Portrett i russisk kunstfront og kammer. Portretter av russiske kongelige personer på 1700-tallet
Oftest dannes pittoreske representasjoner av kongelige (og spesielt på 1700-tallet) på grunnlag av seremonielle portretter, hvor kopier ble aktivt fjernet og distribuert. Slike portretter kan "leses", fordi modellen på dem alltid er plassert i et slikt miljø som bidrar til å skape en følelse av betydning, uvanlighet, høytidelighet i bildet, og hver av detaljene inneholder et snev av de virkelige eller imaginære fordelene. og egenskapene til personen vi ser foran oss.
De fleste av de formelle portrettene er umulige å ikke beundre. Men spørsmålet om hvor sant portrettet er, forblir åpent.
Så, for eksempel, bildet av Catherine I, skapt av Jean-Marc Nattier i 1717:
Men det mer intime portrettet av Catherine i en peignoir, skrevet av Louis Caravacom på 1720-tallet.
Det ser ut til at forskerne kom til den konklusjon at keiserinnen i utgangspunktet ble avbildet i portrettet med en utringning, og deretter dukket det opp et blått bånd, som kan forstås som et hint til båndet til St. Andrew den førstekalte ordenen og personens høye status. Det eneste hintet.
Louis Caravaque mottok utnevnelsen av den offisielle hoffmaleren - Hoffmaler bare under Anna Ioannovna, men før det klarte han å male en rekke portretter av familien til Peter den store. Blant dem er noen uvanlige etter moderne standarder.
For det første husker jeg personlig umiddelbart portrettet Tsarevich Peter Petrovich som Amor
Her skal det selvfølgelig sies at Russland overtok fra Europa rokokkoens galanteri, sammen med dens spesielle atmosfære av en maskerade, lekende helter og guder fra gammel mytologi, og oppførsel, som ikke kunne annet enn å påvirke maleritradisjonen.
Og likevel er det noe spesielt i det faktum at vi ser lille Peter, "Shishechka", som hans kjærlige foreldre kalte ham, som hadde store forhåpninger til ham, vi ser akkurat slik. Men fødselen til denne gutten, som ikke levde engang i fire år, så vel som hans relativt sterke helse til å begynne med, forseglet faktisk skjebnen til Tsarevich Alexei.
Vi kan også forestille oss eldstesøsteren til Pyotr Petrovich Elizaveta, som husker portrettet av arbeidet til den samme Caravak, skrevet i 1750: 
Eller et portrett av hans student Ivan Vishnyakov, malt i 1743:
Men selv under keiserinnens liv nøt et annet portrett av Elizaveta Petrovna, malt på midten av 1710-tallet av Caravak, der hun er avbildet i form av gudinnen Flora, stor suksess: 
Den fremtidige keiserinnen er avbildet naken og liggende på en blå kappe foret med hermelin - et tegn på å tilhøre den keiserlige familien. I høyre hånd holder hun en miniatyr med et portrett av Peter I, til rammen som er festet St. Andrews blå bånd.
Ja, en tradisjon, men det er en viss form for pikanthet i et slikt bilde. N. N. Wrangel la en interessant bemerkning om portrettet: "Her er en liten jente, et åtte år gammelt avkledd barn med kroppen til en voksen jente. Hun ligger tilbakelent, holder kokett et portrett av faren sin og smiler så kjærlig og ømt. , som om hun allerede tenker på Saltykov, Shubin, Sievers, Razumovsky, Shuvalov og alle de andre som denne vakre skapningen elsket."
Imidlertid bemerket han også at Elizabeth hadde mange bilder.
Her er Elizaveta Petrovna inne herredress, som gikk slik til henne:
A.L. Weinberg anså portrettet for å være arbeidet til Caravaque og daterte det til 1745. S.V. Rimskaya-Korsakova mente at dette var Levitskys elevs kopi av Antropovs arbeid, og gikk tilbake til den ikonografiske typen Caravak.
Og her er et annet portrett av Elizabeth i en manns kostyme - læreboken "Portrett av keiserinne Elizabeth Petrovna på en hest med et svart barn", skrevet av Georg Christoph Groot i 1743:
Dette portrettet kan kalles front. Her er St. Andreas den førstekalte orden, et blått moiré-serp med et merke, en marskalkstokk i hånden til keiserinnen, en forvandlingsuniform, og også det faktum at Elizaveta Petrovna sitter på en hest som en mann, og marinen sett i bukta.
Caravak har også et "Portrett av en gutt i en jaktdress", som forskjellige versjoner ble bygget om. De kalte det både portrettet av Peter II, og portrettet av Peter III og ... portrettet av Elizabeth. Av en eller annen grunn er den nyeste versjonen veldig nær meg.
Det er mange seremonielle portretter av Catherine II. De ble malt både av utlendinger invitert til Russland og av russiske kunstnere. Vi kan for eksempel minne om et portrett av Catherine malt av Vigilius Eriksen foran et speil, der kunstneren bruker en særegen teknikk som lar ham vise keiserinnen både i profil og i hele ansiktet.
Profilbildet til keiserinnen ble brukt til det seremonielle portrettet malt av Rokotov:
Catherine selv elsket tilsynelatende et annet portrett malt av Eriksen, som skildrer henne på hesteryggen: 
Fortsatt ville! Portrettet symboliserer tross alt den skjebnesvangre dagen for keiserinnen den 28. juni 1762, da hun, i spissen for konspiratørene, drar til Oranienbaum for å gjennomføre et palasskupp. Catherine sitter på sin berømte hest Brilliant og er kledd i militær stil - hun har på seg uniformen til en offiser fra vaktens infanteri.
Portrettet var en stor suksess ved hoffet; etter ordre fra keiserinnen gjentok han arbeidet sitt tre ganger, og varierte størrelsen på lerretet.
Eriksen malte også et portrett av Catherine II i shugay og kokoshnik:
Man kan huske det uformelle portrettet av Catherine II i en reisedrakt, malt av Mikhail Shibanov, en kunstner som nesten ingenting er kjent om. Er det bare det at han var nær Potemkin?:
Jeg husker de ikke-seremonielle portrettene av Katarina den store, det er umulig å gå forbi bildet skapt av Borovikovsky.
Kunstneren viste Catherine II "hjemme", i en pelsfrakk og en caps. høy alder damen går sakte langs smugene i Tsarkaselsky-parken og lener seg på en stav. Ved siden av henne står hennes elskede hund, en engelsk mynde.
Ideen om et slikt bilde har sannsynligvis sin opprinnelse i den litterære og kunstneriske sirkelen til Nikolai Lvov og er nært forbundet med en ny trend innen kunst, kalt sentimentalisme. Det er betydelig at portrettet av Catherine II ikke ble henrettet fra naturen. Det er bevis på at kunstneren ble kledd i kjolen til keiserinnen av hennes elskede kamera-jungfer (romtjener) Perekusikhina, som poserte for kunstneren.
Forresten, det faktum at det på 1700-tallet bare jobbet 8 offisielle hoffmalere i Russland, hvorav bare en var russisk, og selv da endte livet nesten tragisk, er ganske interessant. Derfor er det ikke overraskende at russiske kunstnere ikke hadde muligheten til å male keisere og keiserinner i live.
For dette arbeidet ble Borovikovsky, som Lumpy maset om, tildelt tittelen "utnevnt" til akademikere. Til tross for anerkjennelsen fra Kunstakademiet, likte ikke keiserinnen portrettet og ble ikke anskaffet av palassavdelingen.
Men det var i dette bildet at Pushkin fanget henne i "æreshistorien" "Kapteinens datter".
Det seremonielle portrettet skiller seg fra andre portretter av ulike retninger og stiler ved at det seremonielle har en spesiell høytidelighet og uttrykksfullhet.
