Teaterproduksjon av Romeo og Julie. Stykket "Romeo og Julie" på teatret i Sør-Vestlandet

Iscenesettelse: V.Spesivtsev

Vyacheslav Spesivtsev er kanskje den mest konsekvente opprøreren i det russiske teaterfeltet. Ikke-konformismen til den berømte figuren manifesterte seg i denne produksjonen. Forestillingen er tradisjonell i innhold og moderne i form. Dystre Verona minner mest av alt om en nattsamling av motorsyklister med et uhemmet svir av lidenskaper. Fasjonable motiver i musikken til forestillingen gir den også en aktuell aksent. MET presenterer sin versjon av Romeo og Julie for både den uerfarne seeren og den ivrige teatergjengeren. Veggene i MET er allerede vant til spenningen som følger med denne produksjonen. En ekstra billett blir bedt innenfor en blokkradius rundt teatret. Og passasjene til hallen er stappfulle av sidestoler og tilskuere som bare sitter på trappen.

Dette kravet er begrunnet av flere faktorer. For det første har Shakespeares tragedie om unge elskere vært usvikelig populær blant unge mennesker i fire hundre år nå, fordi i denne alderen ser enhver kjærlighet ut til å være én og eneste (uansett antall). For det andre, sammen med profesjonelle artister, ble mange nøkkelroller i stykket spilt av studiomedlemmer, som unge seere savnet mye. For det tredje presenteres dette teaterprosjektet i en ny tolkning i det 21. århundres ånd, mettet med moderne rytmer og materialer, og selvfølgelig nye menneskelige relasjoner. Forventningene til publikum vil være fullt ut berettiget. Avantgarde regi, uvanlig scenografi, kostymer rike på denim, lær og metall, moderne, veldig vellykket musikalsk arrangement og til slutt finner kunstnernes inspirerte spill forståelse og en varm respons hos publikum. I forestillingen blandes studioteatrets sceneaskese med et moderne følge. På en nesten tom scene kledde skuespillere seg i moderne kostymer nærbilde gi et Shakespeare-ord. Moderne kjoler endrer betydelig problematikken med stykket i dag.

Skaperne av forestillingen vil utvilsomt være i stand til å berøre en usynlig nerve i sjelene til moderne Romeo og Julie, som fremkalte en kompleks rekke følelser hos dem: medfølelse, ømhet, ironi, beundring og Gud vet hva annet! Den kalde verden av meningsløs fiendskap gir opphav til en skjør følelsesblomst. Den triste historien om to unge hjerter, som fra det aller første møtet begynte å slå unisont, spilles ut på bakgrunn av et tøft, ungdommelig enkelt forhold. Inspirerende impulser og gatebråk, selvfornektelse og drap, tap og lidelse, ydmykelse og frykt som rammet skjebnen til to unge mennesker, får dem til å bli sterke, lete etter en utvei, velge mellom velvære og kjærlighet, og som kommer død. Konsentrert handling og anspent indre liv helter vises i urovekkende og gripende, brennende og lyriske melodier. I ett verk, handlingen til Shakespeare og den musikalske eklektisismen presentert av moderne motiver. gamle, alle sammen kjent historie fortalt på dagens ungdomsspråk, og musikken gjør følelsesverdenen til Shakespeares karakterer forståelig og nær.

Sannsynligvis ble dette verket iscenesatt et rekordantall ganger, selv om tilbakestående Hollywood følte at dette var aktuelt evig plot. Noen mener at ideen om stykket og dets form ble lånt av teatret fra Hollywood. Disse uttalelsene er basert på mangel på informasjon om teatret: forestillingen vår har vært i drift i over 25 år og er derfor selvfølgelig primær. Vi har til og med spesifikke mistanker om omvendt plagiat og en person er kjent (vi vil ikke nevne navn, bare " god mann”), som mest sannsynlig tok den moderne forklaringen av Shakespeares skuespill mot vest. Men vi er ikke i en klage – la dem bruke den, vi har nok ideer til alle.

William Shakespeare

Varighet: 3 timer med pause

ny scene

People's Artist of Russia Mark Rozovsky presenterer sitt syn på Shakespeares udødelige tragedie. Det blir en klassisk lesning av stykket: med middelalderkostymer, sverdkamper, danser. En av hovedpersonene vil være musikk: forestillingen vil bli dekorert med fragmenter fra P.I. Tsjaikovskij "Romeo og Julie". Mark Rozovsky snakket om ideen om forestillingen: "De sa at da Vysotsky spilte Hamlet, snakket han ikke bare på vegne av sitt handlende selv, men også "på vegne av generasjonen." Her er hva vi bør prøve å gjøre. Mens vi fremfører Romeo og Julie, må vi huske hva som skjer i dag på gaten vår, og spesielt ikke på vår. Aldri før har menneskeheten trengt så mye renessansens kultur! Jeg vil gjerne gjøre "Romeo og Julie" til en forestilling som snublet over vår tid - slik at Shakespeare skulle bli hørt ... "

Kommentarer til stykket ROMEO OG JULIET

Romeo og Julie| Kommentar igjen: Objekt ikke funnet (2019-04-19 kl 17:50)

Den tragiske og betagende historien om «Romeo og Julie» får seeren til å stupe hodestups og føle de livlige følelsene til hovedpersonene... forestillinger generelt! Hvordan hver rolle ble utmerket spilt av så talentfulle og VELDIG karismatiske skuespillere
Personlig ble jeg utrolig imponert over prestasjonen!! Det er nettopp dette som kalles - profesjonalitet!

"Kjærlighet for alle aldre..."| Kommentar igjen: Maria Fedosova (2019-01-06 kl 07:30)

Likte den MYE! Først av alt bør det bemerkes teatrets forsiktige holdning til teksten til W. Shakespeare. Når det gjelder skuespillet, her er det alltid 5+. Jeg likte spesielt Mikhail Ozornin (Romeo) og Sandra Eliava (Juliet). Mark Rozovsky klarte nesten konkret å understreke den ekstreme ungdommen til hovedpersonene i tragedien, ellers er den vanlige setningen: "Hun er ennå ikke 14 år gammel" bare ord og ingenting mer. Her vokser karakterene bokstavelig talt opp foran øynene våre under påvirkning av kjærlighet. Forestillingen ses i ett åndedrag, til tross for at den varer i mer enn 3 timer. Alt i alt likte jeg det veldig godt!

Romeo og Julie| Kommentar igjen: Matalytskaya Anna (2018-03-10 kl. 22:18)

Besøkte med hele familien premiere forestilling "Romeo og Julie" i teatret ved Nikitsky-porten.
Prestasjonen er flott! Har ikke hatt det så gøy med en klassiker på lenge!
For første gang i mitt liv følte jeg at Romeo og vennene hans var 16 år gamle rampete gutter, og ikke erfarne menn. Juliet er fantastisk!
Veldig interessant dynamisk natur.
Forestillingen ser veldig enkel ut, i ett åndedrag!
Tusen takk til Mark Rozovsky! Vi elsker det vakre, koselige teateret. Vi så mange forestillinger, og de etterlater alle et uforglemmelig inntrykk!

