hjem › Lys og glass › Seremonielt portrett. Kulturstudiekurset, som studeres ved Institutt for humaniora og samfunnsvitenskap, ble introdusert for å fylle kunnskapshullene om kravene til militær og sivil etikette

Seremonielt portrett. Kulturstudiekurset, som studeres ved Institutt for humaniora og samfunnsvitenskap, ble introdusert for å fylle kunnskapshullene om kravene til militær og sivil etikette

Diego Velazquez (?), kopi av originalen av Rubens, Equestrian Portrait of Philip IV

Seremonielt portrett, representativt portrett- en undertype av portrett, karakteristisk for rettskultur. Fikk spesiell utvikling i perioden med utviklet absolutisme. Hovedoppgaven er ikke bare å formidle visuell likhet, men også å opphøye kunden, og sammenligne den avbildede personen med en guddom (i tilfelle av å fremstille en monark) eller en monark (i tilfelle av å fremstille en aristokrat).

Karakteristisk

Som regel innebærer det å vise en person inn full høyde(på en hest, stående eller sittende). I et formelt portrett er figuren vanligvis gitt mot en arkitektonisk eller landskapsmessig bakgrunn; større utdypning gjør det nært det narrative bildet, som innebærer ikke bare imponerende dimensjoner, men også et individ figurativt system.

Kunstneren skildrer en modell, og fokuserer betrakterens oppmerksomhet på den sosiale rollen til den avbildede. Siden hovedrollen til det seremonielle portrettet var ideologisk, forårsaket dette en viss endimensjonal karakterisering: en fremhevet teatralitet av posituren og et ganske storslått entourage (søyler, draperier, regalier, maktsymboler i monarkens portrett), som overskygget modellens åndelige egenskaper. Ennå inne de beste fungerer sjanger fremstår modellen i en ettertrykkelig gitt versjon, som viser seg å være svært uttrykksfull.

Det seremonielle portrettet er preget av åpenhjertig demonstrativitet og ønsket om å "historisere" det avbildede. Dette påvirker fargespekteret, som alltid er elegant, dekorativt og møter interiørets koloristiske trekk (selv om det endrer seg avhengig av tidens stil, blir lokalt og lyst i barokken, myknet og fullt av halvtoner i rokokko, behersket i klassisisme).

Undertyper

Avhengig av attributtene kan frontportrettet være:

- Kroning (mindre vanlig trone)
- rytter
- I form av en sjef (militær)
- Jaktportrettet grenser til det fremre, men det kan også være kammer.
  - Semi-seremoniell - har samme konsept som det formelle portrettet, men har vanligvis et halvlangt eller generasjonssnitt og ganske utviklet tilbehør

Kroningsportrett

Kroningsportrett - et høytidelig bilde av monarken "på dagen for hans kroning", tiltredelse til tronen, i kroningsregalier (krone, mantel, med et septer og kule), vanligvis i full vekst (noen ganger er det et sittende troneportrett ).

"Det keiserlige portrettet ble unnfanget som en fangst av de viktigste i århundrer for tiden statlig idé. essensiell rolle uforanderlige former spilt for å demonstrere den varige verdien av nåtiden, stabiliteten til statsmakten, etc. Slik sett inntok en særstilling av den såkalte. "kroningsportrett", som antyder bildet av herskeren med maktattributter og hevder å være like hellig bestandighet som selve kroningsseremonien. Faktisk, fra tiden til Peter den store, da Katarina I først ble kronet i henhold til de nye reglene, til tiden med Katarina II, gjennomgikk denne typen portrett bare små variasjoner. Keiserinnene - Anna Ioannovna, Elizaveta Petrovna, Catherine II - hever seg majestetisk over verden og blir som en urokkelig pyramide i silhuett. Den kongelige ubevegligheten understrekes også av den tunge kroningskåpen med en mantel, hvis betydelige vekt tilsvarer kronen, septeret og kulen, som alltid fulgte med bildet av autokraten.

Encyklopedisk YouTube

1 / 2

Mysteries of the "French Ambassadors" av Hans Holbein.

Fargens rolle i et portrett

Undertekster

Karakteristisk

Som regel innebærer det å vise en person i full vekst (på hest, stående eller sittende). I et formelt portrett er figuren vanligvis gitt mot en arkitektonisk eller landskapsmessig bakgrunn; større utdypning gjør det nært det narrative bildet, som innebærer ikke bare imponerende dimensjoner, men også en individuell figurativ struktur.

Kunstneren skildrer en modell, og fokuserer betrakterens oppmerksomhet på den sosiale rollen til den avbildede. Siden hovedrollen til det seremonielle portrettet var ideologisk, forårsaket dette en viss endimensjonal karakterisering: en fremhevet teatralitet av posituren og et ganske storslått entourage (søyler, draperier, regalier, maktsymboler i monarkens portrett), som overskygget modellens åndelige egenskaper. Likevel, i sjangerens beste verk, fremstår modellen i en ettertrykkelig gitt versjon, som viser seg å være veldig uttrykksfull.

Undertyper

Avhengig av attributtene kan frontportrettet være:

- Kroning (mindre vanlig trone)
- rytter
- I form av en sjef (militær)
- Jaktportrettet grenser til det fremre, men det kan også være kammer.
  - Semi-seremoniell - har samme konsept som det formelle portrettet, men har vanligvis et halvlangt eller generasjonssnitt og ganske utviklet tilbehør

Kroningsportrett

"Det keiserlige portrettet ble unnfanget som en fange i århundrer av den viktigste statsideen for øyeblikket. En essensiell rolle i å demonstrere den varige verdien av nåtiden, stabiliteten til statsmakten, etc., ble spilt av uforanderlige former. Slik sett inntok en særstilling av den såkalte. "kroningsportrett", som antyder bildet av herskeren med maktattributter og hevder å være like hellig bestandighet som selve kroningsseremonien. Faktisk, fra tiden til Peter den store, da Katarina I først ble kronet i henhold til de nye reglene, til tiden med Katarina II, gjennomgikk denne typen portrett bare små variasjoner. Keiserinnene - Anna Ioannovna, Elizaveta Petrovna, Catherine II - hever seg majestetisk over verden og blir som en urokkelig pyramide i silhuett. Den kongelige ubevegligheten understrekes også av den tunge kroningskåpen med en mantel, hvis betydelige vekt tilsvarer kronen, septeret og kulen, som alltid fulgte med bildet av autokraten.

