Proporsjonene til en persons ansikt når du tegner et portrett: et diagram. Ideelle ansiktsproporsjoner
20. Maletime. Oljemaleri portrett.
I leksjonene med å male og tegne inn skole Nye kunstintensjoner nybegynnere i tegning læres å "søke" etter silhuetten til figuren og hodet i forhold til bakgrunnen, fordi bare en nøyaktig og ekspressivt funnet silhuett gir portrettet større kunstnerisk uttrykksevne.
For å lære å tegne et portrett av en person (med en blyant eller maling) - prøv å forstå det unike ansiktsuttrykket og gjennom dette uttrykket, bare iboende denne personen, formidle sin indre sinnstilstand.
På forrige maletime du har fått tilstrekkelig erfaring med bildet av hodet, har lært å jobbe i farger. Hensikten med denne leksjonen er å lære å lage et portrett med maksimalt kunstnerisk uttrykk.
Skissetegning. Praksisen med å tegne fra livet i sammenligning.
I tegneleksjoner trekker vi spesielt oppmerksomheten til nybegynnere på fargen på en persons kropp. Denne fargen er forskjellig fra fargen på alle andre objekter i den synlige verden. Blodårene gir kroppens farge bare dens iboende rosa farge, derfor er hudfargen til mennesker kroppslig, rosa. Men kunstnerens øye, som har erfaring med å oppfatte de fineste fargenyansene, vil lett legge merke til at ikke to ansikter er helt identiske i fargen, identiske i formenes karakter, i proporsjoner og tekstur.
Derfor, når du øver på å tegne et portrett fra livet, prøv å identifisere kjøttfargen riktig. Kunstneren i alle egen sak må direkte se i naturen fargen som ligger i den og være i stand til å formidle den nøyaktig. For å gjøre det lettere å legge merke til denne fargeforskjellen og lære hvordan du tegner nyansene i fargegjengivelsen, anbefaler vi at du fullfører den første øvelsen i denne maletimen ved å tegne tre forskjellige hodeportretter. forskjellige folk på ett lerret. Du kan stille spørsmålet: "Hvorfor er det nødvendig å male forskjellige portretter på samme lerret? Ville det ikke vært bedre å gjøre dette på tre separate lerreter?" Det anbefales å tegne en slik studie slik at du klarere kan føle forskjellen i farge og karakter på portrettansikter når du sammenligner dem.
La oss praktisk talt sjekke det ut. Du har malt (eller tegnet med blyant eller pastell) i en eller to økter jentas hode på venstre kant av lerretet ditt. Det svarte håret hennes viser tydelig formen til en glatt, lett, lett gulaktig panne, de skarlagenrøde, saftige leppene former mykt formen på munnen hennes. Rosaheten til ungdommelige kinn gjenlyder med skarlagenrøde lepper. Et lys gulrosa ansikt gir en behagelig grønnlilla undertone i skyggene.
Til neste portrettseanse inviterer du en middelaldrende mann hvis hode er blottet for hår. I dette tilfellet er den anatomiske strukturen til skallen tydelig avslørt. Dype øyehuler bidrar til å formidle volumet og karakteren til denne personens hode. Før du tegner det, merker du umiddelbart for deg selv at bildet krever helt andre farger enn for studiet av jentas hode.
Du kan lett utlede at denne personen tilsynelatende sjelden er eksponert for luft, siden huden hans er en blek gulaktig grønn, som minner om fargen på pergament. De skyggefulle delene av hodet er også grønnaktige, men de er helt forskjellige fra grønnheten i jentas studie - de er brungrønne og de må løses, kanskje med umbra og wolkonskoite. Du ser umiddelbart at det i dette hodet ikke er de behagelige rosa tonene som du malte jentas kinn og lepper med, og når du tilbereder fargerike blandinger for å formidle fargens natur, er du overbevist om at de må være laget av helt andre farger.
Tredje studie. Tegner et portrett av hodet til en gammel mann med busket skjegg, med grått hår. Når du begynner å skrive det, sammenligner du dette hodet med to tidligere skrevne studier og forsikrer deg om at det er helt annerledes i farge og tekstur fra de to foregående hodene.
