Budaya dan seni Renaissance - abstrak. Esei

Renaissance adalah salah satu halaman yang paling mengagumkan dalam sejarah seni dunia. Ia meliputi kira-kira tiga abad (abad XIV - XVI). Berbanding dengan era Dunia Purba (kira-kira 5,000 ribu tahun), Zaman Pertengahan (kira-kira 1,000 tahun), Renaissance nampaknya merupakan tempoh masa yang sangat singkat. Walau bagaimanapun, dari segi bilangan karya seni yang cemerlang, kebaharuan dan keberanian pencarian para sarjana era itu, warisan seni Renaissance tidak kalah dengan peringkat sebelumnya dalam perkembangan seni dunia.

Itali menjadi tempat kelahiran Renaissance. Sudah pada abad ke-14, dalam tulisan penyair humanis Itali yang hebat Francesco Petrarch (1304-1374), konsep Rinascimento - Renaissance (dalam bahasa Perancis "Renaissance") muncul.

Pada masa ini, asas sains moden diletakkan, kesusasteraan mencapai tahap yang tinggi, dan dengan penciptaan percetakan oleh Johann Gutenberg Jerman, ia menerima kemungkinan pengedaran yang belum pernah terjadi sebelumnya. Pada masa ini, Christopher Columbus dan Copernicus membuat penemuan mereka, orang Itali yang hebat Dante, Petrarch, Francois Rabelais Perancis, pengarang novel "Gargantua dan Pantagruel", Michel Montaigne, pencipta "Pengalaman" yang terkenal, menulis abadi mereka berfungsi. Tragedi Shakespeare dan Don Quixote karya Cervantes, yang menyerlahkan kedalaman wawasan mereka tentang psikologi manusia, pengetahuan tentang nafsu dan aspirasinya, telah ditulis semasa Renaissance.

Asas ideologi budaya Renaissance adalah arah falsafah humanisme (dari bahasa Latin "humanus" - manusia). Manusia sekali lagi menjadi “ukuran segala sesuatu”. Moto seni Renaissance boleh diambil daripada kata-kata yang dimasukkan oleh humanis Itali abad ke-15. Count Pico della Mirandola dalam puji-pujiannya, di mulut Tuhan Pencipta, berkata kepada manusia: "Saya meletakkan kamu di tengah-tengah dunia..."

Tidak seperti budaya Romanesque dan Gothic, budaya zaman pertengahan Renaissance adalah bersifat sekular, walaupun julat subjek utama kekal berkaitan dengan tema mitologi dan alkitabiah. Zaman Renaissance membezakan pandangan dunia para humanis, yang menegaskan nilai peribadi manusia, dengan dogma gereja.

Salah satu asas seni Renaissance adalah pemahaman baru tentang warisan zaman dahulu.

Cita-cita humanisme juga tercermin dalam seni bina: bangunan memperoleh penampilan yang jelas dan harmoni, perkadaran dan skalanya sesuai dengan seseorang.

Pengasas sebenar seni yang bagus Daripada High Renaissance ialah Florentine Leonardo da Vinci yang cemerlang (1452-1519)

Manuskrip Leonardo menunjukkan bahawa dia bukan sahaja seorang pelukis dan pengukir yang hebat, tetapi juga seorang arkitek, mekanik, jurutera, ahli botani, dan ahli anatomi.

Sebagai seorang yang berbakat, Leonardo da Vinci berminat dengan semua yang mengelilinginya, menulis tanggapannya dalam buku nota yang selalu dibawanya. "Sambil menikmati kehausan ilmu yang tidak terhingga, saya bermimpi untuk memahami asal usul banyak makhluk alam," katanya tentang dirinya. Sepanjang hidupnya, artis memandang dunia dengan semua kepelbagaian bentuknya sebagai ciptaan alam semula jadi, mempunyai "mindanya sendiri", menyeru pelukis untuk menjadi perantara antara alam dan seni.

Tempat kelahiran Renaissance ialah Itali. Kesusasteraan Renaissance tidak dapat dipisahkan dari arus dalam kehidupan rohani era ini - humanisme (perlindungan kebebasan berfikir, pemusnahan sempadan kelas, pembebasan individu). Terdapat 2 peringkat dalam perkembangan budaya Renaissance: awal dan akhir. Di antara peringkat utama kita boleh membezakan secara kasar peringkat Renaissance "tinggi".

Permulaan Renaissance dikaitkan dengan nama dan karya Dante Alighieri. Kehidupan dan kerja Dante Alighieri. Puisi Dante Dante dilahirkan pada separuh kedua Mei 1265 di Florence, pusat kebudayaan utama Itali pada abad ke-12-14. Adalah diketahui bahawa Alighieri memiliki rumah dan sebidang tanah di Florence dan sekitarnya dan merupakan golongan berpendapatan sederhana.Pada usia 18 tahun, Dante kehilangan bapanya dan menjadi anak sulung dalam keluarga. Pada tahun 1283, beliau mendaftar dalam persatuan ahli farmasi dan doktor. Dante menerima pendidikan di sekolah zaman pertengahan, kemudian belajar bahasa Perancis dan Provençal. Penyair muda dengan teliti mempelajari penyair kuno, terutamanya Virgil, yang dia anggap sebagai "pemimpin, tuan dan guru" sepanjang hidupnya.

Hobi utama Dante muda adalah puisi. Dia mula menulis puisi awal dan sudah pada awal 80-an abad ke-13. menulis banyak puisi lirik, hampir secara eksklusif mengandungi kandungan cinta. Pada usia 18 tahun, Dante mengalami krisis psikologi yang hebat - cintanya kepada Beatrice, anak perempuan Florentine Folco Portinari, kawan bapanya, yang kemudiannya berkahwin dengan bangsawan Simone de Bardi dan meninggal dunia pada 1290 pada usia 25 tahun. Dante menggariskan kisah cintanya kepada Beatrice dalam koleksi kecil "Kehidupan Baru". Selepas kematian Beatrice, penyair secara intensif mempelajari teologi, falsafah dan astronomi dan menjadi salah satu orang yang paling terpelajar pada zamannya. Dante mengambil bahagian secara aktif kehidupan politik Florence.

Pada tahun 90-an, dia duduk di majlis bandar, menjalankan tugasan diplomatik, dan pada Jun 1300 dia dipilih sebagai ahli kolej enam priors yang memerintah Florence. Dalam perjuangan antara parti Putih dan Hitam, Dante berpihak kepada Putih. Pada November 1301, Putera Charles dari Valois melakukan tindakan balas terhadap penyokong parti Putih. Pada Januari 1302, Dante dijatuhi hukuman denda yang besar. Dia secara peribadi dituduh rasuah. Penyair, takut yang paling teruk, melarikan diri dari Florence. Dia menghabiskan sisa hidupnya dalam buangan. Dante menghabiskan tahun-tahun terakhir hidupnya di Ravenna bersama Putera Guido da Polenta, anak saudara Francesca da Rimini, yang dipujinya. Di sini dia mengerjakan "Lawak Ilahi" yang terkenal.

Dante berharap untuk pulang ke tanah air yang mulia, tetapi tidak hidup untuk melihatnya. Beliau meninggal dunia pada 14 September 1321. di Ravenna. Selepas itu, Florence membuat percubaan kontroversial untuk menuntut semula abu buangan besar, tetapi Ravenna selalu menolaknya. Dante memulakan kerjaya sasteranya sebagai penyair sastera. Pada tahun 1292 (pada usia 27 tahun), Dante menulis yang pertama dalam sejarah kesusasteraan Eropah Barat cerita autobiografi""Kehidupan Baru", di mana dia memasukkan tiga puluh puisi yang didedikasikan untuk Beatrice. Dante tidak memasukkan semua puisinya dalam buku itu, tetapi hanya puisi yang dia anggap paling berkait rapat dengan Beatrice. Hasil daripada pemilihan subjektif sedemikian, dia kekal di luar buku keseluruhan baris puisi yang sangat baik. Puisi disusun mengikut susunan fonologi. "A New Life" bermula dengan kisah tentang pertemuan pertama seorang penyair berusia sembilan tahun dengan rakan sebayanya Beatrice.

Walaupun begitu hatinya "bergetar." Sembilan tahun kemudian, pertemuan kedua penyair dengan Beatrice berlaku, yang menyebabkan keseronokan besar dalam jiwa Dante. Gadis itu tunduk kepadanya dengan mesra, dan ini memenuhi jiwanya dengan kebahagiaan. Penyair melihat mimpi: tuhan cinta membawa kekasihnya dalam pelukannya dan memberinya rasa hati penyair. Rakan-rakan mengejek Dante dan mengisytiharkan dia sakit. Ini mendorong Dante untuk menyembunyikan cintanya kepada Beatrice. Dia berpura-pura bercinta dengan perempuan lain. Kepura-puraan itu ternyata sangat meyakinkan sehingga Beatrice berhenti tunduk kepadanya.

Penyair sedang berputus asa. Sepanjang buku itu, dia bercakap tentang kesan penghormatan Beatrice terhadap dirinya dan orang-orang di sekelilingnya. Titik perubahan utama dalam "Kehidupan Baru" ialah kematian Beatrice. Kisah kematian Beatrice disediakan oleh kisah kematian bapanya dan kesedihan Beatrice. Penyair mempunyai firasat bahawa kekasihnya akan segera meninggal dunia. Dia mempunyai mimpi di mana dia dimaklumkan tentang kematian Beatrice. Apabila dia bangun, salah seorang kawannya mengatakan bahawa Beatrice telah meninggal dunia. Keputusasaan penyair tidak mengenal batas. Puisinya menyampaikan kedalaman dan ketulusan perasaan:

Keputusasaan air mata, kemarahan kekeliruan

Mengikuti saya tanpa henti

Bahawa setiap pandangan mengasihani nasib saya.

Bagaimanakah kehidupan saya mulai saat itu?

Bagaimana Madonna berpindah ke dunia lain,

Bahasa manusia tidak boleh memberitahu.

Beberapa tahun berlalu tanpa harapan, penyair bertemu dengan beberapa "wanita yang belas kasihan" dan menjadi tergila-gila dengannya buat sementara waktu. Tetapi dia segera bertaubat dan memutuskan untuk menumpukan dirinya sepenuhnya untuk melaungkan Beatrice. Dia ingin mengumpul ilmu untuk menceritakan tentang kekasihnya sesuatu yang tidak pernah diperkatakan tentang mana-mana wanita.

Mungkin ini cara saya akan memulakan karangan saya. Anda mungkin bertanya mengapa ini begitu? Saya akan cuba menerangkannya kepada anda. Ketujuh Disember dua ribu tujuh adalah hari yang paling diingati, ajaib, luar biasa bagi saya. Saya menyaksikan dunia Kecantikan yang diberikan oleh peristiwa itu kepada saya...

1. Baru!

   Perkataan "budaya" berasal dari perkataan Latin colere, yang bermaksud mengolah, atau mengolah tanah. Pada Zaman Pertengahan, perkataan ini mula menunjukkan kaedah penanaman bijirin yang progresif, oleh itu istilah pertanian atau seni pertanian timbul....

Istilah "anomie," yang menandakan pelanggaran perpaduan budaya kerana kekurangan norma sosial yang dirumuskan dengan jelas, pertama kali diperkenalkan oleh Emile Durkheim pada 90-an abad yang lalu. Pada masa itu anomie berpunca daripada pengaruh agama yang semakin lemah...

Sepertiga terakhir abad ke-18 adalah masa berbunga penting seni Rusia. Ini dijelaskan terutamanya oleh fakta bahawa wakil orang ramai dan lapisan sosial yang rapat dengan mereka datang kepada seni (terutamanya lukisan), berbakat dengan kreatif yang hebat...

Menurut beberapa sumber, Renaissance bermula pada abad ke-14 - ke-17. menurut orang lain - hingga abad ke-15 - ke-18. Terdapat juga pandangan untuk tidak memilih kebangkitan sebagai satu era, tetapi untuk menganggapnya akhir Zaman Pertengahan. Ini adalah tempoh krisis feudalisme dan perkembangan hubungan borjuasi dalam ekonomi dan ideologi. Istilah kebangkitan (Renaissance) diperkenalkan untuk menunjukkan bahawa pada era ini nilai-nilai terbaik dan cita-cita kuno, yang dimusnahkan oleh orang gasar (seni bina, arca, lukisan, falsafah, kesusasteraan) telah dihidupkan semula, tetapi istilah ini ditafsirkan dengan sangat bersyarat. , kerana adalah mustahil untuk memulihkan keseluruhan masa lalu. Ini bukan kebangkitan masa lalu dalam bentuk tulen - ia adalah penciptaan yang baru menggunakan banyak nilai rohani dan material zaman dahulu. Lebih-lebih lagi, adalah mustahil untuk memadamkan nilai-nilai sembilan abad Zaman Pertengahan, terutamanya nilai-nilai rohani yang dikaitkan dengan agama Kristian.

