Mesterverk av bysantinsk mosaikk. Byzantium

Florentinsk, romersk, venetiansk, bysantinsk mosaikk - disse navnene på teknikker kjærtegner øret, og bildene knyttet til de svært kunstneriske gjenstandene som ble skapt av fortidens mestere har fengslet øyet i tusenvis av år. Hver skole er unik, men alle kunstnere la ut en tegning samlet fra ulike materialer(smalt, steiner, keramiske fliser, trefiner, etc.) på den forberedte overflaten.

Rask navigering gjennom artikkelen

Første eksperimenter

Mosaikkens historie begynner under det sumeriske riket. De eldste mosaikkene ble satt sammen av biter av bakt leire. Ubrent leire ble brukt som underlag.

Kunsten til gamle egyptiske mosaikker er en rekke materialer (halvedelstener og edelstener, elfenben og verdifulle tresorter) og bruksområder - møbler, husholdningsartikler, klær til faraoene. Den berømte tronen til Tutankhamon er også innlagt med mosaikkelementer.

Byzantium

Den eldste mosaikken i Byzantium dateres tilbake til det 3.-4. århundre. AD gylden tid Denne teknologien dateres tilbake til VI-VII og IX-XIV århundrer. AD Gitt de høye kostnadene for materialer og arbeid, var hovedkunden til bysantinske mosaikker den katolske kirken. Storslåtte gamle mosaikker er bevart i kirker i Italia (i Ravenna, Montreal, Cefalu) og Tyrkia (i Hagia Sophia i Istanbul). Hovedmotiver – bibelske historier.

Bysantinsk mosaikk er en standard, den er preget av høy kunstnerisk dyktighet. Bildene er nøyaktige, preferanse er gitt til store lerreter, effekten av skala tas i betraktning: avstanden til betrakteren, hans plassering. Et særtrekk ved tegningen er tilstedeværelsen av en kontur for hvert avbildet objekt. Hensikten med teknikken er å visuelt fremheve et element mot en generell, ofte gylden, bakgrunn når den ses på lang avstand.

Mosaikk "Christ Pantocrator". Katedralen til bispedømmet Cefalu (Italia, Sicilia). 1145-1148

Gamle mosaikker skapt av bysantinske kunstnere utmerker seg ved deres overholdelse av proporsjoner, spesielt når de skildrer menneskekroppen, representert selv i dynamikk. Tegningen er laget i volum, men effekten nøytraliseres av tilstedeværelsen av en kontur.

Håndverkerne brukte smalt - farget glass - i sitt arbeid. Teknologien er basert på å tilsette metalloksider til glass, som gir flisene den nødvendige fargen. Verkstedene produserte opptil flere hundre forskjellige nyanser. Materiale til mosaikk i Byzantium var veldig dyrt. For å lage paneler brukte de smalt med tilsetning av bladgull, og blandet inn kobber og kvikksølv. Teknologien er preget av tettheten av arrangementet av plater (små firkanter, sjeldnere av en annen form) og bruken av et direkte sett når du legger dem. Det ferdige lerretet har en ujevn overflate og en karakteristisk glans.

Firenze

Florentinsk mosaikk Pietra Dura (fra italiensk - "prydstein") er en unik teknikk, den mest komplekse av de eksisterende. Dette er en eldgammel kunst, som er basert på arbeid med steinplater.

Florentinske mosaikker var spesielt populære på 1500- og 1800-tallet. På slutten av 1500-tallet. Håndverkere fra Milano ble invitert til byen, hvor produksjonen av steinprodukter blomstret på den tiden. Beskytterne til håndverkerne var medlemmer av Medici-familien, som opprettet de første verkstedene og deretter ble hovedkundene.

Funksjoner av retningen:

• Halvedelstener ble brukt i arbeidet - tigerøye, ametyst, malakitt, lapis lazuli, hematitt, jaspis, marmor, aventurin, bergkrystall, agat, kalsedon;
• Designprosjektet ble opprettet under hensyntagen til egenskapene til teksturen og det naturlige mønsteret til steinene;
• Formen på flisene var ikke begrenset til det klassiske rektangelet;
• Platinene ble plassert så tett sammen at det ikke var noe gap;
• Teknikken ble brukt til å dekorere vegger, møbelelementer (bord, skap), bokser, sjakkbrett;
• Filigran-utførelse ("steinmaleri"), kompleksitet og realisme i komposisjonen. Mesterne skapte marinaer, stilleben, landskap og allegoriske scener.

Mosaikk laget i florentinsk teknikk på dørene til et treskap, laget av 20 000 fargede steiner (jaspis, lapis lazuli, marmor, amazonitt og andre). Peterhof lapidarfabrikk. 80-90-tallet XIX århundre

Florentinske mosaikker dukket opp i Russland på midten av 1700-tallet. Russiske mestere mestret lett teknikken, og ga verdig konkurranse til italienerne. I USSR ble florentinske mosaikker brukt til å dekorere metrostasjoner, selv om teknikken a priori ble brukt til å lage små lerreter.

Roma

De gamle mosaikkene i Roma ble grunnlaget som fremtidige generasjoner av mestere brukte. Men samtidig ble romersk mosaikk som kunst, som teknologi, lånt fra grekerne. Verket bruker biter av smalt eller liten stein - hovedsakelig marmor og andre natursteiner - i form av et kvadrat eller rektangel. Tradisjonelt ble romerske mosaikker brukt til å dekorere vegger og gulv i rom (både offentlige og private).

Den eldste mosaikken dateres tilbake til det 2. århundre. f.Kr. og funnet på den greske øya Delos. De første prøvene - geometriske mønstre, satt sammen av hele ubearbeidede steiner. Senere dukket det opp stiliserte bilder av mennesker og dyr.

Følgende teknikker er kjent:

Anda på gulvet er laget ved hjelp av opus tessellatum-teknikken. "Satyr og nymfe", mosaikk i Faunens hus i Pompeii. Opus vermiculatum. Marmor murverk opus sectile på gulvet i Hadrians villa.

• Opus tessellatum, hvor tesserae (steinfragmenter) som måler over 4 mm ble brukt;
• Opus vermiculatum, som det ble tatt tesserae som ikke var større enn 4 mm, noe som gjorde det mulig å tegne små detaljer;
• Opus sectile, som kombinerte både store og små plater;
• Opus regulatum, hvor maleriene er dannet av steinstykker av samme størrelse, lagt ut i rette linjer.

Funksjoner av paneldesign laget i romersk stil:

• Lys bakgrunn, kaotisk sammensatt av homogene steiner;
• Dekorative elementer (mønstre, figurer) er dannet av mindre fraksjoner;
• Fargespekteret på maleriet er begrenset økonomiske evner kunden - jo mer monumentalt prosjektet er, jo dyrere er det, jo mer mangfoldig materialet brukes, jo bedre kan kunstneren vise sin kunst og dyktighet.

Venezia

Venezia er kunst, og kunst er Venezia. Derfor ble deres egen skole for mosaikklaging opprettet her. Og denne kunsten blomstret her, noe som bare fremgår av listen over templer der det er en venetiansk mosaikk:

• Erkebiskopens kapell (Ravenna, 1112);
• Santa Maria e Donato-kirken (Fr. Donato, andre halvdel av 1100-tallet);
• San Marco-katedralen (Venezia, XII-XIII århundrer).