Dermed vil en slik leksjon i maleri, slik tegning fra forskjellige naturer i sammenligning overbevise deg om at alt menneskelige ansikter forskjellig i naturen til formene og proporsjonene, og i kroppens tekstur og i fargesystemet. Denne troen vil ikke tillate deg å male alle hodene med samme "kjøtt" farge, men vil tvinge deg til å nøye analysere og studere fargene på en persons kropp hver gang, basert på plassering og lysforhold. Denne metoden for tegning lar deg trene øyet ditt til å oppfatte de mest subtile fargesvingningene og vil hjelpe deg å forstå hvordan du lærer å tegne på det første stadiet utdanning, samt i videre selvstendig skapende arbeid.
Vi tegner et portrett.
Iscenesettelsen av naturen bør tydelig avsløre hovedbildetrekkene i ansiktet og hodet som helhet, opplyst av lys forfra, når små grupper av skygge dannes. Et hode opplyst av direkte lys krever en mørkere bakgrunn, men ikke nødvendigvis svart, men matchet i fargen slik at bakgrunnen ikke bare er i tone, men også i fargekontrast med naturen.
Denne maletimen for nybegynnere gjennomføres i flere leksjoner, da den er ganske vanskelig for studenter. Og en nybegynner blir noen ganger tvunget til å tegne om mange ganger.
Alle som ønsker å lære å tegne og tilegne seg de riktige ferdighetene i maleri, bevæpne seg med ferdigheter, må utvikle et arbeidssystem for å tegne et portrett av et ansikt og hode. Vi anbefaler at maletimen over hodeportrettet er betinget delt inn i tre stadier, som henger sammen og organisk går over i hverandre, utvikler og utfyller hverandre.
Den første fasen av portrettmalereksjonen - forberedende tegning hoder for maling og farget undermaling (fig. 1);
den andre fasen av maletimen er studiet av detaljene i portrettet, egenskapene til deres former og fargetrekk (fig. 2);
den tredje fasen av maletimen er generaliseringen og syntesen av det som er studert, og bringer portrettet til billedlig enhet og kunstnerisk uttrykksevne(Fig. 3).
Disse stadiene av portretttegnetimen vil gjøre det mulig for kunstneren å mer bevisst utføre arbeidet sitt fra begynnelsen til slutten av tegningen og hjelpe ham med å kvitte seg med mange unødvendige, og noen ganger skadelige, endeløse endringer. Dette fører vanligvis til det faktum at portrettet blir overbelastet med maling, som ikke kan påføres tilfeldig, ellers begynner det å falme, svartne.
Når iscenesettelsen av naturen er ferdig, går kunstneren videre til den første fasen av denne maletimen. Samtidig må du alltid huske at uten å tegne en modell, bør du ikke begynne å male med maling. Denne bestemmelsen virker klar, og mange vil kanskje hevde at den ikke burde vært nevnt. Men praksisen med å undervise i maleri på skolen vår viser at elevene ikke alltid følger denne regelen. Begynnende malere ønsker noen ganger ikke å kaste bort tid på en forberedende tegning. Noen ganger fører dette til et trist resultat - først viser portrettet seg å være frisk i farger, og visse steder er interessante og pittoresk løst, men så blir det plutselig funnet mange betydelige feil i skjemaet.
Ved påfølgende økter (tørr) begynner du å korrigere, å jobbe i deler, og det mister umerkelig sjarmen og friskheten som det hadde i begynnelsen, det blir til en skisse, torturert i maleri og ødelagt i form. Det blir kjedelig å jobbe, modellen virker uinteressant, det er tvil om deres evner - jeg vil slutte med portrettet og ikke lenger ta opp børster.
For å komme på rett vei uten slike opplevelser, lag først en godt konstruert og detaljert tegning. Tegn for maling med kull eller myk blyant. Det er ikke nødvendig å modellere i full tone. Du kan lage en tegning som er ganske lett i tone, men helst med en karakteristikk av portrettets hovedtonale graderinger. Deretter kan tegningen festes med lakk eller fuktes med vann fra en sprayflaske, hvis bakken på lerretet er lim eller emulsjon, eller børste lett av kullet, og etterlate tegningen i en veldig lett lys tone.