Permanente attributter:

kolonner designet for å understreke stabiliteten til regjeringen
draperier, sammenlignet med et teatergardin som nettopp har åpnet seg, og avslører et fantastisk fenomen for publikum

Seremonielle portretter ble mye brukt ved retten. De glorifiserte kongelige og deres følge. Som regel ble en person avbildet i full vekst, stående eller sittende på en hest. Bakgrunnen er vanligvis et landskap eller arkitektoniske strukturer. Kunstneren fokuserte først og fremst på sosial rolle modellen din. Samtidig falt hennes åndelige egenskaper ofte i bakgrunnen. Blant særegne trekk seremonielt portrett - karakterens positur er vektlagt, bildet av en rekke regalier, praktfulle omgivelser.

Seremonielt portrett i arbeidet til Levitsky

I Russland faller oppblomstringen av kunsten for formelle portretter på andre halvdel av 1700-tallet. Den største representanten sjangeren var Dmitry Grigorievich Levitsky. Et av de beste verkene til kunstneren, så vel som et av de mest uvanlige seremonielle portrettene i all verdenskunst, var "Portrettet av Prokofy Akinfievich Demidov".

Den berømte filantropen er avbildet mot bakgrunnen av søylene til barnehjemmet, en av tillitsmennene han var. Samtidig er Demidov selv kledd i morgenkåpe, han lener seg på en vannkanne og er omgitt av innendørs planter. Levitsky sier her at helten hans er like omsorgsfull overfor foreldreløse barn fra barnehjemmet som han er overfor ømme potteplanter.

Denne sjangeren bør også inkludere en serie portretter av elever ved Smolny Institute for Noble Maidens. Sjarmerende unge mennesker er avbildet under forestillinger på teaterscenen samt vitenskap og kunst. Denne serien har blitt en ny type formelt portrett for Russland – det såkalte «portrettet i rollen», hvor motivet for bildet ikke er ekte, men ettertrykkelig teaterliv.

Kunstnerisk originalitet av portrettet av Catherine II Borovikovsky

Et av de mest originale eksemplene på et seremonielt portrett var maleriet av Levitskys yngre samtidige, Vladimir Lukich Borovikovsky, "Catherine II på tur i Tsarskoye Selo Park." Kunstneren avbildet keiserinnen i vanlige klær, som på ingen måte minner om hennes kongelige storhet. Ved Catherines føtter boltrer hennes elskede hund.

Interessant nok, selv om keiserinnen selv reagerte veldig kult på portrettet hennes av Borovikovsky, ble det senere anerkjent som en av de beste. Det er i dette bildet at Catherine vises foran Masha Mironova på sidene av Pushkins historie "Kapteinens datter".

Dermed, dyktige artister det var ofte mulig å overvinne de ganske rigide grensene for den formelle portrettsjangeren.

1 Hva er et frontportrett

2 Hvordan se på et formelt portrett - et eksempel

3 Selvstendig oppgave

1. Hva er et formelt portrett

«Han [Harry Potter] var veldig søvnig og var ikke engang overrasket over at personene som var avbildet i portrettene som hang i korridorene hvisket seg imellom og pekte på de førsteårsstudentene med fingrene.<…>De sto i enden av korridoren foran et portrett av en veldig feit kvinne i en rosa silkekjole.

- Passord? spurte kvinnen strengt.

— Kaput Draconis Percy svarte, og portrettet gled til side og avslørte et sirkulært hull i veggen.

Sannsynligvis er det mange som husker denne episoden fra boken til JK Rowling "Harry Potter og de vises sten". På Galtvort slott er alle mirakler, inkludert levende portretter, vanlig. Dette motivet dukket imidlertid opp i engelsk litteratur lenge før JK Rowling, på midten av 1700-tallet: det ble introdusert av forfatteren Horace Walpole i romanen The Castle of Otranto (1764). Den veldig mystiske atmosfæren til slott og palasser, en uunnværlig egenskap som er familieportretter, tause vitner fra fortiden, intriger, lidenskaper og tragedier, inviterer til slike fantasier.

Verket, bygget som en samtale av animerte portretter, er også i russisk litteratur på 1700-tallet. Forfatteren var selv keiserinne Catherine II. Dette er et skuespill kalt «Chesme Palace», der en samtale mellom malerier og medaljonger spilles ut, som om de ble overhørt om natten av en vaktmann. Heltene i verket var ikke fiktive lerreter fra et fiktivt slott, men egentlig eksisterende portretter historiske skikkelser, for det meste monarker i Europa - samtidige til Catherine og medlemmer av deres familier.

Benjamin West. Portrett av George, Prince of Wales, og Prince Frederick, senere hertug av York. 1778State Eremitage

Mariano Salvador Maella. Portrett av Carlos III. Mellom 1773 og 1782State Eremitage

Mariano Salvador Maella. Portrett av Carlos de Bourbon, prins av Asturias. Mellom 1773 og 1782State Eremitage

Miguel António do Amaral. Portrett av Maria Francisco, prinsesse av Brasil og Beiran. Rundt 1773State Eremitage

Miguel António do Amaral. Portrett av José Manuel, konge av Portugal. Rundt 1773State Eremitage

Miguel António do Amaral. Portrett av Marianna Victoria, dronning av Portugal. Rundt 1773State Eremitage

