Seniman Jepun - dari zaman purba hingga ke hari ini. Ensiklopedia Sekolah Seni Jepun

Artelino

« Ombak besar di Kanagawa" oleh Katsushika Hokusai (1760-1849) adalah salah satu ukiran paling terkenal dan helaian pertama siri Thirty-six Views of Fuji. Pada awal 1830-an, Katsushika Hokusai, yang ditugaskan oleh rumah penerbitan Eijudo, mula mencipta satu siri 46 helaian (36 utama dan 10 tambahan), dan The Great Wave off Kanagawa ialah ukiran yang membuka keseluruhan siri.

Koleksi ukiran sedemikian disajikan untuk penduduk bandar pada masa itu sebagai sejenis " perjalanan maya”, satu cara untuk memuaskan rasa ingin tahu - mudah dan murah. Cetakan seperti Fuji berharga kira-kira 20 bulan - hampir sama dengan dua bahagian mi di kedai makan Jepun pada masa itu. Walau bagaimanapun, kejayaan itu begitu hebat sehinggakan pada tahun 1838 kos helaian Hokusai telah meningkat kepada hampir 50 mon, dan selepas kematian tuannya, Wave sahaja telah dicetak semula daripada papan baharu lebih daripada 1000 kali.

Adalah mengejutkan bahawa, walaupun tema yang dinyatakan dalam keseluruhan siri, Fuji dalam The Wave bermain seperti peranan kecil. Ketua" pelakon”pada ukiran ini adalah gelombang, dan di latar depan adegan dramatik perjuangan seorang lelaki dengan unsur-unsur terungkap. Tepi jambul buih kelihatan seperti jari-jari yang dipintal oleh syaitan yang marah yang hebat, dan ketiadaan wajah serta ketidakaktifan figura manusia di dalam bot tidak meragukan siapa yang akan menjadi pemenang dalam pertarungan ini. Namun, bukan konfrontasi inilah konflik yang mencipta plot ukiran.
Dengan menghentikan saat selepas bot itu terhempas, Hokusai membenarkan penonton melihat Fuji seketika di atas langit kelabu, menjadi gelap ke arah ufuk. Walaupun pengukir Jepun sudah biasa dengan prinsip perspektif linear dan udara Eropah pada masa itu, mereka tidak merasakan keperluan untuk teknik ini. Latar belakang yang gelap, serta perjalanan mata yang jauh dari latar depan dengan bot melalui pergerakan ombak ke Fuji, meyakinkan mata bahawa gunung suci dipisahkan dari kita oleh laut.

Fuji naik jauh dari pantai sebagai simbol kestabilan dan keteguhan, bertentangan dengan unsur ribut. Perpaduan dan saling bergantungan yang bertentangan mendasari idea susunan kosmik dan keharmonian mutlak dalam pandangan dunia Timur Jauh, dan merekalah yang menjadi tema utama ukiran "The Great Wave off Kanagawa", yang membuka siri itu oleh Katsushika Hokusai.

"Beauty Nanivaya Okita" oleh Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Institut Seni Chicago

Kitagawa Utamaro (1753-1806) boleh dipanggil penyanyi kecantikan wanita dalam cetakan Jepun ukiyo-e: dia mencipta beberapa imej kanonik kecantikan Jepun ( bijinga) - penduduk rumah teh dan kawasan hiburan terkenal Yoshiwara di ibu negara Jepun, Edo edo — nama Tokyo sehingga 1868..

Dalam ukiran bijinga, semuanya tidak seperti yang dilihat oleh penonton moden. Wanita bangsawan yang berpakaian mewah, sebagai peraturan, terlibat dalam kraf yang memalukan dan tergolong dalam kelas bawahan, dan ukiran dengan potret kecantikan mempunyai fungsi pengiklanan secara terbuka. Pada masa yang sama, ukiran itu tidak memberikan gambaran tentang penampilan gadis itu, dan walaupun Okita dari rumah teh Nanivaya berhampiran kuil Asakusa dianggap sebagai keindahan pertama Edo, wajahnya dalam ukiran itu adalah langsung tidak mempunyai keperibadian.

Sejak abad ke-10, imej wanita dalam seni Jepun telah tertakluk kepada kanun minimalisme. "Mata garisan, hidung cangkuk" - teknik hikime-kagihana membenarkan artis hanya untuk menunjukkan bahawa seorang wanita tertentu telah digambarkan: dalam budaya tradisional Jepun, isu kecantikan fizikal sering ditinggalkan. Pada wanita yang dilahirkan mulia, "kecantikan hati" dan pendidikan lebih dihargai, dan penduduk di tempat yang ceria berusaha untuk meniru contoh tertinggi dalam segala hal. Menurut Utamaro, Okita benar-benar cantik.

Lembaran "Beauty Nanivaya Okita" dicetak pada 1795-1796 dalam siri "Kecantikan Terkenal Diibaratkan Enam Penyair Abadi", di mana salah seorang penulis abad ke-9 sepadan dengan setiap kecantikan. Pada helaian dengan potret Okita di sudut kiri atas terdapat imej Arivara no Narihira (825-880), salah seorang penyair yang paling dihormati di Jepun, yang secara tradisinya dikaitkan dengan novel Ise Monogatari. Bangsawan yang mulia dan penyair yang cemerlang ini juga terkenal dengan hubungan cintanya, yang sebahagiannya menjadi asas novel.

Lembaran ini adalah penggunaan teknik yang unik mitate(perbandingan) dalam ukiran Jepun. Kualiti "prototaip" yang berwibawa dipindahkan kepada kecantikan yang digambarkan, dan pelacur yang elegan, dengan wajah tenang melayani tetamu secawan teh, sudah dibaca oleh penonton sebagai seorang wanita yang mahir dalam puisi dan perbuatan cinta. Perbandingan dengan Arivara no Narihira benar-benar satu pengiktirafan keunggulannya di kalangan kecantikan Edo.

Pada masa yang sama, Utamaro mencipta imej lirik yang mengejutkan. Mengimbangi bintik-bintik gelap dan terang pada daun dan menggariskan bentuk dengan garisan yang merdu dan elegan, dia mencipta imej keanggunan dan keharmonian yang benar-benar sempurna. "Pengiklanan" surut, dan keindahan yang dirakam oleh Utamaro kekal abadi.

Skrin "Irises" oleh Ogata Korin, 1710s

Wikimedia Commons / Muzium Nezu, Tokyo

Sepasang skrin iris enam panel - kini khazanah negara Jepun - telah dicipta oleh Ogata Korin (1658-1716) sekitar 1710 untuk kuil Nishi Hongan-ji di Kyoto.

Sejak abad ke-16, melukis pada panel dinding dan skrin kertas telah menjadi salah satu genre seni hiasan yang terkemuka di Jepun, dan Ogata Korin, pengasas sekolah seni Rinpa, adalah salah seorang sarjana terhebatnya.

Skrin di pedalaman Jepun memainkan peranan penting. Premis istana yang luas secara strukturnya tidak berbeza dengan kediaman orang Jepun yang sederhana: mereka hampir tidak mempunyai dinding dalaman, dan ruang itu dizonkan dengan skrin lipat. Hanya lebih sedikit daripada satu setengah meter tinggi, skrin direka untuk tradisi Jepun biasa semua kelas untuk hidup di atas lantai. Di Jepun, kerusi dan meja tinggi tidak digunakan sehingga abad ke-19, dan ketinggian skrin, serta komposisi lukisannya, direka untuk pandangan seseorang yang duduk di atas lututnya. Dengan sudut pandangan inilah kesan yang menakjubkan timbul: iris kelihatan mengelilingi orang yang duduk - dan seseorang dapat merasakan dirinya di tebing sungai, dikelilingi oleh bunga.

Iris dicat dengan cara yang tidak kontur - hampir impresionistik, sapuan lebar tempera biru tua, ungu dan ungu menyampaikan kehebatan bunga ini. Kesan yang indah dipertingkatkan oleh kilauan emas yang kusam, yang menggambarkan iris mata. Skrin tidak menggambarkan apa-apa selain bunga, tetapi garis pertumbuhan sudutnya menunjukkan bahawa bunga itu membengkok di sekitar aliran sungai yang berliku atau zigzag jambatan kayu. Adalah wajar bagi orang Jepun untuk melihat jambatan yang hilang dari skrin, "jambatan lapan papan" khas ( yatsuhashi dengar)), dikaitkan dengan iris dalam kesusasteraan Jepun klasik. Novel Ise Monogatari (abad ke-9) menggambarkan perjalanan sedih seorang wira yang diusir dari ibu negara. Setelah menetap bersama rombongannya untuk berehat di tebing sungai berhampiran jambatan Yatsuhashi, wira itu, melihat iris, mengingati kekasihnya dan mengarang puisi:

kekasihku dalam pakaian
Anggun di sana, di ibu kota,
Cinta pergi...
Dan saya fikir dengan kerinduan berapa banyak
saya jauh dari dia... Terjemahan oleh N.I. Konrad.

"Jadi dia melipat, dan semua orang menitiskan air mata pada nasi kering mereka, sehingga ia membengkak dengan kelembapan," tambah pengarang dan wira lirik cerita itu, Arivara no Narihira.

Bagi orang Jepun yang berpendidikan, hubungan antara iris di tepi jambatan dan Ise monogatari, iris dan tema cinta yang berpisah adalah jelas, dan Ogata Korin mengelakkan keterlaluan dan ilustrasi. Dengan bantuan lukisan hiasan, dia hanya mencipta ruang ideal yang dipenuhi dengan cahaya, warna dan konotasi sastera.

Pavilion Emas Kinkakuji, Kyoto, 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006

Kuil Emas adalah salah satu simbol Jepun, yang, ironisnya, lebih dimuliakan oleh kemusnahannya daripada pembinaannya. Pada tahun 1950, seorang sami Biara Rokuonji yang tidak stabil mentalnya, di mana bangunan ini dimiliki, membakar sebuah kolam yang berdiri di permukaan
astaka Semasa kebakaran pada tahun 1950, kuil itu hampir musnah. Kerja-kerja pemulihan di Kinkaku-ji bermula pada tahun 1955, pada tahun 1987 pembinaan semula secara keseluruhan telah selesai, tetapi penggantian yang hilang sepenuhnya hiasan dalaman diteruskan sehingga tahun 2003.. Motif sebenar perbuatannya masih tidak jelas, tetapi dalam tafsiran penulis Yukio Mishima, keindahan yang tidak dapat dicapai, hampir mistik kuil ini harus dipersalahkan. Sesungguhnya, selama beberapa abad, Kinkakuji dianggap sebagai lambang kecantikan Jepun.