Deretter, før han begynner å male, må kunstneren analysere modellen mentalt avhengig av oppgavene og bestemme hvilke blandinger han skal ta for portrettstudiet, hvilke fargerike kombinasjoner han fant i modellen, se varme og kalde toner i naturen.
Etter at den nybegynnere portrettmaleren "ble vant" til naturen, mentalt forsto dens fargevalg, som om han så den malt, fortsetter han til å undermale.
Undermaling (fig. 1) er en lys registrering med fargen på hele lerretet. Undermaling gjøres noen ganger uten kalk, som akvarell, noen ganger introduseres også en liten mengde kalk.
Undermaling for hodemaling gjøres på samme måte som for stilleben og andre øvelser. Du har allerede fått en idé om dette fra de forrige leksjonene.
Fra et lett undermaleri er det senere lettere for kunstneren å bestemme riktig tone og farge, mens det er vanskeligere å gjøre dette på et blankt lerret. Når undermalingen er ferdig og formen på hodet er støpt, kan du gå videre til løsningen av hovedmassene i naturens fulle kraft. Det er bedre å begynne å skrive i full kraft fra det stykket som er mest tydelig for forfatteren. Anta at kunstneren kjente styrken til tonen og fargen på pannen sammen med håret og begynte å ta fargen helt blank ved å undermale. Han begynner å male pannen med all kraft, og tar både håret og bakgrunnen og bringer det hele i harmoni. Så vil han ta resten av hodet med samme kraft, hele tiden, og sammenligne fargeforhold med hverandre. Derfor, etter undermaling, fortsetter forfatteren med å forme hodet, som det var, i deler, og løser disse delene direkte og sammenligner dem med hverandre.
Men det er ikke alltid mulig for kunstneren, som tegner i deler, å oppfatte hele produksjonen som en helhet, øyet hans streber etter å dvele ved den delen av naturen som er avbildet, og ønsker ikke å se områdene rundt. Dette er den evige kampen for et helhetlig syn på naturen. En nybegynner i tegning må mønstre den nødvendige innsatsen fra viljen for konstant oppmerksomhet og utvikling av et slikt arbeidsprinsipp som vil tillate ham, når han maler kinnet, å sammenligne ikke bare den opplyste delen av kinnet med skyggedelen, men sammenlign kinnet med pannen og med halsen og med bakgrunnen og med håret. Sammenlign derfor alltid så mye og så ofte som mulig når du tegner noen detaljer, for hele prosessen med å male består av sammenligning.
Det er nødvendig å sammenligne ikke bare når det gjelder form, proporsjoner og karakter, men også når det gjelder fargeforhold.
For å løse problemet med å male hodet, trengs erfaring, du må føle hvordan formen på hodet er bygget av fargeforhold. Derfor, når du regner ut formen på detaljene med hvert penselstrøk, identifiser en viss del av formen og sørg for å skille ett strøk fra de andre etter farge.
Etter å ha jobbet gjennom skjemaet i flere økter, vil du se at du er ganske nær naturen. Hodet i portrettet så ut som en modell. Øynene ser og uttrykker karakteren til utseendet til modellen. Nesen begynner å bli definert, volumet på hodet er bygget riktig, kanskje til og med de ubarberte kinnene til en person blir formidlet, det vil si at alle detaljene er avbildet kjærlig og nøye. Men dessverre oppdager du umiddelbart at på en avstand på 5 - 6 meter har portrettet ditt på en eller annen måte blitt tregt, lite uttrykksfullt. Fargene er ikke klangfulle nok, verket har mistet sin fargerike sjarm. Umiddelbart oppdager du at, til tross for detaljene skrevet ut, er hodet lite voluminøst og tredimensjonalt, i tillegg er ansiktet på en eller annen måte skrått, øynene er ikke tydelig bygd, det ene kinnbenet gled ned i forhold til det andre, leppene gikk også et sted til siden. Frustrert begynner du å forsiktig korrigere feil med en liten pensel, jaktende etter å korrigere detaljer, men portrettet blir ikke bedre av dette.