Romeo og Julie| Kommentar igjen: Mila_M (2018-03-09 kl. 10:54)

Den engelske dramatikeren William Shakespeare, som ble født i 1564, skrev den strålende tragedien Romeo og Julie. Den 5. mars fant generalprøven av denne forestillingen sted på teatret "At Pokrovsky Gates". Teatersjefen Mark Rozovsky introduserte publikum for skaperne av denne produksjonen, bemerket at musikken til den store Tchaikovsky ville bli spilt, og ønsket artistene og publikum en vellykket øving.
Alle vet dette trist historie gal lidenskap, kjærlighet og død. Teaterkunstnerne klarte å vise hele følelsesstormen som kokte i Verona. Forestillingen fanger fra de første minuttene. Igor Klimov perfekt forberedt kamper og fekting, tjenerne og hovedpersonene viste en fantastisk kommando over brytingsteknikker og sverd. Alt på scenen var ekte. Koreograf Anton Nikolaev prydet forestillingen med danser, og ga den en smak fra 400-tallet. Evgenia Shults gjorde forestillingen fargerik, alle kostymene til karakterene samsvarte nøyaktig med ånden i denne historien. Juliet byttet antrekk flere ganger, jeg likte det veldig godt. Alexey Porubin gjorde forestillingen rik på lyd på nivå med moderne storfilmer. Arbeidet til Alexander Kuznetsov, lysverkstedet, var usynlig, noe som betyr at alt var perfekt, harmonisk og med måte. Bravo til alle assistentene til Mark Rozovsky!
Kunstnerne var fantastiske. Spillet deres holdt publikum i spenning i alle tre timene. Vi både lo og gråt, bekymret oss og gledet oss. Det er umulig å markere ett eller to, alle utmerkede poeng!

Mark Grigorievich, du vakkert teater, interiør, møbler, servicepersonell. Lev lenge og videre velstand til ditt avkom.

En salme om triumferende kjærlighet.

Elsker å overvinne døden.

Tragedie av stor lidenskap.

Bare slike definisjoner er i stand til å legemliggjøre i en kort form innholdet som Shakespeare la inn i sin tragedie. Den er dedikert til den vakreste og mest jordiske følelsen, men kjærlighetens kraft hever unge helter over hverdagens nivå. Folk elsker på forskjellige måter. Shakespeare portrettert høyeste grad denne store følelsen - grenseløs og uselvisk kjærlighet. Han skapte en modell av ideell kjærlighet.

Atmosfæren i det lune søren hersker i tragedien som utspiller seg blant folket, utsatt for voldelige lidenskaper, varm og fryktløs. Nesten alle deltakere i arrangementer har en tendens til å handle impulsivt og adlyde øyeblikkelig blinkende stemninger og følelser. Riktignok er det også rolige, fornuftige mennesker her, men nøkternhet og klokskap er maktesløse mot vulkanutbrudd av både kjærlighet og hat.

De unge heltene har vokst opp og lever i en atmosfære av evig fiendskap mellom familiene sine. (Dette materialet vil bidra til å korrekt skrive tragedien til Romeo og Julie om temaet for stykket. Sammendrag gjør det ikke klart hele meningen med verket, så dette materialet vil være nyttig for en dyp forståelse av arbeidet til forfattere og diktere, så vel som deres romaner, noveller, noveller, skuespill, dikt.) Montagues og Capuleti har allerede glemt hvordan kampen mellom dem begynte, men de kjemper fanatisk med hverandre, og hele livet til bystaten Verona går under tegnet av umenneskelig hat.

I et miljø mettet med giftig ondskap, der enhver bagatell tjener som påskudd for blodige trefninger, vokser plutselig en fantastisk blomst av ung kjærlighet, som forakter mange års stammefiendskap.

To leire dukker opp foran oss i tragedie. På den ene siden er dette uforsonlig fiendtlige mennesker, Montagues og Capulets. Både de og andre lever etter loven om stammehevn – øye for øye, tann for tann, blod for blod. Det er ikke bare gamle mennesker som holder seg til denne umenneskelige «moralen». Den mest voldelige tilhengeren av blodfeideprinsippet er den unge Tybalt, brennende av hat for alle Montagues, selv om de ikke gjorde ham noe skade, er han deres fiende rett og slett fordi de tilhører en fiendtlig familie. Det er Tybalt, enda mer enn den eldste Capulet, som følger loven om blodsted.

En annen gruppe karakterer i tragedien ønsker allerede å leve etter andre lover. Dette ønsket oppstår ikke teoretisk prinsipp men som en naturlig levende følelse. Så plutselig blusser den gjensidige kjærligheten til den unge Montague og den unge Capulet opp. Begge glemmer lett fiendskapet til familiene sine, fordi følelsen som har tatt i besittelse av dem begge, bryter øyeblikkelig muren av fiendskap og fremmedgjøring som skilte familiene deres. Juliet, etter å ha forelsket seg i Romeo, argumenterer klokt at hans tilhørighet til en fiendtlig familie ikke betyr noe for henne. På sin side er Romeo klar til å enkelt gi opp det generiske navnet hvis det viser seg å være et hinder for hans kjærlighet til Juliet. Romeos venn Mercutio er heller ikke tilbøyelig til å støtte den sivile striden som river Verona i to uforsonlige leire. Han er forresten en slektning av hertugen, og han prøver stadig å resonnere med den stridende, truende straffen for brudd på fred og ro i Verona.

Munken Lorenzo er også en motstander av fiendskap. Han forplikter seg til å hjelpe Romeo og Julie, i håp om at ekteskapet deres vil tjene som begynnelsen på forsoningen av fødsel.

Dermed blir tilhengerne av blodfeidens lov motarbeidet av mennesker som ønsker å leve annerledes - adlyde følelsene av kjærlighet og vennskap.

Det er én konflikt. En annen finner sted i Capulet-familien. Etter datidens skikk ble valget av partner når man giftet seg med en sønn eller datter tatt av foreldrene, uavhengig av barnas følelser. Slik er det i Capulet-familien. Faren valgte grev Paris som Julies ektemann, uten å spørre om samtykke. Juliet prøver å motstå farens valg. Som leseren vet, søker hun å unngå dette ekteskapet gjennom en utspekulert plan utarbeidet av munken Lorenzo.

Tragedien til Shakespeare når det gjelder historisk og moralsk er av stor betydning. Den skildrer datterens motstand mot farens vilje. Capulet går ut fra en praktisk beregning: Paris er en slektning av hertugen av Verona og Julies ekteskap med ham er gunstig for opphøyelsen av familien. Juliet kjemper for retten til å gifte seg for kjærlighet. Sammenstøtet mellom disse to prinsippene reflekterte et sammenbrudd i personlig og familie forhold som fant sted under renessansen. I virkeligheten var på den tiden retten til å gifte seg for kjærlighet langt fra triumferende. Men Shakespeare motsatte seg det til ekteskap etter foreldrenes vilje og etter beregning, og fremkalte blant publikum på teatret hans en klar sympati for den humanistiske ideen om barns frihet til å velge hvem de vil forbinde livene sine med,

Romeo og Julie er ikke bare en vakker tragisk kjærlighetshistorie. Shakespeares arbeid bekrefter de vitale prinsippene for humanisme i det offentlige og private liv som ble fremmet for den tiden. Slutten på føydale stridigheter, fred og orden i en stat ledet av en klok og rettferdig hersker - dette er sosialt grunnlag tragedie. Bekreftelsen av kjærlighet som grunnlaget for familielivet - slik er den moralske ideen bekreftet av Shakespeare.

Tragediens kunstneriske kraft bestemmes av ferdigheten Shakespeare viste i skildringen av karakterer. Uansett hvor liten rolle denne eller den karakteren har, skiller Shakespeare ham fra andre, i det minste i forbigående trekk. Så, i karakteren til den eldste Montague, høres poetiske ord om hvordan hans lengtende sønn bruker tid noe uventet. Er denne funksjonen helt tilfeldig? Snarere kan det antas at far Romeo hadde tilbøyeligheter som mottok mer utvikling i den poetiske personligheten til den unge Montecchi. Men det er selvsagt ikke de mindre, men tragediens hovedpersoner som vekker oppmerksomhet på grunn av Shakespeares uttrykksfulle skildring av dem.

Hvor mye sannhet i livet og hvor mye ekte poesi i bildet av unge Julie! Til tross for ungdommen – og hun er bare tretten år gammel – har Juliet den rikeste åndelige verden. Hun er smart utover årene, hjertet hennes er åpent for store følelser. Hun er spontan, slik det er naturlig for en jente. Selvfølgelig blir hun flau når hun finner ut at Romeo hørte talen hennes om hennes kjærlighet til ham. Men for å sørge for at han svarer henne med samme følelse, er hun den første som spør når de er gift. Juliet er dristig og bestemt. Av de to er hun mer aktiv enn Romeo. Og omstendighetene er slik at hun trenger å finne en vei ut av situasjonen hun befant seg i da faren kategorisk krevde hennes samtykke til å gifte seg med Paris.

Shakespeare viste overraskende subtilt at Juliet på ingen måte er likegyldig til spørsmål om familiens ære. Når hun får vite av den klønete historien til sykepleieren at fetteren Tybalt har blitt drept av Romeo, er hennes første følelse sinne på den unge Montecchi. Men så bebreider hun seg selv for at hun nesten umiddelbart etter bryllupet allerede er i stand til å bebreide mannen sin.

Julies mot er spesielt tydelig i den fatale scenen når hun etter råd fra en munk drikker en sovepille. Hvor naturlig er frykten for den unge heltinnen når hun tenker på det forferdelige synet hun vil se når øyet våkner i familiekrypten blant likene. Men etter å ha overvunnet frykten, drikker hun drinken, for bare ved å bestå denne testen vil hun kunne få kontakt med sin elskede.

Besluttsomheten som ligger i Juliet kommer også til uttrykk når hun våkner opp i krypten og ser den døde Romeo. Uten å nøle begår hun selvmord, for hun kan ikke leve uten Romeo. Hvor enkelt, uten falsk patos, oppfører Juliet seg på timen for det siste valget.

Utrolig solid heroisk bilde Juliet er en levende legemliggjøring av ung kjærlighet som ikke kan kompromiss, kjærlighet som overvinner farer og frykt. Hennes kjærlighet er virkelig sterkere enn døden.

Romeo er verdig slik kjærlighet. Han er sytten år gammel, men selv om han er eldre enn Juliet, er sjelen hans like ren. Plutselig tok kjærligheten Juliet i besittelse. Romeo var litt mer erfaren enn henne. Han visste allerede at det var en så fantastisk følelse i verden, allerede før han møtte Juliet. Hans sjel lengtet allerede etter kjærlighet, var åpen for å motta den. Før han møtte Juliet, hadde Romeo allerede valgt et objekt for tilbedelse. Det var forresten en jente også fra Capulet-klanen - Rosalina. Romeo sukker etter henne, men denne kjærligheten er spekulativ.

Det sovjetiske teateret i sine oppsetninger av "Romeo og Julie" fulgte veien til å overvinne metafysiske, idealistiske konsepter. Han forsøkte å avsløre realistisk sannferdig det historiske og sosiale innholdet i Shakespeares tragedie.

En analyse av forestillingen "Romeo og Julie" ved Moskva-revolusjonens teater gir rikt materiale for å forstå veien til vår Shakespearesk teater. Denne forestillingen var veldig milepæl i utviklingen av Shakespeares drama på den sovjetiske scenen, demonstrerende både i deres prestasjoner og i noen feil.

Hva nytt kom regissøren med i tolkningen av stykket? Først av alt tok han veien til den største forverringen av konflikter, og avslørte deres sosiale overtoner. Han forsto bildene av tragedie som et typisk produkt av tid og sosiale relasjoner. Det var dette som ga ham muligheten, som talte mot den småborgerlige idealiseringen av kjærligheten, mot den operatiske "italienismen", til å trekke en bred historisk bildeæra.

The Theatre of Revolution vendte seg til tragedien "Romeo og Julie" umiddelbart etter oppsetningen av sovjetiske skuespill som skildrer en fri kreativt liv ungdommen vår. Han viet opptredenen sin Leninistisk Komsomol. Gjennom øynene til våre unge menn og kvinner, som er gitt muligheten til fritt å skape, elske og nyte livet, ønsket teatret å se på tragedien med kjærligheten til de som i gamle tider heroisk utøvde sin rett til kjærlighet og lykke .

For ungdommen vår fortsetter kjærligheten til Romeo og Julie å høres ut som den høye patosen til en kamp for en ny person, for nye livsforhold, smelter sammen med ideen om en ny fantastisk liv der alt som hindrer realiseringen av personlig lykke vil bli ødelagt. Shakespeares tragedie iscenesettelser

Å se gjennom ungdommens øyne betydde tragedien til Romeo og Julie å overvinne de borgerlige klisjeene i den lyriske historien om uheldige elskere, som fikk enten sentimental eller fatal, mystisk fargelegging på scenen. For å gjøre dette var det nødvendig å møte virkeligheten alvorlig, noe som ga opphav til en trist historie om en sterk og lidenskapelig kjærlighet som reiste seg for å kjempe mot ikke mindre sterkt og nådeløst hat.

Regissøren av forestillingen er A.D. Popov formulerte sin oppgave som følger: "Det viktigste vi tror jeg har oppnådd er at fremførelsen av Romeo og Julie vil høres riktig ut i vårt teater. Shakespeare vil ikke fremstå i vår tolkning verken som en "frekk villmann" eller som en filosof-fornufter Vi tror at vi vil være i stand til å vise Shakespeares sanne ansikt, Shakespeare realisten, den modige og fullblods Shakespeare, som med genial følsomhet og innsikt reflekterte i sine verk de historiske motsetningene fra oppløsningens tid. av føydale forhold ".

Ifølge regissørens tolkning ligger disse motsetningene i sammenstøtet mellom mektige følelser og en grusom verden. formidabel kraft eldgammel føydal fiendskap står i veien for stor menneskelig kjærlighet. I denne atmosfæren, tragedien av mennesker med nye synspunkter, med sterk karakter og stor vilje. Så, uten å idealisere Shakespeares helter, viser regissøren i bildene av Romeo og Juliet mennesker som er originale, begavede, intellektuelle, ekte representanter for deres fantastiske æra.

Denne oppfatningen av karakterene til tragedien førte til en nyskapende tolkning av dens ideologiske essens, der modernitet ble kombinert med historisitet. Dermed oppsto ideen om forestillingen som en sosial tragedie, som avgjorde regissørens beslutning. Regissøren avslørte stykkets superoppgave i vekslingen av to replikker som går gjennom hele forestillingen - linjene av innbyrdes fiendtlighet og blomstrende kjærlighet, i skrikende kontraster mellom godt og ondt, skjønnhet og stygghet.

«Fattigdom skriker mot et bakteppe av hensynsløs luksus og rikdom.

Skrikende stygghet og stygghet av dverger og krøplinger som lever ved siden av det guddommelige kjekke menn og renessansekvinner.

Utskeielser og løssluppenhet skriker ved siden av Petrarchs kjærlighet, hans poesi og malerier av Botticelli.

Roper hedensk utskeielse og tenker at det "ikke er i strid" med kristendommen.

I utformingen av forestillingen har kunstneren I.Yu. Shlepyanov forsøkte å skape en livsbakgrunn som ville understreke disse motsetningene. Slik oppsto kontrasten mellom den vakre italienske byen og den glitrende naturens prakt med den dystre strengheten i kampen som foregår her. Naturen får deg til å føle naturens skjønnhet, den lune Verona-dagen, kjøligheten fra sørnatten og harmonien og harmonien i de arkitektoniske linjene i den italienske byen.

I forestillingen til Teater of the Revolution skaper gaten i Verona med trappen som går opp en følelse av dypt perspektiv, og åpner en utsikt over den italienske byen. Dette designet er langt fra de formalistiske konstruksjonene som våre kunstnere, inkludert Shlepyanov, syndet. La oss huske hans design av "Hamlet" på usbekisk akademisk teater drama oppkalt etter Hamza i 1935, som er en konstruksjon av plattformer og trapper, som ikke var forbundet med tragediens indre innhold. Den arkitektoniske komposisjonen i stykket "Romeo og Julie", laget med god smak, gir en levende idé om epokens liv.

En tung rød fløyelsgardin reiser seg. Fjellene er synlige i det rosa lyset fra morgengryet. Solen står opp, og hushjelpen fra huset til Montecchi har det travelt med å se av sin elskede, tjeneren til Capulets, som har vært sent ute med henne. Og ved Capulet-huset driver en jente med kyss bort Montagues tjener.

Men dette idylliske bildet, som foregår under den blå italienske himmelen, blir plutselig brått avbrutt. En nådeløs kamp følger mellom representanter for to stridende klaner, som involverer mange representanter for begge familiene. Det inkluderer også de unge mennene som nettopp har forlatt sin elskede. Denne første episoden, der sjangerscenen utvikler seg til et historisk bilde, er en uttrykksfull prolog som snakker om tragediers uunngåelse i en verden av grusomme føydale stridigheter.

Når han snakker om regissørens intensjon, sier A.D. Popov satte i gang temaet familiefeide og sivile stridigheter, som går som en rød tråd gjennom hele forestillingen, og starter med «Fight»-scenen. Allerede i denne scenen ble psykologien til deltakerne i kampen tydelig avslørt, hvis tempo økte kontinuerlig. Fra en bagatell tvist vokser en kamp ikke for livet, men for døden. Og nå faller allerede det første offeret - en blond ungdom, drept av fiendens sverd.

Massescenene med gatesammenstøt er en høy prestasjon av regissørens kunst. Med ekstraordinært uttrykk og dynamikk formidlet de kampens sanne patos.

De stormfulle gatebildene motvirkes av sluttscenene i krypten. I forgrunnen her er sarkofagene til de døde kapulettene, knapt opplyst av det svake lyset fra fakler. De knuser med sin monumentalitet. Og i fremtiden, bak jernstengene, den samme vakre, blå italienske himmelen, som kaller på livets gleder.

Hastigheten i tempoet, hurtigheten i bevegelsene i episodene av sammenstøt står i kontrast til den statiske, alvorlige langsomheten i forsoningsscenene; hendelser som får deg til å bekymre deg for heltenes skjebne - med finalen, en fantastisk grusom skjebnedom. Denne vekslingen av bevegelse og stillhet, lys og mørke, som går gjennom hele forestillingen, taler veltalende om epoken, dens intoleranse og blodige fordommer.

Men epokens motsetninger understrekes enda mer i de vakkert utformede bildene av Tybalt og Mercutio. Karakteren til den grusomme og begrensede Tybalt, veldig vellykket for kunstneren V.A. Latyshevsky, motarbeidet i forestillingen bildet av den edle og modige, muntre og vittige Mercutio, talentfullt legemliggjort av V.V. Belokurov. Vaken, rask, varm, forelsket i livet, dets gleder, dets lukter og farger, Mercutio og den dystre, voldelige forsvareren av eldgamle stammefordommer Tybalt så ut til å komme fra forskjellige århundrer. Scenen for deres kollisjon og Mercutios død, som tilhører de beste episodene av forestillingen, er fylt med stor dramatikk. Over de stridende sidene i stykket er den majestetiske figuren til hertugen av Escalus (skuespiller A.I. Shchagin), en klok hersker, som påpeker urettferdigheten i de forholdene som fører til konstante innbyrdes sammenstøt.

Disse bildene av den andre planen, gjengitt med stor kunnskap om tiden, samt vakre massescener, skaper den offentlige bakgrunnen for forestillingen. Tragedie, som i århundrer ble oppfattet som en sentimental fortelling om elskere, har blitt et skuespill med skarp sosial tanke. Popov leste tragedien på en nyskapende måte og gjorde en reell revolusjon i verdenstradisjonen for dens legemliggjøring.

Regissørens konsept inneholdt imidlertid også en fare som han ikke kunne unngå: skildringen av grusomheten i føydale forhold ble et selvstendig tema og tilsløret til en viss grad temaet for Romeo og Julies kjærlighet. Sammenstøtene, presentert på scenen med stor kraft og overbevisende med egne øyne, hvor levende og aktiv fiendskapen til de italienske seniorene, absorberer all oppmerksomheten til publikum. En annen fare oppsto fra en feiltolkning av karakterenes innbyrdes forhold, fra en uberettiget skjerping av karakterene, gjort for å klargjøre deres sosiale posisjon.

For å rettferdiggjøre sitt generelle konsept, måtte regissøren vise de gamle Montagues og spesielt Capulets som militante og grusomme mennesker. Når som helst er de klare til å trekke sverdene sine og skynde seg inn i kampen.

Når Capulet får vite av Tybalt at Romeo er til stede på ballet hans, blir han indignert, tent av sinne. I mellomtiden, i Shakespeares tragedie, reagerer Capulet rolig på denne nyheten og begrenser Tybalt, som er klar til å skynde seg inn i kamp.

For å gi Capulets og Montagues enda mer militans, ble deres alderskarakteristikker også endret i forestillingen. Dette er ikke gamle mennesker, men eldre, godt bevarte mennesker som kommer til ballet i masker, danser med damene. I mellomtiden sier Capulet:

Borte er dagene da vi danset...

Han var tjuefem år gammel, vi hadde på oss masker.

I Shakespeares tragedie er Capulet en enkelhjertet gammel mann som mener at "det ikke er vanskelig for to gamle mennesker å ikke forstyrre verden", og beholder fiendskap mot Montague bare av tradisjon. I forestillingen til Theatre of the Revolution ble disse ordene til Capulet utgitt, fordi i samsvar med det generelle konseptet for produksjonen, var det nødvendig å fremstille ham som en ond og hevngjerrig person. Også utelatt er hele dialogen med Paris, der den gode siden karakteren til Capulet. Til frieriet til Paris svarer han godmodig:

Vær henne, Paris, oppnå lykke,

Mitt ønske er en del av hennes samtykke,

Samtidig blir denne Shakespear-stilen menneskeheten til Capulet supplert og kombinert med farens tyranni, som snart vil kreve at datteren hans skal gifte seg med Paris mot hennes vilje. I teatret gikk utviklingen av bildet tapt, dets integritet og fullstendighet ble krenket.

Den saftige og fargerike skildringen av hverdagen førte noen ganger til noen unødvendige hverdagsdetaljer som skader sceneutviklingen av bilder.

Romeo kommer til ballet iført bjørneskinn. Dette gjør det unødvendig morsomt. Han leverer hele sin poetiske monolog ved å nærme seg rampen, mens han blir overhørt av Tybalt, som har dukket opp mellom kulissene bak ham i en narrkostyme. Inntrykket av Romeos monolog blir drept av det faktum at ansiktet hans, som stikker ut av et bjørneskinn, vises mot bakgrunnen av et grotesk maskeradekrus.