I Russlands historie dukket det seremonielle portrettet opp under Petrine-tiden. Peter I forsøkte å bringe til Russland alle innovasjonene i Europa, og der var moten for seremonielle portretter bare utbredt. Videre var tradisjonen med å bestille et seremonielt portrett for viktige feiringer godt etablert blant de mest edle og velstående mennesker på den tiden.
I Russland var seremonielle portretter av militæret vanlige - i fulle kampuniformer, unge sjarmerende unge damer i de beste antrekkene, etc. Og i dag har ikke det seremonielle portrettet mistet sin relevans, det er fortsatt et symbol på sikkerhet, status og innflytelse.
Vi inviterer deg til å fornye den gamle tradisjonen og kombinere luksusen til et klassisk lerret og fotografiets modernitet og hverdagsliv. Dette er en uvanlig og dyr gave til dine kjære, kolleger, sjefen, venner.
Å prøve på bildet fra tidligere år betyr å komme nærmere svunne tider, føle seg som en vakker adelsdame på 1800-tallet, nylig kommet tilbake fra et annet ball, eller en modig militærmann, en helt fra krigen i 1812. Alt avhenger bare av fantasien din, og med ArtPhoto kan grensene være ubegrensede.
Historisk seremonielt portrett
Et historisk portrett er et portrett som skildrer en figur fra tidligere tider. Seremonielt portrett - formidler ikke bare det visuelle utseendet til personen som er avbildet, men opphøyer også karakteren hans, og viser hans beste egenskaper og status.
Er du ikke en person som fortjener å forbli for alltid? Eller vil du fange en av dine slektninger, kolleger i en så interessant rolle, eller kanskje du vil gi sjefen din en dyr og solid gave som vil yte rettferdighet til hans innflytelse og respekt? Et historisk seremonielt portrett vil være en fantastisk gave som for alltid vil forevige navnet og utseendet til personen som er avbildet på det.
På 1800-tallet var det populært å bestille et formelt portrett, der karakteren ble avbildet i militæruniform. Et slikt lerret var et symbol på mot, styrke og innflytelse fra den avbildede personen. ArtPhoto inviterer deg til å bestille et historisk formelt portrett som en gave til sjefen din.
La lederen din fremstå i bildet av en militærmann av de høyeste rangene på 1700- og 1800-tallet. For å velge ønsket bilde trenger du bare å se på bildegalleriet på nettsiden vår. Her kan du finne solid mannlige bilder, sofistikerte feminine, søte og litt naive barn. ArtPhoto gir deg et stort antall originale bilder for enhver smak og for enhver anledning.
Seremonielt portrett som gave
En betydelig date er planlagt, og du trenger bare å plukke opp en betydelig, solid og original gave?
ArtPhoto tilbyr deg sin unike løsning - å presentere et formelt portrett som en gave til enhver feiring. Historisk sett ble det seremonielle portrettet laget med slike viktig begivenhet, som kroning av en kongelig person, etc. mens monarken ble sammenlignet med en guddom. Da det ble laget et portrett av en adelsmann, hvor den avbildede så ut som en keiser. Så du kan bestille et seremonielt portrett fra et fotografi, der anledningens helt vil vises i et solid bilde av en monark eller en mektig aristokrat.
Eller du kan bevege deg bort fra den tradisjonelle visningen av lerretet, og velge et originalt fantasi- eller uttrykksfullt utseende. Når de laget slike lerreter, prøvde de alltid å "historisere" det avbildede. Dette påvirket fargen på lerretet, takket være at det formelle portrettet så like perfekt ut i alle rom.
Så i dag vil frontportrettet være den beste dekorasjonen til ethvert interiør. Det seremonielle portrettet var alltid stort, da det antok at bildet av en person var fra topp til tå. Så du kan bestille et lerret i hvilken som helst skala i ArtPhoto (opptil 150 cm på den mindre siden).
Kort sagt, hvis du ønsker å kjøpe en dyr gave - kontakt vårt ArtPhoto-studio og velg et bilde eller portrett, og du vil ikke gå galt!
Bestill et formelt portrett
Seremonielle portretter for medlemmer av kongelige familier ble bestilt fra de mest kjente og dyktige artister forskjellige tider. Og den berømte maleren ble tildelt ærestittel hoffmaler.
For eksempel hadde den berømte portrettmaleren Georg Christopher Grooth «Portrett av storhertuginne Ekaterina Alekseevna med en vifte i hendene» (1740-tallet, olje på lerret, 161x117 cm, Statens russiske museum, St. Petersburg) en slik tittel. Portrettet av unge Catherine viser hennes heltinne i full blomst av ungdom, skjønnhet og storhet.
Du kan bestille et formelt portrett fra ArtPhoto ved å kontakte oss via telefonnumre som er oppført på siden eller ved å sende en forespørsel via post. Selv om du bor utenfor Moskva, vil det ikke være vanskelig å bestille et formelt portrett fra et fotografi, fordi ArtPhoto fungerer i hele Russland, i CIS-landene og i utlandet. I tillegg verdsetter vi tiden til kundene våre, og bestillingen din vil ikke bare bli utført med høy kvalitet av ekte fagfolk, men også på kortest mulig tid - 1-4 dager.
I maleri - en av de mest fruktbare. Bildet av en person, den mest subtile og åndelige gjengivelsen av funksjonene hans på lerret, berørte mennesker av forskjellige klasser og rikdom. Disse bildene var halvlange og fulle, i landskapet og i interiøret. De største artistene forsøkte å fange ikke bare individuelle trekk, men å formidle stemningen, den indre verdenen til modellen deres.
domstolsjanger
Portretter er sjangere, allegoriske osv. Og hva er et formelt portrett? Det er en slags historisk. Denne sjangeren oppsto ved hoffet under monarkenes regjeringstid. Meningen og hensikten til forfatterne av det seremonielle portrettet var ikke bare evnen til å formidle så nøyaktig som mulig, men å skrive på en slik måte at man glorifiserer, glorifiserer en person. Mesterne i denne sjangeren fikk nesten alltid stor popularitet, og arbeidet deres ble sjenerøst betalt av kunder, fordi vanligvis seremonielle portretter ble bestilt av edle personer - konger og deres høytstående medarbeidere. Og hvis maleren identifiserte monarken selv med guddommen, liknet han verdighetene sine med den regjerende personen.
Karakteristiske trekk
En majestetisk skikkelse i all glans av regalier og maktsymboler, plassert i et storslått landskap, mot et slankt bakteppe eller i et frodig interiør - dette er hva et seremonielt portrett er. Den sosiale statusen til lerretets helt kommer i forgrunnen. Slike verk ble laget for å fange en person som en historisk figur. Ofte vises en person på bildet i en litt pretensiøs, teatralsk positur, designet for å understreke hennes betydning. Den mentale strukturen og det indre livet var ikke gjenstand for bildet. Her på aristokratenes ansikter vil vi ikke se annet enn et frossent, høytidelig majestetisk uttrykk.
Epoke og stil
Hva er et formelt portrett når det gjelder stilen til tiden? Dette er et forsøk på å "historisere" virkeligheten i ansiktene til betydelige skikkelser, innskrive dem i et miljø og en setting som er merkbar for tiden. Elegant og pompøs var den generelle fargen på slike malerier i dekorative og raffinerte, viste det seg i Rococo-dagene, fikk en høytidelig tilbakeholdenhet og klarhet i klassisismen.
Varianter av seremonielle portretter
Paraden kan deles inn i flere typer: kroning, i form av en kommandør, rytter, jakt, semi-parade.
Det viktigste, fra et ideologisk synspunkt, var kroningsportrettet, der kunstneren avbildet keiseren på dagen for tiltredelsen til tronen. Alle maktens attributter var her - en krone, en mantel, en kule og et septer. Oftere ble monarken avbildet i full vekst, noen ganger sittende på tronen. Bakgrunnen til portrettet var et tungt draperi, som minner om bakscenen til et teater, designet for å avsløre for verden noe utover det vanlige, og søyler, som symboliserer kongemaktens ukrenkelighet.