Du føler deg ukomfortabel med å jobbe med det. Du ble sliten.
Alt dette skjedde fordi du under en ganske lang maletime, i ferd med å jobbe med detaljene, sluttet å se som en helhet, jakten på å formidle detaljer distraherte deg fra en helhetlig oppfatning.
Siste etappe maletime. Hensikten med dette stadiet er å bringe hodet, fragmentert av detaljer, tilbake til generalisering, for å styrke strukturen til portrettet av hodet igjen, for å bringe til syntesen av analysen av former som ble gjort tidligere. For å oppnå en generalisering og en integrert billedløsning, må kunstneren tåle store indre spenninger.
I dette øyeblikket må du anstrenge all din vilje for noen ganger å forlate mange av detaljene som er funnet av hensyn til en integrert og mest kunstnerisk løsning. Slike smertefulle øyeblikk måtte gå gjennom mange av fortidens store portrettmalere.
Fra memoarene til V. A. Serov vet vi hvordan stor kunstner, som visste hvordan man skulle jobbe med et portrett i seksti eller flere økter, etter å ha grundig studert modellen og oppnådd betydelige funn, deretter hensynsløst skrapet av alt skrevet med en palettkniv og, etter å ha samlet sin vilje og styrke, fritt fullført arbeidet med portrett i 2-3 økter. I disse siste øktene oversatte han portrettet til en ny, topp kvalitet, noe som gjør det til et integrert, generalisert, svært kunstnerisk verk.
I timene våre trekker vi oppmerksomheten til nybegynnere på naturen og naturens tilstand.
Hvis portrettbilde Hvis en person også inkluderer hender, er det nødvendig å være oppmerksom på dem, for noen ganger vil hender fortelle deg enda mer om en person enn et ansikt. Bevegelser og håndbevegelser bør være viktige, karakteristiske for denne spesielle personen i den tilstanden han er i for øyeblikket.
I ferd med å tegne et portrett, vær maksimal oppmerksomhet til øynene til personen som blir portrettert, prøv å trenge dypere inn i sjelen til en person gjennom øynenes uttrykk. Tross alt er det ikke for ingenting at de sier at øynene er sjelens speil. Derfor, for å lære å overføre rolig til sinns person i portrett maleri, vær oppmerksom på øynenes natur, på deres uttrykk og ikke nøl med å tegne øynene med all kraften til børsten din. Dette betyr ikke at du trenger å tegne øynene nøye, i detalj med alle årer og høydepunkter i pupillen. Men skriv nøye og nøyaktig, slik at øynene ser ut, og gjennom dette blikket overføres sinnstilstanden til en person.
En kreativ person er en utilstrekkelig person som oppfatter verden annerledes enn alle andre. Disse menneskene har alltid vært og vil være det, og de innser sin opprørske natur i sin visjon om verden.
Topp ca 10 uvanlige artister som tar en merkelig tilnærming til å lage sine malerier.
1. Australske Tim Patch,
"Det er mange fantastiske kunstnere, men bare én maler med en fitte," snakker Tim Patcher om seg selv slik du forstår her vi snakker om en morsom måte å bruke farger på maleriene hans.
selv om maleriene hans er skapt på en merkelig måte, har han allerede vunnet sin popularitet, og folk snakker veldig godt om maleriene hans.
2. Millie Brown er en kunstner som tegner bilder med oppkastet sitt!
Det er ingen slik person som ikke har kastet opp minst en gang i livet. Noen ganger føler dere alle dårlig, like mye som rapende jakt. Men selvfølgelig er det få som vil gjøre dette på seg selv.
Selv om det finnes unntak: kunstneren Millie Brown er klar til å spy ut fargerike væsker fra munnen nesten hver dag. Selvfølgelig ikke bare sånn, men av kjærlighet til kunst!
Selv om det som er overraskende her, tegner hun bildene sine på en så merkelig måte. Før hun begynner å jobbe med det nye arbeidet sitt, tilbereder hun glass med væske forskjellige farger. Hun vil deretter bruke disse stoffene som maling under sin kvalmende kreativitet.