Mosaikk av den sentrale kuppelen til San Marco-katedralen. Venezia, Italia. XII århundre

Lokale kunstnere ble påvirket av både bysantinske og romanske tradisjoner:

• Folks skikkelser er tunge, og ansiktene deres er monotone;
• Lineær stilisering kommer tydelig til uttrykk, spesielt merkbar når man formidler volum og perspektiv;
• Mørke farger dominerer.

Moderne venetiansk mosaikk er "terrazzo", laget på grunnlag av en sementblanding og inerte materialer (steinflis, granittfragmenter, knust farget glass).

Uansett hvilken teknikk som brukes, er mosaikkpaneler det dominerende elementet i interiøret. Plottet og fargevalget er grunnlaget for utformingen av rommet. kommentarer drevet av HyperComments

Bysantinsk mosaikk er først og fremst en mosaikk laget av smalt.

Det var bysantinerne som utviklet teknologien for å produsere smalt, takket være hvilken dette relativt økonomiske og letthåndterlige glasset ble hovedmaterialet i monumentalmaleri. Ved å tilsette forskjellige metaller (gull, kobber, kvikksølv) i forskjellige proporsjoner til den rå glasssmelten, lærte bysantinerne å produsere flere hundre forskjellige farger smalt, og med hjelp enkle verktøy mosaikkelementer kan gis elementære geometriske former, praktisk for å legge inn i et mosaikklerret.

Og likevel ble terninger det viktigste mosaikkelementet - det var komposisjonene av pent lagt ut små og mer eller mindre identiske i størrelse terninger som skapte glansen til bysantinske mosaikker. De eldste overlevende eksemplene på bysantinske mosaikker dateres tilbake til det 3.-4. århundre, og to storhetstider skjedde på 6.-7. århundre (gullalderen) og 9.-14. århundre (etter ikonoklasme - den makedonske vekkelsen, Komnenissian Palaiologanism og Komnenissian-konservatismen ).

De mest kjente bysantinske mosaikkene er de av Ravenna og bilder av Hagia Sophia (Konstantinopel). Hvis romerske mosaikker løste rent funksjonelle problemer sammen med estetiske problemer, ble bysantinske mosaikker hovedelementet i kunstnerisk utsmykning av katedraler, graver, basilikaer og visuelle problemer kom i forgrunnen.

Romerske mytologiske bilder, ofte lekne og sjangerdefinerende, som ser like bra ut i private atrier og offentlige bad, ble erstattet av monumentale malerier av bibelske emner, grandiose i design og utførelse. Kristne historier ble det sentrale temaet for mosaikk, ønsket om å oppnå maksimalt inntrykk fra bildet ble drivkraft forbedre mosaikkleggingsteknikker og utvikle nye farger og smale komposisjoner.

Et trekk ved bysantinske mosaikker i kirker var bruken av en fantastisk gylden bakgrunn. Mosaikkene ble lagt ved hjelp av direktesettmetoden, og hvert element i installasjonen utmerker seg ved sin unike overflate og sin posisjon i forhold til andre elementer og underlaget. Et enkelt og tilsynelatende levende gyldent felt ble skapt, som flimret både i naturlig lys og når det ble opplyst av stearinlys. Det unike spillet av fargenyanser og lysrefleksjoner på en gylden bakgrunn skapte effekten av bevegelse av hele bildet.

Teknikken for å lage konturene til kropper, gjenstander, gjenstander ble obligatorisk for bysantinske mestere. Konturen ble lagt ut i en rad med kuber og elementer på siden av figuren eller objektet, og også i en rad på bakgrunnssiden. Den rette linjen av slike konturer ga klarhet til bildene mot den flimrende bakgrunnen.

De fleste av teknikkene til bysantinsk mosaikk brukes også i moderne mosaikkkomposisjoner. Bruken av smalt, bakgrunnen dannet av uregelmessighetene til smalt-kuber, de glatte konturene av grensene til gjenstander og bakgrunnen - dette er en klassiker av mosaikk, en klassiker fra Byzantium.

Når det gjelder Byzantium, kan man nøyaktig navngi året som ble utgangspunktet for det bysantinske riket, kulturen og sivilisasjonen. Keiser Konstantin I den store flyttet hovedstaden sin til byen Byzantium (fra det 1. århundre e.Kr.).

e. del av Romerriket) og omdøpte det til Konstantinopel i 330.

De første århundrene av den bysantinske statens eksistens kan betraktes som det viktigste stadiet i dannelsen av verdensbildet til det bysantinske samfunnet, basert på tradisjonene til hedensk hellenisme og kristendommens prinsipper. Dannelsen av kristendommen som et filosofisk og religiøst system var en kompleks og langvarig prosess. Kristendommen absorberte mange filosofiske og religiøse læresetninger fra den tiden. Kristne dogmer utviklet seg under sterk innflytelse fra Midtøstens religiøse lære, jødedom og manikeisme. Det var et syntetisk filosofisk og religiøst system, hvorav en viktig komponent var eldgammel filosofiske læresetninger. Kristendommens uforsonlighet med alt som bar hedenskapens stigma, blir erstattet av et kompromiss mellom det kristne og det gamle verdensbildet. De mest utdannede og fremsynte kristne teologer forsto behovet for å mestre hele arsenalet av hedensk kultur for å bruke det til å skape filosofiske konsepter. Tenkere som Basil of Caesarea, Gregory of Nyssa og Gregory of Nazianzus legger grunnlaget for bysantinsk filosofi, som er forankret i den hellenske tankens historie. I sentrum av deres filosofi er forståelsen av eksistens som perfeksjon. En ny estetikk, et nytt system av åndelig og moralske verdier, mennesket selv fra den tiden forandrer seg, hans syn på verden og hans holdning til universet, naturen og samfunnet.

Perioder av historien til bysantinsk kunst

Tidlig kristen periode (den såkalte før-bysantinske kulturen, I-III århundrer)
tidlig bysantinsk periode, "gullalderen" til keiser Justinian I, arkitekturen til Hagia Sophia i Konstantinopel og Ravenna-mosaikkene (VI-VII århundrer)
ikonoklastisk periode (VII-begynnelsen av 900-tallet). Den ble kalt den mørke tid - stort sett i analogi med et lignende utviklingstrinn Vest-Europa.
perioden med den makedonske renessansen (867-1056) regnes generelt som den klassiske perioden for bysantinsk kunst.
periode med konservatisme under keiserne av Komnenos-dynastiet (1081-1185)
perioden med Palaiologan-renessansen, gjenopplivingen av hellenistiske tradisjoner (1261-1453).

Kunst Bysantinske riket- er i stor grad gjenstand for debatt blant historikere, filosofer og kultureksperter. Men hvis mange filosofiske avhandlinger og malerier gikk tapt over flere århundrer, ble de vakre bysantinske mosaikkene laget av stein og smalt et symbol på epoken og en hel sivilisasjon. I det bysantinske riket ble produksjonen av mosaikk og smalt satt i drift; historiske opptegnelser inkluderte historier om eksperimenter utført av smalt-mestere for å oppnå forskjellige nyanser av smalt og forsøk på å gi ulike egenskaper til smalt-glass. Mosaikker laget av smalt var en uunnværlig egenskap, ikke bare av religiøse bygninger og kongelige palasser, men dekorerte også interiøret i husene til vanlige borgere.

