Quais instrumentos eram populares no século XVII. Música instrumental do século XVII

Música dos séculos XVII e XVIII

Na virada dos séculos XVI-XVII, a polifonia, que dominava a música do Renascimento, começou a dar lugar à homofonia (do grego "homos" - "um", "mesmo" e "fundo" - "som", "voz"). Ao contrário da polifonia, onde todas as vozes são iguais, na polifonia homofônica uma se destaca, realizando o tema principal, e as demais fazem o papel de acompanhamento (acompanhamento). O acompanhamento é geralmente um sistema de acordes (harmonias). Daí o nome da nova forma de compor música - harmônica homofônica.

Idéias sobre música na igreja mudaram. Já os compositores buscavam não tanto garantir que uma pessoa renunciasse às paixões terrenas, mas revelar a complexidade de suas experiências espirituais. Havia obras escritas sobre textos ou enredos religiosos, mas não destinadas à execução obrigatória na igreja. (Tais composições são chamadas de espirituais, já que a palavra "espiritual" tem um significado mais amplo do que "eclesiástico".) Os principais gêneros espirituais dos séculos XVII-XVIII. - cantata e oratório. A importância da música secular aumentou: era tocada na corte, nos salões dos aristocratas, nos teatros públicos (os primeiros desses teatros foram inaugurados no século XVII). Havia um novo tipo de arte musical - a ópera.

A música instrumental também é marcada pelo surgimento de novos gêneros, com destaque para o concerto instrumental. Violino, cravo, órgão gradualmente se transformaram em instrumentos solo. A música escrita para eles possibilitou mostrar o talento não só do compositor, mas também do intérprete. Em primeiro lugar, valorizou-se o virtuosismo (a capacidade de lidar com as dificuldades técnicas), que gradualmente se tornou um fim em si mesmo e um valor artístico para muitos músicos.

Os compositores dos séculos 17 a 18 geralmente não apenas compunham música, mas também tocavam instrumentos com maestria, estudavam atividade pedagógica. O bem-estar do artista dependia em grande parte do cliente específico. Via de regra, todo músico sério buscava um lugar na corte de um monarca ou de um aristocrata rico (muitos membros da nobreza tinham suas próprias orquestras ou casas de ópera) ou em um templo. Além disso, a maioria dos compositores combinava facilmente a produção de música sacra com o serviço de um patrono secular.

Oratório e cantata

Como gênero musical independente, o oratório (oratório italiano, do latim tardio oratório - "capela") começou a tomar forma na Itália no século XVI. Os musicólogos veem as origens do oratório no drama litúrgico (ver o artigo "O Teatro Europa medieval") - apresentações teatrais que contam sobre eventos bíblicos.

Ações semelhantes foram realizadas em templos - daí o nome do gênero. A princípio, os oratórios eram escritos sobre os textos das Sagradas Escrituras e eram destinados à execução na igreja. EM século XVII compositores começaram a compor oratórios sobre textos poéticos conteúdo espiritual. A estrutura do oratório é próxima à de uma ópera. Esta é uma obra importante para cantores solo, coro e orquestra, com um enredo dramático. Porém, ao contrário da ópera, não há ação cênica no oratório: ele conta os acontecimentos, mas não os mostra.

na Itália no século XVII. outro gênero foi formado - cantata (it. cantata, de lat. canto- "cantar"). Como o oratório, a cantata geralmente é executada por solistas, coro e orquestra, mas é mais curta que o oratório. Cantatas foram escritas em textos espirituais e seculares.

Música da Itália

No final do século XVI, o estilo de arte barroco se desenvolveu na Itália (de um. barocco - "estranho", "bizarro"). Este estilo é caracterizado pela expressividade, drama, entretenimento, desejo de síntese (conexão) tipos diferentes arte. Essas características foram plenamente manifestadas na ópera que surgiu na virada dos séculos XVI-XVII. Uma obra combinava música, poesia, dramaturgia e pintura teatral... Inicialmente, a ópera tinha um nome diferente: "drama para música" (it. dramma per musica); a palavra "ópera" (it. ópera - "composição") apareceu apenas em meados do século XVII. A ideia de "drama para música" nasceu em Florença, no círculo artístico Florentine Camerata. As reuniões do círculo eram realizadas em uma câmara (da câmera italiana - "sala"), em casa. De 1579 a 1592, amantes da música iluminados, poetas e cientistas se reuniram na casa do conde Giovanni Bardi. Também foi visitado por músicos profissionais - cantores e compositores Jacopo Peri (1561 - 1633) e Giulio Caccini (por volta de 1550-1618), teórico e compositor Vincenzo Galilei (por volta de 1520-1591), pai do famoso cientista Galileo Galilei.

Os participantes da Camerata Florentina ficaram entusiasmados com o desenvolvimento da arte musical. Eles viram seu futuro na combinação de música e drama: os textos de tais obras (ao contrário dos textos de complexos cantos polifônicos corais do século XVI) se tornariam compreensíveis para o ouvinte.

Os membros do círculo encontraram a combinação ideal de palavras e música no teatro antigo: os versos eram cantados em voz cantada, cada palavra, cada sílaba soava clara. Assim, a camerata florentina teve a ideia de cantar solo acompanhado por um instrumento - monodia (do grego "monos" - "um" e "ode" - "canção"). um novo estilo o canto passou a ser chamado de recitativo (dele. recitare - "recitar"): a música seguia o texto e o canto era uma recitação monótona. As entonações musicais eram inexpressivas - a ênfase estava na pronúncia clara das palavras, e não na transmissão dos sentimentos dos personagens.

As primeiras óperas florentinas eram baseadas em cenas da mitologia antiga. As primeiras obras do novo gênero que chegaram até nós são duas óperas com o mesmo nome "Eurydice" dos compositores Peri (1600) e Caccini (1602). Eles foram criados no enredo do mito de Orfeu. O canto era acompanhado por um conjunto instrumental, que consistia em um cembalo (precursor do piano), uma lira, um alaúde, um violão, etc.

Os heróis das primeiras óperas eram governados pelo destino e sua vontade era proclamada por mensageiros. A ação abriu com um prólogo, no qual foram cantadas as virtudes e o poder da arte. Outras apresentações incluíram conjuntos vocais (números de ópera em que vários participantes cantam ao mesmo tempo), um coro e episódios de dança. Uma composição musical foi construída em sua alternância.

A ópera começou a se desenvolver rapidamente e, acima de tudo, como música de corte. A nobreza patrocinava as artes, e tal preocupação não se explicava apenas pelo amor ao belo: a prosperidade das artes era considerada um atributo indispensável do poder e da riqueza. Nas principais cidades da Itália - Roma, Florença, Veneza, Nápoles - suas próprias escolas de ópera se desenvolveram.

As melhores características de diferentes escolas - atenção à palavra poética (Florença), um sério subtexto espiritual da ação (Roma), monumentalidade (Veneza) - foram combinadas em seu trabalho por Claudio Monteverdi (1567-1643). O compositor nasceu em cidade italiana Cremona na família do médico. Como músico, Monteverdi se desenvolveu na juventude. Ele escreveu e executou madrigais; tocava órgão, viola e outros instrumentos. Monteverdi estudou composição musical com compositores conhecidos da época. Em 1590, como cantor e músico, foi convidado a ir a Mântua, à corte do duque Vincenzo Gonzaga; mais tarde, ele liderou a capela da corte. Em 1612, Monteverdi deixou o serviço em Mântua e a partir de 1613 estabeleceu-se em Veneza. Em grande parte graças a Monteverdi em 1637, a primeira casa de ópera pública do mundo foi inaugurada em Veneza. Lá, o compositor liderou a capela da Catedral de San Marco. Antes de sua morte, Claudio Monteverdi recebeu ordens sacras.

Tendo estudado a obra de Peri e Caccini, Monteverdi criou suas próprias obras desse gênero. Já nas primeiras óperas - "Orfeu" (1607) e "Ariadne" (1608) - o compositor conseguiu transmitir sentimentos profundos e apaixonados por meios musicais, para criar uma ação dramática tensa. Monteverdi é o autor de muitas óperas, mas apenas três sobreviveram - "Orfeu", "Retorno de Ulisses à sua terra natal" (1640; baseado no enredo do antigo poema épico grego "Odisseia") e "Coroação de Poppea" ( 1642).

As obras de Monteverdi combinam harmoniosamente música e texto. As óperas são baseadas em um monólogo em que cada palavra soa claramente, e a música transmite de forma flexível e sutil os tons de humor. Monólogos, diálogos e episódios corais fluem suavemente entre si, a ação se desenvolve lentamente (três ou quatro atos nas óperas de Monteverdi), mas dinamicamente. O compositor atribuiu um papel importante à orquestra. Em "Orpheus", por exemplo, ele usou quase todos os instrumentos conhecidos na época. A música orquestral não apenas acompanha o canto, mas ela mesma conta sobre os eventos que acontecem no palco e as experiências dos personagens. Em Orpheus, uma abertura apareceu pela primeira vez (ouverture francesa, ou abertura latina - "abertura", "início") - uma introdução instrumental a uma peça musical importante. As óperas de Claudio Monteverdi tiveram uma influência significativa nos compositores venezianos e lançaram as bases da escola de ópera veneziana.

Monteverdi escreveu não só óperas, mas também música sacra, madrigais religiosos e seculares. Ele se tornou o primeiro compositor que não se opôs aos métodos polifônicos e homofônicos - os episódios corais de suas óperas incluem técnicas polifônicas. Na obra de Monteverdi, o novo se combinou com o antigo - as tradições do Renascimento.

No início do século XVIII. uma escola de ópera foi formada em Nápoles. Características desta escola - maior atenção ao canto, o papel dominante da música. Foi em Nápoles que o estilo vocal do bel canto (bel canto italiano - "canto bonito") foi criado. Bel canto é famoso por sua extraordinária beleza de som, melodia e perfeição técnica. No registro agudo (a amplitude da sonoridade da voz), o canto se distinguia pela leveza e transparência do timbre, no registro grave - pela suavidade e densidade aveludadas. O intérprete deveria ser capaz de reproduzir muitos tons do timbre da voz, bem como transmitir com maestria inúmeras sequências rápidas de sons sobrepostos à melodia principal - coloratura (it. coloratura - "decoração"). Um requisito especial era a uniformidade do som da voz - em melodias lentas, a respiração não deveria ser ouvida.

No século XVIII, a ópera tornou-se o principal tipo de arte musical na Itália, o que foi facilitado pelo alto nível profissional de cantores que estudaram em conservatórios (it. conservatorio, err lat. conserve - "Eu guardo") - instituições de ensino que treinaram músicos. Naquela época, quatro conservatórios haviam sido criados nos centros da ópera italiana - Veneza e Nápoles. A popularidade do gênero também foi servida pelas casas de ópera que abriram em diferentes cidades do país, acessíveis a todos os segmentos da sociedade. As óperas italianas foram encenadas nos teatros das principais capitais europeias, e compositores da Áustria, Alemanha e outros países escreveram óperas baseadas em textos italianos.

Realizações significativas da música dos séculos XVII-XVIII da Itália. e no campo dos gêneros instrumentais. O compositor e organista Girolamo Frescobaldi (1583-1643) fez muito para desenvolver a criatividade do órgão. "Na música sacra, ele lançou as bases para um novo estilo. Suas composições para órgão são composições detalhadas de um armazém de fantasia (livre). Frescobaldi tornou-se famoso por seu toque virtuoso e pela arte da improvisação no órgão e no cravo. A arte do violino floresceu . Naquela época, as tradições de produção de violino haviam se desenvolvido na Itália. Os mestres hereditários das famílias Amati, Guarneri e Stradivari da cidade de Cremona desenvolveram o design do violino, os métodos de sua fabricação, que foram mantidos em profundo segredo e passados de geração em geração.Os instrumentos feitos por esses mestres têm um som incrivelmente bonito e quente, semelhante à voz humana.ganhou popularidade como instrumento de conjunto e solo.

O fundador da escola romana de violino é Arcangelo Corelli (1653-1713), um dos criadores do gênero concerto grosso (um. concerto grosso - "grande concerto"). Um concerto geralmente apresenta um instrumento solo (ou um grupo de instrumentos) e uma orquestra. O "Grande Concerto" foi construído na alternância de episódios solo e o som de toda a orquestra, que no século XVII era de câmara e principalmente de cordas. Os solistas de Corelli eram principalmente violino e violoncelo. Seus concertos consistiam em partes de caráter diferente; seu número era arbitrário.

Um dos mestres destacados da música para violino é Antonio Vivaldi (1678-1741). Tornou-se famoso como um brilhante virtuose do violino.

Os contemporâneos foram atraídos por seu estilo dramático de atuação, cheio de contrastes inesperados. Continuando as tradições de Corelli, o compositor atuou no gênero "grande concerto". O número de obras escritas por ele é enorme - quatrocentos e sessenta e cinco concertos, quarenta óperas, cantatas e oratórios.

Criando shows, Vivaldi buscou sons brilhantes e incomuns. ele misturou vozes instrumentos diferentes, muitas vezes incluíam dissonâncias (consonâncias agudas) na música; ele escolheu instrumentos raros na época como solistas - fagote, bandolim (era considerado um instrumento de rua). Os concertos de Vivaldi consistem em três partes, sendo a primeira e a última executadas em ritmo acelerado e a do meio lenta. Muitos concertos de Vivaldi têm um programa - um título ou mesmo uma dedicatória literária. O ciclo "The Seasons" (1725) é um dos primeiros exemplos de programa música orquestral. Quatro concertos deste ciclo - "Primavera", "Verão", "Outono", "Inverno" - pintam imagens coloridas da natureza. Vivaldi conseguiu transmitir na música o canto dos pássaros ("Primavera", a primeira parte), uma tempestade ("Verão", a terceira parte), a chuva ("Inverno", a segunda parte). O virtuosismo, a complexidade técnica não distraíram o ouvinte, mas contribuíram para a criação de uma imagem memorável. A obra de concerto de Vivaldi tornou-se uma encarnação vívida do estilo barroco na música instrumental.

Operaseria e operabuffa

No século XVIII. gêneros de ópera como ópera seria (it. opera seria - "ópera séria") e operabuffa (it. opera buffa - "ópera cômica") foram formados. A Operaseria consolidou-se na obra de Alessandro Scarlatti (1660-1725) - o fundador e o maior representante escola de ópera napolitana. Durante sua vida, ele compôs mais de cem dessas obras. Para a série de ópera, geralmente era escolhido um enredo mitológico ou histórico. Abriu com uma abertura e consistia em números completos - árias, recitativos e refrões. O papel principal foi desempenhado por grandes árias; geralmente consistiam em três partes, e a terceira era uma repetição da primeira. Nas árias, os personagens expressaram sua atitude em relação aos acontecimentos.

Havia vários tipos de árias: heróicas, patéticas (apaixonadas), tristes, etc. Para cada uma, uma certa gama de meios expressivos foi usada: nas árias heróicas - entonações decisivas e invocativas, ritmo vigoroso; nos lamuriosos - frases musicais curtas e intermitentes mostrando a excitação do herói, etc. Os recitativos, de tamanho reduzido em fragmentos, serviam para desdobrar a narrativa dramática, como se a impulsionassem. Os heróis discutiram planos para ações futuras, contaram uns aos outros sobre os eventos que aconteceram. Os recitativos foram divididos em dois tipos: secco (do italiano secco - "seco") - um trava-língua rápido para os acordes médios do cravo e acompanhante (It. Assotraniato - "com acompanhamento") - uma recitação expressiva ao som de uma orquestra. Secco era mais usado para desenvolver a ação, acompanhante - para transmitir os pensamentos e sentimentos do herói. Corais e conjuntos vocais comentaram o que estava acontecendo, mas não participaram dos eventos.

O número de lias ativos dependia do tipo de parcela e era estritamente definido; o mesmo se aplica aos relacionamentos dos personagens. Os tipos de números vocais solo e seu lugar na ação do palco foram estabelecidos. Cada personagem tinha seu próprio timbre de voz: heróis líricos - soprano e tenor, pai nobre ou vilão - barítono ou baixo, heroína fatal - contralto.