3.Hong Yi jente maler med en ball.
Yi Hong, en ung Shanghai-basert kunstner, brukte en basketball til å male et portrett av den pensjonerte kinesiske basketballspilleren Yao Ming.
Etter hennes mening er en basketball et mer passende verktøy enn en børste for dette arbeidet, selv om det bare tok henne to timer å lage et bilde.
4. Vinicius Quesada er en gatekunstner fra Brasil som maler med blod.
Kunst er i blodet hans, ser det ut til å sies om Vinitsa Quesada, for i maleriene hans bruker han blodet sitt i stedet for maling.
Selv om beundrere av talentet hans tilbyr sitt blod for arbeidet hans, nekter han høflig. De sier at blodet deres kan gå til en god gjerning, for å hjelpe andre mennesker.
5. Tegning under vann.
På lager, kunstneren, i gjennomsnitt, ca 40-60 minutter for alt om alt. For oljemaling er dette veldig lite – bare rekordtid.
Men det stopper ikke undervannskunstnere fra å lage sine egne malerier.
6. En amerikansk kvinne med store bryster maler bilder med den.
Kira Ain Varsed maler maleriene sine med brystet. Godt hun har dusker rett størrelse. Hvordan gjør hun det, spør du? Og jeg skal svare deg: kunstneren legger maling på bysten hennes og maler deretter bilder for dem.
Ifølge Kira maler hun landskap av fjerne ukjente planeter.
7. Maling gjort med tungen.
Den indiske kunstneren Ani lager sine malerier ved hjelp av språk. Han prøvde selv mange måter å påføre maling på lerret, men noen hadde allerede gjort dette før ham.
Og det er ikke noe språk ennå, det er det første.
8. Kunstneren laget et panel med 200 000 døde maur.
California-kunstneren Chris Trueman laget et veggmaleri av 200 000 døde maur.
Forfatteren av verket bemerker at det tok ham flere år å lage panelet. På et tidspunkt følte han til og med et angrep av medlidenhet med insekter og avbrutt arbeidet i omtrent et år. Riktignok innså han at livet til allerede drepte maur ikke kunne returneres, og fullførte arbeidet.
9. En kunstner som bruker øynene.
Chen har en fantastisk evne til å holde tegnebørster mellom øyelokket og hornhinnen og tegne kalligrafiske tegn på arkene.
Chen oppdaget sitt utrolige talent i seg selv i en alder av 16, da han jobbet på en byggeplass, hvor det kom sand inn i øynene hans. Så la den unge mannen merke til at fremmedlegemer på hornhinnen ikke forårsaket ham spesielt ubehagelige eller smertefulle opplevelser.
10. En kunstner som maler med menneskelig aske.
Val Thompson bruker kremert menneskelig aske som grunnlag for malingene sine. Denne ideen ble foreslått for henne av henne bror, og forklarer henne at hun vil være den første i denne typen sjanger.
Doodle-portretter 4. august 2014
Den malaysiske kunstneren Vince Low tegner penn-på-papir-portretter av kjendiser «uten å ta hendene fra papiret», sier noen. Illustratøren var i stand til å formidle ansiktsuttrykk og følelser til Hollywood-stjerner, sangere, forskere og filmhelter med en utrolig nøyaktighet. Vince Lowe kalte sin serie med malerier ukomplisert - "Ansikter".
Under kuttet vil det være et verk som kan sees med en sterk økning, da vil du forstå hva som er det uvanlige og essensen i dette arbeidet.
Bilde 3. 
KLIKKBAR
Ideen om å lage originale portretter av kjendiser ble født til ham spontant: til å begynne med likte han, som mange, å skissere tegninger i notisbok. Etter å ha sett at resultatet er ganske imponerende, bestemte Vince Lowe seg for å lage en hel serie uvanlige verk.
Bilde 2. 