Renaissance adalah sintesis tradisi kuno dan zaman pertengahan, tetapi lebih banyak lagi tahap tinggi. Pada setiap peringkat era ini, arah tertentu adalah dominan. Jika pada mulanya ia adalah "Prometheisme", iaitu ideologi yang mengandaikan persamaan semua orang secara semula jadi, serta pengiktirafan kepentingan peribadi dan individualisme. Kemudian yang baru muncul teori sosial, mencerminkan semangat zaman, dan peranan dominan diduduki oleh teori humanisme. Humanisme Renaissance tertumpu pada pemikiran bebas dan, oleh itu, pada struktur kehidupan sosial dan negara yang adil, yang paling sering sepatutnya dicapai atas dasar demokrasi dalam rangka sistem republik.

Pandangan tentang agama juga mengalami perubahan. Falsafah semula jadi menjadi popular semula dan "panthemisme" (doktrin yang menafikan Tuhan sebagai manusia dan membawanya lebih dekat dengan alam semula jadi) semakin meluas.

Tempoh terakhir Renaissance ialah era Reformasi, melengkapkan revolusi progresif terbesar dalam pembangunan budaya Eropah. Biasanya kepentingan sejarah Renaissance dikaitkan dengan idea dan pencapaian artistik humanisme, yang mengisytiharkan kehebatan dan maruah manusia berbeza dengan pertapaan Kristian zaman pertengahan. Haknya untuk aktiviti yang munasabah, untuk kesenangan dan kebahagiaan dalam kehidupan duniawi. Humanis melihat dalam diri manusia ciptaan Tuhan yang paling indah dan sempurna. Mereka meluaskan kepada manusia ciptaan dan kebolehan kreatif yang wujud dalam Tuhan; mereka melihat tujuannya dalam pengetahuan dan transformasi dunia, dihiasi dengan karyanya, dalam perkembangan sains dan kerajinan.

Bermula di Jerman, Reformasi melanda beberapa negara Eropah dan membawa kepada penyingkiran dari Gereja Katolik di England, Scotland, Denmark, Sweden, Norway, Belanda, Finland, Switzerland, Republik Czech, Hungary, dan sebahagiannya Jerman. Ia adalah gerakan keagamaan dan sosio-politik yang luas yang bermula pada awal abad ke-16 di Jerman dan bertujuan untuk mereformasi agama Kristian.

Seni Renaissance

Kerja siswazah

Pelajar kelas 4”E”.

Sekolah seni No. 2

Galaid Yura

Pengenalan................................................. ....... ................... 3

1. Renaissance Itali...................................3

2. Renaissance Utara......................................5

3. Belanda................................................ ..... ..........9

Kesimpulan................................................. ............. 13

Butiran tentang artis:

1.Leonardo da Vinci…………………………………14

2. Rafael Santi………………………………………….19

3. Michelangelo Buonarroti……………………..24

pengenalan.

Pada Zaman Pertengahan, Eropah mengalami perubahan pesat dalam bidang kehidupan ekonomi, sosial dan agama, yang tidak boleh membawa kepada perubahan dalam seni. Pada bila-bila masa perubahan, seseorang cuba memikirkan semula dunia di sekelilingnya, proses "penilaian semula semua nilai" yang menyakitkan berlaku, menggunakan ungkapan popular F. Nietzsche.

Pencarian ini terutamanya dan paling ekspresif ditunjukkan dalam karya orang seni, yang, seperti garpu tala terbaik, bergema dengan dunia yang tidak stabil di sekeliling mereka dan menganyam simfoni perasaan ke dalam karya mereka.

Oleh itu, pada Zaman Pertengahan, Itali, Jerman, Belanda dan Perancis menjadi tumpuan perubahan tersebut. Mari kita cuba memikirkan apa yang sebenarnya berlaku di negara-negara ini pada masa itu jauh dari kita, pemikiran apa yang diduduki oleh minda pemikir zaman dahulu, mari kita cuba melalui karya seni untuk memahami intipati fenomena pada masa itu yang dipanggil " Renaissance”.

1. Renaissance Itali.

Oleh kerana sifat peralihan Renaissance, rangka kerja kronologi ini zaman sejarah agak sukar untuk dipasang. Jika kita berdasarkan ciri-ciri yang kemudiannya akan ditunjukkan (humanisme, antroposentrisme, pengubahsuaian tradisi Kristian, kebangkitan zaman dahulu), maka kronologinya akan kelihatan seperti ini: Proto-Renaissance (Ducento dan Trecento - XII-XIII - XIII- abad XIV), Renaissance awal(Quattrocento XIV-XV abad), Renaissance Tinggi (Cinquecento XV-XVI abad).

Renaissance Itali bukanlah satu gerakan pan-Itali, tetapi satu siri pergerakan serentak atau berselang-seli di pusat-pusat Itali yang berbeza. Perpecahan Itali bukanlah sebab terakhir di sini. Ciri-ciri Renaissance paling banyak dimanifestasikan di Florence dan Rom. Milan, Naples dan Venice juga mengalami era ini, tetapi tidak sehebat Florence.

Istilah "Renaissance" diperkenalkan oleh pemikir dan artis era itu sendiri, Giorgio Vasari ("Biografi pelukis terkenal, pengukir dan arkitek"). Ini adalah bagaimana dia menamakan masa dari 1250 hingga 1550. Dari sudut pandangannya sudah tiba masanya kebangkitan zaman dahulu. Bagi Vasari, zaman dahulu muncul sebagai imej yang ideal.

Selepas itu, kandungan istilah itu berkembang. Kebangkitan itu mula bermakna pembebasan sains dan seni daripada teologi, penyejukan terhadap etika Kristian, kemunculan kesusasteraan kebangsaan, dan keinginan seseorang untuk bebas daripada sekatan Gereja Katolik. Iaitu, Renaissance, pada dasarnya, membawa maksud humanisme.

Mengapa terdapat tumpuan yang jelas kepada manusia dalam budaya dan estetika Renaissance? Dari sudut sosiologi, sebab kemerdekaan seseorang dan peneguhan dirinya yang semakin meningkat adalah budaya bandar. Di bandar, lebih daripada di tempat lain, orang menemui kebaikan kehidupan biasa yang normal.

Ini berlaku kerana penduduk kota lebih berdikari berbanding petani. Pada mulanya, bandar-bandar itu didiami oleh pengrajin sejati, tuan, kerana mereka, setelah meninggalkan ekonomi petani, mengharapkan untuk hidup hanya dengan kemahiran kraf mereka. Orang yang berdaya usaha juga menambah bilangan penduduk bandar. Keadaan sebenar memaksa mereka untuk bergantung hanya pada diri mereka sendiri dan membentuk sikap baru terhadap kehidupan.

Pengeluaran komoditi mudah juga memainkan peranan penting dalam pembentukan mentaliti istimewa. Perasaan pemilik yang sama-sama menghasilkan dan melupuskan pendapatan sendiri pastinya juga menyumbang kepada pembentukan semangat bebas khas penduduk pertama bandar.

Bandar-bandar Itali berkembang bukan sahaja atas sebab-sebab ini, tetapi juga kerana penyertaan aktif mereka dalam perdagangan transit. (Persaingan antara bandar yang bersaing dalam pasaran asing malah menjadi salah satu sebab kepada pemecahan Itali). Pada abad ke-8-9, Laut Mediterranean sekali lagi menjadi titik tumpuan untuk laluan perdagangan. Semua penduduk pantai, menurut ahli sejarah Perancis F. Braudel, mendapat manfaat daripada ini. Ini sebahagian besarnya menjelaskan mengapa bandar-bandar yang tidak mempunyai sumber asli yang mencukupi menjadi makmur. Mereka menghubungkan negara-negara pantai antara satu sama lain. Perang Salib memainkan peranan istimewa dalam memperkayakan bandar.

Jadi, budaya bandar mencipta orang baru, membentuk sikap baru terhadap kehidupan, mewujudkan suasana di mana idea-idea hebat dan karya hebat dilahirkan. Tetapi secara ideologi, semua ini diformalkan di peringkat elit. Penduduk biasa jauh dari membentuk pandangan dunia mereka secara ideologi.

Pandangan dunia baru yang muncul tentang manusia memerlukan sokongan ideologi. Antikuiti bertindak sebagai sokongan sedemikian. Sudah tentu, bukan kebetulan bahawa penduduk Itali berpaling kepadanya, kerana semenanjung ini, yang terkenal di Laut Mediterranean, telah didiami lebih dari seribu tahun yang lalu oleh wakil-wakil tamadun purba (Romawi) dahulu. " Yang paling menarik kepada klasik zaman dahulu dijelaskan oleh tidak lebih daripada keperluan untuk mencari sokongan untuk keperluan baru minda dan aspirasi hidup baru,"- Ahli sejarah Rusia N. Kareev menulis pada awal abad ini.

Jadi, Renaissance adalah daya tarikan kepada zaman dahulu. Tetapi keseluruhan budaya zaman ini sekali lagi membuktikan bahawa tidak ada Renaissance dalam bentuk tulennya, tidak ada Renaissance seperti itu. Pemikir Renaissance melihat apa yang mereka inginkan pada zaman dahulu. Oleh itu, bukan secara kebetulan bahawa Neoplatonisme mengalami perkembangan intelektual yang istimewa pada era ini. A.F. Losev dengan cemerlang menunjukkan dalam bukunya "Aesthetics of the Renaissance" sebab-sebab kelaziman tertentu konsep falsafah ini dalam era Renaissance Itali. Neoplatonisme kuno (sebenarnya kosmologi) tidak dapat membantu tetapi menarik perhatian para kebangkitan dengan idea emanasi (asal) makna ketuhanan, idea ketepuan dunia (kosmos) dengan makna ketuhanan, dan akhirnya, idea daripada Yang Esa sebagai reka bentuk kehidupan dan kewujudan yang paling konkrit.

Allah semakin dekat dengan manusia. Dia difikirkan secara panteistik (Tuhan menyatu dengan dunia, dia menjiwai dunia). Itulah sebabnya dunia menarik seseorang. Pemahaman manusia tentang dunia yang dipenuhi dengan keindahan ilahi menjadi salah satu tugas ideologi utama Renaissance.

Sifat fiksyen Renaissance.

Cara terbaik untuk memahami keindahan Ilahi yang terurai di dunia ini betul-betul diiktiraf sebagai kerja perasaan manusia. Oleh itu, terdapat minat yang begitu mendalam dalam persepsi visual, oleh itu perkembangan bentuk seni spatial (lukisan, arca, seni bina.). Lagipun, seni ini, menurut keyakinan tokoh Renaissance, yang memungkinkan untuk menangkap keindahan Ilahi dengan lebih tepat. Oleh itu, budaya Renaissance mempunyai ciri seni yang tersendiri.

Di kalangan pejuang kebangkitan, minat terhadap zaman dahulu dikaitkan dengan pengubahsuaian tradisi Kristian (Katolik). Terima kasih kepada pengaruh Neoplatonisme, kecenderungan panteistik menjadi kuat. Ini memberikan keunikan dan keaslian kepada budaya Itali pada abad ke-14-16. Golongan kebangkitan kembali melihat diri mereka sendiri, tetapi tidak kehilangan kepercayaan kepada Tuhan. Mereka mula menyedari bahawa mereka bertanggungjawab untuk nasib mereka, penting, tetapi pada masa yang sama mereka tidak berhenti menjadi orang Zaman Pertengahan.

Sifat bercanggah budaya Renaissance: kegembiraan penegasan diri dan tragedi pandangan dunia. Kehadiran kedua-dua aliran bersilang (kuno dan pengubahsuaian Katolik) menentukan sifat bercanggah budaya dan estetika Renaissance. Di satu pihak, lelaki Renaissance belajar kegembiraan penegasan diri, sebaliknya, dia memahami tragedi kewujudannya. Kedua-dua satu dan yang lain dihubungkan dalam pandangan dunia manusia Renaissance dengan Tuhan.