Slik ser vi Katarina den store i portrettet av børsten laget i 1770. I samme sjanger ble portrettet av Jean Auguste Ingres "Napoleon på tronen" (1804) malt.
Ofte representerte det seremonielle portrettet fra 1700-tallet en kongelig person i form av en militærmann. I portrettet av Paul I, skapt av Stepan Shchukin i 1797, er monarken avbildet i uniformen til en oberst fra Preobrazhensky-regimentet.
Et portrett i en militæruniform med priser indikerte en viss status til personen som er nedfelt på lerretet. Vanligvis fanget slike mesterverk strålende befal etter betydelige seire. Historien kjenner mange bilder av Alexander Suvorov, Mikhail Kutuzov, Fedor Ushakov.
Lerretene til europeiske mestere demonstrerer veltalende hva et seremonielt portrett av en linjal på hesteryggen er. En av de mest kjente er lerretet av Titian, som den største italienske maleren fra renessansen i 1548 avbildet Karl V som rir på en staselig hingst. Den østerrikske hoffmaleren Georg Prenner malte et rytterportrett av keiserinnen med hennes følge (1750-1755). Den impulsive nåden til praktfulle hester personifiserer de dristige og ambisiøse planene til dronningen.
Et jaktportrett, der aristokraten oftest ble avbildet i selskap med hunder eller med vilt i en stolt løftet hånd, kunne symbolisere adelsmannens maskulinitet, fingerferdighet og styrke.
Det semi-seremonielle portrettet oppfylte alle de grunnleggende kravene, men representerte personen i en halvlang versjon, og ikke i full høyde.
Interessen for denne sjangeren eksisterer den dag i dag.
Fram til begynnelsen av 1700-tallet utviklet det seg hovedsakelig ikonmalertradisjoner i russisk maleri.
I følge memoarene til samtidige ble alle bilder tatt for ikoner i Russland på den tiden: ofte, når de kom til en fremmeds hus, bøyde russerne seg, som vanlig, for det første bildet som fanget øynene deres. Imidlertid, i det XVIII århundre. maleri gradvis begynte å få europeiske funksjoner: kunstnere mestret lineært perspektiv, som tillater å formidle dybden av rommet, forsøkte å korrekt skildre volumet av objekter ved hjelp av chiaroscuro, studerte anatomi for å nøyaktig reprodusere menneskekroppen. Teknikken med oljemaleri spredte seg, nye sjangre oppsto.
Et spesielt sted i russisk maleri fra XVIII århundre. tok portrettet. De tidligste verkene av denne sjangeren er nær parsunaen på 1600-tallet. Karakterene er høytidelige og statiske. Ivanov A. B. Historier om russiske kunstnere - M. Enlightenment 1988
På begynnelsen av XVIII århundre. utenlandske malere jobbet i Russland, spesielt I.G. Tannauer og L. Caravacc.
Kunstakademiet, grunnlagt i 1757, bestemte veien til russisk kunst i andre halvdel av 1700-tallet. Gjenopplivet av Akademiet var pensjonisttilværelsen ikke lenger en enkel læretid, da det på begynnelsen av århundret ble mer et kunstnerisk samarbeid som ga russiske kunstnere europeisk anerkjennelse. Den ledende retningen for akademisk maleri var klassisisme, hvis hovedprinsipper ble mest konsekvent samlet i den historiske sjangeren, som tolket eldgamle, bibelske og nasjonalpatriotiske emner i samsvar med opplysningens sivile og patriotiske idealer. Frolova A. R. Fedor Rokotov la sin hånd // Panorama of Arts 9. M., 1989. Grunnlegger historisk sjanger i Russland var det A.P. Losenko (1737 - 73). Som tidlig foreldreløs bondesønn tilbrakte han barndommen i Ukraina. Så havnet han ved en tilfeldighet i St. Petersburg, hvor han først sang i hoffkoret. Etter å ha mottatt de første leksjonene fra I.P. Argunov, en av de første som ble uteksaminert fra Kunstakademiet og trakk seg tilbake i Paris og Roma. I hans arbeid dukket det opp trekk ved klassisismen, der i andre halvdel av 1700-tallet. realistiske tendenser er sterke ("Vladimir og Rogneda", 1770, State Russian Museum; "Farvel of Hector to Andromache", 1773, State Tretyakov Gallery). Med genuin dyktighet malte Losenko portretter av sine samtidige, og det meste eminente skikkelser Russisk kultur (portretter av F. Volkov. Statens Tretyakov-galleri og Statens russiske museum; A.P. Sumarokov. I.I. Shuvalov, skuespiller Ya. D. Shumsky, alle i Statens russiske museum). Ved begynnelsen av XVIII - XIX århundrer. GI Ugryumov (1764 - 1823) var en enestående mester i historisk maleri, i hvis verk veksten av offentlig interesse for nasjonal historie ble manifestert ("Aleksander Nevskys høytidelige inntreden i Pskov etter hans seier over de tyske ridderne", 1793-94 "Kallet til Mikhail Fedorovich til riket", ca. 1800, både når det gjelder tidspunkt osv.). Savinov A. N. [Introduksjon. Art.] // Fedor Stepanovich Rokotov og kunstnere fra hans krets: Utstillingskatalog. M., 1960.
ledende sjanger innen Russisk maleri andre halvdel av 1700-tallet. var et portrett. Utvikling portrett sjanger i Petrine-tiden ble det bestemt av innflytelsen fra vestlig maleri, men samtidig var det basert på tradisjonen fra forrige århundre (parsuna). Dannelsen av portretter var assosiert med arbeidet til I.I. Nikitin og A.M. Matveev. Lomonosov M.V. komplett samling komposisjoner. T. 8. M.; L., 1959
Gravering ble et nytt fenomen i kunsten. Mest kjent mester var A.F. Tenner. Rokotov seremonielt portrett
Kunstnere fra andre halvdel av 1700-tallet begynte å bli mer interessert i de personlige fordelene til en person, hans moralske egenskaper, hans indre verden. De ser på kunst som et utdanningsmiddel og streber derfor etter å gjøre det rimelig, klart og logisk. Andre malerisjangre er også i utvikling. Et system av sjangere tar form (portrett, monumental og dekorativ maleri, landskap, historisk maleri). De mest betydningsfulle forfatterne av den historiske sjangeren var A.P. Losenko og G.I. Ugryumov. To trender dukket opp i utviklingen av portrettet: en økning i det kunstneriske nivået og realismen i bildet, og blomstringen av det formelle portrettet. I arbeidet til A.P. Antropov, de tradisjonelle trekkene til parsunaen var spesielt sterke. Han ble en av skaperne av sjangeren kammerportrett (portrett av Izmailova). Portretter av F.S. Rokotov er preget av intimitet, subtilitet og psykologisme (portrett av A.P. Struyskaya). D.G. Levitsky jobbet mye i sjangeren seremonielt portrett. Kreativitet V.L. Borovikovsky (skiftet 1700- til 1800-tallet) er assosiert med sentimentalismens ideer. Han introduserte først landskapsbakgrunnen i portretter. Balakina T. I. Russisk kulturs historie - opplæringen. M Publishing Center 1996
På slutten av XVIII århundre. malerier vises med scener fra bondelivet(M. Shibanov, I.P. Argunov, I.A. Ermenev), det var en interesse for landskapslandskapet (S.F. Shchedrin), et urbant arkitektonisk landskap ble født (F.Ya. Alekseev).