Disse maleriene prydet reisepalasset på veien fra St. Petersburg til Tsarskoye Selo, bygget av arkitekten Yuri Felten i 1774-1777. Chesme-palasset eksisterer fortsatt i dag, et av St. Petersburg-universitetene ligger i det. Men nå er det ingen portretter i den: de oppbevares i forskjellige museer, de fleste av dem i State Hermitage Museum i St. Petersburg.. Galleriet var veldig representativt – det omfattet 59 billedportretter. Over dem var det plassert marmormedaljonger med basrelieffbilder av russiske storhertuger, tsarer og keisere, henrettet av billedhuggeren Fedot Shubin - det var nesten like mange av dem, 58 Nå er medaljongene lagret i våpenhuset i Moskva Kreml.. Catherines portrett var også i galleriet, i det første rommet fra hovedtrappen - hennes bilde, som det var, hilste gjester som vertinne. Ved å plassere portrettet sitt i dette palasset, forsøkte Catherine å demonstrere sitt engasjement i de europeiske regjerende dynastiene (monarkene i Europa var knyttet til hverandre av familiebånd, så samlingen var et slags familiegalleri) og samtidig skrive inn seg selv. i rekken av russiske herskere. Dermed prøvde Catherine II, som besteg tronen som et resultat og dessuten ikke var av russisk opprinnelse, å bevise sine rettigheter til tronen.

I stykket presenterer ikke Catherine de europeiske herskerne i det beste lyset, og gjør narr av deres svakheter og mangler, men i selve portrettene presenteres herskerne på en helt annen måte. Når man ser på dem, er det vanskelig å tro at de avbildede monarkene kan ha slike ubetydelige samtaler.

Dette er de mest karakteristiske eksemplene på et seremonielt portrett - kunstnerne var fylt med ærbødighet overfor modellene sine. I Russland dukket denne typen portrett opp bare på 1700-tallet.

Hva endret seg i russisk kunst på 1700-tallet

I seks århundrer (fra 1000-tallet til 1600-tallet) utviklet gammelt russisk maleri, som fortsetter den bysantinske tradisjonen, nesten utelukkende i den kirkelige hovedstrømmen. Hva er forskjellen mellom et ikon og et maleri? Overhodet ikke i det faktum at handlingene for ikonmaling er hentet fra Den hellige skrift og andre kirketekster og at Jesus, hans disipler og kanoniserte helgener er avbildet på ikonene. Det samme kan sees på bildene – i religiøst maleri. Enda viktigere er at et ikon er et bilde beregnet på bønn; gjennom den vender den troende seg til Gud. Ikonmaleren maler ikke et ansikt, men et ansikt, et bilde av hellighet; ikonet er et tegn på den himmelske verden, åndelig vesen. Derfor spesialreglene (kanon) og kunstneriske virkemidler ikonmaleri. Oppgaven til en portrettmaler er annerledes - dette er først og fremst en historie om en person.

På 1600-tallet begynte de første sekulære portrettene å dukke opp i Rus' - bilder av tsarer og deres følge. De ble kalt "parsuns", fra det latinske ordet persona- personlighet, ansikt. Men målet med parsunaen var likevel ikke så mye å fange spesifikk person(selv om ansiktstrekkene i disse bildene er individualiserte), hvor mye å glorifisere en person som en representant for en adelig familie. Dukket opp ny teknologi: skrift i tempera på tre ble erstattet av oljemaleri på lerret. Men de kunstneriske midlene til parsuna går tilbake til ikonmaleri: de første portrettene ble laget av folk fra våpenhuset ( det viktigste senteret kunstnerisk liv XVII århundre), mer presist - fra hennes verksted for ikonmaleri.

Ukjent artist. Portrett (parsun) av tsar Alexei Mikhailovich. Sent på 1670 - tidlig på 1680-tallet Statens historiske museum

De første tiårene av 1700-tallet var preget av de grandiose transformasjonene til Peter I, som dekket alle sfærer av landets liv. Mye av det Peter gjorde hadde en begynnelse, men han ga en avgjørende akselerasjon til disse prosessene, og ønsket å reformere Russland nå, umiddelbart. Løsning av nytt statlige oppgaver ble ledsaget av skapelsen ny kultur. De to hovedtrendene var sekularisering (den ledende kunsten var ikke religiøs, men sekulær, som møtte nye interesser og behov) og kjennskap til europeiske tradisjoner, også innen billedkunst.

Peter begynte å anskaffe verk fra antikken og Europeisk kunst Kameratene hans fulgte etter. Han inviterte europeiske mestere til Russland, som ikke bare skulle oppfylle ordrer, men også utdanne russiske studenter. Russiske kunstnere ble sendt for å studere i utlandet på bekostning av staten (dette ble kalt "pensjonering", siden studentene fikk "pensjon" for reisen). Peter drømte også om å opprette Kunstakademiet. Dette ble allerede oppnådd av datteren Elizaveta, som i 1757 i St. Petersburg grunnla Akademiet for de tre edleste kunstene (maleri, skulptur og arkitektur). Grunnleggelsen av akademiet var den logiske konklusjonen av transformasjonene i kunsten. Utenlandske kunstnere-lærere ble invitert hit, tradisjonen med pensjonister, avbrutt av Peters første etterfølgere, ble gjenopplivet. Men det viktigste - ble vedtatt Europeisk system kunstnerisk utdanning, det vil si en spesiell sekvens og undervisningsmetoder.

For gjennomføringen av reformer trengte Peter aktive medarbeidere. Nå ble en person evaluert fra synspunktet om fordelene han bringer til staten - "i henhold til personlig fortjeneste", og ikke i kraft av å tilhøre eldgammel familie. En ny forståelse av individets rolle ble reflektert i utviklingen av portrettsjangeren, og fremfor alt i dens seremonielle form, direkte knyttet til statlige oppgaver.

Hva er et frontportrett

Hovedoppgaven til det seremonielle portrettet er å vise publikum den høye sosiale posisjonen til en person. Derfor, i slike portretter, vises modellen i det kostymet, i det interiøret og omgitt av de "tilbehørene" som indikerer hennes høye status: alltid i luksuriøst antrekk og mot bakgrunnen av praktfulle palasshaller, hvis dette er en monark, så med attributter av makt, hvis den suverene -stvenny figur eller sjef - noen ganger med ordre og andre insignier som bestemmer plassen til en person i staten hierarkiet.