Asal usul tragedi karya seniman Renaissance ditunjukkan dengan meyakinkan oleh ahli falsafah Rusia N. Berdyaev. Pertembungan prinsip kuno dan Kristian menyebabkan perpecahan manusia yang mendalam, tegasnya. Seniman-seniman hebat zaman Renaissance terobsesi untuk menceroboh dunia lain yang transendental. Impian tentangnya sudah diberikan kepada manusia oleh Kristus. Para seniman tertumpu untuk mencipta kewujudan yang berbeza, mereka merasakan dalam diri mereka kuasa yang serupa dengan kuasa Pencipta; menetapkan diri mereka pada asasnya tugas ontologi. Walau bagaimanapun, tugas-tugas ini jelas mustahil untuk dicapai dalam kehidupan duniawi, dalam dunia budaya. Kreativiti artistik, yang dibezakan bukan oleh ontologi tetapi oleh sifat psikologinya, tidak dan tidak dapat menyelesaikan masalah tersebut. Kebergantungan artis pada pencapaian zaman dahulu dan aspirasi mereka kepada dunia yang lebih tinggi yang dibuka oleh Kristus tidak bertepatan. Ini membawa kepada pandangan dunia yang tragis, kepada melankolis yang menghidupkan semula. Berdyaev menulis: "Rahsia Renaissance ialah ia gagal. Belum pernah kuasa kreatif seperti itu dihantar ke dunia, dan tidak pernah sebelum ini tragedi masyarakat didedahkan sebegitu rupa.”

Budaya Renaissance Itali memberi dunia galaksi tokoh-tokoh cemerlang yang tidak terkira memperkaya khazanah budaya dunia. Antaranya adalah perlu untuk menyebut nama Dante Alighieri (1265-1321), pelukis Giotto di Bondone (1266-1337), penyair humanis Francesco Petrarch (1304-1374), penyair, penulis humanis Giovanni Boccaccio (1313-). 1375), arkitek Filippo Brunelleschi, pengukir Donatello Donato di Nicollo di Betto Bardi (1386-1466), pelukis Masaccio Tommaso di Giovanni di Simone Guidi (1401-1428), penulis humanis Lorenzo Vallu (1407-1457), penulis humanis Pic della Mirandola (1463-1494), ahli falsafah humanis Marsilio Ficino (1433-1499), pelukis Sandro Botticelli (1445-1510), pelukis, saintis Leonardo da Vinci (1452-1519), pelukis, pengukir, arkitek (154475roti Michelangelo Buonaroti). ), pelukis Giorgione (1477-1510), pelukis Tiziano Vecellio atau Cadore (1477-1566), pelukis Raphael Santi (1484-1520), pelukis Jacopo Tintoretto (1518-1594) dan ramai lagi.

2. Renaissance Utara.

"Renaisans utara" biasanya bermaksud budaya abad ke-15-16 di negara-negara Eropah yang terletak di utara Itali.

Istilah ini agak sewenang-wenangnya. Ia digunakan dengan analogi dengan Renaissance Itali, tetapi jika di Itali ia mempunyai makna asal langsung - kebangkitan semula tradisi budaya kuno, maka di negara lain, pada dasarnya, tidak ada yang "dilahirkan semula": terdapat monumen dan kenangan. zaman purba adalah sedikit. Seni Belanda, Jerman dan Perancis (pusat utama Renaissance utara) pada abad ke-15 berkembang sebagai kesinambungan langsung Gothic, sebagai evolusi dalamannya ke arah "sekular". Penghujung abad ke-15 dan ke-16 adalah masa pergolakan besar bagi negara-negara Eropah, era paling dinamik dan bergolak dalam sejarah mereka. Peperangan agama yang meluas, perjuangan menentang penguasaan Gereja Katolik - Reformasi, yang berkembang di Jerman menjadi Perang Petani yang megah, revolusi di Belanda, ketegangan dramatik pada akhir Perang Seratus Tahun antara Perancis dan England, berdarah perselisihan antara Katolik dan Huguenot di Perancis. Nampaknya iklim era itu tidak begitu kondusif untuk pembentukan bentuk yang jelas dan megah Renaissance Tinggi dalam seni. Dan sesungguhnya: Ketegangan dan demam Gothic tidak hilang dalam Renaissance utara. Tetapi, sebaliknya, pendidikan kemanusiaan semakin meluas dan daya tarikan seni Itali semakin meningkat. Gabungan pengaruh Itali dengan tradisi Gothic asal membentuk keaslian gaya Renaissance Utara.

Sebab utama mengapa istilah "Renaissance" digunakan untuk keseluruhan budaya Eropah pada zaman ini adalah kesamaan kecenderungan dalaman proses budaya. Iaitu, dalam pertumbuhan meluas dan perkembangan humanisme borjuasi, dalam melemahkan pandangan dunia feudal, dalam kesedaran diri yang semakin meningkat individu.

Faktor ekonomi memainkan peranan penting dalam pembentukan Renaissance Jerman: pembangunan perlombongan, percetakan, dan industri tekstil. Penembusan yang lebih mendalam dalam hubungan komoditi-wang ke dalam ekonomi dan kemasukan dalam proses pasaran pan-Eropah mempengaruhi ramai orang dan mengubah kesedaran mereka.

Untuk pembentukan pandangan dunia Renaissance di negara-negara Romanesque di selatan Eropah, pengaruh warisan purba adalah sangat penting. Ia menetapkan cita-cita dan contoh perwatakan yang cerah dan meneguhkan kehidupan. Pengaruh budaya purba untuk Renaissance Utara adalah tidak penting; ia dilihat secara tidak langsung. Oleh itu, dalam kebanyakan wakilnya lebih mudah untuk mengesan jejak Gothic yang tidak sepenuhnya usang daripada mencari motif antik. Di Jerman, berpecah kepada ratusan negara feudal yang kecil, terdapat prinsip penyatuan: kebencian terhadap Gereja Katolik, yang mengenakan cukai ke atas negara dan peraturan yang membebankan ke atas kehidupan rohani. Oleh itu, salah satu arah utama perjuangan untuk "kerajaan Tuhan di bumi" adalah perjuangan dengan kepausan untuk mereformasi gereja. Selatan Eropah akan terjejas oleh proses reformasi pada tahap yang lebih rendah.

Terjemahan Bible Martin Luther ke dalam bahasa Jerman boleh dianggap sebagai permulaan sebenar Renaissance Utara. Kerja ini berlangsung selama dua puluh tahun, tetapi beberapa serpihan diketahui lebih awal. Bible Luther menjadikan era, pertama, dalam bahasa Jerman: ia menjadi asas kepada satu bahasa Jerman; kedua, ia menjadi contoh untuk terjemahan Alkitab ke dalam bahasa sastera moden, dan terjemahannya ke dalam bahasa Inggeris, Perancis dan lain-lain akan menyusul tidak lama lagi.

Idea Lutheranisme menyatukan kalangan paling progresif di Jerman: pemikir humanis seperti Philip Melanchthon, artis Dürer dan Holbein, paderi dan ketua pergerakan popular Thomas Munter juga terlibat di dalamnya.

Kesusasteraan Renaissance di Jerman bergantung pada kerja Meistersinger. Contoh puisi yang paling sempurna pada masa itu disampaikan oleh pengganti tradisi rakyat ini, Hans Sachs. Erasmus of Rotterdam menjadi seorang penulis prosa yang cemerlang pada Renaissance Utara. Buku terbaiknya, The Praise of Folly, diterbitkan pada tahun 1509.

Di antara jenis aktiviti seni, lukisan adalah pemimpin - seperti dalam Renaissance Itali. Yang pertama dalam barisan tuan besar dalam tempoh ini harus dinamakan Hieronymus Bosch. Karya beliau merumuskan pencapaian lukisan zaman pertengahan dan berfungsi sebagai prolog kepada Renaissance. Dalam lukisan Bosch, kebanyakannya ditulis mengenai subjek agama, gabungan fantasi dan simbol zaman pertengahan yang gelap dengan unsur cerita rakyat dan butiran realistik yang tepat adalah menarik perhatian. Dan bahkan alegori yang paling dahsyat ditulis dengan warna rakyat yang luar biasa sehingga mereka membuat kesan yang menegaskan kehidupan. Tiada seorang pun daripada ahli seni lukis seterusnya di seluruh dunia akan melukis imej hebat yang bersempadan dengan kegilaan, tetapi pengaruh H. Bosch akan dirasai pada abad ke-20 dalam karya surealis.

Sarjana terbesar Renaissance Utara dalam seni halus ialah Albrecht Durer. Dia meninggalkan warisan yang sangat besar: lukisan, karya grafik, artikel, surat-menyurat.

Kerja Dürer dipengaruhi oleh tuan Itali: dia suka melawat Itali, terutamanya Venice. Walau bagaimanapun, kekhususan visi dunia Albrecht Dürer terletak pada pencarian peluang untuk mencerminkan dunia secara paling objektif; realisme idealisasi Itali adalah asing baginya; dia berusaha untuk mencapai keaslian lengkap daripada lukisan dan lukisan. Potret dirinya disemai dengan kesedihan ini, terutamanya yang pensel dalam surat kepada abangnya; ini juga termasuk potret ibunya sebelum kematiannya.

Seseorang boleh cuba memahami kedalaman grafik Dürer melalui mentafsir simbol zaman pertengahan yang sebenarnya digunakannya. Tetapi kita perlu mencari petunjuk kepada imej-imej menarik ini pada era Reformasi. Mungkin helaian ukirannya paling jelas menggambarkan ketabahan semangat umat zaman ini, kesanggupan mereka menolak sebarang godaan, rekaan sedih mereka tentang akibat perang yang menyedihkan. Inilah yang anda fikirkan apabila melihat "Horseman of the Apocalypse" beliau, "Melancholia".

Terdapat permulaan lirik dalam karya Dürer. Ini termasuk lukisan berwarna paling halus "The Feast of Pink Wreaths", kitaran ukiran "The Life of Mary", yang memberi inspirasi kepada kitaran puisi Rilke pada abad ke-19. Pada abad ke-20, komposer Hindemith mencipta kitaran percintaan berdasarkan puisi ini.

Kemuncak kreativiti Albrecht Durer ialah imej agung empat rasul, lagu pujian sejati kepada manusia, salah satu ungkapan humanisme Renaissance yang paling menarik.

Yang wujud dari era ini ialah karya Lucas Cranach the Elder. Madonnasnya dan heroin alkitabiah lain adalah penduduk kota yang jelas dan sezaman dengan artis itu. Salah satu karya terbaiknya ialah "Crucifixion" yang ditulis secara inovatif. Komposisi asimetri yang tajam, sudut luar biasa tokoh tradisional, dan kekayaan warna memberi kesan kekeliruan dan firasat pergolakan sosial. Mathis Niethard, juga dikenali sebagai Grunewald (1470-75 - 1528), memukau dengan kekayaan dan kecerahan fantasi keagamaan, ekstasi dan gubahan ciptaan. Kerja utama Grunewald - "Altar Isenheim". Imej Mary dengan bayi itu tertulis dalam komposisi perayaan pelbagai angka dengan malaikat memainkan alat muzik untuk mereka. Berbeza dengan pemandangan yang terang ini, "The Crucifixion" ditulis, gelap dan naturalistik. Imej Kristus orang biasa, yang banyak berjalan tanpa alas kaki, kurus kering, hampir dengan penderitaan, dikaitkan dengan peserta dalam perang petani.

Salah seorang pelukis potret terbaik pada zaman ini boleh dianggap sebagai Gais Holbein the Younger (1497-1543). Dia memiliki potret Erasmus dari Rotterdam dan ahli astronomi Nicholas Kratzer, Thomas More dan Jane Seymour, mentafsir imej sezaman sebagai orang yang penuh dengan maruah, kebijaksanaan, dan kekuatan rohani yang terkawal. Dia juga mencipta ilustrasi yang menarik untuk Bible dan “In Praise of Folly,” dan satu siri ukiran, “Dances of Death”.

Karya ketua sekolah lukisan Danube, Albrecht Altdorfer (1480-1538), juga terkenal dengan keperibadiannya yang unik. Beliau mempunyai keutamaan dalam pembentukan genre landskap. Walau bagaimanapun, lukisannya yang paling menarik kekal sebagai "Pertempuran Alexander dan Darius" (1529). Adegan pertempuran di Bumi digemakan oleh Matahari, Bulan dan awan yang bersaing di langit. Lukisan itu dipenuhi dengan banyak butiran hiasan, warna yang indah, dan menarik dalam kemahiran melukisnya. Di samping itu, ini adalah salah satu adegan pertempuran pertama yang dicat dengan minyak, jadi Altdorfer boleh dianggap sebagai pengasas genre lukisan lain.

