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재즈 스타일은 음악적 예입니다. 재즈: 그게 뭐야, 어떤 방향, 누가 연주하는지

미국에서 가장 존경받는 음악 예술 형식 중 하나인 재즈는 전체 산업의 토대를 마련했으며 수많은 뛰어난 작곡가, 악기 연주자 및 성악가를 세상에 소개하고 다양한 장르를 탄생시켰습니다. 가장 영향력 있는 15명의 재즈 뮤지션은 장르의 역사에서 지난 세기 동안 발생한 세계적인 현상에 책임이 있습니다.

재즈는 19세기 말과 20세기 초에 유럽과 미국의 고전적 사운드와 아프리카 민속 모티브의 조합으로 발전했습니다. 노래는 실신 리듬으로 연주되어 발전에 자극을 주었고 나중에는 그것을 연주하기 위해 대규모 오케스트라를 구성했습니다. 음악은 래그타임 시대에서 큰 발전을 이루었습니다. 현대 재즈.

서아프리카의 영향 음악 문화어떤 음악이 쓰여지고 어떻게 연주되는지. 폴리리듬, 즉흥 연주 및 실신은 재즈의 특징입니다. 지난 세기 동안 이 스타일은 즉흥 연주의 본질에 자신의 아이디어를 가져온 장르의 동시대 사람들의 영향으로 변화했습니다. 비밥, 퓨전, 라틴 아메리카 재즈, 프리 재즈, 펑크, 애시드 재즈, 하드 밥, 스무스 재즈 등 새로운 방향이 나타나기 시작했습니다.

15 아트 테이텀

아트 테이텀 - 재즈 피아니스트거의 눈이 멀었던 거장. 그는 재즈 앙상블에서 피아노의 역할을 바꾼 역대 최고의 피아니스트 중 한 명으로 알려져 있습니다. Tatum은 스윙 리듬과 환상적인 즉흥 연주를 리듬에 추가하여 자신 만의 독특한 연주 스타일을 만들기 위해 스트라이드 스타일로 전환했습니다. 재즈 음악에 대한 그의 태도는 악기로서의 재즈에서 피아노의 중요성을 이전의 특성에서 근본적으로 바꾸었습니다.

Tatum은 코드의 구조에 영향을 미치고 확장하면서 멜로디의 하모니를 실험했습니다. 이 모든 것이 비밥 스타일을 특징짓는데, 아시다시피 비밥 스타일은 10년 후 이 장르의 첫 번째 레코드가 등장했을 때 인기를 끌 것입니다. 비평가들은 또한 그의 완벽한 연주 기술에 주목했습니다. Art Tatum은 그의 손가락이 흑백 건반에 거의 닿지 않는 것처럼 쉽고 빠르게 가장 어려운 부분을 연주 할 수있었습니다.

14 델로니어스 몽크

가장 복잡하고 다양한 사운드 중 일부는 비밥 시대와 이후 발전의 가장 중요한 대표자 중 한 명인 피아니스트와 작곡가의 레퍼토리에서 찾을 수 있습니다. 괴짜 음악가로서의 그의 성격 자체가 재즈의 대중화에 기여했다. 항상 양복과 모자, 선글라스를 착용한 몽크는 즉흥 연주에 대한 자유로운 태도를 대놓고 드러냈다. 그는 엄격한 규칙을 받아들이지 않았고 자신만의 작곡 방식을 만들었습니다. 그의 가장 훌륭하고 유명한 작품 중 일부는 Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You 및 Well, You Need't입니다.

Monk의 연주 스타일은 즉흥 연주에 대한 혁신적인 접근 방식을 기반으로 합니다. 그의 작품은 타악기 구절과 날카로운 일시 중지로 구별됩니다. 꽤 자주, 그의 공연 도중에 그는 밴드의 다른 멤버들이 멜로디를 계속 연주하는 동안 피아노에서 뛰어내려 춤을 췄다. Thelonious Monk는 장르 역사상 가장 영향력 있는 재즈 뮤지션 중 한 명입니다.

13 찰스 밍거스

인정받는 더블베이스 거장이자 작곡가이자 밴드 리더인 그는 재즈계에서 가장 뛰어난 음악가 중 한 명이었습니다. 그는 가스펠, 하드 밥, 프리 재즈, 고전 음악. 동시대인들은 작은 사람들을 위해 작품을 쓰는 그의 환상적인 능력에 대해 Mingus를 "Duke Ellington의 상속인"이라고 불렀습니다. 재즈 앙상블. 그의 작곡에서 밴드의 모든 멤버들은 각자의 연주 실력을 보여주었고, 각각은 재능이 있을 뿐만 아니라 독특한 연주 스타일이 특징이었다.

Mingus는 자신의 밴드를 구성한 뮤지션을 신중하게 선택했습니다. 전설적인 더블 베이스 연주자는 화를 잘 내는 것으로 유명했으며 한번은 트롬본 연주자 Jimmy Knepper의 얼굴을 때려 이를 부러뜨리기도 했습니다. Mingus는 우울 장애를 앓고 있었지만 이것이 그의 창작 활동에 어떤 식 으로든 영향을 미친다는 사실을 참을 준비가되지 않았습니다. 이러한 고통에도 불구하고 Charles Mingus는 재즈 역사상 가장 영향력 있는 인물 중 한 명입니다.

12 아트 블래키

Art Blakey는 드럼 키트 연주 스타일과 기술을 선보인 미국의 유명한 드러머이자 밴드 리더였습니다. 그는 스윙, 블루스, 펑크 및 하드 밥을 결합했습니다. 오늘날 모든 현대에서 들을 수 있는 스타일입니다. 재즈 작곡. Max Roach 및 Kenny Clarke와 함께 그는 드럼에서 비밥을 연주하는 새로운 방법을 발명했습니다. 30년 넘게 그의 밴드 The Jazz Messengers는 Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett 등 많은 재즈 아티스트에게 재즈를 선사했습니다.

Jazz Messengers는 경이로운 음악을 만들었을 뿐만 아니라 Miles Davis 밴드와 같은 젊은 재능 있는 뮤지션을 위한 일종의 "음악적 시험장"이었습니다. Art Blakey의 스타일은 재즈의 사운드 자체를 바꾸어 새로운 음악적 이정표가 되었습니다.

11 디지 길레스피(Dizzy Gillespie)

재즈 트럼펫 연주자, 싱어송라이터, 밴드 리더는 비밥과 모던 재즈 시대에 두드러진 인물이 되었습니다. 그의 트럼펫 스타일은 Miles Davis, Clifford Brown 및 Fats Navarro에 영향을 미쳤습니다. 쿠바에서 시간을 보낸 후 미국으로 돌아온 Gillespie는 Afro-Cuban 재즈를 적극적으로 홍보한 음악가 중 한 명이었습니다. 특징적으로 구부러진 트럼펫 연주에 더해 Gillespie는 연주할 때 뿔테 안경과 믿을 수 없을 정도로 큰 뺨으로 알아볼 수 있었습니다.

위대한 재즈 즉흥 연주자 Dizzy Gillespie와 Art Tatum은 조화롭게 혁신했습니다. Salt Peanuts와 Goovin' High의 구성은 이전 작품들과 리드미컬하게 완전히 달랐다. 그의 경력 전반에 걸쳐 비밥에 충실한 Gillespie는 가장 영향력 있는 재즈 트럼펫 연주자 중 한 명으로 기억됩니다.

10 맥스 로치

장르 역사상 가장 영향력 있는 재즈 뮤지션 상위 15인에는 비밥의 선구자 중 한 명으로 알려진 드러머 Max Roach가 포함됩니다. 그는 몇몇 다른 사람들과 마찬가지로 드럼 세트를 연주하는 현대적인 스타일에 영향을 미쳤습니다. 로치는 파이터였다. 시민권그리고 Oscar Brown Jr. 및 Coleman Hawkins와 함께 앨범 We Insist! - 지금 자유("우리는 주장합니다! - 지금 자유"), 해방 선언문 서명 100주년을 기념합니다. 맥스 로치는 콘서트 내내 긴 독주를 소화할 수 있는 흠잡을 데 없는 연주 스타일의 대표주자다. 절대적으로 모든 청중은 그의 탁월한 기술에 기뻐했습니다.

9 빌리 홀리데이

레이디 데이는 수백만 명이 가장 좋아하는 것입니다. Billie Holiday는 몇 곡만 작곡했지만 노래를 부를 때 첫 음부터 목소리를 돌렸습니다. 그녀의 연기는 깊고 개인적이며 친밀하기까지 합니다. 그녀의 스타일과 억양은 그녀가 들었던 악기 소리에서 영감을 받았습니다. 위에서 설명한 거의 모든 뮤지션과 마찬가지로 그녀는 긴 악절과 노래 템포를 기반으로 새롭지 만 이미 보컬 스타일의 창시자가되었습니다.

유명한 Strange Fruit은 Billie Holiday의 경력뿐만 아니라 가수의 충만한 연주로 인해 재즈의 전체 역사에서 최고입니다. 그녀는 사후 권위있는 상을 수상했으며 그래미 명예의 전당에 헌액되었습니다.

8 존 콜트레인

John Coltrane이라는 이름은 연주 기술의 거장, 작곡에 대한 뛰어난 재능, 장르의 새로운 측면을 배우려는 열정과 관련이 있습니다. 하드 밥의 기원의 문턱에서 색소폰 연주자는 엄청난 성공을 거두었고 장르 역사상 가장 영향력 있는 음악가 중 한 명이 되었습니다. Coltrane의 음악은 날카로운 소리를 가지고 있었고 그는 높은 강도와 헌신으로 연주했습니다. 그는 혼자서 연주할 수 있었고 앙상블에서 즉흥적으로 연주할 수 있었고 상상할 수 없는 길이의 솔로 부분을 만들었습니다. 테너와 소프라노 색소폰을 연주하는 Coltrane은 선율적이고 부드러운 재즈 작곡도 만들 수 있었습니다.

John Coltrane은 모달 하모니를 통합한 일종의 "비밥 재부팅"의 저자입니다. 아방가르드의 주요 활동 인물로 남아있는 그는 매우 다작의 작곡가였으며 그의 경력 내내 밴드 리더로서 약 50개의 앨범을 녹음하는 디스크 출시를 중단하지 않았습니다.

7 카운트 베이시

혁신적인 피아니스트, 오르간 연주자, 작곡가 및 밴드 리더인 Count Basie는 성공적인 그룹재즈의 역사에서. 50년 동안 Sweets Edison, Buck Clayton, Joe Williams와 같은 매우 인기 있는 뮤지션을 포함한 Count Basie Orchestra는 미국에서 가장 수요가 많은 빅 밴드 중 하나로 명성을 얻었습니다. 그래미상을 9회 수상한 Count Basie는 여러 세대의 청취자들에게 오케스트라 사운드에 대한 사랑을 심어주었습니다.

Basie는 April in Paris 및 One O'Clock Jump와 같이 재즈 표준이 된 많은 노래를 작곡했습니다. 동료들은 그를 재치 있고 겸손하며 열정적 인 사람이라고 말했습니다. 재즈 역사에서 카운트 베이시 오케스트라가 없었다면 빅 밴드 시대는 다르게 들렸을 것이고 확실히 이 뛰어난 밴드 리더가 그랬던 것만큼 영향력이 없었을 것입니다.

6 콜맨 호킨스

테너 색소폰은 일반적으로 비밥과 모든 재즈 음악의 상징입니다. 그리고 그것을 위해 우리는 Coleman Hawkins가 된 것에 감사할 수 있습니다. 호킨스가 가져온 혁신은 40년대 중반 비밥 개발에 필수적이었습니다. 이 악기의 인기에 대한 그의 기여는 John Coltrane과 Dexter Gordon의 미래 경력을 결정했을 수 있습니다.

Body and Soul(1939) 작곡은 많은 색소폰 연주자들에게 테너 색소폰 연주의 기준이 되었습니다.다른 악기 연주자들도 호킨스의 영향을 받았습니다. 피아니스트 Thelonious Monk, 트럼펫 연주자 Miles Davis, 드러머 Max Roach. 뛰어난 즉흥 연주에 대한 그의 능력은 그의 동시대 사람들이 건드리지 않은 장르의 새로운 재즈 측면을 발견하도록 이끌었습니다. 이것은 테너 색소폰이 현대 재즈 앙상블의 필수적인 부분이 된 이유를 부분적으로 설명합니다.

5 베니 굿맨

장르 역사상 가장 영향력 있는 15명의 재즈 뮤지션이 열립니다. 그 유명한 King of Swing은 20세기 초 거의 가장 인기 있는 오케스트라를 이끌었습니다. 1938년 카네기 홀에서 열린 그의 콘서트는 미국 음악 역사상 가장 중요한 라이브 콘서트 중 하나로 인정받고 있습니다. 이 쇼는 재즈 시대의 도래, 이 장르를 독립적인 예술 형식으로 인정하는 것을 보여줍니다.

Benny Goodman은 주요 스윙 오케스트라의 리드 싱어였음에도 불구하고 비밥 개발에도 참여했습니다. 그의 오케스트라는 작곡에서 다른 인종의 음악가를 통합한 최초의 오케스트라 중 하나가 되었습니다. Goodman은 Jim Crow Act의 보컬 반대자였습니다. 그는 심지어 인종 평등을 지지하는 남부 주 여행을 거절했습니다. 베니 굿맨은 재즈뿐만 아니라 대중음악에서도 활동적인 인물이자 개혁가였다.

4 마일즈 데이비스

20세기의 중심 재즈 인물 중 한 명인 Miles Davis는 많은 음악 행사의 기원에 서서 행사가 발전하는 것을 지켜보았습니다. 그는 비밥, 하드 밥, 쿨 재즈, 프리 재즈, 퓨전, 펑크 및 테크노 음악 장르를 개척한 것으로 알려져 있습니다. 안에 지속적인 검색새로운 스타일의 음악 그는 항상 성공을 거두었고 John Coltrane, Cannoball Adderley, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter 및 Chick Corea를 비롯한 뛰어난 음악가들에게 둘러싸여 있었습니다. 평생 동안 Davis는 8개의 그래미 상을 수상했으며 로큰롤 명예의 전당에 헌액되었습니다. Miles Davis는 지난 세기 가장 활동적이고 영향력 있는 재즈 뮤지션 중 한 명이었습니다.

3 찰리 파커

재즈에 대해 생각할 때 이름을 기억합니다. Bird Parker라고도 알려진 그는 재즈 알토 색소폰 선구자, 비밥 음악가 및 작곡가였습니다. 그의 빠른 연주, 맑은 소리, 그리고 즉흥 연주자로서의 재능은 당시의 음악가들과 동시대인들에게 큰 영향을 미쳤다. 작곡가로서 그는 재즈 음악 작문의 기준을 바꾸었습니다. 찰리 파커는 재즈맨이 단순한 쇼맨이 아니라 예술가이자 지식인이라는 생각을 키운 음악가였습니다. 많은 예술가들이 Parker의 스타일을 모방하려고 시도했습니다. 그의 유명한 연주 기술은 alto-sakosophist라는 별명과 일치하는 Bird 작곡을 기초로 삼는 현재 많은 초보 음악가들의 방식으로도 추적 될 수 있습니다.

2 듀크 엘링턴

그는 웅장한 피아니스트이자 작곡가였으며 가장 뛰어난 오케스트라 리더 중 한 명이었습니다. 그는 재즈 선구자로 알려져 있지만 가스펠, 블루스, 클래식 및 대중 음악을 포함한 다른 장르에서도 뛰어났습니다. 재즈를 세계에 전파한 공로를 인정받은 사람은 Ellington입니다. 별도의 보기미술.수많은 상과 상을 받은 최초의 위대한 재즈 작곡가는 결코 발전을 멈추지 않았습니다. 그는 Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines, Joe Pass를 포함한 차세대 음악가들에게 영감을 주었습니다. Duke Ellington은 기악 연주자이자 작곡가로 인정받는 재즈 피아노 천재로 남아 있습니다.

1 루이 암스트롱Louis Armstrong

틀림없이 장르 역사상 가장 영향력 있는 재즈 뮤지션인 Satchmo는 New Orleans 출신의 트럼펫 연주자이자 가수입니다. 그는 재즈의 발전에 핵심적인 역할을 한 재즈의 창시자로 알려져 있습니다. 이 연주자의 놀라운 능력으로 트럼펫을 솔로 재즈 악기로 만드는 것이 가능해졌습니다. 그는 스캣 스타일을 노래하고 대중화한 최초의 뮤지션입니다. 그의 낮은 "천둥 같은" 음색을 인식하지 못하는 것은 불가능했습니다.

자신의 이상에 대한 암스트롱의 헌신은 Frank Sinatra와 Bing Crosby, Miles Davis 및 Dizzy Gillespie의 작업에 영향을 미쳤습니다. 루이 암스트롱은 재즈뿐만 아니라 전체 음악 문화에 영향을 미쳐 세상에 새로운 장르, 트럼펫을 노래하고 연주하는 독특한 방식을 제공했습니다.

재즈- 19세기 말과 20세기 초에 흑인 노예와 유럽인의 아프리카 음악 문화가 혼합된 결과로 나타난 일종의 음악 예술. 첫 번째 문화에서 이런 종류의 음악은 즉흥 연주, 리듬, 주요 동기의 반복 반복을 빌렸고 두 번째-하모니에서 단조와 장조의 소리를 빌 렸습니다. 의식 춤, 일 및 교회 노래, 블루스로 미국에 가져온 아프리카 노예 민속의 요소도 재즈 멜로디에 반영된다는 점은 주목할 가치가 있습니다.

재즈의 기원에 대한 논쟁은 여전히 진행 중이다. 미국에서 전 세계로 퍼진 것으로 알려져 있으며 고전적인 방향은 1917 년 2 월 26 일 Original Dixieland Jazz Band가 첫 번째 재즈 레코드를 녹음 한 New Orleans에서 시작되었습니다.

20세기 첫 10년 동안 미국 남부 주에서는 블루스, 래그타임, 유럽 노래를 주제로 독창적인 즉흥 연주를 연주하는 음악 앙상블이 특히 인기를 끌었습니다. 그들은 "재즈"라는 단어가 유래된 "재즈 밴드"라고 불렸습니다. 이 그룹의 구성에는 다음을 연주하는 음악가가 포함되었습니다. 다양한 도구포함: 트럼펫, 클라리넷, 트롬본, 밴조, 튜바, 더블 베이스, 타악기 및 피아노.

재즈에는 다른 음악 장르와 구별되는 몇 가지 특징이 있습니다.

율;
그네;
인간의 말을 모방하는 악기;
악기 사이의 일종의 "대화";
대화를 억지로 연상시키는 특정 보컬.

재즈는 음악 산업의 필수적인 부분이 되어 전 세계로 퍼져나갔습니다. 재즈 멜로디의 인기로 인해 이를 연주하는 수많은 앙상블이 탄생했으며 이 장르의 음악에서 새로운 방향이 등장했습니다. 현재까지 30개 이상의 스타일이 알려져 있으며 그 중 블루스, 소울, 래그타임, 스윙, 재즈 록, 심포닉 재즈가 가장 인기가 있습니다.

이런 종류의 음악 예술의 기초를 배우고자 하시는 분들은 클라리넷 구매 결정, 트럼펫, 밴조, 트롬본또는 다른 재즈 악기는 이 장르를 마스터하는 길에서 훌륭한 출발점이 될 것입니다. 나중에 색소폰은 재즈 오케스트라와 앙상블의 구성에 포함되었으며 오늘날 온라인 상점에서도 구입할 수 있습니다. 위에 나열된 것 외에도 재즈 그룹에는 민족 악기도 포함될 수 있습니다.

재즈는 특별한 품종미국에서 특히 인기를 얻은 음악. 처음에 재즈는 미국 흑인 시민의 음악 이었지만 나중에이 방향은 많은 국가에서 발전한 완전히 다른 음악 스타일을 흡수했습니다. 이 개발에 대해 이야기하겠습니다.

원래나 지금이나 재즈의 가장 중요한 특징은 리듬이다. 재즈 멜로디는 아프리카와 유럽 음악의 요소를 결합합니다. 그러나 재즈는 유럽의 영향으로 조화를 이루었습니다. 오늘날 재즈의 두 번째 기본 요소는 즉흥 연주입니다. 재즈는 미리 준비된 멜로디 없이 연주되는 경우가 많았습니다. 음악가는 게임 중에만 자신의 영감에 굴복하여 한 방향 또는 다른 방향을 선택했습니다. 그래서 청취자의 눈앞에서 음악가의 연주 중에 음악이 탄생했습니다.

수년에 걸쳐 재즈는 변했지만 여전히 기본 기능을 유지했습니다. 이 방향에 대한 귀중한 기여는 흑인의 특징이기도 한 느린 멜로디 인 악명 높은 "블루스"에 의해 이루어졌습니다. 현재 대부분의 블루스 멜로디는 재즈 방향의 필수적인 부분입니다. 사실, 블루스는 재즈뿐만 아니라 로큰롤, 컨트리 및 웨스턴도 블루스 모티프를 사용하는 등 특별한 영향을 미쳤습니다.

재즈라고 하면 미국의 도시 뉴올리언스를 빼놓을 수 없습니다. New Orleans 재즈라고 불리는 Dixieland는 처음으로 블루스 모티프, 흑인 교회 노래 및 유럽 민속 음악 요소를 결합했습니다.
나중에 스윙 ( "빅 밴드"스타일의 재즈라고도 함)이 등장하여 널리 발전했습니다. 1940년대와 1950년대에는 "모던 재즈"가 인기를 얻었는데, 이는 초기 재즈보다 멜로디와 하모니의 더 복잡한 상호 작용이었습니다. 나타났다 새로운 접근 방식리듬에. 음악가들은 다른 리듬을 사용하여 새로운 작품을 발명하려고 시도했고 따라서 드럼 연주 기술이 더욱 복잡해졌습니다.

재즈의 "뉴 웨이브"는 60년대에 세계를 휩쓸었습니다. 위에서 언급한 것과 동일한 즉흥 연주의 재즈로 간주됩니다. 공연하러 나갔을 때 오케스트라는 그들의 공연이 어떤 방향과 리듬으로 진행될지 짐작할 수 없었고 재즈 연주자 중 누구도 공연의 템포와 속도가 언제 바뀔지 미리 알지 못했습니다. 그리고 뮤지션의 그러한 행동이 음악이 참을 수 없다는 것을 의미하지는 않는다고 말할 필요가 있습니다. 반대로 기존 멜로디의 연주에 대한 새로운 접근 방식이 나타났습니다. 재즈의 발전에 따라 끊임없이 변화하는 음악이지만 세월이 흘러도 그 토대를 잃지 않는 음악임을 알 수 있다.

요약하자면:

처음에 재즈는 흑인 음악이었습니다.
모든 재즈 멜로디의 두 가지 가정: 리듬과 즉흥 연주;
블루스 - 재즈 발전에 큰 공헌을 했습니다.
New Orleans 재즈(Dixieland)는 블루스, 교회 노래 및 유럽 민속 음악을 결합했습니다.
스윙 - 재즈의 방향;
재즈의 발전과 함께 리듬은 더욱 복잡해졌고 60년대 재즈 오케스트라는 다시 공연에서 즉흥 연주에 빠져들었습니다.

재즈의 역사를 통틀어 이 음악적 방향은 때로는 즐겁고 때로는 어렵고 예상치 못한 상당한 변화를 겪어야 했습니다. 그럼에도 불구하고 러시아와 해외에는 이 음악 역사의 긍정적인 과정에 귀중한 공헌을 한 많은 전설적인 음악가들이 있습니다. 진정으로 위대한 재즈 오케스트라를 만든 것은 바로 그들이었습니다.

1932년에 유명한 러시아 음악가이자 지휘자인 Alexander Tsfasman이 수집한 음악 밴드나중에 "Alexander Tsfasman의 재즈 오케스트라"가 된 "Moscow Guys". 그 당시 유명하고 권위있는 레스토랑 "Savoy"에 출연 한 뮤지션들은 창설 4 년 만에 수도의 "Jazz Evenings"에 참여하여 전국을 순회했습니다.

성공적인 오케스트라의 리더로 활동하는 것 외에도 Alexander Tsfasman은 독주회를 열었고 아시다시피 그는 뛰어난 피아니스트였습니다.

Ivan Kozlovsky, Igor Gladkov, Mikhail Frumkin, Sergei Lemeshev, Valentin Berlinsky, Emil Geigner, Pavel 및 Mikhail Mikhailov, Vladimir Bunchikov, Claudia Shulzhenko, Nadezhda Kazantseva, Alexander Rivchun, Mark Bernes와 같은 유명한 음악가들이 같은 무대에서 오케스트라와 함께 공연했습니다.

전쟁 기간 동안 앙상블, 지원 소련군, 여러면에서 콘서트를 열었습니다. 역사적으로 음악적으로 Tsfasman은 소련에 스윙을 가져온 최초의 사람 중 하나였습니다.

1956 년 겨울, Tsfasman의 50 주년을 기념하여 오케스트라가 최고의 히트 곡을 연주 한 갈라 콘서트가 Unions House의 Column Hall에서 열렸습니다. 유명한 음악가 1971년 2월 모스크바에서 사망. 지휘자는 소련 재즈 오케스트라의 역사에서 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다.

1934년 전설적인 재즈 오케스트라가 등장했다. 당시 상하이에 있던 뮤지션들은 전국 순회 공연을 시작했고 몇 년 후 마에스트로는 "극동의 재즈 왕"으로 불렸습니다.

1937년 오케스트라에는 이미 11명의 뮤지션이 포함되어 있었고 재즈 편곡에서 러시아 노래를 연주한 덕분에 앙상블의 레퍼토리가 확장되었습니다.

당시 중국 정치 생활의 어려움으로 인해 오케스트라는 1947년 소련으로 이주했습니다. 전후 기간은 음악가들에게 큰 성공을 가져 왔습니다. 1955년에 Oleg Lundstrem과 그의 오케스트라는 레코드를 녹음하고 라디오에서 연주했으며 점점 더 유명해졌습니다. 오랜 경력 동안 오케스트라는 소련과 오늘날의 러시아에서 10,000회 이상의 콘서트를 공연했습니다. 1989년 Lundstrem은 Alexander Bryksin을 오케스트라의 감독으로 초청했습니다.

2005년 위대한 지휘자 룬드스트렘이 세상을 떠났습니다. 2007 년부터 오케스트라에 새로운 예술 감독 인 Boris Mikhailovich Frumkin이 등장했으며 콘서트 프로그램이 업데이트되었습니다. 이제 오케스트라는 여전히 수도에서 성공적으로 공연하고 러시아 도시를 여행하고 있습니다.

1971년 유명한 음악가 Anatoly Kroll이 빅 밴드를 결성했습니다., 소련에서 가장 성공적인 것 중 하나가되었습니다. 오케스트라는 유럽을 순회하고 Yuri Antonov, Larisa Dolina, Evgeny Martynov, Leonid Serebrennikov와 함께 작업했습니다. Anatoly Kroll은 1991 년 앙상블을 해체하고 러시아 연극 노동자 연합의 극장으로 옮겼습니다.

Kroll은 또한 ISS Big Band(International Commerce Union의 이름을 따서 명명)에서 작곡가로 활동하기 시작했습니다. 이 팀은 비평가들로부터 수많은 찬사와 러시아 청취자들로부터 큰 사랑을 받았습니다. 뮤지션들은 예를 들어 프랑스, 스위스와 같이 해외 콘서트와 함께 많이 여행했습니다.

오늘날까지도 위대한 지휘자 아나톨리 크롤이 오케스트라의 리더로 남아 있습니다.

전설적인 트럼펫 연주자의 가장 위대한 재즈 오케스트라 중 하나가 1937년에 등장했습니다. 처음에 빅 밴드는 1935-1936년에 결성되었고 뮤지션들은 녹음 스튜디오와 계약을 체결했습니다. 브런즈윅 레코드, 하지만 팀의 재정 상황은 여전히 어려웠습니다. 1938년은 오케스트라의 새로운 구성을 형성, Glenn Miller Orchestra는 빠르게 발전하고 인기를 얻기 시작했습니다. 밀러의 전문성과 노력에 대한 요구가 높아진 덕분에 그는 남들과 다른 자신만의 스타일을 창조했다.

1939년 4월 4일 밀러와 그의 오케스트라는 Moonlight Serenade를 녹음했습니다. 그리고 1940년 2월 5일에 녹음된 작곡 Tuxedo Junction은 첫 주에 115,000장이 팔렸고 같은 해 전국 히트 퍼레이드에서 오케스트라를 7위에 올렸습니다.

1942년 10월 정치적 상황으로 인해 글렌 밀러는 군대로 떠났다. 대위 임명은 군 당국을 설득하여 군악대를 현대화하고 궁극적으로 직원들의 사기를 향상시키는 데 영감을 주었다. Miller의 목표가 달성되었습니다. 오케스트라는 성공했습니다! 1943년 말에 음악가들은 영국으로 여행을 떠났습니다.

1944년 가을 오케스트라는 유럽 순회공연을 할 예정이었다. Miller는 공연을 더 잘 준비하기 위해 더 일찍 파리에 도착하기로 결정했지만 사고가 발생했습니다. Glenn Miller는 파리로가는 수송기에 탑승하여 추락으로 사망했습니다. 그럼에도 불구하고 위대한 기악가의 오케스트라는 여전히 존재하며 전 세계를 성공적으로 여행하고 있습니다.

엘링턴 오케스트라는 1923년 리더에 의해 결성되었습니다. 4년 만에 뮤지션들은 이미 할렘의 유명 클럽 무대에 섰다.

이 클럽의 콘서트 라디오 방송이 자주 방송되면서 Ellington과 그의 음악가들은 인기를 얻었습니다. 1931년 듀크 엘링턴 오케스트라는 첫 투어를 시작했습니다. 수십 년 동안 연주된 재즈 표준 Mood Indigo는 엄청난 성공을 거두었습니다.

스윙뮤직 시대가 열리기 직전, 그의 등장을 예고한 듯하다. 1933년 작곡 세련된 숙녀와 폭풍우가 치는 날씨는 오케스트라의 "콜링 카드"가되었습니다.

유럽과 미국을 자주 여행하면서 음악가들에게 큰 성공을 거두었습니다. 기초 공연된 음악 Ellington의 작곡입니다. 1971년에는 전설적인 오케스트라가 소련을 방문하여 그곳에서도 승리를 거두었습니다. 영구 지도자가 이끄는 악기 연주자들은 계속해서 새로운 콘서트 프로그램을 준비하고 인기 히트 곡을 녹음하고 영화에 출연하고 영화 사운드 트랙을 녹음하고 음악 상을 받았습니다. 듀크는 생의 마지막 날까지 콘서트 활동을 주도했다. 위대한 작곡가의 음악은 전 세계 수백만 명의 팬들의 마음 속에 영원히 남아 있으며 이후 많은 재즈맨에게 영감을 주었습니다.

클라리넷 연주자 어린 시절사심 없이 재즈에 헌신했으며 성공적인 오케스트라를 만드는 것이 그의 주요 포부 중 하나였다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 1934년 초여름, 그의 Goodman Big Band의 첫 공연이 열렸습니다. 한 달 후 그의 작곡 Moon Glow는 미국 차트에서 1 위를 차지했습니다.

오케스트라는 종종 라디오에 초대되어 인기가 눈에 띄게 증가했으며 미국 재즈 차트에서 10 번 이상 1 위를 차지했습니다. 음악가들은 큰 인기를 얻었고 레코드 회사는 RCA 빅터, 1917년에 만들어진 곳에서 그들에게 유리한 계약을 제안했습니다. 미국 대공황의 어려운시기에 오케스트라는 아티스트의 어려운 재정 상황을 고려하여 투어를 중단하지 않았습니다.

1935년 8월 21일 Palomar 기관에서 열린 콘서트는 Goodman의 작업에 결정적인 역할을 했습니다.그곳에서 연주한 후 그의 오케스트라와 음악가 자신은 특히 재즈와 스윙의 진정한 스타가 되었습니다. 1949년 12월 베니 굿맨은 그의 전설적인 오케스트라를 해산했습니다. 클라리넷 연주자의 후속 활동은 주로 여행 및 녹음을 위해 임시 앙상블을 구성하는 것으로 구성되었습니다. 대부분의 경우 클라리넷 연주자는 4~6명의 음악가 그룹을 모았지만 때때로 큰 밴드가 있었습니다. 베니 굿맨의 음악은 독특한 취향과 물론 그의 기악가들의 특별한 표현으로 세련되었다고 말할 수 있습니다.

스윙에서 가장 중요한 인물 중 한 명인 카운트 베이시(Count Basie)는 훌륭한 재즈 오케스트라를 보완하는 뛰어난 빅 밴드의 리더로도 알려져 있습니다. Count Basie Orchestra는 1935년 Bennie Moten의 Kansas City Orchestra를 떠난 음악가들로 구성되었습니다. 1년 동안 9명의 앙상블이 큰 오케스트라로 성장했다. 수많은 라디오 방송국이 그들을 초대하기 시작했고 Basie 자신이 "Count"(Count)라는 별명을 얻었습니다.

Count Basie Orchestra와 다른 빅 밴드의 가장 큰 차이점은 최고 수준의 솔리스트를 기반으로 한다는 것입니다. 이로 인해 전례 없는 즉흥 연주가 가능해졌습니다. Kant Basie Orchestra의 리듬 섹션은 재즈에서 최고로 인정 받고 있습니다.. Joe Johnson은 드럼 뒤에 있었고 Buddy Rich는 한동안 오케스트라에서 색소폰으로 연주했습니다. 오케스트라와 함께 연주한 재즈의 첫 번째 인물 - 그리고.

1940년대에 오케스트라는 다른 많은 빅 밴드들처럼 어려운 시기에 무너졌습니다. 2년 동안 Basie는 팀을 해산하고 6인조로 플레이합니다. 오케스트라는 첫 기회에 재집결해 장거리 투어를 떠나며 스윙의 1번 오케스트라로 꼽힐 수 있는 권리를 확보한다.

Count Basie의 죽음 이후에도 오케스트라는 존재하지 않았습니다. 러시아에서는 빅 밴드가 1985년에 공연했습니다.

1935년 재즈 트롬본 연주자이자 트럼펫 연주자인 Tommy Dorsey는 자신의 빅 밴드를 결성했습니다. 팀은 소위 "상업화된 재즈" 또는 팝 재즈를 연주했습니다. 밴드의 인기는 뛰어난 편곡자 Poll Weston 및 Bill Feingan과의 작업으로 인해 발생했습니다. 오케스트라는 Bunny Berigan, Dave Tuf,

밴드는 Benny Goodman의 팀보다 실력이 열등했지만 더 실행 가능한 것으로 판명되었습니다. 오케스트라는 40년대 후반 스윙과 빅 밴드의 위기에서 충분히 살아남았다. 오케스트라는 강한 "병아리"를 가졌습니다. Tommy는 유인 혐의로 기소되었습니다. 최고의 뮤지션. 연구자들은 Dorsey가 완벽주의자이자 기분 좋은 사람이었다고 주장하며 이는 팀 구성의 빈번한 변화를 설명합니다.

1940년에 Tommy Dorsey는 야심 찬 보컬리스트를 영입했습니다. 2년 동안 밴드와 Sinatra는 히트곡 In The Blue of Evening과 This Love of Mine을 포함하여 80곡을 녹음했습니다.

Tommy Dorsey는 부기우기를 오케스트라에 처음으로 적용하여 스윙 편곡을 만든 사람 중 한 명입니다.. 그는 또한 솔로 즉흥 연주를 의무화한 최초의 백인 재즈 밴드 리더 중 한 명입니다. 그는 보컬리스트들에게 스캣과 "말도 안되는 노래"를 사용하여 청중을 즐겁게 하도록 독려했습니다. 1956년 Tommy가 사망한 후 밴드는 그의 형제가 이끌었고 Lee Castle과 Warren Covington이 이끌었습니다.

뛰어난 드러머 Chick Webb은 1926년 Harlem에서 첫 번째 밴드를 결성했습니다. 1931년 밴드는 유명한 사보이 클럽의 영주권자가 된 것으로 알려져 있습니다.

음악 문해력 부족, 키 130cm는 Chik이되는 것을 막지 못했습니다. 훌륭한 전문가그리고 세계에서 가장 훌륭한 오케스트라 중 하나의 리더.

Chick Webb의 밴드가 오케스트라와 경쟁했을 때 중요한 사건이 1937년에 발생했습니다. 청중은 거의 만장일치로 덜 유명한 Chick에게 챔피언십을주었습니다. Goodman의 드러머 Gene Krupa에 따르면 Cheek은 청중을 청구했습니다.

물론 오케스트라의 명성은 뛰어난 리듬 섹션 때문 만은 아닙니다. 1935 년에 젊은 여성은 Chick의 임박한 죽음 이후 밴드를 이끌었던 오케스트라의 솔리스트가되었습니다.

Igor Butman의 모스크바 재즈 오케스트라

우리 시대의 가장 유명한 러시아 오케스트라 중 하나는 색소폰 연주자가 만들었습니다. 1999년에 그는 2012년에 모스크바 재즈 오케스트라라고 불릴 권리를 받은 빅 밴드를 결성했습니다.

2003년, Igor Butman의 빅 밴드를 위한 랜드마크이자 재즈 세계에서 유명한 행사가 있었습니다. 모스크바 재즈 오케스트라는 전설적인 지휘자가 이끄는 링컨 센터 재즈 오케스트라와 합동 콘서트를 열었습니다.

2013년 미국 잡지 Downbeat는 오케스트라를 "거장의 별자리"라고 불렀고 Umbria Jazz Festival의 보고서에서 밴드는 Buddy Rich, Count Basie 및 밴드의 오케스트라와 비교되었습니다.

같은 해 모스크바 재즈 오케스트라 스페셜 오피니언의 앨범이 발매되었습니다. 녹음에는 색소폰 연주자 Bill Evans, 드러머 Dave Weckl, 기타리스트 Mike Stern 및 Mitch Stein, 트럼펫 연주자 Randy Brekker 및 베이시스트 Tom Kennedy가 출연했습니다.

2017년 모스크바 재즈 오케스트라는 상트페테르부르크에서 열린 첫 번째 재즈 포럼 페스트에서 성악가와 함께 공연했습니다.

그 후 블루스 요소와 결합된 래그타임 리듬은 재즈라는 새로운 음악적 방향을 제시했습니다.

재즈의 기원은 블루스와 연결되어 있습니다. 19세기 말 아프리카 리듬과 유럽의 조화가 융합되면서 생겨났지만 그 기원은 아프리카에서 노예를 신대륙 영토로 데려온 순간부터 찾아야 한다. 가져온 노예는 같은 씨족 출신이 아니었고 일반적으로 서로를 이해하지도 못했습니다. 통합의 필요성으로 인해 많은 문화가 통합되었고 그 결과 아프리카계 미국인의 단일 문화(음악 포함)가 생성되었습니다. 아프리카 음악 문화와 유럽 (신세계에서도 심각한 변화를 겪음)을 혼합하는 과정은 18 세기부터 시작되었으며 19 세기에는 "프로토 재즈"가 등장한 다음 일반적으로 재즈가 등장했습니다. 받아들여진 감각.

뉴올리언스 재즈

뉴올리언스 또는 전통 재즈라는 용어는 일반적으로 1900년에서 1917년 사이에 뉴올리언스에서 재즈를 연주한 음악가와 시카고에서 연주하고 1917년부터 1920년대까지 레코드를 녹음한 뉴올리언스 음악가의 스타일을 가리키는 데 사용됩니다. . 재즈 역사의 이 시기는 재즈 시대라고도 합니다. 그리고 이 개념은 다양한 음악에서 연주되는 음악을 설명하는 데에도 사용됩니다. 역사적 기간 New Orleans 학교의 뮤지션과 같은 스타일로 재즈를 연주하려는 New Orleans 부흥의 대표자.

20세기 1/4분기 미국 재즈의 발전

Storyville이 폐쇄된 후 재즈는 지역 포크 장르에서 전국적인 장르로 전환되기 시작합니다. 음악적 방향, 미국의 북부 및 북동부 지방으로 확장됩니다. 그러나 물론 한 엔터테인먼트 분기의 폐쇄만으로는 광범위한 배포가 촉진될 수 없습니다. 뉴올리언스와 함께 재즈의 발전에 큰 중요성세인트루이스, 캔자스시티, 멤피스가 처음부터 경기를 펼쳤다. 래그타임은 19세기에 멤피스에서 태어나 1903년에 북미 대륙 전체에 퍼졌습니다. 한편, 민스트럴 공연은 지그에서 래그타임에 이르기까지 모든 종류의 아프리카계 미국인 민속학을 다채로운 모자이크로 담아내며 빠르게 퍼져나갔고 재즈의 도래를 위한 무대를 마련했습니다. 미래의 많은 재즈 유명 인사들이 민스트럴 쇼에서 여정을 시작했습니다. Storyville이 문을 닫기 훨씬 전에 New Orleans 뮤지션들은 소위 "vaudeville" 극단과 함께 투어를 했습니다. Jelly Roll Morton은 1904년부터 앨라배마, 플로리다, 텍사스를 정기적으로 여행했습니다. 1914년부터 그는 시카고에서 연주하기로 계약을 맺었습니다. 1915년 그는 시카고와 톰 브라운의 화이트 딕시랜드 오케스트라로 옮겼다. 시카고의 주요 보드빌 투어는 New Orleans 코넷 연주자 Freddie Keppard가 이끄는 유명한 Creole Band가 만들었습니다. 한 번에 Olympia Band에서 분리 된 Freddie Keppard의 아티스트는 이미 1914 년에 시카고 최고의 극장에서 성공적으로 공연했으며 Original Dixieland Jazz Band 이전에도 공연을 녹음하겠다는 제안을 받았지만 Freddie Keppard는 근시안적으로 거부되었습니다.

미시시피를 항해하는 유람선에서 연주하는 오케스트라, 재즈의 영향으로 덮힌 영역을 크게 확장했습니다. 19세기 말부터 뉴올리언스에서 세인트 폴까지의 강 여행이 처음에는 주말에, 나중에는 일주일 내내 인기를 끌게 되었습니다. 1900년부터 뉴올리언스 오케스트라는 이 강 보트에서 공연을 해왔으며, 그 음악은 강 투어 동안 승객들에게 가장 매력적인 엔터테인먼트가 되었습니다. 이 오케스트라 중 하나에서 Louis Armstrong의 미래 아내이자 최초의 재즈 피아니스트 Lil Hardin 인 Suger Johnny가 시작되었습니다.

미래의 많은 뉴올리언스 재즈 스타들이 또 다른 피아니스트인 Faiths Marable의 리버보트 오케스트라에서 공연했습니다. 강을 따라 이동하는 증기선은 오케스트라가 지역 대중을 위해 콘서트를 주선하는 정류장을 지나가는 경우가 많았습니다. Bix Beiderbeck, Jess Stacy 및 기타 많은 사람들의 창의적인 데뷔가 된 것은 바로 이러한 콘서트였습니다. 또 다른 유명한 경로는 Missouri를 따라 Kansas City까지 이어졌습니다. 아프리카 계 미국인 민속의 강한 뿌리 덕분에 블루스가 발전하고 마침내 구체화 된이 도시에서 뉴 올리언스 재즈 맨의 거장 연주는 매우 비옥 한 환경을 찾았습니다. 시카고는 1990년대 초 재즈 음악 발전의 중심지가 되었으며, 미국 각지에서 모인 많은 음악가들의 노력으로 시카고 재즈라는 별명을 얻은 스타일이 만들어졌습니다.

그네

이 용어에는 두 가지 의미가 있습니다. 먼저, 이 표현 수단재즈에서. 참조 공유에서 리듬의 일정한 편차를 기반으로 하는 특징적인 유형의 맥동입니다. 이것은 불안정한 평형 상태에서 큰 내부 에너지의 인상을 만듭니다. 둘째, 1920년대와 30년대 전환기에 흑인과 유럽 스타일의 재즈 음악이 합성된 결과로 형성된 오케스트라 재즈 스타일입니다.

아티스트: Joe Pass, Frank Sinatra, Benny Goodman, Norah Jones, Michel Legrand, Oscar Peterson, Ike Quebec, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Mills Brothers, Stephane Grappelli.

밥

20세기 40년대 초중반에 발전하여 모던 재즈의 시대를 연 재즈 스타일. 빠른 템포와 멜로디보다는 화성의 변화에 기반한 복잡한 즉흥 연주가 특징이다. 초고속 연주 속도는 Parker와 Gillespie가 비전문가가 새로운 즉흥 연주에 참여하지 못하도록 하기 위해 도입한 것입니다. 무엇보다도 모든 비보 퍼의 특징은 충격적인 태도와 외모가되었습니다. 구부러진 파이프 "Dizzy"Gillespie, Parker와 Gillespie의 행동, Monk의 우스꽝스러운 모자 등 스윙의 편재성에 대한 반응으로 발생했습니다. , 비밥은 표현 수단을 사용하여 원칙을 계속 발전시켰지만 동시에 여러 반대 경향을 발견했습니다.

주로 대형 상업 댄스 밴드의 음악인 스윙과 달리 비밥은 주로 작은 앙상블(콤보)의 실행과 관련된 재즈의 실험적 창작 방향이며 그 방향은 반상업적입니다. 비밥 단계는 대중적인 댄스 음악에서 보다 예술적이고 지적이지만 덜 주류인 "뮤지션을 위한 음악"으로 재즈의 초점이 크게 이동한 것입니다. Bop 뮤지션은 멜로디 대신 코드 스트러밍을 기반으로 한 복잡한 즉흥 연주를 선호했습니다.

출생의 주요 선동자는 색소폰 연주자 Charlie Parker, 트럼펫 연주자 Dizzy Gillespie, 피아니스트 Bud Powell 및 Thelonious Monk, 드러머 Max Roach였습니다. Chick Corea, Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Charles Mingus, Modern Jazz Quartet도 들어보세요.

빅밴드

빅 밴드의 고전적이고 확립된 형태는 1990년대 초부터 재즈에서 알려졌습니다. 이 양식은 1990년대 말까지 관련성을 유지했습니다. 일반적으로 거의 10대에 대부분의 빅 밴드에 들어간 음악가들은 리허설이나 음표에서 배운 꽤 특정한 부분을 연주했습니다. 방대한 금관 및 목관 악기 섹션과 함께 신중한 오케스트레이션은 풍부한 재즈 하모니를 생성하고 "빅 밴드 사운드"로 알려진 감각적으로 큰 사운드를 생성했습니다.

빅밴드는 그 시대의 대중음악이 되었고, 그 명성은 1990년대 중반에 최고조에 이르렀다. 이 음악은 스윙댄스 열풍의 원천이 됐다. 유명한 재즈 오케스트라 듀크 엘링턴, 베니 굿맨, 카운트 베이시, 아티 쇼, 칙 웹, 글렌 밀러, 토미 도시, 지미 룬스포드, 찰리 바넷의 리더들이 작곡하거나 편곡하고 레코드에 녹음한 진정한 히트 곡들의 퍼레이드는 라디오뿐만 아니라 댄스홀의 모든 곳에서. 많은 빅 밴드들이 그들의 솔로 즉흥 연주자들을 보여주었고, 그들은 잘 과장된 "오케스트라의 전투" 동안 청중을 히스테리에 가까운 상태로 이끌었습니다.

제2차 세계대전 이후 빅 밴드의 인기는 쇠퇴했지만 Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James 등이 이끄는 오케스트라는 향후 수십 년 동안 자주 순회 공연을 하고 녹음을 했습니다. 그들의 음악은 새로운 트렌드의 영향을 받아 점차 변모했습니다. Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Thad Jones-Mal Lewis가 이끄는 앙상블과 같은 그룹은 조화, 악기 연주 및 즉흥 연주의 자유에서 새로운 개념을 탐구했습니다. 오늘날 빅 밴드는 재즈 교육의 표준입니다. Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra, Chicago Jazz Ensemble과 같은 레퍼토리 오케스트라는 정기적으로 빅 밴드 작곡의 오리지널 편곡을 연주합니다.

2008년에 George Simon의 정식 저서 Big Orchestras of the Swing Age가 러시아어로 출판되었습니다. 완전한 백과사전 20년대 초반부터 20세기 60년대까지 황금 시대의 모든 빅 밴드.

주류

피아니스트 듀크 엘링턴

빅밴드 시대에 빅밴드의 주류 패션이 끝나고 소규모 재즈 앙상블에 의해 빅밴드의 음악이 무대에서 밀려나기 시작하자 스윙 음악이 계속 울려 퍼졌다. 많은 유명한 스윙 솔리스트들은 무도회장에서 연주한 후 뉴욕 52번가의 작은 클럽에서 자발적인 잼에서 연주하는 것을 좋아했습니다. 더군다나 이들은 '사이드맨'으로 활동했던 이들만이 아니다. 대규모 오케스트라, Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton 등. 빅 밴드의 리더 인 Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teagarden, Harry James, Gene Krupa는 처음에는 지휘자뿐만 아니라 솔로이스트였으며 대규모 팀과 별도로 연주 할 기회를 찾았습니다. 구성. 이들은 앞으로 다가올 비밥의 혁신적인 기법을 받아들이지 않고 전통적인 스윙 방식을 고수하면서도 즉흥적인 부분을 연주할 때 무한한 상상력을 발휘했다. 스윙의 주요 스타는 즉흥 연주의 여지가 훨씬 더 많은 "콤보"라고하는 작은 작곡으로 지속적으로 연주하고 녹음했습니다. 1920년대 후반 클럽 재즈의 이러한 방향의 스타일은 비밥의 등장과 함께 주류 또는 주류라는 이름을 받았습니다. 이 시대 최고의 연주자들 중 일부는 잼에서 훌륭한 형식으로 들을 수 있었는데, 그때는 코드 즉흥 연주가 이미 스윙 시대의 선율적인 색채보다 우선시되고 있었습니다. 1990년대 후반에 프리스타일 스타일로 재등장한 주류는 쿨 재즈, 비밥, 하드 밥의 요소를 흡수했습니다. "컨템포러리 주류" 또는 포스트밥이라는 용어는 오늘날 재즈 음악의 역사적인 스타일과 밀접한 관련이 없는 거의 모든 스타일에 사용됩니다.

노스이스트 재즈. 보폭

루이 암스트롱, 트럼펫 연주자이자 가수

재즈의 역사는 20세기의 도래와 함께 뉴올리언스에서 시작되었지만 이 음악은 트럼펫 연주자 루이 암스트롱이 뉴올리언스를 떠나 시카고에서 새로운 혁명적 음악을 창조한 1990년대 초에 진정한 도약을 경험했습니다. 그 직후 시작된 뉴올리언스 재즈 거장들의 뉴욕으로의 이주는 재즈 뮤지션들이 남쪽에서 북쪽으로 지속적으로 이동하는 경향을 나타냈습니다. 시카고는 뉴올리언스 음악을 받아들이고 뜨겁게 만들었습니다. 암스트롱의 유명한 Hot Five 및 Hot Seven 앙상블뿐만 아니라 Eddie Condon 및 Jimmy McPartland와 같은 다른 사람들의 노력을 통해 열기를 높였습니다. 뉴올리언스 학교. 클래식 음악의 지평을 넓힌 다른 유명한 시카고인들 사이에서 재즈 스타일 New Orleans에는 피아니스트 Art Hodes, 드러머 Barrett Deems, 클라리넷 연주자 Benny Goodman이 있습니다. 결국 뉴욕으로 이주한 암스트롱과 굿맨은 그곳에서 이 도시가 세계의 진정한 재즈 수도로 변하는 데 도움이 되는 일종의 임계점을 만들었습니다. 그리고 시카고가 20세기의 1/4분기에 주로 녹음의 중심지로 남아 있는 동안, 뉴욕은 또한 Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy 및 Village Vengeward와 같은 전설적인 클럽을 주최하는 최고의 재즈 공연장으로 부상했습니다. 카네기 홀과 같은 경기장.

캔자스시티 스타일

대공황과 금주령 시대에 캔자스 시티 재즈 씬은 1960년대와 2000년대의 최신 유행 사운드를 위한 일종의 메카가 되었습니다. Kansas City에서 번성했던 스타일은 소울풀한 블루스를 띤 작품이 특징이며, 빅 밴드와 스몰 스윙 앙상블이 연주하고 매우 에너지 넘치는 솔로를 시연하며 불법 판매 술을 판매하는 선술집의 고객을 위해 공연합니다. Walter Page의 오케스트라와 함께 Kansas City에서 시작하여 나중에 Benny Moten과 함께 위대한 Count Basie의 스타일이 구체화된 곳이 바로 이 펍들입니다. 이 두 오케스트라는 전형적인 대표캔자스 시티 스타일은 "어반 블루스"라고 불리는 독특한 형태의 블루스를 기반으로 위의 오케스트라 연주에서 형성되었습니다. Kansas City의 재즈 장면은 또한 유명한 블루스 가수 Jimmy Rushing 인 Count Basie Orchestra의 장기 솔리스트 인 "왕"으로 인정되는 뛰어난 보컬 블루스 마스터의 은하계 전체로 구별되었습니다. Kansas City에서 태어난 유명한 알토 색소폰 연주자 Charlie Parker는 뉴욕에 도착하자마자 Kansas City 오케스트라에서 배운 특징적인 블루스 기술을 널리 사용했으며 나중에 boppers 실험의 출발점 중 하나를 형성했습니다. 이자형.

웨스트 코스트 재즈

50년대 쿨 재즈 운동에 사로잡힌 아티스트들은 로스앤젤레스 녹음 스튜디오에서 광범위하게 작업했습니다. nonet Miles Davis의 영향을 크게 받은 이 로스앤젤레스 기반 공연자들은 현재 "West Coast Jazz"로 알려진 것을 개발했습니다. 웨스트 코스트 재즈. 녹음 스튜디오로는 Hermosa Beach의 The Lighthouse와 로스앤젤레스의 The Haig와 같은 클럽에서 트럼펫 연주자 Shorty Rogers, 색소폰 연주자 Art Pepper와 Bud Shenk, 드러머 Shelley Mann, 클라리넷 연주자 Jimmy Giuffrey 등 그의 최고 아티스트들이 자주 출연했습니다.

쿨(쿨 재즈)

비밥의 높은 열과 압력은 쿨 재즈의 발전과 함께 약해지기 시작했습니다. 1900년대 후반과 1900년대 초반부터 음악가들은 테너 색소폰 연주자 Lester Young의 스윙 기간에 가볍고 건조한 연주를 모델로 하여 즉흥 연주에 대한 덜 폭력적이고 부드러운 접근 방식을 개발하기 시작했습니다. 그 결과 감성적인 "차가움"을 기반으로 한 분리되고 균일하게 플랫한 사운드가 생성됩니다. 비밥을 식힌 최초의 비밥 연주자 중 한 명인 트럼펫 연주자 Miles Davis는 장르의 가장 큰 혁신가가 되었습니다. -1950년대에 앨범 "Birth of the Cool"을 녹음한 그의 노넷은 쿨 재즈의 서정성과 절제의 전형이었다. 멋진 재즈 학교의 다른 유명한 음악가로는 트럼펫 연주자 Chet Baker, 피아니스트 George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck 및 Lenny Tristano, 비브라폰 연주자 Milt Jackson, 색소폰 연주자 Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims 및 Paul Desmond가 있습니다. 편곡자들은 또한 멋진 재즈 운동, 특히 Thad Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans 및 바리톤 색소폰 연주자 Gerry Mulligan에 상당한 공헌을 했습니다. 그들의 작곡은 악기의 색채와 움직임의 느림, 공간의 환상을 만들어내는 얼어붙은 하모니에 초점을 맞췄습니다. 불협화음도 그들의 음악에서 역할을 했지만 더 부드럽고 음소거된 성격을 가졌습니다. 쿨 재즈 형식은 초기 비밥 기간보다 이 기간 동안 더 보편화되었던 노넷 및 텐트와 같은 다소 큰 앙상블을 위한 여지를 남겼습니다. 일부 편곡가들은 호른과 튜바와 같은 원뿔 모양의 금관 악기를 포함하여 수정된 악기를 실험했습니다.

프로그레시브 재즈

비밥의 출현과 병행하여 재즈 환경에서 프로그레시브 재즈 또는 단순히 프로그레시브라는 새로운 장르가 발전하고 있습니다. 이 장르의 가장 큰 차이점은 빅 밴드의 얼어 붙은 진부함과 소위 구식의 낡은 기술에서 벗어나려는 욕구입니다. Paul Whiteman이 -e에서 소개한 symphojazz. boppers와 달리 Progressive의 제작자는 당시 발전한 재즈 전통을 근본적으로 포기하지 않았습니다. 오히려 그들은 스윙 프레이즈 모델을 업데이트하고 개선하여 조성과 화성 분야에서 유럽 교향곡의 최신 성과를 작곡 관행에 도입했습니다.

"프로그레시브"의 개념 개발에 가장 큰 공헌을 한 사람은 피아니스트이자 지휘자인 Stan Kenton입니다. 1990년대 초반의 프로그레시브 재즈는 사실 그의 첫 작품에서 비롯되었다. 그의 첫 관현악단이 연주한 음악은 음향적으로 라흐마니노프에 가깝고 작곡은 후기 낭만주의의 특징을 지니고 있다. 하지만 장르적으로는 심포재즈에 가깝다. 나중에 그의 앨범 "Artistry"의 유명한 시리즈를 제작하는 동안 재즈 요소는 더 이상 색상을 만드는 역할을하지 않았지만 이미 음악 자료에 유기적으로 짜여져 있습니다. Kenton과 함께 그의 최고의 편곡가인 Darius Milhaud의 학생인 Pete Rugolo에게 공이 돌아갔습니다. 현대적인(당시) 교향곡 사운드, 색소폰 연주의 특정 스타카토 기법, 대담한 하모니, 빈번한 초 및 블록, 다조성 및 재즈 리듬 맥동 - 그게 바로 고유 한 특징 Stan Kenton이 유럽 교향곡 문화와 비밥 요소를 위한 공통 플랫폼을 발견한 혁신가 중 한 명으로서 수년 동안 재즈 역사에 입문한 이 음악은 특히 솔로 악기 연주자가 나머지 부분의 소리에 반대하는 것처럼 보이는 작품에서 두드러집니다. 오케스트라. 또한 Kenton은 세계적으로 유명한 드러머 Shelley Maine, 더블 베이시스트 Ed Safransky, 트롬본 연주자 Kay Winding, 그해 최고의 재즈 보컬 중 한 명인 June Christie를 포함하여 그의 작곡에서 솔리스트의 즉흥 연주 부분에 큰 관심을 기울였습니다. . Stan Kenton은 경력 내내 선택한 장르에 대한 충실도를 유지했습니다.

Stan Kenton 외에도 흥미로운 편곡가이자 악기 연주자인 Boyd Ryburn과 Gil Evans도 이 장르의 발전에 기여했습니다. 이미 언급 한 "Artistry"시리즈와 함께 진보적 인 발전에 대한 일종의 신격화는 "Miles Ahead"와 같이 Gil Evans 빅 밴드가 Miles Davis 앙상블과 함께 녹음 한 일련의 앨범을 고려할 수도 있습니다. ", "Porgy and Bess"및 "스페인 그림". 그가 죽기 직전에 Miles Davis는 다시 장르로 눈을 돌려 Quincy Jones Big Band와 Gil Evans의 오래된 편곡을 녹음했습니다.

하드 밥

Hard bop(영어 - hard, hard bop)은 50년대에 발생한 일종의 재즈입니다. 20 세기 밥에서. 표현력이 풍부하고 잔인한 리듬, 블루스에 대한 의존도가 다릅니다. 현대 재즈의 스타일을 나타냅니다. 쿨 재즈가 서부 해안에 뿌리를 내리고 있을 무렵, 디트로이트, 필라델피아, 뉴욕의 재즈 뮤지션들은 하드 밥 또는 하드 비밥이라고 불리는 오래된 비밥 공식에 더 강하고 무거운 변형을 개발하기 시작했습니다. 공격성과 기술적 요구가 전통적인 비밥과 매우 흡사한 1950년대와 1960년대의 하드 밥은 표준 노래 형식에 덜 의존하고 블루스 요소와 리드미컬한 드라이브를 더 강조하기 시작했습니다. 소이 솔로잉 또는 즉흥 연주의 숙달 강한 느낌하모니는 금관 연주자에게 가장 중요한 속성이었으며, 리듬 섹션에서는 드럼과 피아노의 참여가 더욱 눈에 띄게 되었고 베이스는 보다 유동적이고 펑키한 느낌을 얻었습니다(소스 "음악 문학" Kolomiets Maria에서 가져옴).

모달(모달) 재즈

소울 재즈

홈

소울 재즈의 파생물인 그루브 스타일은 블루지 음표로 멜로디를 그리고 탁월한 리드미컬한 초점이 특징입니다. 때때로 "funk"라고도 불리는 그루브는 연속적인 특징적인 리듬 패턴을 유지하는 데 중점을 두고 가벼운 악기와 때로는 서정적인 장식으로 풍미를 더합니다.

그루브 스타일로 연주되는 곡들은 경쾌한 감성으로 가득 차 있으며, 느리고 블루스한 버전과 빠른 속도로 춤을 추게 한다. 솔로 즉흥 연주는 비트와 집단 사운드에 엄격하게 종속됩니다. 이 스타일의 가장 유명한 주창자는 오르간 연주자 Richard "Groove" Holmes와 Shirley Scott, 테너 색소폰 연주자 Jean Emmons, 플루트/알토색소폰 연주자 Leo Wright입니다.

프리 재즈

색소폰 연주자 Ornette Coleman

아마도 재즈 역사상 가장 논쟁적인 움직임은 프리 재즈 또는 나중에 "New Thing"이라고 불린 "New Thing"의 출현과 함께 등장했을 것입니다. 프리 재즈의 요소는 용어 자체가 만들어지기 오래 전에 재즈의 음악적 구조 내에 존재했지만 Coleman Hawkins, Pee Wee Russell 및 Lenny Tristano와 같은 혁신가의 "실험"에서 가장 독창적이지만 1990년대 말부터 색소폰 연주자 Ornette Coleman과 피아니스트 Cecil Taylor와 같은 선구자들의 노력으로 이 방향은 독립적인 스타일로 구체화되었습니다.

John Coltrane, Albert Ayler, Sun Ra Arkestra 및 The Revolutionary Ensemble과 같은 커뮤니티를 포함한 다른 사람들과 함께 이 두 음악가가 한 일은 음악에 대한 다양한 구조적 변화와 느낌이었습니다. 상상력과 훌륭한 음악성과 함께 도입된 혁신 중에는 음악이 어떤 방향으로든 이동할 수 있도록 하는 코드 진행의 포기가 있었습니다. "스윙"이 재정의되거나 완전히 무시되는 리듬 영역에서 또 다른 근본적인 변화가 발견되었습니다. 즉, 박동, 박자 및 그루브는 더 이상 재즈를 읽는 데 필수적인 요소가 아닙니다. 또 다른 주요 구성 요소는 무조성과 관련이 있습니다. 이제 뮤지컬 속담은 더 이상 일반적인 음조 체계에 기반하지 않습니다. 날카롭고, 짖고, 경련을 일으키는 노트가 이 새로운 사운드 세계를 완전히 채웠습니다.

프리 재즈는 오늘날에도 실행 가능한 표현 형식으로 계속 존재하고 있으며 실제로 더 이상 처음 시작했을 때만큼 논란의 여지가 있는 스타일이 아닙니다.

창의적인

"크리에이티브"방향의 출현은 실험주의와 아방가르드 요소가 재즈에 침투하는 것으로 표시되었습니다. 이 과정의 시작은 부분적으로 프리 재즈의 부상과 일치했습니다. 음악에 도입된 변화와 혁신으로 이해되는 아방가르드 재즈의 요소는 항상 "실험적"이었습니다. 그래서 50년대, 60년대, 70년대 재즈가 제공한 새로운 형태의 실험주의는 전통에서 가장 급진적으로 벗어나 리듬, 조성 및 구조의 새로운 요소를 실천에 도입했습니다. 열린 양식, 프리 재즈보다 특성화하기가 더 어려웠습니다. 미리 계획된 말하기 구조는 부분적으로 프리 재즈를 연상시키는 더 자유로운 솔로 프레이즈와 혼합되었습니다. 구성 요소가 즉흥 연주와 합쳐져 첫 번째가 어디에서 끝나고 두 번째가 시작되는지 결정하기가 이미 어려웠습니다. 사실, 작품의 음악적 구조는 솔로가 편곡의 산물이 되도록 설계되어 논리적으로 음악적 과정을 일반적으로 추상화 또는 혼돈의 한 형태로 볼 수 있는 것으로 이끕니다. 스윙 리듬과 멜로디까지 테마 음악에 포함시킬 수 있지만 전혀 필요하지 않았습니다. 이 운동의 초기 개척자는 피아니스트 Lenny Tristano, 색소폰 연주자 Jimmy Joffrey, 작곡가/편곡가/지휘자 Günter Schuller를 포함합니다. 보다 최근의 거장으로는 피아니스트 Paul Blay와 Andrew Hill, 색소폰 연주자 Anthony Braxton과 Sam Rivers, 드러머 Sunny Murray와 Andrew Cyrill, 시카고 아트 앙상블과 같은 AACM(창조 음악가 발전 협회) 커뮤니티 회원이 있습니다.

퓨전

재즈와 팝 및 록 음악의 융합에서 시작하여 소울, 펑크, 리듬 앤 블루스, 음악 장르, 처음에는 재즈 록이라는 이름으로 후기에 등장했습니다. 기타리스트 Larry Coryell의 Eleventh House, 드러머 Tony Williams' Lifetime 및 Miles Davis와 같은 개인 및 밴드는 이러한 추세의 최전선에서 일렉트로니카, 록 리듬 및 확장된 트랙과 같은 요소를 도입하여 이후 재즈가 의미하는 많은 부분을 무효화했습니다. 그 시작, 즉 스윙 비트는 주로 블루스 음악을 기반으로 하며 레퍼토리에는 블루스 소재와 대중적인 표준이 모두 포함됩니다. 퓨전이라는 용어는 Mahavishnu Orchestra, Weather Report, Chick Corea의 Return To Forever Ensemble과 같은 다양한 오케스트라가 등장한 직후에 사용되었습니다. 이 앙상블의 음악 전반에 걸쳐 즉흥 연주와 멜로디에 대한 지속적인 강조가 있었으며, 이는 음악 상인에게 "매진"되었다고 주장하는 비방자들에도 불구하고 그들의 관행을 재즈의 역사와 확고하게 연결했습니다. 사실, 오늘날 이러한 초기 실험을 들을 때, 그것들은 상업적으로 거의 보이지 않으며, 고도로 발전된 대화적 성격을 가진 음악에 참여하도록 청취자를 제공합니다. 1990년대 중반에 퓨전은 이지 리스닝 및/또는 리듬 앤 블루스 음악의 변형으로 발전했습니다. 작곡적으로나 연기적으로나 날카로움의 상당 부분을 잃었다. -e에서 재즈 뮤지션들은 음악적 형태의 퓨전을 진정한 표현 매체로 전환했습니다. 드러머 Ronald Shannon Jackson, 기타리스트 Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie 및 James "Blood" Ulmer와 같은 아티스트는 베테랑 색소폰 연주자/트럼펫 연주자 Ornette Coleman과 마찬가지로 다양한 차원에서 이 음악을 창의적으로 마스터했습니다.

포스트밥

드러머 아트 블레이키

포스트 밥 시대는 1960년대 같은 시기에 발전한 프리 재즈 실험을 피하고 비밥 분야에서 계속 활동한 재즈 뮤지션들이 연주한 음악을 포괄합니다. 또한 앞서 언급한 하드 밥과 마찬가지로 이 형식은 비밥의 리듬, 앙상블 구조 및 에너지, 동일한 브라스 조합 및 라틴 요소의 사용을 포함한 동일한 음악 레퍼토리를 기반으로 합니다. 포스트밥 음악의 두드러진 특징은 펑크, 그루브 또는 소울의 요소를 사용하여 팝 음악의 지배로 특징지어지는 새로운 시대의 정신으로 재형성된 것입니다. 종종 이 아종은 블루스 록을 실험합니다. 색소폰 연주자 Hank Mobley, 피아니스트 Horace Silver, 드러머 Art Blakey, 트럼펫 연주자 Lee Morgan과 같은 거장들은 실제로 1900년대 중반에 이 음악을 시작했으며 현재 재즈의 지배적인 형태가 된 것을 예고했습니다. 더 단순한 멜로디와 더 진심 어린 비트와 함께 청취자는 가스펠과 리듬 앤 블루스가 함께 섞인 흔적도 들을 수 있었습니다. 1990년대에 약간의 변화를 겪은 이 스타일은 구성 요소로서 새로운 구조를 만드는 데 어느 정도 사용되었습니다. 색소폰 연주자 Joe Henderson, 피아니스트 McCoy Tyner, 심지어 Dizzy Gillespie와 같은 저명한 bopper까지 이 장르에서 인간적이면서도 화음적으로 흥미로운 음악을 만들었습니다. 이 시기에 등장한 가장 중요한 작곡가 중 한 명은 색소폰 연주자 웨인 쇼터(Wayne Shorter)였습니다. Art Blakey Ensemble에서 학교를 마친 Shorter는 자신의 이름으로 여러 강력한 앨범을 녹음했습니다. 키보디스트 Herbie Hancock과 함께 Shorter는 Miles Davis가 재즈 역사상 가장 중요한 그룹 중 하나가 된 5중주(가장 실험적이고 매우 영향력 있는 포스트밥 그룹은 John Coltrane이 출연한 Davis Quintet였습니다)를 구성하는 데 도움을 주었습니다.

애시드 재즈

재즈 마누시

재즈의 확산

재즈는 국적을 불문하고 전 세계 뮤지션과 청취자들의 관심을 불러일으켰습니다. 충분히 추적 초기 작업트럼펫 연주자 디지 길레스피(Dizzy Gillespie)와 피아니스트 데이브 브루벡(Dave Brubeck)의 작품으로 알려진 일본, 유라시아 및 중동 음악과 재즈의 -e 또는 나중에 재즈와 결합한 흑인 쿠바인의 음악과 재즈 전통의 합성과 뛰어난 작곡가이자 지도자 아프리카, 라틴 아메리카 및 극동 지역의 음악적 유산을 결합한 재즈 밴드 듀크 엘링턴(Duke Ellington). 재즈는 서양 음악 전통뿐만 아니라 지속적으로 흡수되었습니다. 예를 들어, 다른 예술가들이 인도의 음악적 요소로 작업하기 시작했을 때. 이러한 노력의 예는 Taj Mahal의 플루트 연주자 Paul Horn의 녹음이나 예를 들어 Oregon 밴드 또는 John McLaughlin의 Shakti 프로젝트로 대표되는 "세계 음악"의 흐름에서 들을 수 있습니다. 이전에 주로 재즈를 기반으로 한 McLaughlin의 음악은 Shakti와 함께 작업하는 동안 khatam 또는 tabla와 같은 인도 기원의 새로운 악기를 사용하기 시작했으며 복잡한 리듬이 울리고 인도 라가의 형식이 널리 사용되었습니다. 시카고 아트 앙상블은 아프리카와 재즈 형식을 융합한 초기 선구자였습니다. 나중에 세계는 색소폰 연주자/작곡가 John Zorn과 마사다 오케스트라 안팎에서 유대 음악 문화에 대한 그의 탐구를 알게 되었습니다. 이 작품들은 아프리카 음악가 Salif Keita, 기타리스트 Marc Ribot 및 베이시스트 Anthony Coleman과 함께 녹음한 키보디스트 John Medeski와 같은 다른 재즈 뮤지션 그룹 전체에 영감을 주었습니다. 트럼펫 연주자 Dave Douglas는 발칸 반도에서 영감을 얻은 음악을 선보이며, Asian-American Jazz Orchestra는 재즈와 아시아 음악 형식의 융합을 주도하는 지지자로 부상했습니다. 세계의 세계화가 계속됨에 따라 재즈는 다른 음악 전통의 영향을 지속적으로 받고 있으며 미래 연구를 위한 성숙한 양식을 제공하고 재즈가 진정한 세계 음악임을 증명합니다.

소련과 러시아의 재즈

RSFSR의 첫 번째
괴상한 오케스트라
재즈 밴드 Valentina Parnakh

대중 의식에서 재즈는 주로 배우 겸 가수 Leonid Utyosov와 트럼펫 연주자 Ya. B. Skomorovsky가 이끄는 Leningrad 앙상블 덕분에 30 년대에 널리 보급되기 시작했습니다. 그의 참여로 인기있는 영화 코미디 "Merry Fellows"(1934, 원래 "Jazz Comedy")는 재즈 뮤지션의 역사에 전념했으며 적절한 사운드 트랙 (Isaak Dunaevsky 작성)을 가졌습니다. Utyosov와 Skomorovsky는 연극, 오페레타, 보컬 번호 및 공연 요소가 큰 역할을 한 음악과의 혼합을 기반으로 "차 재즈"(연극 재즈)의 원래 스타일을 형성했습니다.

작곡가, 음악가, 오케스트라 리더인 Eddie Rosner는 소비에트 재즈의 발전에 주목할 만한 공헌을 했습니다. 독일, 폴란드 및 기타 유럽 국가에서 경력을 시작한 Rozner는 소련으로 이주하여 소련 스윙의 선구자이자 벨로루시 재즈의 창시자가되었습니다. 스윙 스타일의 대중화 및 개발에서 중요한 역할은 Alexander Tsfasman과 Alexander Varlamov가 이끄는 30-40 년대 모스크바 밴드도 담당했습니다. A. Varlamov가 지휘하는 All-Union Radio의 재즈 오케스트라가 소련 최초의 TV 쇼에 참여했습니다. 그때부터 살아남은 유일한 작곡은 Oleg Lundstrem의 오케스트라로 밝혀졌습니다. 현재 널리 알려진 이 빅 밴드는 1935-1947년에 공연한 러시아 디아스포라의 소수이자 최고의 재즈 앙상블에 속했습니다. 중국에서.

재즈에 대한 소련 당국의 태도는 모호했습니다. 국내 재즈 연주자는 원칙적으로 금지되지 않았지만 재즈에 대한 가혹한 비판은 반대의 맥락에서 널리 퍼졌습니다. 서양 문화일반적으로 . 1940년대 후반, 코스모폴리타니즘에 대항하는 투쟁 중에 소련의 재즈는 "서양" 음악을 연주하는 그룹이 박해를 받는 특히 어려운 시기를 겪었습니다. "해동"이 시작되면서 뮤지션에 대한 박해는 중단되었지만 비판은 계속되었습니다.

역사 및 미국 문화 교수인 Penny Van Eschen의 연구에 따르면 미 국무부는 재즈를 소련과 제3세계에서 소련의 영향력 확대에 반대하는 이데올로기적 무기로 사용하려고 시도했습니다.

소련의 재즈에 관한 첫 번째 책은 1926년 Leningrad 출판사 Academia에서 출판되었습니다. 그것은 서양 작곡가와 음악 평론가의 기사 번역과 자신의 자료에서 음악 학자 Semyon Ginzburg가 편집했으며 " 재즈 밴드와 현대 음악» .
재즈에 관한 다음 책은 1960년대 초반에만 소련에서 출판되었습니다. 그것은 Valery Mysovsky와 Vladimir Feyertag에 의해 작성되었으며 " 재즈” 그리고 본질적으로 당시 다양한 출처에서 얻을 수 있는 정보의 편집물이었습니다. 그 이후로 상트 페테르부르크 출판사 "Skifia"에서 2001 년에만 출판 한 최초의 러시아어 재즈 백과 사전 작업이 시작되었습니다. 백과 사전 " 재즈. XX 세기. 백과사전 참조"는 가장 권위있는 재즈 비평가 중 한 명인 Vladimir Feiertag가 준비했으며 수천 명 이상의 재즈 인물 이름을 기록했으며 만장일치로 재즈에 관한 주요 러시아어 책으로 인정되었습니다. 2008년 백과사전 제2판 " 재즈. 백과사전 참조 21세기까지 재즈의 역사가 깃든 곳에는 희귀한 사진 수백 장이 추가되었고 재즈 이름 목록이 거의 4분의 1로 늘어났다.

라틴 아메리카 재즈

라틴 리듬 요소의 조합은 거의 뉴올리언스에서 시작된 문화적 융합의 시작부터 재즈에 존재했습니다. Jelly Roll Morton은 1990년대 중후반 녹음에서 "Spanish undertones"에 대해 말했습니다. Duke Ellington과 다른 재즈 밴드 리더들도 라틴어 형식을 사용했습니다. 라틴 재즈의 주요(널리 인정받지는 못하지만) 선조인 트럼펫 연주자/편곡가 Mario Bausa는 1990년대에 그의 고향인 Havana에서 Chick Webb의 오케스트라로 쿠바 성향을 도입했고, 10년 후 그는 그것을 Don Redman, Fletcher의 사운드로 가져왔습니다. Henderson과 Cab Calloway 오케스트라. 1900년대 후반부터 Calloway Orchestra에서 트럼펫 연주자 Dizzy Gillespie와 함께 작업하면서 Bausa는 이미 1900년대 중반 Gillespie의 빅 밴드와 직접 연결되는 방향을 제시했습니다. 라틴 음악 형식에 대한 Gillespie의 이러한 "연애"는 그의 남은 생애 동안 계속되었습니다. Bausa에서 그는 경력을 계속하여 음악 감독 Machito Afro-Cuban Orchestra는 그의 처남인 타악기 연주자 Frank Grillo(Machito라는 별명)가 앞장서고 있습니다. 1950년대와 1960년대는 주로 보사노바 방향으로 라틴 리듬과 함께 재즈의 긴 유혹으로 특징지어졌으며, 삼바의 브라질 요소로 이 합성을 풍부하게 했습니다. 웨스트 코스트 뮤지션들이 발전시킨 쿨한 재즈 스타일과 유러피안 클래식 비율, 매혹적인 브라질 리듬을 결합한 보사노바, 정확히는 '브라질리언 재즈'는 1960년 전후로 미국에서 폭넓은 인기를 얻었다. 미묘하지만 몽환적인 어쿠스틱 기타 리듬이 포르투갈어와 포르투갈어로 부르는 단순한 멜로디를 강조했습니다. 영어. 브라질인 Joao Gilberto와 Antonio Carlos Jobin이 소개한 이 스타일은 1950년대에 하드 밥과 프리 재즈의 대체 댄스가 되었으며 특히 기타리스트 Charlie Byrd와 색소폰 연주자 Stan Getz 등 서해안 출신 음악가들의 녹음과 공연을 통해 그 인기를 크게 확장했습니다. . 라틴 영향의 음악적 혼합은 재즈와 그 너머, 일류 라틴 아메리카 즉흥 연주자들과 함께 오케스트라와 그룹뿐만 아니라 현지 및 라틴 연주자들을 결합하여 가장 흥미로운 무대 음악의 예를 만드는 등 재즈와 그 너머로 퍼졌습니다. . 이 새로운 라틴 재즈 르네상스는 트럼펫 연주자 Arturo Sandoval, 색소폰 연주자 및 클라리넷 연주자 Paquito D'Rivera, 그리고 그들이 기대했던 더 큰 기회를 찾아 피델 카스트로 정권을 탈출한 다른 사람들과 같은 쿠바 탈북자들 사이에서 외국 연주자들의 끊임없는 유입에 의해 촉진되었습니다. 뉴욕, 요크, 플로리다에서 찾을 수 있습니다. 또한 라틴 재즈의 폴리리듬 음악이 지닌 강렬하고 춤추기 쉬운 특성이 재즈 관객을 크게 확장시켰다는 의견도 있다. 지적 인식을 위해 최소한의 직관성을 유지하면서 사실입니다.

현대 세계의 재즈

이 섹션에는 독창적인 연구가 포함될 수 있습니다.