Imidlertid lar ikke bare attributter kunstneren indikere en persons sosiale prestisje. Det er et helt sett med kunstneriske virkemidler som mesterne på 1700-tallet brukte i formelle portretter for å inspirere seeren med ideen om heltens betydning. For det første er dette storformatmalerier. Og dette bestemmer allerede avstanden i forhold til betrakteren: hvis en miniatyr kan plukkes opp, bringes nærmere seg selv, må et slikt portrett sees på avstand. For det andre, i kjoleportrettet, er modellen avbildet i full vekst. En annen teknikk er en lav horisont. Horisont - den synlige grensen til himmelen og jordens overflate, som er omtrent på nivå med det menneskelige øyet; i maleriet blir en betinget, imaginær horisontlinje en rettesnor for kunstneren når han bygger en komposisjon: hvis den settes lavt i komposisjonen av bildet, har betrakteren følelsen av at han ser på bildet fra bunnen og opp. Den lave horisonten fremhever figuren, gir den kraft, storhet.

Seremonielle portretter, innrammet i forgylte rammer, ble plassert i palasshallene; det kan være en baldakin over portrettet av monarken. Selve miljøet de ble demonstrert i dikterte oppførselsstilen til publikum. Bildet erstatter så å si den som er representert på det, og betrakteren bør oppføre seg foran det på samme måte som i nærvær av modellen selv.

Et seremonielt portrett er alltid preget av en panegisk (det vil si høytidelig, lovprisende) intonasjon: en modell er nødvendigvis en perfekt monark, eller en stor kommandør, eller en fremragende statsmann, legemliggjørelsen av de dydene som bør være karakteristiske for hans rang og okkupasjon. Derfor ble et sett med stabile formler dannet ganske tidlig - ikonografiske skjemaer (stillinger, gester, attributter) som uttrykte visse ideer. De ble til en slags kodede meldinger, som ble gjentatt med mindre variasjoner fra et portrett til et annet. På den annen side ble avvik fra slike kanoner følt spesielt skarpt og var alltid fulle av mening.

Hva er en allegori

Allegori ble utbredt i kunsten på 1600- og 1700-tallet. Allegori (fra gresk. allegori- "å snakke annerledes") er kunstnerisk bilde, der abstrakte begreper (rettferdighet, kjærlighet og andre), som er vanskelige å formidle i en synlig form, presenteres allegorisk, deres betydning formidler et objekt eller et levende vesen. Den allegoriske metoden er bygget på prinsippet om analogi. For eksempel, i allegories verden, er løven legemliggjørelsen av styrke, siden dette dyret er sterkt. Ethvert allegorisk bilde kan oppfattes som en tekst oversatt til malerspråket. Betrakteren må utføre en omvendt oversettelse, det vil si dechiffrere betydningen av den allegoriske komposisjonen. Som et kunstnerisk redskap brukes allegori fortsatt i dag. Og du kan prøve å skildre dette eller det konseptet allegorisk, basert på egne ideer og kunnskap. Men vil alle forstå? Et vesentlig trekk ved kunsten på 1600- og 1700-tallet var reguleringen av betydningen av allegorier. Bildet ble tildelt spesifikk betydning og dette ga gjensidig forståelse mellom kunstneren og betrakteren.

Jacopo Amiconi. Portrett av keiser Peter I med Minerva. 1732-1734 år State Eremitage

Antikkens mytologi var den viktigste kilden til allegorier. For eksempel i et portrett italiensk kunstner Jacopo Amiconi Peter I blir presentert med Minerva, gudinnen for den vise krigen (hun kan gjenkjennes på egenskapene hennes: ringbrynje og et spyd). Amor kroner Peter med keiserkronen - i 1721 ble Russland utropt til et imperium. Dermed glorifiserer bildet Peter som en klok hersker som beseiret svenskene inn nordlig krig og takket være dette hevet Russlands internasjonale status.

Men det samme objektet eller vesenet kan ulike situasjoner fungere som allegorier av forskjellige konsepter, så de bør tolkes avhengig av konteksten. For eksempel kan en ugle fungere som en følgesvenn av både Minerva, visdommens gudinne (uglen ble ansett som en intelligent fugl), og allegorien om natten (uglen er en nattfugl). For å gjøre det lettere for seerne å lese betydningene, ble det utarbeidet spesielle oppslagsbøker (eller "ikonologiske leksikoner").

Johann Gottfried Tannauer. Peter I i slaget ved Poltava. 1724 eller 1725

I arbeidet visuell kunst allegorien kunne være til stede som et eget motiv. Så, i maleriet av Johann Gottfried Tannauer "Peter I i slaget ved Poltava", er Peter avbildet på hesteryggen på bakgrunn av en kamp som er avbildet ganske realistisk. Men over ham, vinneren, svever den bevingede herlighetsfiguren med en trompet og en krone.

Imidlertid dannet allegorier seg oftere til et helt system, der de inngikk komplekse forhold med hverandre. Slike allegoriske systemer ble vanligvis ikke oppfunnet av kunstnerne selv, men av "inventar". I annen tid representanter for presteskapet, medlemmer av Vitenskapsakademiet, lærere ved Kunstakademiet, historikere og forfattere kunne opptre i denne rollen. De, i likhet med manusforfattere i dag, komponerte et "program" som kunstneren skulle ha nedfelt i verket.

I andre halvdel av 1700-tallet mestret kunstnere og tilskuere det allegoriske språket i en slik grad at en vittig nytenkning av tradisjonelle bilder, understatement, hint begynte å bli verdsatt. Og mot slutten av århundret forsvant allegoriske bilder av dyder i form av guder eller mennesker gradvis og fullstendig fra frontportrettet. Deres plass ble tatt av et objektattributt, som, som en allegori, kommuniserte ideen om komposisjonen, men som samtidig ikke krenket prinsippet om naturtro - på 1700-tallets språk passet det presentert situasjon.