Zaman Renaissance Utara tidak lama. Perang Tiga Puluh Tahun mengganggu proses ini dan melambatkan perkembangan budaya Jerman. Tetapi ia kekal dalam sejarah sebagai era penting yang luar biasa, sebagai kelab jenius, ahli kata-kata dan lukisan, yang berkomunikasi antara satu sama lain, mengambil bahagian dalam perjuangan bersama, mengembara, melukis potret menakjubkan antara satu sama lain, dan saling diilhamkan oleh idea. Penglibatan rakyat negara-negara utara dalam proses budaya pan-Eropah bermula semasa Renaissance Utara.

3. Belanda.

Negara kecil itu, termasuk wilayah Belgium dan Belanda masa kini, telah ditakdirkan untuk menjadi pusat seni Eropah yang paling bertenaga di Itali pada abad ke-15. Bandar-bandar Belanda, walaupun mereka tidak bebas dari segi politik, telah lama menjadi lebih kaya dan lebih kuat, menjalankan perdagangan yang meluas, dan kemudian mengembangkan pengeluaran pembuatan fabrik, permaidani, dan kaca. Pusat utama perdagangan antarabangsa ialah Bruges purba, bandar terusan puitis; menjelang akhir abad ke-15 ia pupus, kehilangan keutamaan kepada Antwerp yang meriah.

Seni bina Gothic Belanda bukan sahaja kuil, malah lebih banyak dewan bandar, tembok kota dan menara, rumah saudagar

Dan persatuan kraf, arked membeli-belah, gudang dan, akhirnya, bangunan kediaman daripada jenis ciri yang telah lama ditubuhkan: dengan fasad yang sempit dan gabel segi tiga atau bertingkat tinggi.

Oleh kerana gereja dibina lebih banyak daripada batu bata daripada batu, arca gereja tidak menerima banyak pembangunan. Klaus Sluter dan pelajarnya kekal sebagai pengecualian yang cemerlang dalam budaya Belanda. Kekuatan seni utamanya menampakkan dirinya dengan cara lain pada Zaman Pertengahan - dalam lukisan kecil. Pada abad ke-15, lukisan kecil mencapai tahap kesempurnaan yang tinggi, seperti yang dapat dilihat dari Book of Hours of the Duke of Berry yang terkenal, yang digambarkan oleh saudara Limburg.

Pandangan penuh kasih, tekun, puitis pada dunia diwarisi daripada miniatur oleh lukisan agung abad ke-15, yang dimulakan oleh Jan van Eyck. Gambar kecil menghiasi manuskrip berkembang menjadi lukisan besar menghiasi pintu altar. Pada masa yang sama, kualiti seni baru muncul. Sesuatu muncul yang tidak mungkin wujud dalam bentuk kecil: niat yang sama, pandangan tertumpu pada orang itu, pada wajahnya, ke dalam matanya.

Di Hermitage terdapat lukisan oleh tuan besar Belanda Rogier van der Weyden “St. Luke melukis Madonna” (penginjil Luke dianggap sebagai artis dan penaung persatuan pelukis). Kebanyakannya adalah tipikal daripada gubahan yang digemari oleh Belanda: panorama bandar dan terusan, dicat dengan sangat kecil, lembut dan berhati-hati, dengan dua figura manusia yang termenung di atas jambatan. Tetapi perkara yang paling luar biasa ialah wajah dan tangan Luke, yang melukis Madonna "dari kehidupan." Dia mempunyai ungkapan yang istimewa - ungkapan mendengar dengan teliti dan penuh hormat seseorang yang benar-benar tersesat dalam renungan. Ini adalah bagaimana tuan Belanda lama melihat alam semula jadi.

Mari kembali ke Jan van Eyck. Dia bermula sebagai miniaturis, bekerja bersama abangnya Hubert. Saudara-saudara van Eyck secara tradisinya dikreditkan dengan mencipta teknik lukisan minyak; ini tidak tepat - kaedah menggunakan minyak sayuran sebagai pengikat telah diketahui sebelum ini, tetapi van Eycks memperbaikinya dan memberi dorongan kepada penyebarannya. Minyak segera menggantikan tempera

Cat minyak menjadi gelap dari semasa ke semasa. Lukisan lama yang kita lihat di muzium kelihatan berbeza apabila ia muncul, lebih ringan dan lebih cerah. Tetapi lukisan Van Eyck mempunyai kualiti teknikal yang benar-benar luar biasa: warna tidak pudar dan mengekalkan kesegarannya selama berabad-abad. Mereka hampir bercahaya, mengingatkan cahaya kaca berwarna.

Karya van Eycks yang paling terkenal - Ghent Altarpiece yang hebat - telah dimulakan oleh Hubert, dan selepas kematiannya ia diteruskan dan disiapkan pada 1432 oleh Jan. Pintu-pintu mezbah yang megah itu dicat dalam dua peringkat, di dalam dan di luar. Di bahagian luar terdapat pengumuman dan figura penderma (pelanggan) yang berlutut: inilah rupa mezbah ditutup pada hari bekerja. Pada hari cuti, pintu-pintu dibuka, apabila dibuka, mezbah menjadi enam kali lebih besar, dan sebelum umat timbul, dalam semua pancaran warna Van Eyck, tontonan yang, dalam keseluruhan adegannya, sepatutnya merangkumi idea itu. penebusan dosa manusia dan pencerahan masa depan. Di bahagian atas di tengah ialah Deesis - Tuhan Bapa di atas takhta dengan Maria dan Yohanes Pembaptis di kedua-dua belah pihak. Angka-angka ini lebih besar daripada saiz manusia. Kemudian Adam dan Hawa telanjang dalam saiz manusia dan kumpulan malaikat bermain muzik dan menyanyi. Di tingkat bawah terdapat pemandangan sesak penyembahan Anak Domba, yang direka pada skala yang lebih kecil, sangat spasial, di antara landskap berbunga yang luas, dan di pintu sisi terdapat perarakan jemaah haji. Rancangan penyembahan Anak Domba diambil dari "Wahyu Yohanes," yang mengatakan bahawa selepas akhir dunia yang berdosa, kota Tuhan akan turun ke bumi, di mana tidak akan ada malam, tetapi akan ada. menjadi terang yang kekal, dan sungai kehidupan "terang seperti kristal," dan pohon kehidupan, setiap bulan berbuah, dan kota itu "emas tulen, seperti kaca jernih." Anak Domba adalah simbol mistik apotheosis yang menunggu orang benar. Dan, nampaknya, para seniman cuba untuk memasukkan ke dalam lukisan Altar Ghent semua cinta mereka untuk keindahan bumi, untuk wajah manusia, untuk rumput, pokok, air, untuk mewujudkan impian emas keabadian dan keabadian mereka.

Jan van Eyck juga seorang pelukis potret yang cemerlang. Dalam potret berpasangan pasangan Arnolfini, imej orang biasa, berpakaian dalam fesyen yang agak megah pada masa itu, di dalam bilik biasa dengan candelier, kanopi, cermin dan anjing pangkuan kelihatan seperti sejenis sakramen yang indah. Dia seolah-olah menyembah cahaya lilin, pemerah pipi epal, dan cermin cembung; dia jatuh cinta dengan setiap ciri wajah Arnolfini yang pucat dan panjang, yang memegang tangan isterinya yang lemah lembut seolah-olah melakukan upacara rahsia. Kedua-dua orang dan objek - semuanya membeku dalam jangkaan yang sungguh-sungguh, dalam kesungguhan yang penuh hormat; semua perkara mempunyai makna yang tersembunyi, membayangkan kesucian ikrar perkahwinan dan perapian.

Ini adalah bagaimana lukisan harian burghers bermula. Ketelitian yang halus ini, cintakan keselesaan, keterikatan agama yang hampir kepada dunia perkara. Tetapi semakin jauh kami pergi, semakin banyak prosa yang muncul dan puisi berundur. Tidak pernah lagi kehidupan burgher digambarkan dalam nada puitis seperti kesucian dan maruah.

Burger awal di negara-negara utara juga tidak "borjuasi terhad" seperti keturunan mereka yang kemudian. Benar, skop dan fleksibiliti orang Itali adalah luar biasa baginya, tetapi walaupun pada skala pandangan dunia yang lebih sempit, burgher tidak asing dengan jenis kebesaran sederhana yang istimewa. Lagipun, dia, burgher, yang mencipta bandar-bandar, dia mempertahankan kebebasan mereka daripada tuan-tuan feudal, dan dia masih perlu mempertahankannya daripada raja-raja asing dan Gereja Katolik yang tamak. Di bahu burghers terletak perbuatan bersejarah yang besar yang membentuk watak-watak luar biasa, yang, sebagai tambahan kepada peningkatan rasa hormat terhadap nilai material, juga mengembangkan ketekunan, perpaduan korporat, kesetiaan kepada tugas dan perkataan, dan rasa harga diri. Seperti yang dikatakan oleh Thomas Mann, burgher itu adalah "seorang lelaki biasa dalam pengertian konsep yang paling tinggi."

Takrifan ini tidak terpakai kepada orang Itali zaman Renaissance: mereka tidak berasa seperti orang biasa, walaupun dalam erti kata yang tinggi. Arnolfini, yang digambarkan oleh Jan van Eyck, adalah seorang Itali yang tinggal di Belanda; Jika ia dilukis oleh rakan senegara, potret itu mungkin berbeza semangatnya. Minat yang mendalam dalam keperibadian, dalam penampilan dan wataknya - ini menyatukan artis-artis Renaissance Itali dan Utara. Tetapi mereka berminat dengannya dengan cara yang berbeza dan melihat perkara yang berbeza di dalamnya. Orang Belanda tidak mempunyai rasa titanisme dan kemahakuasaan keperibadian manusia: mereka melihat nilainya dalam integriti burgher, dalam kualiti, di antaranya tidak sedikit pun tempat diduduki oleh kerendahan hati dan ketakwaan, kesedaran tentang kekecilan seseorang dalam menghadapi alam semesta, walaupun dalam kerendahan ini maruah individu tidak hilang, malah seolah-olah ditekankan.

Pada pertengahan dan separuh kedua abad ke-15, banyak pelukis cemerlang bekerja di Belanda: Rogier van der Weyden yang telah disebutkan, Dirk Bouts, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth sint Jans. Keperibadian artistik mereka agak jelas dibezakan, walaupun tidak dengan tahap ekspresi gaya individu yang sama seperti Quattrocentists Itali. Mereka terutamanya melukis mezbah dan melukis potret, dan juga melukis lukisan kuda-kuda yang ditugaskan oleh penduduk bandar yang kaya. Gubahan mereka, disemai dengan suasana hati yang lembut dan kontemplatif, mempunyai daya tarikan yang istimewa. Mereka menyukai rancangan Krismas dan penyembahan bayi; mereka menyelesaikan rancangan ini secara halus dan cerdik. Dalam "The Adoration of the Shepherds" oleh Hugo van der Goes, bayi itu kurus dan menyedihkan, seperti mana-mana kanak-kanak yang baru lahir, orang di sekelilingnya memandangnya, tidak berdaya dan bengkok, dengan kelembutan emosi yang mendalam, Madonna pendiam, seperti seorang biarawati. , tidak mengangkat pandangannya, tetapi seseorang merasakan bahawa dia penuh dengan kesopanan kebanggaan keibuan. Dan di luar tapak semaian seseorang boleh melihat landskap Belanda, luas, berbukit, dengan jalan berliku, pokok-pokok jarang, menara, jambatan.

Terdapat banyak yang menyentuh di sini, tetapi tidak ada kemanisan: sudut Gothic bentuk dan beberapa ketegaran mereka adalah ketara. Wajah para gembala van der Goes adalah ciri dan hodoh, seperti biasa dalam karya Gothic. Malaikat pun tak cantik.

Artis Belanda jarang menggambarkan orang yang cantik, berwajah dan figura biasa, dan ini juga berbeza daripada orang Itali. Pertimbangan mudah bahawa orang Itali, keturunan langsung orang Rom, pada umumnya lebih cantik daripada anak lelaki utara yang pucat dan doh, sudah tentu boleh diambil kira, tetapi sebab utama masih tidak dalam ini, tetapi dalam perbezaan dalam konsep artistik umum. Humanisme Itali dipenuhi dengan kesedihan manusia yang hebat dan keghairahan untuk bentuk klasik, Belanda menyajakkan "lelaki biasa", mereka tidak mengambil berat tentang kecantikan klasik dan perkadaran yang harmoni.