Hovedforskjellen mellom det seremonielle portrettet og historiske portretter av andre stiler og trender er dets fengende uttrykksfullhet og høytidelighet. Seremonielle portretter ble laget hovedsakelig for personer av høy klasse og rang, med høy status og autoritet i samfunnet. Det historiske portrettet i den seremonielle militæruniformen er fortsatt aktuelt i dag, mange innflytelsesrike mennesker ønsker å fange seg selv på samme måte som sine forfedre fra århundrets adelige klasse. Romanycheva I. G. Til biografien til F.S. Rokotova // Kulturmonumenter. Årbok. 1989. M., 1990.
Det seremonielle portrettet på 1700-tallet er et lyst, figurativt uttrykt trykk edel mann, laget av en kunstner som har sitt eget eksklusive sett med verktøy for å beskrive et formelt portrett, sin egen tonale fargelegging og historisk synlighet, der et lyst kostymebilde spiller en viktig rolle.
Militæruniformen indikerer tilhørighet til en viss militær status, ordre gjenspeiler spesielle fortjenester til fedrelandet. Uniformen til 1700-tallsmodellen eksisterte til begynnelsen av oktoberrevolusjonen i 1917, og var den mest ettertraktede prisen for den høyeste byråkratiske ledelsen.
Et seremonielt portrett i en militær marineuniform, når det gjelder skjønnhet i oppfatningen, inntar en spesiell plass i portrettkunst og ble ofte skapt av kunstnere etter strålende militære seire og seirende sjøslag fra den russiske flåten.
I vår tid er det også blitt et fasjonabelt fenomen å skildre moderne mann i militære uniformer fra 1700- og 1800-tallet, militærportretter fra den tiden hengt med forskjellige priser, vakre og lyse ordrer, legger til det seremonielle portrettet den svært uvanlige prakten fra vår tids persepsjon.
Historiske portretter av militære menn i vakre uniformer er alltid høytidelige og skaper en oppløftet stemning blant eierne.
Et historisk portrett i militæruniform fra 1700- og 1800-tallet er en strålende fortsettelse av våre forfedres tradisjoner.
I årene da Antropov fortsatt skapte portrettene sine - nøyaktige, noe tørre og tunge når det gjelder maleri - hadde en hel galakse av unge mestere fra andre halvdel av 1700-tallet allerede kommet ut, som resolutt hevdet en ny forståelse av bildet av en person og de billedlige virkemidlene for dens legemliggjøring. I løpet av kort tid satte disse mesterne russisk portrett på nivå med de beste verkene innen vesteuropeisk samtidskunst. . Savinov A. N. [Introduksjon. Art.] // Fedor Stepanovich Rokotov og kunstnere fra hans krets: Utstillingskatalog. M., 1960.
I spissen for denne galaksen var Rokotov og Levitsky.
Fjodor Stepanovich Rokotov (1735/36-1808/09) er en av de mest bemerkelsesverdige mesterne i det russiske portrettet på 1700-tallet. Originaliteten til arbeidet hans ble allerede fullt ut reflektert på 60-tallet, preget av utseendet til en rekke de beste fungerer Antropova. Men selv sammenligning tidlige arbeider Rokotova med de modne verkene til Antropov vitner ganske tydelig om begynnelsen av en ny periode i utviklingen av russisk kunst, et nytt stadium i ideer om den menneskelige personligheten. Rokotovs portretter utmerker seg ved en slik menneskelighet og lyrisk dybde, som ikke tidligere hadde vært karakteristisk for russisk portrett. Voronina N. Strålende portrettmaler fra 1700-tallet. - Kunstner 1972 nr. 5
Kommunal utdanningsinstitusjon
Ekstrautdanning barn
"Barnas kunstskole»
KVINNE BILDER I PORTRETT AV 1700-TUR
(F.S. Rokotova, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky)
Fullført: elev 4-A klasse.
MOU DOD Barnas kunstskole Zelenogorsk
Grigorieva Anastasia Vladlenovna
Vitenskapelig rådgiver: lærer
Kunsthistorie MOU DOD DKhSh
Solomatina Tatyana Leonidovna
Zelenogorsk
En kvinnes plass i det russiske samfunnet på 1700-tallet og portrettkunsten ………………………………………………………………………………………… 3
Bildet av en russisk kvinne i et portrett art XVIIIårhundre …………4
2.1. parade kvinneportrett første halvdel av 1700-tallet:
2.1 Funksjoner ved frontportrettet;
2.2. OG JEG. Visjnyakov
2.3. D.G. Levitsky
Kammer kvinneportrett fra andre halvdel av 1700-tallet:
Funksjoner av et kammerportrett
2.2.2. V.L. Borovikovsky
2.2.3. F.S. Rokotova
Kvinnelig portrett på 1700-tallet er en av de høyeste prestasjoner innen russisk portrett………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………………………………………………… …………………………………………………………………………………
Liste over brukt litteratur…………………………………………17
Liste over illustrasjoner………………………………………………………………18
Søknader……………………………………………………………………….19
En kvinnes plass i det russiske samfunnet på 1700-tallet
Og portrettets kunst
Siden begynnelsen av 1700-tallet, fra en ganske primitiv skildring av et menneskelig ansikt, har kunstnere brakt ferdighetene sine til ekstraordinær perfeksjon. Etter å ha lært av utenlandske malere, adopterte de innenlandske mesterne ikke bare kunnskapen deres, men overgikk dem også og la en dyp russisk smak til kunsten deres (http://www.referat77.ru/docs/1415/1866/2.html).
Portretter fra begynnelsen av århundret skildrer hovedsakelig den sosiale tilhørigheten til en person, hans beste sider, hans pompøsitet, noen ganger fiktiv skjønnhet. Men gjennom århundret endret staten, den offentlige stemningen, så vel som kunstnerens holdning til den avbildede personen, sterkt. Mesterne satte seg ikke lenger i oppgave å få portrettet til å se ut som en modell. De var ikke så mye interessert i presentasjonens høytidelighet, men i en persons indre verden, hans essens, hans disposisjon for spiritualitet. På slutten av 1700-tallet formidler malere sjelen til modellene sine, de mest subtile stemningene og karakterenes variasjon.
Hensikten med arbeidet mitt er å bevise denne trenden, dvs. gradvis overgang fra ytre egenskaper person til overføring av sin indre tilstand.
For å løse dette problemet fokuserte jeg på portrettarbeidet til følgende fremragende russiske kunstnere:
OG JEG. Vishnyakova;
F.S. Rokotova;
D.G. Levitsky;
V.L. Borovikovsky.
For å karakterisere portrettarbeidet til disse kunstnerne brukte jeg et ganske bredt spekter av kilder, en liste over disse er gitt på slutten av verket. Blant bøkene jeg brukte, er det verk om kunsten fra den valgte perioden (1,4,5,6,7, 8, 11, 12,14,16,17), samt monografier dedikert til arbeidet til individuelle artister (2,3, 9,13,15).
Bildet av en russisk kvinne i portrettkunsten på 1700-tallet
Seremonielt kvinneportrett fra første halvdel av 1700-tallet
Hovedrollen i maleriet i første halvdel av 1700-tallet tilhørte portrettet. Portrettkunst utviklet i to sjangere: seremoniell og kammer.
Funksjoner ved frontportrettet
Det seremonielle portrettet er i stor grad et produkt av barokkstilen, med sin tunge prakt og dystre storhet. Hans oppgave er å vise ikke bare en person, men en viktig person i all prakten av hennes svært sosiale stilling. Derav overfloden av tilbehør designet for å understreke denne posisjonen, den teatralske prakten til poseringen. Modellen er avbildet på bakgrunn av et landskap eller interiør, men absolutt i forgrunnen, ofte i full vekst, som om den undertrykker det omkringliggende rommet med sin storhet. (12)
Det var med seremonielle portretter at en av de ledende portrettmalerne på denne tiden, I.Ya. Visjnyakov.
