예술적 문화 스타일 인상주의에 대한 강의 발표. 인상파 그림

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클로드 모네

프랑스 화가. 인상파의 대표. 엷은 색, 빛과 공기로 가득 찬 풍경; 1890년대에 그는 가벼운 공기 환경의 덧없는 상태를 포착하려고 노력했습니다. 다른 시간날

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색상과 빛

빛과 색에 대한 모네의 집착은 수년간의 연구와 실험으로 이어졌으며, 그 목적은 덧없고 애매한 자연의 색조를 캔버스에 포착하는 것이었습니다.

• "인상. 해돋이."
• "아르장퇴유 레가타"

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• "지베르니 예술가의 정원"
• "해바라기가 있는 정물화"

그것은 얇은 유약의 도움으로 매끄러운 편지가 아니라 (화가의 아틀리에가 쓰는 방식입니다) 반죽 같은 획으로 구성되었습니다.

그림 같은 표면

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그에게는 풍경, 일상의 풍경을 담는 것뿐만 아니라, 매 순간 무언가가 일어나고 조명, 대기 상태, 날씨, 색을 반사하는 다른 물체와의 근접성에 따라 사물의 색이 끊임없이 변하는 자연에 대한 관조로부터 직접적인 인상의 신선함을 전달하는 것이 중요합니다.

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"정원의 여인"

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빛나는 빛으로 가득 찬 "정원의 숙녀"(1865 년경, 상트 페테르부르크의 암자) 그림에서 드레스의 흰색은 자연의 모든 여러 가지 색상을 흡수하는 것처럼 보입니다. 정교하게 만들어진 것처럼 채색잎, 허브.

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르누아르

인상주의를 대표하는 프랑스의 화가, 그래픽 아티스트, 조각가.

그림, 풍경, 초상화, 역동적인 일상 장면에서 가볍고 투명한 것은 존재의 관능적인 아름다움과 기쁨을 찬미합니다.

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Moulin de la Galette의 무도회. 1876.

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대부분의 인상파 화가들과 달리 메인 테마풍경이 된 Renoir는 일상 생활인간 - 공원, 카페, 거리, 강둑, 목욕탕에서 본 장면

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"테라스에서".

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Renoir는 섬세한 파스텔 색상, 분홍색, 파란색, 옅은 녹색을 좋아합니다. 아마도 이것은 도자기 그림 작업 때문일 것입니다. Renoir의 그림에는 많은 태양과 빛이 있으며 생명의 숨결로 가득 차 있습니다. 물이 흐르고 하이라이트로 반짝이며 나무는 바람에 떨립니다. 햇빛얼굴, 옷, 잔디 위를 활공합니다. 자유 스트로크는 특별한 영성, 세상의 가변성에 대한 인상을 향상시킵니다.

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이웃 망통

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에두아르 마네

프랑스 화가. 그는 근대성의 정신으로 옛 주인의 이미지와 음모를 재고하고 일상적이고 역사적인 작품을 만들었습니다. 혁신적인 주제. Manet의 작업은 신선함과 지각의 선명도가 특징입니다.

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Manet은 사람들의 소외를 알아 차린 최초의 예술가 중 한 명으로 그가 묘사 한 캐릭터는 근처에 있지만 마치 환경에주의를 기울이지 않는 것 같습니다.

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"올드 뮤지션" 1862년

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Folies Bergère의 바.

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방문자가있는 홀과 그녀와 대화하려는 고객의 절반 그림을 반영하는 거대한 거울의 배경에 지루한 바텐더는 목에 밝은 스티커와 컬러 호일, 유리에 꽃과 과일이있는 여러 가지 색의 병의 웅장 함 속에서 외로워 보입니다. 크리스탈 꽃병. 환경에서 사람의 "단절"이라는 주제가 여기서 주요 주제로 남아 있습니다.

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드가

프랑스의 화가, 그래픽 아티스트, 조각가. 인상파의 대표. 그림은 날카롭고 역동적인 인식입니다. 현대 생활, 엄격하게 조정된 비대칭 구성, 유연하고 정확한 패턴, 예상치 못한 각도의 도형으로. 파스텔 마스터

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Degas는 풍경보다 도시의 삶에 더 관심이 있습니다. 그는 순간적이고 애매한 움직임을 전달하기 위해 노력합니다. 따라서 극장, 무대 뒤, 발레, 서커스, 경마의 세계에 대한 그의 관심은 발레리나, 결승선으로 날아가는 말, 도박, 손재주 기수, 흥분한 관중 군중입니다.

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보우 댄서

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그의 그림은 장면에 의해 삶의 흐름에서 우연히 빼앗긴 것 같지만, 이 '우연'은 인물, 건물의 일부를 잘라낸 조각이 인상의 즉각성을 강조하는 치밀한 구성의 산물이다.

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인상주의(fr.impression-impression)는 19세기 후반 프랑스에서 시작된 예술의 경향으로, 이동성과 가변성에서 현실 세계를 가장 자연스럽게 포착하려는 욕구입니다.

인상주의 과제 예술을 통한 주변 세계의 표현; 애매하고 덧없는 기분과 느낌의 색상으로 전환하십시오. 일반 규칙에서 예술적 과정의 해방.

인상주의는 오늘날 시각 예술의 광범위한 추세입니다. 따라서 XIX 세기의 인상파. - 현대 미술의 창시자.

인상주의 달성 예술적 연구분위기의 색상과 빛, 캔버스에서의 상호 작용 전달. 태양광을 잘 받는 물체가 실내 조명에서 같은 물체보다 더 밝다는 것을 보여주고자 하는 욕구. 인상주의 그림이 밝은 색을 띠는 이유다.

인상주의는 모든 인상의 원천인 자연을 향한 운동이라고 합니다. 작가는 자신의 인상을 최대한 생생하고 표현력 있고 감성적으로 캔버스에 전달하여 이러한 인상과 상황의 에너지를 시청자에게 온전히 전달하고자했습니다.

센 강의 목욕, 오귀스트 르누아르, 1869 박물관, 모스크바 야외 회화

개구리, 오귀스트 르누아르

여배우 Jeanne Samary의 초상화 Renoir 작품의 특별한 장소는 다음과 같습니다. 여성 이미지, 시대의 인장이 찍힌 것처럼

팬을 가진 소녀. O. 르누아르

검은 소녀. O. Renoir O. Renoir는 색상이 비슷한 톤의 조합을 통해 멋진 색상을 얻습니다.

보트에서 E. Manet, 1874 작가는 짙은 색조에서 가볍고 자유로운 플레인 에어 페인팅으로 이동합니다.

워크숍에서 아침 식사. E. Manet, 1868. 옛 주인의 음모를 재고하면서 그는 현대인의 이미지를 도입하려고했습니다.

경작지, C. 피사로

마을 입구

Boulevard Montmarte, C. 피사로

인상. 해돋이. 클로드 모네. 1872년

양귀비 들판, 클로드 모네, 1880

바위 다리의 아치

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주제: 방법론적 개발, 프레젠테이션 및 메모

이 강의는 "컴퓨터 프리젠테이션" 섹션의 첫 번째 강의로 간주됩니다. 이 수업에서 학생들은 파워포인트 프로그램, 슬라이드의 디자인 및 레이아웃을 변경하는 방법에 대해 알아보십시오....

프레젠테이션 "보편적인 인식 수단으로 멀티미디어 프레젠테이션 사용"

프레젠테이션에서 "멀티미디어 프레젠테이션을 다음과 같이 사용 만병통치약지식"은 프레젠테이션의 디자인과 내용에 대한 조언을 제공합니다....

수업 및 프레젠테이션 "The Sightseeng Tours" 런던 및 상트페테르부르크 프레젠테이션 개발

목표: 언어 능력 개발(독백적 진술); 문법 읽기 및 말하기 능력 향상(과거 부정 시제, 정관사) 작업: 학습 ...

프레젠테이션 " 회화의 인상주의» 뛰어난 것을 알게 될 것입니다 프랑스 예술가: 클로드 모네, 카미유 피사로, 에드가 드가, 알프레드 시슬레, 오귀스트 르누아르가 그들이 이룩한 예술의 혁명에 대해 이야기합니다.

회화의 인상주의

용어의 기원에 대해 인상주의 "주문을 위해 말씀 드리지만 호기심 많은 독자가 이것에 대해 알고 있다고 확신합니다. 학년. 이 용어는 에서 처음 등장했습니다. 비평 기사신문에서 샤리바리”, 당시 학술 예술을 환영했던 살롱에서 인정하지 않은 작품을 전시하기로 결정한 예술가들의 전시회에 전념했습니다. 어떤 규칙도 따르기를 원하지 않는 자유를 사랑하는 우리의 영웅들은 황제 나폴레옹 3세로부터 자신의 전시회를 준비할 수 있는 허가를 받았습니다. 1863년의 첫 번째 그러한 조치는 " 추방자 살롱". 10년 후, 작가들은 다시 전시회를 열었습니다. 이번 전시에서 대중에게 충격을 준 다른 작품들 중에는 지금은 세계적으로 유명한 그림도 있었다. 클로드 모네 "인상. 해돋이”, 예술의 멋진 방향에 이름을 붙였습니다.

인상파 예술가들이 존재했고 많이 있습니다. 내 프레젠테이션은 가장 눈에 띄는 다섯 사람의 작업에만 전념합니다. 어느 창의적인 사람권위주의 사회에서 자신의 생각에 충실하기가 얼마나 어려운지를 완벽하게 보여줍니다. 우리의 영웅들은 종종 가족을 부양할 수단이 없는 절망적인 상황에 처했습니다(예를 들어, Camille Pissarro는 7명의 자녀를 두었습니다!).

학예

예술 분야에서 인상파의 발견은 다음과 불가분의 관계가 있습니다. 과학적 발견그리고 전임자들의 창의적인 통찰력. 인상파 화가들의 주요 규칙은 작업 조건이었습니다. 야외에서. 이 아이디어는 새로운 것이 아닙니다. 그들은 야외에서 놀랍고 생동감 넘치는 풍경을 그렸지만 1841년 미국의 초상화 화가 존 렌드가 주석을 발명하지 않았다면 바르비종이나 인상파 모두 공중에서 작업할 수 없었을 것입니다. 유성페인트용 수축튜브. 사진의 발명도 회화의 운명에 영향을 미치지 않을 수 없었다. 그건 그렇고, 최초의 전문 사진 작가 중 한 명인 Ralph Nadar는 인상파의 친구였으며 그의 스튜디오에서 첫 전시회를 열었습니다.

"마른 이론, 내 친구..."

그림과 달리 인상파의 풍경화에서는 깊이와 진정성을 찾을 수 없습니다. 내 프레젠테이션의 영웅들의 임무는 대기 환경의 순간적인 상태를 캔버스에 포착하는 것이 었습니다. 인상주의 화가들의 주인공은 자연이 아니라 빛과 공기매 순간 변화합니다. Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley는 이러한 변화를 포착하려고 노력했습니다. Claude Monet의 유명한 시리즈인 “Hacks”, “ 루앙 대성당”, “Station Saint-Lazare”, “Poplars”, the London Parliament Building”, “Nymphaeum” 등. 그 자리에서 Gallerix.ru이 사진들을 좋은 품질로 볼 수 있습니다.

인상파 아이디어

• 자체적으로 존재하는 색상은 없습니다. 형태와 색상은 분리할 수 없는 개념입니다. 빛은 형태를 불러일으킵니다. 빛이 사라지고 형태와 색이 사라진다.

• 모든 색상은 햇빛의 요소, 즉 스펙트럼의 7가지 톤으로 구성됩니다.

• 로컬 톤이라고 불리는 것은 망상입니다. 잎이 녹색이 ​​아니고 나무 줄기가 갈색이 아닙니다.

• 공기는 그림의 유일한 실제 플롯이며 그것을 통해서만 묘사되는 모든 것을 볼 수 있습니다.

• 화가는 스펙트럼의 7가지 색상으로만 작성하고 나머지는 팔레트에서 모두 제거해야 합니다. 클로드 모네가 흰색과 검은색만 더해 과감하게 한 것입니다. 그런 다음 팔레트에서 혼합물을 구성하는 대신 캔버스에 7가지 순수한 색상의 획만 도입하여 다른 색상을 나란히 배치해야 합니다. 개별 색상은 보는 사람의 눈에 이미 혼합되어 있으므로 빛 자체로 작동합니다. 이것이 인상파 기법의 주된 기초가 되는 색조의 분해 이론이다.

• 빛은 그림의 유일한 플롯이 되고 빛이 재생되는 대상에 대한 관심은 부차적인 것이 됩니다.
  Volynsky. 생명의 푸른 나무

“인상파는 회화와 자연에 대한 인식을 변화시켰습니다. 하늘은 그저 파랗고, 눈은 하얗고, 풀은 초록이라고 감히 말하는 예술 애호가나 예술가가 그 뒤에 있을 것 같지 않습니다. 우리는 이제 눈치채지 못한 채 인상주의 회화의 프리즘을 통해 세상을 바라본다. 그들은 특정 사물뿐만 아니라 "작가와 이미지의 대상 사이에 사는 것"을 볼 수 있는 가능성을 열어주었다. 물론 그들에게도 위대한 선조들이 있었지만 태양과 공기의 세계에 그토록 넓은 창을 열어준 것은 인상파였다.”
Fomina N.N.

Arthive 웹 사이트에는 흥미로운 것들인상파에 전념 : " 인상파와 함께 프랑스 여행. 인상파 예술의 팬들은 관심을 가질 것입니다.

내 프레젠테이션을보기로 결정했다면 컴퓨터에 다운로드하기에는 너무 게으르지 마십시오 (하지만 매우 무거웠고 아름답게 만들고 싶었고 png 형식은 무거웠습니다). 그렇지 않으면 많은 애니메이션 효과가 작동하지 않습니다.

참조:

• 미술. 작은 어린이 백과사전. -M .: 러시아 백과 사전 파트너십, 2001.
• 어린이를 위한 백과사전. T.7. 미술. – M.: Avanta+, 2000.
• 백과 사전. 경치. -M .: "OLMA-PRESS 교육", 2002.
• 위대한 예술가들. 72권. 카미유 제이콥 피사로. -M .: 출판사 "Direct-Media", 2011.
• Beckett V. 회화의 역사. -M.: Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2003.
• 위대한 예술가들. 볼륨 25. Edgar Hilaire Germe Degas. -M .: 출판사 "Direct-Media", 2010.
• 위대한 예술가들. 59권. 알프레드 시슬리. -M .: 출판사 "Direct-Media", 2010.
• 위대한 예술가들. 볼륨 4. 클로드 모네. -M .: 출판사 "Direct-Media", 2009.
• Emokhonova L.G. 세계 예술 문화: Proc. 학생 수당. 평균 소아 교과서 시설. -M .: 출판 센터 "아카데미", 1998.
• Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. 세계 예술. XIX 세기. 미술, 음악, 연극. ‒ 상트페테르부르크: Peter, 2007.
• 레이몬드 콘야. 피사로. - M.: Slovo, 1995
• Samin D.K. 100명의 위대한 예술가. – M.: Veche, 2004.

행운을 빌어요!

계획: 인상주의의 개념, 대표, 회화의 주요 특징, 인상주의의 개념, 대표, 회화의 주요 특징, 클로드 오스카 모네, 짧은 전기클로드 오스카 모네, 짧은 전기 주목할만한 작품모네 모네 피에르 오귀스트 르누아르의 가장 유명한 작품, 단편 전기 피에르 오귀스트 르누아르, 단편 전기 르누아르의 가장 유명한 작품 르누아르 인상파의 가장 유명한 작품 조각. 조각의 오귀스트 로댕 인상파. 오귀스트 로댕 조각"칼레 시민" 조형물 "칼레 시민"

클로드 오스카 모네 클로드 오스카 모네는 1840년 11월 14일 파리에서 태어났습니다. 모네의 명성은 1866년에 쓰여진 Camille Donsier의 초상화("Camille, or a portrait of a lady in a green dress")에서 가져왔습니다. 클로드 오스카 모네는 1840년 11월 14일 파리에서 태어났습니다. 모네의 명성은 1866년에 쓰여진 Camille Donsier의 초상화("Camille, or a portrait of a lady in a green dress")에서 가져왔습니다. 유명한 풍경"인상. 떠오르는 태양"(인상, soleil levant). 유명한 풍경 “인상. 떠오르는 태양"(인상, 솔레일 레반트). 예술가는 1926년 12월 5일 지베르니에서 사망했습니다. 예술가는 1926년 12월 5일 지베르니에서 사망했습니다. 수성의 분화구는 모네의 이름을 따서 명명되었습니다. 수성의 분화구는 모네의 이름을 따서 명명되었습니다.

1869년 캔버스에 유채. 89 x 130 cm Musée d' Orsay, 파리 살롱 "까치"에 의해 거부 됨-겨울날의 웅장한 구현이자 가장 유명한 그림클로드 모네.

피에르 오귀스트 르누아르 오귀스트 르누아르는 1841년 2월 25일 프랑스 중부 남부에 위치한 도시 리모주에서 태어났습니다. 오귀스트 르누아르는 1841년 2월 25일 프랑스 중부 남부에 위치한 도시 리모주에서 태어났습니다. Renoir는 1864년 그의 그림 중 하나가 엄격한 선택 과정을 통과하여 연례 전시회인 Salon에 전시되었을 때 처음으로 성공을 맛보았습니다. 미술 전시회. 르누아르는 1864년 그의 그림 중 하나가 엄격한 선택 과정을 통과하여 연례 국정 미술 전시회인 살롱에 전시되면서 처음으로 성공을 맛보았습니다. 1919년 12월 3일, 피에르 오귀스트 르누아르는 78세의 나이로 캉에서 폐렴으로 사망했습니다. 에수아에 묻혔습니다. 1919년 12월 3일, 피에르 오귀스트 르누아르는 78세의 나이로 캉에서 폐렴으로 사망했습니다. 에수아에 묻혔습니다.

Renoir Umbrellas의 그림 () Pierre Auguste Renoir "햇빛의 누드"

노 젓는 사람들의 아침 캔버스에 유화. 128x173. 필립스 컬렉션. 국립 미술관워싱턴.

여배우 Jeanne Samary의 초상화(gg.)

피아노 치는 두 소녀 (Bather, 1892)

조각의 인상주의. 오귀스트 로댕 오귀스트 로댕, (Auguste Rodin) (). 엄청난 프랑스 조각가그의 많은 작품에서 오귀스트 로댕은 얼굴 표정이나 사람의 포즈로 순간을 전달하기 위해 인상파와 아르누보 예술가들과 가까웠습니다. 조각의 고전적인 학문적 접근 방식과 스타일을 재고합니다. 그의 거의 모든 작품은 대중의 관심과 모호한 반응을 불러일으킨 오귀스트 로댕(Auguste Rodin)()이다. 프랑스의 위대한 조각가 오귀스트 로댕은 그의 많은 작품에서 인상파와 아르누보 예술가들과 가까웠고 표정이나 사람의 자세에서 순간을 전달하기 위해 노력했습니다. 조각의 고전적인 학문적 접근 방식과 스타일을 재고합니다. 그의 거의 모든 작품은 대중의 관심과 모호한 반응을 불러 일으켰습니다.

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회화의 인상주의

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인상파에 대한 탐색의 시작은 1860년대로 거슬러 올라갑니다. 당시 젊은 예술가들은 학업의 수단과 목표에 더 이상 만족하지 않았고, 그 결과 각자 독립적으로 자신의 스타일을 개발할 다른 방법을 모색했습니다. 1864년 외젠 부댕은 모네를 옹플뢰르로 초대하여 가을 내내 그곳에서 선생님이 파스텔과 수채화로 스케치를 그리는 것을 지켜보았고 친구 욘카인드는 진동하는 선으로 작품에 물감을 칠했습니다. 그들이 그에게 야외에서 일하고 밝은 색으로 글을 쓰는 법을 가르친 곳이 바로 여기였습니다.

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인상파의 첫 번째 중요한 전시회는 1874년 4월 15일부터 5월 15일까지 사진작가 나다르의 스튜디오에서 열렸습니다. 총 30명의 작가, 총 165점의 작품이 출품되었습니다. 새로운 경향은 기술적으로나 이념적으로 학문적 회화와 달랐습니다. 우선, 인상파는 윤곽선을 포기하고 Chevreul, Helmholtz 및 Rude의 색상 이론에 따라 적용한 작은 분리되고 대조되는 획으로 대체했습니다. 태양 광선은 보라색, 파란색, 파란색, 녹색, 노란색, 주황색, 빨간색의 구성 요소로 나뉩니다. 그러나 파란색은 다양한 파란색이므로 그 수는 6으로 줄어 듭니다. 두 가지 색상을 나란히 배치하면 서로를 강화하고, 반대로 섞이면 강도가 약해집니다. 또한 모든 색상은 기본 또는 기본 및 이중 또는 파생물로 나뉘며 각 이중 색상은 첫 번째 색상에 추가됩니다. 파란색-주황색 빨간색-녹색 노란색-보라색 따라서 팔레트에서 색상을 혼합하지 않고 원하는 색상캔버스에 적절하게 오버레이하여. 이것은 나중에 흑인을 거부하는 이유가되었습니다.

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그런 다음 인상파는 워크샵의 캔버스에 모든 작업을 집중하는 것을 중단했으며 이제는 가죽 가방과 달리 페인트가 마르지 않도록 닫을 수있는 페인트 용 강철 튜브의 발명 덕분에 그들이 본 것에 대한 덧없는 인상을 잡는 것이 더 편리한 야외를 선호합니다. 또한 작가들은 빛이 잘 투과되지 않고 빠르게 회색으로 변하기 때문에 혼합에 적합하지 않은 불투명 페인트를 사용하여 "내부"가 아닌 표면에서 반사되는 "외부"빛으로 그림을 만들 수있었습니다. 일반적으로 많은 거장들이 인상주의 스타일로 작업했지만 주요 운동은 Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Degas Alfred, Camille Pissarro, Frederic Basil 및 Berthe Morisot였습니다.

인상파 거장

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바다 경치(로리앙 항구) Berthe Morisot, 1869

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요람에서(Berthe Morisot, 1872)

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숨바꼭질 (Berthe Morisot, 1873)

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공원에서 (Berthe Morisot, 1874)

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인상파의 첫 번째 전시회에서 선보인 Berthe Morisot의 그림은 상당히 훌륭했습니다. 글쓰기 방식이 아니었다면 그녀의 캔버스 "At the Cradle", "Hide and Seek", "Reading"(총 9 점의 그림)은 불만을 일으키지 않았을 것입니다. 사실 전시를 질타한 평론가들은 다른 작가들보다 그녀에 대한 불만이 적었다. 그녀의 작품에서 Berta는 모성, 가정 생활, 아이들과 함께하는 야외 레크리에이션 등 부유한 부르주아 가족의 일상을 노래했습니다. 그녀는 생애가 끝날 때까지 이 주제에 충실했습니다. Bertha Morisot의 경우는 딸 Julie가 계속했습니다. 그녀는 실제로 재능있는 예술가, 그리고 그녀의 그림 스타일은 그녀의 어머니가 작업하기를 선호하는 스타일에 가깝습니다.