Johann Baptist Lampi den eldste. Portrett av Catherine II med allegoriske figurer fra historie og Chronos. Senest i 1793 Statens russiske museum

Johann Baptist Lampi den eldste. Portrett av Catherine II med allegoriske figurer av sannhet og styrke (festning). 1792–1793 State Eremitage

La oss for eksempel sammenligne to portretter av Katarina II av Johann Baptist Lampi - "Portrett av Katarina II med figurer fra historien og Chronos" og "Portrett av Katarina II med allegoriske figurer av sannhet og styrke (festning)". De ble skapt nesten samtidig. Men i den første er Historie og Chronos (Tid) avbildet som mennesker - en kvinne og en gammel mann med de tilsvarende egenskapene: Historien registrerer Katarinas gjerninger i skriftene hennes, og Chronos med en ljå ved foten av tronen ser på keiserinnen med beundring - tiden bestemmer ikke over henne. Dette er skapninger av kjøtt og blod, de kan samhandle med Ekaterina, kommunisere med henne. I det andre portrettet vises også Sannhet og festning allegorisk – på bildet kvinnelige skikkelser: en - Sannhet - med et speil, den andre - Festning - med en søyle. Men her presenteres de animerte legemliggjørelsene av ideer ikke som levende mennesker, men som deres skulpturelle bilder. Bildet blir på den ene siden naturtro (slike skulpturer kunne godt vært tilstede i interiøret, der keiserinnen dukket opp for øynene til motivene hennes), og på den andre siden formidler det ideen kryptert i et allegorisk bilde . Samtidig er det allegoriske bildet nå «gjemt» som et bilde i et bilde.

2. Hvordan se på et formelt portrett - et eksempel

Hva vet vi om portrettet

Foran oss er "Portrett av Catherine the Legislator i Temple of the Goddess of Justice", forfatterens versjon av 1783. Dmitry Levitsky skapte flere versjoner av dette portrettet, og senere ble det gjentatte ganger av andre kunstnere.

Dmitry Levitsky. Portrett av lovgiveren Katarina i tempelet til rettferdighetens gudinne. 1783 Statens russiske museum

Flere verk skrevet av Levitsky selv og hans samtidige bidrar til å forstå det allegoriske programmet til portrettet. I 1783 ble diktene til poeten Ippolit Bogdanovich publisert i tidsskriftet Interlocutor of Lovers of the Russian Word:

Levitsky! tegne en russisk guddom,
Ved hvilken de syv hav hviler i glede,
Med penselen din avslørte du i Petrovgrad
Udødelig skjønnhet og dødelig triumf.
Ønsker å etterligne foreningen av parnassianske søstre,
Jeg vil ringe, som deg, for å hjelpe meg å fundere
russisk guddom å skildre med en penn;
Men Apollo er sjalu på å rose ham selv.

Uten å avsløre portrettprogrammet i detalj, uttrykte Bogdanovich hovedideen: kunstneren, i kreativ forening med en muse, portretterte Catherine, og liknet henne med en gudinne, takket være hvem hele landet blomstrer, vasket av syv hav.

Som svar skrev kunstneren sin egen, mer detaljerte forklaring av betydningen av portrettet, som ble publisert i samme publikasjon:

"Midt på bildet representerer innsiden av tempelet til rettferdighetsgudinnen, foran hvem, i form av lovgiveren, Hennes keiserlige majestet, som brenner valmueblomster på alteret, ofrer sin dyrebare fred for den generelle freden. I stedet for den vanlige keiserkronen, blir hun kronet med en laurbærkrone som pryder den sivile kronen plassert på hodet hennes. Insigniene til St. Vladimirs orden skildrer utmerkelsen som er kjent for arbeidet som er gjort til fordel for fedrelandet, som bøkene som ligger ved føttene til lovgiveren vitner om sannheten. Den seirende ørnen hviler på lovene, og vakten, bevæpnet med en torden, jamrer over deres integritet. I det fjerne kan du se det åpne havet, og på det vaiende russiske flagget betyr Mercury-stangen avbildet på militærskjoldet beskyttet handel.

Samtalepartner av elskere av det russiske ordet. SPb., 1783. T. 6

Levitsky påpekte også at han skyldte konseptet med portrett til "en elsker av kunst, som ba ham om ikke å nevne navnet hans." Deretter viste det seg at "oppfinneren" var Nikolai Alexandrovich Lvov - en mester begavet i renessanseskala: han var en arkitekt, tegner, gravør, poet, musiker, teoretiker og kunsthistoriker, sjelen til en litterær krets, som inkluderte fremragende poeter den tiden.

En annen tekst som dukket opp i forbindelse med dette portrettet er den berømte oden av Gabriel Derzhavin "The Vision of Murza" Murza- en adelstittel i de tatariske middelalderstatene. I "Vision of Murza" og i oden "Felitsa" kaller Derzhavin seg Murza, og Catherine II - Felitsa: dette er navnet på den fiktive "Princess of the Kirghiz-Kaisatsky Horde" fra et eventyr komponert av keiserinnen selv for barnebarnet til Alexander.(1783).

Jeg så et fantastisk syn:
Kona steg ned fra skyene,
Kom ned - og fant seg en prestinne
Eller en gudinne foran meg.
Hvite klær rant
På den en sølvbølge;
Gradskaya krone på hodet,
Det gylne beltet lyste med perserne;
Fra svart-brennende fint lin,
Regnbue-lignende antrekk
Fra skulderen av tannkjøttkanten
Henges på venstre lår;
Med utstrakt hånd på alteret
På offeret varmer hun
Brennende duftende valmuer,
Tjente den høyeste guddom.
Midnattsørnen, enorm,
Lynets følgesvenn til å triumfere,
Heroisk herold herald,
Sitter foran henne på en haug med bøker,
Hellig holdt sine vedtekter;
Utdødd torden i klørne deres
Og en laurbær med olivengrener
Han holdt det som om han sov.

Hvem ser jeg så dristig
Og hvis munn knuser meg?
Hvem er du? Gudinne eller prestinne? —
Drømmestående spurte jeg.
Hun fortalte meg: "Jeg er Felitsa" ...

Hva ser vi i portrettet?

Hva sier St. Vladimirs Orden?