I scenen før ballet ble det laget et mellomspill, som selvsagt også skulle illustrere livet, men dette ble gjort på bekostning av å skildre hovedpersonenes tilstand. Mercutio håner Romeos amorøse stemninger, som faller "under kjærlighetens byrde" - "og byrden er tung for denne ømme byrden." Romeo er klar til å svare på latterliggjøringen hans, men for øyeblikket er scenen fylt med jenter i fancy kjole. Alle er interessert i dem, de ser under maskene. Jentene blir redde og stikker av. Først da svarer Romeo Mercutio: "Kjærlighet er øm? Den er grov, skarp, den stikker heftig som torner." Men betydningen av disse ordene går tapt, fordi de er skilt fra spørsmålet ved episoden av utseendet til jentene.

Overdreven hverdagslighet var karakteristisk for sykepleierens skikkelse, selv om hun ifølge direktørens plan spesielt skulle understreke tidens fargerike, for å bli legemliggjørelsen av renessansens bekreftelse av jordiske gleder. Men ønsket om å skildre datidens ville skikker, felles for hele forestillingen, førte til en forenkling av bildet av den våte sykepleieren. Derfor, i portrettet av en godmodig kvinne fra folket, med hennes sunne humor, ble trekkene til en frekk, sur vane introdusert, hennes fråtsing og imperiøsitet ble understreket.

En slik tolkning av rollen som barnepike er desto mer irriterende fordi denne rollen ble dyktig spilt av O.I. Pyzhov, ikke bare hvert ord, men hver opptreden som alltid ble ledsaget av latter auditorium. Hele hennes figur, ansiktsuttrykk, gest preget levende et enkelt, men smart kvinne med sin bevisst hånende holdning til de mest subtile og komplekse menneskelige opplevelsene til mennesker som ikke forstår livets enkle gleder. Med saftige flamske farger malte kunstneren denne organiske vitaliteten til en aldri motløs kvinne fra folket, hennes tro på å overvinne alle livets motgang. Og samtidig la Pyzhova et snev av en slags yrkeserfaring til ordene som sykepleieren ytrer foraktende: «Ja, det spiller ingen rolle hva du velger, du vet ikke hvordan du velger en mann». Og i det øyeblikket, da Juliet var fortvilet fordi Romeo hadde drept Tybalt, lød reaksjonen til den våte sykepleieren utilslørt filistinsk "moral". Så til tider tilslørte vulgaritet den dype ømheten og hengivenheten som høres ut i enhver appell fra sykepleieren til Julie: "Sau! Fugl! Madam, Julie ..."

Noen ensidighet av regissørens intensjoner ble reflektert ikke bare i karakteriseringen av individet, noen ganger mindre bilder. Regissøren kom i konflikt med sin egen idé i den generelle løsningen av tragedien.

HELVETE. Popov skrev: «Romeo og Julie dør, som uten sin egen historiske fremtid, og over likene deres er det en forsoning mellom to stridende klaner, hvis historiske etterkommere - de borgerlige i fremtiden - fortsetter å bli revet i stykker av motsetninger i klassen. til i dag.Det borgerlige teatret har uten unntak tolket denne scenen som rørende og rørende, og ønsket å understreke at kjærlighet er en altforsonende kraft.Vi ser i kjærligheten til Romeo og Julie en kraft som ikke forsoner seg, men bryter ned føydale bånd. Uten å ty til vold mot forfatteren, bare hjelpe ham, som en briljant kunstner, mot hans begrensninger som politiker, håper vi å avsløre hykleriet i denne forsoningen ved hjelp av teatret."

Sceneinstruktøren uttaler seg her meget overbevisende om behovet for å overvinne den abstrakt-idealistiske tilnærmingen til tragedien og motarbeide den med en konkret-historisk vurdering av den. Men betydningen av de sosiohistoriske prosessene i disse argumentene hans er ikke avslørt klart nok, og i noen henseender til og med forenklet.

Romeo og Julies død førte til forsoning av de krigførende familiene. Dialektikken i den historiske prosessen var nettopp slik at en slik forsoning var begynnelsen på oppløsningen av føydale prinsipper. Derfor kan disse konseptene ikke sammenlignes. Det borgerlige samfunn, selvfølgelig, "frem til i dag er revet i stykker av motsetninger mellom klassen", og selvfølgelig har det hengitt til glemselen de humanistiske prinsippene som ble forkynt ved begynnelsen av dets eksistens. Men på noen stadier påvirket disse avanserte synspunktene livet og beseiret tregheten til foreldede ideer. Folk som innså fordervelsen av deres utdaterte synspunkter, var ikke hyklerske da de, som et resultat av livets harde leksjoner, forlot dem. Og det er ikke her og ikke i dette Shakespeares begrensninger som politiker viser seg.

I et forsøk på å motsette hans tolkning til det borgerlige teatret, som så dydens triumf i forsoningen av Montagues og Capulets, ønsker Popov å påtvinge Shakespeare konsepter som er uvanlige for hans tid, og i hovedsak gjør den store dramatikeren til en dårlig psykolog. , for det viser seg at Shakespeare selv ble lurt ved å akseptere uttrykket av nye følelser Montagues og Capulets pålydende. "Å vite den påfølgende historien om utviklingen av borgerlige forhold," tar Popov fortsatt ikke i betraktning særegenhetene ved dette historiske fenomenet.

I "Romeo og Julie" vi snakker om fiendtlighet som er karakteristisk for det føydale samfunnet og fremmed for borgerlige forhold, om stammekamp, ​​som ble satt en stopper for de borgerlige forholdets triumf, og erstattet den med konkurranse mellom gründere og kjøpmenn, fremmed for familiefordommer. Tross alt presser gamle Grande på Balzac til og med søsken i en løkke når det kommer til en lommebok. Det er umulig å identifisere renessansens kamp mot føydale prinsipper med motsetningene i det fremvoksende borgerlige samfunnet. Popov, som argumenterte for dette, tolket de historiske fakta unøyaktig.

Forsoningen mellom Montagues og Capulets symboliserer nederlaget til den føydale moralen. I denne handlingen - begynnelsen på implementeringen av de nye livsprinsippene som ble proklamert av humanister i renessansen, som det var en kamp for i perioden med borgerlige revolusjoner. På det tidspunktet da Shakespeare skapte sin første tragedie, var han fortsatt langt fra bevisstheten om humanismens krise, noe som gjenspeiles i den påfølgende perioden av arbeidet hans. I sitt tidlige verk sang den store dramatikeren en salme høye prinsipper humanisme.

Hvis vi tenker på at forsoningen av de stridende klanene var hyklersk, så var kampen som ble ført av Romeo og Julie meningsløs. I mellomtiden, i Shakespeares tragedie, taler døden til unge elskere ikke om deres nederlag, men om seieren til nye humanistiske synspunkter over stivheten i føydale forhold. Representanter for de stridende familiene gir oppriktig avkall på sine utdaterte synspunkter, innser hvilken fatal rolle de spilte i tragisk skjebne deres barn. Dette er den dypt optimistiske meningen med stykkets finale. Hvis vi tenker på at de fortsetter å lyve og hykleri, så får tragediens finale en rent pessimistisk karakter: synspunkter og fordommer lever fortsatt, i kampen som unge, fulle av styrke mennesker ga livet mot; ingenting endret seg. Med en slik tolkning vil verken lyse, muntre toner av design, eller latter og moro på scenen redde fra pessimisme.

Defekten i Popovs konsept påvirket først og fremst bildet av Romeo. M.F. Astangov forsøkte å skape et bilde av en subtil, åndeliggjort, intellektuell Romeo. Det var en virkelig nyskapende oppgave, som han var i stand til å utføre på grunnlag av Shakespeares tekst. Astangov klarte virkelig å vise rikdommen i den åndelige verdenen til Romeo, det klare sinnet til en ung mann som forstår virkeligheten på en ny måte. Men dette ga fortsatt ikke grunnlag for konvergensen av bildene til Romeo og Hamlet, som Astangov bygde sin rolle på.

Det er kjent at Popov advarte Astangov mot å bli revet med av hamletismen da han inkarnerte bildet av Romeo. Men samtidig presset hele regissørkonseptet skuespilleren ned denne veien.

Ideen om forholdet mellom Romeo og Hamlet, som allerede nevnt, er ikke ny. Det har vært uttrykt mange ganger i kritisk litteratur. En rekke forskere insisterte på den interne enheten i bildene av Romeo og Hamlet. Men en slik uttalelse var forbundet med ønsket om å gjøre Romeo, som Hamlet, til legemliggjørelsen av reflekterende mangel på vilje. Takket være denne dypt mangelfulle tendensen moderniserte idealistisk kritikk Shakespeares helter og gjorde dem til forløpere til de triste og desillusjonerte romantikerne, deretter mystikerne og individualistene på slutten av det nittende århundre. Oppgave sovjetisk skuespiller- å tilbakevise disse ahistoriske synspunktene.

For det første er det i hovedsak falskt at «viljen til begge er undergravd», som den engelske forskeren E. Dowden hevder. I en atmosfære av tung fiendskap tviler ikke Romeo et øyeblikk på at han trenger å forene livet sitt med Juliet. Han er ikke stoppet av det faktum at nå "livet er gitt som et løfte til fienden", han er all - besluttsomhet, uten tvil.

Romeo forsøker å underordne hendelsesforløpet til følelsene sine. Følelsen en gang for alle bestemte retningen for hans vilje. Han er aktiv i sitt ønske om å ødelegge alle barrierene som står mellom ham og Juliet. Han er bestemt når han får vite om hennes død. Det er ikke noe fatalt gap mellom intensjonene hans og deres henrettelse. Romeos død bestemmes ikke av det faktum at hans "vilje er undergravd", men av det faktum at virkeligheten viste seg å være sterkere enn ham.

"Et overskudd av lidenskaper og følelser" førte de verteriserte heltene fra det tidlige 1800-tallet inn i "fantasiens verden." Men det er den sanne følelsen som får Romeo til å komme ut av drømmeverdenen han levde i før. Romeos kjærlighet skjerper oppfatningen hans av virkeligheten.

Hamlet er en tenker, filosof, skeptiker, som overvurderer alle verdier og streber etter å "sette" verden i et spor av rettferdighet og menneskelighet. Romeo er en ung mann som for tidlig rømte fra brunsten til de eldgamle grunnvollene i den føydale verden, som beskytter dem alvorlig, og derfor døde i kampen for lykke som ikke ble gitt ham.

Romeo og Hamlet er inkompensurable bilder. De representerer ulike stadier utvikling av humanismen. Den tidlige renessansen kjempet for frigjøring av individet, glorifiserte den altovervinnende kraften til jordiske følelser. Renessansens storhetstid bringer bevisstheten om at de vakre humanistiske ideene ikke er bestemt til å bli realisert i livet.

Hele historien til sceneutførelsen av bildet av Romeo tilbakeviser tydelig de spekulative teoriene som fører til tilnærmingen til bildet av Hamlet. Astangov ble forført av disse langsiktige teoriene. Live teaterpraksis hevnet rasjonaliteten i planen hans. Hva skjedde med utøveren som bestemte seg for å hamletisere Romeo? Først av alt, selve Hamletismen til Romeo - Astangov viste seg å være veldig redusert og relativ.

Hamlet tenker stort generelle spørsmål. Det er derfor personlige erfaringer fører til formulering av viktige sosiofilosofiske problemer. Romeo Astangov er fratatt kraften til slike generaliseringer. Hamlet avslører med stor energi de foraktede og forhatte menneskene. Romeo-Astangov har ikke denne skarpe fiendtligheten mot virkeligheten. Hamlet stiller spørsmål ved alt. Romeo-Astangov har ikke skepsisen til Hamlet. Hva gjenstår av Hamlet i Astangovs tolkning av Romeo? Melankoli? Faktisk eier melankolien ham fullstendig. Men selv i sin melankoli er Hamlet dypt forskjellig fra Romeo i Astangovs skildring, for han føler seg alltid som verdens dommer, og ikke dens offer.

Astangov klarte å vise en tenkende Romeo, som forstår all urettferdigheten til føydale stiftelser som skjemmer menneskelige forhold. Men han understreket unødvendig at Romeo føler deres styrke og uovervinnelighet. Utøveren skapte bildet av en ung mann fra den tiden, som tiltrakk seg omtenksomhet og refleksjon, men dette gikk på bekostning av hans munterhet og munterhet. Dermed ble planen ikke bare brutt av dramatikeren, men også av regissøren av stykket, som forsøkte å understreke Romeos optimisme. Men Hamletismen til Astangovs Romeo var ikke tilfeldig, den fulgte av forestillingens generelle konsept, der århundrets grusomhet ble så skarpt fremhevet. Det er grunnen til at Romeo - Astangov alltid følte at en slags dødelig kraft graviterte over ham. Han var deprimert og deprimert hele tiden. Men det var ikke helt klart for betrakteren hva som skjulte lyset og livsgleden for denne vakre unge mannen, hvorfor han fullstendig underkaster seg sitt engstelige humør, ikke leter etter en utvei, ikke søker å påvirke hendelser. De så ut til å strømme forbi ham. Han levde i sin indre verden, der følelsen av det uunngåelige av en katastrofe hersker. Så overdreven psykologisering førte Astangov til en rasjonalistisk kompleksitet av bildet.

Det er ikke overraskende at Astangovs ytelse var følelsesmessig monoton. Tristheten til en ung mann som bare er forelsket i kjærlighet, slik han er under Rosalinas lidenskap, forlater ikke Romeo, som har funnet den sanne legemliggjørelsen av sitt ideal i Julie. Selve episoden av kjærligheten til Romeo og Rosalina ble krøllet i teatret. I stykket ble det gitt ut en dialog der Lorenzo, etter å ha lært om Romeos kjærlighet til Julie, bebreider ham for inkonstans. Dette er helt naturlig i tolkningen av Astangov, der kjærligheten tar liten plass. Derfor blir alle Romeos monologer på Astangov til en lyrisk resitasjon. Hos Shakespeare skjer resitasjonen imidlertid bare i de første scenene, når Romeo snakker med uopphørlige klager om kjærlighetens forferdelige kraft. Denne meningsløse erklæringen blir til et lidenskapelig uttrykk for ekte levende følelse fra det øyeblikket Romeo møter Juliet.

Men i munnen til Astangov lød entusiastiske ord fortsatt monotont:

Rundt henne sloknet gjenskinnet fra faklene!

Om natten skinner hun som en diamant

Som en lys ørering i maurens øre;

Hun er for verdifull for verden!

Som en snødue er hvit blant kråker,

Skjønnheten hennes er skade på alle følgesvenner.

Etter å ha fått vite at han ble tatt til fange av datteren til en fiende, innser Romeo umiddelbart hvilken kompleks og farlig konflikt som kom sammen med stor kjærlighet. Her er starten på kampen for menneskeretten til lykke. I forestillingen til Astangov er dette øyeblikket bare en av manifestasjonene av den fatale håpløsheten som Romeo følte før.

I kjærlighetsmonologene til Romeo - Astangov på Julies balkong er det mer melankoli enn glede. Jo dypere følelsen hans er, desto fyldigere hans sjel, desto sterkere er tristheten. Som om han innser at alt vakkert er dømt til døden. Når Romeo - Astangov appellerer til Juliet: "Å, min elskerinne, min kjærlighet!" - da høres ikke disse ordene ut av glede foran den elskede, men bevisstheten om deres felles undergang. Bitterhet, ukarakteristisk for ungdom, er gjennomsyret av Romeo-Astangov alle følelsene hans.

Forestillingens karakter endres ikke med Astangov selv når den tragiske atmosfæren tykner, når flere og flere skyer samler seg over elskerne og varsler om en forestående katastrofe dukker opp. Opptrappingen av tragiske opplevelser kommer bare til uttrykk i det faktum at Romeo - Astangov blir mer og mer sliten og utmattet.

Astangov overvant klisjeene til en lyrisk elsker som eksisterte på scenen, men i bildet han skapte ble Shakespeare-fargene falmet. Det var ingen muntre toner i skuespillerens palett for å beskrive karakteren til en renessansemann. Bevisstheten om fatal undergang tilslører motivet grenseløs kjærlighet og lidenskapelig kamp for retten til å elske, en kamp hvis utfall fortsatt er ukjent for ham. Dette ga ikke Astangov muligheten til å stige i sin opptreden til høydene av sosial tragedie, som regissøren hadde unnfanget produksjonen av Romeo og Julie.

Derfor oppsto eksepsjonelle vanskeligheter for utøveren av rollen som Juliet. Hun trengte å lage en kjærlighetsduett med en partner som ikke avslørte kraften i heltens kjærlighet. Men rollen som Juliet er en av de som krever spesielt subtil scenekommunikasjon med en partner. I produksjonen av Theatre of the Revolution var denne kommunikasjonen ikke, fordi Romeo, fremført av Astangov, kunne dempe den mest kjærlige Juliet. I mellomtiden er enhet i kjærlighet det sentrale motivet i tragedien. Mellom Shakespeares elskere er en følelse av gjensidig mistillit, falsk stolthet eller utilfredsstilt stolthet og andre egoistisk egosentriske følelser, karakteristiske for mange helter av romaner og dramaer i moderne tid, umulig.

Romeo kjenner ikke motstridende følelser, tviler på om den nye kjærligheten vil vise seg å være den samme illusjonen som den forrige, og Julies sjarm er like kortvarig som Rosalines som beundret ham før.

Et slikt system av tanker og opplevelser var typisk for helten i dramaet på 1800- og 1900-tallet, bygget på konflikten mellom elskere, som ikke må kjempe med ytre hindringer, men overvinne interne psykologiske kollisjoner.

Shakespeare-elskere kjenner ikke til slike psykologiske konflikter. Slik sett er «Romeo og Julie» verket til en kunstner som står på grensen til to tidsepoker. Dette er den siste tragedien i gammel tid, der konflikter som førte til elskernes død ikke ble bestemt av interne konflikter, men utelukkende av klasse, religiøse fordommer, som forårsaket ulykkene til to uendelig kjærlig venn skapningsvenn.

Kritikere satte ikke tilstrekkelig pris på originaliteten skapt av M.I. Babanovs bilde av Juliet, og noen anmeldere mente til og med at denne rollen ikke tilhører kreativ suksess talentfull skuespillerinne. Og det skal imidlertid sies at det var bildet av Juliet - Babanova som vakte stor interesse for forestillingen.

Blant de kvinnelige Shakespeare-bildene, med noen få unntak, som ennå ikke er tilstrekkelig utviklet på den sovjetiske scenen, skiller bildet av Juliet-Babanova seg ut for sin friskhet og nyhet i avgjørelsen. Dette bildet bærer preg av den kreative individualiteten til en søkende kunstner, som er i stand til å forstå rollen på sin egen måte og ikke følger den allment aksepterte tradisjonen, selv om denne tradisjonen kommer fra kjente utøvere. En av tilskuerne snakket med stor spontanitet om den spesielle sjarmen til bildet av Juliet - Babanova: "Sannsynligvis er det andre julietter, men du vil ikke tro dette når du ser Babanova." Kilden til denne sjarmen blir tydelig når man ser på akvarellen til kunstneren A. Fonvizin, som skildrer Babanova. Vi ser en jente, nesten en jente, med en spesiell rundhet av linjer som er iboende bare hos barn, et mykt ovalt ansikt. Men jenta tenkte dypt på noe og i dype tanker, akkurat som en voksen, lente hun hodet på hånden hennes. Blikket hennes er festet på avstanden. I dette blikket, sinnet, tanken. Dette er synet til et barn som kjenner verden, som ikke bare blir kjent med virkeligheten, men som også forstår den intenst. Her ble det typiske som definerer kunstnerens kreative ansikt fanget. Hun er spesielt nær den åndelige verdenen til et ungt vesen som går inn i livet og forstår det. Slik var hennes unge sovjetiske heltinner, fast bestemt på å delta aktivt i byggingen av et nytt liv. Denne holdningen bestemmer hennes oppfatning av Shakespeare-bildet.

Babanova moderniserer ikke bildet av Juliet. Ved å observere historiske avstander formidler den patosen til en ekte renessansmann, som ikke bare må se verden på en ny måte, men fremfor alt å hevde sin vilje i strid med denne verden. Følgelig, med denne ideen, understreker Babanova at unge Juliet fortsatt er et barn, men et barn som alltid vil handle på sin egen måte, og ikke adlyder voksne som ikke forstår hva som er det viktigste, mest interessante i livet, fordi voksne har sine egne dumme ideer om verden. Et slikt barn lar seg ikke overtale, kan ikke bøyes. Men likevel er dette kun et barn som føler at han har rett, og ikke en voksen som er klar over det. Derfor er Julies besluttsomhet om å kjempe for sin kjærlighet til slutten snarere født av et barns utholdenhet enn viljen til en moden person. Dette er styrkene og svakhetene ved Babanovas prestasjoner.

For Juliet kommer det et øyeblikk i livet da hun må revurdere sin tidligere verden, alt som hennes far, mor, alle de rundt henne lever, for å innse at denne verden er feil i forhold til henne selv. I Juliet - Babanova, i stedet for bevisstheten om verdens feil, dukker det ofte opp en barnslig harme mot verden. De skarpe, ødelagte gestene og bevegelsene som kunstneren finner for å uttrykke følelsene til heltinnen hennes kan bare forklares av barnets innfall. Alt dette forhindrer Babanova i å avsløre tragedien i bildet og skjuler noen ganger det virkelig verdifulle hun bidro til rollens utførelse.

Babanova har skapt en unik legemliggjøring av kjærlighet i sin eksepsjonelle poesi og oppriktighet. Skuespillerinnen avslører Julies kjærlighet som en lys, ren og samtidig helt spennende, eksepsjonell følelse. Julies ømhet, som så ofte høres falsk og falsk ut fra scenen, skimret i kunstnerstemmen, som strømutbrudd, som en krystall som ringer. Det er verdt å lukke øynene et øyeblikk og mentalt forestille seg hvordan hun sa: "Romeo, kjære!" – og umiddelbart dukker det opp et sjarmerende bilde av Shakespeares heltinne i minnet. Babanovas kjærlighetsord høres ut som en vakker melodi. Eksklusivt musikalsk stemme, som uttrykker de mest subtile nyanser av følelser og stemninger, ga kunstneren utmerkede muligheter til å legemliggjøre Julies dirrende følelser.

Uten kjærlighet er det ingen Julie. Og å skildre kjærligheten slik Babanova gjorde, er en stor fortjeneste av kunstneren og et stort bidrag til historien om å skape bildet av Juliet. Når han så på Juliet - Babanova, følte betrakteren at hun ble skapt "for kjærlighet, for et komplett og vidunderlig øyeblikk."

Da Babanova, helt i hvitt, med hvitt broderi i hendene, fløy opp på scenen, var hun hele legemliggjørelsen av poesi og ungdom. Poesien som hele Julies vesen pustet må oversettes til kjærlighetens poesi. Dette er formålet med den Shakespeareske heltinnen. Dette er meningen med livet hennes. For å oppnå det har hun en lang vei å gå. En jente som er underdanig til foreldrenes vilje, en jente som følte "begynnelsen på en fatal lidenskap", en kvinne som bestemmer seg for at hvis "det ikke er noen måte å redde kjærligheten min, vil jeg bestemme meg for å forlate hvitt lys", - dette er stadiene som blir skuespillerens referansepunkter for rollen. Babanova viser hvordan Julies sinn utvikler seg, hvordan det viser seg i hennes stadig mer resolutte oppførsel. For Juliet er kjærlighet ikke sukk og resitasjon, men et spørsmål om livet. Det er derfor kunstneren er så vellykket alle de kommentarene der det realistiske lageret til karakteren til heltinnen hennes er manifestert.

Mer enn en gang forårsaket utøverne av denne rollen latter i auditoriet da de uttalte ordene som den unge jenta avviste edene til elskeren sin: "Å, ikke sverg til den skiftende månen, som endrer utseende hver måned slik at kjærlighet blir ikke foranderlig." Dessuten forårsaket Julies nesten forretningsmessige tilnærming til forholdet til Romeo latter:

Når din tilbøyelighet til meg er alvorlig

Og hvis du vil gifte deg - gi meg beskjed

Med de som kommer fra meg om morgenen,

Hvor og når vil du gifte deg...

Hastigheten som Juliet kommer i forkant med spørsmålene sine var ikke uten et snev av vulgaritet hos noen skuespillerinner. I munnen til Juliet - Babanova høres disse ordene veldig naturlige og geniale ut. Riktignok er det et snev av sluhet i dem, men dette er sluheten til et barn som ikke skjønner at folk har baktanker, fremmede hensyn. Denne umiddelbarheten, assosiert med naturens integritet og fortsatt uutviklet, men et klart sinn, gir Juliet muligheten til å forstå komplekse og intrikate situasjoner.

La oss huske scenen da hun får vite av sykepleieren at Romeo drepte Tybalt. Et øyeblikk er Juliet en jente, forvirret over det uventede i det som skjedde. Men ideen begynner allerede å virke. Hvordan er det mulig for en nær person å drepe en annen kjære? Hvordan forstå at den som virket perfekt faktisk er det motsatte av det han så ut til å være? Spørsmål dukker opp etter hverandre. Og plutselig tar hånden hennes tak i dolken. Tybalts blod antennes i henne. Men fornuften vinner. Dette er tross alt ikke et alternativ! Og følelsen forteller: hva venter Romeo nå?

Et klart sinn finner en vei ut av tilsynelatende uløselige motsetninger. Babanova skaper en psykologisk overbevisende og spennende endring av motstridende stemninger. Her ligger hun på knærne, bøyd, og hodet nærmer nesten bakken. Hun er ikke bare sønderknust, men deprimert av de uforståelige og absurde tingene som skjer i verden. Plutselig løfter hun hodet og retter seg gradvis opp. Han sprer armene bredt – slik at det er lett og fritt å puste. Hun er den gamle Juliet igjen. Løsning funnet.

Du drepte broren din

Avfall! Men en dårlig bror ville drepe

Min kone. Kom tilbake, tårer.

Til kilde. Dere er sideelver av sorg

Og ved en feil øser du over lykke:

Mannen lever! Tybalt ville drepe ham.

Tybalt blir drept. Han ville drepe mannen hennes.

Alt er bra. Hvorfor skal jeg gråte?

I dette resonnementet finner en forklaring på essensen av ting. Juliet - Babanova rydder opp, lysner opp for å innse nyheten om utvisningen av Romeo på et minutt med skrekk. Babanova klarte å spille denne en av de vanskeligste scenene med stor glans, for hun innså at bare det frigjorte sinnet til en person kunne diktere slike taler til Juliet.

En annen type vanskeligheter er inneholdt for utøveren i neste scene av et nattmøte. Her går rollen i samme register: Juliet er kjærlig og glad. Babanova skulle formidle kompleksiteten til følelsen som kombinerer forskjellige nyanser av egoisme og offer, blomstringen av personligheten og dens oppløsning i en annens personlighet.

Juliet er glad. Hun vil ikke la Romeo gå, selv om hun vet at ved daggry må han dra. Kunstneren legger all sin sjarm i ordene Juliet overtaler elskeren sin med:

Vil du gå? Tross alt, morgen er ikke snart;

Ikke en lerke, en nattergal gjennomboret

Ørene dine er våkne. Om natten han

Synger på et granatepletre.

Tro meg, min kjære, det er en nattergal.

Men kjærlighetens egoisme blir raskt erstattet av frykt for den elskede, og umiddelbart bryter frykttonene ut i den unike kjærlighetsmelodien.

Dra raskt!

Den lerken synger så ustemt,

Trekker ut en hard, skarp lyd.

Alle disse separate fantastiske øyeblikkene skaper et særegent og fengslende bilde, men noen ganger for infantilt og fikk derfor ikke en heroisk lyd. Men artisten formidlet kjærlighetens sjarm og sinnets glans til den unge Capulet – og denne nye forståelsen av Shakespeares karakter støttet hele konseptet med stykket, som forteller om store, ekte mennesker.

HELVETE. Popov lyktes i å utføre den givende oppgaven å gi en oppdatert tolkning av tragedien, noe som radikalt endret den rådende scenetolkningen av den. Et fullstendig og ubetinget brudd med lyriske klisjeer gjenspeiles i sekvensen han gjennomfører temaet om den tragiske kampen for en ny forståelse av livet og kjærligheten gjennom hele forestillingen. Han klarte å vise kjærlighetsdramaet på scenen som en sosial tragedie. Tragediebildene ble forstått som tidstypiske kreasjoner. Popovs fortjeneste ligger i den historisk konkrete gjengivelsen av epoken, fremmed for stilisering, i den dype psykologiske utviklingen av sosiale relasjoner, i forverringen av sosiale konflikter, i den "boblende rytmen til forestillingen" som formidler stykkets tragiske struktur, generelt – i kampen for Shakespeares realisme. Men Popovs polemiske posisjon førte noen ganger til at han forenklet historien og dermed til noen ukorrekte konklusjoner, som, i motsetning til regissørens intensjoner, hadde en hard innvirkning på hans produksjon.

Litteratur

• 1. "Teatralsk tiår", 1935, nr. 13, s. 7-8.
• 2. Alexey Popov, Om forestillingens kunstneriske integritet, M., "Kunst", 1957, s. 48-49.
• 3. E. Dowden, Shakespeare. Kritisk studie av hans tanker og hans arbeid, s. 103.
• 4. V.G. Belinsky, Utvalgte brev, bind II, Moskva, Goslitizdat, 1955, s. 150.