Sammenlignet med antikke mosaikker laget av biter av stein, ble smalt-komposisjoner preget av et større utvalg av farger, lysstyrke, lysspill på overflaten og, viktigere, var mye rimeligere. Dette bestemte den raske spredningen av smalt-teknologi både innenfor det bysantinske riket selv og utenfor dets grenser (spesielt i det gamle Russland)

Bysantinske mosaikker laget av smalt. Tidlig bysantinsk periode

Mausoleet av Galla Placidia i Ravenna, 500-tallet.

Mausoleet til Galla Placidia, ifølge legenden, ble bygget som et gravsted for datteren til keiser Theodosius. Imidlertid ble Galla gravlagt i Roma, og hennes såkalte mausoleum var et kapell dedikert til St. Lawrence - en spesielt aktet martyr i familien til Theodosius og skytshelgen for den keiserlige familien. Som mange andre Ravenna-bygninger ble dette martyriet bygget ved hjelp av Lombard murerteknikk. Utad er det veldig likt en festning: lukket, bevisst inngjerdet fra verden utenfor Volumet understrekes av tykke vegger og trange vinduer, som embrasures. I plan er mausoleet et gresk kors; i skjæringspunktet mellom korsarmene er det en kube, inne i hvilken det er en kuppel på seil. Det tunge, overhengende hvelvet, som ikke har klare grenser, er blottet for vindusåpninger. Bare gjennom smale vinduer i veggene trenger dempet, flimrende lys inn i kirken.

Den nedre delen av veggene i kapellet (opp til nivået av menneskelig høyde) er foret med gjennomsiktig flytende marmor med en lett gulaktig fargetone. Overflatene på kuppelen og buene, samt de avrundede delene av veggene under buene (lunetter) er dekorert med smalt mosaikk. Biter av smalt ha uregelmessig form, danner en ujevn overflate. På grunn av dette reflekteres lyset fra det fra forskjellige vinkler, og skaper ikke en jevn kald glans, men et magisk strålende flimmer, som om det flagrer i templets halvmørke.

Temaet for mausoleumsmaleriet er knyttet til begravelsesritualet. Mosaikker er bare plassert i de øvre delene av tempelet. I midten av hvelvet er et kors (et symbol på seier over døden) med stjerner på den blå himmelen. Hvelvene er dekorert med tette blomstermønstre assosiert med symbolikken til Edens hage. Den sørlige nedre lunetten skildrer St. Lawrence går med et kors til sin død. Det åpne kabinettet viser bøkene til de fire evangeliene, og inspirerer martyren til heltedåder i Frelserens navn.

Saint Lawrence. Mosaikk av den sørlige lunetten til mausoleet til Galla Placidia i Ravenna. Omtrent 440.

I de øverste, store lunettene på sidene av vinduene er apostlene avbildet i full lengde i par. De løfter hendene til kuppelen med korset, i en stille gest som legemliggjør evangeliets kall, personifisert av bildet av St. Lawrence: "Ta opp ditt kors og følg meg." Apostlene er avbildet på en slik måte at deres svinger og bevegelser organiserer en sirkulær bevegelse som beveger seg fra lunette til lunette. Bare de øverste overapostlene Peter og Paulus i den østlige lunetten (der alteret er plassert) er avbildet symmetrisk: bevegelsen slutter her.

I den nordlige nedre lunetten - Kristus i bildet av den gode hyrde ser på den besøkende fra veggen over inngangen. Sauene går rundt ham på det grønne gresset, og han tar ømt på sauene når de nærmer seg. Den guddommelige hyrden er kledd i gyldne kapper og sitter på en høyde, som en keiser på en trone, støttende på korset. Korset fungerer her som en egenskap av makt, som en keiserstav; Kristus etablerer den over verden som et tegn på kristendommens triumfmarsj. Figuren til Guds Sønn vises i en kompleks kontraposto-spredning: bena hans er krysset, hånden hans strekker seg ut til sauene, men hodet hans er vendt i den andre retningen, og blikket er rettet mot det fjerne.

Kristus den gode hyrde. Mosaikk av den nordlige lunetten til mausoleet til Galla Placidia i Ravenna. Omtrent 440.

Et karakteristisk trekk ved mosaikkene til Galla Mausoleum er kontrasten til de to lunettene.
Scenen med den gode hyrde er fremført i ånden til en eldgammel pastoral med bevisst rørende bilder. Den rosa-grønne paletten, subtile fargeoverganger og bruken av halvtoner i gjengivelsen av kjøtt demonstrerer antikkens usminke sjarm, understreket av komposisjonens innkapsling i en tung og frodig ramme av det omkringliggende bokshvelvet.
Scene med bildet av St. Lawrence demonstrerer fødselen til en ny kunstnerisk språk. Komposisjonen er klar, preget av enkel symmetri store former. Bildet vises bevisst på forgrunnen. Begynnelsen av omvendt perspektiv (bildet av et gitter under et sterkt redusert vindu) skaper en illusjon av at rommet "velter" over på betrakteren. Komposisjonen er ikke bygget sentrisk og pyramidalt (etter eksempelet "Den gode hyrde"), men på tvers, langs diagonaler. Figur av St. Lavrentia fanges i bevegelse. De skjøre konturene av foldene på klærne hans faller ikke, men flyr opp og krysser seg i en snodig rytme. I møte med helgenen er det ikke spor av pastoralens myke skjønnhet og psykologiske nøytralitet. Det åndelige prinsippet, den ekstatiske belysningen av en martyr for troen, manifesteres akutt og kraftig i ham.

De ortodokse dåpskapellet i Ravenna, 500-tallet. Kuppelmosaikk

Baptisteriet (dåpskapellet) til de ortodokse i Ravenna er et eksempel på en sentrisk bygning. Planen er en åttekant. Baptisteriet ble dekorert under biskop Neon (451-73). Dens luksuriøse dekorasjon lar deg føle den spesielle prakten til dåpsseremonien. Utsmykningen er meget gjennomtenkt fra et arkitektonisk synspunkt, og den arkitektoniske (anrikede joniske orden) og skulpturelle utsmykning (høyrelieffer med bilder av profeter) er organisk kombinert med mosaikkmaleriet og inngår som en integrert del av det.

Hovedtrekket i dekorasjonen er implementeringen av et enkelt motiv på alle nivåer - en bue på søyler eller en portiko med et pediment på søyler. Dette motivet danner det laveste laget i det åttekantede dåpskapellet, der dype arkasolier veksler med falske nisjer. I det andre nivået multipliserer det: buer, innramming av skulpturer av profeter, surround-vindusåpninger. I en mer kompleks og rik form finnes det samme motivet i dekorasjonens tredje mosaikklag. Her er dette motivet legemliggjort illusjonistisk: det gjengir basilikaens rom, hvor portikoer med bispestoler og frukttrær er plassert på sidene av apsisene, hvor troner med kors eller alter med åpne evangelier på tronene presenteres. Høyere oppe, i det aller siste laget som omgir den sentrale medaljongen, fremstår buemotivet på søylene i en skjult form: søylene her blir til luksuriøse gyldne kandelaber som skiller apostlenes skikkelser, og buene eller pedimentene blir kurver av draperier som henger i festonger fra rammen til den sentrale medaljongen.

