“Me interesso por um espectador que entende pouco de dança. Jean-Christophe Maillot: “Na relação entre um homem e uma mulher, o pior é o tédio Balés Jean-Christophe Maillot

Nova York, 2017
Fotos de Nina Alovert.

26 de julho no palco do Lincoln Center em Nova Iorque a estreia do balé do Teatro Bolshoi Acadêmico Estatal da Rússia "A Megera Domada", dirigido pelo coreógrafo Jean-Christophe Maillot. Ele fala sobre o processo de criação de uma performance, sobre a escolha dos bailarinos e a criação da música, sobre as peculiaridades de se trabalhar em um balé e sobre sua abordagem única aos artistas de uma forma fascinante, ao estilo francês elegante e com um toque de humor. Jean-Christophe Maillot em coletiva de imprensa antes da estreia da peça.

"A Megera Domada", a cena final. Nova York, 2017

Jean-Christophe Maillot: Não gosto muito de falar de balé, porque balé tem que ser assistido. Para mim, o mais importante é sempre a incrível experiência de criar uma performance. Antes de começar a trabalhar com Teatro Bolshoi”, Não faço produções com outras trupes, exceto a minha, há mais de 25 anos. E, claro, fiquei bastante impressionado, como provavelmente qualquer coreógrafo que se depara com a companhia nível superior. Há duas razões pelas quais decidi encenar A Megera Domada no Teatro Bolshoi.

Jean-Christophe Maillot: Não gosto muito de falar de balé porque o balé tem que ser visto

Quando você não conhece a cultura do povo, você começa a usar clichês em seus julgamentos. Mais ou menos assim: os franceses comem camembert e baguete. (risos). Talvez eu esteja errado, porque não conheço a Rússia e os russos muito bem, mas...:

Em primeiro lugar, sempre me pareceu que os meninos do Teatro Bolshoi são todos homens tão duros de verdade, e todas as meninas são simplesmente lindas ... Então, para mim Grande Teatro foi uma escolha bastante óbvia para encenar esta performance em particular.

E a segunda e muito importante razão é que há mais de 20 anos trabalho com uma dançarina que amo muito - Bernice Coppieters. Quando ela tinha 22 anos, eu disse a ela que um dia iria encenar "A Megera Domada" para ela, porque ela é essa imagem. Junto com ela, encenamos 45 balés, e um dia ela veio até mim e disse: "É isso aí, vou parar." E naquele momento me ofereceram para encenar uma produção no Teatro Bolshoi. Eu disse a ela que faria isso por ela porque ela seria minha assistente. Então eu vou fazer balé com ela. E aqui estamos nós: Lantratov (Vladislav Lantratov, o intérprete do papel de Petruchio, nota ed.), Katya, Mayo e Coppetiers. E fizemos coreografias no hotel por muito tempo, conversando, conversando.

No processo de encenação, aprendi muito sobre o balé russo e os russos. Não posso falar de todos os bailarinos, apenas daqueles com quem trabalhei no Teatro Bolshoi. Eles são completamente diferentes. E o processo é completamente diferente.

Quando começamos, tudo era instável. Mas devo admitir que o elenco com quem trabalhei são os 25 dançarinos mais luxuosos e de alta classe do teatro. Descobri que os dançarinos russos são muito receptivos. Achei eles bem fechados, mas acabaram sendo receptivos, e é muito tocante. Eles nunca vão te mostrar que estão sofrendo, mas isso deve ser entendido. Eles te dão tanto! Eles são personalidades muito profundas. Antes dessa produção, eu pensava que eles adoram conflitos e especificamente tentam criá-los, mas eu sou francês e não gosto de conflitos, evito conflitos. Mas descobri que não era assim, e descobri incríveis pessoas profundas e fiz amigos maravilhosos.

Também foi importante que uma das características dos bailarinos do Teatro Bolshoi seja a capacidade de sentir o teatro. Trabalhar com eles é algo especial, são muito generosos, mas trabalham de uma forma completamente diferente, de uma forma diferente, às vezes não é fácil. É quase o mesmo que tentar explicar algo para a pessoa com quem você está falando. idiomas diferentes, e você não tem palavras exatas suficientes para transmitir o que sente e quer dizer. Mas quanto mais tempo esse balé fica no palco, melhor os artistas e eu nos entendemos, melhor eles sentem exatamente o que eu queria alcançar nessa performance.