Belanda mempunyai minat untuk perincian. Mereka adalah pembawa makna rahsia bagi mereka. Bunga lili dalam pasu, tuala, teko, buku - semua butiran, sebagai tambahan kepada yang langsung, juga membawa maksud tersembunyi. Perkara-perkara digambarkan dengan cinta dan kelihatan rohani.

Menghormati diri sendiri, untuk kehidupan seharian seseorang, kerana dunia perkara telah dibiaskan melalui pandangan dunia agama. Begitulah semangat reformasi Protestan, di bawah tanda Renaissance Belanda berlaku.

Persepsi antropomorfik yang kurang berbanding dengan orang Itali, penguasaan prinsip panteistik dan kesinambungan langsung dari Gothic dicerminkan dalam semua komponen gaya lukisan Belanda. Di kalangan Quattrocentists Itali, apa-apa komposisi, tidak kira betapa kaya dengan butirannya, cenderung ke arah tektonik yang lebih atau kurang ketat. Kumpulan itu dibina seperti relief, iaitu, artis biasanya cuba meletakkan figura utama pada platform hadapan yang agak sempit, dalam ruang tertutup yang jelas; dia mengimbangi mereka dari segi seni bina, mereka berdiri teguh di atas kaki mereka: kita akan menemui semua ciri ini di Giotto. Belanda mempunyai komposisi yang kurang tertutup dan kurang tektonik. Mereka tertarik dengan kedalaman dan jarak, deria ruang mereka lebih meriah, lebih lapang daripada lukisan Itali. Angka-angka itu lebih aneh dan tidak stabil; tektonik mereka terganggu oleh lipatan pakaian berbentuk kipas, menyimpang ke bawah, dan pecah. Orang Belanda suka permainan garisan, tetapi garisan mereka tidak berfungsi untuk tujuan arca untuk kelantangan bangunan, tetapi lebih kepada hiasan.

Belanda tidak mempunyai penekanan yang jelas pada bahagian tengah gubahan atau penekanan yang kuat pada tokoh utama. Perhatian artis tersebar melalui pelbagai motif, semuanya kelihatan menggoda kepadanya, dan dunia adalah pelbagai dan menarik. Beberapa adegan di latar belakang mendakwa sebagai gubahan plot yang berasingan.

Akhirnya, jenis gubahan muncul di mana tiada pusat sama sekali, dan ruang dipenuhi dengan banyak kumpulan dan adegan yang sama. Pada masa yang sama, watak utama kadangkala mendapati diri mereka berada di sudut.

Komposisi serupa ditemui pada akhir abad ke-15 oleh Hieronymus Bosch. Bosch adalah artis yang sangat unik. Dia menggabungkan perhatian dan pemerhatian Belanda semata-mata dengan imaginasi yang luar biasa produktif dan humor yang sangat gelap. Salah satu cerita kegemarannya ialah "The Temptation of St. Anthony," di mana seorang pertapa dikepung oleh syaitan. Bosch mengisi lukisannya dengan legiun makhluk kecil, merangkak, seperti ketakutan. Ia menjadi benar-benar menyeramkan apabila anda melihat bahagian tubuh manusia pada raksasa ini. Seluruh kabinet rasa ingin tahu syaitan pelik ini berbeza dengan ketara daripada chimera zaman pertengahan: mereka lebih megah dan tidak begitu jahat. Apotheosis demonologi Boschian adalah "Neraka Muzik" miliknya, serupa dengan taman penyeksaan: orang telanjang, bercampur dengan raksasa memanjat mereka dari semua sisi, menggeliat dalam nafsu yang menyakitkan, mereka disalibkan pada tali beberapa alat muzik gergasi, diperah. dan digergaji melalui peranti misteri, ditolak ke dalam lubang, ditelan.

Phantasmagoria aneh Bosch lahir daripada percubaan falsafah minda. Dia berdiri di ambang abad ke-16, dan ia adalah era yang membuat anda berfikir dengan menyakitkan. Bosch, nampaknya, diatasi oleh pemikiran tentang daya hidup dan kewujudan segala kejahatan dunia, yang, seperti lintah, berpaut pada semua makhluk hidup, tentang kitaran kekal kehidupan dan kematian, tentang pembaziran alam yang tidak dapat difahami, yang menyemai larva dan embrio. kehidupan di mana-mana - baik di bumi dan di bawah tanah, dan di paya bertakung yang busuk. Bosch memerhati alam semula jadi, mungkin lebih tajam dan berwaspada daripada yang lain, tetapi tidak menemui sama ada keharmonian atau kesempurnaan di dalamnya. Mengapa manusia, mahkota alam, ditakdirkan untuk mati dan membusuk, mengapa dia lemah dan menyedihkan, mengapa dia menyiksa dirinya sendiri dan orang lain, dan sentiasa mengalami siksaan?

Fakta bahawa Bosch bertanya soalan sedemikian bercakap tentang rasa ingin tahu yang terjaga - fenomena yang mengiringi humanisme. Humanisme tidak bermakna hanya mengagungkan segala sesuatu manusia. Ia juga bermaksud keinginan untuk menembusi intipati sesuatu, untuk membongkar misteri alam semesta. Bagi Bosch, keinginan ini dicat dengan warna gelap, tetapi ia adalah gejala kehausan mental yang mendorong Leonardo da Vinci untuk meneroka segala-galanya - yang cantik dan hodoh. Intelek Leonardo yang berkuasa melihat dunia secara holistik dan merasakan perpaduan di dalamnya. Dalam fikiran Bosch, dunia dipantulkan berpecah-belah, dipecah menjadi ribuan serpihan yang memasuki hubungan yang tidak dapat difahami.

Tetapi perlu disebutkan pergerakan romantis, iaitu, yang dipengaruhi oleh Cinquecento Itali, - mereka mula tersebar di Belanda pada abad ke-16. Keaslian mereka sangat ketara. Imej "kebogelan klasik", cantik di kalangan orang Itali, sama sekali tidak diberikan kepada Belanda malah kelihatan agak lucu, seperti "Neptune dan Amphitrite" oleh Jan Gossaert, dengan badan mereka yang megah dan melambung. Belanda juga mempunyai "kelakuan" wilayah mereka sendiri.

Mari kita perhatikan perkembangan genre lukisan kuda-kuda setiap hari dan landskap yang dibuat oleh artis Belanda pada abad ke-16. Perkembangan mereka difasilitasi oleh fakta bahawa kalangan terluas, yang membenci kepausan dan paderi Katolik, semakin berpaling daripada Katolik dan menuntut pembaharuan gereja. Dan pembaharuan Luther dan Calvin termasuk unsur ikonoklasme; bahagian dalam gereja Protestan sepatutnya sangat ringkas, kosong - tidak seperti hiasan yang kaya dan menakjubkan di gereja-gereja Katolik. Kesenian keagamaan telah dikurangkan jumlahnya dan tidak lagi menjadi pemujaan.

Lukisan bergenre tulen mula muncul yang menggambarkan peniaga di kedai, pengurup wang di pejabat, petani di pasar, dan pemain kad. Genre harian berkembang daripada potret, dan landskap - daripada latar belakang landskap yang sangat disukai oleh tuan Belanda. Latar belakang berkembang, dan hanya tinggal selangkah lagi ke landskap tulen.

Walau bagaimanapun, ia menebus segala-galanya dan menumpukan bakat besar Pieter Bruegel. Dia memiliki pada tahap tertinggi apa yang dipanggil keaslian kebangsaan: semua ciri-ciri luar biasa seninya kembali kepada tradisi asal Belanda. Tidak seperti orang lain, Bruegel menyatakan semangat zamannya dan rasa popularnya. Dia popular dalam segala hal: sudah pasti seorang pemikir artis, dia berfikir secara aforistik dan metafora. Falsafah hidup yang terkandung dalam alegorinya adalah pahit, ironis, tetapi juga berani. Jenis gubahan kegemaran Bregel adalah ruang yang besar, seolah-olah dilihat dari puncak, sehingga orang kelihatan kecil dan tergesa-gesa di lembah, namun, semuanya ditulis secara terperinci dan jelas. Naratif itu biasanya dikaitkan dengan cerita rakyat; lukisan perumpamaan yang dilukis oleh Bruegel.

Bruegel menggunakan jenis komposisi landskap spatial yang meluas di kalangan orang Belanda tanpa menekankan orang dan peristiwa utama sedemikian rupa sehingga ia mendedahkan keseluruhan falsafah hidup. Kejatuhan Icarus amat menarik di sini. Lukisan Bruegel menggambarkan landskap yang damai di tepi laut: seorang pembajak berjalan di belakang bajak, seorang gembala menggembala kambing biri-biri, seorang nelayan duduk dengan pancing, dan kapal berlayar di laut. Di manakah Icarus dan apa kaitan kejatuhannya dengannya? Anda perlu melihat dengan teliti untuk melihat kaki kosong yang menyedihkan menonjol keluar dari air di sudut kanan. Icarus jatuh dari langit, tetapi tiada siapa yang perasan. Kehidupan biasa berjalan seperti biasa. Bagi seorang petani, tanah pertaniannya, bagi seorang gembala, ternakannya jauh lebih penting daripada jatuh bangun orang lain. Makna peristiwa luar biasa tidak segera ditemui; orang sezaman tidak menyedarinya, tenggelam dalam kebimbangan seharian.

Aktiviti kreatif Pieter Bregeil tidak bertahan lama; dia meninggal dunia pada tahun 1569, pada usia lebih dari empat puluh tahun, dan tidak hidup untuk melihat peristiwa revolusi Belanda. Tidak lama sebelum kematiannya, dia melukis lukisan "The Blind." Ini adalah kord terakhir seni Bregueil yang paling berkuasa, yang boleh dibayangkan sebagai simfoni yang meresap dengan satu tema. Mencintai tanah airnya yang telah lama menderita, artis itu tidak dapat memaafkan rakan senegaranya untuk satu perkara: pasif, pekak, buta, tenggelam dalam kesibukan hari ini dan ketidakupayaan untuk mendaki puncak gunung yang memberikan gambaran tentang keseluruhan, bersatu, umum. .

Kesimpulan.

Tema Renaissance adalah kaya dan tidak habis-habis. Pergerakan yang begitu kuat menentukan perkembangan seluruh tamadun Eropah selama bertahun-tahun. Kami hanya membuat percubaan untuk menembusi intipati proses yang berlaku. Untuk kajian lanjut, kita perlu memulihkan dengan lebih terperinci mood psikologi lelaki Renaissance, membaca buku pada masa itu, dan pergi ke galeri seni.

Sekarang, pada penghujung abad ke-20, nampaknya semua ini adalah perkara-perkara yang telah berlalu, zaman dahulu yang ditutupi dengan lapisan debu yang tebal, tidak ada minat penyelidikan dalam abad bergolak kita, tetapi tanpa mengkaji akarnya, bagaimana kita akan memahami apa yang memberi makan kepada batang, apa yang memegang mahkota pada angin perubahan?

Leonardo da Vinci

LEONARDO DA VINCI (15 April 1452, Vinci berhampiran Florence - 2 Mei 1519, Istana Cloux, berhampiran Amboise, Touraine, Perancis), pelukis Itali, pengukir, arkitek, saintis, jurutera.

Menggabungkan pembangunan cara baru bahasa artistik dengan generalisasi teori, Leonardo da Vinci mencipta imej seseorang yang memenuhi cita-cita kemanusiaan Zaman Renaissance Tinggi. Dalam lukisan "The Last Supper" (1495-1497, di refectory biara Santa Maria delle Grazie di Milan), kandungan etika yang tinggi dinyatakan dalam corak komposisi yang ketat, sistem gerak isyarat yang jelas dan ekspresi muka watak. Ideal humanistik kecantikan wanita terkandung dalam potret Mona Lisa (La Gioconda, sekitar 1503). Banyak penemuan, projek, kajian eksperimen dalam bidang matematik, sains semula jadi, dan mekanik. Beliau mempertahankan kepentingan menentukan pengalaman dalam pengetahuan alam semula jadi ( buku nota dan manuskrip, kira-kira 7 ribu helaian).