Utsmykningen av dåpskapellet er nært knyttet til temaet for det himmelske Jerusalem, åpenbart for blikket til en kristen på scenen for Frelserens dåp (Epifanien), som ligger i kuppelen, rett over døpefonten. Dekorasjonen ser ut til å være "passet" inn i kuppelens sfære; dette oppnås ved en spesiell teknikk: figurene og elementene som skiller dem behandles som en slags radier - gylne stråler som kommer fra den sentrale disken. Temaet for Jerusalem ovenfor forklarer tilstedeværelsen av kroner i apostlenes hender: de skal sitte på tolv troner for å dømme Israels tolv stammer. Dermed settes dåpen umiddelbart i sammenheng med søket etter et godt svar ved Kristi dom, og frodige fruktbærende trær i seksjonene av de symbolske basilikaene i tredje lag er et bilde Kristen sjel bærer god frukt. Dommen er at «Lyset er kommet til verden», og motivet med lys som strømmer fra den sentrale medaljongen med Kristus, indikert med hvite og gullbekker (på nivå med den apostoliske sirkel), får spesiell betydning i komposisjonen.

De ortodokse dåpskapellet i Ravenna. V århundre Kuppelmosaikk.
Sentral medaljong som inneholder scenen for Kristi dåp (Epiphany).
Rundt den sentrale medaljongen er en apostolisk sirkel.

Temaet for det himmelske Jerusalem dukker opp i nært sammenveving med temaet om den jordiske kirken. Sammen med utsiktene til en visjon av den himmelske byen i helligtrekongerscenen, er temaet for overføring av makt og nåde ikke mindre viktig her. Fra Frelseren mottar dåpen (sentral medaljong), overføres den velsignede energien gjennom apostlene (radiale stråler) til den jordiske kirken (den er symbolisert ved altrene og bispesetene på det tredje dekorasjonsnivået). Denne utstrømningen av gunstig energi betraktes som kontinuerlig, konstant.

Ideen om uuttømmelighet, uendeligheten av denne strømmen understrekes av det særegne ved sammensetningen av den apostoliske sirkelen: det er verken begynnelse eller slutt i den, det er ikke noe senter som Kristi disipler ville bevege seg mot. Mer presist er dette senteret plassert utenfor selve sirkelen, dette er bildet av Frelseren på den sentrale medaljongen. Maleriet som helhet er veldig imponerende. Apostlenes skikkelser er vist i bevegelse. Størrelsen på skrittet deres fremheves av bena med stor avstand og hoftebuen. Illusjonen av rom er fortsatt til stede: overflaten som apostlene går på fremstår som lysere enn den mystiske og bunnløse blå bakgrunnen til hovedbildet. Tunge og frodige klær minner om prakten til romerske patrisiske klær. I de apostoliske tunikaene varierer bare to farger - hvitt, personifiserende lys og gull - himmelsk lys. Bare flerfargede skygger (grå, blå, grå) utløser disse lysende klærne. Gylne klær sammenlignes med et tynt luftig stoff - det ligger i frodig, som om hevende folder. Hvitt stoff, tvert imot, fryser til unaturlig sprø folder.

Temaet for helligtrekonger er først og fremst temaet for utstrømning av lys, det å gi lys. Apostlene blir vist som bærere av dette evige lyset, siden de bærer lyset av kristen opplysning – opplysning med sannheten. Apostlenes ansikter er imponerende, hver av dem har en distinkt personlighet. De fremstår som virkelige individer, noe som tilrettelegges av den ennå uutviklede typologien og ikonografien Kristne bilder. Store neser, skarpt definerte nasolabiale folder, fremtredende rynker, kraftig utstående nakker, fyldige lepper, uttrykksfulle utseende. I disse bildene, sammenlignet med de romerske patrisierne, kan man skjelne utrolig indre energi, som symboliserer kraften til den kristne kirke på 500-tallet, som praktisk talt ble den eneste åndelige og politiske autoriteten i den vestlige verden.

Det store keiserpalasset i Konstantinopel. V århundre

I motsetning til de religiøse bygningene i tiden, gulvet i Bolshoi keiserlige palass i Konstantinopel inneholder stort antall bilder av hverdagsscener som involverer mennesker og dyr. Bakgrunnsmosaikkoppsettet tiltrekker seg oppmerksomhet - hundretusenvis av deler av en enfarget hvit mosaikk danner et bisarrt mønster, der omfanget av arbeidet og nøyaktigheten til de gamle mestrene forbløffer.

Ørn og slange. Mosaikkgulv i det store keiserpalasset i Konstantinopel. V århundre

Hjort og slange. Mosaikkgulv i det store keiserpalasset i Konstantinopel. V århundre

Hare og hunder. Mosaikkgulv i det store keiserpalasset i Konstantinopel. V århundre

Gutt med en kurv. Mosaikkgulv i det store keiserpalasset i Konstantinopel. V århundre

Pastoral scene. Mosaikkgulv i det store keiserpalasset i Konstantinopel. V århundre

San Vitale kirke i Ravenna, 600-tallet
Komposisjonene domineres av ideell balanse. Arkitektoniske former, plantemotiver, menneskekropper, sammenlignet med de enkleste geometriske figurene, ser ut til å være tegnet ved hjelp av en linjal. Draperier har verken volum eller livlig mykhet. Det er ingen levende følelse av substans i noe, ikke engang et fjernt hint av naturlig pust. Rommet mister til slutt enhver likhet med virkeligheten.

Basilikaen Sant'Apollinare Nuovo i Ravenna, 600-tallet
I skildringen av martyrer og martyrer er det en tydelig trend som kan kalles stilsakralisering. Bildet søker bevisst å gi avkall på spesifikke livsassosiasjoner. Selv det fjerneste hint av et imaginært rom eller handlingsmiljø forsvinner - all ledig plass er okkupert av en endeløs gylden bakgrunn. Blomster under føttene til magiene og martyrene spiller en rent symbolsk rolle og understreker ytterligere det uvirkelige i det som er avbildet.

Basilica of Sant'Apollinare in Classe i Ravenna, 600-tallet
Stilen på mosaikken viser tydelige tegn på vestlig smak. Formene er abstrakte og bevisst forenklede, lineær rytme dominerer komposisjonen. Brede og eteriske flekker av silhuetter er malt i en jevn farge, som er den eneste fargen som beholder uttrykksevnen. Ekstern eleganse og fargesonoritet kompenserer for den anemiske og amorfe stilen.

Bysantinske mosaikker laget av smalt. Tiden for Komnenos-dynastiet

Små mosaikker i kirken for himmelfart av Vår Frue, Daphne

Den mest slående og komplette manifestasjonen av den bysantinske stilen på slutten av 1000-tallet og Comnenos-æraen er mosaikkene til Church of the Assumption of Our Lady i Daphne, nær Athen, som representerer et unikt fenomen i historien til bysantinsk kunst. Templet er dekorert delvis i henhold til det klassiske opplegget: i kuppelen - Pantokrator med seksten profeter i trommelens vegger, i apsis - Guds mor med de tilbedende profetene. Imidlertid er et stort antall festlige scener plassert på flate overflater av veggene, og ikke bare på overgangselementene i arkitekturen mellom rektangulære og runde deler eller buede passasjer.