Kunstneren sier at det er ekstremt viktig for ham å formidle sjelen og karakteren til personen som er avbildet på bildet. Uten å tvile på sine evner, bestemte han seg for å mestre ferdighetene med "linje"-maling til perfeksjon. Gjerne, denne retningen Moderne kunst ikke nytt, blant de anerkjente mesterne bør vi huske navnene på Atsushi Takahashi og Pierre Emmanuel Godet, som tegner med "klodser", samt Reddit-amatørillustratøren, som lager malerier med en kontinuerlig linje. Vince Lowe klarte imidlertid å okkupere en helt spesiell nisje innen monokrom portrett.
Bilde 4. 
Ofte blir skriblerier oppfattet som ren velvære, meningsløse linjer som kan prikkes med en side. Vince Lowe vet imidlertid hvordan han skal organisere dette kaoset, og skape fra det kunstneriske bilder. Hans realistiske portretter er emosjonelle og uttrykksfulle, kunstneren bruker dyktig spill av lys og skygge, tegner ansiktstrekk i detalj. En tilsynelatende usystematisk tilnærming til å lage en tegning lar Vince Lowe oppnå utmerkede resultater.
Her er et annet eksempel med stor økning for deg. Klikk på bildet.
KLIKKBAR
Og en til...
KLIKKBAR
Bilde 5. 
Bilde 6. 
Bilde 7. 
Bilde 8. 
Bilde 9. 
Bilde 10. 
Bilde 11. 
Bilde 12. 
Bilde 13. 
Bilde 14. 
Bilde 16. 
Bilde 17. 
Bilde 18. 
Bilde 19. 
Bilde 20. 
samtidskunstnere som vil gjøre deg syk">
10 samtidskunstnere som vil gjøre deg syk
Nå skal vi snakke om så merkelige kreative prosjekter at du vil ligge i et hjørne, dekket med et teppe, klemme den svarte firkanten og klage til ham om nedgangen i moral, og det er det.
Sammenkoblede børster
"Nytt håp"
La oss starte med en ganske beskjeden og til og med søt amerikansk artist Kira Ain Varseji. Teknikken hennes er enkel: hun blander malinger, legger dem på det nakne brystet, presser mot lerretet. Du kan kjøpe hennes abstrakte verk for 200-300 dollar. Kira er en positiv kvinne: hun elsker å fiske, mannen hennes, dataspill. Noen ganger lar han skilpadden krype over malingen, og viser også frem individuelle detaljer med leker og grønnsaker. Bryststørrelse, i tilfelle du lurer, 38DD. Det er mye.
Minnekort
"Rosfugler"
Sergio Portillo (USA) maler med vanlige pensler. Hemmeligheten ligger i malingen. Malingen er aske. Menneskelig. Nei, alt er bra. Pårørende til avdøde og kremerte bestiller selv slike malerier fra kunstneren. Det er praktisk: du trenger ikke å bruke penger på kunst i huset og på et sted i kolumbariet. Forresten, Sergio er ikke original, en slik tjeneste leveres av flere artister av det ikke sjenerte dusinet.
Kunst og offer
"Portrett med en pistol"
Chris Truman malte bare ett bilde som passer for listen vår, men hva! Han la ut et portrett av sin yngre bror fra 200 000 døde maur. Og det var ikke så lett, fordi kunstneren elsker maur og han liker ikke å drepe dem. Men folkemordet på insekter betalte seg - maleriet ble kjøpt for 35 tusen dollar.
Maler
"Jimi Hendrix"
En eldre australsk Tim Patch jobber under pseudonymet Pricasso. Dette kan oversettes til russisk som Hrenasso. Vel, du har allerede forstått hva han tegner. Og det blir forresten ganske bra for et så sløvt våpen! Forresten, kunstneren lar deg observere hans kreativ prosess, slik at han gjerne inviteres til alle mulige festivaler der barn ikke får komme inn.
Språket vil bringe til museet
"Kristus"
For hinduisten Ani Kay er kunst ikke lett. På grunn av hans kreativ metode han lider alltid av smerter i magen, hodet, svimmelhet. Og alt fordi han tegner med tungen. Han forteller at nå er det fortsatt tålelig, og etter de første bildene tenkte han at han ville gå til den neste verden. Til sammen helte han 20 akvareller, inkludert en to meter lang kopi av Da Vincis Nattverden, for ikke å si at den var av spesielt høy kvalitet. Et medlem ville definitivt vært bedre, på den annen side, det religiøse temaet ...