Det upåklagelige "øyet" til kunstneren og den upåklagelige smaken brakte Vishnyakov blant datidens beste portrettmalere. Ikke uten grunn fikk han lov til ikke bare å kopiere, men også å male portretter av regjerende personer, og deretter "replikere" dem for en rekke palasser, offentlige institusjoner og private dignitærer. (http://www.nearyou.ru/vishnyakov/0vishn.html)
Kunstneren likte den dekorative luksusen til de seremonielle kjolene fra hans tid, deres teatralitet og festlighet. Med beundring formidler han verdens materialitet og objektivitet, skriver nøye, kjærlig ut de fantastiske kostymene fra 1700-tallet, med stoffene deres med komplekse mønstre, forskjellige farger og teksturer, med de fineste broderier og blonder og dekorasjoner. Som en mesterdekoratør skaper Vishnyakov et eksepsjonelt utvalg av farger. Og selv om mønsteret ser ut til å være lagt over de stive foldene på klærne, er det håndgripelig, og ligner, ifølge kunsthistorikeren T.V. Ilyina, (6) kilden «feltet til en luksuriøs gammel russisk miniatyr fra 1600-tallet eller blomsterornamentet til en freskomaleri fra den tiden. Og fremfor alt denne rikdommen til den materielle verden, ser og puster ansiktene til mennesker.
I 1743 malte Vishnyakov et portrett av keiserinne Elizabeth - representativ, de praktfulle. Elizabeth - i en krone, med et septer og et hyl, i en luksuriøs briljant moirékjole. Det er merkelig at dette portrettet ble så likt at Vishnyakov ble bedt om å fortsette å forene stilen til andre portretter av Elizabeth, hvem som enn malte dem - han ble så å si den øverste dommeren i spørsmål om imperialistisk ikonografi. I mellomtiden fremstilte han selv, til tross for situasjonens prakt i motsetning til henne, Elizabeth som en vanlig kvinne - blod og melk, en svartbrynnet og rødrød russisk skjønnhet, mer vennlig og tilgjengelig enn staselig eller kongelig. Etter å ha tilegnet seg maktattributtene ble Elizabeth aldri vant til det. Noe hjemmekoselig, varmt, smilende-rustikk, selvfølgelig, ikke uten list og ikke uten sinn, ble alltid bevart i utseendet hennes, og Vishnyakov følte det definitivt.
Vishnyakovs portretter av barn ble best oppnådd.
En av de mest interessante er portrettet av Sarah Fermor. (ill.3) Dette er et formelt bilde typisk for den tiden. Jenta vises i full lengde, i krysset mellom åpen plass og landskapsbakgrunn med en obligatorisk søyle og en tung gardin. Hun har på seg en smart kjole, en vifte i hånden. Holdningen hennes er begrenset, men i denne frosne høytideligheten er det mye poesi, en følelse av dirrende liv, drevet av høyt kunstnerskap og stor sjelevarme. Portrettet kombinerer, som er typisk for Vishnyakov, som om skarpt kontrasterende trekk: det føles fortsatt som en levende russer middelaldersk tradisjon- og glansen av formen for seremoniell europeisk kunst fra det XVIII århundre. Figuren og posituren er betinget, bakteppet tolkes på en flat måte - det er et åpent dekorativt landskap - men ansiktet er skulpturert i volum. Den utsøkte skriften til den grå-grønn-blå kjolen treffer rikdommen i flerlagsmaleriet og har tradisjon for å flate ut. Det formidles illusorisk-materiell, vi gjetter til og med typen stoff, men blomstene er spredt langs moiréen uten å ta hensyn til foldene, og dette "mønsteret" ligger på flyet, som i en gammel russisk miniatyr. Og over hele ordningen med det seremonielle portrettet - og dette er det mest fantastiske - lever det alvorlige, triste ansiktet til en liten jente med et gjennomtenkt blikk et intenst liv.
Fargeløsningen - sølvtonemaleri, avvisning av lyse lokale flekker (som faktisk var karakteristisk for børsten til denne mesteren) - skyldes modellens natur, skjør og luftig, lik en eksotisk blomst. (http:/ /www.bestreferat.ru /referat-101159.html) Som fra en stilk vokser hodet på en tynn hals, armene senkes hjelpeløst, mer enn en forsker skrev om den overdrevne lengden. Dette er ganske sant hvis vi vurderer portrettet fra synspunktet om den akademiske riktigheten av tegningen: vi bemerker at hendene generelt var vanskeligst for mestere som ikke fikk en systematisk "pedagogisk" utdanning, som var kunstnerne i midten av det 18. århundre, og Vishnyakov spesielt, men deres lengde er også harmonisk understreker skjørheten til modellen, samt tynne trær i bakgrunnen. Sarah Farmer ser ikke ut til å legemliggjøre det sanne 1700-tallet, men det flyktige 1700-tallet, best uttrykt i de bisarre lydene av menuetten, som bare var drømt om, og hun selv, under børsten til Vishnyakov, er som en drøm som går i oppfyllelse .
Vishnyakov klarte å kombinere i sine verk beundring for rikdommen i den materielle verden og en høy følelse av monumentalitet, ikke tapt i oppmerksomhet på detaljer. Hos Vishnyakov går denne monumentalismen tilbake til den gamle russiske tradisjonen, mens elegansen og raffinementet til den dekorative strukturen vitner om en utmerket mestring av europeisk kunsts former. Den harmoniske kombinasjonen av disse egenskapene gjør Ivan Yakovlevich Vishnyakov til en av de lyseste kunstnerne i en så kompleks overgangsperiode i kunsten, som var i Russland på midten av 1700-tallet.
D.G. Levitsky
I arbeidet til Levitsky opptar et seremonielt portrett en stor plass. Her avsløres dekorativiteten som ligger i maleriet hans i all sin prakt.
I seremonielle portretter moden periode Levitsky er befridd fra teatralsk retorikk, de er gjennomsyret av munterhetens ånd, en festlig følelse av liv, lys og sunn optimisme.
Spesiell oppmerksomhet bør rettes mot store seremonielle portretter (i full lengde) som danner et enkelt dekorativt ensemble av elever ved Smolny Institute for Noble Maidens.
“Portrett av Khovanskaya og Khrusjtsjova”, 1773, Russisk museum (fig. 8)
Levitsky skrev på oppdrag fra Catherine II hele linjen portretter av elever ved Smolny Institute for Noble Maidens. (http://www.1143help.ru/russkayagivopis-18) To jenter avbildet i dette portrettet spiller roller fra komisk opera"Vagaries of Love, eller Ninetta ved hoffet".
Khrusjtsjova, kjent akimbo, berører lekent haken til kjæresten sin. Et hånende smil spiller på det stygge, men veldig uttrykksfulle ansiktet til jenta. Hun spiller selvsikkert den mannlige rollen. Partneren hennes, Khovanskaya, ser sjenert på "cavalieren", hennes forvirring leses i den vanskelige vendingen av hodet hennes, i hvor hjelpeløst hånden hennes ligger på den skinnende sateng på skjørtet. Vi ser landskapsscener som skildrer en engelsk park, klassiske ruiner, silhuetten av et slott. Til venstre er et viltvoksende tre bakgrunnen for figuren Khrusjtsjova, på forgrunnen- en falsk haug som dekker ekstra lys fra publikum. Jentene blir opplyst av lyset fra rampen, og derfor er skyggene på gulvet og konturene til figurene så tydelige. Khrusjtsjova har på seg en mørkegrå silke camisole utsmykket med gullgalong. I institutteateret, der gutter aldri opptrådte, ble Khrusjtsjova ansett som en uovertruffen utøver av mannlige roller. Men etter instituttet var skjebnen hennes mislykket, og hun kunne ikke ta en viktig plass i verden. Og Katya Khovanskaya vil begynne å tiltrekke alles oppmerksomhet, bli kona til poeten Neledinsky-Meletsky og den første utøveren av sanger skrevet av mannen hennes.
"Portrett av Nelidova" 1773 (fig. 7)
Dette er den eldste av tjærene. Mens hun fortsatt studerte ved Smolnyj, ble hun kjent for sin utmerkede opptreden på scenen, hun strålte spesielt i dans og sangopptreden. I portrettet spiller hun en rolle i stykket «Tjeneren – elskerinnen». Hun er allerede klar over sin egen sjarm, hun har et behov for å behage, ferdighetene til teatralsk oppførsel er perfekt mestret. Figuren sto selvsikkert i ballettstilling, håndtaket løfter blondeforkleet grasiøst, rosa bånd pryder hyrdens stråhatt - alt skaper en følelse av dukkelignende porselen. Og et livlig ansikt, lerende øyne, et smil forklarer at alt dette bare er et spill. Mot bakgrunnen er myke grønne klumper av trær, lette elegante skyer
Portretter av E. I. Nelidova (1773), (Il. 7) E. N. Khrushchova og E. N. Khovanskaya (1773), (Il. 8), G. I. Alymova (1776) (Ill. 2) m.fl. Den figurative strukturen til disse verkene er knyttet til karakteristikken for det seremonielle portrettet på 1700-tallet. bildet av en kvinne som en vesen "munter, elsker bare latter og moro." Men under børsten til Levitsky ble denne generelle formelen fylt med et realistisk overbevisende livsviktig innhold.
Høy klassisisme i maleri - "Catherine II - lovgiveren i tempelet til rettferdighetens gudinne" 1783, Russisk museum. (Fig. 3)
Dette er en ekte billedlig ode med alle funksjonene som er iboende i denne sjangeren. Karakteren er keiserinnen, i full kjole, rettferdig, rimelig, ideell hersker. Keiserinnen er presentert i en hvit, glitrende sølvkjole av strengt snitt med en laurbærkrans på hodet og et bånd på brystet. Hun har på seg en tung kappe, faller fra skuldrene og understreker keiserinnens storhet.
Catherine er avbildet mot bakgrunnen av en høytidelig gardin, som omslutter brede søyler og en sokkel med brede folder, hvorpå en statue av Themis, rettferdighetens gudinne, er plassert. Bak søylegangen, bak en streng balustrade, er det avbildet en stormfull himmel og et hav med skip som seiler på. Catherine rakte hånden over det opplyste alteret med en bred gest. En ørn, fuglen til Zevs, sitter på tykke blader ved siden av alteret. Havet minner om suksessene til den russiske flåten på 1700-tallet, volumet av lover som Catherine opprettet den lovgivende kommisjon, statuen av Themis - om keiserinnens lovverk glorifisert av poeter. Men dette er selvfølgelig ikke det virkelige utseendet til Catherine, men bildet av en ideell monark, slik opplysningstiden ønsket å se ham. Maleriet ble en stor suksess, og det ble laget mange kopier av det.
V.L. Borovikovsky
Det særegne ved det russiske seremonielle portrettet i arbeidet til Borovikovsky, designet for å forherlige først og fremst posisjonen til en person i et klassesamfunn, var ønsket om å avsløre en persons indre verden.
"Catherine II for en spasertur i Tsarskoye Selo Park" - et portrett av Catherine II av Vladimir Borovikovsky, malt i hovedstrømmen av sentimentalisme, et av de mest kjente bildene av keiserinnen.
Borovikovsky malte et portrett som var uvanlig for den tiden og var gjennomsyret av en frisk strøm av sentimentalisme – i motsetning til klassisismen som dominerte på den tiden i de keiserlige portrettene. De karakteristiske trekk ved denne trenden er idealiseringen av livet i naturens skød, kulten av følsomhet og interesse for det indre livet til en person. Sentimentalisme manifesteres i forfatterens avvisning av storslått palassinteriør og preferansen for naturen, som er "vakrere enn palasser." «For første gang i russisk kunst blir bakgrunnen til et portrett et viktig element i å karakterisere en helt. Kunstneren synger om menneskets eksistens i det naturlige miljøet, tolker naturen som en kilde til estetisk nytelse.
Ekaterina, 65, blir vist gående i Tsarskoye Selo-parken, støttet på en stav på grunn av revmatismen. Klærne hennes er fremhevet uformelle - hun er kledd i en morgenkåpe, dekorert med en blondefrill med en satengsløyfe, og en blondehette, en hund boltrer seg ved føttene hennes. Herskeren er ikke representert av en gudinne, men av en enkel "Kazan grunneier", som hun likte å dukke opp i i fjor livet, et kontemplativt, uten noen offisielle, høytidelige og seremonielle egenskaper. Portrettet ble et hjemlig alternativ Engelsk type"portrettvandring". I skumringen av parken er en brygge med sfinkser synlig, svaner svømmer i innsjøen. Ansiktet til modellen er skrevet på en generalisert og betinget måte, alderen mykes opp.
Dermed, " naturlig enkelhet”, i tillegg til sentimentalisme, bringer bildet delvis nærmere opplysningsklassisismen. Imidlertid er holdningen til keiserinnen full av verdighet, gesten som hun peker på monumentet til sine seire med er behersket og majestetisk.
I motsetning til Ekaterina - Themis Levitsky, Ekaterina Borovikovsky - er avbildet som en "gammel dame" av "Kazan-grunneieren" som går i hagen med sin elskede italienske greyhound. Borovikovsky skapte et uvanlig portrett for den tiden. Ekaterina blir presentert på en tur i Tsarskoye Selo-parken i morgenkåpe og caps, med sin italienske favorittvinte ved føttene. Ikke Felice, ikke en gudelignende dronning som kom ned fra himmelen, hun dukker opp foran betrakteren, men en enkel "Kazan-grunneier", som hun likte å dukke opp i de siste årene av livet hennes.
Kunstneren skildret figuren til Catherine med uovertruffen sympati. Dette er ikke en keiserinne i alderdommen, men først og fremst en person, en kvinne, litt lei av statssaker, rettsetikette, som på fritiden ikke er motvillig til å være alene, hengi seg til minner og beundre naturen . «I russisk kunst er dette det første eksemplet på en intim i sin essens kongelig portrett nærmer seg et sjangermaleri.
Men selv i dette intime portrettet er det et "emblematisk motiv av en "søyle" -søyle - Chesme-søylen (Kahul-obelisk - på versjonen av portrettet av Statens russiske museum), som, for all sentimentaliteten til bildet av Catherine av hele plottet til portrettet, symboliserer "fasthet eller konstans", "urokkelig ånd", "Sterkt håp". Kunstnerens lerreter er svært elegante takket være den grasiøse iscenesettelsen av modeller, grasiøse gester og dyktig håndtering av kostymet.
Vishnyakovs seremonielle portretter er preget av en høy følelse av monumentalitet, ikke tapt i oppmerksomhet på detaljer. Hos Vishnyakov går denne monumentalismen tilbake til den gamle russiske tradisjonen, mens elegansen og raffinementet til den dekorative strukturen vitner om en utmerket mestring av europeisk kunsts former.
Det særegne ved det russiske seremonielle portrettet i arbeidet til Borovikovsky, designet for å forherlige først og fremst posisjonen til en person i et klassesamfunn, var ønsket om å avsløre en persons indre verden. Hans portretter er gjennomsyret av ånden fra sentimentalismens friske trend - i motsetning til klassisismen som dominerte på den tiden i de keiserlige portrettene.
Levitsky var like god på kammerportretter og seremonielle portretter i full lengde.
Levitskys seremonielle portretter avslører den dekorative effekten som ligger i maleriet hans i all sin glans.
I de seremonielle portrettene fra den modne perioden er Levitsky frigjort fra teatralsk retorikk, de er gjennomsyret av munterhetens ånd.
2. Funksjoner ved kammerportrettet fra andre halvdel av 1700-tallet:
Kammerportrett - et portrett som bruker et halvlengde, bryst- eller skulderlengde bilde av den avbildede personen. Vanligvis i et kammerportrett er figuren gitt mot en nøytral bakgrunn.
Et kammerportrett er ikke bare et sett med eksterne tegn, det er en ny måte å se en person på. Hvis kriteriet for verdien av en menneskelig personlighet i det seremonielle bildet var dens gjerninger (som betrakteren lærte om gjennom attributter), så kommer en moralsk kvalitet i forgrunnen i kammeret.
Ønsket om å formidle de individuelle egenskapene til en person og samtidig foreta en etisk vurdering av henne.
Borovikovsky henvendte seg til ulike former portrett - intimt, seremoniell, miniatyr Vladimir Lukich Borovikovsky var den mest slående russiske sentimentalistiske kunstneren. Bok A.I. Arkhangelskaya "Borovikovsky" (3) forteller om hovedstadiene i arbeidet til denne fantastiske russiske kunstneren, som var på russisk kunst uttrykk for sentimentalitet. I følge forfatteren er V. L. Borovikovsky "en sanger av den menneskelige personligheten, som strever etter å gi idealet om en person slik han og hans samtidige forestilte seg at han var". Han var den første blant russiske portrettmalere som avslørte skjønnheten i følelseslivet. Den dominerende plassen i arbeidet til Borovikovsky er okkupert av kammerportretter.
Borovikovsky er i ferd med å bli populær blant et bredt spekter av St. Petersburg-adelen. Kunstneren skildrer hele familiens "klaner" - Lopukhins, Tolstoy, Arsenyevs, Gagarins, Bezborodko, som spredte sin berømmelse gjennom familiekanaler. Denne perioden av livet hans inkluderer portretter av Catherine II, hennes mange barnebarn, finansministeren AI Vasiliev og hans kone. Kunstnerens lerreter er svært elegante takket være den grasiøse iscenesettelsen av modeller, grasiøse gester og dyktig håndtering av kostymet. Heltene til Borovikovsky er vanligvis inaktive, de fleste av modellene er beruset av sin egen følsomhet. Dette kommer til uttrykk i portrettet av M.I. Lopukhina (1797), og portrettet av Skobeeva (midten av 1790-tallet), og bildet av datteren til Catherine II og A.G. Potemkin - E.G. Temkina (1798).
«Portrettet av M.I. Lopukhina (fig. 7) (5) tilhører tiden da sentimentalismen, sammen med klassisismens dominans, etableres. Oppmerksomhet på nyanser av individuelt temperament, kulten av ensom-privat eksistens fungerer som en slags reaksjon på normativiteten til klassisismen som er sosial i naturen. Naturlig letthet skinner gjennom i Lopukhinas kunstnerisk uforsiktige gest, lunefulle egenrådige vipping av hodet, mesterlig bøyning av myke lepper, drømmende distraksjon av blikket.
Bildet av M.I. Lopukhina fengsler betrakteren med mild melankoli, uvanlig mykhet i ansiktstrekk og indre harmoni. Denne harmonien formidles av hele den kunstneriske strukturen i bildet: både ved vendingen av hodet og uttrykket i kvinnens ansikt, understrekes den også av individuelle poetiske detaljer, som roser plukket og allerede hengende på stilken. Denne harmonien er lett å fange i den melodiøse jevnheten til linjene, i omtenksomheten og underordningen av alle deler av portrettet.
Ansiktet til M.I. Lopukhina er kanskje langt fra det klassiske skjønnhetsidealet, men det er fullt av en så uutsigelig sjarm, en slik åndelig sjarm at ved siden av vil mange klassiske skjønnheter virke som et kaldt og livløst opplegg. Det fengslende bildet av en øm, melankolsk og drømmende kvinne formidles med stor oppriktighet og kjærlighet, kunstneren avslører sin åndelige verden med fantastisk overbevisningsevne.
Et ettertenksomt, sløvt, trist-drømmende blikk, et mildt smil, den frie lettheten til en litt sliten positur; glatt, rytmisk fallende ned linjer; myke, avrundede former; en hvit kjole, et syrinskjerf og roser, et blått belte, askefarget hår, en grønn bakgrunn av løvverk, og til slutt en myk luftig dis som fyller rommet - alt dette danner en slik enhet av alle billedmessige uttrykk, i som skapelsen av bildet avsløres mer fullstendig og dypere.
Portrettet av Lopukhina er malt mot bakteppet av et landskap. Hun står i hagen og lener seg på en gammel steinkonsoll. Naturen, blant hvilke heltinnen trakk seg tilbake, ligner et hjørne av landskapsparken til en edel eiendom. Hun personifiserer Nydelig verden full av naturlig skjønnhet og renhet. Visnende roser, liljer fremkaller en liten tristhet, tanker om den utgående skjønnheten. De gjengir stemningen av tristhet, beven, melankoli som Lopukhina er nedsenket i. I sentimentalismens tid er kunstneren spesielt tiltrukket av de komplekse overgangstilstandene til en persons indre verden. Elegisk drømmende, sløv ømhet gjennomsyrer hele det kunstneriske stoffet i verket. Omtenksomhet og et lite smil fra Lopukhina forråder hennes fordypning i hennes egne følelsers verden.
Hele komposisjonen er gjennomsyret av langsomme, flytende rytmer. Den glatte kurven til figuren, den forsiktig senkede hånden gjenspeiles av de skrånende grenene på trær, hvite bjørkestammer, ører av rug. Utydelige uskarpe konturer skaper en følelse av et lett luftig miljø, en gjennomsiktig dis der modellens figur og naturen rundt den er "nedsenket". Konturen som flyter rundt figuren hennes - nå tapt, for så å fremstå i form av en tynn, fleksibel linje - fremkaller konturene av gamle statuer i betrakterens minne. Fallende, konvergerende eller dannelse av glatte folder, de fineste og mest åndelige trekkene i ansiktet - alt dette utgjør så å si ikke maleri, men musikk. Himmelens delikate blå, dempede grønne løvet, gullet i ørene med lyse flekker av kornblomster ekko i farger med en perlehvit kjole, et blått belte og et skinnende smykke på armen. Nyanser av falmende roser gjenspeiler det lilla skjerfet.
I portrettene av Borovikovsky legemliggjør "Lizanka og Dashenka" (Il. 6) (3) typen sensitive jenter fra den tiden. Deres ømme ansikter er presset kinn mot kinn, deres bevegelser er fulle av ungdommelig ynde. Brunetten er seriøs og drømmende, blondinen er livlig og morsom. Ved å utfylle hverandre smelter de sammen til en harmonisk enhet. Naturen til bildene tilsvarer de delikate tonene av kalde blåaktig-syrin og varme gyllen-rosa farger.
Borovikovsky lyktes spesielt med å skildre "unge jomfruer" fra adelige familier. Slik er «Portrettet av Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva» (4), som var elev ved Smolny Institute for Noble Maidens, keiserinne Maria Feodorovnas ærespike. En ung Smolyanka-kvinne er avbildet i en peyzan-drakt: hun har på seg en romslig kjole, en stråhatt med maisører og et flaskeeple i hendene. Chubby Katenka utmerker seg ikke av den klassiske regelmessigheten til trekkene hennes. Imidlertid gir en oppsvinget nese, øyne glitrende av sluhet og et lite smil av tynne lepper bildet et muntert og koketterisk utseende. Borovikovsky fanget perfekt modellens umiddelbarhet, hennes livlige sjarm og munterhet.
F.S. Rokotov
Kreativitet F.S. Rokotov (1735-1808) er en av de mest sjarmerende og vanskelig å forklare sidene i vår kultur.
Det seremonielle bildet var for Rokotov verken en favoritt eller det mest typiske området for kreativitet. Hans favorittsjanger er et bysteportrett, der all kunstnerens oppmerksomhet er fokusert på livet til et menneskelig ansikt. Hans komposisjonsskjema ble preget av enkelhet, noe på grensen til monotoni. Samtidig er portrettene hans preget av subtil billedferdighet.
Han ble tiltrukket av andre billedoppgaver: opprettelsen av kammer, intime lerreter, som ville gjenspeile mesterens ideer om den sublime mentale strukturen
Når vi ser på arbeidet til F.S. Rokotov, som en tilhenger av et kammerportrett, bemerker forfatterne at denne kunstneren kombinerer en ideell begynnelse med funksjonene til et individuelt utseende, sammen med en mesterlig skildring av funksjonene i ansiktet, klærne, smykkene til personen som blir portrettert, kunstneren er i stand til å avsløre de åndelige egenskapene til modellen.
I Rokotovs karakterisering av bildet er uttrykksevnen til øynene og ansiktsuttrykkene veldig viktige, og kunstneren streber ikke etter en spesifikk overføring av humør, snarere ønsker han å skape en følelse av unnvikelighet, flyktige følelser hos en person. fungerer forbløffe med den delikate, raffinerte skjønnheten til fargevalget. Farging, som vanligvis er basert på tre farger, takket være overgangene, uttrykker rikdommen og kompleksiteten i det indre livet til personen som blir portrettert. Kunstneren bruker chiaroscuro på en særegen måte, fremhever ansiktet og løser så å si opp mindre detaljer.
Rokotovs portretter er historie i ansikter. Takket være dem har vi muligheten til å forestille oss bildene fra en svunnen tid.
På slutten av 1770-1780-årene.
Disse egenskapene til Rokotovs kreativitet ble mest fullstendig manifestert i kvinnelige portretter, som inntok en spesiell plass i kunsten på 1700-tallet. På tidspunktet for sin kreative storhetstid lager maleren et galleri med vakre kvinnelige bilder: A. P. Struyskaya (1772) (Ill. 13), V. E. Novosiltseva. (Fig. 14)
Det neste kvinneportrettet er "Ukjent i en rosa kjole" malt på 1770-tallet. Det regnes som et av Rokotovs mesterverk. De fineste graderingene av rosa - fra mettet i skyggene, deretter varme, lette, skaper effekten av flimring, flagrende av det fineste lys-luft-miljøet, som i harmoni med indre åndelige bevegelser skjult uunnværlig i portretter fra 1700-tallet. snill smil, gjennomskinnelig i dypet av øynene. Dette bildet er fylt med en spesiell lyrisk sjarm.
"Portrett av en ukjent kvinne i en rosa kjole" er spesielt bemerkelsesverdig. Åpenheten til en person til en annen og verden innebærer intimitet, skjult oppmerksomhet og interesse, kanskje et sted overbærenhet, et smil til seg selv, og deretter entusiasme og munterhet, en impuls full av adel - og denne åpenheten, tillit til en annen person og til verden som helhet - egenskapene til ungdom, ungdom, spesielt i en tid da nye idealer om godhet, skjønnhet, menneskelighet er i luften, som et pust av vår. (http://www.renclassic.ru/Ru/35/50/75/)
Portrettet av en ukjent ung kvinne med omtenksomt innsnevrede øyne, i en lys rosa kjole (Ukjent i rosa), malt av Fyodor Stepanovich Rokotov, tiltrekker seg subtilitet, åndelig rikdom. Rokotov skriver lavt, luftig. Et halvt hint, uten å trekke noe til slutten, formidler gjennomsiktigheten av blonder, den myke massen av pudret hår, et lyst ansikt med skyggefulle øyne.
F. Rokotov “Portrett av A.P. Struyskaya" (Il. 13)
1772, olje på lerret, 59,8x47,5cm
Portrettet av Alexandra Struyskaya er utvilsomt det mest strålende bildet av en perfekt vakker dame gjennom russisk portrett. En sjarmerende ung kvinne er avbildet, full av fengslende ynde. En grasiøs oval i ansiktet, tynne flygende øyenbryn, en lett rødme og et gjennomtenkt, fraværende utseende. I hennes øyne - stolthet og åndelig renhet. Portrettet er malt med nyanser av farger og lys. Skygger fortoner seg subtilt til lyse, askegrå toner til blått, og rosa toner til blekt gull. Lysoverløp og fargegraderinger er ikke merkbare og skaper en liten dis, kanskje et slags mysterium.
Legenden om Rokotovs kjærlighet til Struiska har blitt bevart, tilsynelatende inspirert av den spesielle tonen av sjarm og lykken til talentet til kunstneren som skapte portrettet hennes. (http://www.nearyou.ru/rokotov/1Struiska.html)
Levitsky
I hans kammerportretter råder det merkbart en objektiv holdning til modellen. Egenskapen til individualitet blir mer generalisert, typiske trekk fremheves i den. Levitsky er fortsatt en stor psykolog og en strålende maler, men viser ikke sin holdning til modellen.
Den samme typen smil, for lys rødme på kinnene, en teknikk for å ordne folder. Derfor blir den muntre elskerinnen E.A. Bakunina (1782) og den prime og tørre Dorothea Schmidt (begynnelsen av 1780-årene) på tysk subtilt like hverandre.
Portrett av Ursula Mnishek (fig. 12)
1782, olje på lerret,
Stat Tretyakov-galleriet, Moskva
Portrettet av Ursula Mnishek ble malt på toppen av kunstnerens dyktighet og berømmelse. Ovalen var sjelden i portrettpraksisen til D. G. Levitsky, men det var denne formen han valgte for et utsøkt bilde av en sekulær skjønnhet. Med fullskala illusorisk natur formidlet mesteren gjennomsiktigheten av blonder, skjørheten til sateng, det grå håret til pulveret til en fasjonabel høy parykk. Kinn og kinnbein "brenner" med varmen fra den overlagrede kosmetiske rødmen.
Ansiktet er malt med smeltede strøk, som ikke kan skilles fra hverandre takket være den gjennomsiktige lysne glasset og gir portrettet en glatt lakkert overflate. På en mørk bakgrunn kombineres med fordel blågrå, sølvaske og gyldenbleke toner.
Den løsrevne hodet og det vennlig lærde smilet gir ansiktet et høflig sekulært uttrykk. Det kalde direkte utseendet virker unnvikende, og skjuler det indre "jeget" til modellen. Hennes lyse, åpne øyne er bevisst hemmelighetsfulle, men ikke mystiske. Denne kvinnen vekker ufrivillig beundring, så vel som mesterens virtuose maleri.
(http://www.nearyou.ru/levitsk/1mnishek.html)
Konklusjon:
Borovikovsky i sine kammerportretter fanger perfekt modellens spontanitet, hennes livlige sjarm og munterhet. Borovikovsky var den første blant russiske portrettmalere som avslørte skjønnheten i følelseslivet. Kunstnerens lerreter er svært elegante takket være den grasiøse iscenesettelsen av modellene, grasiøse gester og dyktig håndtering av kostymet.Heltene til Borovikovsky er vanligvis inaktive, de fleste av modellene er beruset av sin egen følsomhet.
Portrettene laget av Levitsky av en "intim", kammerkvalitet er preget av dybden og allsidigheten til psykologiske egenskaper, de er preget av stor tilbakeholdenhet med kunstneriske midler.
I hans kammerportretter råder det merkbart en objektiv holdning til modellen. Egenskapen til individualitet blir mer generalisert, typiske trekk fremheves i den.
F.S. Rokotov, en tilhenger av kammerportrettet
kjennetegn Rokotov er en økt interesse for menneskets indre verden; i portrettet legger kunstneren vekt på tilstedeværelsen av et komplekst åndelig liv, poetiserer det, fokuserer betrakterens oppmerksomhet på det, og hevder dermed dets verdi.