Leonardo dilahirkan dalam keluarga seorang notari yang kaya. Dia berkembang sebagai sarjana, belajar dengan Andrea del Verrocchio pada 1467-1472. Kaedah kerja di bengkel Florentine pada masa itu, di mana karya artis itu berkait rapat dengan eksperimen teknikal, serta kenalannya dengan ahli astronomi P. Toscanelli menyumbang kepada kemunculan minat saintifik Leonardo muda. Dalam karya awal (ketua malaikat dalam "Baptisan" Verrocchio, selepas 1470, "Pengumuman", kira-kira 1474, kedua-duanya dalam Uffizi, "Benois Madonna", kira-kira 1478, Hermitage) memperkayakan tradisi lukisan Quattrocento, menekankan kelancaran isipadu bentuk dengan chiaroscuro lembut, memeriahkan wajah senyuman nipis, hampir tidak dapat dilihat. Dalam "Adoration of the Magi" (1481-82, belum selesai; lukisan bawah dalam Uffizi), dia mengubah imej keagamaan menjadi cermin pelbagai emosi manusia, mengembangkan kaedah lukisan yang inovatif. Merakam hasil pemerhatian yang tidak terkira banyaknya dalam lakaran, lakaran dan kajian berskala penuh (pensel Itali, pensel perak, sanguine, pen dan teknik lain), Leonardo mencapai ketajaman yang jarang berlaku dalam menyampaikan ekspresi muka (kadang-kadang menggunakan karikatur yang aneh dan karikatur), dan struktur. dan pergerakan badan manusia membawa dalam harmoni yang sempurna dengan dramaturgi gubahan.

Dalam perkhidmatan pemerintah Milan, Lodovico Moro (dari 1481), Leonardo bertindak sebagai jurutera tentera, jurutera hidraulik, dan penganjur perayaan mahkamah. Selama lebih 10 tahun dia telah mengusahakan monumen kepada Francesco Sforza, bapa kepada Lodovico Moro; penuh dengan kuasa plastik, model tanah liat monumen di Saiz hidup tidak terselamat (dimusnahkan semasa penawanan Milan oleh Perancis pada tahun 1500) dan hanya diketahui dari lakaran persediaan.

Tempoh ini menandakan berbunga kreatif Leonardo pelukis. Dalam "Madonna of the Rocks" (1483-94, Louvre; versi kedua - 1487-1511, Galeri Nasional, London), chiaroscuro halus kegemaran tuannya ("sfumato") muncul sebagai lingkaran cahaya baru, yang menggantikan lingkaran cahaya zaman pertengahan: ini adalah sama-sama misteri ketuhanan-manusia dan semula jadi, di mana gua berbatu, mencerminkan pemerhatian geologi Leonardo, memainkan peranan yang tidak kurang dramatik daripada tokoh-tokoh orang kudus di latar depan.

"Makan malam terakhir"

Di ruang makan biara Santa Maria delle Grazie, Leonardo mencipta lukisan "The Last Supper" (1495-97; disebabkan oleh percubaan berisiko yang dilakukan oleh tuan, menggunakan minyak yang dicampur dengan tempera untuk lukisan dinding, kerja itu telah sampai kepada kami. dalam bentuk yang sangat rosak). Kandungan agama dan etika yang tinggi dari imej itu, yang mewakili reaksi ribut dan bertentangan murid-murid Kristus terhadap kata-katanya tentang pengkhianatan yang akan berlaku, dinyatakan dalam undang-undang matematik yang jelas dalam komposisi, dengan kuat menundukkan bukan sahaja yang dicat, tetapi juga seni bina sebenar. angkasa lepas. Logik tahap jelas ekspresi muka dan gerak isyarat, serta paradoks yang menarik, seperti biasa dengan Leonardo, gabungan rasional yang ketat dengan misteri yang tidak dapat dijelaskan yang dibuat " makan malam terakhir"Salah satu karya paling penting dalam sejarah seni dunia.

Turut terlibat dalam seni bina, Leonardo berkembang pelbagai pilihan"bandar ideal" dan kuil berkubah tengah. Tuan menghabiskan tahun-tahun berikutnya dalam perjalanan berterusan (Florence - 1500-02, 1503-06, 1507; Mantua dan Venice - 1500; Milan - 1506, 1507-13; Rom - 1513-16). Dari 1517 dia tinggal di Perancis, di mana dia dijemput oleh Raja Francis I.

"Pertempuran Angyari". Mona Lisa (Potret Mona Lisa)

Di Florence, Leonardo sedang mengusahakan lukisan di Palazzo Vecchio ("The Battle of Anghiari", 1503-1506; tidak selesai dan tidak dipelihara, diketahui dari salinan dari kadbod, serta dari lakaran yang baru ditemui - koleksi peribadi, Jepun ), yang berdiri pada asal-usul genre pertempuran dalam seni zaman moden; kemarahan peperangan yang membawa maut dijelmakan di sini dalam pertarungan kegilaan para penunggang kuda.

Dalam kebanyakan lukisan terkenal Leonardo, dalam potret Mona Lisa (yang dipanggil "La Gioconda", kira-kira 1503, Louvre), imej seorang wanita kota yang kaya muncul sebagai personifikasi alam semula jadi yang misteri seperti itu, tanpa kehilangan kelicikan feminin semata-mata; Kepentingan dalaman komposisi diberikan oleh landskap yang megah dari segi kosmik dan pada masa yang sama mencemaskan terasing, mencair menjadi jerebu sejuk.

Lukisan lewat

Karya Leonardo kemudiannya termasuk: reka bentuk untuk monumen Marshal Trivulzio (1508-1512), lukisan "St. Anne dengan Mary dan Kanak-kanak Kristus" (sekitar 1500-1507, Louvre). Yang terakhir, seolah-olah, merumuskan pencariannya dalam bidang perspektif cahaya-udara, warna tona (dengan dominasi warna sejuk, kehijauan) dan komposisi piramid yang harmoni; pada masa yang sama, ini adalah keharmonian di atas jurang, kerana sekumpulan watak suci, dikimpal bersama oleh keakraban keluarga, dibentangkan di tepi jurang. Lukisan terakhir Leonardo, "Saint John the Baptist" (sekitar 1515-1517, ibid.) penuh dengan kekaburan erotik: Forerunner muda di sini kelihatan bukan seperti seorang pertapa suci, tetapi seperti seorang penggoda yang penuh dengan daya tarikan sensual. Dalam satu siri lukisan yang menggambarkan malapetaka sejagat (kitaran dengan "Banjir", pensil Itali, pen, sekitar 1514-1516, Perpustakaan Diraja, Windsor), pemikiran tentang kelemahan dan tidak pentingnya manusia sebelum kuasa unsur-unsur digabungkan dengan yang rasionalistik, menjangkakan kosmologi "vorteks" idea R. Descartes tentang sifat kitaran proses semula jadi.

"Risalah Lukisan"

Sumber yang paling penting untuk mengkaji pandangan Leonardo da Vinci ialah buku nota dan manuskripnya (kira-kira 7 ribu helaian), yang ditulis dalam bahasa Itali yang dituturkan. Tuan itu sendiri tidak meninggalkan pembentangan pemikirannya yang sistematik. "Treatise on Painting," yang disediakan selepas kematian Leonardo oleh pelajarnya F. Melzi dan yang mempunyai pengaruh besar terhadap teori seni, terdiri daripada petikan yang sebahagian besarnya diekstrak secara sewenang-wenang daripada konteks notanya. Bagi Leonardo sendiri, seni dan sains adalah berkait rapat. Memberi tapak tangan dalam "pertikaian seni" untuk melukis sebagai, pada pendapatnya, bentuk kreativiti yang paling intelektual, tuan memahaminya sebagai bahasa universal (sama dengan matematik dalam bidang sains), yang merangkumi keseluruhan kepelbagaian. alam semesta melalui perkadaran, perspektif dan chiaroscuro. “Lukisan,” tulis Leonardo, “adalah sains dan anak perempuan alam yang sah..., saudara kepada Tuhan.” Dengan mempelajari alam semula jadi, artis-naturalis yang sempurna dengan itu mempelajari "fikiran ketuhanan" yang tersembunyi di bawah rupa luaran alam. Dengan melibatkan diri dalam persaingan kreatif dengan prinsip kebijaksanaan ketuhanan ini, artis dengan itu mengesahkan persamaannya dengan Pencipta Yang Maha Esa. Oleh kerana dia "mula-mula ada dalam jiwanya dan kemudian di tangannya" "segala sesuatu yang wujud di alam semesta," dia juga adalah "sejenis tuhan."

Leonardo ialah seorang saintis. Projek teknikal

Sebagai seorang saintis dan jurutera, Leonardo da Vinci memperkayakan hampir semua bidang pengetahuan pada masa itu dengan pemerhatian dan tekaan yang bernas, menganggap nota dan lukisannya sebagai lakaran untuk ensiklopedia falsafah semula jadi gergasi. Beliau adalah wakil terkemuka sains semula jadi berasaskan eksperimen yang baharu. Leonardo memberi perhatian khusus kepada mekanik, memanggilnya "syurga sains matematik" dan melihat di dalamnya kunci kepada rahsia alam semesta; dia cuba menentukan pekali geseran gelongsor, mengkaji rintangan bahan, dan bersemangat tentang hidraulik. Banyak eksperimen hidroteknik telah dinyatakan dalam reka bentuk inovatif saluran dan sistem pengairan. Keghairahan Leonardo untuk pemodelan membawanya kepada pandangan jauh teknikal yang menakjubkan yang jauh di hadapan zamannya: seperti lakaran reka bentuk untuk relau metalurgi dan kilang rolling, mesin tenun, percetakan, kerja kayu dan mesin lain, kapal selam dan tangki, serta reka bentuk untuk mesin terbang dibangunkan selepas kajian menyeluruh tentang penerbangan burung dan payung terjun

Optik

Pemerhatian yang dikumpul oleh Leonardo mengenai pengaruh badan telus dan lut sinar pada warna objek, yang dicerminkan dalam lukisannya, membawa kepada penubuhan prinsip perspektif udara dalam seni. Kesejagatan undang-undang optik dikaitkan untuknya dengan idea homogenitas Alam Semesta. Dia hampir mencipta sistem heliosentrik, menganggap Bumi sebagai "titik di alam semesta." Dia mengkaji struktur mata manusia, membuat tekaan tentang sifat penglihatan binokular.

Anatomi, botani, paleontologi

Dalam kajian anatomi, meringkaskan hasil autopsi mayat, dalam lukisan terperinci dia meletakkan asas ilustrasi saintifik moden. Mengkaji fungsi organ, dia menganggap badan sebagai contoh "mekanik semula jadi". Dia adalah orang pertama yang menerangkan beberapa tulang dan saraf, memberi perhatian khusus kepada masalah embriologi dan anatomi perbandingan, cuba memperkenalkan kaedah eksperimen ke dalam biologi. Setelah menubuhkan botani sebagai disiplin bebas, dia memberi penerangan klasik susunan daun, helio- dan geotropisme, tekanan akar dan pergerakan jus tumbuhan. Dia adalah salah seorang pengasas paleontologi, percaya bahawa fosil yang ditemui di puncak gunung menyangkal idea "banjir global."

Setelah mendedahkan cita-cita "lelaki universal" Renaissance, Leonardo da Vinci ditafsirkan dalam tradisi berikutnya sebagai orang yang paling jelas menggariskan pelbagai pencarian kreatif era itu. Dalam kesusasteraan Rusia, potret Leonardo dicipta oleh D. S. Merezhkovsky dalam novel "Dewa yang Dibangkitkan" (1899-1900).

Lukisan oleh Leonardo da Vinci:

“Virgin and Child with Child John “Mona Lisa” 1503 Baptist and St. Anna “

“ Ketua seorang wanita muda "Madonna dan Kanak-kanak"

“ makan malam terakhir ” 1495-1497

Rafael Santi

RAFAEL SANTI (Raffaello Santi) (1483-1520), pelukis dan arkitek Itali. Wakil Renaissance Tinggi. Dengan kejelasan klasik dan kerohanian yang luhur, beliau menjelmakan cita-cita Renaissance yang menegaskan kehidupan. Karya-karya awal (Madonna Conestabile, kira-kira 1502-03) dipenuhi dengan keanggunan dan lirik yang lembut. Kewujudan manusia di bumi, keharmonian rohani dan kekuatan fizikal memuliakan bait (bilik) Vatican dalam lukisan (1509-17), mencapai rasa perkadaran yang sempurna, irama, perkadaran, eufoni warna, kesatuan angka dan latar belakang seni bina yang megah. Banyak imej Ibu Tuhan ("Sistine Madonna", c. 1513), ensemble artistik dalam lukisan Villa Farnesina (1514-18) dan loggias Vatican (1519, dengan murid). Dicipta dalam potret imej yang sempurna lelaki Renaissance ("B. Castiglione", 1514-15). Mereka bentuk Katedral St. Peter, membina Kapel Chigi Gereja Santa Maria del Popolo (1512-20) di Rom.