Øyemåler
Kunstneren trenger selvfølgelig et nøyaktig øye, men vi visste ikke hva som trengs så bokstavelig talt. Xiang Chen, en kinesisk kalligrafimester, holder en børste med øyelokket og drar den over arket. Generelt er resultatet vanskelig å vurdere, men arbeidet er imponerende. Han vet forresten også å holde en pinne med samme øye og spille den på piano.
Inspirasjon innenfra
Nexus Vomitus
Artist Millie Brown kaster ukontrollert opp på lerretet, bokstavelig talt. For å gjøre dette drikker hun farget melk og kaster den deretter opp på et hvitt laken eller på kjolen. Maleriene er abstrakte, men de koster mye. For eksempel ble bildet Nexus Vomitus laget for å synge tre operasangere og solgt for $2400.
rød og gul
Brasilianske Vinicius Quesada maler med blod. Og ikke en slags gris, men menneske. Kjent for sin serie med malerier "Blues of urine and blood", skrevet nøyaktig det som står i tittelen. Dette er realistiske psykedeliske bilder av geishaer, aper og zombier. Hvorfor geisha? Hvorfor urin? Hvorfor er alt?
Venner, jeg får ofte det samme spørsmålet. Om hvordan å tegne fra fantasien, det vil si "fra hodet." For ikke å gjenta i separate bokstaver, denne gangen vil jeg svare på nettstedet. Jeg håper svaret mitt vil være nyttig for artister som er bekymret for det samme problemet.
Og jeg begynner med siste bokstav om dette temaet.
Hallo!
I fjor høst skrev jeg allerede til deg i form av et "rop fra sjelen", som du, til min overraskelse, til og med svarte på 🙂 Takk for dette!
Jeg vil si at jeg har overvunnet de fleste hovedproblemene i arbeidet mitt, men det har oppstått et annet som irriterer meg veldig, veldig: Jeg kan (nesten) ikke tegne "ut av hodet". Det vil si, hvis du legger gips foran meg, eller mesterens redskaper med frukt, eller til og med et landskap, så kan jeg danne et mer eller mindre tilstrekkelig bilde.
Men hvis jeg setter meg ned og vil tegne det som er i hodet mitt – ... så begynner helvete. Det er som om jeg holder en pensel eller en blyant i hendene for første gang. Det vil si at det som er vanskelig er å forestille seg et tre i hodet mot bakgrunnen av en elv og male det med akvareller selv i en farge. Hvis jeg så dette plottet foran meg, så tok det et par minutter å skrive en skisse meg et par minutter og noen penselstrøk (ideelt sett), men å forestille meg i hodet mitt ser det ut som om jeg er 4 år gammel, og foreldrene mine ga meg maler med pensler på Nyttår, hvis jeg bare ville slutte å løpe gjennom korridorene.
Noen ganger viser det seg selvfølgelig, men det er fortsatt mye lavere nivå enn om jeg tegnet fra livet ...
Slik jeg forstår det, er poenget her ikke lenger i evnen og ikke i tegneteknikken, men i "talent" eller "hjerne" ... Selvfølgelig kan du fortsette å tegne fra livet, men noen ganger vil du tegne noe annet som er i sjelen din, men det fungerer ikke ...
Etter min mening er den beskrevne situasjonen ikke bare typisk, men også NORMAL.
«Ut av hodet mitt» er flott å skrive abstrakte malerier, det er ingen grenser for fantasien. Vel, i det minste noe fantastisk. Noen ikke kjent for vitenskapen Cheburashka eller et portrett av en søvngjenger.
Men hvis du vil skildre noe som kan eksistere i virkelige verden, og til og med gjøre det plausibelt nok, hvorfor torturere hodet ditt og prøve å komme ut av det som ikke er der?!
Ja nøyaktig.
