Plano da cidade ideal do renascimento. Planejamento Urbano na Itália Renascentista

No Renascimento, os arquitetos formaram gradualmente uma atitude em relação à estrutura como parte do todo, que deve ser capaz de se conectar com o espaço circundante, ser capaz de encontrar uma combinação contrastante e mutuamente benéfica de diversas estruturas. A cultura do planejamento urbano do Renascimento foi se formando gradativamente e em vários conjuntos - na Piazza San Marco em Veneza, no conjunto da Casa Educacional da Oficina do Bicho da Seda, arquiteto. Brunelleschi e outros De grande importância foi o uso de arcadas e colunatas ao longo das ruas, que deram ao desenvolvimento urbano características notáveis ​​de comunalidade (Rua Uffizi em Florença, arquiteto Vasari).

Aos poucos, no entendimento dos arquitetos, amadureceu a ideia da cidade como um todo único, no qual todas as partes estão interligadas. As novas armas de fogo tornaram indefesas as fortificações medievais de pedra. Isso predeterminou o aparecimento de paredes com paredes de terra ao longo do perímetro das cidades.baluartese determinou a forma de estrela da linha de fortificações da cidade. Cidades deste tipo surgem em 2/3 do século XVI. Uma ideia renascentista está sendo formada"cidade ideal"a cidade mais conveniente para se viver.

Na organização da área urbana, os arquitetos renascentistas seguiram 3 princípios fundamentais:
1. assentamento de classe (para os nobres - as partes centrais e melhores da cidade);
2. reassentamento de grupos profissionais do restante da população (proximidade de artesãos de profissões afins);
3. divisão do território da cidade em conjuntos residenciais, industriais, comerciais e públicos.
O traçado das "cidades ideais" deve necessariamente ser regular ou radial-circular, mas a escolha do traçado deve ser determinada pela condições naturais: relevo, massa de água, rio, ventos, etc.

Palma Nova, 1593

Normalmente no centro da cidade havia uma praça pública principal com um castelo ou com uma prefeitura e uma igreja no meio. As áreas de comércio ou culto de importância distrital nas cidades radiais localizavam-se na interseção das ruas radiais com um dos anéis viários da cidade.
Esses projetos também incluíram melhorias significativas - esverdeamento das ruas, criação de canais para escoamento de águas pluviais e esgoto. As casas deveriam ter certas proporções de altura e distância entre elas para a melhor insolação e ventilação.
Apesar de sua natureza utópica, os desenvolvimentos teóricos das “cidades ideais” do Renascimento tiveram alguma influência na prática do planejamento urbano, especialmente ao construir pequenas fortificações em um curto espaço de tempo(Valetta, Palma Nuova, Granmichele- a. 16-17 séculos).

A idade da cidade atingiu seu esplêndido apogeu, mas já há sinais de que está morrendo. O século foi tempestuoso e cruel, mas inspirador. Originou-se de cidades-estado Grécia antiga(3 mil anos antes do Renascimento), que deu origem ao ideal de um homem livre que governa a si mesmo. Porque, de fato, tal cidade era formada por um grupo de pessoas que, após muitas gerações de brigas e conflitos civis, desenvolveu um efetivo sistema de autogoverno. Esse sistema variava de cidade para cidade. Em qualquer um deles, o número de pessoas capazes de reivindicar a cidadania plena sempre foi pequeno. A massa dos habitantes permaneceu em uma posição mais ou menos servil e exerceu seus direitos apenas por meio de revoltas violentas e cruéis contra as camadas superiores. No entanto, em toda a Europa, especialmente na Itália, Alemanha e Holanda, havia algum acordo social sobre os objetivos, se não os métodos, de governo, ou seja, a estrutura da sociedade, na qual os governantes eram escolhidos por alguns dos governados. A partir desse conceito cívico começaram as guerras sangrentas sem fim. O preço que os cidadãos pagavam por sua liberdade era medido por sua disposição de pegar em armas para defender sua cidade contra seus rivais.

A verdadeira voz da cidade era o grande sino da prefeitura ou catedral que soou o alarme quando moradores armados de uma cidade hostil se aproximaram. Ele convocou todos os que foram capazes de segurar as armas nas paredes e nos portões. Os italianos transformaram o sino em uma espécie de templo móvel, uma espécie de Arca secular, que conduzia os exércitos à batalha. Na batalha com as cidades vizinhas pela posse de um pedaço de terra arável, na batalha contra um imperador ou rei pelos direitos civis, na batalha contra hordas de soldados errantes ... Durante essas batalhas, a vida na cidade congelou. Todos os homens aptos, de quinze a setenta anos, sem exceção, interromperam suas atividades normais para lutar. Por fim, para a sobrevivência econômica, começaram a contratar profissionais que soubessem lutar, enquanto o poder civil, entretanto, se concentrava nas mãos de um dos cidadãos proeminentes. Como ele controlava dinheiro e armas, esse cidadão foi gradualmente transformado no governante de uma cidade outrora livre. Nos países que reconheceram a monarquia central, a cidade reconciliou-se com o trono (simplesmente por exaustão). Algumas cidades, como Londres, mantiveram maior autonomia. Outros se viram completamente absorvidos na estrutura da monarquia. No entanto, ao longo do Renascimento, as cidades continuaram a existir como unidades vivas, desempenhando a maioria das funções que sociedade moderna ficam sob a jurisdição do governo central. Eles não eram nem bairros industriais, nem parques de diversões, que muitos deles se tornaram mais tarde, mas estruturas orgânicas que combinavam carne humana e construção de pedra em seu próprio ritmo de vida reconhecível.

Cidades com as quais a Europa foi cravejada como roupas formais pedras preciosas, pelo Renascimento já eram antigos. Eles passaram de século em século, mantendo uma forma surpreendentemente regular e tamanho constante. Só na Inglaterra não se sentiam simétricas, pois, com raras exceções, as cidades inglesas não eram construídas de acordo com um plano pré-determinado, mas cresciam a partir de assentamentos modestos, e sua estrutura era informe, pois o prédio se ligava ao prédio da forma mais desordenada. caminho. No continente, a tendência continuou a criar novas cidades em vez de expandir as antigas a proporções incontroláveis. Somente na Alemanha, 2.400 cidades foram fundadas em 400 anos. É verdade que, pelos padrões de hoje, é difícil dizer se eram pequenas cidades ou grandes aldeias. Orange na França tinha apenas 6.000 habitantes até o século XIX. E uma cidade com um quarto de milhão de habitantes era considerada simplesmente um gigante, e havia poucos deles. A população de Milão, capital do ducado, era de 200 mil pessoas, ou seja, o dobro da população de sua principal rival, Florença (ver fig. 53, foto 17), então tamanho não era de forma alguma uma medida de poder.

Arroz. 53. Florença no final do século XV De uma xilogravura moderna

Reims, local de coroações, grande Centro de compras, tinha 100 mil habitantes, e Paris algo em torno de 250 mil. A população da maioria das cidades europeias pode ser estimada em 10 a 50 mil pessoas. Mesmo as perdas da peste não afetaram a população por muito tempo. O número de vítimas da peste sempre foi exagerado, embora, talvez, em poucos meses tenha levado cerca de um quarto dos habitantes. No entanto, após uma geração, a cidade voltou ao seu nível populacional normal. O excesso de habitantes fluiu para novas cidades. O modelo italiano, quando várias cidades, unidas por laços militares ou comerciais, são anexadas a cidade grande, em graus variados, podem ser rastreados em toda a Europa. Em tal federação, o sistema de governo e os costumes locais inerentes a cada cidade eram zelosamente observados, mas a cobrança de impostos e proteção era controlada pelo centro da cidade.

A cidade cresceu como uma árvore, mantendo sua forma, mas crescendo em tamanho, e as muralhas da cidade, como anéis cortados, marcaram os marcos de seu crescimento. Fora dos muros da cidade viviam os pobres, mendigos, proscritos de todos os tipos, que construíam suas cabanas ao redor dos muros, criando uma confusão nojenta de ruas miseráveis. Às vezes, eles eram dispersos pelo município enérgico, mas com mais frequência eram autorizados a permanecer onde estavam até que algum plano surgisse. Moradores ricos se instalaram fora da cidade em vilas no meio de grandes propriedades, protegidas por suas próprias muralhas. Quando, finalmente, a necessidade econômica ou o orgulho cívico exigiram a expansão da cidade, outro anel de muralhas foi erguido ao redor. Eles tomaram novas terras e deixaram espaço adicional para o desenvolvimento. E as velhas paredes continuaram de pé por mais alguns séculos, se não fossem desmanteladas predatóriamente para a construção de novos edifícios. As cidades retomaram sua forma, mas não buscaram novos materiais de construção, de modo que o mesmo pedaço de tijolo ou pedra lavrada pudesse estar em meia dúzia de prédios diferentes em mil anos. Ainda se podem ver vestígios das antigas muralhas desaparecidas, porque mais tarde se transformaram em circulares ou, com menos frequência, em avenidas.

As muralhas da fortaleza definiram a forma e determinaram o tamanho da cidade. Na Idade Média, eles serviam como uma poderosa proteção para os habitantes, que tinham água e comida. Um líder militar que estava prestes a sitiar uma cidade deveria ter se preparado para muitos meses de espera até que o inimigo ficasse sem suprimentos. As paredes foram mantidas em ordem às custas do público e, o que quer que tenha caído em desuso, elas foram cuidadas antes de tudo. A parede desmoronada era sinal de uma cidade em ruínas, e a primeira tarefa do invasor vitorioso foi eliminá-la da face da terra. A menos que ele fosse morar lá. No entanto, gradualmente as muralhas da fortaleza perderam seu significado, o que se refletiu na maneira como as cidades começaram a ser representadas. No século XVI, foi largamente utilizada a vista de topo, a planta, onde se atribuiu especial importância às ruas. Eles foram pintados na borda das casas. Edifícios importantes foram destacados. Mas aos poucos tudo foi se formalizando, achatando, e o plano se tornando mais preciso, embora menos espetacular e pitoresco. Mas antes que o plano entrasse em uso, a cidade era retratada como se um viajante, aproximando-se, a visse de longe. Era antes uma obra de arte, na qual a cidade aparecia, como na vida, com paredes, torres, igrejas, pressionadas umas contra as outras, como um enorme castelo (ver Fig. 54).

Arroz. 54. Muralha como estrutura militar. Nuremberg em 1493. De uma gravura moderna

Essas cidades existem até hoje, como Verona, localizada na encosta de uma colina. Em seu plano, o desenho feito pelos construtores é claramente visível. No sul, especialmente na Itália, dominavam as grandes casas em forma de torre, dando à paisagem urbana a aparência de uma floresta petrificada. Essas casas eram resquícios de uma época mais violenta, quando rixas entre famílias e facções destruíam as cidades. Então, aqueles que podiam construir cada vez mais alto, ainda mais alto, ganhavam vantagem sobre seus vizinhos. O habilidoso governo da cidade conseguiu reduzir seus números, mas muitos ainda buscaram se elevar dessa maneira, colocando em risco a segurança interna da cidade e privando avidamente as ruas estreitas de ar e luz.

Arroz. 55. Portão da cidade, onde são cobrados os impostos de todas as mercadorias que chegam à cidade

Os portões da cidade que cortavam as paredes (ver fig. 55) desempenhavam um papel duplo. Eles desempenhavam não apenas uma função defensiva, mas também contribuíam para a renda da cidade. Guardas foram colocados ao redor deles, cobrando uma taxa por tudo que era trazido para a cidade. Às vezes eram produtos Agricultura, uma colheita colhida nos campos, pomares e pomares circundantes. E às vezes - especiarias exóticas trazidas de milhares de quilômetros - tudo no portão estava sujeito à inspeção e taxas alfandegárias. Certa vez, quando a alfândega florentina caiu perigosamente, um dos funcionários sugeriu dobrar o número de portões e, assim, dobrar sua lucratividade. Em uma reunião na Câmara Municipal, ele foi ridicularizado, mas essa proposta impensada partiu da crença de que a cidade era uma entidade independente. Os aldeões odiavam essas extorsões, recebendo apenas promessas duvidosas de proteção armada para eles. Eles recorreram a todo tipo de truques, apenas para evitar o pagamento. Sacchetti tem uma história muito verdadeira sobre um camponês que escondeu ovos de galinha em suas calças largas para enganar os guardas. Mas aqueles, advertidos pelo inimigo do camponês, obrigaram-no a sentar-se enquanto examinavam a carga. O resultado é claro.

Nas cidades, os portões desempenhavam o papel de olhos e ouvidos. Eles eram o único ponto de contato com o mundo exterior. Foi do mundo exterior que veio a ameaça, e os guardas do portão informaram meticulosamente ao governante sobre a chegada e partida de estrangeiros e de todo tipo de estranhos em geral. Nas cidades livres, os portões fechados eram um símbolo de independência. O viajante tardio, que chegou após o pôr do sol, foi forçado a pernoitar fora dos muros da cidade. Daí o costume de construir hotéis do lado de fora, no portão principal. O próprio portão era como uma pequena fortaleza. Eles abrigavam uma guarnição que guardava a cidade. Os enormes castelos que se erguiam sobre as cidades medievais eram, na verdade, uma simples continuação das principais portarias das fortalezas.

No entanto, a ausência de um plano de construção nas cidades medievais era mais aparente do que real. É verdade: as ruas se contorciam sem rumo, circulavam, davam voltas, até se dissolviam em alguns pátios, mas afinal não deveriam proporcionar uma passagem direta de um ponto a outro da cidade, mas criar uma moldura, cenário para vida pública. O estrangeiro, tendo passado pelos portões da cidade, poderia facilmente encontrar o caminho para o centro da cidade, porque as ruas principais irradiavam da praça central. "Piazza", "place", "platz", "square", como se chamava na língua local, era o herdeiro direto do fórum romano, um lugar onde as pessoas ansiosas se reuniam durante os dias de guerra e onde eles vagavam, se divertindo, em tempo tranquilo. Mais uma vez, apenas a Inglaterra não tinha esse ponto de encontro. Os britânicos preferiram transformar a rua principal em um mercado. Servia ao mesmo propósito, mas carecia de um senso de coesão e unidade e, com o aumento do tráfego, perdeu sua importância como ponto de encontro central. No entanto, no continente, esse eco da Roma Antiga continuou a existir.

Arroz. 56. Piazza (praça) San Marco, Veneza

Poderia ser uma área modesta, não pavimentada, sombreada por árvores, talvez cercada por casas precárias. E poderia ser enorme, incrível, como as praças principais de Siena ou Veneza (ver Fig. 56), poderia ser planejado de forma que parecesse um enorme salão sem teto. No entanto, por mais que parecesse, ela permanecia a face da cidade, o lugar onde os habitantes se reuniam e os órgãos vitais da cidade, os centros de governo e justiça, alinhados ao seu redor. Em algum outro lugar poderia haver outro centro naturalmente formado: por exemplo, uma catedral com edifícios auxiliares, geralmente construídos em uma pequena praça. Do portão principal, uma estrada bastante larga, reta e limpa levava à praça e depois à catedral. Ao mesmo tempo, afastadas do centro, as ruas tornaram-se, por assim dizer, veias periféricas que atendem às necessidades locais. Eles foram deliberadamente estreitos - tanto para proteger os transeuntes do sol e da chuva quanto para economizar espaço. Às vezes, os andares superiores dos edifícios ficavam a apenas alguns metros de distância. A estreiteza das ruas também servia de proteção durante as guerras, pois a primeira ação dos atacantes era galopar por elas antes que os habitantes tivessem tempo de erguer barreiras. As tropas não podiam manter a ordem militar marchando sobre eles. Sob tais circunstâncias, uma multidão hostil, armada com pedregulhos simples, poderia impedir com sucesso a passagem de soldados profissionais. Na Itália, as ruas começaram a ser pavimentadas já no século 13 e, no século 16, todas as ruas principais da maioria das cidades europeias foram pavimentadas. Não havia separação entre calçada e calçada, porque todos andavam ou andavam. As tripulações começaram a aparecer apenas em século XVI. Aos poucos, o tráfego de veículos cresceu, as ruas se endireitaram para facilitar a passagem dele e, em seguida, os pedestres foram atendidos, enfatizando ainda mais a diferença entre ricos e pobres.

As cidades renascentistas foram unidas por uma característica comum: eles cresceram e se desenvolveram espontaneamente, conforme a necessidade. Apenas as muralhas da cidade foram planejadas, que foram colocadas e construídas como um todo, e dentro da cidade, apenas o tamanho de um determinado edifício definiu o layout do território adjacente. A catedral determinava a estrutura de todo o distrito com ruas e praças contíguas, mas em outros lugares as casas apareciam conforme a necessidade ou eram reconstruídas a partir das existentes. Até mesmo o próprio conceito de planejamento urbano esteve ausente até a segunda metade do século XV, quando as ideias do arquiteto romano Vitruvius Polio foram revividas. Vitrúvio foi o arquiteto da Roma Augusta, e sua obra On Architecture data de cerca de 30 aC. Ele não era um dos arquitetos famosos, mas seu livro era o único sobre o assunto, e agradou ao mundo obcecado pela antiguidade. As descobertas na arquitetura foram feitas da mesma forma que na geografia: o autor antigo deu impulso a mentes capazes de sua própria criatividade e pesquisa. As pessoas que acreditam estar seguindo Vitrúvio, na verdade, usaram seu nome para formular suas próprias teorias. Vitrúvio considerava a cidade como uma unidade autossuficiente, que deveria ser planejada, como uma casa, todas as partes subordinadas ao todo. Esgotos, estradas, praças, prédios públicos, proporções de canteiros de obras - tudo tem seu lugar neste plano. O primeiro tratado baseado no conceito de Vitrúvio foi escrito pelo florentino Leon Battista Alberti. Foi publicado em 1485, apenas treze anos após a sua morte, e encabeçou uma longa linha de obras que se estendeu até ao século XIX, obras de grande impacto no urbanismo. A maioria dessas obras era incrivelmente ilustrada, até mesmo requintadamente. Dada a base matemática desse culto, não surpreende que os seguidores levassem tudo ao extremo. A cidade foi inventada, assim como um problema de geometria, sem dar atenção aos fatores humanos e geográficos. A perfeição teórica levou na prática à secura sem vida.

Arroz. 57. Palma Nova, Itália: um plano urbanístico rigoroso

Apenas uma sorte que apenas algumas cidades foram construídas de acordo com os princípios de Vitrúvio. De vez em quando havia uma necessidade, mais frequentemente militar, em uma nova cidade. Às vezes, poderia ser construído de acordo com essa nova teoria (por exemplo, Palma Nova (ver fig. 57) no estado veneziano). Na maioria das vezes, porém, os arquitetos tiveram que se contentar com o desenvolvimento parcial, porque raramente tiveram a oportunidade de demolir completamente os prédios antigos e reconstruir em seu lugar. O arquiteto enfrentou resistência passiva, basta lembrar como foi atendida a proposta de Leonardo da Vinci de construir assentamentos satélites em torno de Milão. A terrível praga de 1484 ceifou 50.000 habitantes, e Leonardo queria construir dez novas cidades com 5.000 casas e ali instalar 30.000 pessoas, "a fim de neutralizar a aglomeração de pessoas que se amontoaram em rebanhos como cabras... espaço com fedor e infecção de sementes de semeadura e morte. Mas nada disso foi feito, porque nem ganhos monetários nem vantagens militares estavam previstos nisso. E o governante de Milão optou por gastar o ouro na decoração de sua própria corte. Assim foi em toda a Europa. As cidades já tomaram forma e não há mais espaço para um planejamento em larga escala. Roma foi a única exceção a essa regra.

A primeira cidade do cristianismo na Idade Média entrou em decadência. O auge de seus infortúnios foi a transferência do papado para residência em Avignon em 1305. Por mais de cem anos, não houve um poder na Cidade Eterna forte o suficiente para conter as ambições das grandes famílias e a selvageria brutal da multidão. Outras cidades da Itália ficaram mais bonitas e prosperaram, enquanto Roma se cobriu de mofo e desmoronou. A cidade de Augusta foi construída com firmeza, sobreviveu e não sucumbiu aos ataques do tempo e aos ataques dos bárbaros, mas morreu nas mãos de seus próprios cidadãos. As guerras foram parcialmente culpadas, mas principalmente o fato de que enormes edifícios antigos eram uma fonte de materiais de construção prontos. Em 1443, o grande cisma terminou e o papado foi novamente estabelecido em Roma. Pela primeira vez, o Papa Nicolau V chamou a atenção para o estado deplorável Cidade Eterna... Ele entendeu que, para reconhecer Roma como a capital do mundo, ela precisa ser reconstruída (ver Fig. 58). Uma tarefa enorme! A cidade já abrigou cerca de um milhão de pessoas - o maior número de habitantes até século 19. Antes da revolução industrial, que levou à expansão da construção, nenhuma cidade europeia se comparava em tamanho à Roma de Augusto. E em 1377 tinha apenas cerca de 20 mil habitantes. Sete de suas colinas foram abandonadas, a população preferiu viver nas margens pantanosas do Tibre. O gado percorria as ruas desertas ladeadas por casas em ruínas. O fórum perdeu a antiga glória e ganhou o apelido de "Campo Vacchino", ou seja, "Campo da Vaca". Os animais mortos nunca eram limpos e apodreciam onde morriam, acrescentando o cheiro de fumegante e podridão à lama imunda sob os pés. Não houve cidade na Europa que se afundasse tão baixo de tão grandes alturas.

Arroz. 58. Panorama de Roma em 1493, com São Pedro (acima). De uma gravura moderna no livro de Schedel "A Crônica do Mundo"

Mais de 160 anos se passaram desde que o Papa Nicolau V concebeu sua reconstrução, e até o momento em que Bernini completou a colunata da Catedral de São Pedro, mais de 160 anos se passaram. E todos os papas que governaram durante aquele século e meio, do virtuoso ao perverso, do mais erudito Nicolau ao depravado Alexandre Bórgia, compartilharam uma paixão que deu vida nova à primeira de todas as cidades da Renascença, uma amor pela arte e pela arquitetura, vontade de transformar cidade antigaà digna capital da cristandade.

A lista de nomes de arquitetos e artistas que ali trabalharam soa exatamente como uma lista de chamada da fama: Alberti, o primeiro dos Vitruvianos, Bramante, Sangallo, Bernini, Rafael, Michelangelo e tantos outros que caíram na sombra dos grandes, mas são capazes de decorar a corte de qualquer governante. Algumas coisas que foram feitas são lamentáveis: por exemplo, a destruição da antiga Catedral de São Pedro para construir um novo templo de Bramante em seu lugar causou uma tempestade de protestos. Mas a absoluta autoridade papal foi suficiente para concluir um dos maiores projetos urbanísticos da história. O resultado não foi apenas um magnífico monumento a algum governante. Uma série de benefícios foram para os cidadãos comuns: o abastecimento de água melhorou, o antigo sistema de esgoto foi restaurado, a ameaça de incêndios e pragas diminuiu drasticamente.

A cidade era um palco onde, diante de todas as pessoas honestas, acontecia o que acontecia agora no silêncio dos escritórios. Detalhes impressionantes em sua variabilidade eram impressionantes: a irregularidade dos edifícios, os estilos excêntricos e a variedade de trajes, as inúmeras mercadorias produzidas nas ruas - tudo isso dava à cidade renascentista um brilho ausente na monótona monotonia das cidades modernas . Mas havia também uma certa homogeneidade, uma fusão de grupos que proclamavam unidade interior cidades. No século XX, o olhar acostumou-se às divisões criadas pela expansão urbana: o tráfego de pedestres e carros ocorre em mundos diferentes, a indústria é separada do comércio e ambos são separados espacialmente das áreas residenciais, que, por sua vez, são subdivididos de acordo com a riqueza de seus habitantes. Um morador da cidade pode viver toda a sua vida sem ver como o pão que ele come é assado ou como os mortos são enterrados. Quanto maior a cidade se tornava, mais uma pessoa se afastava de seus concidadãos, até que o paradoxo da solidão no meio da multidão se tornou um fenômeno comum.

Em uma cidade murada de, digamos, 50.000 habitantes, onde a maioria das casas eram barracos miseráveis, a falta de espaço encorajava as pessoas a passar mais tempo em público. O lojista vendia as mercadorias quase da barraca, por uma pequena vitrine. As persianas dos primeiros andares eram feitas em dobradiças para reclinar rapidamente, formando uma prateleira ou mesa, ou seja, um balcão (ver Fig. 60). Ele morava com sua família nos cômodos superiores da casa e, apenas tendo ficado significativamente mais rico, podia manter uma loja separada com balconistas e morar em um subúrbio ajardinado.

Arroz. 60. Comerciantes da cidade, incluindo: um comerciante de roupas e têxteis (esquerda), um barbeiro (centro) e um confeiteiro (direita)

Um habilidoso artesão também utilizava o andar inferior da casa como oficina, às vezes colocando seus produtos à venda ali mesmo, na hora. Artesãos e comerciantes estavam muito inclinados a mostrar comportamento de rebanho: cada cidade tinha sua própria rua Tkatskaya, Myasnitsky Ryad e sua própria Rybnikov Lane. E se não houvesse espaço suficiente em pequenas salas lotadas, ou mesmo apenas com bom tempo, o comércio se deslocava para a rua, que se tornava indistinguível do mercado. Os desonestos eram punidos publicamente, na praça, no mesmo local onde ganhavam a vida, ou seja, em público. Eles foram amarrados a um pelourinho e bens inúteis foram queimados a seus pés ou pendurados em seus pescoços. Um vinicultor que vendia vinho ruim foi forçado a beber uma grande quantidade dele, e o resto foi derramado sobre sua cabeça. Rybnik foi forçado a cheirar peixe podre ou até mesmo manchar o rosto e o cabelo com ele.

À noite, a cidade mergulhava em completo silêncio e escuridão. Mesmo onde não havia "hora de extinção de incêndios" obrigatória, o sábio tentava não sair tarde e depois de escurecer sentava-se em segurança atrás de portas fortes com ferrolhos. Um transeunte, pego pelos guardas à noite, teve que se preparar para explicar de forma convincente o motivo de sua caminhada suspeita. Não havia tais tentações que pudessem atrair um homem honesto de casa à noite, porque o entretenimento público terminava ao pôr do sol, e os habitantes da cidade aderiam ao hábito de ir para a cama ao pôr do sol. Velas de sebo estavam disponíveis, mas ainda muito caras. E pavios malcheirosos embebidos em trapos de gordura também eram usados ​​com moderação, porque a gordura custava mais do que a carne. A jornada de trabalho, que ia do amanhecer ao anoitecer, deixava poucas forças para uma noite tempestuosa de diversão. Com o amplo desenvolvimento da impressão, tornou-se costume em muitos lares ler a Bíblia. Outra diversão doméstica era fazer música para quem tinha dinheiro para comprar um instrumento musical: alaúde, viola ou flauta, além de cantar para quem não tinha dinheiro para isso. A maioria das pessoas passava as breves horas de lazer entre o jantar e a hora de dormir conversando. No entanto, a falta de entretenimento noturno foi mais do que compensada durante o dia às custas do público. Os feriados religiosos frequentes reduziram o número de dias úteis por ano a um valor, talvez menor do que hoje.

Arroz. 61. Procissão religiosa

Os dias de jejum eram estritamente observados e apoiados pela força da lei, mas os feriados eram entendidos literalmente. Eles não apenas incluíram a liturgia, mas se transformaram em diversão selvagem. Nestes dias, a solidariedade dos munícipes manifestou-se claramente em procissões religiosas lotadas, procissões religiosas(ver fig. 61). Havia poucos observadores então, porque todos queriam participar deles. Albrecht Dürer testemunhou uma procissão semelhante em Antuérpia, e seu olhar de artista contemplou com deleite a interminável procissão de cores e formas. Foi no dia da Assunção da Virgem, “... e toda a cidade, independentemente da posição e ocupação, ali se reuniu, cada um vestido com o melhor traje de acordo com a sua posição. Todas as guildas e propriedades tinham seus próprios sinais pelos quais podiam ser reconhecidas. Nos intervalos, eles carregavam enormes velas caras e três longas trombetas francas de prata. Havia também tambores e flautas feitos no estilo alemão. Sopravam e batiam alto e ruidosamente... Havia ourives e bordadores, pintores, pedreiros e escultores, marceneiros e carpinteiros, marinheiros e pescadores, tecelões e alfaiates, padeiros e curtidores... verdadeiros trabalhadores de todos os tipos, assim como muitos artesãos e pessoas diferentes, ganhando a vida. Eles foram seguidos por arqueiros com rifles e bestas, cavaleiros e soldados de infantaria. Mas à frente de todos eles estavam as ordens religiosas ... Uma grande multidão de viúvas também participou desta procissão. Eles se sustentavam com seu trabalho e observavam regras especiais. Eles estavam vestidos da cabeça aos pés com roupas brancas, costuradas especialmente para esta ocasião, era triste olhar para eles ... Vinte pessoas carregavam a imagem da Virgem Maria com nosso Senhor Jesus, luxuosamente vestida. No decorrer da procissão, muitas coisas maravilhosas foram mostradas, magnificamente apresentadas. Eles puxaram carroças em que estavam navios e outras estruturas, cheio de pessoas em máscaras. Eles foram seguidos por uma trupe, representando os profetas em ordem e cenas do Novo Testamento ... Do começo ao fim, a procissão durou mais de duas horas até chegar à nossa casa.

Os milagres que tanto encantaram Dürer em Antuérpia o teriam fascinado em Veneza e Florença, porque os italianos tratavam os feriados religiosos como uma forma de arte. Na festa de Corpus Christi em Viterbo, em 1482, toda a procissão foi dividida em seções, cada uma das quais ficou responsável por algum cardeal ou o mais alto dignitário da igreja. E cada um se esforçou para superar o outro decorando seu enredo com cortinas caras e fornecendo-lhe um palco no qual os mistérios eram representados, de modo que, como um todo, formava uma série de peças sobre a morte e ressurreição de Cristo. O palco usado na Itália para a realização dos mistérios era o mesmo que em toda a Europa: uma estrutura de três andares, onde os andares superior e inferior serviam respectivamente como Céu e Inferno, e a plataforma central principal representava a Terra (ver Fig. . 62).

Arroz. 62. Cenário para apresentação de mistérios

Acima de tudo, a atenção foi atraída pelo complexo mecanismo do palco, que permitia aos atores voar alto e nadar no ar. Houve uma cena em Florença que consistia em uma bola suspensa, cercada por anjos, da qual, no momento certo, uma carruagem apareceu e desceu à terra. Leonardo da Vinci fez uma máquina ainda mais complexa para os Duques de Sforza, que mostrava o movimento corpos celestiais, e cada um carregava seu próprio anjo da guarda.

As procissões seculares na Itália reencenaram os grandes triunfos da Roma clássica e receberam seus nomes. Às vezes, eles eram organizados em homenagem à chegada de algum líder militar soberano ou famoso, às vezes apenas por causa de um feriado. Os nomes gloriosos dos grandes romanos reviveram na memória, foram representados em togas e coroas de louros e transportados pela cidade em carros. Eles gostavam especialmente de retratar alegorias: a fé venceu a idolatria, a virtude exterminou o vício. Outra representação favorita são as três idades do homem. Cada evento terreno ou sobrenatural foi representado em grande detalhe. Os italianos não trabalharam o conteúdo literário dessas cenas, preferindo gastar dinheiro com a pompa do espetáculo, de modo que todas as figuras alegóricas eram criaturas diretas e superficiais e apenas proclamavam frases vazias e sonoras sem qualquer convicção, passando assim de performance ao desempenho. Mas o esplendor do cenário e dos figurinos encantava os olhos, e isso bastava. Em nenhuma outra cidade da Europa o orgulho cívico se manifestou com tanto brilho e brilho como no ritual anual do casamento com o mar, realizado pelo governante de Veneza, uma estranha mistura de arrogância comercial, gratidão cristã e simbolismo oriental . Este festival ritual começa em 997 após o nascimento de Cristo, quando o Doge de Veneza antes da batalha fez uma libação de vinho, derramando-o no mar. E após a vitória, foi celebrada no próximo Dia da Ascensão. Uma enorme barcaça estatal, chamada Bucentauro, foi remada até o mesmo ponto da baía, e ali o doge lançou uma argola ao mar, declarando que por esse ato a cidade estava casada com o mar, ou seja, com os elementos que tornou ótimo (ver. Fig. 63).

Arroz. 63. "Bucentauro" veneziano

"Bucentaur" participou majestosamente de todas as cerimônias civis. Procissões solenes em outras cidades moviam-se na poeira do calor, e os venezianos deslizavam ao longo da superfície lisa de sua grande estrada marítima. O Bucentaur foi reformado de uma galera de batalha, que varreu todos os inimigos de Veneza do Adriático. Ela manteve a proa poderosa e cruel de um navio de guerra, mas agora o convés superior estava enfeitado com brocado escarlate e dourado, e uma guirlanda de folhas douradas esticada ao longo do lado brilhava deslumbrantemente ao sol. Na proa estava uma figura de Justiça de tamanho humano com uma espada em uma mão e escamas na outra. Os soberanos que vinham visitar eram escoltados neste navio até à cidade-ilha, rodeados por inúmeras pequenas embarcações, também enfeitadas com ricos tecidos e guirlandas. O hóspede foi levado até a porta da residência que lhe foi destinada. Não é de admirar que os carnavais venezianos, encenados com a mesma esplêndida desconsideração pelos gastos, resplandecentes com o mesmo gosto sensual, quase selvagem por cores vivas, atraíssem visitantes de toda a Europa. Durante esses dias, a população da cidade dobrou. Aparentemente, a moda dos bailes de máscaras saiu de Veneza, que depois se espalhou por todos os pátios da Europa. Outras cidades italianas introduziram atores mascarados nos mistérios, mas foram os venezianos amantes do entretenimento com sua perspicácia comercial que apreciaram a máscara como uma adição picante ao carnaval.

As competições militares da Idade Média continuaram quase inalteradas no Renascimento, embora o status de seus participantes tenha diminuído um pouco. Assim, por exemplo, os peixeiros de Nuremberg organizaram seu próprio torneio. As competições de arco e flecha eram muito populares, embora o arco como arma tenha desaparecido do campo de batalha. Mas os mais amados eram os feriados, cujas raízes remontavam à Europa pré-cristã. Não conseguindo erradicá-los, a Igreja, por assim dizer, batizou alguns deles, ou seja, deles se apropriou, enquanto outros continuaram a viver de forma inalterada, tanto em países católicos como protestantes. O maior deles era o Primeiro de Maio, a reunião pagã da primavera (ver Fig. 64).

Arroz. 64. Comemoração do Primeiro de Maio

Nesse dia, tanto os pobres quanto os ricos viajavam e saíam da cidade para colher flores, dançar e festejar. Tornar-se Senhor de Maio foi uma grande honra, mas também um prazer caro, porque todas as despesas festivas recaíram sobre ele: aconteceu que alguns homens desapareceram da cidade por um tempo para fugir a esse cargo honorário. O feriado trouxe para a cidade uma partícula do campo, da vida na natureza, tão perto e tão longe. Em toda a Europa, a mudança das estações era celebrada com festividades. Eles diferiam entre si em detalhes e nomes, mas as semelhanças eram mais fortes do que as diferenças. O Senhor da Desordem ainda reinava em um dos dias de inverno - o herdeiro direto da saturnalia romana, que, por sua vez, era uma relíquia do festival pré-histórico do solstício de inverno. Repetidas vezes eles tentaram erradicá-lo, mas foi revivido nos carnavais locais com bobos da corte, guerreiros e dançarinos disfarçados, que apareceram pela primeira vez ao mundo em desenhos de cavernas. Chegou a hora e as férias de mil anos atrás se encaixam facilmente na vida das cidades, onde o rugido das impressoras e o barulho das carruagens marcaram o início de um novo mundo.

As principais cidades da Europa eram conectadas por um sistema postal muito eficiente. Um simples leigo poderia usá-lo livremente ... se não tivesse medo de que suas cartas fossem lidas. As autoridades que organizaram o correio estavam interessadas em espionagem quase tanto quanto em estabelecer comunicação entre cidades e países. Apesar do péssimo estado das estradas, o número de veículos aumentou. A onda de peregrinação atingiu um pico sem precedentes e, quando o fluxo de peregrinos começou a diminuir, os mercadores ocuparam seu lugar, pois o comércio estava se desenvolvendo ativamente. Os funcionários do estado eram onipresentes, o barulho das botas dos soldados na marcha não diminuiu por um minuto. Os viajantes que cuidam de seus negócios não são mais uma raridade. Pessoas como o inquieto Erasmo deslocavam-se de um centro científico para outro em busca de um lugar e meios de subsistência. Alguns até viam as viagens como um meio de educação combinado com prazer. Na Itália surgiu nova escola escritores de história local que recomendavam aos curiosos visitar lugares interessantes. Muitos viajaram a cavalo, mas as carruagens já começaram a aparecer (ver fig. 65), segundo rumores, foram inventadas em Kotz ou Kosice (Hungria).

Arroz. 65. Carruagem alemã 1563. Viagem de longa distância exigia pelo menos 4 cavalos

A maioria dessas carruagens foi feita para exibição - eram extremamente desconfortáveis. O corpo era pendurado em cintos, que em teoria deveriam servir de molas, mas na prática transformavam a viagem em uma série de mergulhos e balanços nauseantes. A velocidade média era de vinte milhas por dia, dependendo da qualidade das estradas. Foram necessários pelo menos seis cavalos para puxar a carruagem pela espessa lama do inverno. Eles eram muito sensíveis aos solavancos que frequentemente encontravam ao longo do caminho. Uma vez na Alemanha, formou-se um buraco tão grande que três carruagens caíram nele de uma vez, e isso custou a vida de um infeliz camponês.

As estradas romanas ainda eram as principais artérias da Europa, mas mesmo seu esplendor não resistia à predação dos camponeses. Quando era necessário material para construir um celeiro ou celeiro, ou mesmo uma casa, os aldeões com habitual prontidão recorriam a grandes estoques de pedra já lavrada, que, de fato, era a estrada. Assim que as camadas superiores da superfície da estrada foram removidas, o clima e o transporte completaram o resto. Em algumas regiões, havia ordens para preservar e manter as estradas fora das cidades. Na Inglaterra, um moleiro que de repente precisou de argila para reparos cavou um buraco de 3 metros de diâmetro e 2,5 metros de profundidade e o jogou fora. O poço se encheu de água da chuva, um viajante caiu nele e se afogou. Chamado a prestar contas, o moleiro disse que não tinha intenção de matar ninguém, simplesmente não havia outro lugar para conseguir barro. Ele foi libertado sob custódia. Porém, o antigo costume prescrevia fazer estradas de largura mínima: em um lugar deveria permitir a passagem de duas carroças, no outro - passar um cavaleiro com uma lança em punho. Na França, onde as estradas romanas atravessavam florestas, sua largura foi aumentada de 20 pés para cerca de 78, como precaução contra bandidos, que se tornaram cada vez mais numerosos à medida que o caro tráfego de mercadorias aumentava. Um sábio sempre viajava acompanhado e todos andavam armados. O viajante solitário era visto com desconfiança e poderia acabar em uma prisão local se não mencionasse motivos dignos de sua estada nesta região.

Viajar pela Europa, mesmo em circunstâncias favoráveis, pode levar várias semanas. Portanto, hotéis de beira de estrada - pousadas (ver Fig. 66) adquiriram tanta importância.

Arroz. 66. Sala principal de um hotel de beira de estrada

Poderia ser um grande estabelecimento, como o famoso Bull Hotel em Pádua, onde até 200 cavalos eram alojados nos estábulos, ou poderia ser uma pequena e fétida taberna para os descuidados e ingênuos. Na Áustria, foi capturado um estalajadeiro que, como ficou provado, ao longo dos anos matou mais de 185 hóspedes e acumulou uma riqueza considerável com isso. No entanto, a maioria dos contemporâneos pinta um quadro bastante amigável. A simpática senhora, retratada por William Caxton no primeiro guia, deveria causar uma impressão agradável aos viajantes após um dia cansativo passado na estrada. Caxton teve seu livro impresso em 1483.

Entre outras coisas, ela forneceu a seus compatriotas monolíngues frases em francês suficientes para perguntar como sair da cidade, alugar um cavalo e conseguir hospedagem para a noite. A conversa no hotel ali citado é mais educada do que informativa, mas nos mostra quais situações se repetiam todas as noites em todas as cidades da Europa.

“Deus te abençoe, senhora.

- Bem-vindo, rapaz.

– Posso pegar uma cama aqui?

- Sim, bom e limpo, [mesmo que] haja uma dúzia de vocês.

Não, somos três. Você pode comer aqui?

- Sim, em abundância, graças a Deus.

“Traga-nos comida e dê feno aos cavalos e seque-os bem com palha.”

Os viajantes comiam, verificavam prudentemente a conta da refeição e pediam para adicionar seu custo ao cálculo da manhã. Então segue:

“Leve-nos para a cama, estamos cansados.

“Jeanette, acenda uma vela e mostre-lhes aquele quarto lá em cima. E traga-lhes água quente para lavar os pés e cubra-os com um colchão de penas.”

A julgar pela conversa, este é um hotel de primeira classe. Os viajantes são servidos com jantar na mesa, eles obviamente não trouxeram comida com eles, embora esse fosse o costume. Eles são levados para a cama com uma vela e recebem água morna. Talvez, se tivessem sorte, pudessem conseguir uma cama para cada um, e não compartilhá-la com um estranho. Mas quer se trate de um luxuoso hotel, onde também se oferece entretenimento aos hóspedes, ou de uma simples cabana junto à muralha da cidade, o viajante pode aí descansar durante várias horas, protegido não só das intempéries e dos animais selvagens, mas também dos seus semelhantes. humanos.

O Renascimento é um dos períodos mais importantes da desenvolvimento cultural humanidade, porque é neste momento que surgem os fundamentos de uma cultura fundamentalmente nova, que surge uma riqueza de ideias, pensamentos, símbolos que serão ativamente utilizados pelas gerações subseqüentes no futuro. No século XV. na Itália está nascendo uma nova imagem da cidade, que se desenvolve mais como um projeto, um modelo futuro do que uma verdadeira concretização arquitetônica. Claro, na Itália renascentista eles embelezaram muito as cidades: endireitaram ruas, nivelaram fachadas, gastaram muito dinheiro criando calçadas etc. Os arquitetos também construíram novas casas, encaixando-as em espaços vazios ou, em casos raros, , ergueu-os em vez de demolir os antigos edifícios. No todo cidade italiana na realidade, permaneceu medieval em sua paisagem arquitetônica. Não foi um período de planejamento urbano ativo, mas foi nessa época que as questões urbanas começaram a ser reconhecidas como um dos Áreas críticas construção cultural. Surgiram muitos tratados interessantes sobre o que é uma cidade e não apenas como fenômeno político, mas também sociocultural. Como surge uma nova cidade aos olhos dos humanistas renascentistas, diferente da medieval?

Em todos os seus modelos urbanísticos, projetos e utopias, a cidade, antes de mais nada, libertou-se de seu protótipo sagrado – a Jerusalém celestial, a arca, simbolizando o espaço da salvação humana. No Renascimento, surgiu a ideia de uma cidade ideal, que foi criada não de acordo com o protótipo divino, mas como resultado da atividade criativa individual do arquiteto. O famoso L. B. Alberti, autor dos clássicos Dez Livros de Arquitetura, afirmava que as ideias arquitetônicas originais costumam surgir à noite, quando sua atenção está distraída e ele tem sonhos nos quais aparecem coisas que não se revelam durante a vigília. Essa descrição secularizada do processo criativo é bem diferente dos atos cristãos clássicos de visão.

A nova cidade apareceu nas obras dos humanistas italianos correspondendo não aos regulamentos celestiais, mas aos terrestres em seu propósito social, político, cultural e doméstico. Foi construído não com base no princípio da contração espaço-sagrado, mas com base em uma delimitação espacial funcional e completamente secular, e foi dividido em espaços de praças, ruas, que foram agrupadas em torno de importantes edifícios residenciais ou públicos. Tal reconstrução, embora de fato realizada em certa medida, por exemplo, em Florença, foi realizada em maior medida nas artes visuais, na construção de pinturas renascentistas e em projetos arquitetônicos. A cidade renascentista simbolizava a vitória do homem sobre a natureza, a crença otimista de que a "alocação" da civilização humana da natureza para sua nova mundo feito pelo homem tinham fundamentos razoáveis, harmoniosos e excelentes.

O homem renascentista é um protótipo da civilização da conquista do espaço, que completou com as próprias mãos o que ficou inacabado pelo criador. É por isso que, ao planejar cidades, os arquitetos gostavam de criar belos projetos, baseados no significado estético de várias combinações de formas geométricas, nas quais era necessário colocar todos os edifícios necessários para a vida da comunidade urbana. As considerações utilitárias ficaram em segundo plano, e o livre jogo estético das fantasias arquitetônicas subjugou a consciência dos planejadores urbanos da época. A ideia da livre criatividade como base para a existência do indivíduo é um dos mais importantes imperativos culturais do Renascimento. A criatividade arquitetônica, neste caso, também incorporou essa ideia, que se expressou na criação de projetos de construção que mais pareciam algumas intrincadas fantasias ornamentais. Na prática, essas ideias foram implementadas principalmente na criação tipo diferente pavimentos de pedra, que foram cobertos com lajes de forma regular. Foram eles, como principais inovações, que os habitantes da cidade se orgulharam, chamando-os de "diamante".

A cidade foi originalmente concebida como um produto artificial, opondo-se à naturalidade do mundo natural, porque, ao contrário da cidade medieval, ela subjugava e dominava o espaço vital, e não apenas se encaixava no terreno. Portanto, as cidades ideais do Renascimento tinham um estrito forma geométrica na forma de um quadrado, cruz ou octógono. Segundo a expressão apropriada de I. E. Danilova, os projetos arquitetônicos da época, por assim dizer, foram sobrepostos de cima na área como um selo de dominação mente humana a que tudo está sujeito. Na era da Nova Era, o homem procurou tornar o mundo previsível, razoável, para se livrar do jogo incompreensível do acaso ou da fortuna. Assim, L. B. Alberti, em sua obra “Sobre a Família”, argumentou que a razão desempenha um papel muito maior nos assuntos civis e na vida humana do que a fortuna. O famoso teórico da arquitetura e do planejamento urbano falou sobre a necessidade de testar e conquistar o mundo, estendendo a ele as regras da matemática aplicada e da geometria. Deste ponto de vista, a cidade renascentista foi a forma mais elevada de conquista do mundo, do espaço, pois os projetos urbanísticos envolviam a reorganização da paisagem natural em decorrência da imposição de uma grade geométrica de espaços delimitados. Ao contrário da Idade Média, era um modelo aberto, cujo centro não era a catedral, mas o espaço livre da praça, que se abria por todos os lados com ruas, com vistas ao longe, além das muralhas da cidade.

Os especialistas modernos no campo da cultura estão prestando cada vez mais atenção aos problemas da organização espacial das cidades renascentistas, em particular o tema da praça da cidade, sua gênese e semântica são discutidos ativamente em vários simpósios internacionais. R. Barth escreveu: “A cidade é um tecido que consiste não em elementos equivalentes nos quais suas funções podem ser listadas, mas em elementos significativos e insignificantes ... Além disso, devo observar que tudo maior valor eles começam a dar um vazio significativo em vez do vazio do significativo. Em outras palavras, os elementos tornam-se cada vez mais significativos não em si mesmos, mas dependendo de sua localização.

A cidade medieval, os seus edifícios, a igreja encarnavam o fenómeno da proximidade, da necessidade de ultrapassar alguma barreira física ou espiritual, fosse uma catedral ou um palácio semelhante a uma pequena fortaleza, este é um espaço especial separado do mundo exterior. A penetração sempre simbolizava a familiarização com algum segredo oculto. A praça, por outro lado, era um símbolo de uma época completamente diferente: encarnava a ideia de abertura não só para cima, mas também para os lados, por ruas, becos, janelas, etc. um espaço fechado. Em contraste, qualquer quadrado criava a sensação de um espaço instantaneamente aberto e aberto. As praças da cidade, por assim dizer, simbolizavam o próprio processo de libertação dos segredos místicos e incorporavam o espaço abertamente dessacralizado. L. B. Alberti escreveu que a decoração mais importante das cidades era dada pela posição, direção, correspondência, disposição das ruas e praças.

Essas ideias foram apoiadas pela prática real da luta pela libertação dos espaços urbanos do controle de clãs familiares individuais, que ocorreu em Florença nos séculos XIV e XV. F. Brunelleschi durante este período projeta três novas praças na cidade. As lápides de várias pessoas nobres são removidas das praças, os mercados são reconstruídos de acordo. A ideia de espaço aberto é incorporada por L. B. Alberti em relação às paredes. Ele aconselha o uso de colunatas sempre que possível, a fim de enfatizar a convencionalidade das paredes como um obstáculo. É por isso que o arco de Alberti é visto como o oposto dos portões trancados da cidade. O arco está sempre aberto, como se servisse de moldura para abrir vistas e assim conectar o espaço urbano.

A urbanização renascentista não implica a proximidade e o isolamento do espaço urbano, mas, pelo contrário, a sua distribuição fora da cidade. O pathos ofensivo agressivo do "conquistador da natureza" é demonstrado pelos projetos de Francesco di Giorgio Martini. Yu M. Lotman escreveu sobre esse impulso espacial, característico de seus tratados. As fortalezas de Martini, na maioria dos casos, têm a forma de uma estrela, que é descoberta em todas as direções pelos cantos das paredes com bastiões fortemente estendidos para fora. Esta solução arquitetônica deveu-se em grande parte à invenção da bala de canhão. Os canhões, montados em bastiões muito avançados no espaço, permitiam neutralizar ativamente os inimigos, atingi-los a grande distância e impedi-los de atingir as paredes principais.

Leonardo Bruni, em suas obras laudatórias sobre Florença, nos apresenta mais do que uma cidade real, mas uma doutrina sociocultural incorporada, pois ele está tentando "corrigir" o traçado urbano e descrever a localização dos edifícios de uma nova maneira. Como resultado, o Palazzo Signoria fica no centro da cidade, do qual, como símbolo do poder urbano, divergem anéis de muralhas, fortificações, etc., mais largos do que na realidade. Nesta descrição, Bruni parte do modelo fechado de uma cidade medieval e tenta concretizar uma nova ideia a ideia de expansão urbana, que é uma espécie de símbolo de uma nova era. Florença toma terras próximas e subjuga vastos territórios.

Assim, a cidade ideal no século XV. é concebido não em uma projeção vertical sacralizada, mas em um espaço sócio-cultural horizontal, que é entendido não como uma esfera de salvação, mas como um ambiente de vida confortável. É por isso que a cidade ideal é retratada por artistas do século XV. não como uma meta distante, mas de dentro, como uma bela e harmoniosa esfera da vida humana.

No entanto, é necessário observar certas contradições que originalmente estavam presentes na imagem da cidade renascentista. Apesar de neste período surgirem magníficas e confortáveis ​​habitações de um novo tipo, criadas principalmente “para o bem do povo”, a própria cidade já começa a ser percebida como uma jaula de pedra, o que não permite o desenvolvimento de uma personalidade humana livre e criativa. A paisagem urbana pode ser percebida como algo que contradiz a natureza, e, como você sabe, é a natureza (humana e não humana) que é objeto de admiração estética de artistas, poetas e pensadores da época.

O início da urbanização do espaço sociocultural, mesmo nas suas formas primárias, rudimentares e entusiasticamente percebidas, já suscitava um sentimento de solidão ontológica, de abandono no novo mundo “horizontal”. No futuro, esta dualidade irá desenvolver-se, transformando-se numa aguda contradição da consciência cultural dos tempos modernos e conduzindo à emergência de cenários antiurbanos utópicos.

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Culturologia

Teoria da cultura. A culturalogia no sistema de conhecimento sócio-humanitário. Teorias culturais básicas e escolas de nosso tempo. A dinâmica da cultura. História da cultura. A civilização antiga é o berço da cultura europeia. Cultura da Idade Média européia. problemas reais cultura moderna. Faces nacionais da cultura em um mundo globalizado. Linguagens e códigos de cultura.

Este material inclui seções:

A cultura como condição para a existência e o desenvolvimento da sociedade

A Culturologia como um campo de conhecimento independente

Conceitos de estudos culturais, seu objeto, assunto, tarefas

A estrutura do conhecimento cultural

Métodos de pesquisa cultural

A unidade do histórico e do lógico na compreensão da cultura

Idéias antigas sobre cultura

Entendendo a Cultura na Idade Média

Compreensão da cultura na filosofia europeia dos tempos modernos

Características gerais dos estudos culturais do século XX.

Conceito cultural de O. Spengler

arte renascentista

Renascimento- este é o apogeu de todas as artes, incluindo o teatro, a literatura e a música, mas, sem dúvida, a principal delas, que mais expressava o espírito de sua época, eram as artes plásticas.

Não é por acaso que existe uma teoria de que o Renascimento começou com o fato de os artistas não estarem mais satisfeitos com a estrutura do estilo "bizantino" dominante e, em busca de modelos para suas obras, foram os primeiros a recorrer à antiguidade. O termo "Renaissance" (Renascimento) foi introduzido pelo próprio pensador e artista da época, Giorgio Vasari ("Biografia de famosos pintores, escultores e arquitetos"). Então ele chamou o tempo de 1250 a 1550. Do seu ponto de vista, esta foi a época do renascimento da antiguidade. Para Vasari, a antiguidade aparece de forma ideal.

No futuro, o conteúdo do termo evoluiu. O renascimento começou a significar a emancipação da ciência e da arte da teologia, um esfriamento em relação à ética cristã, o nascimento das literaturas nacionais, o desejo do homem de se libertar das restrições da Igreja Católica. Ou seja, o Renascimento, em essência, passou a significar humanismo.

REVISÃO, RENASCIMENTO(Renascimento francês - renascimento) - uma das maiores eras, ponto de inflexão no desenvolvimento da arte mundial entre a Idade Média e os novos tempos. O Renascimento abrange os séculos XIV-XVI. na Itália, séculos XV-XVI. em outros países europeus. Este período no desenvolvimento da cultura recebeu seu nome - Renascimento (ou Renascimento) em conexão com o renascimento do interesse pela arte antiga. No entanto, os artistas da época não apenas copiaram padrões antigos, mas também colocaram um conteúdo qualitativamente novo neles. O Renascimento não deve ser considerado um estilo ou direção artística, pois nesta época havia vários estilos artísticos, tendências, correntes. O ideal estético do Renascimento foi formado com base em uma nova visão de mundo progressista - o humanismo. O mundo real e o homem foram proclamados o valor mais alto: o homem é a medida de todas as coisas. O papel da pessoa criativa aumentou especialmente.

O pathos humanista da época foi melhor incorporado na arte, que, como nos séculos anteriores, visava dar uma imagem do universo. A novidade é que eles tentaram unir o material e o espiritual em um todo. Era difícil encontrar uma pessoa indiferente à arte, mas a preferência era dada às artes plásticas e à arquitetura.

Pintura italiana do século XV principalmente monumental (frescos). A pintura ocupa um lugar de destaque entre os tipos de artes plásticas. Corresponde plenamente ao princípio renascentista de "imitar a natureza". Um novo sistema visual é formado com base no estudo da natureza. Ele deu uma contribuição valiosa para o desenvolvimento da compreensão do volume, sua transmissão com a ajuda do claro-escuro o pintor Masaccio. A descoberta e comprovação científica das leis da perspectiva linear e aérea influenciaram significativamente o futuro destino da pintura européia. Uma nova linguagem plástica da escultura está se formando, seu fundador foi Donatello. Ele reviveu a estátua redonda independente. Seu melhor trabalho é a escultura de David (Florença).

Na arquitetura, os princípios do antigo sistema de ordem são ressuscitados, a importância das proporções é elevada, novos tipos de edifícios estão sendo formados (palácio da cidade, casa de campo, etc.), a teoria da arquitetura e o conceito de cidade ideal são sendo desenvolvido. O arquiteto Brunelleschi construiu edifícios nos quais combinou a antiga compreensão da arquitetura e as tradições do gótico tardio, alcançando uma nova espiritualidade figurativa da arquitetura, desconhecida dos antigos. Durante o alto Renascimento, a nova visão de mundo foi melhor incorporada no trabalho de artistas que são justamente chamados de gênios: Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione e Ticiano. Os últimos dois terços do século XVI chamado Renascimento tardio. Neste momento, a crise abrange o art. Torna-se regular, cortês, perde o calor e a naturalidade. No entanto, grandes artistas individuais - Ticiano, Tintoretto continuam a criar obras-primas durante este período.

O Renascimento italiano teve um enorme impacto na arte da França, Espanha, Alemanha, Inglaterra e Rússia.

A ascensão no desenvolvimento da arte da Holanda, França e Alemanha (séculos XV-XVI) é chamada de Renascimento do Norte. A obra dos pintores Jan van Eyck, P. Brueghel, o Velho, é o auge desse período no desenvolvimento da arte. Na Alemanha, A. Dürer foi o maior artista do Renascimento alemão.

As descobertas feitas durante o Renascimento no campo da cultura espiritual e da arte foram de grande significado histórico para o desenvolvimento da arte européia nos séculos seguintes. O interesse por eles continua até hoje.

O Renascimento na Itália passou por vários estágios: início do Renascimento, alto Renascimento, final do Renascimento. Florença tornou-se o berço do Renascimento. As bases da nova arte foram desenvolvidas pelo pintor Masaccio, pelo escultor Donatello e pelo arquiteto F. Brunelleschi.

O primeiro a criar pinturas em vez de ícones foi o maior mestre do Proto-Renascimento Giotto. Ele foi o primeiro a se esforçar para transmitir ideias éticas cristãs por meio da representação de sentimentos e experiências humanas reais, substituindo o simbolismo pela representação do espaço real e de objetos específicos. Nos famosos afrescos de Giotto em Arena Chapel em Pádua você pode ver personagens bastante incomuns ao lado dos santos: pastores ou fiandeiras. Cada pessoa individual em Giotto expressa experiências bastante definidas, um caráter definido.

Na era do início do Renascimento na arte, ocorre o desenvolvimento da antiga herança artística, novos ideais éticos são formados, os artistas se voltam para as conquistas da ciência (matemática, geometria, ótica, anatomia). O papel principal na formação dos princípios ideológicos e estilísticos da arte do início do Renascimento é desempenhado por Florença. Nas imagens criadas por mestres como Donatello, Verrocchio, a estátua equestre do condottiere Gattamelata David de Donatello domina os princípios heróicos e patrióticos ("São Jorge" e "David" de Donatello e "David" de Verrocchio).

Masaccio foi o fundador da pintura renascentista.(murais na Capela Brancacci, "Trinity"), Masaccio foi capaz de transmitir a profundidade do espaço, conectou a figura e a paisagem com uma única ideia de composição e deu expressividade aos retratos individuais.

Mas a formação e a evolução do retrato pictórico, que refletiu o interesse da cultura renascentista pelo homem, estão associadas aos nomes dos artistas da escola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

A obra do artista se destaca no início do Renascimento Sandro Boticelli. As imagens que criou são espiritualizadas e poéticas. Os pesquisadores notam a abstração e o intelectualismo refinado nas obras do artista, seu desejo de criar composições mitológicas com conteúdo complicado e criptografado ("Primavera", "O Nascimento de Vênus"). Um dos biógrafos de Botticelli disse que suas Madonas e Vênus dão a impressão de perda, causando-nos um sentimento de tristeza indelével... Alguns deles perderam o céu, outros - a terra.

"Primavera" "Nascimento de Vênus"

A culminação no desenvolvimento dos princípios ideológicos e artísticos do Renascimento italiano é Alta Renascença. O fundador da arte do Alto Renascimento é Leonardo da Vinci - grande artista e cientista.

Ele criou linha inteira Obras-primas: "Mona Lisa" ("La Gioconda") A rigor, o próprio rosto de Gioconda se distingue pela contenção e calma, o sorriso que lhe deu fama mundial e que mais tarde se tornou parte indispensável das obras da escola de Leonardo é quase imperceptível nele. Mas na névoa suavemente derretida que envolve o rosto e a figura, Leonardo conseguiu fazer sentir a variabilidade ilimitada das expressões faciais humanas. Embora os olhos de Gioconda olhem atentos e calmos para o observador, devido ao sombreamento de suas órbitas, pode-se pensar que eles são ligeiramente carrancudos; seus lábios estão comprimidos, mas sombras quase imperceptíveis se delineiam perto de seus cantos, o que faz você acreditar que a cada minuto eles vão se abrir, sorrir, falar. O próprio contraste entre seu olhar e o meio sorriso em seus lábios dá uma ideia da natureza contraditória de suas experiências. Não foi à toa que Leonardo torturou sua modelo com longas sessões. Como ninguém, ele conseguiu transmitir sombras, sombras e meios-tons nesta foto, e eles dão uma sensação de vida trêmula. Não é à toa que Vasari pensou que no pescoço da Mona Lisa você pode ver como uma veia está batendo.

No retrato de Gioconda, Leonardo não apenas transmitiu perfeitamente o corpo e o ambiente aéreo que o envolve. Ele também colocou nele um entendimento do que o olho precisa para que uma imagem produza uma impressão harmoniosa, e é por isso que tudo parece que as formas nascem naturalmente umas das outras, como acontece na música quando uma dissonância tensa é resolvida. por um acorde harmonioso. Gioconda está perfeitamente inscrita em um retângulo estritamente proporcional, sua meia-figura forma algo inteiro, as mãos cruzadas dão completude à sua imagem. Agora, é claro, não havia dúvida dos cachos bizarros da Anunciação primitiva. Porém, por mais suavizados que sejam todos os contornos, a mecha ondulada dos cabelos de Gioconda está em sintonia com o véu transparente, e o tecido pendurado jogado sobre o ombro encontra eco nas curvas suaves da estrada distante. Em tudo isso, Leonardo mostra sua capacidade de criar de acordo com as leis do ritmo e da harmonia. “Em termos de técnica, a Mona Lisa sempre foi considerada algo inexplicável. Agora acho que posso responder a esse enigma”, diz Frank. Segundo ele, Leonardo usou a técnica que desenvolveu "sfumato" (italiano "sfumato", literalmente - "desapareceu como fumaça"). O truque é que os objetos nas pinturas não devem ter limites claros, tudo deve transitar suavemente de um para o outro, os contornos dos objetos são suavizados com a ajuda da névoa de luz ao seu redor. A principal dificuldade dessa técnica reside nos menores traços (cerca de um quarto de milímetro) que não são acessíveis para reconhecimento ao microscópio ou por meio de raios-X. Assim, foram necessárias várias centenas de sessões para pintar um quadro de Da Vinci. A imagem da Mona Lisa consiste em cerca de 30 camadas de tinta a óleo líquida, quase transparente. Para tal trabalho de joalheria, o artista aparentemente teve que usar uma lupa. Talvez o uso de uma técnica tão trabalhosa explique o longo tempo gasto trabalhando no retrato - quase 4 anos.

, "A última Ceia" causa uma impressão duradoura. Na parede, como se a superasse e levasse o espectador ao mundo da harmonia e das visões majestosas, desenrola-se o antigo drama evangélico da confiança enganada. E este drama encontra a sua resolução num impulso geral dirigido para a personagem principal - um marido de rosto triste, que aceita o que está a acontecer como inevitável. Cristo acabara de dizer a seus discípulos: "Um de vocês me trairá". O traidor senta-se com os outros; os antigos mestres retratavam Judas sentado separadamente, mas Leonardo realçava seu isolamento sombrio de forma muito mais convincente, envolvendo suas feições com uma sombra. Cristo é submisso ao seu destino, cheio de consciência do sacrifício de sua façanha. Sua cabeça inclinada com olhos baixos, o gesto de suas mãos são infinitamente belos e majestosos. Uma paisagem encantadora se abre pela janela atrás de sua figura. Cristo é o centro de toda a composição, de todo aquele redemoinho de paixões que assola. Sua tristeza e calma são, por assim dizer, eternas, naturais - e este é o significado profundo do drama mostrado. Ele estava procurando as fontes de formas perfeitas de arte na natureza, mas N. Berdyaev o considera responsável pelo próximo processo de mecanização e mecanização da vida humana, que arrancou o homem da natureza.

A pintura alcança a harmonia clássica na criatividade Rafael. Sua arte evolui das primeiras imagens frias da Úmbria de Madonas (Madonna Conestabile) para o mundo do "cristianismo feliz" das obras florentinas e romanas. "Madonna with a Goldfinch" e "Madonna in an Armchair" são suaves, humanos e até comuns em sua humanidade.

Mas a imagem da "Madona Sistina" é majestosa, conectando simbolicamente os mundos celeste e terrestre. Acima de tudo, Raphael é conhecido como o criador de imagens suaves de Madonas. Mas na pintura, ele incorporou tanto o ideal do homem universal renascentista (retrato de Castiglione) quanto o drama dos eventos históricos. A Madona Sistina (c. 1513, Dresden, Galeria de Arte) é uma das obras mais inspiradas do artista. Escrito como retábulo para a igreja do mosteiro de S. Sisto em Piacenza, esta pintura, em termos de design, composição e interpretação da imagem, difere significativamente das Madonas do período florentino. Em vez de uma imagem íntima e terrena de uma bela jovem donzela seguindo condescendentemente as diversões de dois bebês, aqui temos uma visão maravilhosa que apareceu de repente no céu por causa de uma cortina puxada por alguém. Cercada por um esplendor dourado, solene e majestoso, Maria caminha por entre as nuvens, segurando o menino Jesus diante de si. Esquerda e direita se ajoelham diante de seu St. Sisto e S. Bárbara. A composição simétrica e estritamente equilibrada, a clareza da silhueta e a generalização monumental das formas conferem à Madona Sistina uma grandeza especial.

Nesta foto, Raphael, talvez mais do que em qualquer outro lugar, conseguiu combinar a veracidade realista da imagem com as características da perfeição ideal. A imagem da Madona é complexa. A pureza comovente e a ingenuidade de uma mulher muito jovem combinam-se nele com uma determinação firme e uma disposição heróica para o sacrifício. Este heroísmo torna a imagem de Nossa Senhora relacionada com as melhores tradições do humanismo italiano. A combinação do ideal e do real nesta foto lembra as conhecidas palavras de Rafael em uma carta ao amigo B. Castiglione. “E eu vou te dizer”, escreveu Raphael, “que para escrever uma beleza, preciso ver muitas belezas ... mas por falta ... em mulheres bonitas, eu uso alguma ideia que me vem à cabeça. Se tem alguma perfeição, não sei, mas tento muito alcançá-la. Estas palavras iluminam método criativo artista. Partindo da realidade e contando com ela, ao mesmo tempo ele se esforça para elevar a imagem acima de tudo acidental e transitório.

Michelangelo(1475-1564) - sem dúvida um dos artistas mais inspirados da história da arte e, junto com Leonardo da Vinci, a figura mais poderosa do alto renascimento italiano. Como escultor, arquiteto, pintor e poeta, Michelangelo teve uma enorme influência em seus contemporâneos e na arte ocidental subsequente em geral.

Ele se considerava um florentino - embora tenha nascido em 6 de março de 1475 na pequena vila de Caprese, perto da cidade de Arezzo. Michelangelo amou profundamente sua cidade, sua arte, cultura e levou esse amor até o fim de seus dias. Ele passou a maior parte de seus anos maduros em Roma, trabalhando para os papas; no entanto, ele deixou um testamento, segundo o qual seu corpo foi enterrado em Florença, em um belo túmulo na igreja de Santa Croce.

Michelangelo completou a escultura de mármore pieta(Lamentação de Cristo) (1498-1500), que ainda está em seu local original - na Catedral de São Pedro. Este é um dos mais trabalho famoso na história da arte mundial. A pietà provavelmente foi concluída por Michelangelo antes dos 25 anos de idade. Este é o único trabalho que ele assinou. A jovem Maria é retratada com o Cristo morto de joelhos, uma imagem emprestada da arte do norte da Europa. O olhar de Maria não é tão triste quanto solene. Este é o ponto mais alto da criatividade do jovem Michelangelo.

Obra não menos significativa do jovem Michelangelo foi uma imagem gigante de mármore (4,34 m) Davi(Academia, Florença), executado entre 1501 e 1504, depois de regressar a Florença. Herói Antigo Testamento retratado por Michelangelo na forma de um jovem bonito, musculoso e nu, que olha ansiosamente para longe, como se estivesse avaliando seu inimigo - Golias, com quem tem que lutar. A expressão viva e tensa do rosto de David é característica de muitas das obras de Michelangelo - este é um sinal de sua maneira escultural individual. O David, a escultura mais famosa de Michelangelo, tornou-se um símbolo de Florença e foi originalmente colocado na Piazza della Signoria em frente ao Palazzo Vecchio, a prefeitura florentina. Com esta estátua, Michelangelo provou aos seus contemporâneos que não só superou todos os artistas contemporâneos, mas também os mestres da antiguidade.

Pintura na abóbada da Capela Sistina Em 1505, Michelangelo foi convocado a Roma pelo Papa Júlio II para cumprir duas ordens. O mais importante foi o afresco da abóbada da Capela Sistina. Trabalhando deitado em altos andaimes logo abaixo do teto, Michelangelo criou as mais belas ilustrações para algumas histórias bíblicas entre 1508 e 1512. Na abóbada da capela papal, ele retratou nove cenas do Livro do Gênesis, começando com a Separação da Luz das Trevas e incluindo a Criação de Adão, a Criação de Eva, a Tentação e Queda de Adão e Eva e o Dilúvio. . Ao redor das pinturas principais alternam-se imagens de profetas e sibilas em tronos de mármore, outros personagens do Antigo Testamento e os antepassados ​​de Cristo.

Para se preparar para esta grande obra, Michelangelo fez um grande número de esboços e cartolinas, nos quais retratou as figuras dos modelos em várias poses. Essas imagens majestosas e poderosas provam a compreensão magistral do artista sobre a anatomia e o movimento humano, que deu impulso a uma nova direção na arte da Europa Ocidental.

Duas outras excelentes estátuas, Prisioneiro amarrado e morte de um escravo(ambos c. 1510-13) estão no Louvre, Paris. Eles demonstram a abordagem de Michelangelo à escultura. Para ele, as figuras estão simplesmente encerradas no bloco de mármore, cabendo ao artista libertá-las retirando o excesso de pedra. Muitas vezes, Michelangelo deixava as esculturas inacabadas, seja porque não eram mais necessárias ou simplesmente porque perderam o interesse pelo artista.

Biblioteca de San Lorenzo O projeto da tumba de Júlio II exigia estudo arquitetônico, mas o trabalho sério de Michelangelo no campo da arquitetura começou apenas em 1519, quando recebeu a ordem de fazer a fachada da Biblioteca de São Lourenço em Florença, onde o artista voltou novamente ( este projeto nunca foi implementado). Na década de 1520, ele também projetou o elegante hall de entrada da Biblioteca adjacente à igreja de San Lorenzo. Essas estruturas foram concluídas apenas algumas décadas após a morte do autor.

Michelangelo, um adepto da facção republicana, participou nos anos 1527-29 na guerra contra os Medici. Suas responsabilidades incluíam a construção e reconstrução das fortificações de Florença.

Capelas dos Médici. Depois de viver em Florença por um período bastante longo, Michelangelo completou entre 1519 e 1534 a comissão da família Medici para erguer dois túmulos na nova sacristia da igreja de San Lorenzo. Em um salão com uma abóbada alta e abobadada, o artista ergueu dois magníficos túmulos contra as paredes, destinados a Lorenzo De Medici, Duque de Urbino e Giuliano De Medici, Duque de Nemours. Duas sepulturas complexas foram concebidas como representações de tipos opostos: Lorenzo - uma pessoa fechada em si mesma, uma pessoa pensativa e retraída; Giuliano, ao contrário, é ativo, aberto. Acima do túmulo de Lorenzo, o escultor colocou esculturas alegóricas da Manhã e da Noite, e acima do túmulo de Giuliano - alegorias do Dia e da Noite. O trabalho nas tumbas dos Medici continuou depois que Michelangelo voltou a Roma em 1534. Ele nunca mais visitou sua amada cidade.

Juízo Final

De 1536 a 1541, Michelangelo trabalhou em Roma na pintura da parede do altar da Capela Sistina no Vaticano. O maior afresco do Renascimento retrata o dia do Juízo Final. Cristo, com um raio de fogo na mão, inexoravelmente divide todos os habitantes da terra em justos salvos, representados no lado esquerdo da composição, e pecadores descendo em O inferno de Dante (lado esquerdo do afresco). Seguindo estritamente sua própria tradição, Michelangelo originalmente pintou todas as figuras nuas, mas uma década depois algum artista puritano as "vestiu" quando o clima cultural se tornou mais conservador. Michelangelo deixou seu próprio autorretrato no afresco - seu rosto é facilmente adivinhado na pele arrancada do Santo Mártir Apóstolo Bartolomeu.

Embora durante este período Michelangelo tivesse outras encomendas pictóricas, como pintar a capela de São Paulo Apóstolo (1940), antes de tudo ele tentou dedicar todas as suas forças à arquitetura.

Cúpula da Catedral de São Pedro. Em 1546, Michelangelo foi nomeado arquiteto-chefe da Catedral de São Pedro no Vaticano, que estava em construção. O edifício foi construído de acordo com o projeto de Donato Bramante, mas Michelangelo acabou ficando responsável pela construção da abside do altar e pelo desenvolvimento da solução de engenharia e artística para a cúpula da catedral. A conclusão da construção da Catedral de São Pedro foi a maior conquista do mestre florentino no campo da arquitetura. Durante sua longa vida, Michelangelo foi amigo íntimo de príncipes e papas, de Lorenzo de Medici a Leão X, Clemente VIII e Pio III, além de muitos cardeais, pintores e poetas. O caráter do artista, sua posição na vida é difícil de entender inequivocamente por meio de suas obras - elas são tão diversas. Exceto talvez na poesia, em seus próprios poemas, Michelangelo voltou-se com mais frequência e profundidade para questões de criatividade e seu lugar na arte. Um grande lugar em seus poemas é dado aos problemas e dificuldades que ele teve que enfrentar em seu trabalho e nas relações pessoais com os representantes mais proeminentes da época. Um dos poetas mais famosos do Renascimento, Lodovico Ariosto escreveu um epitáfio para esse artista famoso: "Michele é mais que um mortal, é um anjo divino."

Serguei Khromov

Embora nem uma única cidade ideal tenha sido concretizada em pedra, suas ideias encontraram vida em cidades reais renascimento...

Cinco séculos nos separam do período em que os arquitetos abordaram pela primeira vez as questões da reconstrução da cidade. E essas mesmas questões são agudas para nós hoje: como criar novas cidades? Como reconstruir os antigos - encaixar neles conjuntos separados ou demolir e reconstruir tudo? E o mais importante - que ideia colocar em uma nova cidade?

Os mestres do Renascimento incorporaram aquelas ideias que já soavam na cultura e na filosofia antigas: as ideias do humanismo, a harmonia da natureza e do homem. As pessoas novamente se voltam para o sonho de Platão de um estado ideal e uma cidade ideal. A nova imagem da cidade nasce primeiro como imagem, como fórmula, como ideia, que é uma ousada pretensão para o futuro - como muitas outras invenções do Quattrocento italiano.

No planejamento urbano do Renascimento, teoria e prática se desenvolvem em paralelo. Novos edifícios estão sendo construídos e os antigos estão sendo reconstruídos, conjuntos arquitetônicos e tratados estão sendo escritos ao mesmo tempo, dedicado à arquitetura, planejando e fortificando cidades. Entre eles estão as famosas obras de Alberti e Palladio, esquemas das cidades ideais de Filarete, Scamozzi e outros. A ideia dos autores está muito à frente das necessidades da construção prática: eles descrevem não projetos finalizados, segundo o qual você pode planejar uma cidade específica e uma ideia representada graficamente, o conceito de cidade. É dado um raciocínio sobre a localização da cidade do ponto de vista da economia, higiene, defesa, estética. Pesquisas estão sendo feitas para planos ideais para áreas residenciais e centros urbanos, jardins e parques. Questões de composição, harmonia, beleza, proporção são estudadas. Nessas construções ideais, o planejamento da cidade é caracterizado pelo racionalismo, clareza geométrica, composição cêntrica e harmonia entre o todo e as partes. E, finalmente, o que distingue a arquitetura do Renascimento de outras épocas é a pessoa que está no centro, no coração de todas essas construções. A atenção à pessoa humana era tão grande que até estruturas arquitetônicas comparado corpo humano como um padrão de proporções perfeitas e beleza.

Teoria

Nos anos 50 do século XV. Aparece o tratado "Dez Livros de Arquitetura" de Leon Alberti. Foi, em essência, o primeiro trabalho teórico da nova era sobre esse tema. Ele lida com muitas questões de planejamento urbano, desde a escolha do local e planejamento da cidade até a tipologia e decoração do edifício. De particular interesse são seus argumentos sobre a beleza. Alberti escreveu que "a beleza é uma estrita harmonia proporcional de todas as partes, unidas por aquilo a que pertencem - de modo que nada pode ser adicionado, subtraído ou alterado sem torná-lo pior". De fato, Alberti foi o primeiro a proclamar os princípios básicos do conjunto urbano renascentista, vinculando o antigo senso de proporção com o início racionalista de uma nova era. A dada relação entre a altura do edifício e o espaço localizado à sua frente (de 1:3 a 1:6), a consistência das escalas arquitetônicas dos edifícios principal e secundário, o equilíbrio da composição e a ausência de contrastes dissonantes - estes são os princípios estéticos dos urbanistas renascentistas.

A cidade ideal animou muitas pessoas importantes da época. Pensei nele e em Leonardo da Vinci. A sua ideia era criar uma cidade de dois níveis: o nível superior destinava-se a vias pedonais e de superfície, e o inferior a túneis e canais ligados às caves das casas, por onde circula o transporte de mercadorias. Conhecido por seus planos para a reconstrução de Milão e Florença, bem como o projeto de uma cidade fusiforme.

Outro proeminente teórico da cidade foi Andrea Palladio. No seu tratado "Quatro Livros de Arquitectura" reflecte sobre a integridade do organismo urbano e a relação dos seus elementos espaciais. Ele diz que "uma cidade nada mais é do que uma espécie de casa grande e vice-versa, uma casa é uma espécie de cidade pequena". Sobre o conjunto urbano, ele escreve: “A beleza é o resultado bela forma e a correspondência do todo com as partes, das partes entre si, e também das partes com o todo. Um lugar de destaque no tratado é dado ao interior dos edifícios, suas dimensões e proporções. Palladio está tentando conectar organicamente o espaço externo das ruas com o interior das casas e pátios.

Perto do final do século XVI. muitos teóricos foram atraídos pelas questões de espaço comercial e fortificações. Assim, Giorgio Vasari Jr. em sua cidade ideal presta muita atenção ao desenvolvimento de praças, galerias comerciais, galerias, palazzos. E nos projetos de Vicenzo Scamozzi e Buanayuto Lorrini, as questões da arte da fortificação ocupam um lugar significativo. Esta foi uma resposta à ordem da época - com a invenção de projéteis explosivos, as muralhas e torres da fortaleza foram substituídas por bastiões de terra, retirados dos limites da cidade, e a cidade passou a se assemelhar a uma estrela multifeixe em seus contornos . Essas idéias foram incorporadas na fortaleza realmente construída de Palmanova, cuja criação é atribuída a Scamozzi.

Prática

Embora nenhuma cidade ideal tenha sido incorporada em pedra, com exceção de pequenas cidades-fortaleza, muitos dos princípios de sua construção foram incorporados à realidade já no século XVI. Naquela época, na Itália e em outros países, foram construídas ruas retas e largas, conectando elementos importantes do conjunto urbano, novas praças foram criadas, antigas foram reconstruídas e, posteriormente, surgiram parques e conjuntos palacianos com uma estrutura regular.

Apesar do fato de que a arte do Renascimento era suficientemente oposta à arte da Idade Média, ela se encaixava fácil e organicamente nas cidades medievais. Em suas atividades práticas, os arquitetos renascentistas usaram o princípio de "construir um novo sem destruir o antigo". Eles conseguiram criar conjuntos surpreendentemente harmoniosos não apenas a partir de edifícios do mesmo estilo, como pode ser visto nas praças de Annuziata em Florença (desenhada por Filippo Brunelleschi) e no Capitólio de Roma (desenhado por Michelangelo), mas também combinando edifícios de tempos diferentes em uma composição. Assim, na praça de S. Mark em Veneza, edifícios medievais são combinados em um conjunto arquitetônico e espacial com novos edifícios do século XVI. E em Florença, da Piazza della Signoria com o medieval Palazzo Vecchio, segue-se harmoniosamente a Rua Uffizi, desenhada por Giorgio Vasari. Além disso, o conjunto da Catedral florentina de Santa Maria del Fiore (reconstrução de Brunelleschi) combina perfeitamente três estilo arquitetônico: românico, gótico e renascentista.

A cidade da Idade Média e a cidade do Renascimento

A cidade ideal do Renascimento surgiu como uma espécie de protesto contra a Idade Média, expressa no desenvolvimento de antigos princípios urbanísticos. Ao contrário da cidade medieval, que era percebida como uma espécie, embora imperfeita, da "Jerusalém Celestial", a personificação não de um humano, mas de um plano divino, a cidade do Renascimento foi criada por um criador humano. O homem não apenas copiou o que já existia, ele criou algo mais perfeito e o fez de acordo com a “matemática divina”. A cidade do Renascimento foi criada para o homem e devia corresponder à ordem do mundo terreno, à sua estrutura social, política e quotidiana real.

A cidade medieval é cercada por poderosas muralhas, isoladas do mundo, suas casas são mais como fortalezas com algumas brechas. A cidade do Renascimento é aberta, não se defende do mundo exterior, ela o controla, o subjuga. As paredes dos edifícios, delimitando, unem os espaços das ruas e praças com pátios e salas. Eles são permeáveis ​​- eles têm muitas aberturas, arcadas, colunatas, calçadas, janelas.

Se a cidade medieval é a disposição dos volumes arquitetônicos, a cidade renascentista é, em maior medida, a distribuição dos espaços arquitetônicos. O centro da nova cidade não é o prédio da catedral ou da prefeitura, mas o espaço livre da praça principal, aberto tanto para cima quanto para os lados. Eles entram no prédio e saem para a rua e a praça. E se a cidade medieval é composicionalmente desenhada para o seu centro - é centrípeta, então a cidade do Renascimento é centrífuga - é dirigida para mundo externo.

A cidade medieval segue a paisagem natural, utilizando-a para os seus próprios fins. A cidade do Renascimento é antes uma obra de arte, um "jogo de geometria". O arquitecto modifica o terreno sobrepondo-lhe uma grelha geométrica de espaços desenhados. Tal cidade tem uma forma clara: um círculo, um quadrado, um octógono, uma estrela; até os rios se endireitam nela.

A cidade medieval é vertical. Aqui tudo é direcionado para cima, para o céu - distante e inacessível. A cidade do Renascimento é horizontal, o principal aqui é a perspectiva, a aspiração ao longe, a novos horizontes. Para uma pessoa medieval, o caminho para o céu é uma ascensão, alcançável por meio do arrependimento e humildade, renúncia a tudo que é terreno. Para as pessoas do Renascimento, esta é uma ascensão através da obtenção de sua própria experiência e compreensão das leis divinas.

O sonho de uma cidade ideal impulsionou as buscas criativas de muitos arquitetos não só do Renascimento, mas também de épocas posteriores, conduziu e iluminou o caminho para a harmonia e a beleza. A cidade ideal sempre existe dentro da cidade real, tão diferente dela quanto o mundo do pensamento do mundo dos fatos, como o mundo da imaginação do mundo da fantasia. E se você sabe sonhar como os mestres do Renascimento, então você pode ver esta cidade - a Cidade do Sol, a Cidade do Ouro.

O artigo original está no site da revista "Nova Acrópole".