RAFAEL (nama sebenarnya Raffaello Santi) (26 atau 28 Mac 1483, Urbino - 6 April 1520, Rom), artis Itali dan arkitek. Anak kepada artis Giovanni Santi. Menurut Vasari, dia belajar dengan Perugino. Beliau pertama kali disebut sebagai sarjana bebas pada tahun 1500. Pada 1504-08 beliau bekerja di Florence. Pada akhir tahun 1508, atas jemputan Pope Julius II, dia berpindah ke Rom, di mana, bersama Michelangelo, dia mengambil tempat terkemuka di kalangan artis yang bekerja di mahkamah Julius II dan penggantinya Leo X.

Sudah dalam lukisan awal, dilukis sebelum berpindah ke Florence, bakat harmoni Raphael yang wujud telah dicerminkan, keupayaannya untuk mencari keharmonian bentuk, irama, warna, pergerakan, gerak isyarat yang sempurna - dan dalam karya format kecil, hampir miniatur, sebagai " Madonna Conestabile" (c. 1502-03, Hermitage), "The Dream of a Knight" (c. 1504, National Gallery, London), "The Three Graces" (Muzium Condé, Chantilly), "Saint George" (c. 1504, Galeri Nasional, Washington), dan dalam format yang lebih besar, "The Betrothal of Mary" (1504, Brera, Milan).

Zaman Florentine (1504-08)

Langkah itu memainkan peranan besar dalam perkembangan kreatif Raphael. Yang paling penting baginya ialah kebiasaan dengan kaedah Leonardo da Vinci. Mengikuti Leonardo, dia mula bekerja banyak dari kehidupan, mempelajari anatomi, mekanik pergerakan, pose dan sudut yang kompleks, mencari formula komposisi padat dan berirama seimbang. Dalam karya Florentine terakhir Raphael (Entombment, 1507, Galleria Borghese, Rom; St. Catherine of Alexandria, c. 1507-08, National Gallery, London) kelihatan minat terhadap formula kompleks pergerakan dramatik dan gelisah yang dibangunkan oleh Michelangelo .

Tema utama lukisan zaman Florentine ialah Madonna and Child, yang mana tidak kurang daripada 10 karya dikhaskan. Di antaranya, tiga lukisan yang serupa dalam reka bentuk komposisi menonjol: "Madonna with the Goldfinch" (c. 1506-07, Uffizi), "Madonna in Greenery" (1506, Kunsthistorisches Museum, Vienna), "The Beautiful Gardener" ( 1507, Louvre). Memvariasikan motif yang sama di dalamnya, menggambarkan dengan latar belakang landskap yang indah seorang ibu muda dan kanak-kanak kecil bermain di kakinya - Kristus dan Yohanes Pembaptis, dia menyatukan tokoh-tokoh itu dengan irama yang stabil dan harmoni dari piramid Komposisi, yang dicintai oleh sarjana Renaissance.

Zaman Rom (1509-20)

Setelah berpindah ke Rom, tuan berusia 26 tahun itu menerima jawatan "artis Takhta Apostolik" dan tugasan untuk mengecat bilik-bilik negara Istana Vatican, dan dari 1514 dia mengarahkan pembinaan Katedral St. Peter, bekerja dalam bidang seni bina gereja dan istana, pada tahun 1515 beliau dilantik sebagai Pesuruhjaya Antikuiti, bertanggungjawab untuk kajian dan perlindungan monumen purba dan penggalian arkeologi.

Mural Istana Vatican

Tempat pusat dalam kerja tempoh ini diduduki oleh lukisan bilik negara Istana Vatican. Lukisan Stanza della Segnatura (1509-11) adalah salah satu ciptaan Raphael yang paling sempurna. Gubahan berbilang angka yang megah di dinding (menyatukan dari 40 hingga 60 aksara) "Disputa" ("Pertikaian tentang Perjamuan"), "Sekolah Athens", "Parnassus", "Asas Kanonik dan undang-undang sivil"dan empat tokoh wanita alegori yang sepadan di peti besi mewakili teologi, falsafah, puisi dan perundangan.

Tanpa mengulangi satu figura atau pose, bukan satu pergerakan pun, Raphael menjalinnya bersama-sama dengan irama yang fleksibel, bebas, semula jadi, mengalir dari rajah ke rajah, dari satu kumpulan ke kumpulan yang lain.

Dalam Stanza Elidor yang berdekatan (1512-14), dalam lukisan dinding ("Pengusiran Elidor dari Kuil", "Pembebasan Ajaib Rasul Petrus dari Penjara", "Misa di Bolsena", "Pertemuan Paus Leo I with Attila”) dan adegan alkitabiah di peti besi Permulaan plot-naratif dan dramatik mendominasi, keseronokan yang menyedihkan dalam pergerakan, gerak isyarat, kontrapposto kompleks meningkat, dan kontras cahaya dan bayang-bayang semakin bertambah. Dalam “The Miraculous Escape of the Apostle Peter from Prison,” Raphael, dengan kehalusan bergambar yang luar biasa untuk seorang artis Itali Tengah, menyampaikan kesan kompleks pencahayaan malam - sinaran mempesonakan yang mengelilingi malaikat, cahaya bulan yang sejuk, api obor kemerahan dan pantulan mereka pada perisai pengawal.

Antara karya terbaik Raphael the monumentalist juga ialah lukisan peti besi Kapel Chigi (c. 1513-14, Santa Maria della Pace, Rom) yang ditugaskan oleh jurubank dan dermawan Agostino Chigi dan lukisan dinding "The Triumph of Galatea" (c. 1514-15) penuh dengan keceriaan pagan , Villa Farnesina, Rom).

Kadbod untuk permaidani dengan episod dari sejarah rasul Peter dan Paul (Victoria and Albert Museum, London), yang dibuat pada 1515-16, secara gaya dekat dengan lukisan Stanza, bagaimanapun, mereka sudah menunjukkan tanda-tanda pertama keletihan Raphael. gaya klasik - ciri kesempurnaan sejuk, semangat untuk pose yang menakjubkan, hebat, gerak isyarat yang berlebihan. Ini adalah lebih ciri lukisan dinding Vatican Stanza del Incendio (1514-17), yang dibuat daripada lukisan Raphael oleh pembantunya Giulio Romano dan J.F. Penney. Lukisan hiasan semata-mata yang dilakukan oleh pembantu Raphael berdasarkan lukisannya di Hall of Psyche of the Villa Farnesina (c. 1515-16) dan dalam apa yang dipanggil Loggias of Raphael dari Istana Vatican (1518-19).

Madonnas Rom

Pada zaman Rom, Raphael beralih kepada imej Madonna lebih jarang, mencari penyelesaian baru yang lebih mendalam. Di Madonna della Sedia (c. 1513, Pitti, Florence) ibu muda dalam pakaian seorang rakyat biasa Rom, John the Baptist dan Kristus kecil diikat bersama dengan bingkai bulat (tondo); Madonna nampaknya cuba untuk melindungi anaknya dalam pelukannya - Titan kecil dengan wajah serius seperti kanak-kanak. Tafsiran baru yang kompleks secara polifonik bagi imej Madonna menemui ekspresi paling lengkapnya dalam salah satu ciptaan Raphael yang paling sempurna - altarpiece Sistine Madonna (c. 1513, Galeri Seni, Dresden).

Potret

Potret pertama bermula pada zaman Florentine (“Agnolo Doni,” c. 1505, Pitti, Florence; “Maddalena Strozzi,” c. 1505, ibid.; “Donna Gravida,” c. 1505, ibid.). Walau bagaimanapun, hanya di Rom sahaja Raphael mengatasi kekeringan dan beberapa kekakuan potret awalnya. Antara karya Rom, potret humanis Baldassare Castiglione (c. 1514-15, Louvre) dan apa yang dipanggil "Donna Velata" mungkin merupakan model "Sistine Madonna" (c. 1516, Pitti, Florence), dengan struktur imej yang mulia dan harmoni, keseimbangan komposisi, kehalusan dan kekayaan skema warna.

Kerja-kerja seni bina

Raphael meninggalkan kesan yang ketara pada seni bina Itali. Antara bangunannya ialah gereja kecil San Eligio degli Orefici (diasaskan kira-kira 1509) dengan bahagian dalamannya yang sederhana, Chigi Chapel di gereja Santa Maria del Popolo (diasaskan kira-kira 1512), bahagian dalamannya merupakan contoh sebuah perpaduan reka bentuk seni bina dan hiasan yang jarang berlaku walaupun untuk Renaissance , yang direka oleh Raphael, - lukisan, mozek, arca, dan Villa Madama yang belum siap.

Raphael mempunyai pengaruh yang besar terhadap perkembangan lukisan Itali dan Eropah seterusnya, menjadi, bersama-sama dengan sarjana zaman dahulu, contoh tertinggi kesempurnaan artistik.

Lukisan oleh Rafael Santi:

“Nymph Galatea”

“Madonna dan Kanak-kanak”

“Saint George melawan naga”

“Penglihatan Nabi Yezerkiel” “Adam dan Hawa”

MichelangeloBuonarroti

MICHELANGELO Buonarroti (1475-1564), pengukir Itali, pelukis, arkitek, penyair. Dengan kekuatan yang paling besar dia menyatakan cita-cita manusia yang mendalam dari Renaissance Tinggi, penuh dengan kesedihan heroik, serta perasaan tragis krisis pandangan dunia kemanusiaan semasa Renaissance Akhir. Monumentalitas, keplastikan dan drama imej, kekaguman terhadap kecantikan manusia sudah terbukti dalam karya awal (“Lamentation of Christ”, c. 1497-98; “David”, 1501-04; kadbod “Battle of Kashin”, 1504-06) . Lukisan peti besi Kapel Sistine di Vatican (1508-12), patung "Musa" (1515-16) mengesahkan keindahan fizikal dan rohani manusia, kemungkinan kreatifnya yang tidak terbatas. Nota-nota tragis yang disebabkan oleh krisis cita-cita Renaissance didengari dalam ensemble Sakristi Baru Gereja San Lorenzo di Florence (1520-34), dalam lukisan dinding "The Last Judgment" (1536-41) di dinding altar. Kapel Sistine, dalam versi terkemudian "The Lamentation of Christ" (kira-kira 1550-55), dsb. Seni bina Michelangelo didominasi oleh prinsip plastik, kontras dinamik jisim (Perpustakaan Laurentian di Florence, 1523-34 ). Dari 1546 beliau mengarahkan pembinaan Katedral St. Peter, penciptaan ensemble Capitol di Rom. Puisi Michelangelo dibezakan oleh kedalaman pemikiran dan tragedi yang tinggi.

MICHELANGELO Buonarroti (1475, Caprese - 1564, Rom), pengukir Itali, pelukis, arkitek, penyair, salah seorang sarjana terkemuka Zaman Renaissance Tinggi.

belia. Bertahun belajar

Beliau mendapat pendidikan rendah di sekolah Latin di Florence. Dia belajar melukis dengan Ghirlandaio dan arca dengan Bertoldo di Giovanni di sekolah seni yang diasaskan oleh Lorenzo Medici di Medici Gardens. Dia menyalin lukisan dinding oleh Giotto dan Masaccio, mempelajari arca Donatello, dan pada tahun 1494 di Bologna dia berkenalan dengan karya Jacopo della Quercia. Di rumah Lorenzo, tempat Michelangelo tinggal selama dua tahun, dia berkenalan dengan falsafah Neoplatonisme, yang kemudiannya mempunyai pengaruh yang kuat terhadap pandangan dunia dan kreativitinya. Tarikan kepada pembesaran bentuk yang monumental sudah jelas dalam karya pertamanya - relief "Madonna of the Stairs" (c. 1491, Casa Buonarroti, Florence) dan "Battle of the Centaurs" (c. 1492, ibid.).

Zaman Rom Pertama (1496-1501)

Di Rom, Michelangelo meneruskan kajian arca purba yang dimulakan di Taman Medici, yang menjadi salah satu sumber arcanya yang kaya. Zaman Rom pertama termasuk patung antik Bacchus (c. 1496, Muzium Negara, Florence) dan kumpulan arca "Pieta" (c. 1498-99), yang menunjukkan permulaan kematangan kreatif tuan.

Zaman Florentine (1501-06). patung Daud

Kembali ke Florence pada tahun 1501, Michelangelo menerima perintah daripada kerajaan republik itu untuk mencipta patung David sepanjang 5.5 meter (1501-04, Accademia, Florence). Dipasang di dataran utama Florence bersebelahan dengan dewan bandar Palazzo Vecchio (kini digantikan dengan salinan), ia bertujuan untuk menjadi simbol kebebasan republik itu. Michelangelo menggambarkan David bukan sebagai seorang remaja rapuh yang menginjak-injak kepala Goliath yang terputus, seperti yang dilakukan oleh tuan abad ke-15, tetapi sebagai seorang gergasi olahraga yang cantik pada saat sebelum pertempuran, penuh keyakinan dan kekuatan yang menggerunkan (orang sezaman memanggilnya terribilita - menakutkan).

Pada masa yang sama, pada 1501-05, Michelangelo mengerjakan pesanan kerajaan yang lain - kadbod untuk lukisan dinding "The Battle of Cascina", yang, bersama dengan lukisan Leonardo da Vinci "The Battle of Anghiari", sepatutnya menghiasi dewan Palazzo Vecchio. Lukisan itu tidak dilakukan, tetapi lakaran kadbod oleh Michelangelo telah dipelihara, menggambarkan dinamik pose dan gerak isyarat lukisan siling Sistine.

Zaman Rom Kedua (1505-16)

Pada tahun 1505, Paus Julius II memanggil Michelangelo ke Rom, mempercayakannya dengan kerja di makamnya. Projek Michelangelo membayangkan penciptaan, berbeza dengan batu nisan yang dipasang di dinding tradisional di Itali pada masa itu, sebuah makam berdiri bebas yang megah, dihiasi dengan 40 patung yang lebih besar daripada saiz sebenar. Penyejukan cepat Julius II kepada rancangan ini dan pemberhentian pembiayaan untuk kerja itu menyebabkan pertengkaran antara tuan dan paus dan pemergian demonstrasi Michelangelo ke Florence pada Mac 1506. Dia kembali ke Rom hanya pada tahun 1508, setelah menerima daripada Julius II pesanan untuk melukis Kapel Sistine.

Lukisan Kapel Sistine

Lukisan dinding siling Sistine (1508-12) adalah yang paling bercita-cita tinggi daripada rancangan Michelangelo yang direalisasikan. Setelah menolak projek yang dicadangkan kepadanya dengan angka 12 rasul di bahagian sisi peti besi dan dengan pengisian hiasan bahagian utamanya, Michelangelo mengembangkan program lukisannya sendiri, yang masih menyebabkan tafsiran yang berbeza. Lukisan peti besi besar yang meliputi kapel kepausan yang luas (40.93 x 13.41 m) termasuk 9 gubahan besar dalam cermin peti besi pada tema kitab Kejadian - dari "Penciptaan Dunia" hingga " Banjir", 12 tokoh besar sibyl dan nabi dalam tali pinggang sisi peti besi, kitaran "Nenek moyang Kristus" dalam acuan dan lunettes, 4 gubahan di sudut layar pada tema pembebasan ajaib orang Yahudi. Berpuluh-puluh watak agung yang menghuni alam semesta yang megah ini, dikurniakan rupa raksasa dan tenaga kerohanian yang sangat besar, mempamerkan kekayaan luar biasa gerak isyarat, pose, kontrapposto, dan sudut yang disemai dengan pergerakan yang kuat.

Batu nisan Pope Julius II

Selepas kematian Julius II (1513), Michelangelo mula bekerja pada batu nisannya, mencipta tiga patung pada 1513-16 - "The Dying Slave", "The Rebellious Slave" (kedua-duanya di Louvre) dan "Moses". Projek asal, berulang kali disemak oleh waris Julius II, tidak dilaksanakan. Menurut perjanjian keenam yang dibuat dengan mereka, pada tahun 1545 sebuah batu nisan dinding dua tingkat telah dipasang di gereja Rom San Pietro di Vincoli, yang termasuk "Musa" dan 6 patung yang dibuat pada awal 1540-an. di bengkel Michelangelo.

Empat patung "Hamba" yang belum selesai (c. 1520-36, Accademia, Florence), pada asalnya bertujuan untuk sebuah makam, memberikan gambaran tentang kaedah kreatif Michelangelo. Tidak seperti pengukir kontemporari, dia memproses blok marmar bukan dari semua sisi, tetapi hanya dari satu, seolah-olah mengekstrak angka dari ketebalan batu; dalam puisinya, dia berulang kali mengatakan bahawa pengukir hanya mengeluarkan imej yang asalnya tersembunyi di dalam batu. Dipersembahkan dalam pose yang sangat dramatik, "Hamba" nampaknya cuba untuk keluar dari jisim batu yang membelenggu mereka.

Kapel Medici

Pada tahun 1516, Pope Leo X de' Medici menugaskan Michelangelo untuk mereka bentuk muka bangunan Gereja San Lorenzo di Florence, yang dibina pada abad ke-15. Brunelleschi. Michelangelo ingin menjadikan fasad gereja paroki keluarga Medici ini "cermin seluruh Itali," tetapi kerja dihentikan kerana kekurangan dana. Pada tahun 1520, Kardinal Giulio de' Medici, bakal Pope Clement VII, menugaskan Michelangelo untuk mengubah Sakristi Baru Gereja San Lorenzo menjadi makam megah keluarga Medici. Kerja-kerja projek ini, yang terganggu oleh pemberontakan menentang Medici pada 1527-30 (Michelangelo adalah salah seorang pemimpin pertahanan tiga tahun Florence yang dikepung), tidak disiapkan pada masa Michelangelo pergi ke Rom pada 1534; Patung-patung yang dibuatnya hanya dipasang pada tahun 1546.

Kapel Medici adalah ensembel seni bina dan arca yang kompleks, kandungan kiasan yang telah menimbulkan pelbagai tafsiran. Patung-patung Dukes Lorenzo dan Giuliano de' Medici, yang duduk di ceruk cetek berlatarbelakangkan hiasan antik seni bina dan berpakaian perisai maharaja Rom, tidak mempunyai persamaan potret dan mungkin melambangkan Kehidupan Aktif dan Kehidupan Kontemplatif. Garis besar sarkofagus yang terang secara grafik berbeza dengan kuasa plastik patung-patung besar Siang dan Malam, Pagi dan Petang, berbaring di atas tudung sarkofagus yang landai dalam kedudukan yang menyakitkan dan tidak selesa, seolah-olah bersedia untuk meluncur darinya. Michelangelo menyatakan kesedihan dramatik imej-imej ini dalam quatrain, yang ditulis olehnya seolah-olah bagi pihak Night:

Sungguh manis untuk saya tidur, dan lebih-lebih lagi - menjadi batu,

Apabila terdapat rasa malu dan jenayah di sekeliling:

Tidak merasa, tidak melihat adalah satu kelegaan.

Diam kawan, kenapa bangunkan saya? (Diterjemah oleh A. Efros).

Perpustakaan Laurentian

Selama bertahun-tahun bekerja di Florence pada 1520-34, gaya arkitek Michelangelo berkembang, dicirikan oleh peningkatan keplastikan dan kekayaan bergambar. Tangga Perpustakaan Laurentian direka dengan berani dan tidak dijangka (projek kira-kira 1523-34, dijalankan selepas Michelangelo berlepas ke Rom). Sebuah tangga marmar yang monumental, hampir keseluruhannya memenuhi lobi yang luas, bermula betul-betul di ambang bilik bacaan yang terletak di tingkat dua, mengalir keluar dari pintu dengan tangga curam yang sempit dan, berkembang pesat, membentuk tiga lengan, turun begitu saja. sebagai curam; irama dinamik tangga marmar yang besar, diarahkan ke arah mereka yang naik ke dalam dewan, dianggap sebagai kuasa tertentu yang memerlukan mengatasi.

Zaman Rom ketiga. "Penghakiman Terakhir"

Perpindahan Michelangelo ke Rom pada tahun 1534 membuka tempoh dramatik terakhir karyanya, yang bertepatan dengan krisis umum Renaissance Florentine-Rom. Michelangelo menjadi dekat dengan bulatan penyair Vittoria Colonna; idea-idea pembaharuan agama yang membimbangkan para peserta dalam bulatan ini meninggalkan kesan mendalam pada pandangan dunianya selama ini. Dalam lukisan dinding yang sangat besar (17 x 13.3 m) "Penghakiman Terakhir" (1536-41) di dinding mezbah Kapel Sistine, Michelangelo meninggalkan ikonografi tradisional, bukan menggambarkan saat Penghakiman, ketika orang benar sudah dipisahkan dari orang berdosa, tetapi permulaannya: Kristus menghukum dengan isyarat mengangkat tangan, dia menurunkan Alam Semesta yang hampir mati di hadapan mata kita. Jika di siling Sistine sumber pergerakan adalah titanic figura manusia, maka sekarang mereka dibawa pergi, seperti angin puyuh, oleh kuasa luar yang mengatasi mereka; watak-watak kehilangan kecantikan mereka, badan raksasa mereka kelihatan membengkak dengan timbunan otot, mengganggu keharmonian garisan; pergerakan dan isyarat memotong penuh keputusasaan adalah tidak harmoni; terbawa-bawa oleh gerakan umum, orang benar tidak dapat dibezakan daripada orang berdosa.

Menurut Vasari, Paus Paul IV pada tahun 1550-an. akan merobohkan lukisan dinding, tetapi sebaliknya artis Daniele da Volterra telah ditugaskan untuk "memakai" orang-orang kudus atau menutup aurat mereka dengan cawat (entri ini telah dikeluarkan sebahagiannya semasa pemulihan, yang berakhir pada tahun 1993).

Lukisan terakhir Michelangelo juga dipenuhi dengan kesedihan yang tragis - lukisan dinding "The Crucifixion of the Apostle Peter" dan "The Fall of Saul" (1542-50, Paolina Chapel, Vatican). Secara amnya melukis lewat Michelangelo mempunyai pengaruh yang menentukan dalam pembentukan mannerisme.

Arca lewat. Puisi

Kerumitan dramatik penyelesaian kiasan dan bahasa plastik membezakan karya seni arca Michelangelo yang lewat: "Pieta with Nicodemus" (c. 1547-55, Florence Cathedral) dan "Pieta Rondanini" (kumpulan yang belum selesai, c. 1555-64, Castello Sforzesco).

Semasa zaman Rom yang lalu, kebanyakan daripada hampir 200 puisi yang diturunkan kepada kita oleh Michelangelo telah ditulis, berbeza kedalaman falsafah pemikiran dan ekspresif bahasa yang sengit.

Katedral St. Petra

Pada tahun 1546 Michelangelo telah dilantik sebagai ketua arkitek Katedral St. Peter, pembinaannya dimulakan oleh Bramante, yang pada masa kematiannya (1514) telah mendirikan empat tiang gergasi dan gerbang salib tengah, serta sebahagiannya salah satu naves. Di bawah penggantinya - Peruzzi, Raphael, Sangallo, yang sebahagiannya meninggalkan rancangan Bramante, pembinaan hampir tiada kemajuan. Michelangelo kembali kepada rancangan berpusat Bramante, pada masa yang sama membesarkan semua bentuk dan bahagian, memberikan mereka kuasa plastik. Semasa hayatnya, Michelangelo berjaya menyelesaikan bahagian timur katedral dan ruang depan kubah besar (42 m diameter), yang didirikan selepas kematiannya oleh Giacomo della Porta.

Capitol Ensemble

Projek seni bina megah kedua Michelangelo telah siap hanya pada abad ke-17. Capitol Ensemble. Ia termasuk Istana Senator zaman pertengahan (dewan bandar), dibina semula mengikut reka bentuk Michelangelo, dihiasi dengan menara, dan dua Istana Konservatif yang megah dengan fasad yang sama, disatukan oleh irama pilaster yang kuat. Patung ekuestrian antik Marcus Aurelius dipasang di tengah-tengah dataran dan tangga lebar menuruni ke kawasan perumahan bandar melengkapkan ensembel ini, yang menghubungkan Rom baharu dengan runtuhan megah Forum Rom kuno yang terletak di seberang Bukit Capitoline.

Pengebumian di Florence

Walaupun jemputan berulang dari Duke Cosimo de' Medici, Michelangelo enggan kembali ke Florence. Selepas kematiannya, mayatnya diam-diam diambil dari Rom dan dikebumikan di makam Florentines yang terkenal - Gereja Santa Croce.

Berfungsi Michelangelo Buonarroti:

“ David ”

“ Pemisahan cahaya daripada kegelapan ”

“Penciptaan Matahari dan Bulan”