Tror du ikke? Som et eksperiment ... Tenk deg en grønnsak eller frukt du har i kjøleskapet. Tegn det ut av hodet ditt, så detaljert du kan forestille deg. Og så få den ekte ut av kjøleskapet og tegne den fra naturen. Hvilken av disse tegningene ser mer sanne ut?
Du skjønner, hvert objekt i naturen er unikt, det eksisterer bare i ett eksemplar.
Vi har et visst generalisert bilde, et sett med egenskaper, lagret i hodet vårt. Gulrot ser ut som en langstrakt kjegle oransje farge. Og hun kan være slik:
Miljøet er mye mer variert enn det hva vi kan forestille oss...
Det er andre variabler i tillegg til biologisk mangfold. Skygger og reflekser som er tilfeldige. Farge, avhengig av den generelle belysningen. Rouen katedral ved middagstid og Rouen-katedralen i gråvær – to katedraler i forskjellige farger.
Kunstnere har alltid behandlet naturen med stor respekt. Og faktisk er det ingen motsetning i å skrive fra naturen eller å skrive det som er i sjelen. Du kan skrive det som er i sjelen din fra naturen – du må bare finne en passende natur.
Ta for eksempel «The Appearance of Christ to the People» av A. Ivanov.
Det er tydelig at ideen om bildet er tatt "fra hodet", og forfatteren skrev ikke denne scenen fra livet. Og ideen her er virkelig monumental. Slik så kunstneren oppgaven sin: "Det er nødvendig å forestille seg i bildet mitt ansiktene til forskjellige klasser, alle sørgelige og utrøstelige, en trist følelse, et ønske om frihet og uavhengighet."
Men disse ansiktene er ikke fiktive, som detaljene i landskapet. Det er kjent at Ivanov fullførte rundt 400 foreløpige skisser og skisser for dette maleriet. Arbeidet med lerretet varte i 20 år.
Og skisser ble skrevet med ekte folk. For eksempel var prototypen til en av karakterene Gogol.
Noen av disse skissene kan sees i samlingen til det russiske museet.
Enhver implementering av en plan innebærer innsamling av materiale, og det er ikke tilrådelig å hoppe over dette stadiet. I sparegrisen din kan det være skisser, skisser, noen passende fotografier om emnet. Og da vil den realiserte ideen være tungtveiende og troverdig.
Men jeg vil også komme med en liten bemerkning. Å tegne "fra fantasien" er forskjellig fra å tegne "fra hukommelsen". Fra utsiden er forskjellen ikke merkbar, kunstneren tegner noe uten å se på naturen. Men fra hukommelsen kan du tegne noe virkelig mer eller mindre overbevisende.
Selvfølgelig, i dette tilfellet er det nødvendig å flott opplevelse. Har du tegnet tusen portretter fra livet, vil du kunne tegne et ansikt som godt kan tilhøre ekte person. Minnet ditt vil fortelle deg noen individuelle trekk og nyanser av ansikter som du allerede har tegnet.
For å tegne etter hukommelsen er det ikke nok bare å forestille seg et kjent objekt. Det må studeres nøye, med en blyant i hånden, lage skisser og detaljerte tegninger.
Jeg tegner et selvportrett av og til for å varme opp. Som et resultat kan jeg tegne et ansikt som ligner på mitt uten å se meg i speilet... Men jeg kan ikke tegne ansiktene til slektninger eller venner etter minnet, spesielt de som jeg aldri har malt før.
Ifølge samtidige, mange kjente artister hadde en unik seig hukommelse. Jeg tror dette ikke er et medfødt talent, men resultatet av trening, hver av disse kunstnerne hadde lang erfaring med å tegne fra naturen.
Derfor, hvis det er et ønske om å tegne "fra hodet" - sørg for å få erfaring med tegninger fra livet, lag skisser - jo mer jo bedre. Og snart vil dette problemet slutte å være et problem for deg)
Nyttig artikkel? Del med venner:"Det er ganske åpenbart for meg at vanen med å tegne nøyaktig det vi ser gir en tilsvarende evne til å tegne nøyaktig hva vi tenker" ...
Joshua Reynolds