Portrettet av Levitsky er knyttet til historien til Ordenen til den hellige like-til-apostlene prins Vladimir. Denne ordenen ble opprettet 22. september 1782, dens vedtekter (det vil si et dokument som beskriver prosedyren for tildeling av ordenen og relaterte seremonier) ble skrevet av Alexander Andreevich Bezborodko, den faktiske lederen for russeren utenrikspolitikk. Og dette er ingen tilfeldighet: opprettelsen av ordenen var forbundet med en av de viktigste utenrikspolitiske planene til Catherine -. I følge dette prosjektet skulle Russland fordrive tyrkerne fra Europa, ta Konstantinopel i besittelse og danne på Balkan, for det første et uavhengig gresk imperium (som skulle ledes av barnebarnet til keiserinnen). Storhertug Constantine), og for det andre, staten Dacia i regi av Russland, som skulle omfatte de donaubiske fyrstedømmene, frigjort fra tyrkernes styre.

I tillegg til rent praktiske mål, hadde ideen stor ideologisk betydning. russisk imperium, som er den mektigste ortodokse stat, posisjonerte seg som arving til det store Bysans, ødelagt av tyrkerne (i 1453 fanget de Konstantinopel). Rus adopterte ortodoksi fra Byzantium under prins Vladimir i 988. Dette forklarer etableringen av Katarina av Ordenen dedikert til prins Vladimir akkurat da hun var besatt av tanker om Gresk prosjekt.

Ekaterina klarte ikke å realisere det greske prosjektet. Men kunstmonumenter minner om ham. På begynnelsen av 1780-tallet ble en eksemplarisk by Sofia bygget nær Tsarskoye Selo i henhold til prosjektet til Charles Cameron (en skotsk arkitekt som jobbet i Russland). Sentrum av denne byen var den monumentale St. Sophia-katedralen (prosjektet ble også utviklet av Cameron) - til minne om den viktigste kristne helligdommen, som var i besittelse av tyrkerne, kirken Hagia Sophia i Konstantinopel. Ved siden av Tsarskoye Selo-tempelet skulle de bygge et hus til Cavalier Dumaen av St. Vladimirs orden for møter med hans herrer. På begynnelsen av 1780-tallet ble portrettene deres bestilt fra Levitsky - maleriene var ment for "ordrehuset", og portrettet av Catherine skulle være i sentrum av ensemblet. Imidlertid ble byggingen av tempelet fullført først i 1788, og byggingen av "ordrehuset" begynte tilsynelatende ikke engang. Etter keiserinnens død i 1796 ble ideen helt glemt.

Men i 1783, da portrettet av Catherine ble laget, var det greske prosjektet i søkelyset. I det året ble Krim annektert til Russland (tidligere Krim-khanatet var en vasall ottomanske imperium). Denne utenrikspolitiske suksessen vil vise seg å være et av få reelle resultater av prosjektet. Og dette forklarer hvorfor det er St. Vladimirs Orden som inntar en så viktig plass i portrettet.

Hvordan skiller portrettet av Levitsky seg fra portrettet av Borovikovsky

Vladimir Borovikovsky. Portrett av Catherine II på tur i Tsarskoye Selo-parken. 1794

"Portrett av Catherine the Legislator" blir ofte sammenlignet med "Portrett av Catherine II på tur i Tsarskoye Selo Park" av Vladimir Boro-vikovsky. Begge bildene viser samme modell, men de er helt forskjellige. Først - et godt eksempel seremonielt keiserportrett, det andre er et veltalende eksempel på et kammerportrett.

Hva er forskjellen mellom front- og kammertyper av portretter? Et seremonielt portrett lages for å demonstrere modellens høye status, hennes plass i det sosiale hierarkiet. I et kammerportrett avslører kunstneren en annen side av en persons liv – den private. Ulike oppgaver skaper forskjell kunstneriske teknikker. «Portrett av Catherine II på tur» er liten i størrelsen (94,5 x 66 cm), og dette orienterer umiddelbart betrakteren mot kammeroppfatning. For å se portrettet må du nærme deg det. Han ser ut til å invitere oss til å komme nærmere uten å være sjenerte, mens et storformatportrett får oss til å fryse på respektfull avstand. Catherine i morgenkåpe og caps, med sin elskede italienske mynde ved føttene, uten de vanlige egenskapene til keisermakt, ikke i de praktfulle palasshallene, men i en bortgjemt hage - hun fremstår ikke som en gudelignende hersker, men som hvis en enkel grunneier. Portrettet feirer skjønnheten ved å være menneske i naturlige omgivelser.

Men hva slags refleksjoner kan keiserinnen hengi seg til naturens barm? Kunstneren tilbyr oss så å si å løse gåten. Ekaterina er lokalisert i Tsarskoye Selo Park. Med hånden peker hun på Chesme-søylen – et monument over Russlands seier over Tyrkia i slaget ved Chesme i 1770, som ruver på en øy midt i den store dammen. Den motsatte bredden er gjemt bak trærne. Men hvis vi gikk rundt dammen og fortsatte å bevege oss i retningen angitt av Catherine, så ville vi der, allerede utenfor parken, ha utsikt over St. Sophia Cathedral (den samme som ble bygget av Charles Cameron). Han er ikke avbildet på bildet, men hver opplyste seer visste at han var det, og visste om betydningen han hadde i det politiske og arkitektoniske programmet til Catherine. Betydningen av gesten til keiserinnen i portrettet blir tydelig: gjennom marineseire (og søylen reiser seg midt på vannoverflaten) bør Russland åpne veien til Sofia, til det ortodokse riket med hovedstad i Konstantinopel.