Em meados do século XVIII. as deficiências da série de ópera tornaram-se aparentes. A apresentação costumava ser programada para coincidir com as celebrações da corte, então o trabalho tinha que terminar feliz, o que às vezes parecia implausível e antinatural. Freqüentemente, os textos eram escritos em uma linguagem artificial e primorosamente manejada. Às vezes, os compositores negligenciavam o conteúdo e escreviam músicas que não se adequavam ao caráter da siena ou à situação; havia muitos selos, efeitos externos desnecessários. Os cantores demonstraram seu próprio virtuosismo, sem pensar no papel da ária na obra como um todo. A Operuseria passou a ser chamada de "concerto em trajes". O público não demonstrou grande interesse pela ópera em si, mas compareceu às apresentações da ária da "coroa" do famoso cantor; durante a ação, os espectadores entravam e saíam do salão.

A Operabuffa também foi formada pelos mestres napolitanos. O primeiro exemplo clássico de tal ópera é The Maid's Servant (1733), do compositor Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). Se na ópera séria em primeiro plano - árias, então na ópera buffa - diálogos coloquiais, alternando com conjuntos vocais. Em operebuffa, principais completamente diferentes personagens. Estas são, via de regra, pessoas comuns - servos, camponeses. O enredo era baseado em uma divertida intriga com fantasias, enganando um estúpido dono rico com criados, etc. Da música exigia-se leveza elegante, da ação - rapidez.

Operubuffa foi muito influenciado pelo dramaturgo italiano, criador da comédia nacional Carlo Goldoni. As obras mais espirituosas, vivas e vibrantes desse gênero foram criadas por compositores napolitanos: Niccolo Piccinni (1728-1800) - "Chekkina, ou a Boa Filha" (1760); Giovanni Paisiello (1740-1816) - "O Barbeiro de Sevilha" (1782), "O Moleiro" (1788); cantor, violinista, cravista e compositor Domenico Cimarosa (1749-1801) - "Casamento Secreto" (1792).

Instrumentos de corda

Os precursores dos modernos instrumentos de cordas com arco - violino, viola, violoncelo e contrabaixo - são as violas. Eles apareceram no final do século XV - início do século XVI. e logo, graças ao seu som suave e suave, começaram a desempenhar um papel de destaque nas orquestras.

Gradualmente, as violas foram substituídas por novos instrumentos de arco de cordas mais avançados. Nos séculos XVI-XVII, escolas inteiras de artesãos trabalharam em sua criação. As mais famosas são as dinastias de fabricantes de violinos que surgiram no norte da Itália - nas cidades de Cremona e Brescia.

O fundador da escola cremonesa é Andrea Amati (cerca de 1520 - cerca de 1580). Nicolo Amati (1596-1684), seu neto, foi especialmente famoso por sua arte. Ele tornou o dispositivo do violino quase perfeito, fortaleceu o som do instrumento; ao mesmo tempo, a suavidade e o calor do timbre foram preservados. A família Guarneri trabalhou em Cremona nos séculos XVII-XVIII. O fundador da dinastia é Andrea Guarneri (1626-1698), aluno de Nicolò Amati. O destacado mestre Azuseppe Guarneri (1698-1744) desenvolveu um novo modelo de violino, diferente do instrumento Amati.

As tradições da escola Amati foram continuadas por Antonio Stradivari (1644-1737). Ele estudou com Nicolò Amati e em 1667 abriu seu próprio negócio. Stradivari, mais do que outros mestres, conseguiu aproximar o som do violino do timbre da voz humana.

A família Magini trabalhava em Breche; os melhores violinos foram feitos por Giovanni Magini (1580-1630 ou 1632).

O instrumento de arco de cordas de registro mais alto é o violino. É seguido por viola, violoncelo, contrabaixo em ordem decrescente de extensão sonora. A forma do corpo (ou caixa ressonante) do violino lembra os contornos do corpo humano. A carroceria possui deck superior e inferior (deck alemão - "tampa"), sendo o primeiro feito de abeto e o segundo de bordo. Os decks servem para refletir e amplificar o som. No topo estão os orifícios do ressonador (na forma da letra latina f; não é por acaso que são chamados de "efs"). Um pescoço é preso ao corpo; geralmente é feito de ébano. É uma placa longa e estreita sobre a qual quatro cordas são esticadas. Pegs são usados ​​para tensionar e afinar as cordas; eles também estão no braço da guitarra.

Viola, violoncelo e contrabaixo são semelhantes em estrutura ao violino, mas maiores do que ele. A viola não é muito grande, é segurada no ombro. O violoncelo é maior que a viola e, ao tocar, o músico senta-se em uma cadeira, e coloca o instrumento no chão, entre as pernas. O contrabaixo é maior que o violoncelo, então o intérprete deve ficar de pé ou sentar em um banquinho alto e colocar o instrumento à sua frente. Durante a brincadeira, o músico conduz as cordas com um arco, que é uma bengala de madeira com crina esticada; a corda vibra e produz um som melodioso. A qualidade do som depende da velocidade do movimento do arco e da força com que ele pressiona a corda. Com os dedos da mão esquerda, o intérprete encurta a corda, pressionando-a em vários lugares contra o braço da guitarra - assim consegue diferentes alturas. Em instrumentos desse tipo, o som também pode ser extraído dedilhando ou golpeando a corda com a parte de madeira do arco. O som das cordas curvadas é muito expressivo, o intérprete pode dar à música as melhores nuances.

Os instrumentos de sopro são o tipo mais antigo de instrumentos musicais que chegaram à Idade Média desde a antiguidade. No entanto, no processo de desenvolvimento e formação da civilização ocidental medieval, o escopo dos instrumentos de sopro é bastante expandido: alguns, como, por exemplo, oliphant, pertencem às cortes de nobres senhores, outros - flautas - são usados ​​​​tanto no folk ambiente e entre músicos profissionais, e ainda outros, como o trompete, tornam-se instrumentos musicais exclusivamente militares.

O representante mais antigo instrumentos de sopro na França provavelmente deveriam ser considerados fretel (fretel), ou "flauta de Pan". Um instrumento semelhante pode ser visto em uma miniatura de um manuscrito do século XI. na Biblioteca Nacional de Paris (Fig. I). Trata-se de uma flauta de vários canos, constituída por um conjunto de tubos (palheta, cana ou madeira) de diferentes comprimentos, com uma extremidade aberta e a outra fechada. Fretel é frequentemente mencionado junto com outros tipos de flautas nos romances dos séculos XI-XII. No entanto, já no século XIV. o fretel é falado apenas como um instrumento musical tocado nas férias da aldeia, torna-se um instrumento das pessoas comuns.

A flauta (flauta), ao contrário, está em "ascensão": de instrumento popular comum a instrumento de corte. As flautas mais antigas foram encontradas no território da França na camada cultural galo-romana (séculos I-II dC). A maioria deles são ossos. Até o século 13 a flauta é geralmente dupla, como em uma miniatura de um manuscrito do século X. da Biblioteca Nacional de Paris (Fig. 3), e os tubos podem ter comprimentos iguais ou diferentes. O número de furos no corpo da flauta pode ter variado (de quatro a seis, sete). As flautas eram geralmente tocadas por menestréis, malabaristas e, muitas vezes, seu jogo precedia o aparecimento de uma procissão solene ou de alguma pessoa de alto escalão.

Os menestréis também tocavam uma flauta dupla com trombetas de diferentes comprimentos. Essa flauta é mostrada em uma vinheta de um manuscrito do século XIII. (Figura 2). Na imagem em miniatura, você pode ver uma orquestra de três menestréis: um toca viola; o segundo em uma flauta semelhante ao clarinete moderno; o terceiro golpeia um pandeiro quadrado de couro esticado sobre uma armação. O quarto personagem serve vinho para refrescar os músicos. Orquestras semelhantes de flauta, tambor e violino existiram nas aldeias da França até o início do século XIX.

No século XV. começaram a aparecer flautas de couro fervido. Além disso, a própria flauta pode ser redonda e octogonal em seção transversal, e não apenas reta, mas também ondulada. Uma ferramenta semelhante foi preservada em coleção privada Sr. Fo (Fig. 4). Seu comprimento é de 60 cm, no ponto mais largo o diâmetro é de 35 mm. O corpo é feito de couro preto fervido, a cabeça decorativa é pintada. Essa flauta serviu de protótipo para a criação do cachimbo serpan. As flautas Serpan eram usadas tanto durante os serviços divinos nas igrejas quanto nas festividades seculares. Flautas transversais, assim como flageolets, são mencionadas pela primeira vez em textos do século XIV.

Outro tipo de instrumento musical de sopro são as gaitas de foles. Também havia vários tipos deles na França medieval. Este é um chevrette - um instrumento de sopro composto por uma bolsa de pele de cabra, um tubo de ar e uma duda. Um músico tocando este instrumento (Fig. 6) é retratado em um manuscrito do século XIV. "O Romance da Rosa", da Biblioteca Nacional de Paris. Algumas fontes separam o chevret e a gaita de foles, enquanto outros simplesmente se referem ao chevret como "pequenas gaitas de foles". A ferramenta, que em sua aparência lembra muito um chevret, remonta ao século XIX. se encontraram nas aldeias das províncias francesas de Borgonha e Limousin.

Outro tipo de gaita de foles era o horo ou horum (choro). De acordo com uma descrição encontrada em um manuscrito da abadia de St. Blaise (século IX), trata-se de um instrumento de sopro com um tubo para fornecer ar e um tubo, e ambos os tubos estão localizados no mesmo plano (são, por assim dizer, uma continuação um do outro). Na parte central do horo existe um reservatório de ar, feito de couro aparado, e com formato esférico perfeito. Como a pele da “bolsa” começou a vibrar quando o músico soprou no horo, o som ficou um tanto chocalhante e agudo (Fig. 6).

Gaita de foles (coniemuese), o nome francês para este instrumento vem do latim corniculans (com chifres) e é encontrado em manuscritos apenas a partir do século XIV. Nem sua aparência nem seu uso na França medieval diferiam das tradicionais gaitas de foles escocesas conhecidas por nós, como pode ser visto em uma imagem de um manuscrito do século XIV. (Fig. 9).

Chifres e chifres (corne). Todos esses instrumentos de sopro, incluindo a grande trompa de olifante, diferem pouco uns dos outros em design e uso. Eram feitas de madeira, couro cozido, marfim, chifre e metal. Eles geralmente eram usados ​​no cinto. A variedade de chifres sonoros não é ampla, mas os caçadores do século XIV. melodias simples compostas de certos sinais eram tocadas neles. Os chifres de caça, como já dissemos, eram usados ​​\u200b\u200bprimeiro na cintura, depois, até o século XVI, em uma tipoia sobre o ombro; um pingente semelhante é freqüentemente encontrado em imagens, em particular no Livro de Caça de Gaston Phoebe (Fig. 8). A trompa de caça de um nobre senhor é uma coisa preciosa; então, Siegfried na "Canção dos Nibelungos" carregava consigo um chifre de ouro de fino acabamento para caçar.

Separadamente, deve-se falar sobre o alifante - um enorme chifre com anéis de metal feitos especificamente para que o olifante possa ser pendurado do lado direito de seu dono. Eles fizeram olifantes com presas de elefante. Usado na caça e durante operações militares para sinalizar a aproximação do inimigo. Uma característica distintiva do olifante é que ele só poderia pertencer ao soberano seigneur, em cuja subordinação estão os barões. A natureza honorária deste instrumento musical é confirmada pela escultura do século XII. da igreja da abadia em Vaselles, onde um anjo é representado com um olifante ao lado, anunciando a Natividade do Salvador (Fig. 13).

As trompas de caça eram diferentes das usadas pelos menestréis. Este último usou um instrumento de design mais avançado. No capitel de uma coluna da mesma igreja abacial de Vazelle, está representado um menestrel (Fig. 12) tocando uma trompa, na qual foram feitos furos não só ao longo do tubo, mas também no sino, o que permitiu modular o som, dando-lhe um volume maior ou menor.

Os tubos eram representados pelo tubo real (trompe) e tubos curvos com mais de um metro de comprimento - busine. Os sabugueiros eram feitos de madeira, couro fervido, mas na maioria das vezes de latão, como pode ser visto em uma miniatura de um manuscrito do século XIII. (Fig. 9). Seu som era agudo e alto. E como se ouviu de longe, os anciãos foram usados ​​no exército para o despertar matinal, deram sinais para retirar o acampamento, para navegar os navios. Eles também anunciaram a chegada da realeza. Assim, em 1414, a entrada em Paris de Carlos VI foi anunciada com os sons dos anciãos. Devido ao volume especial do som na Idade Média, acreditava-se que, ao tocar o sabugueiro, os anjos anunciariam o início do Dia do Juízo.

A trombeta era exclusivamente um instrumento musical militar. Ela serviu para levantar no exército Espírito de lutador, para reunir tropas. O cachimbo é menor que o sabugueiro e é um cachimbo de metal (reto ou várias vezes dobrado) com um encaixe na ponta. O próprio termo surgiu no final do século XV, mas um instrumento desse tipo (tubos retos) era usado no exército desde o século XIII. No final do século XIV. a forma do cachimbo muda (seu corpo se dobra), e o próprio cachimbo é necessariamente decorado com uma flâmula com brasão (Fig. 7).

Um tipo especial de cachimbo - um serpan (serpente) - serviu de protótipo para muitos instrumentos de sopro modernos. Na coleção do Sr. Fo existe uma foice (Fig. 10), feita de couro fervido, tem 0,8 m de altura e 2,5 m de comprimento total. O músico segurava o instrumento com as duas mãos, enquanto a mão esquerda segurava a parte curva (A), e os dedos da mão direita passaram pelos orifícios feitos na parte superior da foice. O som do serpan era poderoso, este instrumento de sopro era usado tanto em bandas militares quanto em cultos religiosos.

O órgão (orgue) se destaca um pouco na família dos instrumentos de sopro. Este instrumento de teclado e pedal com um conjunto de várias dezenas de tubos (registros) acionados por ar soprado por fole está atualmente associado apenas a grandes órgãos estacionários - igreja e concerto (Fig. 14). No entanto, na Idade Média, talvez, outro tipo desse instrumento, o órgão de mão (orgue de main), tenha sido mais difundido. Baseia-se na "flauta de Pan", que é tocada com a ajuda de ar comprimido, que entra nas tubulações de um tanque com aberturas fechadas por válvulas. Porém, já na antiguidade, na Ásia, Grécia Antiga e Roma, eram conhecidos grandes órgãos com controle hidráulico. No Ocidente, esses instrumentos apareceram apenas no século VIII e, mesmo assim, como presentes dos imperadores bizantinos aos monarcas ocidentais (Konstantin V Copronymus enviou tal órgão como presente a Pepin the Short, e Konstantin Curopolat a Carlos Magno e Luís, o Bom).

Imagens de órgãos de mão aparecem na França apenas no século X. Com a mão direita, o músico mexe nas teclas e com a esquerda aperta o fole que bombeia o ar. O próprio instrumento geralmente está localizado no peito ou no estômago do músico.Nos órgãos manuais, geralmente há oito tubos e, portanto, oito chaves. Durante os séculos 13 a 14, os órgãos manuais praticamente não mudaram, mas o número de tubos pode variar. Somente no século XV uma segunda fileira de tubos e um teclado duplo (quatro registros) apareceram nos órgãos manuais. Os tubos sempre foram de metal. Órgão manual de obra alemã do século XV. disponível no Munich Pinotek (Fig. 15).

Órgãos de mão se difundiram entre os músicos itinerantes que podiam cantar acompanhando-se no instrumento. Eles soavam nas praças das cidades, nos feriados das aldeias, mas nunca nas igrejas.

Órgãos, menores que os de igreja, mas mais que os manuais, já foram colocados em castelos (na corte de Carlos V, por exemplo) ou podiam ser instalados em plataformas de rua durante cerimônias solenes. Assim, vários órgãos semelhantes soaram em Paris, quando Isabella da Baviera fez sua entrada solene na cidade.

Talvez não haja civilização que não tenha inventado um instrumento musical semelhante ao tambor. Uma pele seca esticada sobre uma panela ou um tronco oco - isso já é um tambor. No entanto, embora os tambores sejam conhecidos desde o antigo Egito, eles eram pouco usados ​​no início da Idade Média. Só a partir do tempo das Cruzadas a menção de tambores (tambour) se tornou regular, e a partir do século XII. sob este nome existem instrumentos das mais diversas formas: longos, duplos, pandeiros, etc. No final do século XII. esse instrumento, que soa no campo de batalha e no salão de festas, já chama a atenção dos músicos. Ao mesmo tempo, é tão difundido que no século XIII. Os trouvers, que afirmam preservar tradições antigas em sua arte, reclamam do "domínio" dos tambores e pandeiros, que estão substituindo instrumentos "mais nobres".