Kristus er pantokrator. Mosaikk av Vår Frues himmelfartskirke i Daphne. Rundt 1100

Daphnes mosaikker skaper en følelse av festivitas, uklar ro og universell harmoni. Eventuelle dystre toner forsvinner helt fra maleriet, og evangeliske bilder er fylt med poetisk skjønnhet. Selv i scenene av lidenskap er det ingen antydning til lidenskap og patos av lidelse og offer. Denne verden av edel og nøytral skjønnhet rommer ikke blod, smerte og tornekronen fra korsfestelsen.

I Daphnes mosaikker vokser narrative trender: det er flere scener, landskap og arkitektoniske elementer vises i dem, og mer oppmerksomhet rettes mot handlingen. Hovedmotivasjonen til mesteren er imidlertid på ingen måte ønsket om en uttalt utvikling av historien. Nøye utvalgte detaljer, handlingens ideelle natur, fraværet av noen følelser og spesielt uttrykk og åndelig spenning fanger verden ikke som en prosess, men som en tilstand. Kunstneren er heller ikke interessert i hva som skjer, men i hvordan det skjer.

Kristi dåp. Mosaikk av Vår Frues himmelfartskirke i Daphne. Rundt 1100

I Daphne ble komposisjonsprinsippene for bysantinsk maleri utviklet. Mosaikkkomposisjonene er veldig frie, fylt med et stort pust av plass som ikke er okkupert av former. Karakteristisk er ikke bare statue, men den ideelle, fullstendige rundheten til volumene, som sammenligner maleriets figurer med en vakker rund skulptur. Figurenes forhold til hverandre og til rommet har endret seg: karakterene er avbildet fra en rekke vinkler og spredninger, overfloden av trekvart- og profilkonturer skaper en konstant bevegelse av volumer fra dypet til utsiden. Voluminøse, men lette stoffer demonstrerer kroppens plastisitet og ligger samtidig bak overflaten, som om de ble litt blåst av vinden.

Visningen av en engel for Joachim. Mosaikk av Vår Frues himmelfartskirke i Daphne. Rundt 1100

Ansiktene er slående i sin spesielle kaldaktige skjønnhet, ro, uendelige avstand fra lidenskapenes og følelsenes verden. Selv de pene, milde typene (Guds mor, englene) blir fullstendig distrahert fra den følelsesmessige ømheten. Følelsen av ideell lidenskap sammenligner bildet av mennesket og gudsmennesket med lidenskapen til et ideelt strukturert og ordnet kosmos. Farge palett smalt får en spesiell luftighet og indre utstråling. Den ekstraordinære rikdommen av fargetoner, som umiddelbart transformerer grunntonen, fremkaller følelsen av en oscillerende overflate av stoffene. Alle farger er tatt i en enkelt, kald-sølv nøkkel med en overvekt av ask, sølv, blå, kald rosa og skinnende safir nyanser. Den gyldne smalt bakgrunnen ser løs og gjennomsiktig ut på grunn av den lyse, litt grønnaktige fargen av gull.

Mosaikker fra katedralen i Cefalu

Mosaikkene til basilikaen i Cefalu (Sicilia) tilhører den klassiske kunstbevegelsen fra den komnenske tiden, som fortsatte å leve gjennom hele 1100-tallet. Skapelsen av mosaikker i Cefalu falt sammen med Manuel Comnenus regjeringstid, en tid med utbredt utvidelse av bysantinsk kunst, det strålende arbeidet til Konstantinopel-kunstnere rundt om i verden, gjenoppliving av herligheten til det store romerriket, gjenopplivingen av storheten som keiseren drømte om.

Ensemblet ble fremført av Konstantinopel-mestere på oppdrag fra den normanniske kongen Roger II. Komposisjonene kombinerer den bysantinske perfeksjonen av kunstnerisk utførelse og dybden av åndelig mening med en ekstraordinær, litt barbarisk følelse av festlig luksus. Det viktigste elementet i mosaikkdekorasjonen til katedralen er det monumentale bildet av Kristus Pantocrator i apsiskonkylien. Dette typisk bysantinske bildet okkuperte tradisjonelt den sentrale kuppelen i greske templer. I Kristi hånd er evangeliet, på hvis utbredelse linjen er lest: "Jeg er verdens lys." Som gjenspeiler den doble naturen til den sicilianske kulturen på den tiden, er inskripsjonen gjengitt på to språk, på den ene siden på latin, på den andre på gresk, selv om selve bildet tydeligvis er et verk av en bysantinsk mester.

Kristus pantokrator. Mosaikk av concha av apsis til katedralen i Cefalu. XII århundre

Kristi ansikt er fullt av storhet, men det har ikke den alvorlige avstanden og åndelige intensiteten som er karakteristisk for østkristne ideer om Kristus som en «formidabel dommer». Komposisjonen utmerker seg ved klarhet, strenghet, gjennomsiktighet av kunstnerisk språk og indre mening. Kristi skikkelse er full av nåde og spesiell formedel.

Hovedtypen for kunst i det østlige romerske eller romerske riket, og senere Bysans, ble maleri (med en nesten fullstendig forlatelse av skulptur).
De viktigste formene for romersk-bysantinsk-ortodoks maleri: monumentalt tempelmaleri (mosaikk og fresker), ikonmaleri (inkludert de som er laget av emalje og gullbroderi) og bokminiatyrer. Den mest fantastiske kunstverk Denne epoken er, som anerkjent av de fleste kunsthistorikere, mosaikker.

Små flerfargede kuber av smalt (en legering av glass med mineralmaling), hvorfra bildet er lagt ut, flimrer, blinker, skimmer, reflekterer lys. Mosaikkmestere var i stand til å skape praktfulle billedeffekter fra funksjonene til smalt, og beregnet veldig nøyaktig lysinnfallsvinkelen og gjorde overflaten av mosaikken ikke helt glatt, men noe grov. Noen ganger ble overflaten av smalt-kubene laget fasettert, som for eksempel på mosaikkene i katholikon (hovedkirken) til Hosios Loukas-klosteret i Hellas, opprettet på begynnelsen av 1000-tallet.

Kyndelmesse, mosaikk, katholikon av klosteret Hosios/Hosios Loukas, i Phokis, Hellas

Påvirkningskraften på betrakteren og bevaringen av mosaikken er mye høyere enn fresken, selv om skapelsestiden er omtrent den samme.

Herrens inntog i Jerusalem, freskomaleri, kloster Hosios/Hosios Lucas, Hellas, XI v.

Mosaikere tok hensyn til den optiske sammensmeltingen av farger i øyet til betrakteren som så på mosaikken på lang avstand. Selv i vår tid, renset for flere hundre år gammelt støv og sot, forblir den like strålende og klangfull i fargen.

Mosaikker og fresker har vært kjent som utsøkte dekorative midler siden antikken. For eksempel i Britisk museum, London, Storbritannia bevarer den berømte "standarden til Ur", Assyria, rundt 2600 f.Kr.

Mosaikkene til "standarden" forteller om resultatene av Ur (a) - en militær kampanje, seire over fienden, trofeer og funksjoner i hofflivet til kongen og hans følge - dette er hovedtemaene til mosaikkene til Det gamle Mesopotamia, inkludert scener fra livet til de gamle sumererne.

Det arkeologiske museet, Heraklion, Kreta, Hellas inneholder fresker fra Knossos-palasset, for eksempel kultmysteriet «Spillet med oksen, minotauren». Tauromachy", hennes alder
rundt 1500 f.Kr - venstre;
De hellige hornene er ved de sørlige grensene til palassets territorium; ifølge legenden er tronen til kong Minos til høyre.

Spill - konkurranser med dyr.

Spill med delfiner, mosaikk Tauromachy - spill med en okse, mosaikk

Antikkens billedkunst (antikkens Hellas og Antikkens Roma) er også representert av praktfulle fresker og mosaikker.

Kjente fresker er bevart i Villa of Mysteries i forstedene til Pompeii. På den røde bakgrunnen av veggene er deltakerne i en festival dedikert til guden Bacchus/Dionysos avbildet i naturlig menneskelig høyde.

Pompeii. Mysterienes villa. 100-15

I fresken "Våren" fra byen Stabius, nær Pompeii, Italia, beveger en jente som symboliserer våren (gudinnen Flora?) seg bort fra betrakteren inn i dypet av en blomstrende eng. I venstre hånd holder hun et overflødighetshorn, og med høyre hånd tar hun forsiktig på en blomst. Hennes brune hår, gyllen-gule kappe og rosa tone på hennes bare skuldre er i harmoni med den lyse grønne bakgrunnen, og lettheten i jentas bevegelser, som om de flyter gjennom luften, danner grunnlaget for den pittoreske komposisjonen til fresken.

Vår, Stabius, Pompeii, freskomaleri

Landskapsskisser finnes ofte på freskomalerier: parker, hager, havner, svingete elvebredder. Det er nok gode fresker til å fylle et lite album, så jeg spør dere, venner, jeg vil definitivt legge det ut, men litt senere.

Grekerne kalte mosaikkbilder dedikert til musene. Musene er evige - disse maleriene skal også være evige, så de ble først satt sammen av biter av farget stein, og deretter i den hellenistiske og romerske perioden fra biter av spesialsveiset glass - smalt.

Det var mosaikker som var grunnlaget for den dekorative utsmykningen av palassene og villaene til adelen i det gamle Roma. Mosaikker i Roma, Pompeii, Stabia og Herculaneum er spesielt godt bevart. Forresten, det er en legende om at den berømte gyldne smalten ble skapt av greske mosaiker i det hedenske Roma og ble brukt til å dekorere det berømte gyldne palasset i Nero, så i mange århundrer ble metoden for å lage den glemt eller tapt og ble gjenopptatt først i den kristne tid.
På en eller annen måte forbløffer antikkens billedkunst fortsatt i dag med prakten av dekorative komposisjoner, rikdommen av emner, mangfoldet av kunstneriske teknikker, kunnskapen og bruken av direkte luftperspektiv, det vil si mye av det som ble "oppfunnet" av renessansekunstnere.

En kopi av mosaikkmaleriet "Slaget om Alexander den store med den persiske kong Darius III" er bevart i Napoli nasjonale arkeologiske museum.

kamp mot perserne ved Issus

Alexander den store på et fragment av en gammel romersk mosaikk fra Pompeii.

Mosaikk fra det 2. århundre f.Kr.

Mosaikker og fresker ble en del av den kristne kirke i de første århundrene e.Kr., da troende, tvunget til å gjemme seg, begynte å bruke pittoreske eldgamle scener og bilder av underjordiske labyrinter - katakomber, som tjente til begravelsen av de døde. Kristne ga disse bildene nytt symbolsk innhold: en palmegren - en uunnværlig egenskap for keiserlige triumfer - et symbol på himmelsk lykke, en vinranke - nattverdens sakrament, brød og vin - transsubstantiasjon til Kristi kjøtt og blod, Orfeus - Kristus og Psyche - et symbol på den kristne sjelen.

For de nye barbarstatene som oppsto på ruinene av det vestromerske riket og tilbad kulturen i det store Roma, var det svært viktig at mosaikk forble den dominerende metoden for bilde i templene; dette vitnet om kontinuiteten i tradisjoner og bevaring av status som arvinger til det østromerske riket. I tillegg hadde romerne på den tiden råd (mosaikk er en veldig kostbar fornøyelse) - å dekke de fleste av veggene, de indre overflatene til kupler og hvelv, søyler og søyler med praktfulle mosaikker og dette gjorde et enormt inntrykk på andre folk .

Stor kultursenter Romerriket, hvor et stort antall kristne mosaikker er bevart i templer og graver, er Ravenna – boligen til store skygger.

Alt som er øyeblikkelig, alt som er forgjengelig,
Begravet deg i århundrer.
Du sover som en baby, Ravenna,
Søvnig evighet er i dine hender.

Fra en syklus med italienske dikt av A. Blok.

Ravenna er eldgammel og vakker.

I Ravenna er det et unikt kompleks av monumenter fra det 5.-7. århundre, et vendepunkt da Roma og Bysans, antikken og middelalderen møttes.
Et tegn på deres møte og kortsiktige forening er mausoleet til Galla Placidia, datter av keiser Theodosius den store, Ravenna, Italia, første halvdel av 500-tallet.

Mausoleet til Gala Placidia: generell form utvendig, generell visning av interiøret

Trangt, svakt opplyst, er det dekorert innvendig med fantastiske mosaikker, som det er vanskelig å si om de tilhører den romersk-hellenistiske fortiden eller den bysantinske-middelalderske fremtiden.

I følge kristen lære skulle utformingen av et tempel og mausoleum forbinde to verdener: den virkelige og den andre verdens, den over og under. Kunst spilte den første rollen her, skapte guddommelige bilder, underviste og åpnet veien til frelse, og ledet den troende fra den virkelige verden til det oversanselige. Dette bestemte og dikterte den kunstneriske utformingen av interiøret i mausoleet til Galla Placidia.

Og mosaikkmesterne fullførte oppgaven med en "A+" - det indre av mausoleet oppfattes som en transformert verden, i motsetning til virkeligheten. Den nedre delen av veggene var belagt med marmor, og hvelvene, seilene og kuppelen var foret med dypblå mosaikk.
Mosaikkene i mausoleet har ikke en gyllen, men en blå bakgrunn: figurer av kristne martyrer og helgener drapert i hvitt dukker opp fra de tykt skimrende blå, gylne stjerneglimtene, fabelaktige paradislandskap med skarlagensrød valmuer, gylne hjort og fugler er spredt utover , hvor buer er flettet sammen med gylne vinstokker, og i kuppelen er det et kors og en stjernehimmel. Denne mosaikken symboliserer Kristi triumf over døden, Hans absolutte makt over den skapte verden.

paradis i mausoleet Gala Placidia, mosaikk, Cross og stjernehimmel- mosaikk i kuppelen.

Spøkelsesligheten og mystikken forsterkes av det naturlige lyset fra vinduene i lunettene og hvelvet.
En lunette er en halvmåneformet del av en vegg, avgrenset øverst av en arkivvolt og nederst av en horisontal gesims. Begreper som er nærme i betydning: desudeport, zakomara, kokoshnik, pediment.

lysvindu i lunetten til mausoleet til Gala Placidia

Og bare i lunetten over inngangen, fra innsiden, er plassen til det manglende vinduet okkupert av en mosaikk av den gode hyrde, glitrende som et opplyst vindu.
Bildet av Kristus er en raffinert hellenistisk versjon av «Den gode hyrde i Edens hage». På bakgrunn av et fullstendig jordisk landskap, under en glitrende blå himmel, Kristus, en ung, skjeggløs hyrde, som minner om den saktmodige Orpheus eldgamle myter, men i gyldne klær sitter han virkelig på en bakke, hans korslagte bena berører bakken og skyggen av føttene hans, skodd i sandaler, er godt synlig.
Sauer går rundt ham på det grønne gresset (hvite sauer er symboler på de rettferdiges sjeler), og han strekker ut hånden til en av dem. Det er en glorie over Kristi hode, men en antikk frisyre, tydelig en parykk, generaliserte, ganske små ansiktstrekk - alle elementer er tydelig arvet fra antikken.
Livligheten i den komplekse posituren er viktig - Kristus er ikke avbildet forfra, men halvt vendt, en del av oppmerksomheten hans er ikke rettet mot publikum, men til "sauene" - den åndelige flokken. Kristus hviler ikke på en hyrdeskurk, men på et kors - et tegn på den triumferende utbredelsen av kristendommen i verden (forresten, skyggen av korset er også tydelig synlig på bakken).

God hyrde, mosaikk

Og en ting til, grensen til den jordiske/jordiske verden er godt synlig (angitt med en stiplet linje) - den lyseblå himmelen og den himmelske, mørkeblå himmelen øverst i mosaikken. "Tungen" på den øvre himmelen, etter å ha gått ned, "pakker" bare hodet og skuldrene til Kristus - bare han tilhører begge verdener.

Typen unge Kristus ("Kristus Emmanuel") er sjelden i ikonografi: slik ble han avbildet i de første århundrene av kristendommen, da eldgamle forestillinger om evig ungdom, som en egenskap ved guddom, har ennå ikke blitt erstattet av den harde kulten av «alderdom».

Et annet bemerkelsesverdig kompleks av mosaikk er i kirken San Apollinare Nuovo, bygget av kong Theodoric på 600-tallet. i Ravenna.

San Apollinare Nuovo, eksteriør og interiørutsikt.

Et annet bilde av den gode hyrden i San Apollinare Nuovo-kirken: Kristus er omgitt av hvite sauer, men hendene er løftet i en velsignende gest, og blikket hans er rettet mot det fjerne.

God hyrde, mosaikk

En annen mosaikk, "The Miracle of the Loaves and Fishes," fra den samme kirken San Apollinare Nuovo i Ravenna, opprettet i 504, er ikke mindre interessant. Den skildrer også en ung Jesus Kristus, skjeggløs, fortsatt en mann (før korsfestelsen), som bekrefter fargen på glorien rundt hodet hans - glorien er grønn og gull.
Grønn farge er et symbol på ufullstendig utvikling og transformasjon, gullfarge formidler bilder og informasjon fra en annen åndelig verden til brukeren. Men Kristus er i purpur med gullstriper. Lilla- et symbol på den transcendentale verden, dyp nedsenking i verdensomspennende rom.

I full overensstemmelse med kanonen er to brødrepar som han kalte på sjøen, avbildet symmetrisk på begge sider av Kristus: Jakob med Johannes og Peter med Andreas (det er derfor denne mosaikken noen ganger kalles "Den fantastiske fangsten"). Kalt i hvite og blå kapper - farger som symboliserer åndelig renhet, hellighet, løsrivelse fra det verdslige; De tar imot brødet og fisken med tildekkede hender, som de hellige gaver som Kristus kommuniserer og velsigner apostlene med.

Miracle of the Loaves and Fishes eller Miracle Catch

Kristus er avbildet med hele ansiktet, armene hans er utstrakte, i den ene er det brød, i den andre - fisk, han gir gaver til sine tilhengere; figurene deres er avbildet i kvart og halv omgang, men ansiktene deres er vendt mot publikum. Øynene til alle de avbildede er forstørret og rettet direkte mot publikum. Alle bilder presenteres innenfor rammen av et skjematisert, men jordisk landskap - de står faktisk på den blomstrende grønne overflaten av jorden, til høyre og venstre for denne gruppen er det åser og grønne trær og busker. Bakgrunnen til mosaikken er myk, blandet, svakt grønnaktig-brunaktig med gyldne sprut.

Og en mosaikk til, eller rettere sagt en del av den, men jeg kunne ikke la være å inkludere den, jeg håper dere, venner, vil like den, spesielt de som elsker og setter pris på det eksentriske.

Tilbedelse av magi - dette er magi, venner, selv om jeg ikke tror det heller

Det største antallet mosaikker overlever i kirken San Vitale, Ravenna, Italia, bygget av keiser Justinian på 600-tallet. Dette var den keiserlige hoffkirken, som forklarer mangfoldet av emner og bakgrunner de er avbildet i. Dessuten er det noe interessant trekk: Motivene på grønn, blå-blå og sjeldne hvite bakgrunner er rent kristne, og fargene på bakgrunnen dateres tilbake til senantikken. Generelt er det den grønne bakgrunnen som dominerer, og den gylne bakgrunnen er hovedsakelig knyttet til altermosaikkene.

Basilica of San Vitale, generell utsikt, fasade, interiør i det sentrale skibet og apsis

Basilica of San Vitale, interiør av transept og hvelv, båndmosaikk på søyler og buer

To mosaikker på sideveggene til alteret - to prosesjoner. Den ene ledes av keiser Justinian, den andre av keiserinne Theodora. Alle figurene er like i høyden; keiserne utmerker seg med lilla kapper, kroner og glorier. I skildringen av ansiktene til det keiserlige ekteparet og biskop Maximilian kan man skjelne kunstnerens ønske om å formidle en portrettlikhet, men frosne positurer, løsrevne ansiktsuttrykk og konturene av figurer skjult av folder av kapper fratar bildene individualitet - dette ideelle bilder ideelle herskere, ikke ekte mennesker. Men mosaikken formidler nøyaktig ånden til den romerske seremonielle, offisielle pompøsiteten som er opphøyet til rangering av superjordisk.

Keiser Justinian med sitt følge, mosaikk, keiserinne Theodora, med sitt følge, mosaikk

Alle de som er avbildet har for store, ubevegelige øyne, og gloriene rundt hodene til Justinian og Theodora løfter disse levende menneskene, selv om de er utstyrt med hellig kraft, til rangering av helgener. Det var denne tradisjonen som ble en av årsakene til fremveksten av ikonoklasmen. I følge deres samtidige var ikke alle keisere, keiserinner og patriarker av kirken verdige til en så høy rangering, spesielt i løpet av deres levetid.

I det nedre laget presenterer Justinian og Theodora, akkompagnert av deres følge, gaver til templet. Denne mosaikken er interessant fordi den indikerer klare forskjeller i holdningen til den ortodokse romerske kirken til keiseren og keiserinnen. Selv om hodene deres er dekket med glorier, er det en grønn baldakin over hodene til Theodora og patriarken som står mellom henne og Justinian, og den grønne fargen er et symbol på ufullstendighet åndelig utvikling, mer "menneskelighet".

Justinian og Theodora

På nivået til det andre laget, i en lunette som ligger på tre buer, er det en veldig interessant mosaikk - kombinatorisk eller kombinert. Innholdet inkluderer to hovedplott som er nært knyttet til hverandre. De er forbundet med treenigheten. Deres sekvensielle "lesing" minner troende om de viktige bibelske hendelsene i Det gamle testamente.

Abrahams gjestfrihet og offer, mosaikk

På 700-tallet steg det bysantinske maleriet til et av de høyeste nivåene. Av Assumptionskirken i Nicaea, Tyrkia, bygget i samme århundre og ødelagt under den gresk-tyrkiske krigen 1917-22, er det bare fotografier og fragmenter av mosaikk som overlever. Et av de overlevende fragmentene er bevingede skikkelser med bannere og kuler i hendene, iført luksuriøse klær av hofflivvakter.

Ansiktene til disse krigerske englene er fantastiske - de minner om det eldgamle skjønnhetsidealet - delikate ovaler, klassiske proporsjoner og funksjoner, en liten sensuell munn, en tynn nese og et hypnotisk blikk. De er utført på en mykt pittoresk måte, som minner om en impresjonistisk. Oliven, rosa, blek lilla og hvite smalt-terninger er arrangert "i uorden", som faktisk er en perfekt presis beregning av fremragende mosaikkmestere: på avstand smelter de sammen og skaper illusjonen av et delikat levende ansikt.

engel Dunamis., mosaikkfragment fra alterhvelvet til Himmelfartskirken i Nika, Tyrkia

Dette perfekt eksempel"åndelig sensualitet", men de uttrykker ikke noe spesifikt knyttet til ekte menneskelig følelse eller opplevelse. Deres spiritualitet er lidenskapelig, og deres sensualitet er eterisk.

Ved å dekke sfæriske buede overflater med mosaikk, oppdaget mosaikkkunstnere at lyse ornamenter og figurer visuelt ble skjøvet fremover inn i det virkelige rommet i interiøret. Effekten ble forsterket av den gylne bakgrunnen, som ikke hadde noen dybde og ikke tillot det. I kombinasjon med den konkave overflaten syntes gullbakgrunnen å "bringe" helgenbildet inn i det samme romlige miljøet som tilbederne.
Samtidig virket bildene av helgener, som stod urørlige foran de som ba og så intenst på dem med store øyne, betydningsfulle og ujordiske for folk.

De som kom til templet hadde en følelse av å være inne i selve helligheten, som var hovedideen til ethvert kristent sentrisk tempel.
Oppnåelsen av disse målene ble forenklet av slike teknikker som prinsippet om symmetri (arrangementet av figurene skal være symmetrisk i forhold til Kristus), flatheten til komposisjonen, de forskjellige skalaene til figurene, deres frontale innstilling, lånt fra det gamle egyptiske modeller.

Mosaikk - "skimrende verdifullt maleri", som gir spesielle optiske effekter, var veldig egnet for å lage abstrakte bilder, sublime og surrealistiske.

Den neste delen vil bli viet til det romerske/bysantinske ikonet; uten det ville det ikke vært noe russisk ikon, noe som betyr at sjelen til vårt folk ville vært annerledes.

Bysantinske mosaikker representerer elegante monumentale malerier som skiller seg ut for sitt spesielle omfang og bildeskala. Dette eldste arten kunsten å komponere et hvilket som helst bilde eller bilde fra identiske små partikler. Sentralt tema slike mosaikker var kristne ...

Bysantinske mosaikker representerer elegante monumentale malerier som skiller seg ut for sitt spesielle omfang og bildeskala. Dette er den eldste formen for kunst å komponere et bilde eller bilde fra identiske små partikler. Det sentrale temaet for slike mosaikker var en kristen orientering, og drivkraften på veien til å forbedre installasjonsteknologien, skape nye nyanser og teksturer var ønsket om å oppnå maksimal visuell effekt.

I motsetning til romerske mosaikker, som løste sekulære problemer med å dekorere og legge til funksjonalitet til rom i private villaer eller offentlige bygninger, hadde bysantinske mosaikker litt andre funksjoner. Hovedformålet deres ble ansett for å være å gi kunstnerisk verdi til utsmykningen av katedraler, graver, templer, basilikaer, etc. Bysantinsk murverk er designet for oppfatning av bilder fra stor avstand - maleriene utmerker seg med noen ujevnheter, "fløyelsmyke" nyanser og teksturer, som "revitaliserer" de opprettede bildene.

Hva er bysantinsk mosaikk laget av?

For mange århundrer siden ble et fantastisk materiale kalt smalt skapt i Byzantium. I følge eldgamle legender var det bysantinerne som oppdaget de unike egenskapene til glass, som får enestående styrke ved å tilsette forskjellige metaller til smeltede små glassbiter. Slik ble smalt - glass smelter med en blanding av gull, kobber, kvikksølv i forskjellige proporsjoner. Hvert enkelt metall ga en viss nyanse av mosaikkblokkene, som ved hjelp av enkle verktøy ga håndverkerne til geometriske former som var enkle å legge. Slik ble bysantinsk mosaikk - en eksklusiv type kunst laget med smalt.

"Høydepunkt" i den bysantinske stilen

Det særegne ved å bruke slike mosaikker i kirker var opprettelsen av en luksuriøs gylden bakgrunn, som kan sees i de fleste malerier. Vanligvis brukte håndverkere et direkte sett for styling, noe som resulterte i et enkelt gyldent felt som ikke bare så bra ut i dagslys, men som også virket "levende" i de mystiske refleksjonene av stearinlys. Denne effekten av bevegelse ble bestemt av spill av nyanser og refleksjoner av lys på gylden smalt.

En viktig nyanse som ligger i bysantinsk murverk er tilstedeværelsen av presise konturer av hvert avbildet objekt. For å oppnå maksimal klarhet ble konturene av utseendet og objektet lagt ut med mosaikkkuber på rad på siden av figuren, og i en rad på siden av den generelle bakgrunnen. Hvis du liker skjønnheten og storheten til et slikt lerret på lang avstand, gjør de uthevede konturene karakterene mer imponerende, og understreker ansiktet deres på en glitrende gylden bakgrunn.

Blant andre funksjoner mer sen kunst Ved legging av bysantinske mosaikker er det en tendens til å opprettholde proporsjonene til menneskekroppen, som noen ganger ble avbildet både i en rotasjon og i en bevegelig tilstand.

Bysantinsk vegg-"maleri": opprinnelseshistorie

De eldste bevarte eksemplene på mosaikk dateres tilbake til 3.-4. århundre, selv om smalt ble funnet rundt 1.-2. århundre f.Kr. De mest kjente bysantinske flisene er mosaikkene til Ravenna, samt bildet av Hagia Sophia i Konstantinopel. I Kiev-Russland Rester av smaltproduksjon ble funnet nær Sofia i Kiev. Ifølge arkeologer ble russiske håndverkere ledet av folk fra Bysants. Bysantinsk mosaikk har ikke mistet sin adel og energi til i dag: det er en kreativ flytur, en refleksjon av åndelig luksus, en aura av harmoni og fred.