Og hva ser vi? kammerportrett, i sin natur vendt til sfæren til det private, og ikke det offentlige, tjener som et uttrykk for de imperiale ambisjonene til den øverste russiske "godseieren", hvis landområder bør strekke seg til selve Konstantinopel. Ideen, tradisjonelt uttrykt ved hjelp av et formelt portrett, er kledd i form av et kammer. Hvorfor? Det finnes ikke noe fast svar på dette spørsmålet. Men man kan spekulere. Store seremonielle portretter ble vanligvis laget etter ordre fra keiserinnen selv, en av adelen eller en eller annen institusjon. Det er kjent at dette portrettet ikke ble bestilt av Catherine. Den ble sannsynligvis skrevet for å vitne om dyktigheten til kunstneren for presentasjon for palasset. Kanskje oppfinneren (mest sannsynlig, det var den samme Nikolai Lvov) bevisst skjult det politiske innholdet i en uvanlig form. Et vittig paradoks (en grunneier, men hva er hennes eiendeler!) Burde ha tiltrukket seg oppmerksomheten til publikum. Samtidig reagerte portrettet på en ny kunstnerisk smak (det ble kalt sentimentalisme) - ønsket om naturlig, interesse for det indre livet til en person, hans følelser, i motsetning til kjedelig rasjonalitet. Imidlertid likte ikke keiserinnen portrettet. Kanskje fordi han uforvarende gjenreiste minner om hennes politiske fiasko. La monumentet til den strålende seieren over Tyrkia være det dominerende trekk i portrettet, men det får deg også til å tenke på videre utvikling hendelser, om det greske prosjektet - en plan som Catherine, til tross for vellykkede militære operasjoner, ikke klarte å implementere. Konstantinopel ble aldri hovedstaden i det nye ortodokse imperiet.

3. Selvstendig oppgave

Nå kan du prøve å analysere et av de tre andre portrettene selv. Støttespørsmål kan hjelpe deg med å velge retningen for søkene dine.

1. Godfrey Neller. Portrett av Peter I. 1698. Fra British Royal Collection (Queen's Gallery, Kensington Palace, London)

Godfrey Neller. Portrett av Peter I. 1698 Royal Collection Trust / Hennes Majestet Dronning Elizabeth II

Portretter av Peter I ble ikke bare malt av russiske kunstnere. Dette portrettet ble laget for kongen av England William III (Oran) av Sir Godfrey Neller (1646-1723), en mester fra Lübeck som studerte i Amsterdam og Venezia, og tilbrakte mesteparten av livet i Storbritannia, hvor han nøt stor suksess som portrettmaler.

Støttespørsmål

1. Portrettet er bestilt fra livet i Haag. engelsk konge Vilhelm III, som samtidig var stadholder i Nederland. Portrettet kan ha blitt ferdigstilt i London. Når og under hvilke omstendigheter besøkte Peter I Haag og London?

2. Hva gjør det mulig å karakterisere dette portrettet som et formelt?

3. Sammenlign portrettet som ble opprettet Europeisk mester, med moderne russiske parsun-portretter. Hvor er mer oppmerksomhet til den personlige begynnelsen?

4. Hvilke midler er involvert for å vise modellens sosiale posisjon, og hva - for dens psykologiske egenskaper?

5. Hvilke reformistiske forpliktelser av Peter vitner portrettet om? Hvordan er de relatert til England?

2. Alexey Antropov. Portrett av keiser Peter III. 1762. Fra samlingen til Statens Tretyakov-galleri

Alexey Antropov. Portrett av keiser Peter III. 1762 Stat Tretyakov-galleriet/ Wikimedia Commons

Støttespørsmål

1. Beskriv innstillingen der modellen presenteres. Hvordan forholder bildet av keiseren seg til denne situasjonen? Hvilke kunstneriske virkemidler bruker kunstneren for å karakterisere modellen?

2. Sammenlign bildet av Peter III, skapt av Antropov, med det som er kjent om keiserens personlighet og regjeringstid.

3. Dmitrij Levitskij. Ursula Mnishek. 1782. Fra samlingen til Statens Tretyakov-galleri

Dmitry Levitsky. Ursula Mnishek. 1782 Statens Tretjakovgalleri / Google Art prosjekt

Ursula Mnishek (ca. 1750 - 1808) - polsk aristokrat, niese av Stanislaw August Poniatowski, grevinne, kone til den litauiske kronmarskalken grev Mnishek, statsdame ved den russiske keiserdomstolen.

Nøkkelspørsmål

Denne typen portretter kalles vanligvis mellomrom mellom kammer og front. Hva er funksjonene til disse sjangervarianter kombinerer han?

Dmitry Levitsky
Portrett av lovgiveren Katarina i tempelet til rettferdighetens gudinne
1783

Den majestetiske, staselige figuren til keiserinnen, den ideelle, "ujordiske" skjønnheten i ansiktet hennes, den storslåtte dekorasjonen - samt den betydelige størrelsen på selve portrettet (261 x 201 cm), burde ha inspirert betrakteren med ærbødighet for modell.

Oftest dannes pittoreske representasjoner av kongelige (og spesielt på 1700-tallet) på grunnlag av seremonielle portretter, hvor kopier ble aktivt fjernet og distribuert. Slike portretter kan "leses", fordi modellen på dem alltid er plassert i et slikt miljø som bidrar til å skape en følelse av betydning, uvanlighet, høytidelighet i bildet, og hver av detaljene inneholder et snev av de virkelige eller imaginære fordelene. og egenskapene til personen vi ser foran oss.
De fleste av de formelle portrettene er umulige å ikke beundre. Men spørsmålet om hvor sant portrettet er, forblir åpent.

Så, for eksempel, bildet av Catherine I, skapt av Jean-Marc Nattier i 1717:

Men det mer intime portrettet av Catherine i en peignoir, skrevet av Louis Caravacom på 1720-tallet.
Det ser ut til at forskerne kom til den konklusjon at keiserinnen i utgangspunktet ble avbildet i portrettet med en utringning, og deretter dukket det opp et blått bånd, som kan forstås som et hint til båndet til St. Andrew den førstekalte ordenen og personens høye status. Det eneste hintet.