Pandeiros e tambores acompanham não apenas cantos, apresentações de trouveurs, mas também são captados por dançarinos errantes, atores, malabaristas; as mulheres dançam, acompanhando suas danças tocando pandeiros. Ao mesmo tempo, o pandeiro (tambour, bosquei) é segurado em uma das mãos, e a outra, livre, o golpeia ritmicamente. Às vezes, os menestréis, tocando flauta, acompanhavam-se em um pandeiro ou tambor, que prendiam no ombro esquerdo com uma alça. O menestrel tocava flauta, acompanhando o seu canto com golpes ritmados ao pandeiro, que fazia com a cabeça, como se pode ver na escultura do século XIII. da fachada da Casa dos Músicos de Reims (Fig. 17).

Segundo a escultura da Casa dos Músicos, também são conhecidos tambores sarracenos, ou duplos (Fig. 18). Na era das Cruzadas, eles encontraram distribuição no exército, pois eram facilmente instalados em ambos os lados da sela.

Outro tipo de instrumento musical de percussão, comum na Idade Média na França, era o timbre (tymbre, cembel) - dois hemisférios, e posteriormente - placas, feitas de cobre e outras ligas, usadas para bater a batida, acompanhamento rítmico das danças. Num manuscrito de Limoges do século XII. da Biblioteca Nacional de Paris, a dançarina é retratada com este instrumento (Fig. 14). Por volta do século 15 refere-se a um fragmento de escultura do altar da igreja abacial de O, em que o timbre é utilizado na orquestra (Fig. 19).

O timbre deveria incluir um prato (címbalo) - um instrumento que era um anel com tubos de bronze soldados a ele, nas extremidades das quais sinos tocam quando sacudidos, a imagem deste instrumento é conhecida de um manuscrito do século XIII. da Abadia de Saint Blaise (Fig. 20). O prato era comum na França durante início da Idade Média e foi usado tanto na vida secular quanto nas igrejas - eles receberam um sinal para iniciar a adoração.

Sinos (chochettes) também pertencem a instrumentos de percussão medievais. Eram muito difundidos, os sinos tocavam durante os concertos, eram costurados às roupas, pendurados no teto das habitações - sem falar no uso de sinos na igreja ... As danças também eram acompanhadas por sinos, e há exemplos disso - imagens em miniaturas, datadas do início do século X! Em Chartres, Sens, Paris, nos portais das catedrais, você pode encontrar baixos-relevos nos quais uma mulher tocando os sinos pendurados simboliza a música na família das Artes Liberais. O rei Davi foi retratado tocando os sinos. Como pode ser visto na miniatura da Bíblia do século XIII, ele os toca com a ajuda de macetes (Fig. 21). O número de sinos pode variar - geralmente de cinco a dez ou mais.

Os sinos turcos - um instrumento musical militar - também nasceram na Idade Média (algumas pessoas chamam os sinos turcos de címbalos).

No século XII. a moda de sinos ou sinos costurados em roupas se espalhou. Eles foram usados ​​por mulheres e homens. Além disso, este último não se separou dessa moda por muito tempo, até o século XIV. Naquela época, era costume decorar roupas com grossas correntes de ouro, e os homens costumavam pendurar sinos nelas. Esta moda era sinal de pertença à alta nobreza feudal (Fig. 8 e 22) - a pequena nobreza e a burguesia eram proibidas de usar sinos. Mas já no século XV. os sinos permanecem apenas nas roupas dos bobos da corte. vida orquestral deste instrumento de percussão continua até hoje; e ele não mudou muito desde então.

De todos os instrumentos medievais de cordas com arco, a viola (vièle) é o mais nobre e o mais difícil de tocar. Segundo a descrição do monge dominicano Jerônimo da Morávia, no século XIII. a viola tinha cinco cordas, mas miniaturas anteriores mostram instrumentos de três e quatro cordas (Fig. 12 e 23, 23a). Ao mesmo tempo, as cordas são puxadas tanto no “cavalo” quanto diretamente no convés. A julgar pelas descrições, a viola não soava alta, mas muito melódica.

Interessante é a escultura da fachada da Casa dos Músicos, que mostra um músico em tamanho natural (Fig. 24) tocando viola de três cordas. Como as cordas são esticadas no mesmo plano, o arco, extraindo som de uma corda, pode tocar as outras. O “modernizado” para meados do século XIII merece atenção especial. forma de arco.

Em meados do século XIV. na França, o formato da viola se aproxima do violão moderno, o que provavelmente facilitou a execução com arco (Fig. 25).

No século XV. aparecem grandes violas - viola de gamba. Eles foram tocados com o instrumento entre os joelhos. No final do século XV, a viola de gamba torna-se uma viola de sete cordas. Mais tarde, a viola de gamba será substituída pelo violoncelo. Todos os tipos de violas eram muito difundidos na França medieval, tocando-as tanto em festividades quanto em noites íntimas.

A viola se distinguia do crouth pela dupla fixação das cordas na caixa de ressonância. Por mais cordas que haja neste instrumento medieval (nos círculos mais antigos são três cordas), elas sempre estão presas ao “cavalo”. Além disso, a própria caixa de som possui dois orifícios ao longo das cordas. Esses orifícios são atravessados ​​​​e servem para passar por eles a mão esquerda, cujos dedos pressionam alternadamente as cordas no convés e depois as soltam. O artista geralmente segurava um arco na mão direita. Uma das representações mais antigas do kroot é encontrada em um manuscrito do século XI. da abadia de Limoges de St. Marcial (Fig. 26). No entanto, deve-se enfatizar que o krut é um instrumento predominantemente inglês e saxão. O número de cordas em um círculo aumenta com o tempo. E embora seja considerado o progenitor de todos os instrumentos de cordas com arco, o krut nunca se enraizou na França. Muito mais comum após o século 11. ruber ou gigue é encontrado aqui.

Gigue (gigue, gigle), aparentemente, foi inventado pelos alemães, lembra uma viola no formato, mas não possui interceptação no convés. O gabarito é o instrumento favorito de um menestrel. As capacidades de execução deste instrumento eram significativamente mais pobres do que as da viola, mas também exigia menos habilidade na execução. A julgar pelas imagens, os músicos tocavam o gabarito (Fig. 27) como um violino, colocando a época no ombro, o que pode ser visto na vinheta do manuscrito "O Livro das Maravilhas do Mundo", datado do início do século XV.

Ruber (rubère) - instrumento de arco de cordas, reminiscente do rebab árabe. De forma semelhante a um alaúde, o ruber tem apenas uma corda esticada em uma “cumeeira” (Fig. 29), como é retratado em miniatura em um manuscrito da abadia de St. Blaise (século IX). De acordo com Jerome Moravsky, nos séculos XII - XIII. o rubert já é um instrumento de duas cordas, é usado em conjunto e sempre conduz a parte “inferior” do baixo. Zhig, respectivamente, - "superior". Assim, verifica-se que o monocórdio (monocorde) - instrumento de corda de arco que serviu em certa medida como o progenitor do contrabaixo - também é uma espécie de ruber, pois também foi utilizado no conjunto como instrumento que define o tom de baixo. Às vezes era possível tocar monocórdio sem arco, como pode ser visto na escultura da fachada da igreja abacial de Vaselles (Fig. 28).

Apesar do uso generalizado e das inúmeras variedades, o ruber não era considerado um instrumento igual à viola. Sua esfera - em vez disso, a rua, feriados folclóricos. Não está totalmente claro, no entanto, qual era realmente o som do ruber, já que alguns pesquisadores (Jerome Moravsky) falam sobre oitavas baixas, enquanto outros (Aymeric de Peyrac) afirmam que o som do ruber é agudo e “alto”, semelhante a "grito feminino". Talvez, porém, estejamos falando de instrumentos de diferentes épocas, por exemplo, do século XIV ou XVI ...

Provavelmente, argumentos sobre qual instrumento é antigo devem ser reconhecidos como irrelevantes, uma vez que o instrumento de corda, a lira, tornou-se o emblema da música, com o qual iniciaremos a história dos instrumentos de cordas dedilhadas.

A antiga lira é um instrumento de cordas com três a sete cordas esticadas verticalmente entre dois postes montados em um tampo de madeira. As cordas da lira eram dedilhadas ou tocadas com a ajuda de um ressonador de palheta. Em uma miniatura de um manuscrito dos séculos X-XI. (Fig. 30), guardada na Biblioteca Nacional de Paris, você pode ver uma lira com doze cordas, reunidas em grupos de três e esticadas em diferentes alturas (Fig. 30a). Essas liras geralmente têm belas alças esculpidas em ambos os lados, para o qual era possível prender o cinto, o que obviamente facilitava a execução do músico.

A lira foi confundida na Idade Média com a cítara (cítara), que também apareceu na Grécia antiga. Originalmente é um seis cordas instrumento dedilhada. Segundo Jerônimo da Morávia, a cítara na Idade Média tinha formato triangular (mais precisamente, tinha o formato da letra "delta" do alfabeto grego) e o número de cordas variava de doze a vinte e quatro. Uma cítara deste tipo (século IX) é retratada em um manuscrito da abadia de St. Vlasia (Fig. 31). No entanto, a forma do instrumento pode variar, uma imagem de uma cítara irregularmente arredondada com uma alça é conhecida por expor o jogo (Fig. 32). No entanto, a principal diferença entre a cítara e o psalterion (veja abaixo) e outros instrumentos dedilhados de cordas é que as cordas são simplesmente puxadas no quadro, e não em algum tipo de “recipiente sonoro”.

A guiterne medieval (guiterne) também tem sua origem na cítara. A forma desses instrumentos também é variada, mas geralmente se assemelha a um bandolim ou a um violão (cítara). Menções de tais instrumentos começam a ser encontradas a partir do século 13, e são tocadas por homens e mulheres. O gitern acompanhava o canto do intérprete, mas tocava-o com a ajuda de uma palheta ressonadora, ou sem ela. No manuscrito "O Romance de Tróia" de Benoit de Saint-Maur (século XIII), o menestrel canta, tocando o giter sem palheta (Fig. 34) . Noutro caso, no romance "Tristão e Isolda" (meados do século XIII), existe uma miniatura que representa um menestrel acompanhando a dança do seu camarada tocando híterna (Fig. 33). As cordas do hytern são esticadas retas (sem potranca), mas há um buraco (roseta) no corpo. Serviu de mediador uma vareta de osso, que se segurava com o polegar e o indicador, o que se vê bem na escultura de um músico da igreja abacial de O (Fig. 35).

Gitern, a julgar pelas imagens disponíveis, poderia ser um instrumento de conjunto. É conhecida a tampa de um caixão da coleção do Museu de Cluny (século XIV), onde o escultor esculpiu em marfim uma encantadora cena de gênero: dois jovens brincam no jardim, deliciando o ouvido; um tem um alaúde nas mãos, o outro um hytern (Fig. 36).

Às vezes, o guitern, como o sitar antes, era chamado de companhia (rotina) na França medieval, tinha dezessete cordas. A empresa foi jogada em cativeiro por Ricardo Coração de Leão.

No século XIV. há uma menção de outro instrumento semelhante ao giteron - o alaúde (luth). Por volta do século 15 sua forma já está finalmente tomando forma: um corpo muito convexo, quase semicircular, com um orifício redondo na caixa acústica. O "pescoço" não é longo, a "cabeça" está localizada em ângulo reto com ele (Fig. 36). Ao mesmo grupo de instrumentos pertence o bandolim, a mandora, que existia no século XV. a forma mais variada.

A harpa (harpe) também pode se orgulhar da antiguidade de sua origem - suas imagens já são encontradas em Antigo Egito. Entre os gregos, a harpa é apenas uma variação da cítara; entre os celtas, é chamada de sambuk. A forma da harpa é inalterada: é um instrumento no qual cordas de diferentes comprimentos são esticadas sobre uma armação em forma de ângulo mais ou menos aberto. As harpas antigas são de treze cordas, afinadas na escala diatônica. Eles tocavam a harpa em pé ou sentados, com as duas mãos e fortalecendo o instrumento para que seu suporte vertical ficasse no peito do executante. No século XII, também surgiram harpas de tamanhos pequenos com um número diferente de cordas. Um tipo característico de harpa é apresentado em uma escultura da fachada da Casa dos Músicos em Reims (Fig. 37). Os malabaristas em suas apresentações usavam apenas eles, e conjuntos inteiros de harpistas podiam ser criados. Os irlandeses e bretões eram considerados os melhores harpistas. No século XVI. a harpa praticamente desapareceu na França e apareceu aqui apenas séculos depois, em sua forma moderna.

Merecem especial menção os dois instrumentos medievais de dedilhada. Estes são o saltério e o sifão.

O antigo saltério é um instrumento de cordas de forma triangular que se assemelha vagamente à nossa harpa. Na Idade Média, a forma do instrumento mudou - saltérios quadrados também são representados nas miniaturas. O músico o segurava no colo e tocava vinte e uma cordas com os dedos ou uma palheta (o alcance do instrumento era de três oitavas). O inventor do saltério é o rei Davi, que, segundo a lenda, usou o bico de um pássaro como plectro. Uma miniatura do manuscrito de Gerard of Landsberg na Biblioteca de Estrasburgo retrata o rei bíblico brincando com sua prole (Fig. 38).

Na literatura francesa medieval, os saltérios começam a ser mencionados a partir início XII c., a forma dos instrumentos podia ser muito diferente (Fig. 39 e 40), eram tocadas não só por menestréis, mas também por mulheres - nobres damas e seu séquito. Por volta do século XIV. o saltério sai gradativamente do palco, dando lugar ao cravo, mas o cravo não conseguia atingir o som cromático característico dos saltérios de corda dupla.

Em certa medida, outro instrumento medieval, que praticamente desapareceu já no século XV, é semelhante ao reboco. Esta é uma sifonia (chifonie) - uma versão ocidental da harpa russa. Porém, além de uma roda com pincel de madeira, que ao girar o cabo toca três cordas retas, o sifão também é equipado com teclas que também regulam seu som. São sete teclas no sifão, e estão localizadas na extremidade oposta àquela em que a roda gira. Normalmente duas pessoas tocavam o sifão, o som do instrumento era, segundo fontes, harmonioso e tranquilo. Desenhar a partir de uma escultura no capitel de uma das colunas em Boshville (século XII) demonstra uma forma de jogar semelhante (Fig. 41). O sifão mais difundido foi nos séculos XI-XII. No século XV. a pequena sifonia, tocada por um músico, era popular. No manuscrito "O Romance de Gerard de Nevers e a bela Ariane" da Biblioteca Nacional de Paris, existe uma miniatura representando o protagonista disfarçado de menestrel, com um instrumento semelhante ao seu lado (Fig. 42).

CAPÍTULO 2. A guitarra conquista a Europa

No século XVII, a guitarra continuou a conquistar a Europa.
Uma das guitarras da época pertence ao museu do Royal College of Music em Londres. Criado em Lisboa em 1581 por um certo Melchior Dias.
A estrutura deste violão possui características que serão repetidas em seus trabalhos por mestres de instrumentos musicais por mais de dois séculos.

Guitarra battente italiana do século XVII da coleção do Castelo Sforza, Milão.

Todas as guitarras da época eram ricamente ornamentadas. Para a fabricação de um item tão requintado, os artesãos utilizam materiais valiosos: madeiras raras (em particular, preto - ébano), marfim, carapaça de tartaruga. O convés inferior e os lados são decorados com incrustações. O deck superior, ao contrário, permanece simples e é feito de madeira de coníferas (na maioria das vezes abeto). Para não suprimir a vibração, apenas o orifício do ressonador e as bordas da caixa ao longo de toda a sua circunferência são recortados com mosaicos de madeira.
O principal elemento decorativo é uma roseta de couro estampado. Esta roseta não só rivaliza com a beleza de todo o gabinete, como também suaviza os sons produzidos. Obviamente, os proprietários desses instrumentos luxuosos não estavam interessados ​​\u200b\u200btanto na força e no poder, mas na sofisticação do som.
Um dos primeiros exemplos de guitarras do século XVII que chegaram até nós está na coleção do Museu de Instrumentos Musicais do Conservatório de Paris. Leva o nome do artesão, o veneziano Cristofo Coco, e a data de 1602. O corpo plano é inteiramente feito de placas de marfim presas com tiras estreitas de madeira marrom.

Augustine Quesnel Guitarrista 1610

No século XVII, o estilo razgueado, trazido da Espanha, onde era popular, espalhou-se por grande parte da Europa. A guitarra perde imediatamente a importância que tinha para os músicos sérios. A partir de agora, é usado apenas para acompanhamento, a fim de "cantar, tocar, dançar, pular ... bater os pés", como escreve Louis de Briseno no prefácio de seu "Método" (Paris, 1626).
O teórico de Bordeaux, Pierre Trichet, também observa com pesar (c. 1640): "A guitarra, ou hyterna, é um instrumento amplamente utilizado entre os franceses e italianos, mas especialmente entre os espanhóis, que o usam tão desenfreadamente quanto nenhum outro nação." Ela serve de acompanhamento musical para danças que dançam, "tocando-se toda, gesticulando de forma ridícula e ridícula, de modo que tocar o instrumento fica confuso e confuso". E indignado com o que deve observar, Pierre Trichet continua: “Na França, damas e cortesãs que conhecem a moda espanhola tentam imitá-la. Nisto assemelham-se a quem, em vez de comer bem na própria casa, vai ao vizinho comer toucinho, cebola e pão preto.

David Teniers Guitarrista júnior

Mattia Pretti Concerto 1630

Apesar disso, a guitarra continua popular na França. O violão é facilmente usado em balés. Em The Fairy of Saint-Germain's Forest (1625) e The Rich Widow (1626), músicos vestidos com trajes espanhóis tocam violão para maior credibilidade. No primeiro balé, as performers da chacona "adaptam os sons de seus violões aos movimentos ágeis de seus pés". Na segunda, encenada por Sua Majestade no Salão Nobre do Louvre, a entrada dos granadeiros também se desenrola com acompanhamento de violão. Segundo o Mercure de France, o próprio Luís XIII acompanhou as duas dançarinas de sarabanda ao violão nesta apresentação.

Gerrit van Honthorst tocando violão 1624

Jan Vermeer Guitarrista 1672

Em meados do século XVII, começa um novo auge do violão. E desta vez a atualização vem da França. Para ensinar violão ao jovem rei francês, o famoso professor e músico Francesco Corbetta (1656) é chamado à corte. Não ousando afirmar (ao contrário de alguns cortesãos) que em dezoito meses Luís XIV superou seu professor, não se pode, porém, duvidar da verdadeira paixão do rei pelo instrumento. Durante seu reinado, o violão voltou a ser o queridinho da aristocracia e dos compositores. E novamente a moda do violão conquista toda a Europa.

Gravura da capa de uma edição antiga de Peças para Violão. 1676

Dança Francisco Goya na Margem do Rio 1777

Francisco Goya O Guitarrista Cego 1788

Ramon Baie Um jovem com uma guitarra. 1789 Museu do Prado. Madri

No final do reinado de Luís XIV (falecido em 1715), ocorre uma virada na história do violão - a corte real torna-se indiferente a ele.
No entanto, ainda é popular entre as pessoas. Mademoiselle de Charolês no retrato encomendado por ela é apresentada com um violão nas mãos, dedilhando levemente suas cordas. Watteau e Lancret introduzem o violão na representação de cenas de amor. E, ao mesmo tempo, é uma ferramenta para atores farsescos e comediantes itinerantes!
O trabalho de Watteau e Lancret e o violão é uma página separada da pintura francesa, então decidi dedicar galerias separadas a esses artistas neste material.

Jean Antoine Watteau
Jean Antoine Watteau

Rosalba Carriere Retrato de Jean-Antoine Watteau 1721

Pintor e desenhista francês, fundador e maior mestre do estilo rococó. Em 1698-1701 Watteau estudou com o artista local Gerin, em cuja insistência ele copiou as obras de Rubens, Van Dyck e outros pintores flamengos. Em 1702, Watteau partiu para Paris e logo encontrou um professor e patrono na pessoa de Claude Gillot, um artista de teatro e decorador que pintou cenas da vida do teatro moderno. Watteau rapidamente superou seu professor em habilidade e aprox. 1708 entrou no estúdio do decorador Claude Audran. Em 1709, Watteau tentou sem sucesso ganhar o Grande Prêmio da Academia de Artes, mas seu trabalho atraiu a atenção de várias pessoas influentes, entre as quais o filantropo e conhecedor da pintura Jean de Julienne, o negociante de arte Edmond Francois Gersin, o banqueiro e o colecionador Pierre Crozat, em cuja casa o artista morou algum tempo, etc. Em 1712 Watteau foi apresentado ao título de acadêmico e em 1717 tornou-se membro da Royal Academy of Painting and Sculpture. Watteau morreu em Nogent-sur-Marne em 18 de julho de 1721.

Jean-Antoine Watteau comédia italiana 1714

Jean Antoine Watteau Vista através das árvores no parque de Pierre Crozat 1714-16

Jean-Antoine Watteau Gilles com sua família 1716

A história de Jean Antoine Watteau Pierrot

Jean Antoine Watteau Canção de amor 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancre
Nicolas Lancret

Auto-retrato de Nicolas Lancre 1720

Artista francês, nascido em Paris. Ele estudou primeiro com Pierre Dulin e, a partir de 1712, trabalhou por vários anos sob a orientação de Claude Gillot, por meio de quem conheceu Jean Antoine Watteau, que teve uma grande influência em seu trabalho. Lancre voltou-se para os mesmos assuntos de Watteau: escreveu os personagens da commedia dell'arte italiana e cenas de "festas galantes". Além disso, ilustrou as fábulas de La Fontaine e criou pinturas de gênero. Lancret morreu em Paris em 1743.

Nicola Lancret Concerto no Parque 1720

Nicola Lancre Férias no jardim

Nicola Lancre Concerto no Parque

Nicola Lancre conversa galante

A nova ascensão do violão, segundo Michel Brenet, está associada ao surgimento de dois talentosos cantores que se apresentam em salões. Eles realizam duetos, acompanhando-se. Estes são os famosos Pierre Geliot e Pierre de la Garde.
A famosa pintura de Michel Bartolomeo Olivier, Tea in English and a Concert at the House of the Princess de Conti, transmite a atmosfera dessas reuniões seculares.

há um grande número de pinturas que retratam instrumentos musicais. Artistas se voltaram para assuntos semelhantes em diferentes épocas históricas: desde os tempos antigos até o presente.

Brueghel, o Velho, janeiro
AUDIÇÃO (fragmento). 1618

O uso frequente de imagens de instrumentos musicais em obras de arte se deve à estreita relação entre música e pintura.
instrumentos musicais nas pinturas de artistas Não somente dar uma ideia da vida cultural da época e do desenvolvimento dos instrumentos musicais da época, mas também têm algum significado simbólico.

Melozzo

sim forli
Anjo
1484

Há muito se acredita que o amor e a música estão inextricavelmente ligados. E os instrumentos musicais têm sido associados a sentimentos amorosos por séculos.

A astrologia medieval considerava todos os músicos como "filhos de Vênus", a deusa do amor. Em muitas cenas líricas de artistas de diferentes épocas, os instrumentos musicais desempenham um papel importante.

Jan Men Molenaer
A senhora atrás das costas
século 17
Por muito tempo, a música foi associada ao amor, como evidenciado pelo provérbio holandês do século XVII: “Aprenda a tocar alaúde e espineta, pois as cordas têm o poder de roubar corações”.

Andrea Solario
mulher com alaúde

Em algumas das pinturas de Vermeer, a música é tema principal. A aparição dessas pinturas de instrumentos musicais nas tramas é interpretada como uma sutil alusão às relações refinadas e românticas dos personagens.

"Aula de Música" (, Royal Assembly, St. James's Palace).

O virginal, um tipo de cravo, era muito popular como instrumento musical para música caseira. Pela precisão da imagem, os especialistas conseguiram determinar que ela foi feita na oficina Ruckers em Antuérpia, famosa em todo o mundo. A inscrição em latim na tampa do virginal diz: "A música é uma companheira de alegria e uma curadora de tristezas."

Os músicos muitas vezes se tornaram personagens nas pinturas do pintor francês, fundador do estilo rococó, Jean Antoine Watteau.

O gênero principal da obra de Watteau são as "festas galantes": uma sociedade aristocrática,
localizado no seio da natureza, ocupado em conversar, dançar, tocar música e paquerar

Um círculo semelhante de imagens era extremamente popular nos círculos criativos da França. Prova disso é o fato de algumas pinturas de Watteau terem os mesmos títulos de peças para cravo do compositor François Couperin, compositor francês contemporâneo do artista. Conhecedores extremamente sensíveis apreciaram não apenas o pitoresco de Watteau, mas também sua musicalidade. “Watto pertence à esfera de F. Couperin e C. F. E. Bach”, disse o grande filósofo da arte Oswald Spengler (Apêndice II).

Além disso, instrumentos musicais podem ser associados a personagens mitológicos.

Muitos instrumentos musicais simbolizam as musas e são seus atributos indispensáveis. Assim, para Clio, as musas da história são a trombeta; para Euterpe (música, poesia lírica) - uma flauta ou algum outro instrumento musical; para Thalia (comédia, poesia pastoral) - uma pequena viola; para Melpomene (tragédia) - uma corneta; para Terpsícore (dança e canto) - viola, lira ou outro instrumento de cordas;

para Erato (poesia lírica) - pandeiro, lira, menos frequentemente um triângulo ou viola; para Calliope (poesia épica) - trompete; para polyhymnia (hinos heróicos) - um órgão portátil, com menos frequência - um alaúde ou outro instrumento.

Todas as Musas, exceto Urania, têm instrumentos musicais entre seus símbolos ou atributos. Por que? Isso se explica pelo fato de que em era antiga poemas de vários gêneros eram cantados em voz monótona e incluíam, em um grau ou outro, um elemento musical. Portanto, as musas, que patrocinavam vários gêneros poéticos, tinham cada uma seu próprio instrumento.

Dirk Hals
Músicos
século 16

O significado simbólico dos instrumentos está associado justamente a esses personagens. Por exemplo, a harpa na cultura européia da Idade Média e do Renascimento foi fortemente associada ao lendário autor dos salmos, o bíblico rei Davi. O grande rei, político, guerreiro foi também o maior poeta e músico; através do simbolismo das dez cordas da harpa de Davi, Santo Agostinho explicou o significado dos dez mandamentos bíblicos. Nas pinturas, David era frequentemente retratado como um pastor tocando este instrumento.

Jan de Bray. Davi tocando harpa. 1670

Tal interpretação história bíblica aproximou o rei Davi de Orfeu, que pacificava os animais tocando lira.

(C) A harpa dourada era um atributo do deus celta Dagda. Os celtas diziam que a harpa era capaz de produzir três melodias sagradas. A primeira melodia é uma melodia de tristeza e ternura. A segunda é indutora do sono: quando você a ouve, a alma se enche de um estado de paz e cai no sono. A terceira melodia da harpa é a melodia da alegria e do retorno da primavera

Nos bosques sagrados, ao som da harpa, os druidas, os sacerdotes dos celtas, voltavam-se para os deuses, cantavam seus feitos gloriosos e realizavam rituais. Durante as batalhas, bardos com pequenas harpas coroadas com coroas verdes subiam as colinas e cantavam canções marciais, incutindo coragem nos guerreiros.-

Entre todos os países do mundo, apenas o brasão da Irlanda representa um instrumento musical. Esta é uma harpa de ouro, cujas cordas são de prata. Por muito tempo A harpa era o símbolo heráldico da Irlanda. Desde 1945, é também o brasão

W. Bosch - "Jardim das alegrias terrenas" -
há uma imagem de um homem crucificado nas cordas deste instrumento. Aqui, provavelmente, se refletem ideias sobre o simbolismo da tensão das cordas, expressando ao mesmo tempo amor e tensão, sofrimento, choques vividos por uma pessoa durante sua vida terrena.

Com a difusão do cristianismo e de seus livros sagrados, torna-se frequente a representação de anjos com instrumentos musicais por artistas. Anjos tocando instrumentos musicais aparecem em manuscritos ingleses do século XII. No futuro, o número dessas imagens aumentará constantemente.

Muitos instrumentos musicais nas mãos dos anjos dão uma ideia de sua forma e design, as características de suas combinações e também permitem que você conheça os conjuntos musicais que existiam naquela época.

No Renascimento surge o melhor hora» para anjos. Os mestres da pintura são cada vez mais inspirados por essas criações perfeitas e harmoniosas.

Cenas que glorificam a Deus se transformam em verdadeiros concertos angelicais nas obras de artistas renascentistas, através dos quais você pode estudar a cultura musical da época. Órgão, alaúde, violino, flauta, harpa, pratos, trombone,viola da gamba ... Esta não é uma lista completa de instrumentos tocados por anjos.

Piero della Francesca.
Natal. Londres. Galeria Nacional. 1475

imagens de instrumentos musicais podem ser divididas em vários grupos:

1) instrumentos musicais são usados ​​em enredos líricos;

2) a imagem dos instrumentos musicais tem ligação com a mitologia, por exemplo, antiga, onde simbolizam as musas e são seus atributos indispensáveis:

3) em enredos relacionados ao cristianismo, os instrumentos musicais geralmente personificam as ideias e imagens mais exaltadas e acompanham os clímax da história bíblica;

4) imagens de instrumentos também dão uma ideia de conjuntos instrumentais e técnicas musicais,

existente em período histórico criando uma imagem;

5) muitas vezes a imagem de certos instrumentos carrega ideias filosóficas, como, por exemplo, em naturezas-mortas sobre o tema Vanitas;

6) o simbolismo das ferramentas pode variar dependendo da intenção do artista e do conteúdo geral da imagem (contexto), como, por exemplo, na pintura de Bosch O Jardim das Delícias Terrenas.
fascinante e eu e, às vezes, o lado misterioso da arte.
Afinal, muitos instrumentos antigos, conjuntos musicais, técnicas de jogo agora só podem ser vistos nas fotos.

Hendrik van Balen
Apolo e as Musas

Judith Leyster
jovem flautista
1635

Senhora com uma harpa
1818

John Meliush Stradwick Vésperas
1897

Jean van Biglert
Show

E. Degas
Fagote (detalhe)

A flauta é um dos instrumentos musicais mais antigos. Eles são transversais e longitudinais. Os longitudinais são mantidos retos, soprando ar no orifício na extremidade superior da flauta. Os transversais são mantidos na direção horizontal, soprando ar no orifício lateral da flauta.

A primeira menção da flauta longitudinal existe na mitologia grega e na história do Egito (terceiro milênio aC).

Na China, a primeira menção de uma flauta transversal com cinco ou seis orifícios para os dedos remonta ao primeiro milênio aC, assim como no Japão e na Índia. Mudanças revolucionárias no design da flauta aconteceram em meados do século XIX com a ajuda de Theobald Boehm.

Embora as flautas modernas sejam instrumentos de sopro de madeira, elas geralmente são feitas de ligas metálicas usando ouro, prata e até platina. Isso lhes dá um som mais brilhante e mais fácil de tocar do que as flautas de madeira que precederam as flautas de metal nos séculos passados.

A flauta é um dos instrumentos mais virtuosos de uma orquestra sinfônica. Suas parias são cheias de arpejos e passagens.

instrumentos musicais de latão

Instrumentos de sopro - grupo instrumentos musicais de sopro , cujo princípio de tocar é obter consonâncias harmônicas alterando a força do fluxo de ar soprado ou a posição dos lábios.

O nome "cobre" remonta historicamente ao material de que foram feitas essas ferramentas, em nossa época, além do cobre, são frequentemente utilizadas para sua fabricação. latão, menos frequentemente prata , e alguns dos instrumentos da Idade Média e do Barroco com forma de produção sonora semelhante (por exemplo, serpente ) eram de madeira.

Os instrumentos de sopro incluem instrumentos modernos trompa, trompete, corneta, flugelhorn, trombone, tuba . Um grupo separado é saxofones . Antigos instrumentos de sopro - sacabuxa (predecessor do trombone moderno), serpente e outros. Alguns instrumentos folclóricos também são de cobre, por exemplo, o da Ásia Central karnay.

História dos instrumentos de sopro

A arte de soprar o oco buzina animal ou em uma concha já era conhecido na antiguidade. Posteriormente, as pessoas aprenderam a fazer ferramentas especiais de metal, semelhantes a chifres e destinadas a fins militares, de caça e religiosos.

Os ancestrais dos instrumentos de sopro modernos foram as trompas de caça, as trompas militares e as trompas de poste. Essas ferramentas, que não tinham um mecanismo válvulas deu alguns sonsescala natural , recuperada apenas com a ajuda dos lábios da performer. Daqui surgiram fanfarras e sinais militares e de caça baseados nos sons da escala natural, que se firmaram na prática musical.

Com o aprimoramento da tecnologia de processamento de metais e produção de produtos metálicos, tornou-se possível fabricar tubos para instrumentos de sopro de determinadas dimensões e com o grau de acabamento desejado. Com o aperfeiçoamento dos tubos de vento de cobre e o desenvolvimento da arte de extrair deles uma quantidade significativa de sons da escala natural, surgiu o conceitoinstrumentos naturais , ou seja, instrumentos sem mecanismo, capazes de produzir apenas uma escala natural.

No início do século XIX, foi inventado o mecanismo de válvula, que mudou drasticamente a técnica de execução e aumentou as capacidades dos instrumentos de sopro de latão.

Classificação de instrumentos de cobre

Os instrumentos de sopro de latão são divididos em várias famílias:

• ferramentas de válvula têm vários portões (geralmente três ou quatro) controlados pelos dedos do performer. O princípio da válvula é incluir instantaneamente uma coroa adicional no tubo principal, o que aumenta o comprimento do instrumento e abaixa todo o seu sistema. Várias válvulas conectando tubos de diferentes comprimentos permitem obter uma escala cromática. A maioria dos instrumentos de sopro modernos são valvulados - trompas, trombetas, tubas, saxhorns, etc. Existem dois modelos de válvula - "rotativa" e "de pé" (pistão).
• ferramentas de jugo use um tubo retrátil especial em forma de U - um palco, cujo movimento altera o comprimento do ar no canal, diminuindo ou aumentando os sons extraídos. O principal instrumento de rock usado na música é o trombone.
• instrumentos naturais não possuem válvulas adicionais e são capazes de extrair apenas os sons da escala natural. No século XVIII, especialorquestras de trompa natural . Até o início do século XIX, os instrumentos naturais eram amplamente utilizados na música, depois, com a invenção do mecanismo de válvulas, caíram em desuso. Instrumentos naturais também são encontrados às vezes nas partituras de compositores dos séculos 19 a 20 (Wagner, R. Strauss, Ligeti) para especiais efeitos sonoros. Instrumentos naturais incluem trombetas antigas e trompas francesas, bem comochifre alpino , fanfarra, clarim, buzinas de sinalização (caça, correio) e similares.
• Instrumentos de válvula possuem orifícios no corpo, abertos e fechados pelos dedos da performer, como eminstrumentos de sopro . Tais instrumentos foram difundidos até o século 18, mas devido a alguns inconvenientes de tocá-los, também caíram em desuso. Instrumentos básicos de latão para válvulas - corneta (zinco), serpente , oficlide, tubo de válvula . Eles também incluem chifre de correio.

Hoje em dia, com o ressurgimento do interesse pela música antiga, tocar em instrumentos naturais e valvulados está novamente se tornando uma prática.

Instrumentos de sopro também podem ser classificados de acordo com suas propriedades acústicas:

• Completo― instrumentos nos quais você pode extrair o tom fundamental da escala harmônica.
• metade― instrumentos nos quais o tom principal não pode ser extraído, e a escala começa com a segunda consonância harmônica.

O uso de instrumentos de sopro na música

Instrumentos de sopro de latão são amplamente utilizados em vários gêneros musicais e composições. Como parte deOrquestra Sinfónica eles formam um de seus principais grupos. A composição padrão de uma orquestra sinfônica inclui:

• Chifres (número par de dois a oito, na maioria das vezes quatro)
• Pipes (de dois a cinco, na maioria das vezes dois a três)
• Trombones (geralmente três: dois tenor e um baixo)
• Tubo (geralmente um)

Nas partituras do século XIX, a orquestra sinfônica também incluía frequentemente cornetas , porém, com o desenvolvimento das técnicas de execução, suas peças passaram a ser executadas em flautas. Outros instrumentos de sopro aparecem apenas esporadicamente na orquestra.

Instrumentos de cobre são a basebanda de metais , que, além das ferramentas acima, também inclui saxofones tamanhos diferentes.

A literatura solo para metais é bastante numerosa - artistas virtuosos em flautas e trompas naturais já existiam no início da era barroca, e os compositores criaram de bom grado suas composições para eles. Depois de algum declínio no interesse por instrumentos de sopro na era do romantismo, no século XX houve uma descoberta de novas possibilidades de execução para instrumentos de sopro e uma expansão significativa de seu repertório.

Em conjuntos de câmara, os instrumentos de sopro são usados ​​relativamente raramente, mas eles próprios podem ser combinados em conjuntos, dos quais os mais comuns quinteto de metais (dois trompetes, trompa, trombone, tuba).

Trombetas e trombones desempenham um papel importante na jazz e uma série de outros gêneros de música contemporânea.

Xilofone

Xilofone(do grego. ξύλον - árvore + φωνή - som) -instrumento musical de percussão com um determinado passo. É uma série de blocos de madeira de diferentes tamanhos, afinados em determinadas notas. As barras são percutidas com baquetas com pontas esféricas ou martelos especiais que se parecem com pequenas colheres (no jargão dos músicos, esses martelos são chamados de "pernas de cabra").

Timbre o xilofone é agudo e clicável em forte e suave em piano.

História do instrumento

O xilofone tem origem antiga - os instrumentos mais simples desse tipo foram e ainda são encontrados entre diferentes povosÁfrica, Sudeste da Ásia , América latina .

Na Europa, a primeira menção ao xilofone remonta ao início do século XVI: Arnolt Schlick, em um tratado sobre instrumentos musicais, menciona um instrumento semelhante chamado hueltze glechter. Até o século XIX, o xilofone europeu era um instrumento bastante primitivo, constituído por cerca de duas dezenas de barras de madeira, amarradas em uma corrente e dispostas sobre uma superfície plana para tocar. A comodidade de carregar tal instrumento atraiu a atenção de músicos itinerantes.

Xilofone melhorado por Guzikov

A melhoria do xilofone remonta à década de 1830. músico bielorrusso Mikhoel Guzikov expandiu seu alcance para duas oitavas e meia e também mudou o design, organizando os compassos de maneira especial em quatro fileiras. Este modelo de xilofone foi usado por mais de cem anos.

Em um xilofone moderno, as barras são dispostas em duas fileiras como teclas de piano, equipadas com ressonadores em forma de tubos de estanho e colocadas em um suporte de mesa especial para facilitar o movimento.

O papel do xilofone na música

O primeiro uso conhecido do xilofone em uma orquestra são as Sete Variações.Fernando Cauer escrito em 1810 ano. O compositor francês Kastner incluiu suas partes em suas obras. Uma das composições mais famosas em que o xilofone está envolvido é um poema sinfônicoCamille Saint-Saens "Dança da morte" ( 1872 ).

Atualmente, o xilofone é utilizado emOrquestra Sinfónica , no palco, extremamente raramente - como instrumento solo ("Fantasia sobre os temas das gravuras japonesas" para xilofone e orquestra, Op. 211, ( 1964) Alana Hovaness).

Domra

Domra é um antigo instrumento musical de cordas dedilhadas russo. Seu destino é incrível e único em seu tipo.

De onde veio, como e quando o domra apareceu na Rus', ainda permanece um mistério para os pesquisadores. Em fontes históricas, poucas informações sobre domra foram preservadas, ainda menos imagens do antigo domra russo chegaram até nós. E se os domras são retratados em documentos que chegaram até nós, ou em alguns outros instrumentos dedilhados comuns naquela época, também é desconhecido. A primeira menção de domra foi encontrada nas fontes do século XVI. Eles falam sobre domra como um instrumento que já era bastante comum na Rus' naquela época.

No momento, existem duas versões mais prováveis ​​da origem do domra. A primeira e mais comum é a versão sobre as raízes orientais do domra russo. De fato, instrumentos semelhantes em design e método de extração de som existiram e ainda existem nas culturas musicais dos países do Oriente. Se você já viu ou ouviu o dombra cazaque, o baglama turco ou o rubab tadjique, deve ter notado que todos eles têm uma forma redonda ou oval, uma caixa de ressonância plana, o som é extraído golpeando uma palheta de frequência e intensidade diferentes. É geralmente aceito que todos esses instrumentos tiveram um ancestral - o tanbur oriental. Era o tanbur que tinha formato oval e tampo plano, tocado com um chip especial, esculpido em materiais improvisados ​​- uma palheta. Presumivelmente, o instrumento, que mais tarde se transformou em domra, foi trazido durante o jugo tártaro-mongol ou durante as relações comerciais com os países do Oriente. E o próprio nome "domra" sem dúvida tem uma raiz turca.

Outra versão procede da suposição de que o domra leva seu pedigree do alaúde europeu. Em princípio, na Idade Média, qualquer instrumento de cordas dedilhadas que tivesse corpo, braço e cordas era chamado de alaúde. O alaúde, por sua vez, também se originou de um instrumento oriental - o árabe al-ud. Talvez a aparência e o design do domra tenham sido influenciados pelos instrumentos dos eslavos ocidentais, europeus, por exemplo, o kobza polonês-ucraniano e sua versão aprimorada - a bandura. Apenas a bandura emprestou muito diretamente do alaúde. Dado que os eslavos na Idade Média estavam constantemente em relações históricas e culturais complexas, é claro, o domra também pode ser considerado semelhante a todos os instrumentos europeus de cordas dedilhadas da época.

Assim, com base no conhecimento e nas pesquisas acumuladas até o momento, podemos concluir que o domra era um instrumento típico da Rússia que combinava, como muito na cultura e na história de nosso estado, características européias e asiáticas.

No entanto, seja qual for a verdadeira origem do domra, está bem estabelecido que um instrumento com este nome existiu na Rus' e foi parte integrante da cultura russa nos séculos XVI-XVII. Foi tocado por músicos bufões, como evidenciado pelo conhecido provérbio aos pesquisadores “Estou feliz que os bufões sejam sobre seus domras”. Além disso, na corte real havia toda uma “Câmara de Diversões”, uma espécie de grupo musical e de entretenimento, cuja base eram bufões com seus domras, harpas, trompas e outros antigos instrumentos musicais russos. Além disso, de acordo com alguns pesquisadores, a domra naquela época já havia formado uma família de variedades de conjuntos. O menor e estridente era chamado de "domrishka", o maior e com som mais baixo - "bass domra".

Também é sabido que os artistas de domra e domra - bufões e "domrachi", gozavam de considerável popularidade entre o povo. Todos os tipos de celebrações, festividades e festivais folclóricos em todos os tempos e entre todos os povos eram acompanhados por canções e tocando instrumentos musicais. Na Rus 'na Idade Média, entreter o povo era o destino de "domracheev", "gansos", "skrypotchikov" e outros músicos. No domra, como uma harpa, eles acompanhavam os epos folclóricos, épicos, lendas e nas canções folclóricas o domra apoiava a linha melódica. É sabido que a produção artesanal de domras e cordões de domra foi estabelecida, registros das entregas das quais ao tribunal e à Sibéria são preservados em documentos históricos ...

Presumivelmente, a tecnologia para fazer domra era a seguinte: um corpo era escavado em um único pedaço de madeira, um abutre-pau era preso a ele, cordas ou veias de animais eram puxadas. Eles brincavam com uma lasca, uma pena, uma espinha de peixe. Uma tecnologia relativamente simples, aparentemente, permitiu que o instrumento fosse amplamente utilizado na Rus'.

Mas aqui na história da domra vem o momento mais dramático. Preocupados com o desenvolvimento da cultura secular, os ministros da igreja pegaram em armas contra os músicos e declararam as apresentações dos bufões como "jogos demoníacos". Como resultado, em 1648, o czar Alexei Mikhailovich emitiu um decreto sobre o extermínio em massa de instrumentos inocentes - os instrumentos de "jogos demoníacos". O famoso decreto diz: "Onde vão domras, surns, bipes, saltérios, hari e todos os tipos de vasos barulhentos ... ordenados a apreender e, tendo quebrado esses jogos demoníacos, ordenados a queimar." De acordo com o viajante alemão do século 17, Adam Olearius, os russos foram banidos da música instrumental em geral e, certa vez, várias carroças carregadas com instrumentos retirados da população foram levadas pelo rio Moscou e queimadas ali. Tanto os músicos quanto os bufões em geral foram perseguidos.

Talvez uma reviravolta verdadeiramente trágica do destino não tenha acontecido com nenhum instrumento musical no mundo. Assim, seja como resultado do extermínio bárbaro e da proibição, seja por outros motivos, mas após o século XVII, os pesquisadores não encontram nenhuma menção significativa ao antigo domra. A história do antigo instrumento russo termina aqui, e poderíamos acabar com ela, mas ... Domra estava destinada a renascer literalmente das cinzas!

Isso aconteceu graças às atividades de um notável pesquisador e músico, uma pessoa extraordinariamente talentosa e extraordinária - Vasily Vasilyevich Andreev. Em 1896, na província de Vyatka, ele descobriu um instrumento desconhecido com um corpo hemisférico. Assumindo por sua aparência que isso é domra, ele foi até mestre famoso Semyon Ivanovich Nalimov. Juntos desenvolveram o desenho de um novo instrumento, baseado na forma e desenho do instrumento encontrado. Os historiadores ainda estão discutindo se o instrumento encontrado por Andreev era realmente um velho domra. No entanto, o instrumento reconstruído em 1896 foi chamado de "domra". Um corpo redondo, um pescoço de comprimento médio, três cordas, um quarto sistema - assim parecia o domra reconstruído.

Naquela época, Andreev já tinha uma orquestra de balalaica. Mas, para realizar sua brilhante ideia, a Grande Orquestra Russa precisava de um grupo melódico de instrumentos de ponta, e o domra restaurado, com seus novos recursos, era ideal para esse papel. Em conexão com a história da criação da Grande Orquestra Russa, vale a pena mencionar mais um pessoa destacada, sem o qual, talvez, a ideia não teria encontrado sua forma de realização. Este é o pianista e compositor profissional Nikolai Petrovich Fomin, o associado mais próximo de Andreev. Foi graças à abordagem profissional de Fomin que o círculo de Andreev, a princípio amador, estudou notação musical, se profissionalizou e depois conquistou ouvintes tanto na Rússia quanto no exterior com suas apresentações. E se Andreev era principalmente um gerador de ideias, então Fomin se tornou a pessoa graças a quem, de fato, domras e balalaikas embarcaram no caminho do desenvolvimento como instrumentos acadêmicos de pleno direito.

Mas voltando ao domra. No período 1896-1890. V. Andreev e S. Nalimov projetaram variedades de conjuntos de domra. E nas primeiras décadas após seu novo nascimento, a domra se desenvolveu de acordo com a performance orquestral e de conjunto.

No entanto, quase imediatamente, foram reveladas algumas limitações nas capacidades do domra Andreev, em relação às quais foram feitas tentativas para melhorá-lo de forma construtiva. A principal tarefa era expandir o alcance do instrumento. Em 1908, por sugestão do maestro G. Lyubimov, o mestre S. Burov criou um domra de quatro cordas com um quinto sistema. O “quatro cordas” recebeu uma extensão de violino, mas, infelizmente, era inferior ao “três cordas” em termos de timbre e cor. Posteriormente, também surgiram suas variedades de conjunto e uma orquestra de domras de quatro cordas.

O interesse pela domra crescia a cada ano, os horizontes musicais e técnicos se expandiam, músicos virtuosos apareciam. Finalmente, em 1945, foi criado o primeiro concerto instrumental para domra com uma orquestra de instrumentos folclóricos russos. concerto famoso g-moll Nikolai Budashkin foi escrito a pedido do concertino da orquestra. Osipov Alexey Simonenkov. Este evento abriu nova era na história da domra. Com o advento do primeiro concerto instrumental, o domra torna-se um instrumento solo virtuoso.

Em 1948, o primeiro departamento de instrumentos folclóricos na Rússia foi aberto em Moscou no Instituto Estadual de Música e Pedagógica com o nome de I.I. Gnesins. Tornou-se o primeiro professor de domra excelente compositor Yu Shishakov e depois os jovens solistas da orquestra. Osipova V. Miromanov e A. Alexandrov - o criador da primeira escola de tocar domra de três cordas. Graças à formação profissional superior, o instrumento originalmente folclórico domra em pouco tempo passou pelo caminho do cenário acadêmico, que levou séculos para os instrumentos da orquestra sinfônica (afinal, o violino já foi um instrumento folclórico!).

O desempenho da Domra está avançando em um ritmo gigantesco. Em 1974, foi realizada a I competição russa de artistas em instrumentos folclóricos, os vencedores da competição foram excelentes virtuosos domra - Alexander Tsygankov e Tamara Volskaya (veja a seção cuja atividade criativa determinou a direção do desenvolvimento da arte domra por décadas para venha, tanto no campo da própria performance quanto no repertório domra.

Hoje, o domra é um jovem instrumento promissor com um enorme potencial, principalmente musical e expressivo, que tem raízes verdadeiramente russas e, no entanto, atingiu as alturas do gênero acadêmico. Qual será o dele mais destino? A palavra é de vocês, queridos domristas!

balalaica

Descrição
O corpo é colado a partir de segmentos separados (6-7), a cabeça do pescoço longo é ligeiramente dobrada para trás. Cordas de metal (no século 18, duas delas tinham veios; as balalaicas modernas têm cordas de náilon ou carbono). No braço de uma balalaica moderna existem 16-31 trastes de metal (até o final do século 19 - 5-7 trastes forçados).

O som é alto, mas suave. As técnicas mais comuns para extrair som: chocalho, pizzicato, pizzicato duplo, pizzicato simples, vibrato, tremolo, frações, truques de guitarra.

construir

Até a transformação da balalaica em instrumento de concerto no final do século 19 por Vasily Andreev, ela não possuía um sistema permanente e onipresente. Cada intérprete afinou o instrumento de acordo com seu estilo de execução, o clima geral das peças tocadas e as tradições locais.

O sistema introduzido por Andreev (duas cordas em uníssono - a nota "mi", uma - um quarto acima - a nota "la" (e "mi" e "la" da primeira oitava) se espalhou entre os músicos de balalaica de concerto e começou a ser chamado de "acadêmico". Existe também o sistema "folk" - a primeira string é "sal", a segunda - "mi", a terceira - "do". Nesse sistema, as tríades são mais fáceis de obter, a desvantagem de é a dificuldade de tocar em cordas soltas. Além do exposto, também existem tradições regionais de afinação do instrumento. Raras configurações locais atingem duas dezenas ..

Variedades

Em uma orquestra moderna de instrumentos folclóricos russos, cinco variedades de balalaicas são usadas: prima, segunda, viola, baixo e contrabaixo. Destes, apenas o prima é um instrumento virtuoso solo, enquanto os demais são atribuídos a funções puramente orquestrais: o segundo e a viola implementam o acompanhamento de acordes, enquanto o contrabaixo e o contrabaixo executam a função do contrabaixo.

Prevalência

Balalaika é um instrumento musical bastante comum, que é estudado em instituições de ensino musical acadêmica na Rússia, Bielo-Rússia, Ucrânia e Cazaquistão.

O prazo de treinamento na balalaica em uma escola de música infantil é de 5 a 7 anos (dependendo da idade do aluno), e em uma instituição de ensino médio - 4 anos, em uma instituição de ensino superior de 4 a 5 anos. Repertório: arranjos de canções folclóricas, arranjos de obras clássicas, música de autor.

História
Não existe um ponto de vista único sobre a época do surgimento da balalaica. Acredita-se que a balalaica esteja se espalhando desde o final do século XVII. Melhorado graças a V. Andreev junto com os mestres Paserbsky e Nalimov. Criou-se uma família de balalaicas modernizadas: piccolo, prima, second, viola, bass, double bass. A balalaica é usada como concerto solo, conjunto e instrumento orquestral.

Etimologia
O próprio nome do instrumento já é curioso, é tipicamente folk, transmitindo o caráter de tocá-lo com o som das sílabas. A raiz das palavras "balalaika", ou, como também era chamada, "balabayka", há muito atrai a atenção dos pesquisadores por seu parentesco com palavras russas como balakat, balabonit, balabolit, joker, que significa conversar, esvaziar chamadas (volte ao eslavo comum *bolbol com o mesmo significado). Todos esses conceitos, complementando-se, transmitem a essência da balalaica - um instrumento leve, engraçado, "dedilhado", não muito sério.

Pela primeira vez, a palavra "balalaika" é encontrada em monumentos escritos que datam do reinado de Pedro I.

A primeira menção escrita da balalaica está contida em um documento datado de 13 de junho de 1688 - “Memória da ordem Streltsy para a pequena ordem russa” (RGADA), que, entre outras coisas, relata que em Moscou, a ordem Streltsy foi trazida “<...>cidadão Savka Fedorov<...>Sim<...>camponês Ivashko Dmitriev, e com eles uma balalaica foi trazida para que eles montassem uma carruagem em uma carroça até os portões Yausky, cantassem canções e tocassem balalaica em toi, e arqueiros de guarda que estavam nos portões Yausky em guarda repreendiam<...>».

A próxima fonte escrita em que a balalaica é mencionada é o "Registro" assinado por Pedro I, referente a 1715: em São Petersburgo, durante a celebração do casamento do bobo da corte do "Príncipe-Papa" N. M. Zotov, além de outros instrumentos transportadas por saltimbancos, foram nomeadas quatro balalaicas.

Pela primeira vez, a palavra foi atestada na língua ucraniana do início do século XVIII (em documentos de 1717-1732) na forma de "balabaika" (obviamente, esta é sua forma mais antiga, também preservada nos dialetos Kursk e Karachev ). Em russo pela primeira vez no poema "Elisey" de V. I. Maikov, 1771, canção 1: "Você me afina um apito ou uma balalaica."

Violoncelo (violoncello italiano, abreviatura de violoncelo, violoncelo alemão, violoncelo francês, violoncelo inglês)

Instrumento musical de cordas em arco do registro baixo e tenor, conhecido desde a primeira metade do século XVI, com a mesma estrutura do violino ou da viola, mas muito maior. O violoncelo possui amplas possibilidades expressivas e técnica de execução cuidadosamente desenvolvida, sendo utilizado como instrumento solo, conjunto e orquestral.

A história do surgimento e desenvolvimento do instrumento

O aparecimento do violoncelo remonta ao início do século XVI. Inicialmente, era usado como instrumento baixo para acompanhar o canto ou a execução de um instrumento de registro mais agudo. Havia inúmeras variedades de violoncelo, que diferiam umas das outras em tamanho, número de cordas e afinação (a afinação mais comum era um tom mais baixo que a moderna).
Nos séculos XVII-XVIII, os esforços dos notáveis ​​​​mestres musicais das escolas italianas (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana, etc.) criaram um modelo de violoncelo clássico com um tamanho de corpo firmemente estabelecido. No final do século XVII, surgiram as primeiras obras solo para violoncelo - sonatas e ricercars de Giovanni Gabrieli. Em meados do século XVIII, o violoncelo começou a ser utilizado como instrumento de concerto, devido ao seu som mais brilhante e encorpado e ao aperfeiçoamento da técnica de execução, acabando por deslocar a viola da gamba da prática musical. O violoncelo também faz parte da orquestra sinfônica e dos conjuntos de câmara. A aprovação final do violoncelo como um dos principais instrumentos da música ocorreu no século XX, graças aos esforços do notável músico Pablo Casals. O desenvolvimento de escolas de execução neste instrumento levou ao surgimento de numerosos violoncelistas virtuosos que realizam regularmente concertos solo.
O repertório para violoncelo é muito amplo e inclui numerosos concertos, sonatas, composições desacompanhadas.


] Técnica de tocar violoncelo

Mstislav Rostropovich com um violoncelo Duport de Stradivari.
Os princípios de tocar e tocar no violoncelo são os mesmos do violino, porém, devido ao maior tamanho do instrumento e à diferente posição do instrumentista, a técnica de tocar violoncelo é um tanto limitada. Flageolets, pizzicato, thumb bet e outras técnicas de jogo são usadas. O som do violoncelo é suculento, melodioso e tenso, ligeiramente comprimido no registro superior.
Estrutura das cordas do violoncelo: C, G, d, a (do, sal de uma oitava grande, re, la de uma oitava pequena), ou seja, uma oitava abaixo da viola. O alcance do violoncelo, graças à técnica desenvolvida de tocar na corda a, é muito amplo - de C (a uma oitava grande) a a4 (A da quarta oitava) e superior. As notas são escritas em claves de baixo, tenor e aguda de acordo com o som real.


o instrumento foi segurado pelas panturrilhas das pernas
Ao tocar, o intérprete apoia o violoncelo no chão com cabrestante, que se difundiu apenas no final do século 19 (antes o instrumento era segurado pelas panturrilhas). Nos violoncelos modernos, é amplamente utilizado o cabrestante curvo, inventado pelo violoncelista francês P. Tortelier, que confere ao instrumento uma posição mais plana, facilitando um pouco a técnica de execução.
O violoncelo é amplamente utilizado como instrumento solo, o grupo de violoncelo é utilizado em orquestras de cordas e sinfônicas, o violoncelo é membro obrigatório do quarteto de cordas, no qual é o mais baixo (exceto o contrabaixo, que às vezes é usado em it) dos instrumentos em termos sonoros, sendo também frequentemente utilizado em outros conjuntos de câmara. Na partitura orquestral, a parte do violoncelo é escrita entre as partes das violas e dos contrabaixos.

A história da criação do violino

A história da música considera que o violino em sua forma mais perfeita surgiu no século XVI. Naquela época, todos os instrumentos de arco que estiveram ativos na Idade Média já eram conhecidos. Eles estavam localizados em certa ordem e os estudiosos da época conheciam, com maior ou menor probabilidade, toda a sua genealogia. Seu número era enorme e agora não há necessidade de se aprofundar neste assunto.

Os últimos pesquisadores chegaram à conclusão de que o violino não é de forma alguma uma "viola da gamba" reduzida. Além disso, foi estabelecido com precisão suficiente que ambos os tipos de instrumentos em seus dispositivos têm características muito diferentes umas das outras. Todos os instrumentos relacionados com a "viole da gamba" tinham fundo plano, arestas planas, braço dividido por trastes, cabeça menos frequentemente em forma de trevo e mais frequentemente com imagem de cabeça de animal ou humana, recortes na a superfície superior do instrumento nos contornos da letra latina "C", e por fim, afinação das cordas em quartas e terças. Pelo contrário, a "viola da brachio", como a antecessora imediata do violino moderno, tinha uma quinta afinação das cordas, um fundo convexo, as bordas um pouco levantadas, a escala sem trastes, a cabeça em forma de um pergaminho e entalhes ou "efs", no contorno das minúsculas frente a frente F latino em itálico.
Esta circunstância fez com que a família das violas propriamente ditas fosse composta por uma redução sucessiva da gamba. Assim surgiu esquadrão completo um antigo "quarteto" ou "quinteto", composto apenas por violas de vários tamanhos. Mas, junto com o surgimento de uma família completa de violas, desenvolveu-se e aprimorou-se um instrumento que tinha todas as características distintivas e mais características do violino moderno. E esse instrumento, na verdade, não é nem uma "viola de mão" em significado direto palavras, mas a chamada "lira de mão", que, como instrumento popular das terras eslavas, formou a base da moderna família dos violinos. O grande Rafael (1483-1520), numa das suas pinturas de 1503, dá uma excelente representação deste instrumento. Contemplando-o, não há a menor dúvida de que falta muito pouco para a transformação completa da "lira de mão" no violino perfeito do nosso tempo. A única diferença que distingue a imagem de Raphael do violino moderno reside apenas no número de cordas - são cinco na presença de duas de baixo - e no contorno das cravelhas, que ainda lembram fortemente as cravelhas de um velha viola.
Desde então, as evidências se multiplicaram a um ritmo incrível. As insignificantes correções que se pudessem fazer à imagem da antiga "lira da brachio" dariam a ela a mais impecável semelhança com o violino moderno. Estes testemunhos, na forma de um antigo violino, datam de 1516 e 1530, quando um livreiro de Basileia escolheu velho violino com a sua marca. Ao mesmo tempo, a palavra "violino", em seu estilo francês violon, apareceu pela primeira vez em dicionários franceses do início do século XVI. Henri Pruneer (1886-1942) afirma que já em 1529 esta palavra está contida em alguns jornais comerciais da época. No entanto, as indicações de que o conceito de "violão" apareceu por volta de 1490 devem ser consideradas duvidosas. Na Itália, a palavra violonista no significado de um tocador de viola começou a aparecer a partir de 1462, enquanto a própria palavra violino no significado de "violino" passou a ser usada apenas cem anos depois, quando se espalhou. Os ingleses adotaram a grafia francesa da palavra apenas em 1555, que, no entanto, foi substituída três anos depois pelo "violino" totalmente inglês.
Na Rus', de acordo com o testemunho dos monumentos mais antigos, os instrumentos de arco eram conhecidos há muito tempo, mas nenhum deles se desenvolveu tanto a ponto de mais tarde se tornar um instrumento de uma orquestra sinfônica. O mais antigo instrumento de arco russo antigo é o bipe. Em sua forma mais pura, tinha um corpo de madeira oval, em forma de pêra, com três cordas esticadas sobre ele. Eles tocavam o apito com um arco arqueado, que nada tinha a ver com o moderno. A hora em que o apito se originou não é exatamente conhecida, mas há uma suposição de que o "bipe" apareceu na Rus 'junto com a penetração de instrumentos "orientais" - domra, surna e smyk. Este tempo é geralmente determinado pela segunda metade do século XIV e início do século XV. É difícil dizer quando os "violinos" apareceram no sentido literal da palavra. Só se sabe com certeza que as primeiras menções do violinista nos livros do alfabeto dos séculos XVI-XVII "mostram igualmente que os intérpretes não faziam ideia disso". De qualquer forma, de acordo com P. F. Findeisen (1868-1928), este instrumento ainda não era conhecido na vida doméstica e pública da Rus' de Moscou, e os primeiros violinos em sua forma completa apareceram em Moscou, aparentemente, apenas no início século XVIII. No entanto, os compiladores dos livros do alfabeto, que antes nunca tinham visto um violino genuíno, apenas entenderam que este instrumento tinha que ser um instrumento de cordas e, portanto, o compararam erroneamente a "gusli" e "Pequena lira russa", que, claro, definitivamente não era verdade.
Descrições mais ou menos detalhadas do novo violino no Ocidente começam a aparecer apenas a partir de meados do século XVI. Assim, Philibert Jambes de Fair (1526-1572), traçando as características e características distintivas do violino contemporâneo, cita uma série de nomes dos quais se pode concluir que a "família dos violinos" foi construída a partir do modelo e semelhança do viola. Foi a partir dessa época, a partir de 1556, que o violino existiu até finais do século XVII em diversas variedades, conhecidas por nomes franceses dessus, quinte, haute-contre, tailee e basse. Dessa forma, a composição da família dos violinos foi estabelecida na época em que Peer Maryann (1588-1648) começou a escrever sobre ele. "Gangue dos vinte e quatro" - como Les vingt-quatre foi chamado na época - consistia nos mesmos instrumentos, mas com os nomes já mudados. O dessus era seguido pelo haute-contre, e o quinte ficava entre o tailee e o basse, mas seus volumes correspondiam exatamente aos dados anteriores, que acabamos de mencionar. Mais tarde, houve outra mudança nesta composição dos violinos, devido à qual o haute-contre desapareceu completamente, dando lugar ao dessus, e o tailee uniu-se ao quinte, adotando a ordem deste último. Assim, estabeleceu-se um novo tipo de combinação de arco a quatro vozes, em que dessus correspondia ao primeiro e segundo violinos, tailee ou quinte - violas e basse - violoncelos.
Agora é difícil estabelecer com precisão quando ocorreu a finalização desse instrumento, que agora é conhecido pelo nome de "violino". Muito provavelmente, essa melhoria ocorreu em uma série contínua, e cada mestre trouxe algo próprio. No entanto, pode-se afirmar claramente que o século XVII foi a “época de ouro” do violino, quando se deu o acabamento final das relações na estrutura do instrumento e quando atingiu aquela perfeição que nenhuma tentativa de “melhorá-lo” já poderia passar por cima. A história reteve os nomes dos grandes transdutores de violino em sua memória e associou o desenvolvimento deste instrumento aos nomes de três famílias de fabricantes de violinos. Em primeiro lugar, esta é a família Amati de mestres cremoneses, que se tornaram professores de Andrea Guarneri (1626?-1698) e Antonio Stradivari (1644-1736). No entanto, o violino deve sua conclusão final principalmente a Giuseppe-Antonio Guarneri (1687-1745) e em particular a Antonio Stradivari, que é reverenciado como o maior criador do violino moderno.
Mas nem todo mundo gostou de tudo no violino que já havia sido consagrado naquela época pelo grande cremonês. Muitos tentaram mudar as proporções adotadas por Stradivari, e ninguém, claro, conseguiu isso. O mais curioso de tudo, porém, foi o desejo de alguns dos mestres mais atrasados ​​de devolver o violino ao passado recente e impor-lhe as feições obsoletas da viola. Como você sabe, o violino não tinha trastes. Isso possibilitou ampliar o volume do som e aperfeiçoar a técnica de tocar violino. No entanto, na Inglaterra, essas qualidades do violino pareciam "duvidos" e a "entonação" do instrumento não era precisa o suficiente. Portanto, os trastes no braço do violino foram introduzidos para eliminar a possível "imprecisão" na extração do som, e a editora, liderada por John Playford (1623-1686?), de 1654 a 1730 reimprimiu um manual compilado de acordo com a "tablatura modal". A Justiça, porém, exige dizer que foi em geral o único caso, famoso na história do violino. Outras tentativas de melhorar e facilitar a execução deste instrumento foram reduzidas à afinação de cordas ou à chamada "scordatura". Isso fazia sentido, e muitos violinistas proeminentes, como Tartini (1692-1770), Lolli (1730-1802), Paganini (1784-1840) e alguns outros, cada um afinou seu instrumento à sua maneira. Às vezes, esse método de afinação de cordas é usado até agora, buscando objetivos artísticos especiais.
Violino Stradivarius. Foto de gruhn.com Assim, o violino recebeu sua encarnação mais perfeita no final do século XVII. Antonio Stradivari foi o último a trazê-lo ao seu estado atual, e François Tourt, um mestre do século XVIII, é reverenciado como o criador do arco moderno. Mas no desenvolvimento do violino e sua implementação na vida real, as coisas foram menos bem-sucedidas. É muito difícil transmitir em poucas palavras toda a longa e variada história deste desenvolvimento e aperfeiçoamento da técnica do violino. Basta dizer que o aparecimento do violino causou muitos oponentes. Muitos simplesmente lamentaram as belezas perdidas da viola, enquanto outros inventaram "tratados" inteiros contra o estranho não convidado. Somente graças aos grandes violinistas, que avançaram decisivamente na técnica de tocar violino, o violino ocupou o lugar que merecia. No século XVII, esses virtuosos violinistas eram Giuseppe Torelli e Arcangelo Corelli. No futuro, Antonio Vivaldi (1675-1743) trabalhou muito em benefício do violino e, finalmente, toda uma galáxia de maravilhosos violinistas chefiados por Niccolò Paganini. O violino moderno tem quatro cordas afinadas em quintas. A corda superior às vezes é chamada de quinta e a corda inferior é chamada de baixo. Todas as cordas do violino são venosas ou intestinais, sendo que apenas o "baixo" é entrelaçado com um fino fio de prata ou "gimp" para maior plenitude e beleza do som. Atualmente, todos os violinistas usam uma corda de metal para a "quinta" e exatamente a mesma, mas apenas enrolada com um fino fio de alumínio para suavidade, a corda Lá, embora alguns músicos também usem uma corda Lá de alumínio puro sem qualquer "gimp". Neste sentido, a corda de metal para mi e alumínio para la, tornou necessário reforçar a sonoridade da corda de reencontro, então ainda nervurada, o que foi feito com a ajuda de um "gimp" de alumínio que envolvia, como um "basco", este último e, diga-se de passagem, que lhe serviu bem. No entanto, todos esses acontecimentos incomodam muito os verdadeiros conhecedores, pois o toque e a nitidez do som das cordas de metal em outros casos é muito perceptível e desagradável, mas não há nada a fazer e é preciso aturar as circunstâncias.
As cordas do violino, afinadas de acordo com as exigências do instrumento, são chamadas de abertas ou vazias, e soam na ordem de quintas puras descendentes de mi da segunda oitava até um pequeno sal. A ordem das cordas é sempre considerada de cima para baixo, e esse costume foi preservado desde os tempos antigos em relação a todos os instrumentos de arco e cordas "com cabo" ou "pescoço". As notas para violino são escritas apenas em " clave de sol" ou tecla Salt.
O conceito de "aberto" ou no uso orquestral - uma corda vazia, implica o som da corda em todo o seu comprimento desde o suporte até a pestana, ou seja, entre esses dois pontos que determinam sua altura real durante a afinação. O comprimento da corda geralmente é determinado pelos mesmos pontos, pois na orquestra é a parte sonora da corda que é levada em consideração, e não seu "valor absoluto" encerrado entre o subbraço e as cravelhas. Na partitura, uma corda aberta é indicada por um pequeno círculo ou zero colocado acima ou abaixo da nota.
Em alguns casos, quando o tecido musical da obra o exigir, você pode afinar a corda um semitom abaixo para obter um Fá sustenido de uma pequena oitava para o "basco" ou um segundo Ré sustenido para o "quinto".
Fonte music-instrument.ru

História de construção de guitarra elétrica (guitarra elétrica)

O desenvolvimento da tecnologia no século XX não desconsiderou o lado cultural da existência humana. O surgimento de dispositivos eletrônicos para reprodução e, mais importante, processamento de som, no final das contas, não poderia deixar de afetar os próprios instrumentos musicais. Além das tentativas de criar instrumentos musicais fundamentalmente novos, também foram feitas tentativas de "modernizar" os antigos conhecidos. Então Lloyd Loher em 1924 projetou o primeiro captador magnético, um dispositivo que converte as vibrações de uma corda de metal em um sinal elétrico. Este talentoso engenheiro trabalhava naquela época, onde você acha? - no Gibson! Mas como você entende, antes da criação les paul ainda longe o suficiente - tanto quanto longos 28 anos, de modo que as primeiras guitarras elétricas produzidas em massa não foram lançadas pela Gibson. E isso foi feito por uma empresa chamada Electro String Company, um dos fundadores da qual foi Adolf Rickenbacker, que posteriormente fundou, como você provavelmente já adivinhou, a famosa empresa Rickenbacker que lançou uma guitarra de assinatura para John Lennon - 325JL. Os corpos dessas primeiras guitarras eram feitos de alumínio, por isso receberam o nome sincero de "frigideiras". Este evento ocorreu em 1931. Não sei se houve outras tentativas de anexar um captador a uma guitarra, provavelmente houve, mas só em 1951 eles adquiriram aquelas formas tão clássicas e reconhecíveis. E Leo Fender fez isso lançando sua famosa Telecaster e já era um avanço, algo como colocar uma espaçonave em órbita com um homem, claro, a bordo. O casco era de madeira, embora não tivesse nada em comum no design com guitarra clássica. Por alguma razão, muitas pessoas pensam que as guitarras elétricas são feitas de sabe-se lá o quê: metal, plástico e alguns outros materiais ultramodernos, não - as guitarras foram feitas e são feitas até hoje, principalmente de madeira, assim como uma pessoa é 70% de água.
A partir desse momento, pode-se dizer que a guitarra elétrica se consolidou como instrumento musical e fenômeno cultural. A Gibson, é claro, não ficou para trás e lançou sua lendária Les Paul em 1952. E a foto de teste veio em 1954, quando a Fender lançou a Stratocaster em órbita. Músicos de blues, rock e country começaram a tocar guitarras desses modelos e fabricantes. Claro, tem havido muitas guitarras bonitas e não muito populares e não populares desde então, mas é improvável que até hoje alguém tenha inventado algo mais significativo, se você não levar em consideração o processamento de som. Existem, claro, várias inovações, como a adição de uma sétima e até uma oitava corda (em regra, são guitarras destinadas a bandas e músicos de estilos e tendências extremas), mas todos estes são fenómenos que “não chegar perto” em seu significado para aqueles listados acima de “descobertas”.
Mas o mais interessante é que o violão ainda era um violão. Por alguma razão, muitas pessoas que estão longe da música pensam que a guitarra elétrica é um instrumento musical que nada tem a ver com a guitarra clássica. Claro que a diferença é grande, desde a aparência até as técnicas de execução, mas ainda é um e o mesmo instrumento com a mesma (com algumas exceções) afinação e dedilhado de acordes, o que significa que conhecendo os acordes das músicas, eles podem ser executado com igual sucesso em ambos os violões elétricos e acústicos.

UMA BREVE HISTÓRIA DA GUITARRA E SEU ESTADO ATUAL

A guitarra é, como você sabe, o instrumento nacional espanhol. Até agora, a origem do violão não foi exatamente estabelecida. Deve-se presumir que seu protótipo é o kefara assírio-babilônico ou a cítara egípcia. Pode ter sido trazida para a Península Ibérica pelos romanos (guitarra latina) ou pelos árabes (guitarra mourisca). Na primeira tocaram com a técnica do "punteado", ou seja, com uma pitada, na segunda, que tinha uma sonoridade mais aguda, tocaram com a técnica do "rasgueado", ou seja, chacoalhando as cordas com todas as dedos da mão direita.

O violão do tipo moderno, ou pelo menos próximo a ele, provavelmente se originou da fusão dessas duas variedades da antiga cítara não antes do século XVI. Temos uma indicação indirecta desta dupla origem da guitarra numa forma diferente de a tocar até aos nossos dias: folk - "rasgueado", - originário da guitarra mourisca, e profissional - "punteado", - originário da guitarra latina .

Na época da penetração em outros países europeus (séculos XVI-XVII), o violão tinha cinco cordas, afinadas na proporção de um quarto, como o relacionado alaúde. Não é certo se a sexta corda foi adicionada na Alemanha ou na Itália. Nesta forma final, o violão adquiriu os direitos de um instrumento sério. Com base nesse aumento de suas possibilidades musicais, o violão de seis cordas conheceu seu primeiro apogeu (de fins do século XVIII a meados do século XIX). Nesse período o violão avançou linha inteira virtuosos e compositores brilhantes, como os espanhóis Aguado e Sor e os italianos Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Tsani de Ferranti, Regondi, Moretti e outros. A atividade de concerto desses guitarristas nos países europeus elevou o violão a um alto nível profissional e conquistou muitos adeptos entre os maiores músicos, poetas e escritores. Alguns deles - os compositores Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - usaram o violão em suas óperas; outros - os compositores Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - tocavam eles mesmos violão; outros - Glinka, Tchaikovsky - adoravam ouvir violão. Deve-se notar especialmente que o famoso violinista Paganini era ao mesmo tempo um excelente violonista e escreveu várias obras para violão. Poetas e escritores: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoi, Baudelaire e muitos outros amavam o violão e dedicaram mais de uma página a ele em suas obras.

O auge do violão, que durou quase até o final do século XIX, foi substituído pelo seu declínio, principalmente devido ao surgimento do pianoforte. No entanto, desde o início do século XX assistimos a um novo período de apogeu da guitarra, aparentemente provocado por uma mudança de atitude do grande público para com ela, enquanto antigo e um dos mais expressivos instrumentos folclóricos . Como resultado, surgiram vários virtuosos do violão excepcionalmente talentosos, principalmente espanhóis: Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol e outros, que aperfeiçoaram a arte de tocar violão e colocaram o violão em pé de igualdade com outros instrumentos solo tradicionais. E novamente, como na era do primeiro apogeu, o violão atrai muitos amigos entre os compositores mais proeminentes, como Torino, de Falla, Pons, Roussel e outros.

Em nosso país, foi amplamente distribuído juntamente com guitarra de seis cordas sua variedade é um violão de sete cordas, principalmente com afinação terçã.

Acordeão, acordeão de botão

História e variedades instrumentos de palheta(acordeão, acordeão de botão, etc.)

Um acordeão é um instrumento musical no qual os sons são produzidos por palhetas de metal que deslizam livremente - placas finas que vibram sob a ação de uma corrente de ar bombeada por um fole. Com a mão esquerda, o intérprete controla o fole, e também pressiona os botões de baixo e acorde para acompanhar a melodia, que é tocada com a mão direita.

Na Rússia, em Moscou, existe o melhor e mais extenso Museu de Harmônicos do mundo (existem 4 desses museus no mundo: há também o Museu de Harmônicos Nacionais na Alemanha em Klingenthal, o Museu de Harmônicos na Itália em Castelfidardo e o Museu do Acordeon nos EUA em .Super Ior-Delucy).

História geral do desenvolvimento de instrumentos de palheta

O primeiro instrumento conhecido com o princípio da palheta de extração de som é o antigo Sheng Oriental (originário da Birmânia, Tibete, Laos e China). A data exata em que este instrumento foi criado é desconhecida, mas acredita-se que tenha mais de 2.000 anos. Era considerado um instrumento "puro", ou seja, adequado para a execução de música sacra. Por volta de 700 DC O sheng era um instrumento popular aprimorado que podia ser tocado em 12 tons, e um livro de harmonia foi criado para esses instrumentos.



O aparecimento de gaitas, acordeões de botões e acordeões na Rússia

O aparecimento de harmônicos na Rússia remonta ao início dos anos 40 do século XIX. segmentos privilegiados da população, conforme indicado no fontes literárias, comprou gaitas de mão no exterior e, por meio de servos, as gaitas surgiram e se popularizaram nas aldeias. Supõe-se que as gaitas possam ser importadas por artesãos estrangeiros, encomendadas às fábricas de armas de Tula.
Entre os artesãos de Tula, havia a opinião de que os armeiros Sizov e Shkunaev inventaram as gaitas. Segundo alguns relatos, foram produzidos na década de 30 do século XIX. na província de Tula, porém, não se sabe de que tipo de harmônicos eles estão falando - sobre bocais ou manuais.



Informações gerais sobre o dispositivo de harmônicos

A gaita pode ser chamada de todos os instrumentos musicais, cujo som é reproduzido por uma língua de metal (voz) que desliza livremente, vibrando sob a ação de uma corrente de ar. O ar nas gaitas é fornecido com a ajuda de um fole de mão ou pé (gaitas de mão, harmônicos), um ventilador (organolas, organetas) ou exalado e inalado pelos pulmões do executante (gaitas de boca). Em todas as harmônicas modernas, a palheta é presa com rebites em uma das extremidades a uma base de metal, chamada de estrutura (chassi). A estrutura junto com a lingueta rebitada é chamada de barra.



Sheng (gonofui, ken, luxuriante)

Sheng é um dos instrumentos mais antigos da família da gaita, originário da Birmânia, Tibete, Laos e China. De acordo com antigos manuscritos chineses (2-3 mil anos aC), os cientistas estabeleceram o nome mais antigo do instrumento - Yu. Então passou a ser chamado de chao, ho, sheng - dependendo da forma e do material utilizado para sua fabricação. Outras variedades de sheng também são conhecidas - chonofui ou gonofui (Japão), ken (Laos), luxuriante e hulusheng (sudoeste da China). Na Rússia e em outros países europeus, os shengs às vezes eram chamados de órgãos bucais chineses.



Bibelharmonica, orquestra, elodicon

Quando os primeiros instrumentos musicais construídos sobre o novo princípio de produção de som (uma língua de metal escorregadia) apareceram na Europa, os fabricantes de órgãos usaram as velhas formas de instrumentos musicais: órgão portátil, insígnias, órgão positivo (portátil), etc. a exemplo dos primeiros instrumentos desse tipo.

Sintetizador

Um instrumento musical eletrônico que sintetiza o som usando um ou mais geradores de ondas sonoras. O som desejado é obtido alterando as propriedades do sinal elétrico (em sintetizadores analógicos) ou ajustando os parâmetros do processador central (em sintetizadores digitais).

Um sintetizador feito na forma de uma caixa com um teclado é chamado de sintetizador de teclado.
Um sintetizador feito na forma de uma caixa sem teclado é chamado de módulo sintetizador e é controlado por um teclado MIDI.
Se um sintetizador de teclado estiver equipado com um sequenciador embutido, ele é chamado de estação de trabalho.
Tipos de sintetizadores:

Dependendo da tecnologia utilizada, os sintetizadores são divididos em vários tipos:

Os sintetizadores analógicos implementam tipos de síntese aditivos e subtrativos. A principal característica dos sintetizadores analógicos é que o som é gerado e processado usando circuitos elétricos reais. Freqüentemente, a conexão de vários módulos de síntese é feita com cabos especiais - patch-wires, daí o “patch” ser o nome comum para um determinado timbre de sintetizador entre os músicos.

A principal vantagem dos sintetizadores analógicos é que todas as mudanças na natureza do som ao longo do tempo, como o movimento da frequência de corte do filtro, ocorrem de forma extremamente suave (continuamente). As desvantagens incluem alto nível ruído, o problema da instabilidade da afinação já foi superado. Os sintetizadores analógicos mais famosos em uso atualmente incluem: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6.

Os sintetizadores analógicos virtuais são um híbrido entre um sintetizador analógico e um digital, carregando um componente de software em seu corpo. Os mais famosos entre eles são: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

Os sintetizadores digitais incluem os próprios sintetizadores digitais, bem como suas variações: sintetizadores-plugins virtuais / autônomos e sintetizadores interativos. Eles implementam vários tipos de síntese. Para criar e reproduzir formas de onda originais, modificar o som com filtros, envelopes, etc. dispositivos digitais baseados em um processador central e vários coprocessadores são usados.

Na verdade, um sintetizador digital é um computador altamente especializado. Os modelos mais avançados de sintetizadores digitais modernos (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros), como computadores pessoais, permitem atualizar o sistema operacional, contêm menus de página, arquivos de ajuda integrados, protetores de tela etc.

Os sintetizadores virtuais são um subconjunto dos sintetizadores digitais, mas são um tipo especial de software. Para criar som, o processador central e a RAM de um computador pessoal são usados ​​\u200b\u200be para enviar som para um dispositivo de reprodução, uma placa de som do PC é usada.

Os sintetizadores virtuais podem ser produtos de software independentes e plug-ins de um determinado formato (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA, etc.) Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour, etc.). A alta disponibilidade leva à crescente popularidade de sintetizadores virtuais, incluindo modelos de instrumentos da vida real (por exemplo, Native Pro53 - emulador de sintetizador Profeta, Novation V-Station - emulador de sintetizador Novation K-Station, Korg Legacy - emuladores de sintetizador Korg M1, Wavestation , PolySix, MS20 etc.).

>Sintetizadores interativos ou caseiros também são uma variedade de sintetizadores digitais projetados especificamente para criação de música amadora doméstica e de salão, bem como para educação musical interativa. Normalmente, esses sintetizadores não possuem meios para edição de som avançada, incluindo controles em tempo real. A ênfase é colocada na imitação realista de uma variedade de instrumentos orquestrais e no uso da função de acompanhamento automático. Nesse caso, para tocar qualquer peça musical, o intérprete não precisa programar vozes ou gravar partes no sequenciador - basta selecionar uma voz pronta para uma melodia e um estilo para acompanhamento automático.

Obviamente, o controle de tais sintetizadores é muito mais simples do que o dos modelos de execução profissional e muitas vezes é acessível até mesmo para uma criança. Muitos sintetizadores desse tipo incluem jogos educativos como “adivinhe a nota” ou “adivinhe o acorde”, coleções de músicas prontas para ouvir e aprender, uma função de karaokê com exibição de letras na tela, etc. Esta categoria de sintetizadores inclui as famílias Yamaha PSR, Casio CTK / WK, Roland E / VA / EXR, etc.

Tipos de síntese de som:

Dependendo do método de geração de ondas sonoras e sua transformação, a síntese sonora pode ser classificada da seguinte forma:

Síntese de soma (aditiva), que usa o princípio da superposição (superposição) de várias ondas de forma simples (geralmente senoidal) com diferentes frequências e amplitudes. Por analogia com os órgãos elétricos, essas ondas são chamadas de registros e são denotadas como 16' (tom uma oitava abaixo da tomada), 8' (tom inicial), 4' (tom uma oitava acima da tomada), etc. (a figura é o comprimento do tubo do registro de órgão correspondente em pés). Em sua forma pura, é encontrado em órgãos elétricos (Hammond, Farfisa) e seus emuladores digitais (Korg CX-3, Roland VK-8, etc.). O som do instrumento é mais rico, quanto mais registros são usados ​​na construção.

Síntese subtrativa (subtrativa), na qual a forma de onda arbitrária original muda de timbre à medida que passa por uma variedade de filtros, geradores de envelope, processadores de efeitos, etc. Como um subconjunto, esse tipo de síntese é amplamente utilizado em quase todos os modelos de sintetizadores modernos.

Operador (FM, do inglês Frequency Modulation) síntese, na qual ocorre a interação (modulação e somação de frequência) de várias ondas de forma simples. Cada onda, juntamente com suas características, é chamada de operador, uma determinada configuração de operadores constitui um algoritmo. Quanto mais operadores usados ​​no projeto do sintetizador, mais rico o som do instrumento se torna. Por exemplo, o sintetizador Yamaha DX-7 (1984), que ainda é popular até hoje, possui 6 operadores, que são configurados por 36 algoritmos diferentes.

Síntese física, na qual, devido ao uso de processadores poderosos, processos físicos reais são simulados em instrumentos musicais de um ou outro tipo. Por exemplo, para instrumentos de apito de vento, como uma flauta, os parâmetros serão o comprimento, perfil e diâmetro do tubo, vazão de ar, material do corpo; para instrumentos de cordas - tamanho do corpo, material, comprimento e tensão das cordas, etc. A síntese física é usada por instrumentos como Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion, etc.

Síntese Wavetable (PCM), na qual o som é criado tocando fragmentos do som de instrumentos musicais reais (samples e multisamples) previamente gravados na memória do instrumento. O sintetizador mais famoso desse grupo é o Waldorf Wave, também conhecido como o sintetizador mais caro do mundo.

Síntese híbrida, que usa uma ou outra combinação de diferentes métodos de síntese de som, por exemplo, “soma + subtração”, “onda + subtração”, “operador + subtração”, etc. A maioria dos instrumentos modernos é criada com base na síntese híbrida, pois possui ferramentas muito poderosas para variar o timbre na faixa mais ampla.

Controle de um sintetizador moderno:

O controle de um sintetizador profissional moderno é um processo complexo associado ao controle de várias centenas, ou mesmo milhares, de vários parâmetros responsáveis ​​\u200b\u200bpor certos aspectos do som. Alguns parâmetros podem ser controlados em tempo real usando botões giratórios, rodas, pedais, botões; outros parâmetros são usados ​​para mudanças pré-programadas no tempo de certas características. Nesse sentido, os timbres (patches) de sintetizadores digitais também costumam ser chamados de programas.

O teclado e o rastreamento dinâmico são usados ​​para rastrear a posição e a velocidade de um pressionamento de tecla. Por exemplo, ao passar das teclas mais baixas para as mais altas, o timbre pode mudar suavemente do violoncelo para a flauta e, com um pressionamento mais vigoroso da tecla, os tímpanos são adicionados ao som geral.

Um envelope é usado para alterar um determinado parâmetro de um som não periodicamente. Normalmente, o gráfico de envelope é uma linha quebrada que consiste em ataque (Attack), decaimento (Decay), suporte (Sustain) e decaimento (Release) (ver também envelope ADSR), no entanto, em vários modelos de sintetizadores eles são encontrados como mais simples ( ADR ), bem como envelopes de vários estágios mais complexos. O número total de envelopes é uma característica importante de um sintetizador.

O filtro é usado para cortar uma certa banda de frequência do espectro total do sinal. Freqüentemente, o filtro também é equipado com ressonância, o que permite aumentar drasticamente a banda de frequência no limite de corte. Alterar as características do filtro com controles em tempo real, rastreamento de teclado e/ou envelopes permite que você obtenha opções de som extremamente diversas. O número total de filtros é uma característica importante de um sintetizador.

O modulador de anel permite modular o sinal original com outro sinal com uma determinada frequência (fixa ou flutuante), devido à qual há um enriquecimento significativo com harmônicos. O nome “Ring” (eng. “call”) se deve ao fato de que esse nó geralmente serve para obter um som “semelhante a um sino” do instrumento.

O oscilador de baixa frequência é usado para alterar periodicamente determinados parâmetros do som, como afinação, volume, frequência de corte do filtro, etc. No caso de uma mudança cíclica no volume, um efeito tremolo é criado, uma mudança no tom cria um efeito vibrato, uma mudança periódica na frequência de corte do filtro é chamada de efeito “wah-wah”.

O processamento de efeitos é usado para finalizar o som. Os sintetizadores modernos geralmente são equipados com um número bastante grande de processadores de efeitos (por exemplo, Korg Karma - 8 processadores, Roland Fantom - 6 processadores, etc.). Os processadores operam independentemente um do outro, embora possam ser combinados em circuitos seriais, se desejado. Processadores de efeitos modernos implementam um grande número de algoritmos de efeitos espaciais (reverb, delay, echo), modulação (flange, chorus, phaser) e outros (overamp, deslocamento de frequência, enriquecimento harmônico).

Os modelos mais avançados têm os meios para controlar os parâmetros de efeito de controles em tempo real, envelopes, LFOs e muito mais.

A mecânica do piano moderno foi inventada pelo mestre italiano Cristofori no final do século XVII (a data oficial é ca. 1709), em seu projeto os martelos ficavam sob as cordas. O instrumento chamava-se gravicembalo col piano e forte, - pianoforte - e mais tarde foi fixado o nome do piano.

A invenção de Cristofori marcou o início do desenvolvimento da mecânica do sistema inglês. Outros tipos de mecânica foram desenvolvidos por Marius na França (1716) e Schroeter na Alemanha (1717-21). Sebastian Erard inventou a mecânica de ensaio duplo, que permitia extrair o som pressionando rapidamente a tecla novamente a partir da metade. Na mecânica do sistema inglês, tal repetição só era possível quando a chave estava totalmente levantada.

Na Rússia, o negócio de pianos estava associado principalmente a São Petersburgo. Só no século 18, mais de 50 mestres de piano trabalharam lá. O desenvolvimento da produção fabril de pianos na primeira metade do século XIX foi influenciado pelas atividades do primeiro fabricante de pianos russo, fornecedor da Corte Imperial, o mestre inglês G. Faverier, os mestres alemães I.-A. Tischner, K.-I. Wirth, A.-H. Schroeder, I. -F. Schroeder e, desde 1840, o belga G.-G. Lichtental. Até o momento, são conhecidos os nomes de mais de 600 mestres de piano que trabalharam na Rússia antes da revolução de 1917. O mestre de piano do Conservatório de São Petersburgo, candidato a ciências filológicas Sergeev M. V. está envolvido nesses estudos.
Em meados do século 19, as fábricas de J. Blutner, K. Bechstein foram inauguradas na Alemanha, nos EUA - Steinway and Sons, que não tiveram igual por muitos anos.
No século 20, surgiram instrumentos fundamentalmente novos - pianos eletrônicos e sintetizadores, bem como uma forma especial de produção de som - um piano preparado.

A primeira peça musical escrita especificamente para piano apareceu em 1732 (sonata de Lodovico Giustini). No entanto, em massa, os compositores começaram a se concentrar no piano em vez do cravo quarenta ou cinquenta anos depois, na época de Haydn e Mozart.

Os pianos são divididos em pianos de cauda - instrumentos com cordas horizontais - e pianos verticais. O primeiro piano vertical conhecido é atribuído a K.-E. Friederici (Gera, Alemanha), que o criou em 1745. No entanto, já em 1742, um instrumento semelhante saiu da oficina de Johann Söcher em Zanthofen (Baviera), e em 1748 tal G. Silbermann também fez os mesmos instrumentos. Variedades de pianos verticais - piramidal, piano-lira, piano-bureau, piano-harpa, etc. Desde meados do século XIX, apenas pianos e pianos de cauda foram produzidos.

O som no piano é produzido batendo nas cordas com um martelo. As cordas são esticadas em uma armação de ferro fundido com o auxílio de pinos (pinos), passando pelas cravelhas de agudos e graves coladas no deck ressonante (no piano, o deck fica na posição vertical, nos pianos de cauda - em um Posição horizontal). Para cada som existe um coro de cordas: três para os médios e agudos, dois ou um para os graves. A extensão da maioria dos pianos é de 88 semitons de Lá subcontroctave até a 5ª oitava (instrumentos mais antigos podem ser limitados à nota Lá da 4ª oitava acima; você pode encontrar instrumentos com um alcance mais amplo). Na posição neutra, as cordas, exceto nas últimas uma e meia a duas oitavas, estão em contato com abafadores (abafadores). Quando as teclas são pressionadas, um dispositivo de alavancas, correias e martelos, chamado de mecânica de piano, é acionado. Depois de pressionar, o abafador sai do coro de cordas correspondente para que a corda soe livremente, e um martelo forrado com feltro (feltro) o atinge.
pedais de piano
Os pianos modernos têm dois ou três (os modelos mais novos têm quatro) pedais. Nos instrumentos anteriores, alavancas retráteis eram usadas para o mesmo propósito, que o pianista tinha que pressionar com os joelhos.
O pedal direito (às vezes referido simplesmente como "pedal" porque é usado com mais frequência) eleva todos os abafadores de uma só vez, de modo que, quando a tecla é solta, as cordas correspondentes continuam a soar. Além disso, todas as outras cordas do instrumento também começam a vibrar, tornando-se uma fonte secundária de som. O pedal direito é utilizado para duas finalidades: tornar inseparável a sequência de sons extraídos (tocar em legato) onde é impossível fazê-lo com os dedos devido a dificuldades técnicas e enriquecer o som com novos harmônicos. Existem duas maneiras de usar o pedal: um pedal direto - pressionando o pedal antes de pressionar as teclas a serem pressionadas, e um pedal atrasado, quando o pedal é pressionado imediatamente após a tecla ser pressionada e antes de ser solta. Nas partituras, esse pedal é indicado pela letra P (ou abreviação Ped.), e sua remoção é indicada por um asterisco. Na música de compositores das eras do romantismo e do impressionismo, essas designações são freqüentemente encontradas, geralmente para dar um sabor especial ao som.
O pedal esquerdo é usado para atenuar o som. Nos pianos de cauda, ​​isso é conseguido deslocando os martelos para a direita, de modo que, em vez das três cordas do coro, toquem apenas duas (no passado, às vezes apenas uma). Em um piano, os martelos se aproximam das cordas. Este pedal é usado com muito menos frequência. Na partitura, é marcado como una corda, sua remoção é marcada como tre corde ou tutte le corde. Além de atenuar o som, usar o pedal esquerdo ao tocar piano permite suavizar o som, deixá-lo mais quente e bonito devido à vibração das cordas soltas do coro.
O pedal do meio (ou terceiro, já que foi historicamente adicionado por último), ou pedal sostenuto, serve para elevar seletivamente os abafadores. Quando o pedal do meio é pressionado, os amortecedores levantados quando as teclas são pressionadas permanecem elevados até que o pedal seja removido. Ele, como o pedal direito, pode ser usado para tocar legato, mas não enriquecerá o som com a vibração das outras cordas. Este pedal está ausente da maioria dos pianos hoje e está presente na maioria dos pianos de cauda. Existem pianos em que o pedal do meio “desliza” para a esquerda e assim fica fixo, enquanto um tecido especial é colocado entre os martelos e as cordas, fazendo com que o som fique bem baixinho, o que permite ao músico tocar, por exemplo, à noite.
O piano pode ser usado tanto como instrumento solo quanto junto com uma orquestra (por exemplo, em concertos para piano com uma orquestra). Tocar piano é uma atividade que exige boa técnica, atenção e dedicação. Recomenda-se iniciar o treinamento em infância. Nas escolas de música para crianças (DMSH) na Rússia, o treinamento leva 5 ou 7 anos, dependendo do programa, alguns alunos ficam mais um ou dois anos após a formatura antes de entrar em uma escola de música. Depois de uma escola de música ou treinamento equivalente, você pode continuar seus estudos em uma escola ou faculdade de música e depois em um conservatório, universidade, tornando-se um pianista profissional. Na escola de música, o piano geral também é uma disciplina obrigatória para quase todos os cursos. Pianistas proeminentes do século 20 - Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould e outros.
O piano requer condições adequadas de manutenção, bem como afinação regular, pois com o tempo a tensão das cordas do instrumento é enfraquecida. A frequência de afinação depende da classe do instrumento, da qualidade de sua fabricação, idade, condições de manutenção e operação. A afinação, via de regra, não é feita pelo próprio intérprete, mas por um especialista - um mestre afinador de pianos, embora, teoricamente, tendo em mãos um afinador eletrônico e conhecendo as características exatas de frequência de cada uma das cordas, qualquer um possa fazer a afinação afinação, mesmo que não tenha ouvido musical.
É uma das nomeações dos Jogos Delphic.