Pada tahun 1394, Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), yang menundukkan hampir seluruh Jepun mengikut kehendaknya, secara rasmi bersara dan menetap di sebuah vila yang dibina khas di utara Kyoto. Bangunan tiga tingkat di tasik buatan Kyokoti ("cermin tasik") memainkan peranan sejenis pertapaan, astaka terpencil untuk bersantai, membaca dan berdoa. Ia mengandungi koleksi lukisan oleh shogun, perpustakaan dan koleksi peninggalan Buddha. Terletak di atas air berhampiran pantai, Kinkakuji hanya mempunyai komunikasi bot dengan pantai dan merupakan pulau yang sama dengan pulau buatan dengan batu dan pokok pain yang bertaburan di sekitar Kyokoti. Idea "pulau cakerawala" dipinjam dari mitologi Cina, di mana pulau Penglai, pulau abadi, berfungsi sebagai imej tempat tinggal syurga. Pantulan pavilion di dalam air sudah membangkitkan persatuan Buddha dengan idea tentang sifat ilusi dunia fana, yang hanya merupakan pantulan pucat dari kemegahan dunia kebenaran Buddha.

Walaupun semua nada mitologi ini adalah spekulatif, lokasi pavilion memberikannya keharmonian dan keharmonian yang menakjubkan. Refleksi menyembunyikan kekongkongan bangunan, menjadikannya lebih tinggi dan lebih langsing; pada masa yang sama, ia adalah ketinggian pavilion yang memungkinkan untuk melihatnya dari mana-mana tebing kolam, sentiasa dengan latar belakang gelap kehijauan.

Ia masih, bagaimanapun, tidak sepenuhnya jelas sejauh mana keemasan pavilion ini bentuk asal. Mungkin, di bawah Ashikaga Yoshimitsu, ia sememangnya ditutup dengan daun emas dan lapisan pelindung varnis. Tetapi jika anda percaya gambar-gambar abad ke-19 - awal abad ke-20 dan Yukio Mishima, maka pada pertengahan abad ke-20, penyepuhan itu hampir terkelupas dan mayatnya hanya kelihatan di tingkat atas bangunan. Pada masa ini, dia lebih menyentuh jiwa dengan pesona kehancuran, jejak masa, tidak dapat dielakkan walaupun kepada perkara yang paling indah. Daya tarikan melankolis ini sepadan dengan prinsip estetika sabi sangat dihormati dalam budaya Jepun.

Satu cara atau yang lain, kemegahan bangunan ini sama sekali tidak dalam emas. Keterukan bentuk Kinkakuji yang indah dan keharmonian yang sempurna dengan landskap menjadikannya salah satu karya seni bina Jepun.

Mangkuk "Iris" dalam gaya karatsu, abad XVI-XVII

Diane Martineau /pinterest.com/Muzium Seni Metropolitan, New York

Perkataan itu meibutsu- benda dengan nama. Hanya nama cawan ini yang benar-benar terselamat, kerana masa dan tempat yang tepat penciptaannya, mahupun nama tuannya tidak dipelihara. Namun begitu, ia diklasifikasikan sebagai khazanah negara Jepun dan merupakan salah satu daripada contoh yang jelas seramik dalam gaya kebangsaan.

Pada akhir abad ke-16, upacara minum teh cha-no-yu ditinggalkan yang canggih porselin Cina dan seramik dengan sayu mengingatkan bahan berharga. Kecantikan mereka yang menakjubkan kelihatan terlalu tiruan dan terus terang kepada tuan teh. Barangan yang sempurna dan mahal - mangkuk, bekas air dan kendi teh - tidak sepadan dengan kanun rohani Zen Buddhisme yang hampir pertapa, dalam semangat upacara minum teh berkembang. Revolusi sebenar dalam tindakan teh adalah tarikan kepada seramik Jepun, jauh lebih mudah dan tidak berseni pada masa bengkel Jepun baru mula menguasai teknologi tembikar benua.

Bentuk mangkuk Iris adalah ringkas dan tidak teratur. Lengkungan sedikit dinding, lekuk tukang periuk kelihatan di seluruh badan memberikan mangkuk itu dengan mudah. Serpihan tanah liat ditutup dengan sayu ringan dengan rangkaian retakan - craquelure. Di bahagian depan, yang menyapa tetamu semasa upacara minum teh, imej iris digunakan di bawah sayu: lukisan itu naif, tetapi dilaksanakan dengan berus bertenaga, betul-betul, seolah-olah dalam satu pergerakan, dalam semangat Zen kaligrafi. Nampaknya bentuk dan hiasan boleh dibuat secara spontan dan tanpa penggunaan pasukan khas.

Spontan ini mencerminkan ideal wabi- kesederhanaan dan ketiadaan seni, menimbulkan rasa kebebasan dan keharmonian rohani. Mana-mana orang atau bahkan objek tidak bernyawa dalam pandangan pengikut Jepun Buddhisme Zen mempunyai sifat pencerahan Buddha, dan usaha pakar itu bertujuan untuk menemui sifat ini dalam dirinya dan dunia di sekelilingnya. Perkara-perkara yang digunakan dalam upacara minum teh, untuk semua kekok mereka, sepatutnya membangkitkan pengalaman mendalam tentang kebenaran, kaitan setiap saat, terpaksa mengintip ke dalam bentuk yang paling biasa dan melihat keindahan sebenar di dalamnya.

Berbeza dengan tekstur kasar mangkuk dan kesederhanaannya adalah pemulihan dengan lakuer emas sumbing kecil (teknik ini dipanggil kintsugi). Pemulihan telah dijalankan pada abad ke-18 dan menunjukkan penghormatan yang digunakan oleh tuan teh Jepun merawat peralatan untuk upacara minum teh. Jadi upacara minum teh menyediakan para peserta dengan "cara" untuk menemui keindahan sebenar sesuatu, seperti mangkuk Iris. Tersirat, kerahsiaan telah menjadi asas kepada konsep estetik wabi dan bahagian penting dalam pandangan dunia Jepun.

Potret Monk Gandzin, Nara, 763

Toshodaiji, 2015

Pada abad VIII, arca menjadi bentuk utama ekspresi artistik era, era Nara (710-794), yang dikaitkan dengan pembentukan negara Jepun dan pengukuhan agama Buddha. Sarjana Jepun telah pun melepasi peringkat perantisan dan tiruan buta teknik dan imej benua dan mula secara bebas dan jelas menyatakan semangat zaman mereka dalam seni arca. Penyebaran dan pertumbuhan kewibawaan agama Buddha menyebabkan kemunculan potret arca Buddha.

Salah satu karya agung genre ini ialah potret Gandzin, yang dicipta pada tahun 763. Dibuat dalam teknik lakuer kering (dengan membina lapisan lakuer pada bingkai kayu yang ditutup dengan kain), arca itu hampir Saiz hidup telah dicat secara realistik, dan dalam separa kegelapan kuil, Ganjin duduk dalam pose meditasi "seolah-olah hidup." Keserupaan hidup ini adalah fungsi kultus utama potret sedemikian: guru harus sentiasa berada di dalam dinding biara Todaiji di bandar Nara dan hadir pada upacara ketuhanan yang paling penting.

Kemudian, pada abad ke-11-13, potret arca mencapai ilusionisme yang hampir tanpa belas kasihan, menggambarkan kelemahan nyanyuk guru yang dihormati, mulut cekung mereka, pipi kendur dan kedutan yang dalam. Potret ini melihat penganut agama Buddha dengan mata yang hidup, bertatahkan kristal batu dan kayu. Tetapi wajah Gandzin kelihatan kabur, tidak ada kontur yang jelas dan bentuk yang jelas di dalamnya. Kelopak mata mata separuh tertutup dan tidak berkerak kelihatan bengkak; mulut yang tegang dan lipatan nasolabial yang dalam menyatakan kewaspadaan biasa daripada kepekatan meditasi.

Semua ciri ini mendedahkan biografi dramatik sami ini, kisah pertapaan dan tragedi yang menakjubkan. Ganjin, seorang sami Buddha Cina, telah dijemput ke Jepun untuk upacara penyucian biara terbesar Nara, Todaiji. Kapal itu ditangkap oleh lanun, skrol yang tidak ternilai dan arca Buddha yang bertujuan untuk kuil Jepun yang jauh hilang dalam kebakaran, Ganjin membakar mukanya dan kehilangan penglihatannya. Tetapi dia tidak meninggalkan keinginan untuk berdakwah di pinggiran tamadun yang jauh - iaitu, bagaimana Jepun dianggap oleh benua itu pada masa itu.

Beberapa lagi percubaan untuk menyeberangi laut berakhir dengan cara yang sama tidak berjaya, dan hanya pada percubaan kelima, Ganjin yang sudah pertengahan umur, buta dan uzur itu sampai ke ibu kota Jepun, Nara.

Di Jepun, Ganjin tidak mengajar undang-undang Buddha untuk masa yang lama: peristiwa dramatik dalam hidupnya menjejaskan kesihatannya. Tetapi kuasanya sangat tinggi sehingga, mungkin, sebelum kematiannya, ia telah diputuskan untuk mencipta arcanya. Tidak dinafikan, sami artis berusaha untuk memberikan arca sebanyak mungkin persamaan dengan model itu. Tetapi ini tidak dilakukan untuk menyelamatkan penampilan seseorang, tetapi untuk menangkap pengalaman rohani individunya, jalan sukar yang dilalui Ganjin dan yang dipanggil ajaran Buddha.

Daibutsu - Buddha Besar Kuil Todaiji, Nara, pertengahan abad ke-8

Todd/flickr.com

Pada pertengahan abad ke-8, Jepun mengalami bencana alam dan wabak, dan tipu daya keluarga Fujiwara yang berpengaruh dan pemberontakan yang mereka bangkitkan memaksa Maharaja Shomu meninggalkan ibu kota, bandar Nara. Dalam buangan, dia berikrar untuk mengikuti jalan ajaran Buddha dan pada 743 mengarahkan pembinaan kuil utama negara dan penuangan patung gangsa Buddha Vairochana (Matahari Besar Buddha atau Semua Cahaya Menerangi). Dewa ini dianggap sebagai penjelmaan universal Buddha Shakyamuni, pengasas ajaran Buddha, dan sepatutnya menjadi penjamin perlindungan maharaja dan seluruh negara semasa tempoh pergolakan dan pemberontakan.

Kerja bermula pada 745 dan telah dimodelkan pada patung Buddha gergasi di kuil gua Longmen berhampiran ibu kota China Luoyang. Patung di Nara, seperti mana-mana imej Buddha, sepatutnya menunjukkan "tanda-tanda besar dan kecil Buddha." Kanun ikonografi ini termasuk cuping telinga yang memanjang, mengingatkan fakta bahawa Buddha Shakyamuni berasal dari keluarga pangeran dan dari zaman kanak-kanak memakai anting-anting berat, ketinggian di bahagian atas kepalanya (ushnisha), titik di dahinya (guci).

Ketinggian patung itu ialah 16 meter, lebar mukanya 5 meter, panjang telapak tangan yang dihulurkan ialah 3.7 meter, dan tempayan itu lebih besar daripada kepala manusia. Pembinaan mengambil 444 tan tembaga, 82 tan timah dan sejumlah besar emas, pencarian yang dilakukan khas di utara negara itu. Sebuah dewan, Daibutsuden, telah didirikan di sekeliling patung untuk melindungi kuil. Dalam ruang kecilnya, patung Buddha duduk yang sedikit tunduk memenuhi seluruh ruang, menggambarkan salah satu postulat utama Buddhisme - idea bahawa dewa itu ada di mana-mana dan meliputi segala-galanya, ia merangkumi dan memenuhi segala-galanya. Ketenangan transendental wajah dan isyarat tangan dewa (mudra, isyarat memberi perlindungan) melengkapi perasaan keagungan dan kuasa Buddha yang tenang.

Walau bagaimanapun, hanya beberapa serpihan patung asal yang kekal pada hari ini: kebakaran dan peperangan menyebabkan kerosakan besar pada patung itu pada abad ke-12 dan ke-16, dan patung moden kebanyakannya adalah tuangan abad ke-18. Semasa pemulihan abad ke-18, angka gangsa tidak lagi ditutup dengan emas. Semangat Buddhis Maharaja Shomu pada abad ke-8 secara praktikal mengosongkan perbendaharaan dan menumpahkan darah negara yang sudah terkejut, dan pemerintah kemudiannya tidak lagi mampu membayar perbelanjaan yang tidak wajar itu.

Walau bagaimanapun, kepentingan Daibutsu bukan terletak pada emas dan bukan juga pada keaslian yang boleh dipercayai - idea tentang penjelmaan ajaran Buddha yang begitu hebat adalah monumen kepada era apabila seni monumental Jepun mengalami pembungaan yang tulen, membebaskan dirinya daripada penyalinan buta sampel benua dan mencapai integriti dan ekspresif, yang kemudiannya hilang.

Orang Jepun menemui keindahan yang tersembunyi dalam benda pada abad ke-9-12, pada era Heian (794-1185) dan bahkan menetapkannya dengan konsep istimewa " mono no avare"(Bahasa Jepun: 物の哀れ (もののあわれ)), yang bermaksud "azimat menyedihkan." “Pesona benda” ialah salah satu takrifan terawal kecantikan dalam kesusasteraan Jepun, ia dikaitkan dengan kepercayaan Shinto bahawa setiap benda mempunyai dewa sendiri - kami - dan daya tarikan tersendiri. Avare adalah intipati dalaman sesuatu, yang menyebabkan kegembiraan, keseronokan.

- Washi (wasi) atau wagami (wagami).
Pembuatan kertas manual. Jepun zaman pertengahan menghargai washi bukan sahaja untuk kualiti praktikalnya, tetapi juga untuk kecantikannya. Dia terkenal dengan kehalusannya, hampir ketelusan, yang, bagaimanapun, tidak menghilangkan kekuatannya. Washi diperbuat daripada kulit pokok kozo (mulberi) dan beberapa pokok lain.
Kertas washi telah dipelihara selama berabad-abad, bukti ini adalah album dan jilid kaligrafi Jepun kuno, lukisan, skrin, ukiran yang telah turun selama berabad-abad hingga ke hari ini.
Kertas Vasya berserabut, jika anda melihat melalui mikroskop, anda akan melihat retakan di mana udara dan cahaya matahari menembusi. Kualiti ini digunakan dalam pembuatan skrin dan tanglung tradisional Jepun.
Cenderamata Washi sangat popular di kalangan orang Eropah. Banyak barangan kecil dan berguna dibuat daripada kertas ini: dompet, sampul surat, kipas. Mereka agak tahan lama tetapi ringan.

- Gohei.
Maskot daripada jalur kertas. Gohei - kakitangan ritual seorang paderi Shinto, di mana jalur zigzag kertas dilampirkan. Jalur-jalur kertas yang sama digantung di pintu masuk ke kuil Shinto. Peranan kertas dalam Shinto secara tradisinya sangat hebat, dan makna esoterik sentiasa dilampirkan pada produk yang dibuat daripadanya. Dan kepercayaan bahawa setiap perkara, setiap fenomena, bahkan perkataan, mengandungi kami - dewa - menjelaskan penampilan jenis ini seni gunaan macam gohei. Shintoisme agak serupa dengan paganisme kita. Bagi penganut Shinto, kami amat bersedia untuk menetap dalam apa jua perkara yang di luar kebiasaan. Sebagai contoh, di atas kertas. Dan lebih-lebih lagi dalam gohei yang dipintal menjadi zigzag yang rumit, yang tergantung hari ini di hadapan pintu masuk ke kuil Shinto dan menunjukkan kehadiran dewa di kuil. Terdapat 20 cara untuk melipat gohei, dan kaedah yang dilipat secara luar biasa menarik minat kami. Gohei kebanyakannya berwarna putih, tetapi emas, perak dan banyak lagi warna lain turut ditemui. Sejak abad ke-9, terdapat adat di Jepun untuk menguatkan gohei pada tali pinggang ahli gusti sumo sebelum permulaan pertarungan.

- Anesama.
Ini adalah pembuatan anak patung kertas. Pada abad ke-19, isteri samurai membuat anak patung kertas yang dimainkan oleh kanak-kanak, memakaikan mereka dengan pakaian yang berbeza. Pada masa-masa ketika tidak ada mainan, anesama adalah satu-satunya teman bicara untuk kanak-kanak, "melaksanakan" peranan ibu, kakak, anak dan kawan.
Anak patung itu dilipat dari kertas washi Jepun, rambut diperbuat daripada kertas berkerut, dicelup dengan dakwat dan ditutup dengan gam, yang memberikannya kilauan. Ciri tersendiri adalah hidung kecil yang bagus pada muka yang memanjang. Hari ini, mainan mudah ini, yang tidak memerlukan apa-apa selain tangan yang mahir, dalam bentuk tradisional, terus dibuat dengan cara yang sama seperti dahulu.

- Origami.
Seni kuno melipat kertas (折り紙, lit.: "kertas berlipat"). Seni origami berakar umbi China purba tempat kertas dicipta. Pada mulanya, origami digunakan dalam upacara keagamaan. Untuk masa yang lama, jenis seni ini hanya tersedia untuk wakil kelas atasan, di mana tanda rasa yang baik adalah memiliki teknik lipatan kertas. Hanya selepas Perang Dunia Kedua, origami melangkaui Timur dan datang ke Amerika dan Eropah, di mana ia segera menemui peminatnya. Origami klasik dilipat dari helaian kertas persegi.
Terdapat satu set simbol konvensional tertentu yang diperlukan untuk melakar skema lipatan walaupun produk yang paling kompleks. Kebanyakan tanda-tanda konvensional telah diamalkan pada pertengahan abad ke-20 oleh tuan Jepun yang terkenal Akira Yoshizawa.
Origami klasik menetapkan penggunaan satu helaian kertas berwarna sama rata tanpa gam dan gunting. Bentuk seni kontemporari kadangkala menyimpang daripada kanun ini.

- Kirigami.
Kirigami ialah seni memotong pelbagai bentuk daripada helaian kertas yang dilipat beberapa kali dengan bantuan gunting. Sejenis origami yang membolehkan penggunaan gunting dan pemotongan kertas dalam proses membuat model. Ini adalah perbezaan utama antara kirigami dan teknik lipatan kertas lain, yang ditekankan dalam nama: 切る (kiru) - potong, 紙 (gami) - kertas. Kita semua suka memotong kepingan salji pada zaman kanak-kanak - varian kirigami, anda boleh memotong bukan sahaja kepingan salji, tetapi juga pelbagai figura, bunga, kalungan dan benda kertas comel lain menggunakan teknik ini. Produk ini boleh digunakan sebagai stensil untuk cetakan, hiasan album, poskad, bingkai foto, reka bentuk fesyen, reka bentuk dalaman dan pelbagai hiasan lain.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 atau いけばな) diterjemahkan daripada Bahasa Jepun- ike" - kehidupan, "bana" - bunga, atau "bunga yang hidup". Seni gubahan bunga Jepun merupakan salah satu tradisi terindah masyarakat Jepun. Apabila menyusun ikebana, bersama-sama dengan bunga, dahan yang dipotong, daun dan pucuk digunakan. Prinsip asas adalah kesederhanaan yang indah, untuk mencapai yang mereka cuba tekankan kecantikan semula jadi tumbuhan. Ikebana adalah penciptaan bentuk semula jadi yang baru, di mana keindahan bunga dan keindahan jiwa tuan mencipta komposisi digabungkan secara harmoni.
Hari ini di Jepun terdapat 4 sekolah utama ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Sebagai tambahan kepada mereka, terdapat kira-kira seribu arah dan aliran berbeza yang mematuhi salah satu sekolah ini.

- Oribana.
Pada pertengahan abad ke-17, dua sekolah ohara (bentuk utama ikebana - oribana) dan koryu (bentuk utama - sek) bertolak dari ikenobo. By the way, sekolah ohara masih belajar hanya oribanu. Seperti yang orang Jepun katakan, adalah sangat penting bahawa origami tidak berubah menjadi origami. Gomi bermaksud sampah dalam bahasa Jepun. Lagipun, seperti yang berlaku, anda melipat sekeping kertas, dan kemudian apa yang perlu dilakukan dengannya? Oribana menawarkan banyak idea untuk karangan bunga untuk menghias pedalaman. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Kesilapan.
Sejenis seni halus yang lahir daripada floristry. Floristri muncul di negara kita lapan tahun yang lalu, walaupun ia telah wujud di Jepun selama lebih daripada enam ratus tahun. Suatu ketika pada Zaman Pertengahan, samurai memahami cara seorang pahlawan. Dan oshibana adalah sebahagian daripada laluan itu, sama seperti menulis hieroglif dan menghunus pedang. Maksud kesilapan itu ialah dalam keadaan kehadiran total pada masa itu (satori), tuan mencipta gambar bunga kering (bunga ditekan). Kemudian gambar ini boleh berfungsi sebagai kunci, panduan bagi mereka yang bersedia untuk memasuki kesunyian dan mengalami satori yang sama.
Intipati seni "oshibana" ialah, dengan mengumpul dan mengeringkan bunga, herba, daun, kulit kayu di bawah tekanan dan melekatkannya di pangkalan, pengarang mencipta dengan bantuan tumbuh-tumbuhan sebuah karya yang benar-benar "lukisan". Dalam erti kata lain, salah adalah melukis dengan tumbuhan.
Kreativiti artistik kedai bunga adalah berdasarkan pemeliharaan bentuk, warna dan tekstur bahan tumbuhan kering. Orang Jepun telah membangunkan teknik untuk melindungi lukisan "oshibana" daripada pudar dan gelap. Intipatinya ialah udara dipam keluar antara kaca dan gambar dan vakum dicipta yang menghalang tumbuhan daripada rosak.
Ia menarik bukan sahaja ketidakkonvensionalan seni ini, tetapi juga peluang untuk menunjukkan imaginasi, rasa, pengetahuan tentang sifat tumbuhan. Kedai bunga mencipta perhiasan, landskap, masih hidup, potret dan lukisan cerita.

- Bonsai.
Bonsai, sebagai fenomena, muncul lebih daripada seribu tahun yang lalu di China, tetapi budaya ini mencapai kemuncak pembangunannya hanya di Jepun. (bonsai - Jepun 盆栽 lit. "tanam dalam pasu") - seni menanam salinan tepat pokok sebenar dalam bentuk mini. Tumbuhan ini ditanam oleh sami Buddha beberapa abad sebelum era kita dan seterusnya menjadi salah satu aktiviti golongan bangsawan tempatan.
Bonsai menghiasi rumah dan taman Jepun. Pada era Tokugawa, reka bentuk taman menerima dorongan baru: penanaman azalea dan maple menjadi hobi untuk orang kaya. Pengeluaran tanaman kerdil (hachi-no-ki - "pokok dalam pasu") juga berkembang, tetapi bonsai pada masa itu sangat besar.
Sekarang pokok biasa digunakan untuk bonsai, ia menjadi kecil kerana pemangkasan berterusan dan pelbagai kaedah lain. Pada masa yang sama, nisbah saiz sistem akar, terhad oleh jumlah mangkuk, dan bahagian tanah bonsai sepadan dengan perkadaran pokok dewasa dalam alam semula jadi.

- Mizuhiki.
Analog Macrame. Ini adalah seni terapan Jepun purba untuk mengikat pelbagai simpulan daripada kord khas dan mencipta corak daripadanya. Karya seni sedemikian mempunyai skop yang sangat luas - daripada kad hadiah dan surat kepada gaya rambut dan beg tangan. Pada masa ini, mizuhiki digunakan secara meluas dalam industri hadiah - untuk setiap peristiwa dalam kehidupan, hadiah sepatutnya dibungkus dan diikat dengan cara yang sangat khusus. Terdapat banyak simpulan dan gubahan dalam seni mizuhiki, dan tidak semua orang Jepun mengetahui semuanya dengan hati. Sudah tentu, terdapat simpulan yang paling biasa dan mudah yang paling kerap digunakan: untuk ucapan tahniah atas kelahiran anak, untuk perkahwinan atau peringatan, ulang tahun atau kemasukan universiti.

- Kumihimo.
Kumihimo ialah tali jalinan Jepun. Apabila menenun benang, reben dan tali diperolehi. Tali ini ditenun pada mesin khas - Marudai dan Takadai. Mesin Marudai digunakan untuk menganyam tali bulat, dan Takadai untuk yang rata. Kumihimo dalam bahasa Jepun bermaksud "menenun tali" (kumi - menganyam, melipat bersama, himo - tali, renda). Walaupun fakta bahawa ahli sejarah berdegil menegaskan bahawa tenunan serupa boleh didapati di kalangan orang Scandinavia dan penduduk Andes, seni kumihimo Jepun sememangnya salah satu jenis tenunan yang paling kuno. Sebutan pertama mengenainya bermula pada tahun 550, apabila agama Buddha tersebar di seluruh Jepun dan upacara khas memerlukan hiasan khas. Kemudian, tali kumihimo mula digunakan sebagai pengancing untuk tali pinggang obi pada kimono wanita, sebagai tali untuk "membungkus" seluruh senjata samurai (samurai menggunakan kumihimo untuk tujuan hiasan dan berfungsi untuk mengikat perisai dan perisai kuda mereka) dan juga untuk mengikat objek berat.
Pelbagai corak kumihimo moden ditenun dengan mudah pada alat tenun kadbod buatan sendiri.

- Komono.
Apakah yang tinggal pada kimono selepas ia habis pada zamannya? Adakah anda fikir ia dibuang? Tiada yang seperti ini! Orang Jepun tidak akan berbuat demikian. Kimono mahal. Tidak terfikir dan mustahil untuk membuangnya begitu sahaja... Bersama-sama dengan jenis kitar semula kimono yang lain, tukang-tukang membuat cenderahati kecil daripada serpihan kecil. Ini adalah mainan kecil untuk kanak-kanak, anak patung, kerongsang, kalungan bunga, barang kemas wanita dan produk lain, kimono lama digunakan dalam pembuatan perkara comel kecil, yang secara kolektif dipanggil "komono". Perkara-perkara kecil yang akan menjalani kehidupan mereka sendiri, meneruskan laluan kimono. Inilah maksud perkataan "komono".

- Kanzashi.
Seni menghias klip rambut (paling kerap dihiasi dengan bunga (rama-rama, dll.) diperbuat daripada kain (terutamanya sutera). Kanzashi Jepun (kanzashi) ialah jepit rambut panjang untuk gaya rambut wanita Jepun tradisional. Ia diperbuat daripada kayu, lakuer, perak, kulit kura-kura yang digunakan dalam gaya rambut tradisional Cina dan Jepun. Kira-kira 400 tahun yang lalu, di Jepun, gaya gaya rambut wanita berubah: wanita berhenti menyikat rambut mereka dalam bentuk tradisional - taregami (rambut lurus panjang) dan mula menggayakannya dengan rumit dan bentuk pelik - nihongami. menggunakan pelbagai barang - penyepit rambut, tongkat, sikat.Pada masa itu, sisir kushi yang ringkas pun bertukar menjadi aksesori elegan kecantikan luar biasa, yang menjadi karya seni sebenar.Pakaian tradisional wanita Jepun tidak membenarkan perhiasan pergelangan tangan dan rantai, begitu juga gaya rambut kecantikan utama dan medan untuk ekspresi diri - serta menunjukkan rasa dan ketebalan dompet pemilik. Pada ukiran yang anda boleh lihat - jika anda melihat dengan teliti - bagaimana wanita Jepun dengan mudah menggantung sehingga dua puluh kanzashi mahal dalam gaya rambut mereka.
Kini terdapat kebangkitan semula dalam tradisi penggunaan kanzashi di kalangan wanita muda Jepun yang ingin menambah kecanggihan dan keanggunan pada gaya rambut mereka, barret moden boleh dihiasi dengan hanya satu atau dua bunga buatan tangan yang cantik.

- Kinusiga.
Jenis jahitan yang menakjubkan dari Jepun. Kinusiga (絹彩画) ialah kacukan antara batik dan kain perca. Idea utama ialah lukisan baharu dikumpul daripada kimono sutera lama sekeping demi sekeping - karya yang benar seni.
Pertama, artis membuat lakaran di atas kertas. Kemudian lukisan ini dipindahkan ke papan kayu. Kontur corak dipotong dengan alur, atau alur, dan kemudian carik kecil, padanan warna dan ton, dipotong daripada kimono sutera lama, dan tepi carik ini memenuhi alur. Apabila anda melihat gambar sedemikian, anda mendapat perasaan bahawa anda sedang melihat gambar, atau walaupun hanya melihat landskap di luar tingkap, ia sangat realistik.

- Temari.
Ini adalah bola bersulam geometri Jepun tradisional yang dibuat dengan jahitan ringkas yang dahulunya merupakan mainan kanak-kanak dan kini telah menjadi satu bentuk seni dengan ramai peminat bukan sahaja di Jepun tetapi di seluruh dunia. Adalah dipercayai bahawa satu masa dahulu produk ini dibuat oleh isteri samurai untuk hiburan. Pada awalnya, mereka benar-benar digunakan sebagai bola untuk permainan bola, tetapi secara beransur-ansur mereka mula memperoleh unsur artistik, kemudian bertukar menjadi perhiasan hiasan. Keindahan halus bola ini diketahui di seluruh Jepun. Dan hari ini, produk yang berwarna-warni dan dibuat dengan teliti adalah salah satu jenis kraf rakyat di Jepun.

- Yubinuki.
Bidal Jepun, apabila menjahit atau menyulam tangan, ia diletakkan pada phalanx tengah jari tengah tangan yang bekerja, dengan bantuan hujung jari jarum diberikan arah yang dikehendaki, dan jarum ditolak melalui cincin di tengah. jari dalam kerja. Pada mulanya, bidal yubinuki Jepun dibuat dengan ringkas - jalur kain padat atau kulit selebar kira-kira 1 cm dalam beberapa lapisan dililitkan pada jari dan diikat bersama dengan beberapa jahitan hiasan ringkas. Memandangkan yubinuki adalah barang yang diperlukan di setiap rumah, mereka mula dihiasi dengan sulaman geometri dengan benang sutera. Daripada jalinan jahitan, berwarna-warni dan corak yang rumit. Yubinuki dari barang rumah yang ringkas juga telah bertukar menjadi objek untuk "mengkagumi", hiasan kehidupan seharian.
Yubinuki masih digunakan dalam jahitan dan sulaman, tetapi ia juga boleh didapati hanya dipakai pada tangan pada mana-mana jari, seperti cincin hiasan. Sulaman gaya Yubinuki digunakan untuk menghiasi pelbagai objek dalam bentuk cincin - cincin serbet, gelang, berdiri temari, dihiasi dengan sulaman yubinuki, dan terdapat juga katil jarum bersulam dalam gaya yang sama. Corak Yubinuki boleh menjadi inspirasi hebat untuk sulaman temari obi.

- Suibokuga atau sumie.
Lukisan dakwat Jepun. ini gaya cina lukisan telah dipinjam oleh artis Jepun pada abad ke-14, dan pada akhir abad ke-15. menjadi aliran utama seni lukis di Jepun. Suibokuga ialah monokrom. Ia dicirikan oleh penggunaan dakwat hitam (sumi), bentuk pepejal arang atau diperbuat daripada jelaga dakwat Cina, yang dikisar dalam periuk dakwat, dicairkan dengan air, dan disapu dengan berus pada kertas atau sutera. Monokrom menawarkan tuan pilihan pilihan tonal yang tidak berkesudahan, yang dahulu dikenali oleh orang Cina sebagai "warna" dakwat. Suibokuga kadangkala membenarkan penggunaan warna sebenar, tetapi mengehadkannya kepada sapuan nipis dan telus yang sentiasa berada di bawah garisan dakwat. Lukisan dakwat berkongsi dengan seni kaligrafi ciri-ciri penting seperti ekspresi dikawal ketat dan penguasaan teknikal bentuk. Kualiti lukisan dakwat turun, seperti dalam kaligrafi, kepada integriti dan ketahanan terhadap koyak garis yang dilukis dalam dakwat, yang, seolah-olah, memegang karya seni pada dirinya sendiri, seperti tulang memegang tisu pada diri mereka sendiri.

- Etegami.
Poskad yang dilukis (e - gambar, ditandakan - huruf). Membuat poskad sendiri secara amnya merupakan aktiviti yang sangat popular di Jepun, dan sebelum cuti popularitinya semakin meningkat. Orang Jepun suka menghantar poskad kepada rakan mereka, dan mereka juga suka menerimanya. Ini adalah jenis surat cepat pada kosong khas, ia boleh dihantar melalui pos tanpa sampul surat. Bukan dalam etegami peraturan khas atau juruteknik, ia boleh menjadi mana-mana orang tanpa latihan khas. Etagami membantu dengan tepat menyatakan perasaan, kesan, ini adalah poskad buatan tangan yang terdiri daripada gambar dan surat pendek, menyampaikan emosi pengirim, seperti kemesraan, keghairahan, penjagaan, cinta, dll. Mereka menghantar poskad ini untuk cuti dan begitu sahaja, menggambarkan musim, aktiviti, sayur-sayuran dan buah-buahan, manusia dan haiwan. Lebih mudah gambar ini dilukis, lebih menarik ia kelihatan.

- Furoshiki.
Teknik membalut Jepun atau seni melipat kain. Furoshiki memasuki kehidupan orang Jepun untuk masa yang lama. Skrol kuno dari zaman Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) telah dipelihara dengan imej wanita yang membawa berkas pakaian yang dibalut dengan kain di atas kepala mereka. Teknik menarik ini bermula seawal 710 - 794 Masihi di Jepun. Perkataan "furoshiki" secara literal diterjemahkan kepada "permaidani mandi" dan merupakan sehelai kain persegi yang digunakan untuk membungkus dan membawa objek dari semua bentuk dan saiz.
Pada zaman dahulu, adalah kebiasaan untuk berjalan di mandi Jepun (furo) dengan kimono kapas ringan, yang dibawa oleh pelawat dari rumah. Pemandian itu juga membawa permaidani (shiki) khas untuk dia berdiri semasa membuka pakaian. Setelah bertukar menjadi kimono "mandi", pelawat itu membungkus pakaiannya dengan permaidani, dan selepas mandi membungkus kimono basah dalam permaidani untuk dibawa pulang. Oleh itu, tikar mandi telah menjadi beg pelbagai fungsi.
Furoshiki sangat mudah digunakan: fabrik mengambil bentuk objek yang anda balut, dan pemegang memudahkan untuk membawa beban. Di samping itu, hadiah yang dibalut bukan dengan kertas keras, tetapi dalam kain lembut, berbilang lapisan, memperoleh ekspresi istimewa. Terdapat banyak skim untuk melipat furoshiki untuk sebarang majlis, setiap hari atau perayaan.

- Amigurumi.
Seni Jepun mengait atau mengait haiwan boneka kecil dan makhluk humanoid. Amigurumi (編み包み, lit.: "berbalut rajutan") adalah haiwan yang paling kerap comel (seperti beruang, arnab, kucing, anjing, dll.), lelaki kecil, tetapi mereka juga boleh menjadi objek tidak bernyawa yang dikurniakan harta manusia. Contohnya kek cawan, topi, beg tangan dan lain-lain. Amigurumi dikait atau dikait atau dirajut. Baru-baru ini, amigurumi mengait telah menjadi lebih popular dan lebih biasa.
rajutan dari benang dalam kaedah mengait mudah - dalam lingkaran dan, tidak seperti kaedah mengait Eropah, bulatan biasanya tidak disambungkan. Mereka juga dirajut pada saiz yang lebih kecil berbanding dengan ketebalan benang untuk menghasilkan fabrik yang sangat padat tanpa sebarang celah untuk pemadat terkeluar. Amigurumi selalunya dibuat daripada bahagian dan kemudian disatukan, kecuali beberapa amigurumi, yang tidak mempunyai anggota badan, tetapi hanya mempunyai kepala dan badan, yang merupakan satu keseluruhan. Anggota badan kadangkala diisi dengan kepingan plastik untuk memberi mereka berat hidup, manakala bahagian badan yang lain dipenuhi dengan serat.
Penyebaran estetika amigurumi dipermudahkan oleh kecomelan mereka ("kawaii").

Dia mencipta lukisannya semasa zaman Taise (1912-26) dan Showa awal. Beliau dilahirkan pada tahun 1891
tahun di Tokyo, adalah anak kepada wartawan Kishida Ginko. Pada tahun 1908 beliau lulus dari sekolah, pada usia
Pada usia 15 tahun dia menjadi seorang Kristian dan menumpukan dirinya kepada aktiviti gereja, kemudian Kishida
Ryūsei mempelajari gaya seni Barat di studio Hakubakai di bawah
Seiki Kuroda (1866-1924), yang merupakan salah seorang pengasas Akademi Seni di Jepun.
Sudah pada tahun 1910, artis muda mula mempamerkan karyanya di tahunan itu
Pameran Negeri Banten. Karya awalnya, terutamanya landskap, telah dilukis
sangat dipengaruhi dan bergema gaya gurunya Kuroda Seiki.

Potret Reiko

Kemudian, artis itu bertemu dan berkawan dengan Musanoka Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu),
yang memperkenalkan artis kepada masyarakat Sirakaba (White Birch) dan memperkenalkannya kepada Eropah
Fauvisme dan Kubisme. Pembentukan Kishida Ryūsei sebagai artis berlaku pada yang pertama
dekad abad kedua puluh, apabila ramai artis muda Jepun pergi belajar
melukis di luar negara, terutamanya ke Paris. Kishida Ryūsei tidak pernah ke Eropah dan
tidak belajar dengan sarjana Eropah, tetapi pengaruh pasca-impresionisme Eropah ke atasnya
sangat besar, terutamanya karya Van Gogh dan Cezanne. Dari akhir tahun 1911 hingga awal
1912 dia telah diilhamkan oleh karya seniman Perancis kontemporari, dengan karyanya
Dia bertemu dalam majalah Shirakaba dan melalui buku bergambar. Kerja awalnya jelas
dicipta di bawah pengaruh Henri Matisse dan Fauvis.

Potret diri dengan topi, 1912
gaya: fauvisme

Pada tahun 1912, pada usia dua puluh satu, Kishida Ryūsei memulakan kerjaya sebagai
artis profesional, pameran solo pertamanya berlangsung di
Galeri Seni Rokando. Pada tahun yang sama, artis itu menganjurkannya
Fyizankai Art Circle untuk mengkaji dan mempromosikan
pasca-impresionisme.

Taman Presiden Syarikat Kereta Api Manchurian Selatan 1929

Bulatan itu tidak lama lagi dibubarkan kerana konflik dalaman selepas dua pameran.
Dari kira-kira 1914, artis itu meninggalkan Fauvisme, gaya awalnya. Pada tahun 1915
tahun, Kishida Reisai mencipta kumpulan Shodosa, di mana rakan utamanya, pelajar
dan artis Michisai Kono adalah pengikut.

Laluan pada Awal Musim Panas 1917
gaya: yoga-ka

Sejak masa itu, dia telah mengembangkan gaya uniknya sendiri sebagai tuan yang hebat, dalam bahasa Jepun
dalam bahasa ia dipanggil "shajitsu" atau "shasei", biasanya diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia sebagai realisme.
Artis menyederhanakan bentuk, mencari warna yang unik, semua ini berasal dari seni
Cezanne. Walaupun Kishida Reisai sangat menghargai seni Perancis, tetapi dalam tempoh kemudian dia
dianggap seni timur jauh lebih unggul daripada seni barat.

Jalan Dipotong Melalui Bukit, 1915
gaya: yoga-ka

Potret Bernard Leach, 1913
gaya: fauvisme

Potret diri, 1915,
gaya: yoga-ka

Potret diri, 1913,
gaya: yoga-ka

Potret diri, 1917,
gaya: yoga-ka

Potret seorang lelaki
gaya: yoga-ka

Bermula sekitar 1917, artis itu berpindah ke Kugenuma Fujisawa di kawasan Kanagawa. Dia mulakan
mengkaji gaya dan teknik artis renaissance Eropah utara seperti
Dürer dan Van Dyck. Dalam tempoh ini dia melukis siri lukisan terkenal anak perempuan Reiko,
yang menggabungkan hampir realisme fotografi dengan surreal
unsur hiasan. Pada awal 1920-an, Kishida Ryūsei mengambil minat
unsur seni oriental, khususnya, kepada lukisan Cina "Lagu" dan
"Dinasti Yuan".

"Potret Sanada Hisakichi"

Semasa Gempa Besar Kanto pada tahun 1923, rumah artis di Kugenum adalah
musnah, Kishida Ryūsei berpindah ke Kyoto untuk tempoh yang singkat, selepas itu pada bulan Februari
1926 kembali menetap di Kamakura. Pada tahun 1920-an, artis melukis banyak
artikel tentang estetika dan sejarah lukisan Jepun.

Cawan Teh Mangkuk Teh dan Tiga Epal Hijau, 1917
gaya: sezannisme

Masih hidup, 1918,
gaya: sezannisme

Dua Epal Merah, Cawan Teh, Mangkuk Teh dan Sebotol, 1918
gaya: sezannisme

Pada tahun 1929, dengan bantuan Kereta Api Manchuria Selatan, Kishida Ryūsei membuat
satu-satunya perjalanan asing dalam hidup saya, melawat Dalian, Harbin dan Fengtian
di Manchuria. Dalam perjalanan pulang, dia singgah di bandar Tokuyama, sebuah daerah
Yamaguchi, di mana dia tiba-tiba mati akibat keracunan diri akut pada badan. Kishida Ryusei
mencipta potret, landskap dan masih hidup sehingga kematian awalnya pada usia
38 tahun. Kubur artis itu terletak di Tanah Perkuburan Tama Reien di Tokyo. Selepas kematian
Kishida Ryūsei kepada dua lukisannya Agensi Kerajaan Jepun untuk Hal Ehwal Kebudayaan
dianugerahkan gelaran "Nasional nilai budaya". Pada Disember 2000, salah satu daripada
potretnya anak perempuannya Reiko dengan sapu tangan di bahunya dijual pada harga 360 juta yen, yang
menjadi harga tertinggi di lelongan lukisan Jepun.

Wilayah yang luas, secara konvensional dirujuk sebagai Timur Jauh, termasuk China, Jepun, Korea, Mongolia dan Tibet - negara yang mempunyai beberapa persamaan, tetapi pada masa yang sama perbezaan ketara dalam budaya.

Semua negara di Timur Jauh dipengaruhi oleh tamadun purba China dan India, di mana seawal milenium ke-1 SM, ajaran falsafah dan agama telah muncul yang meletakkan asas kepada konsep alam sebagai Kosmos yang komprehensif - yang hidup dan rohani. organisma yang hidup mengikut undang-undangnya sendiri. Alam semula jadi berada di tengah-tengah pencarian falsafah dan artistik sepanjang zaman pertengahan, dan undang-undangnya dianggap universal, menentukan kehidupan dan hubungan manusia. Dunia dalaman manusia dibandingkan dengan manifestasi alam yang pelbagai. Ini mempengaruhi perkembangan kaedah simbolik dalam seni visual, mentakrifkan bahasa puitis alegorinya. Di China, Jepun dan Korea, di bawah pengaruh sikap seperti itu terhadap alam semula jadi, jenis dan genre seni dibentuk, ensembel seni bina dibina, berkait rapat dengan landskap sekitarnya, seni taman dan, akhirnya, terdapat fajar lukisan landskap. Di bawah pengaruh tamadun India kuno, agama Buddha mula tersebar, dan agama Hindu juga mula tersebar di Mongolia dan Tibet. Sistem keagamaan ini bukan sahaja membawa idea-idea baru ke negara-negara Timur Jauh, tetapi juga memberi kesan langsung kepada perkembangan seni. Terima kasih kepada agama Buddha, bahasa seni arca dan lukisan baru yang tidak diketahui sebelum ini muncul di semua negara di rantau ini, ensemble dicipta, ciri cirinya adalah interaksi seni bina dan seni halus.

Ciri-ciri imej dewa Buddha dalam arca dan lukisan berkembang selama berabad-abad sebagai bahasa simbolik khas yang menyatakan idea tentang alam semesta, undang-undang moral dan takdir manusia. Oleh itu, pengalaman budaya dan tradisi rohani banyak orang telah disatukan dan dipelihara. Imej-imej seni Buddha merangkumi idea-idea konfrontasi antara kebaikan dan kejahatan, belas kasihan, cinta dan harapan. Semua kualiti ini menentukan keaslian dan kepentingan sejagat ciptaan luar biasa budaya seni Timur Jauh.

Jepun terletak di pulau-pulau Lautan Pasifik, terbentang di sepanjang pantai timur tanah besar Asia dari utara ke selatan. pulau Jepun terletak di kawasan yang sering dilanda gempa bumi dan taufan. Penduduk pulau-pulau itu terbiasa untuk sentiasa berjaga-jaga, berpuas hati dengan kehidupan yang sederhana, dengan cepat memulihkan rumah dan rumah mereka selepas bencana alam. Walaupun unsur-unsur semula jadi yang sentiasa mengancam kesejahteraan manusia, budaya Jepun mencerminkan keinginan untuk keharmonian dengan dunia luar, keupayaan untuk melihat keindahan alam semula jadi secara besar dan kecil.

Dalam mitologi Jepun, pasangan ketuhanan, Izanagi dan Izanami, dianggap sebagai nenek moyang segala-galanya di dunia. Daripada mereka datang tiga serangkai tuhan yang hebat: Amaterasu - dewi Matahari, Tsukiyomi - dewi Bulan dan Susanoo - dewa ribut dan angin. Menurut idea orang Jepun purba, dewa-dewa itu tidak mempunyai rupa yang kelihatan, tetapi diwujudkan dalam alam semula jadi itu sendiri - bukan sahaja di Matahari dan Bulan, tetapi juga di gunung dan batu, sungai dan air terjun, pokok dan rumput, yang telah dihormati sebagai roh-kami (bahasa Slovakia dalam terjemahan dari bahasa Jepun bermaksud angin ketuhanan). Pendewaan alam ini berterusan sepanjang tempoh Zaman Pertengahan dan dipanggil Shinto - jalan para dewa, menjadi agama kebangsaan Jepun; Orang Eropah memanggilnya Shinto. Asal-usul budaya Jepun berakar pada zaman dahulu. Karya seni terawal bermula pada abad ke-4...2 SM. Yang paling lama dan paling berkesan untuk seni Jepun ialah zaman Zaman Pertengahan (abad 6...19).

Reka bentuk rumah tradisional Jepun yang dibangunkan pada abad ke-17-18. Ia adalah bingkai kayu dengan tiga dinding boleh alih dan satu tetap. Dinding tidak mempunyai fungsi sokongan, jadi ia boleh dialihkan atau dialihkan, berfungsi sebagai tingkap pada masa yang sama. Pada musim panas, dindingnya adalah struktur kekisi, ditampal dengan kertas lut sinar yang membenarkan cahaya masuk, dan pada musim sejuk dan hujan ia ditutup atau digantikan dengan panel kayu. Dengan kelembapan yang tinggi dalam iklim Jepun, rumah mesti berventilasi dari bawah. Oleh itu, ia dinaikkan di atas paras tanah sebanyak 60 cm Untuk melindungi tiang sokongan daripada pereputan, ia dipasang pada asas batu.

Rangka kayu ringan mempunyai fleksibiliti yang diperlukan, yang mengurangkan daya pemusnah tolakan semasa gempa bumi yang kerap berlaku di negara ini. Bumbungnya, berjubin atau buluh, mempunyai kanopi besar yang melindungi dinding kertas rumah daripada hujan dan matahari musim panas yang terik, tetapi tidak menahan cahaya matahari yang rendah pada musim sejuk, awal musim bunga dan lewat musim luruh. Di bawah kanopi bumbung terdapat beranda.

Lantai ruang tamu ditutup dengan tikar - tikar tatami, di mana mereka kebanyakannya duduk, tidak berdiri. Oleh itu, semua bahagian rumah tertumpu kepada orang yang duduk. Oleh kerana tiada perabot kekal di dalam rumah, mereka tidur di atas lantai, di atas tilam tebal khas, yang disimpan di dalam almari pada siang hari. Mereka makan, duduk di atas tikar, di meja rendah, mereka juga berkhidmat untuk pelbagai pekerjaan. Sekatan dalaman gelongsor, ditutup dengan kertas atau sutera, boleh membahagikan premis dalaman bergantung pada keperluan, yang memungkinkan untuk menggunakannya dengan lebih pelbagai, bagaimanapun, adalah mustahil bagi setiap penghuninya untuk bersara sepenuhnya di dalam rumah, yang menjejaskan intra -hubungan keluarga dalam keluarga Jepun, dan dalam erti kata yang lebih umum - mengenai ciri-ciri watak kebangsaan orang Jepun. Butiran penting di rumah - ceruk yang terletak berhampiran dinding tetap - tokonama, di mana gambar boleh digantung atau gubahan bunga - ikebana boleh berdiri. Ia adalah pusat rohani rumah itu. Dalam hiasan niche, kualiti individu penghuni rumah, citarasa dan kecenderungan artistik mereka ditunjukkan.

Kesinambungan rumah tradisional Jepun ialah taman. Dia memainkan peranan sebagai pagar dan pada masa yang sama menghubungkan rumah dengan persekitaran. Apabila dinding luar rumah dialihkan, sempadan antara ruang dalaman rumah dan taman hilang dan perasaan dekat dengan alam semula jadi, komunikasi langsung dengannya tercipta. Ia adalah ciri penting sentimen kebangsaan. Walau bagaimanapun, bandar-bandar Jepun berkembang, saiz taman berkurangan, selalunya ia digantikan dengan komposisi simbolik kecil bunga dan tumbuh-tumbuhan, yang memainkan peranan yang sama dalam hubungan antara kediaman dan dunia semula jadi. rumah mitologi jepun ikebana netsuke

Seni menyusun bunga dalam pasu - ikebbna (kehidupan bunga) - bermula sejak adat kuno meletakkan bunga di atas altar dewa, yang merebak ke Jepun dengan agama Buddha pada abad ke-6. Selalunya, komposisi dalam gaya masa itu - rikka (bunga yang ditanam) - terdiri daripada cawangan pain atau cypress dan teratai, mawar, daffodil, dipasang di dalam kapal gangsa kuno.

Dengan pembangunan budaya sekular pada abad ke-10...12, gubahan bunga telah dipasang di istana dan kawasan kediaman wakil-wakil golongan bangsawan. Di mahkamah empayar, pertandingan khas dalam menyusun bunga menjadi popular. Pada separuh kedua abad ke-15, arah baru dalam seni ikebana muncul, pengasasnya ialah tuan Ikenobo Sen'ei. Karya-karya sekolah Ikenobo dibezakan oleh keindahan dan kecanggihan istimewa mereka, mereka dipasang di mezbah rumah dan dipersembahkan sebagai hadiah. Pada abad ke-16, dengan penyebaran upacara minum teh, sejenis ikebana khas telah dibentuk untuk menghiasi ceruk tokonoma di astaka teh. Keperluan kesederhanaan, keharmonian, warna terkawal, dipersembahkan kepada semua objek kultus teh, diperluaskan kepada reka bentuk bunga - tyabana (ikebana untuk upacara minum teh). Pakar teh terkenal Senno Rikyu mencipta gaya baru yang lebih bebas - nageire (bunga yang diletakkan secara sembarangan), walaupun dalam gangguan yang kelihatannya terdapat kerumitan dan keindahan khas imej gaya ini. Salah satu jenis nageire ialah apa yang dipanggil tsuribana, apabila tumbuhan diletakkan di dalam kapal yang digantung dalam bentuk perahu. Komposisi sedemikian ditawarkan kepada seseorang yang memegang jawatan atau lulus dari sekolah, kerana mereka melambangkan "keluar ke lautan kehidupan yang terbuka". Pada abad ke-17...19, seni ikebana menjadi meluas, dan adat timbul untuk latihan wajib kanak-kanak perempuan dalam seni membuat sejambak. Walau bagaimanapun, disebabkan oleh populariti ikebana, gubahan telah dipermudahkan, dan peraturan ketat stylerikka terpaksa ditinggalkan memihak kepada nageire, dari mana satu lagi gaya baru seika atau shoka (bunga hidup) muncul. Pada akhir abad ke-19, tuan Ohara Usin mencipta gaya moribana, inovasi utamanya ialah bunga diletakkan di dalam bekas yang luas.

Dalam komposisi ikebana, sebagai peraturan, terdapat tiga elemen wajib, yang menunjukkan tiga prinsip: Syurga, Bumi dan Manusia. Mereka boleh dijelmakan sebagai bunga, dahan dan rumput. Hubungan mereka antara satu sama lain dan elemen tambahan mencipta karya dengan gaya dan kandungan yang berbeza. Tugas artis bukan sahaja untuk mencipta komposisi yang indah, tetapi juga untuk menyampaikan sepenuhnya pemikirannya sendiri tentang kehidupan seseorang dan tempatnya di dunia. Karya-karya tuan ikebana yang luar biasa dapat menyatakan harapan dan kesedihan, keharmonian dan kesedihan rohani.

Menurut tradisi di ikebana, musim ini semestinya dihasilkan semula, dan gabungan tumbuhan membentuk hasrat baik simbolik yang terkenal di Jepun: pain dan mawar - panjang umur; peony dan buluh - kemakmuran dan keamanan; kekwa dan orkid - kegembiraan; magnolia - kesucian rohani, dsb.

Arca miniatur - netsuke mula tersebar luas pada abad 18-19 sebagai salah satu jenis seni dan kraf. Penampilannya disebabkan oleh fakta bahawa kostum kebangsaan Jepun - kimono - tidak mempunyai poket dan semua barang kecil yang diperlukan (paip, kantung, kotak ubat) dilekatkan pada tali pinggang menggunakan rantai kunci pengimbang. Netsuke, oleh itu, semestinya mempunyai lubang untuk renda, dengan bantuan objek yang dikehendaki dilampirkan padanya. Gantungan kunci dalam bentuk kayu dan butang telah digunakan sebelum ini, tetapi sejak akhir abad ke-18, tuan terkenal telah mengusahakan penciptaan netsuke, meletakkan tandatangan mereka pada karya itu.

Netsuke adalah seni kelas bandar, massa dan demokratik. Mengikut plot netsuke, seseorang boleh menilai keperluan rohani, minat harian, adat istiadat dan adat orang bandar. Mereka percaya kepada roh dan syaitan, yang sering digambarkan dalam patung kecil. Mereka menyukai patung "tujuh tuhan kebahagiaan", di antaranya yang paling popular ialah tuhan kekayaan Daikoku dan tuhan kebahagiaan Fukuroku. Plot berterusan netsuke adalah seperti berikut: terung retak dengan banyak biji di dalamnya - keinginan untuk anak lelaki yang besar, dua itik - simbol kebahagiaan keluarga. Sebilangan besar netsuke didedikasikan untuk topik harian dan kehidupan harian bandar. Ini adalah pelakon dan ahli silap mata yang mengembara, penjual jalanan, wanita yang melakukan pelbagai aktiviti, sami yang mengembara, pesilat, bahkan Belanda dalam eksotik mereka, dari sudut pandangan orang Jepun, pakaian - topi bertepi lebar, kamisol dan seluar. Dibezakan oleh kepelbagaian tematik, netsuke mengekalkan fungsi asalnya sebagai cincin kunci, dan tujuan ini menentukan kepada pengrajin bentuk yang padat tanpa butiran menonjol yang rapuh, bulat, menyenangkan untuk disentuh. Pilihan bahan juga berkaitan dengan ini: tidak terlalu berat, tahan lama, terdiri daripada satu bahagian. Bahan yang paling biasa adalah pelbagai jenis kayu, gading, seramik, lakuer dan logam.

Lukisan Jepun sangat pelbagai bukan sahaja dalam kandungan, tetapi juga dalam bentuk: ini adalah lukisan dinding, lukisan skrin, skrol menegak dan mendatar, dilaksanakan pada sutera dan kertas, helaian album dan kipas.

TENTANG lukisan kuno hanya boleh dinilai dengan rujukan dalam dokumen bertulis. Karya tertunggak terawal yang masih hidup bermula pada zaman Heian (794-1185). Ini adalah ilustrasi "The Tale of Prince Genji" yang terkenal oleh penulis Murasaki Shikibu. Ilustrasi dibuat pada beberapa skrol mendatar dan ditambah dengan teks. Mereka dikaitkan dengan berus artis Fujiwara Takayoshi (separuh pertama abad ke-12).

Ciri ciri budaya era itu, yang dicipta oleh bulatan kelas bangsawan yang agak sempit, adalah pemujaan kecantikan, keinginan untuk mencari dalam semua manifestasi kehidupan material dan rohani daya tarikan mereka, kadang-kadang sukar difahami dan sukar difahami. Lukisan pada masa itu, yang kemudiannya dipanggil yamato-e (secara harfiah lukisan Jepun), menyampaikan bukan tindakan, tetapi keadaan fikiran. Apabila wakil kelas tentera yang keras dan berani berkuasa, budaya era Heian mula merosot. Dalam lukisan pada skrol, prinsip naratif telah ditubuhkan: ini adalah legenda tentang keajaiban yang penuh dengan episod dramatik, biografi pendakwah agama Buddha, adegan pertempuran pahlawan. Pada abad ke-14-15, di bawah pengaruh ajaran mazhab Zen, dengan perhatian khusus kepada alam semula jadi, lukisan landskap mula berkembang (pada mulanya di bawah pengaruh model Cina).

Selama satu setengah abad, artis Jepun menguasai sistem seni Cina, menjadikan lukisan landskap monokrom sebagai hak milik seni negara. Pembungaan tertingginya dikaitkan dengan nama tuan cemerlang Toyo Oda (1420...1506), lebih dikenali dengan nama samaran Sesshu. Dalam landskapnya, dengan hanya menggunakan warna dakwat hitam yang terbaik, dia berjaya mencerminkan semua kepelbagaian warna dunia semula jadi dan keadaannya yang tidak terkira banyaknya: suasana tepu lembapan awal musim bunga, angin yang tidak kelihatan tetapi terasa dan hujan musim luruh yang sejuk, yang tidak bergerak. kesunyian musim sejuk.

Abad ke-16 membuka era yang dipanggil akhir Zaman Pertengahan berlangsung selama tiga setengah abad. Pada masa ini, lukisan dinding menjadi meluas, menghiasi istana raja-raja negara dan tuan-tuan feudal yang besar. Salah seorang pengasas arah baru dalam lukisan ialah tuan terkenal Kano Eitoku, yang hidup pada separuh kedua abad ke-16. Ukiran kayu (xylography), yang berkembang pada abad 18-19, menjadi satu lagi jenis seni halus pada Zaman Pertengahan. Ukiran, seperti lukisan genre, dipanggil ukiyo-e (gambar dunia seharian). Sebagai tambahan kepada artis yang mencipta lukisan dan menulis namanya pada helaian siap, ukiran itu dicipta oleh pengukir dan pencetak. Pada mulanya, ukiran itu adalah monofonik, ia dilukis dengan tangan oleh artis sendiri atau oleh pembeli. Kemudian percetakan dalam dua warna dicipta, dan pada tahun 1765 artis Suzuki Harunobu (1725-1770) pertama kali menggunakan percetakan pelbagai warna. Untuk melakukan ini, pengukir meletakkan kertas surih dengan corak pada papan gergaji membujur yang disediakan khas (dari pir, ceri atau boxwood Jepun) dan potong bilangan papan bercetak yang diperlukan, bergantung pada skema warna ukiran. Kadang-kadang terdapat lebih daripada 30 daripada mereka. Selepas itu, pencetak, memilih warna yang betul, membuat cetakan pada kertas khas. Kemahirannya adalah untuk mencapai padanan tepat kontur setiap warna, diperoleh daripada papan kayu yang berbeza. Semua ukiran dibahagikan kepada dua kumpulan: teater, yang menggambarkan pelakon Jepun. teater klasik Kabuki dalam pelbagai peranan, dan kehidupan seharian, didedikasikan untuk imej keindahan dan adegan dari kehidupan mereka. Sarjana cetakan teater yang paling terkenal ialah Toshushai Syaraku, yang dekat-dekat menggambarkan wajah para pelakon, menekankan ciri-ciri peranan yang mereka mainkan, sifat perwatakan seseorang yang dijelmakan semula sebagai watak dalam drama: kemarahan, ketakutan, kekejaman, penipuan.

Artis cemerlang seperti Suzuki Harunobu dan Kitagawa Utamaro menjadi terkenal dalam kehidupan seharian ukiran. Utamaro adalah pencipta imej perempuan mewujudkan cita-cita kecantikan nasional. Heroinnya nampaknya telah membeku seketika dan kini akan meneruskan pergerakan anggun mereka yang lancar. Tetapi jeda ini adalah momen yang paling ekspresif apabila kecondongan kepala, isyarat tangan, siluet sosok itu menyampaikan perasaan yang mereka tinggali.

Pengukir yang paling terkenal ialah artis cemerlang Katsushika Hokusai (1776-1849). Karya Hokusai adalah berdasarkan budaya bergambar Jepun yang berabad-abad lamanya. Hokusai membuat lebih 30,000 lukisan dan menggambarkan kira-kira 500 buku. Sudah berusia tujuh puluh tahun, Hokusai mencipta salah satu karya paling penting - satu siri "36 Views of Fuji", yang membolehkannya diletakkan setanding dengan artis seni dunia yang paling cemerlang. Menunjukkan Gunung Fuji - simbol kebangsaan Jepun - dari tempat yang berbeza, Hokusai buat pertama kalinya mendedahkan imej tanah air dan imej rakyat dalam perpaduan mereka. Artis melihat kehidupan sebagai satu proses dalam semua kepelbagaian manifestasinya, mulai dari perasaan mudah seseorang, aktiviti hariannya dan berakhir dengan alam sekeliling dengan unsur dan keindahannya. Karya Hokusai, yang menyerap pengalaman berabad-abad seni rakyatnya, adalah puncak terakhir dalam budaya seni Jepun zaman pertengahan, hasil yang luar biasa.

Jepun sentiasa dibezakan dengan sikap hormatnya terhadap pemeliharaan dan penghasilan semula tradisi kunonya, dan ciri yang luar biasa ini menjadikan Negara ini matahari terbit tempat yang unik di mana inovasi moden digabungkan secara harmoni dengan tradisi budaya berabad-abad lamanya dalam kehidupan rakyat Jepun biasa.

Jika anda pernah ke Jepun sebelum ini, anda pasti pernah menjumpai mangkuk sup merah dan hitam, dulang, penyepit dan banyak lagi. objek lacquered(rakan sejawatan mereka yang agak berkualiti rendah boleh didapati di negara kita). Seni pernis adalah salah satu kraf tradisional Jepun yang berasal dari zaman purba - produk pertama ditemui di Jepun seawal zaman Jomon (14,000-300 SM) - dan telah bertahan hingga ke hari ini. Pada zaman moden, lacquerware Jepun telah dieksport secara aktif dan menjadi sejenis "jenama" negara - bukan kebetulan bahawa di dunia Barat perkataan "jepun" memperoleh makna kedua - "varnis, lacquerware, sapukan varnis."

Lakuer Jepun adalah bahan organik diperbuat daripada getah pokok urushi (漆), yang diekstrak dengan menggaru pokok itu. Varnis yang dihasilkan juga dipanggil. Adalah dipercayai bahawa perkataan ini berasal daripada dua perkataan Jepun yang lain: uruwashii (麗しい), yang bermaksud "cantik, cantik", dan uruosu (潤す), yang bermaksud "melembapkan". Urushi hieroglif itu sendiri, tidak seperti nama pokok lain, yang ditulis menggunakan kunci "pokok" [木] (桜 - sakura, 梅 - plum, 松 - pain, dll.), mempunyai kunci "air" [氵], yang menekankan pokok ini lebih dihargai kerana airnya iaitu jus yang terkandung di dalamnya. Dalam bahasa Jepun, barang lakuer dipanggil shikki (漆器: 漆 "varnis, kayu lakuer" + 器 "alat, aksesori") atau nurimono (塗物: 塗る "sapukan, cat" + 物 "benda, objek").

Lakuer yang diawet membentuk salutan pelindung yang menangkis air dan menghalang item daripada reput, serta menjadikannya kurang terdedah kepada serangan asid, alkali, garam dan alkohol. Sebagai bahan untuk produk, kayu (bahan yang paling biasa), kulit, kertas, seramik, kaca, logam dan juga plastik digunakan. Terdapat banyak cara untuk mencipta dan menghiasi pernis. Mari kita bercakap sedikit hari ini mengenai jenis kraf Jepun yang paling terkenal ini.

Ouchi lacquerware

Seni lakuer Ouchi berasal dari Prefektur Yamaguchi (山口県) melalui usaha panglima perang Ouchi Hiroyo (1325-1380). Dalam usaha untuk mengubah harta bendanya menjadi sejenis modal pada masa itu, Kyoto (京都), dia secara aktif menjemput pelbagai tuan dan tukang, menghasilkan gabungan kemahiran dan idea tukang Kyoto dengan tradisi tempatan melahirkan budaya baru yang unik.

Barangan lakuer Kishu

Kira-kira pada abad ke-14-16. Sami Buddha di kuil Negoroji (di kawasan bandar moden Iwade (岩出市), Wilayah Wakayama (和歌山県) memulakan pengeluaran pernis utilitarian - penyepit, dulang, mangkuk, serta keagamaan. kultus - objek untuk sembahyang dan mantera. Oleh kerana ketukangan mereka tidak sempurna, di beberapa tempat terdapat bintik-bintik pada barang siap. gaya istimewa produk diberi nama Negoro. Pada abad ke-17, dengan sokongan pihak berkuasa kerajaan Kishu, pernis sami menjadi terkenal, dan nama kawasan ini diberikan kepada mereka.

Batang Wakasa Berlaku

Peralatan dapur bervarnis ini dibuat di Bandar Obama (小浜市), Prefektur Fukui (福井県). Lebih daripada 80% daripada semua penyepit lacquer di Jepun dihasilkan di sini. Tongkat kecantikan dan keanggunan yang luar biasa seperti itu adalah hadiah perkahwinan yang popular di Tanah Matahari Terbit.

Barangan lakuer Odawara

Wilayah Kanagawa (神奈川県). Seni lakuer jenis ini bermula sejak zaman Kamakura (1185-1333), apabila klan Hojo yang kuat dan berpengaruh secara aktif mempromosikan pembangunan kraf tersebut, menjadikan bandar Odawara (小田原市) sebagai pusat pengeluaran lakuer. Pada zaman Edo (1603-1868), sebilangan besar produk sedemikian telah dieksport ke Edo (Tokyo hari ini) - mangkuk, dulang dan juga perisai lacquered.

Barangan lakuer Kagawa

Wilayah Kagawa (香川県). Pada tahun 1638, Daimyo Yorishige Matsudaira datang ke tempat-tempat ini atas pelantikan shogun. Dia dibezakan oleh kecintaannya terhadap barangan lakuer dan arca, jadi dia mula mengembangkan jenis seni dan kraf ini dalam domainnya. Dua abad kemudian, terima kasih kepada kerja tuan Tsukoku Tamakaji (1807-1869), pernis Kagawa menjadi terkenal di seluruh negara. Penggunaan kaedah khas mengisar dan menggilap menepu produk dengan kecemerlangan yang luar biasa.

Barangan lakuer Wajima

Wilayah Ishikawa (石川県). Contoh tertua bagi jenis seni ini ialah pintu gerbang Kuil Shigezo di Wajima City (輪島市), yang dibina sekitar 1397. Semasa zaman Edo (1603-1868), serbuk zinoko telah dicipta, diperbuat daripada tanah liat yang dibakar yang dihancurkan, yang menjadikan pernis ini sangat tahan lama, yang sangat mempengaruhi permintaan mereka di kalangan penduduk.

Alat lakuer Aizu

Aizu ware adalah salah satu seni tradisional Prefektur Fukushima (福島県). Kemunculan kraf ini bermula pada tahun 1590, apabila tuan feudal tempatan Gamo Ujisato mula memanggil tuan dari bekas hartanya, kemudian melewati mereka teknologi terkini kerajinan pada masa itu. Hasilnya, Aizu menjadi salah satu pengeluar lakuer terbesar. Perluasan pengeluaran membawa kepada kemungkinan mengeksport produk ke China dan Belanda, yang memuliakan rantau ini di negara lain.

Barangan lakuer Tsugaru

Tsugaru ialah nama bahagian barat Prefektur Aomori (青森県). Seni lakuer Tsugaru berasal dari abad ke-17 dan ke-18, apabila pembangunan perindustrian digalakkan di bandar-bandar semasa zaman Edo. Gaya tsugaru muncul daripada peningkatan ini, kerana para tukang dan tukang di kawasan itu diberi dorongan dan peluang untuk mengembangkan lagi kemahiran mereka. Apabila mencipta produk, kaedah yang digunakan lebih daripada 300 tahun dahulu masih digunakan sehingga kini.

Kami telah melihat beberapa gaya utama seni lakuer Jepun. Tidak dinafikan, terdapat banyak lagi daripada mereka, dan banyak lagi ditambah dengan teknik baru dan ditambah baik.

Kraf Jepun mencipta barangan lakuer berasal dari zaman purba dan telah bertahan hingga ke hari ini, sebagai salah satu jenis seni dan kraf yang paling elegan, harmoni, menakjubkan di dunia. Ini adalah salah satu tradisi budaya, tanpa mengambil kira yang mana kita tidak akan dapat memahami sepenuhnya visi dunia, prinsip estetika dan watak orang Jepun.

Mungkin sukar bagi orang yang tidak berpengalaman untuk memahami semua jenis pernis pada mulanya. Oleh itu, adalah lebih baik untuk pergi ke sekitar kedai di mana ia dijual, melihatnya secara langsung, berbual dengan penjual dan, jika anda ingin membeli sesuatu untuk diri sendiri dan rakan anda sebagai hadiah, pilih item yang anda suka.

Jika anda akan melawat Tanah Matahari Terbit, kursus kami mungkin berguna: ikuti dan daftar sekarang!