Louis Caravaque mottok utnevnelsen av den offisielle hoffmaleren - Hoffmaler bare under Anna Ioannovna, men før det klarte han å male en rekke portretter av familien til Peter den store. Blant dem er noen uvanlige etter moderne standarder.
For det første husker jeg personlig umiddelbart portrettet Tsarevich Peter Petrovich som Amor

Her skal det selvfølgelig sies at Russland overtok fra Europa rokokkoens galanteri, sammen med dens spesielle atmosfære av en maskerade, lekende helter og guder fra gammel mytologi, og oppførsel, som ikke kunne annet enn å påvirke maleritradisjonen.
Og likevel er det noe spesielt i det faktum at vi ser lille Peter, "Shishechka", som hans kjærlige foreldre kalte ham, som hadde store forhåpninger til ham, vi ser akkurat slik. Men fødselen til denne gutten, som ikke levde engang i fire år, så vel som hans relativt sterke helse til å begynne med, forseglet faktisk skjebnen til Tsarevich Alexei.
Vi kan også forestille oss eldstesøsteren til Pyotr Petrovich Elizaveta, som husker portrettet av arbeidet til den samme Caravak, skrevet i 1750:

Eller et portrett av hans student Ivan Vishnyakov, malt i 1743:

Men selv under keiserinnens liv nøt et annet portrett av Elizaveta Petrovna, malt på midten av 1710-tallet av Caravak, der hun er avbildet i form av gudinnen Flora, stor suksess:

Den fremtidige keiserinnen er avbildet naken og liggende på en blå kappe foret med hermelin - et tegn på å tilhøre den keiserlige familien. I høyre hånd holder hun en miniatyr med et portrett av Peter I, til rammen som er festet St. Andrews blå bånd.
Ja, en tradisjon, men det er en viss form for pikanthet i et slikt bilde. En interessant bemerkning om portrettet ble etterlatt av N. N. Wrangel: "Her er en liten jente, et åtte år gammelt avkledd barn med kropp voksen jente. Hun ligger tilbakelent, holder kokett et portrett av faren sin og smiler så kjærlig og ømt, som om hun allerede tenker på Saltykov, Shubin, Sievers, Razumovsky, Shuvalov og alle de andre som denne vakre skapningen elsket etter.
Imidlertid bemerket han også at Elizabeth hadde mange bilder.
Her er Elizaveta Petrovna inne herredress, som gikk slik til henne:

A.L. Weinberg anså portrettet for å være arbeidet til Caravaque og daterte det til 1745. S.V. Rimskaya-Korsakova mente at dette var Levitskys elevs kopi av Antropovs arbeid, og gikk tilbake til den ikonografiske typen Caravak.

Og her er et annet portrett av Elizabeth i en manns kostyme - læreboken "Portrett av keiserinne Elizabeth Petrovna på en hest med et svart barn", skrevet av Georg Christoph Groot i 1743:

Dette portrettet kan kalles front. Her er St. Andreas den førstekalte orden, et blått moiré-serp med et merke, en marskalkstokk i hånden til keiserinnen, en forvandlingsuniform, og også det faktum at Elizaveta Petrovna sitter på en hest som en mann, og marinen sett i bukta.
Caravak har også et "Portrett av en gutt i en jaktdress", som forskjellige versjoner ble bygget om. De kalte det både portrettet av Peter II, og portrettet av Peter III og ... portrettet av Elizabeth. Av en eller annen grunn er den nyeste versjonen veldig nær meg.

Det er mange seremonielle portretter av Catherine II. De ble malt både av utlendinger invitert til Russland og av russiske kunstnere. Vi kan for eksempel minne om et portrett av Catherine malt av Vigilius Eriksen foran et speil, der kunstneren bruker en særegen teknikk som lar ham vise keiserinnen både i profil og i hele ansiktet.

Profilbildet til keiserinnen ble brukt til det seremonielle portrettet malt av Rokotov:

Catherine selv elsket tilsynelatende et annet portrett malt av Eriksen, som skildrer henne på hesteryggen:

Fortsatt ville! Portrettet symboliserer tross alt den skjebnesvangre dagen for keiserinnen den 28. juni 1762, da hun, i spissen for konspiratørene, drar til Oranienbaum for å gjennomføre et palasskupp. Catherine sitter på sin berømte hest Brilliant og er kledd i militær stil - hun har på seg uniformen til en offiser fra vaktens infanteri.
Portrettet var en stor suksess ved hoffet; etter ordre fra keiserinnen gjentok han arbeidet sitt tre ganger, og varierte størrelsen på lerretet.

Eriksen malte også et portrett av Catherine II i shugay og kokoshnik:

Man kan huske det uformelle portrettet av Catherine II i en reisedrakt, malt av Mikhail Shibanov, en kunstner som nesten ingenting er kjent om. Er det bare det at han var nær Potemkin?:

Jeg husker de ikke-seremonielle portrettene av Katarina den store, det er umulig å gå forbi bildet skapt av Borovikovsky.

Kunstneren viste Catherine II "hjemme", i en pelsfrakk og en caps. høy alder damen går sakte langs smugene i Tsarkaselsky-parken og lener seg på en stav. Ved siden av henne står hennes elskede hund, en engelsk mynde.
Ideen om et slikt bilde har sannsynligvis sin opprinnelse i den litterære og kunstneriske sirkelen til Nikolai Lvov og er nært forbundet med en ny trend innen kunst, kalt sentimentalisme. Det er betydelig at portrettet av Catherine II ikke ble henrettet fra naturen. Det er bevis på at kunstneren ble kledd i kjolen til keiserinnen av hennes elskede kamera-jungfer (romtjener) Perekusikhina, som poserte for kunstneren.
Forresten, det faktum at det på 1700-tallet bare jobbet 8 offisielle hoffmalere i Russland, hvorav bare en var russisk, og selv da endte livet nesten tragisk, er ganske interessant. Derfor er det ikke overraskende at russiske kunstnere ikke hadde muligheten til å male keisere og keiserinner i live.
For dette arbeidet ble Borovikovsky, som Lumpy maset om, tildelt tittelen "utnevnt" til akademikere. Til tross for anerkjennelsen fra Kunstakademiet, likte ikke keiserinnen portrettet og ble ikke anskaffet av palassavdelingen.
Men det var i dette bildet at Pushkin fanget henne i "æreshistorien" "Kapteinens datter".

Populær i kategorien: