재간 있는 프랑스 화가이때 Antoine Watteau는 유사한 주제에 대한 일련의 그림을 만들었습니다. "콜로네이드 아래의 공", "베르사유 축제", "키테라 섬으로의 출발"(사랑의 여신-비너스) 등.
가벼운 유혹, 교묘함, "용감한 사랑"은 귀족들의 즐거움에 특별한 즐거움을 선사했습니다. 세속 여성은 이러한 오락과 예술의 초점이었습니다. 그녀에 대한 시가 쓰여졌고 그림으로 묘사되었으며 음악 작품이 그녀에게 바쳐졌습니다.
로코코 예술은 미니어처 형태가 특징입니다. 예술가들은 주로 인형처럼 보이는 작은 그림을 그렸고 가구는 장난감이었습니다. 일상 생활에서 세속적 인 사람이 끝없는 장신구로 둘러싸여 있다는 것은 주목할 만합니다. 책도 비정상적으로 작은 크기로 인쇄되었습니다.
미니어처에 대한 열정은 주얼리의 풍부한 사용에 분명히 반영되었습니다. 내부 장식, 가구, 옷은 장식품으로 장식되었습니다. 한 미술사학자는 당시의 멋쟁이들이 의상을 장식했던 무수한 리본을 모두 펼쳐서 연결하면 수십 미터 길이의 리본을 얻을 수 있을 것이라고 계산했습니다.
Rococo 스타일의 그림 같은 치장 벽토 장식은 투각과 우아함으로 구별되었습니다. 특히 특징은 스타일이 그 이름을 얻은 컬 형태의 장식입니다 (rococo는 프랑스어 단어 go-caille-shell에서 유래).
이 용감한 예술에 맞춰 프랑스 하프시코드주의도 주로 발전했습니다. 그의 성격은 주로 세속 사회의 요구에 의해 결정되었습니다.
보다 명확하게 시각화하기 위해 우아한 장식, 세련된 가구 및 얇은 곡선 다리에 풍부하게 장식 된 하프시 코드가있는 당시 프랑스 살롱으로 정신적으로 이동하십시오. 차려입은 숙녀들과 가발을 쓴 용감한 기병들이 캐주얼한 사교 대화에 참여하고 있습니다. 손님을 즐겁게 해주고 싶어 살롱의 안주인은 하우스 뮤지션이나 그녀의 "재능"으로 알려진 연인을 초대하여 악기를 "시도"합니다. 여기에서 연주자는 의미 있는 아이디어와 강한 열정으로 가득 찬 심오한 예술을 가질 것으로 기대되지 않습니다. 하프시코드 연주자의 연주는 본질적으로 음악 소리의 언어로만 표현되는 동일한 가벼운 세속적 대화를 계속해야 합니다.
귀족 살롱의 예술에 대한 태도는 로코코 스타일 전성기의 프랑스 시인 Desforge Mayard의시에서 볼 수 있습니다.
조화는 당신의 손으로 만들어집니다.
엉뚱하고 달콤한 매력에 휩싸여
나는 부끄러워서 내 영을 그의 능력에 맡깁니다.
나는 큐피드처럼 손가락이 얼마나 가벼운지 봅니다.
교활한 마법사들이여! 오 점잖은 폭군들이여! —
그들은 방황하고 순종하는 열쇠를 따라 달리며
그들은 수천 가지 매혹적인 장난으로 날아갑니다.
키프로스의 아이들, 얼마나 유쾌하고 달콤한지,
하지만 마음을 훔치기 위해, 그리고 그것들 없이
그들의 형제와 그들의 어머니가 의기양양한 것으로 충분하다.
그것들은 당신의 입술을 지배하고 당신의 눈에서 반짝였습니다**(153, p. 465).
(E. N. Alekseeva 번역).
17세기 말과 18세기 초 프랑스 하프시코드 연주자들의 은하계는 Francois Couperin, Jean-Philippe Ramoh, Louis Daquin, Francois Dandrieu와 같은 이름으로 빛났습니다. 그들의 작업에서 명확하게 나타납니다. 주요 특징들로코코 스타일. 동시에, 이 음악가들은 종종 일반적인 미적 요구 사항을 극복하고 순전히 재미 있고 전통적인 소비에트 예술을 뛰어 넘었습니다.
François Couperin(1668-1733)은 동시대 사람들에게 "위대한"이라는 별명을 얻었으며 Couperin 음악 가족의 가장 큰 대표자입니다. 청춘, 그 후 아버지의 죽음, 그는 파리의 Saint-Gervais 교회에서 오르간 연주자로 자리를 잡았습니다 (당시 오르간 연주자의 지위는 유전 적이었고 대대로 음악가 가족에게 전해졌습니다). 그 후 그는 법원 하프시 코드 연주자가되었습니다. 이 순위에서 그는 거의 죽을 때까지 남아있었습니다.
Couperin은 1713년, 1717년, 1722년 및 1730년에 출판된 4개의 하프시코드 모음집, 현악기 및 관악기와 함께 클라비에를 위한 앙상블 및 기타 작곡의 저자입니다. 그의 연극 중에는 많은 목회자 ( "Reapers", "Grape Pickers", "Pastoral") 및 " 여성의 초상화", 다양한 이미지 ( "Florentine", "Gloomy", "Sister Monica", "Teenage Girl")를 구현합니다. 그들에게서 미묘한 심리적 특성을 찾을 수 있습니다. 아무 이유없이 그의 연극의 첫 번째 노트 서문에서 작곡가는 이러한 "초상화"가 "상당히 유사하다"고 썼습니다.
Couperin의 많은 희곡은 The Alarm Clock, The Chirping, The Knitters와 같은 재치 있는 의성어를 기반으로 합니다.
이 모든 이름은 대체로 조건부이며 종종 음악의 의미에 대한 이해를 침해하지 않고 한 곡에서 다른 곡으로 옮길 수 있습니다. 동시에 작곡가가 종종 특징적이고 진실한 "자연의 스케치"를 만들 수 있었다는 사실을 인정할 수밖에 없습니다.
Couperin과 그 시대의 다른 프랑스 하프시코드 연주자들의 희곡에서 풍부하게 장식된 선율이 나머지 성부를 분명히 지배합니다. 종종 두 개만 있습니다 (따라서 멜로디와 함께 세 부분으로 구성된 패브릭을 형성합니다). 반주 음성은 일반적으로 전체 작업을 통해 유지되며 때로는 독립적인 의미를 획득합니다.
프랑스 하프시코드 연주자의 연주에서 장식은 풍부하고 다양합니다. 양식적으로는 그림 같은 스투코 로코코 장식과 관련이 있습니다. 나무 줄기를 감싸고 있는 담쟁이덩굴처럼 멜로디 라인의 뼈대를 감싸고 있는 멜리스마는 멜로디에 세련미, 기발함, "경쾌함"을 더합니다. 프랑스에서 멜로디 음표를 "감싸는" 장식이 널리 퍼진 것이 특징이며 그 중 가장 전형적인 gruppetto는 프랑스 음악가 (Chambonniere)에 의해 처음 그래픽으로 표시되었습니다. 트릴, 그레이스 노트 및 모르덴트도 프랑스 음악에서 널리 사용되었습니다.
18세기 프랑스 하프시코드 연주자들의 희곡에서 샹보니에르의 작품에 비해 선율은 호흡의 폭이 더 넓은 것이 특징이다. 그것은 비엔나 고전의 멜로디 발전 패턴을 준비하는 명확한 주기성을 발전시킵니다.
프랑스 하프시 코드 연주자의 멜로디 문제와 관련하여 그들의 작업과 민속 음악의 연결에 대한 매우 중요한 질문이 발생합니다. 언뜻 보면 대중적인 흙과 동떨어져 보일 수도 있다. 그러나 이러한 결론은 성급하고 잘못된 것입니다. K. A. Kuznetsov의 생각은 Couperin이 "그의 하프시 코드 조각의 귀족적인 얇은 옷차림을 통해 그 구조와 함께 마을 라운드 댄스, 마을 노래의 음악을 통해 나아갑니다"(56, p. 120)라고 주장했습니다.
실제로 장식적인 장식이 없는 이 곡들의 멜로디 라인을 상상한다면 프랑스 민요의 정신에서 단순한 동기를 듣게 될 것입니다.
Couperin의 작업에서 제품군의 분해 증상이 발견됩니다. 공식적으로 작곡가는 자신의 작품을 주기로 결합하지만(그는 이를 주문 세트라고 부릅니다) 모음곡의 개별 부분 사이에는 유기적인 연결이 없습니다. 이와 관련하여 예외는 드뭅니다. 여기에는 여러 연극을 공통 프로그램 개념("뮤즈의 탄생", "유년기", "십대 소녀" 및 "매력" 등의 작품을 포함하는 "젊은 시절" 모음곡)과 결합하려는 흥미로운 시도가 포함될 수 있습니다. 또는 가장 무도회의 이미지를 묘사하는 12개의 조각으로 구성된 "도미노" 사이클).
Couperin은 다양한 분위기를 구현하는 작업과 세부 사항에 대한 작은 "보석"작업을 충족하는 미니어처 분야의 검색이 특징이며 큰 이데올로기 개념을 전달할 수있는 기념비적 형태를 찾는 것이 아닙니다. 여기에서 그는 예술가로서의 자신을 보여주었다. 미적 위치로코코.
그러나 하프시코드 작품의 형식을 선택하는 것과 관련하여 Couperin은 큰 형태(모음) 그럼에도 불구하고 그의 미니어처는 17 세기 모음곡의 개별 부분보다 더 발전되고 규모가 큽니다. 도구 예술의 미래 발전 과정의 관점에서 볼 때 특히 새롭고 중요한 것은 Couperin에 의한 대비의 창조였습니다. 개인 작업(론도 형식) 그의 작품과 Chambonnière의 작품을 뚜렷하게 구별합니다. 사실 Couperin의 대비는 여전히 상대적으로 작습니다. 그의 작품에서 "합창"과 "절"은 비엔나 고전의 론도에서처럼 대조되는 것과는 거리가 멀다. 또한 Couperin의 음악은 춤과 훨씬 더 관련이 있으며 이러한 점에서 "소나타"보다 "조곡"에 가깝습니다. 그러나 Couperin은 18 세기 말 고전주의 스타일, 특히 순환 소나타 (주로 마지막 악장의 일부 유형)를 준비하는 중요한 단계를 이미 수행했습니다.
장 필립 라모(Jean-Philippe Rameau, 1683-1764)는 프랑스 하프시코드 연주자의 후기 세대를 대표하는 인물로, 그의 클라비어 작품은 연대순으로 쿠프랭의 작품과 일치하지만 후자에 비해 새로운 특징을 가지고 있습니다. 라모의 새로운 점은 명백히 쿠프랭과는 다소 다른 그의 창작 활동의 성격에 의해 결정되며, 무엇보다도 그의 생애 초기에 - 클라비에 작품을 창작하던 몇 년 동안 - 그가 다른 소셜 서클과 관련이 있습니다.
Ramo는 음악가의 가족에서 태어났습니다. 젊었을 때 그는 이탈리아를 여행하는 오페라단에서 바이올리니스트로 일한 후 프랑스 여러 도시에서 오르간 연주자로 일했습니다. 동시에 Ramo는 창의성에 종사했습니다. 그는 다른 작품 중에서도 하프시코드를 위해 꽤 많은 작품과 여러 앙상블을 만들었습니다. 또한 라모가 이 기간 동안 박람회장 코미디와 같은 민주적 장르를 위한 음악을 작곡했다는 점에 주목하는 것이 중요합니다. 이 음악은 그가 부분적으로 하프시코드 곡에서 사용했습니다(아마도 T. N. Livanova가 제안한 것처럼 유명한 "Tambourine"과 "Peasant Woman"에서).
뛰어난 오페라와 하프시코드 작곡가인 라모는 화성 이론의 발전에 중요한 역할을 한 이론 음악가이기도 했습니다.
광범위한 음악적 전망, 오페라에서 프랑스 공정 코미디에 이르기까지 다양한 장르의 창의적인 작업, 오르간 연주자, 하프시 코드 연주자 및 바이올리니스트의 다양한 공연 경험-이 모든 것이 Rameau의 clavier 예술에 반영되었습니다. 일부 측면에서 F. Couperin의 작업과 밀접하게 인접해 있습니다. 이 작곡가들의 작품은 스타일적으로 매우 가깝습니다. 두 뛰어난 동시대인이 상호 영향을 피하지 않았다는 데는 의심의 여지가 없습니다.
그러나 많은 Rameau의 작곡에는 선율 패턴의 덜 변덕스럽고 장식적인 장식, 춤 형식의 더 자유로운 해석, 더 발전되고 기교적인 질감에 대한 열망이 있습니다. 따라서 론도 형식으로 쓰여진 Gigue e-moll에는 장르적 춤의 특징이 숨겨져 있고 18세기 중반 감상주의 작곡가들의 선율적인 스타일이 예상된다(L. Godovsky, 이 지그를 처리할 때, 그것을 "Elegy"로 바꿨습니다). 선율의 섬세한 전환과 더 적은 수의 장식 및 반주가 특징이며 더 많은 대중을 연상시킵니다. 후기"Albertian basses"는 18세기 전반의 이탈리아 작곡가 Alberti의 이름을 따서 명명된 분해된 화음으로, 널리 사용되기 시작했습니다(주 11).
라모의 가장 대담한 텍스처 혁신은 일반적인 로코코 테마를 뛰어넘는 이미지와 관련이 있습니다. 마을 춤을 재현하는 연극 "Solon simpletons"에서 왼손의 형상에 대한 광범위한 표현이 나타납니다 (주 12).
열정적이고 충동적인 "집시"의 이미지를 전달할 때 Rameau는 또한 깨진 아르페지오의 형태로 로코코 스타일에 일반적이지 않은 형상을 사용합니다(주 13).
두 손으로 번갈아 연주되는 아르페지오가 몇 옥타브 범위를 포착하는 "Whirlwinds" 작품에서 Rameau는 특이한 질감을 사용합니다(주 14).
18세기 전반기 프랑스 악파의 다른 하프시코드 연주자들의 희곡 중에서< Кукушка» Дакена — действительно
очень талантливое произведение, мастерски созданное на основе одного мотива
— «кукования» кукушки. Значительный художественный интерес представляют
некоторые пьесы Дандриё («Дудочки» и другие). Среди его сочинений обращает
на себя внимание рондо «Страждущая» (или «Воздыхающая»), написанное в
сугубо чувствительных тонах и свидетельствующее об усилении во французском
клавесинизме к середине столетия тенденций сентиментализма (прим. 15).
로코코 시대의 프랑스 하프시 코드 음악 스타일의 특징을 최고의 대표자들의 작품에서 나타난 형태로 간략하게 요약하겠습니다.
문체의 명확성과 확실성에도 불구하고 이 음악은 모순으로 가득 차 있습니다.
Rococo의 조건부 주제에 경의를 표하는 프랑스 하프시 코드 연주자들은 최고의 작품에서 삶의 진정한 예술 요소를 만들어 음악의 장르-그림 및 서정적-심리적 방향을 어느 정도 설명합니다.
유행하는 장식적인 옷차림에도 불구하고 이 음악의 주된 표현적 시작인 하프시코드 로코코의 멜로디는 생명을 주는 민속 예술의 샘과의 연관성을 드러내며 어느 정도는 18세기 후반 고전의 음악적 언어를 예상합니다.
로코코 예술의 전형적인 특징 반영: 정교함, 정교함, 미니어처를 향한 중력, 부드러움을 향한 " 날카로운 모서리”, 하프시코드 미니어처 론도는 동시에 클래식 소나타의 대조, 역동성 및 기념비성을 준비합니다.
이러한 불일치를 제외하면, 왜 프랑스 하프시코드 연주자들의 최고의 유산이 완전히 다른 미적 이상에 따라 사는 연주자와 청취자, 즉 지금도 우리를 계속 매료시키는지 이해하는 것은 불가능합니다.
프랑스 하프시코드의 전성기는 작곡 분야뿐만 아니라 공연 및 교육 예술 분야에서도 나타났습니다.
작곡가의 기념물 외에도 이러한 음악 예술 분야 연구의 가장 중요한 출처는 clavier 매뉴얼입니다. 그중 가장 중요한 것은 F. Couperin "하프시 코드 연주 기술"(1716)의 논문으로, 프랑스 하프시 코드 연주자의 특징적인 연주 원리를 체계화하고 오늘날까지 부분적으로 중요성을 잃지 않은 많은 흥미로운 교육적 팁을 제공합니다. . 그 기간의 또 다른 교육적 작업도 매우 흥미 롭습니다. 그의 하프시 코드 조각 (1724)의 두 번째 노트에 출판 된 Rameau의 손가락 역학 방법입니다. 학생의 기술 개발이라는 단 하나의 문제에만 전념합니다.
우리가 이용할 수 있는 이러한 논문과 기타 자료를 바탕으로 우리는 18세기 전반 프랑스 하프시코드 연주자의 연주 및 교육 예술의 가장 중요한 특징에 주목하고 그들의 해석에서 발생하는 몇 가지 문제에 대해 자세히 설명합니다. 작곡.
먼저 악기 뒤에 있는 연주자의 모습에 신경을 쓴 것이 특징이다. 듣는 사람들에게 하프시 코드 연주가 진지한 직업이라고 생각해서는 안됩니다. 세속적 인 사람의 개념에 따르면 일은 "일반인"인 하인의 몫이기 때문입니다. "하프시코드 뒤에는" Couperin이 그의 매뉴얼에서 가르칩니다. 외모는 어떤 주제에 집중되거나 흩어져 있어서는 안됩니다. 한마디로 아무 일도 하지 않는 것처럼 사회를 바라봐야 합니다”(141, pp. 5-6). Couperin은 머리, 몸 또는 발의 움직임을 가지고 노는 동안 비트를 강조하는 것에 대해 경고합니다. 그의 의견으로는 이것은 청취자와 연주자를 방해하는 불필요한 습관이 아닙니다. 이는 적절하지 않습니다. 게임 중 "찡그린 얼굴을 없애기"위해 그는 운동 중에 거울을 보며 하프시 코드를 보면대에 놓을 것을 제안합니다.
클래식 발레에서 발레리나의 전통적인 미소를 연상시키는 연기자의 행동에 대한이 모든 "기사도"는 로코코 시대 공연 예술의 매우 특징적인 특징입니다.
하프시코드 연주자의 가장 중요한 임무 중 하나는 멜로디에서 장식을 미묘하고 세련되게 연주하는 능력이었습니다. 17세기에는 선율의 채색이 주로 연주자에 의해 이루어졌다. Saint-Lambert는 자신의 매뉴얼에서 "장신구 선택에는 완전한 자유가 있습니다. 학습 중인 곡에서는 보이지 않는 곳에서도 장식을 연주할 수 있습니다. 연극의 장식이 부적절하다고 판단되면 버리고 원하는 다른 장식으로 교체할 수 있습니다”(190, p. 124). 시간이 지남에 따라 멜리스마의 즉흥적 변화에 대한 태도가 달라졌습니다. 가장 작은 장식적인 세부 사항이 매우 중요해지고 음악가의 "진정한 취향"을 나타내는 지표 역할을 하는 미묘하고 정교한 장인 정신의 발전은 공연 예술의 즉흥적인 시작을 묶었습니다. Couperin의 일부 진술에 따르면 이미 프랑스 하프시 코드 학교에서 근무한 시간에 즉흥 연주가 점차 퇴보하기 시작했습니다. 그녀는 모든 세부 사항에서 미리 작성되고 사려 깊은 구성의 신중한 학습을 기반으로 공연 예술에 반대하기 시작했습니다. Couperin은 특히 그의 작품에서 장식의 즉흥적인 변화에 단호하게 반대합니다. 하프시코드 작품의 세 번째 책의 서문에서, 다소 짜증이 난 어조에서도 놀라운 끈기로 그에게는 이례적이다. 문체, 텍스트의 모든 세부 사항을 문자 그대로 충족해야한다고 주장합니다. 그렇지 않으면 그의 연극이 진정한 취향을 가진 사람들에게 적절한 인상을주지 않을 것이기 때문입니다.
당대의 가장 위대한 클라비에 연주자 중 한 사람의 이 말은 오늘날까지 그 의미를 잃지 않았습니다. 옛 거장들의 작품을 연주하는 모든 피아니스트는 그것들을 기억해야 합니다.
다른 국립 학교의 음악가들에 비해 프랑스 하프시코드 연주자들은 장식을 해독하는 데 더 정확한 규칙을 제시합니다. 여기에서 명확성에 대한 열망과 엄격하게 확립 된 논리적 패턴에 대한 예술적 창의성의 종속을 불러 일으킨 프랑스 문화의 특징 인 합리주의의 영향을 볼 수 없습니다.
프랑스 하프시 코드 연주자가 멜리스마를 해독하는 관행에 대해 아는 것은 다른 국립 학교에서 보석을 만드는 원칙을 크게 결정했기 때문에 중요합니다. 예를 들어, 상위 보조에서 트릴을 실행하거나 후속 지속 시간으로 인한 은총과 같은 Couperin의 지시는 18 세기 전반의 대부분의 음악가가 공유했습니다.
다음은 F. Couperin의 멜리스마 샘플과 작곡가의 지시에 따른 디코딩입니다(참고, 16).
악기의 기능에 따라 다이나믹 팔레트 측면에서 제한되는 프랑스 하프시 코드 연주자는 분명히 다양한 음색으로 다이나믹의 단조 로움을 보완하려고했습니다. 현대의 하프시코드 연주자들처럼 론도 후렴구를 반복할 때 색깔을 바꾸거나 음색을 마음대로 사용하여 운문과 후렴구의 대비를 높였을 것으로 추측할 수 있다. 다양한 음역(류트, 바순 등)을 능숙하게 사용하면 의심할 여지 없이 하프시코드 작품에 더 큰 특징과 밝기가 부여됩니다. 현대 연주자들이 하프시코드 미니어처를 녹음한 예로서 Zuzana Ruzickova(주 17)의 유명한 Couperin 희곡 The Reapers의 해석을 고려하십시오.
세 번째를 제외한 모든 후렴구는 그녀의 장점으로 연주됩니다. 처음 두 구절의 서정적 성격은 음파의 다른 밝은 색상으로 드러납니다. 후렴구와 음정이 가장 높은 3절의 대조는 한 옥타브 높은 연주와 은빛 음색으로 강조된다. 따라서 등록은 작곡가가 설명한 구절의 일반적인 개발 라인에 따라 세 번째 구절의 "조용한"절정에 이르며 두 비유적 영역인 춤 "그룹"과 " 개별화되었습니다”(이것은 또한 리듬에 의해 촉진됩니다 – 후렴구에서 매우 명확하고 대련의 루바토 요소와 함께).
피아노의 풍부한 다이나믹 가능성을 사용하여 피아니스트는 연주의 탁월함을 달성하기가 특히 어렵기 때문에 지칠 줄 모르고 관리해야 합니다. 사운드 팔레트를 풍부하게 하려면 다이나믹과 페달을 능숙하게 사용해야 합니다. 모든 페달과 모든 역학이 성능의 다채로움을 향상시키는 데 기여하는 것은 아닙니다. 때때로 이러한 표현 수단반대의 효과를 가져오기도 합니다. 음색의 다양성을 달성하기 위해서는 대조적인 페달 색상과 소위 "계단형" 다이내믹을 사용해야 합니다. 대조적인 페달 색상은 페달의 지속적인 사용을 의미하는 것이 아니라 페달이 없는(또는 거의 없는) 구조와 페달을 많이 밟는 구조의 교대를 의미합니다. 매우 투명한 소리를 내야 하는 구성에서는 때때로 가장 가벼운 페달 스트로크를 사용해야 합니다. 하프시 코드 조각을 피아노로 전송하기위한 이러한 종류의 페달 조정의 중요성은 N. I. Golubovskaya가 영국 처녀 연주자의 작곡 서문에서 강조합니다. “하프시코드 연주에서 특히 중요한 역할은 페달을 밟는 깊이의 미묘한 그라데이션을 획득하는 것입니다. 불완전하고 때로는 간신히 눌린 페달은 톤의 건조함을 부드럽게 하면서 폴리포닉의 투명성을 유지합니다”(32, p. 4).
"계단식" 역학의 원리는 음향 강도 그라데이션의 대조 비교를 주로 사용하는 것입니다. 물론 이것은 다른 동적 음영의 사용이 배제된다는 의미는 아닙니다. 그것은 관하여정의 원리는 대조이며 한 음파에서 다른 음파로의 전환의 부드러움이 아닙니다. 예를 들어 피아노나 포르테와 같이 다이내믹 스케일의 한 부분의 한계 내에서 마이너 디미누엔도와 크레센도를 사용할 수 있고 사용해야 합니다.
그 시대의 많은 작곡가들은 하프시코드를 위해 느린 선율의 곡을 썼습니다. Couperin과 다른 프랑스 하프시코드 연주자들은 그러한 작품을 많이 가지고 있습니다. 특징적으로, 레가토 음파가 필요한 곡에서 하프시코드 연주자는 게임이 가능한 한 일관되도록 권장했습니다. 이러한 경우 Couperin은 때때로 하나의 키에서 손가락 대체를 사용하도록 제안했습니다.
현대 피아노에 존재하는 레가토 연주의 큰 가능성을 감안할 때 하프시코드 연주자들의 바람을 실현하고 필요한 경우 음악의 특성상 필요한 경우 최대한의 일관성과 선율을 달성하기 위해 노력하는 것은 매우 자연스러운 일입니다. 소리의.
F. Couperin과 J.-F. Rameau 피아니스트 Helen Bosky(체코 회사 "Suprafon" 녹음). 그들은 예술적 세련미의 모든 매력과 동시에 로코코 스타일의 예술에 내재 된 매너리즘, 의식 에티켓의 요소를 특별히 강조하지 않고 나타납니다. Ruzickova와 마찬가지로 Bosky는 주로 연극의 정서적 내용, 각인 된 감정 음영의 풍부함을 드러내는 데 중점을 둡니다. 동시에 피아니스트는 하프시 코드 사운드의 음색 역동 적 특징을 어느 정도 재현하지만 피아노의 표현 가능성을 사용하여 음악적 사고의 발전에 더 큰 국제적 다양성과 표현력을 부여합니다. 특징적인 예는 h-moll에서 Sarabande에 대한 F. Couperin의 해석입니다. 저자는 그것을 "The Only One"이라고 불렀고 그 안에 각인 된 이미지에 대한 그의 특별한 태도를 분명히 표현했습니다. 프랑스 하프시 코드 연주자의 "여성 초상화"갤러리에서 Sarabande는 정서적 영역의 비정상적인 긴장, 절제된 힘으로 눈에 띄지 만 때로는 진지한 서정적 빛으로 비추는 극적인 느낌에서 벗어날 준비가되어 있습니다. 표현. 이 연극은 멜로의 표현력에 매력을 느낍니다. 그 억양 내용은 그 당시 고조파 회전을 위해 다채롭고 대담하게 볼록하게 음영 처리됩니다.
미니어처 음악의 모든 풍부함을 하프시코드로 온전히 전달하는 것은 불가능합니다. 실제로 : 사운드 강도의 지속적인 변화가 필요한 멜로디를 발음하는 데 필요한 보컬 및 음성 유연성을 달성하는 방법 (멜리스마의 풍부함으로 인해 작업이 더욱 복잡해지며 멜로디의 주요 사운드와 유기적으로 병합되어야합니다. )(주 18)?
이 역동적으로 변하는 멜로디 라인은 때때로 부드러운 배경 역할을 한 다음 두 번째 소절의 베이스처럼 전면에 등장하는 동반 음성과 어떻게 연관될 수 있습니까? 4번째와 5번째 소절에서 낮은 레벨 VI의 시적 아름다움을 이끌어내는 방법, 완전히 다른 화려한 조명으로 나타날 때 낮은 음역에서 높은 음역으로 조화의 "넘침"의 미묘한 효과는 멜로디 사운드의 특히 강렬한 "빛"에 의해 크게?
피아노에서 이러한 작업은 상당히 해결할 수 있습니다. Bosca의 성능이 이에 대한 증거가 될 수 있습니다. "조용한" 클라이맥스가 실현되는 가장 결정적인 순간(예시 18 6의 마디 2 및 3)에서 청취자의 관심은 아르페지오화된 마이너 6번째 코드 사운드의 특별한 부드러움뿐만 아니라 그 멜로디 보이스, 또한 템포가 약간 느려집니다. 상상 속에서 되살아나고 싶은 소중한 추억들이 떠오르는 것 같다. 또한 다음 소절의 시작 부분에서 감소된 7화음의 연주에 주목합니다. 낭만적인 작곡가들이 무자비하게 "착용"한 축소된 7화음은 Couperin 시대에 여전히 신선하게 들렸습니다. 그의 극 중 처음이자 유일한 등장은 조화로운 비일상적인 인상을 주는 것이었다. 피아니스트는 그렇게 들었습니다. 그녀는 그것에 약간 차분한 색채를 부여하고 감정적 색채의 갑작스러운 음영으로 음악의 더욱 충동적이고 극적인 발전에 대한 인식을 준비합니다.
유연한 음색-역동적 사운드 변화가 필요한 이러한 미묘한 감정 뉘앙스를 전달하기 위해서는 피아노의 표현 수단이 작품의 첫 번째 섹션을 연주할 때보다 훨씬 더 필요하다는 것이 밝혀졌습니다.
하프시코드 미니어처를 해석할 때 가장 중요한 것은 댄스 메트로 리듬 연주자의 미묘한 표현으로, 아직 댄스와의 연결을 잃지 않은 많은 작품에 특별한 매력과 진정한 활력을 부여합니다. 프랑스 하프시코드 연주자의 논문에 다음과 같은 표시가 있는 것은 우연이 아닙니다.
탄력 있고 활동적인 이러한 유형의 수행 메트로 리듬에 적합합니다. Wanda Landowska의 Rameau의 "Tambourine" 연주와 하프시코드 연주자들의 다른 많은 작품에는 이러한 종류의 춤 시작이 스며들어 있습니다.
운동 영역에서 프랑스 하프시코드 연주자들의 몇 가지 특징적인 원리에 주목해 봅시다.
다른 국립 학교의 동시대 클라비에르(J. S. Bach, Scarlatti)의 기교와 비교할 때 그들의 기교는 상대적으로 제한된 유형이었습니다. 그들은 가는 손가락 기술만을 사용했고, 더구나 위치 기술, 즉 첫 번째 손가락을 대지 않고 손의 위치 내에서 구절과 형상화를 주로 사용했습니다. 그러나 핑거 테크닉 분야에서 프랑스 하프시코드 연주자들은 놀라운 완성도를 달성했습니다. Saint-Lambert에 따르면 파리 거장들은 손가락의 "독립성"이 발달하여 어떤 손가락으로도 똑같이 자유롭게 트릴을 연주 할 수 있다는 점에서 구별되었습니다.
운동 기술 개발의 기초가 되는 프랑스 하프시코드 연주자의 방법론적 원리는 이미 언급한 교육학 작업에서 Rameau에 의해 가장 명확하게 공식화되었습니다. 일반적으로 이러한 견해 체계는 당시 진보적이었습니다.
라모의 가장 발전된 설치물 중에서 끈기 있고 목적이 있으며 의식적인 작업에 따라 인간의 타고난 성향을 개발할 수 있는 엄청난 기회에 대한 그의 옹호를 주목할 필요가 있습니다. "물론 모든 사람이 같은 능력을 가지고 있는 것은 아닙니다."라고 Rameau는 썼습니다. “그러나 손가락의 정상적인 움직임을 방해하는 어떤 특정한 결함이 없는 한, 우리의 연주가 만족할 만큼 완벽하게 손가락을 발전시킬 수 있는 가능성은 전적으로 우리 자신에게 달려 있습니다. 감독 작업 필요한 노력과 약간의 시간은 필연적으로 가장 재능이 없더라도 손가락을 곧게 펴게 할 것입니다. 누가 감히 타고난 능력에만 의존하겠습니까? 그것들을 발견하기 위해 필요한 예비 작업을 수행하지 않고 어떻게 그것들을 발견하기를 바랄 수 있습니까? 그렇다면 이 특정 작업이 아니라면 달성한 성공의 원인은 무엇입니까? (186, p. XXXV). 중대한 어려움을 극복할 수 있는 가능성에 대한 인간 정신의 힘에 대한 흔들리지 않는 확신으로 가득 찬 부르주아 문화 형성기의 주요 인물의 이 말은 숙명론을 전파하는 일부 현대 부르주아 과학자들의 날조와 뚜렷하게 대조됩니다. 타고난 성향에 의한 인간 능력 개발의 미리 결정.
운동 영역에서 하프시 코드 기술의 가장 유익한 원칙 중 하나는 해로운 근육 긴장에 대한 지칠 줄 모르는 투쟁이었습니다. 게임 중 모터 장치의 자유에 대한 필요성은 Couperin에 의해 반복적으로 강조되었습니다. Ramo도 이것에 대해 많이 이야기합니다. 연주할 때 손목의 유연성을 유지해야 할 필요성에 대한 그의 언급은 매우 중요합니다. "이러한 유연성은 손가락까지 확장되어 손가락을 완전히 자유롭게 만들고 필요한 가벼움을 제공합니다"(186, p. XXXVI).
Rameau의 새로운 운지법을 사용하는 것도 중요합니다.
J.S. Bach가 이 기술을 "발명"했다고 널리 알려져 있습니다. 그것은에서 갔다 가벼운 손 F. E. Bach는 그의 체계적인 작업에서 그것을 표현했습니다. 한편, 이 혁신을 J. S. Bach에게만 돌리지 않는 데에는 타당한 이유가 있습니다. 그것은 다양한 국립 학교와 프랑스에서 아마도 독일보다 더 일찍 퍼지기 시작했습니다. 적어도 이미 언급한 스피넷 튜닝에 관한 논문의 저자인 Denis(이 논문은 1650년에 다시 출판되었음을 기억하십시오)는 모든 손가락을 널리 사용할 것을 권장했습니다. “내가 공부를 시작했을 때 선생님들은 연주할 때 오른손 엄지손가락을 사용할 수 없다는 규칙을 고수했습니다. 그러나 나중에 나는 사람이 Briareus(태국의 거인)만큼 손이 많다면 고대 신화 100개의 팔과 50개의 머리를 가진 사람. -A. A),-키보드에 키가 많지 않더라도 연주 할 때 모든 사람이 계속 사용할 것입니다.”(143, p. 37).
18세기 전반에 일부 이탈리아 클라비에 연주자들이 엄지손가락을 널리 사용하기 시작했다고 믿을 만한 이유가 있습니다. 동시대의 회고록에 따르면 D. Scarlatti는 자연이 사람에게 준 경우 연주 할 때 열 손가락을 모두 사용하지 않을 이유가 없다고 말했습니다. 이 단어는 분명히 첫 번째 손가락 삽입을 사용하라는 조언으로 이해되어야 합니다. 18세기 30년대부터 "이탈리아식"이라는 새로운 운지법이 영국에 퍼지기 시작했습니다. Scarlatti가 실제로 엄지손가락을 사용했다는 것을 인정한다면 이 운지법을 영국에 가져온 사람이 바로 그 사람이었을 것입니다.
첫 번째 손가락을 놓는 것은 매우 중요한 혁신입니다. 그것은 clavier 기술의 발전을 빠르게 발전시켰습니다. 동시에, 일반적으로 이러한 경우에 그렇듯이 많은 기술적 어려움을 극복하는 데 도움이 된 이 기술은 차례로 clavier 질감의 발달에 영향을 미쳐 후속 합병증에 기여했습니다. 당대의 가장 뛰어난 거장들이 처음에 적용한 새로운 운지법은 일반 연주자들 사이에서 점차 확산되기 시작했습니다. 그러나 그들이 마침내 실제로 발판을 마련하는 데는 수십 년이 더 걸렸습니다. 18세기 전반에 걸쳐 첫 번째 손가락 삽입과 함께 가운데 손가락의 이동에 기반한 고대 운지법도 널리 사용되었습니다. 세기말에도 가장 존경받는 피아노 교사 중 한 명인 D. G. Türk는 이 운지법을 드문 경우에만 사용하도록 허용했음에도 불구하고 감히 이 운지법을 버리지 않았다고 자신의 설명서에 썼습니다. 19세기에 와서야 피아노 교육학에서 첫 번째 손가락을 넣는 원칙이 확고하게 자리 잡았습니다. 손가락 이동 기술은 연습에서 완전히 사라지지 않습니다. 일부 악절에서 다성음으로 이중 음표를 연주할 때 사용됩니다(예: 에뛰드 참조). 쇼팽 아몰작전 10).
피아니스트 문화의 전체 역사에서 점진적인 중요성을 잃지 않은 이러한 원칙과 함께 Rameau는 역사적으로 일시적이지만 그 당시의 매우 전형적인 진술을 가지고 있습니다. 예를 들어, 그는 운동 과정과 같은 복잡하고 정교하게 조직된 심리적 현상이 "단순한 역학"으로 환원될 수 있다고 믿었습니다. 이것은 당시 가장 뛰어난 사상가인 유물론 철학자들에게도 내재된 18세기 과학적 사고의 한계에 반영되었습니다. 엥겔스는 "지난 세기의 유물론은 대부분 기계적인 것이었습니다. 그 당시에는 모든 자연 과학이 기계학만이 어느 정도 완성에 도달했기 때문입니다. 18세기 유물론자들의 눈에 인간은 데카르트의 눈에 동물이 있었던 것처럼 기계였습니다. 기계적 법칙이 계속 작동하지만 다른 상위 법칙보다 먼저 배경으로 물러나는 분야에서 화학적 및 유기적 성질의 과정에 역학 규모를 독점적으로 적용하는 것은 첫 번째 특이하지만 불가피합니다. 고전 프랑스 유물론의 한계”(3 , p. 286).
손의 움직임을 최대한 없애기 위한 노력의 일환으로 Rameau는 손이 "죽은 것처럼" 있어야 하며 "손에 부착된 손가락을 지지하고 손이 닿지 않는 키보드의 해당 위치로 이동시키는 역할만 해야 한다"고 말했습니다. 자체적으로"(186, pp. XXXVI).
키보드에서 손가락을 "설정"한 후 Ramo는 "첫 번째 레슨"인 연습 게임을 시작할 것을 제안합니다. 이 "First Lesson"은 do, re, mi, fa, sol의 다섯 가지 소리의 연속일 뿐입니다. 저자는 처음에는 각 손으로 개별적으로 학습한 다음 "손이 동작의 정확성을 위반하는 것을 더 이상 두려워할 것이 없는 기술을 습득했다고 느낄 때까지 모든 종류의 방법으로" 학습할 것을 권장합니다(186, 186, 페이지 XXXVII).
소비에트 하위고그의 관점에서 라모의 위 원칙은 면밀한 조사를 견디지 못합니다. 운동을 "단순한 역학"으로 축소하는 오류는 말할 것도 없고, 손이 "죽은" 것처럼 노력하는 것은 잘못이며, Ramo의 "첫 수업"과 같은 운동으로 즉시 시작하는 것은 부적절합니다.
그러나 당시에는 이 운동 원리 시스템이 발전했습니다. 그것은 교육 예술에 과학적 사고 방법을 도입하고 학생의 기술 교육 과정을 합리화하려는 진보적 경향을 반영했습니다. 그것은 악기의 상대적으로 작은 범위 내에서 미세한 손가락 기술의 사용을 기반으로 하는 하프시코드 연주 연습과 관련이 있습니다.
한때 매우 유명했던 프랑스 하프시코드 연주자들의 작품은 18세기 말까지 연주 및 교육 레퍼토리에서 중요한 위치를 차지하지 않게 되었습니다. 프랑스에서 이 음악의 부활은 최근 몇십 년지난 세기. 그것은 어느 정도 미학적, 문체적 경향의 발전으로 설명되었지만 여러 면에서 국가적 고전 전통을 발전시키려는 진보적인 음악가들의 건전한 열망에 의해서도 설명되었습니다.
러시아 음악가들도 18세기 프랑스 하프시코드 연주자들의 작품에 관심을 보였습니다. 그의 역사 콘서트에서 Anton Rubinstein의 Couperin과 Rameau의 작품 공연을 회상합시다. Rachmaninoff의 Daken의 "The Cuckoo" 연주는 하프시코드 미니어처의 원래 해석에 대한 놀라운 예가 될 수 있습니다. 이 작품에 애가적이고 나른한 성격을 부여하는 일부 피아니스트와 달리 뛰어난 피아니스트는 우아한 유머와 쾌활한 열정이라는 고유한 특징을 날카롭게 표현합니다. 재치있는 디테일은 이러한 이미지를 만드는 데 중요한 역할을합니다. "요리"모티프에서 짧은 사운드의 강력한 리드미컬 한 "그리기"입니다.
프랑스 하프시 코드 연주자의 소련 공연자 중 E. Beckman-Shcherbina, N. Golubovskaya, G. Kogan, M. Nemenova-Lunts, N. Perelman이 있습니다. G. Kogan은 또한 강의와 기사를 통해 하프시코드 유산을 홍보하는 데 기여했습니다.
Maurice Cauchy(Paris, 1932-1933)가 이끄는 프랑스 음악학자 그룹이 만든 F. Couperin의 전집과 C. Saint-Saens(Paris, 1895-1918).
F. Couperin 작품의 초판에 대한 아이디어는 헝가리 피아니스트이자 하프시 코드 연주자 J. Gat가 1969-1971 년 부다페스트에서 발표 한 그의 하프시 코드 작품 4 권 컬렉션에서 제공됩니다. 비슷한 유형의 출판물은 Muzyka 출판사 (편집자 L. Roshchina, V. Bryantseva의 소개 기사)에서 1972 년에 출판 한 Rameau의 하프시 코드 전집입니다. F. Couperin, Rameau 및 기타 프랑스 하프시 코드 연주자의 많은 연극이 A. Yurovsky (Moscow, 1935, 1937)가 편집 한 세 가지 컬렉션에 포함되어 있습니다.
과학의 역사에 대한 보고서
주제 "18세기 프랑스 음악"
물리학 및 수학 학부 10 학년 학생
Lyceum №1525 "참새 언덕"
카자코프 필립.
18세기 프랑스의 음악에 대해 가장 먼저 말할 것은 음악 분야의 선두 국가(예: 독일, 오스트리아, 스페인, 이탈리아)와 달리 프랑스는 특히 유명한 수많은 음악을 자랑할 수 없었습니다. 작곡가나 연주자, 잘 알려진 다양한 작품도 없습니다. Gluck은 당시 가장 유명한 프랑스 작곡가로 간주되지만 그는 또한 독일 출신이었습니다. 부분적으로 이러한 상황은 음악 스타일을 결정하는 사회의 이익에 의해 결정되었습니다. 18세기 음악의 발전을 생각해 보십시오.
세기 초에 가장 대중적인 음악 스타일은 감성적이었습니다. 고전주의. 특별히 복잡하지 않은 느리고 서두르지 않는 음악이었습니다. 그것을 재생 현악기. 보통 그녀는 무도회와 잔치에 동행했지만 그들은 또한 편안하고 가정적인 분위기에서 그녀의 말을 듣는 것을 좋아했습니다.
그런 다음 특징과 기술이 류트 음악에 빠지기 시작했습니다. 로코코,트릴 및 플래그와 같은. 더 복잡한 모양을 얻었고 음악 문구가 더 복잡하고 흥미로워졌습니다. 음악은 현실에서 더 멀어지고, 더 환상적이고, 덜 정확하고 따라서 청취자에게 더 가까워졌습니다.
18세기 후반에 가까워지면서 로코코의 특징이 음악에 녹아들어 일정한 방향성을 가지기 시작했다. 그래서 곧 음악에는 춤을 위한 음악과 노래를 위한 음악이라는 두 가지 방향이 명확하게 나타났습니다. 공에는 춤을 추는 음악이, 노래를 부르는 음악은 은밀한 분위기에서 들렸습니다. 종종 귀족들은 가정용 하프시코드 소리에 맞춰 노래하는 것을 좋아했습니다. 동시에 대화, 춤, 판토마임, 악기, 때로는 기악을 결합한 코미디 발레의 새로운 연극 장르가 등장했습니다. 성악. 제작자는 J. B. Moliere와 작곡가 J. B. Lully입니다. 이 장르는 이후 프랑스 뮤지컬 극장의 발전에 중요한 영향을 미쳤습니다.
보다 미묘한 음악 장르 분리에 이어 행진 음악이 등장하기 시작했습니다. 거칠고 시끄럽고 시끄러운 음악이었습니다. 이때 널리 퍼진 타악기(드럼과 심벌즈) 리듬을 설정하여 개인 연주의 작업을 박탈합니다. 트럼펫과 같은 악기도 많이 사용되었는데, 주로 음악의 전체적인 음량을 높이는 역할을 했습니다. 내 생각에 18세기 후반의 프랑스 음악이 특히 원시적이고 두드러지지 않은 것은 드러머와 시끄러운 악기의 출현 때문이었습니다. 행진곡의 최고의 업적은 1792년 루제 드 리슬(Rouge De Lisle)이 작곡한 작품 "라 마르세예즈(La Marseillaise)"의 등장이었습니다.
루제 드 라일 클로드 조제프(1760-1836)프랑스의 군사 기술자, 시인, 작곡가. 그는 찬송가, 노래, 로맨스를 썼습니다. 1792년에 그는 " 마르세예즈”, 나중에 프랑스의 국가가되었습니다.
프랑수아 쿠프랭(1668-1733)- 프랑스 작곡가, 하프시코드 연주자, 오르가니스트. 그의 가족에는 여러 세대의 음악가가 있었기 때문에 독일 바흐 왕조에 필적하는 왕조에서. 쿠프랭은 부분적으로는 그의 유머 감각 때문에, 부분적으로는 그의 성격 때문에 "위대한 쿠프랭"이라는 별명이 붙었습니다. 그의 작품은 프랑스 하프시코드 예술의 정점이다. Couperin의 음악은 선율의 독창성, 우아함, 디테일의 완벽함으로 구별됩니다.
라모 장 필립(1683-1764)- 프랑스 작곡가이자 음악 이론가. 프랑스와 이탈리아 음악 문화의 업적을 활용하여 그는 고전 오페라의 스타일을 크게 수정하고 K. V. Gluck의 오페라 개혁을 준비했습니다. 그는 서정적 비극인 Hippolytus와 Arisia(1733), Castor와 Pollux(1737), 오페라 발레인 Gallant India(1735), 하프시코드 작품 등을 썼습니다. 그의 이론적 작업은 발전의 중요한 단계입니다. 조화의 교리 .
글루크 크리스토프 빌리발트(1714-1787)유명한 프랑스-독일 작곡가. 그의 가장 영광스러운 활동은 그가 최고의 작품을 썼던 파리 오페라 무대와 관련이 있습니다. 프랑스어 단어. 따라서 프랑스인들은 그를 프랑스 작곡가로 여깁니다. 그의 수많은 오페라 : "Artaserse", "Demofonte", "Fedra"등이 밀라노, 토리노, 베니스, 크레 모니에서 주어졌습니다. 런던으로의 초대를 받은 Gluck은 Hay-Market 극장에서 "La Cadutade Giganti"(1746)와 "Artamene", 그리고 오페라 포푸리(pasticcio) "Pyram"이라는 두 개의 오페라를 썼습니다. 이 후자는 Gluck의 후기 활동에 큰 영향을 미쳤습니다. Gluck에게 큰 성공을 가져다 준 모든 오페라는 일련의 아리아로 구성된 이탈리아 양식에 따라 작성되었습니다. 그들 안에서 Gluck은 텍스트에 많은 관심을 기울이지 않았습니다. 그는 가장 큰 성공을 거둔 이전 오페라의 단편으로 자신의 오페라 "Pyram"을 작곡했으며, 이 단편에 새 대본의 다른 텍스트를 조정했습니다. 이 오페라의 실패는 그런 종류의 음악만이 적절한 인상을 줄 수 있다는 생각으로 글루칸을 이끌었고, 이는 텍스트와 직접적으로 연결되어 있습니다. 그는 이후의 작품에서 이 원칙을 고수하기 시작했고 점점 더 자신에게 동화되었습니다. 진지한 태도암송에, 암송 아리오소를 가장 작은 세부 사항까지 작업하고 아리아에서도 암송을 잊지 않습니다.
텍스트와 음악의 긴밀한 연결에 대한 열망은 "Semiramide"(1748)에서 이미 눈에 띕니다. 그러나 비엔나에서 상연된 "Orfeo", "Alceste", "ParideedElena"(1761-64)에서 작곡가의 뮤지컬 드라마로의 보다 가시적인 오페라 전환이 눈에 띕니다. Gluck 오페라의 개혁가는 파리에서 큰 성공을 거둔 "Iphigenie en Aulide"(1774)에 있습니다. "Armide"(1777) 및 "IphigenieenTauride"(1779)도 제공되었습니다.
글럭의 가장 위대한 작품 마지막 오페라 G.는 "Echo et Narcisse"였습니다. 오페라 외에도 Gluck은 교향곡, 시편 등을 썼습니다. Gluck이 쓴 모든 오페라, 막간극 및 발레는 50편이 넘습니다.
결론적으로 18세기 프랑스 음악의 일면성은 다시 한 번 강조되어야 한다. 음악적 창의성그것은 공예나 가벼운 취미 같았다. 공예품에 대해서는 모든 작품이 같은 유형이고 서로 비슷했기 때문입니다. 취미로, 많은 작곡가들이 단지 그것을 위해 음악을 만들었기 때문입니다. 자유 시간, 그러한 이미지를 여가 시간에 채우십시오. 그러한 직업은 전문적인 창작물이라고 할 수 없습니다. 그 당시 가장 유명한 프랑스 작곡가 인 Gluck (그런데 프랑스 작곡가가 아니었던)조차도 악의적 인 사람들에 의해 한 작품의 작곡가라고 불립니다. 오르페우스와 에우리디케를 의미합니다.
출처:
키릴과 메토디우스의 위대한 백과사전,
클래식 음악 백과사전,
브록하우스와 에프론,
클래식 음악(수당),
인터넷,
유능한 음악학자 Natalia Bogoslavskaya.
"Marseillaise"( "Marseillaise") - 프랑스어 혁명가. 처음에는 "라인 군대의 전투 노래"라고 불렸고 그 다음에는 "마르세유 행진곡" 또는 "라 마르세예즈"라고 불렸습니다. 제3공화국 치하에서 프랑스의 국가가 되었다(1975년 7월 14일부터 새로운 뮤지컬 버전으로 연주됨). 러시아에서는 "Working Marseillaise"가 널리 퍼졌습니다 (P. L. Lavrov의 텍스트 "La Marseillaise"멜로디, 1.7.1875 신문 "Vpered"에 게재됨).
하모니(HARMONY)는 음조를 협화음으로 조합하고 연속적인 움직임에서 협화음의 연결을 기반으로 하는 음악의 표현 수단입니다. 자음의 주요 유형은 코드입니다. 하모니는 동음이의, 다성음과 같은 모든 창고의 다성 음악의 특정 모드 법칙에 따라 만들어집니다. 하모니의 요소인 케이던스와 모듈레이션은 음악 형식에서 가장 중요한 요소입니다. 조화의 교리는 음악 이론의 주요 부분 중 하나입니다.