Em 2011, comecei a olhar de perto os artistas do Teatro Bolshoi quando fui a um show do Benoa. Então, quando eu estava fazendo o meu Lago dos Cisnes, uma ideia maluca me ocorreu. Três dias antes da apresentação, resolvi apresentar "O Lago dos Cisnes" em opção interessante. O primeiro ato foi realizado pela minha trupe com minha coreografia, o segundo ato místico deveria ser realizado pelos artistas do Teatro Bolshoi de forma tradicional, e o terceiro deveria ser uma loucura. Os puristas ficaram completamente chocados, mas eu realmente gostei. Isso me deu a oportunidade de olhar para todos os dançarinos mais de perto.

Jean-Christophe Maillot: Mas quanto mais tempo este balé está no palco, melhor os artistas e eu nos entendemos, melhor eles sentem o que exatamente eu queria alcançar nesta performance

Foi então que percebi que seria difícil, duro com Katerina (Ekaterina Krysanova, fazendo o papel de Katarina no balé “A Megera Domada”, ed.). Ela reclamava o tempo todo de alguma coisa, ou a luz não estava tão forte, ou outra coisa. Então pensei que não valia a pena falar com ela.

Depois demorei dois anos para conhecer um pouco melhor os artistas, mas mesmo depois desse tempo, ainda não sabia quem dançava o quê. Como o Teatro Bolshoi é muito grande, são mais de 200 bailarinos, ainda não conheço ninguém. Não foi até janeiro de 2013 que começamos a trabalhar na produção. Trabalhamos por 7 semanas, depois dois meses de folga e mais 6 semanas de trabalho. Entre o trabalho, ainda vim ao Bolshoi para pelo menos conhecer os artistas de relance, para nos conhecermos melhor.

Para mim, encenar balé com bailarinos é como sair para jantar com as pessoas. Às vezes você conhece novas pessoas no jantar, mas precisa ter certeza de que não haverá ninguém na mesa que possa estragar sua noite. Você precisa ter certeza de que mesmo que eles não se conheçam, eles ainda têm algo em comum. E quando há algo em comum entre as pessoas, com certeza tudo vai dar certo.

E agora eu quero te dizer uma pequena história sobre como Katya conseguiu papel de liderança. Quando já fui a Moscou para encenar A Megera Domada, ainda não havia decidido nada sobre a imagem personagem principal performance, a única coisa certa era que ela seria vermelha e com um vestido verde, e que seria difícil com ela. (risos)

Jean-Christophe Maillot: Partindo para o Bolshoi, ainda não decidi nada sobre a imagem da personagem principal da peça, exceto que ela será vermelha e com um vestido verde, e que será difícil com ela.

Não levei Katya para o primeiro elenco de ensaio de bailarinos. Todo mundo está ocupado no Bolshoi, talvez ela estivesse dançando alguns outros grandes papéis naquela época, não me lembro. Mas um dia essa pequena garota veio até mim e disse que queria fazer um teste comigo. Eu respondi porque não. Afinal, é muito comovente quando uma dançarina se aproxima de você. No dia seguinte ela veio para a audição sem saber de tudo que eu te contei antes. E aí vem ela: vermelha, de camisa verde, com cílios verdes. Decidi que era um sinal a seguir. Posso ter minha própria visão, mas gosto de ser “estuprada” por artistas quando os atores “me pegam de surpresa”. Acredito que é impossível ser coreógrafo se você é uma marionete em seu próprio mundo e os artistas ficam longe de você.

Acredito que uma boa coreografia não pode ser criada sem uma conexão emocional especial com os dançarinos. Parece que se você substituir o artista, a coreografia não mudará. Mas para mim, a substituição de um artista pode levar ao fato de que a coreografia simplesmente desaparece, não pode existir em outra performance. É geralmente aceito que o papel abre novas facetas em uma pessoa que ela não suspeitava anteriormente. Na minha opinião, é possível criar condições em que os bailarinos se sintam suficientemente à vontade e mostrem mais do que eram capazes antes. Mas em uma pessoa você pode revelar apenas aquilo que ela mesma deseja ajudar a manifestar. E eu posso criar tais condições. Gosto de trabalhar em um ambiente alegre, odeio sofrimento e não acho que eles sejam necessários.

Acho que Katya em "A Megera Domada" se revelou uma garota mais terna e frágil do que ela se considera. E Vlad também.

Freqüentemente, "A Megera Domada" é encenada como uma história machista. E nunca saberemos como o próprio Shakespeare se sentiu sobre isso. Mas é óbvio para mim que esta é a história de duas pessoas excepcionais que não aceitam um parceiro comum ao lado deles - o "camponês médio". Mas a ideia principal desta peça é o amor e a oportunidade de encontrar o amor para cada pessoa. Todos podem encontrar seu companheiro, sua alma gêmea, até mesmo a pessoa feia, desonesta ou disfuncional, e ninguém pode ser julgado por sua escolha. É disso que se trata a peça para mim.

Jean-Christophe Maillot: O mais difícil é falar sobre a sinceridade do enredo, a clareza do resultado, isso pode ser discutido sem parar, é subjetivo, mas acho que há algo novo em nosso balé e algo que penetra diretamente corações das pessoas.

Adoro trabalhar na coreografia do balé, mas também adoro trabalhar na história. Minha decisão de encenar A Megera Domada foi influenciada pela celebração do aniversário de 450 anos de Shakespeare. Eu estava muito nervoso antes da exibição de A Megera Domada em Londres. Primeiro, é o local de nascimento de Shakespeare. Em segundo lugar, a coreografia é percebida de forma diferente em cada país.

O mais difícil é falar sobre a sinceridade do enredo, a clareza do resultado, isso pode ser discutido infinitamente, isso é subjetivo, mas acredito que há algo novo em nosso balé e algo que penetra diretamente no coração das pessoas. Não sei se é modéstia dizer isso, mas é uma espécie de espontaneidade. O show em Londres foi um sucesso e foi bem recebido pelo público.

Sempre me interesso mais por um espectador que entende pouco de dança. Porque não há tantas pessoas que entendam de balé no salão - pelo menos cem a cada apresentação, se você tiver sorte.

Hoje podemos usar coreografias clássicas de balé em cenários abstratos, dando origem a algum tipo de produção cômica e irônica. O poder da música e dos dançarinos atraem o espectador e subconscientemente, através da linguagem corporal, lembram-no das coisas importantes que todos nós sabemos. É uma química maravilhosa que é difícil de explicar.

Ao trabalhar em um novo balé, sempre me inspiro nos artistas, pois eles incorporam para mim as imagens que gostaria de ver no palco.

Tendo decidido trabalhar com o Bolshoi, decidi usar a música de Dmitri Shostakovich para a produção, pois sabia que estaria próxima dos artistas em espírito. Acho que ouvi todas as gravações existentes de Shostakovich. Música para mim é a arte mais elevada. Parece-me que nada evoca mais emoções do que a música.

A primeira coisa que fiz antes de montar a coreografia composição musical desempenho, pontuação. No papel, parece bastante estranho, caoticamente. Mas tenho certeza de que o valor e a riqueza da música de Shestakovich é que ele é um daqueles compositores capazes de trabalhar em níveis completamente diferentes. Sendo eu próprio um músico, sabia que podia combinar a sua música para que soasse como se tivesse sido escrita especialmente para este balé. Ao fazer isso, usei muito da música que ele escreveu para o cinema.

Jean-Christophe Maillot: Não consigo sentar no meu quarto e criar coreografias. Tenho que estar na sala com os dançarinos e a música, senão não consigo pensar em um passo.

Eu não posso sentar no meu quarto e criar coreografias. Tenho que estar na sala com os dançarinos e a música, senão não consigo pensar em um passo. A música me dá emoções e inspiração. Enquanto trabalhava na produção, tentei conectar obras musicais um após o outro, claro, respeitando os cânones formais da orquestra, a estrutura da composição e mantendo o equilíbrio emocional ao longo da obra.

Às vezes, tive que esquecer o significado da música para os russos. Sei que Shostakovich é russo, mas acima de tudo é um compositor. Portanto, um francês pode ouvir a música de Shostakovich sem apreciar o significado e o significado que ela contém. Em algum momento, até tive dúvidas. Quando usei a música da sinfonia, eles me explicaram o que essa música significava para a cultura russa e que era impossível tocar com ela. Mas em vez de falar de guerra, falei de amor na música. Respeito a música, não gosto de provocações.

Eu me senti confiante no que estava fazendo. Fui ao condutor e dei-lhe o meu plano. Ele o segurou por três dias e me devolveu dizendo: “Isso é exatamente o que eu sonhei em reger algum dia”.

eu disse bem, então vamos fazê-lo Bom trabalho. E acho que funcionou e conseguimos.

Jean-Christophe Maillot: Às vezes, tive que esquecer o significado da música para os russos. Shostakovich é russo, mas acima de tudo é um compositor. Portanto, um francês pode ouvir a música de Shostakovich sem apreciar o significado e o significado que ela contém.

1977 - Laureado do Concurso Internacional Juvenil "Prêmio de Lausanne".
1992 - Cavaleiro da Ordem do Mérito em Arte e Literatura (França).
1999 - Oficial da Ordem do Mérito Cultural do Principado de Mônaco.
2002 - Cavaleiro da Ordem da Legião de Honra; Prêmio Nijinsky no Monaco Dance Forum para a melhor performance coreográfica, prêmio da revista italiana "Danza & Danza" ("Beauty", 2001).
2005 - Comendador da Ordem de São Carlos (Mônaco).
2008 - prêmio Associação Internacional de Coreógrafos"Benois de la danse" (Moscou) para a produção de "Faust" (2007).
2010 - Premio Danza de Valência (Espanha).

Biografia

Nasceu em 1960 em Tours (França). Estudou dança e piano no Conservatório Nacional de Tours (Indre-et-Loire) com Alain Daven, depois (até 1977) com Roselle Hightower na Escola Internacional de Dança de Cannes. No mesmo ano foi agraciado com o Prêmio do Concurso Internacional da Juventude em Lausanne, após o qual ingressou na trupe do Hamburg Ballet John Neumeier, da qual foi solista nos cinco anos seguintes, interpretando as partes principais.

Um acidente o obrigou a abandonar a carreira de dançarino. Em 1983 regressou a Tours, onde se tornou coreógrafo e director do Ballet Teatro Bolshoi de Tours, posteriormente transformado em Centro Nacional de Coreografia. Ele encenou mais de vinte balés para esta trupe. Em 1985 fundou o festival Le Chorégraphique.

Em 1986 recebeu um convite para retomar seu balé" sinfonia de despedida”ao som da música de J. Haydn, a quem em 1984 disse “o último perdão” a J. Neumeier, para a então revivida trupe do Monte Carlo Ballet. Em 1987, para esta trupe, encenou The Wonderful Mandarin, de Bartok, balé que se esperava um sucesso excepcional. No mesmo ano encenou o balé "A Criança e a Magia" ao som da ópera homônima de M. Ravel.

Na temporada 1992-93. torna-se Conselheiro Artístico do Balé de Monte-Carlo e, em 1993, Sua Alteza Real a Princesa de Hanover o nomeia diretor artistico. A trupe de cinquenta pessoas sob sua liderança progrediu rapidamente em seu desenvolvimento e agora tem uma reputação bem merecida como uma equipe altamente profissional e criativamente madura.

Ele encenou as seguintes apresentações para o Monte-Carlo Ballet:

“Tema e Quatro Variações” (“Quatro Temperamentos”) com música de P. Hindemith (com reminiscências do balé “Quatro Temperamentos” dirigido por J. Balanchine)
"Monstros Negros" (1993),
"Lar doce lar" ao som de G. Goretsky (1994)
“Onde está a lua” / “Dov'e la luna” com a música de A. Scriabin (1994)
"Ubuhuha" em música tradicional Burundi (1995)
"To the Promised Land" com música de J. Adams (1995)
"Concerto dos Anjos" ao som de I.S. Bach (1996)
"Romeu e Julieta" de S. Prokofiev (1996)
Frente e verso com música de A. Schnittke (1997)
"Ilha" (1998)
Cinderela de S. Prokofiev (1999)
"O Quebra-Nozes no Circo" (versão de "O Quebra-Nozes" de P. Tchaikovsky, 1999, em homenagem ao aniversário do Príncipe Rainier III no Chapiteau de Mônaco, que acomodou 20 mil espectadores)
"Opus 40" com música de M. Monk (2000)
"Tece" / "Entrelacs" (2000)
"An Eye for an Eye" com música de A. Schnittke, A. Pärt, K. Jarrett (2001)
"Beauty" (versão de "Bela Adormecida" de P. Tchaikovsky, 2001)
"Dance of men" ao som de S. Reich (2002)
"De uma costa a outra costa" ao som de J. Mares (2003)
"Casamento" de I. Stravinsky (2003)
"Miniaturas" com música de R. Lazcano, I. Fedele, M. Matalon, B. Mantovani, J. Pesson, A. Cera, M. Ducret (2004)
"Dream" ao som da música de F. Mendelssohn-Bartholdy, D. Teruji, B. Mayo (baseado na peça "Dream in noite de verão» W. Shakespeare, 2005)
"Another Song I" / "Altro Canto I" com música de C. Monteverdi, B. Marini, J. J. Kapsberger (2006)
"Fausto" com música de F. Liszt e C. Gounod (2007)
"Another Song II" / "Altro Canto II" B. Mayo (2008)
"Dança de homens para mulheres" em música de S. Reich (2009)
"Scheherazade" com música de N. Rimsky-Korsakov (2009 em "Daphnis and Chloe" ao som de M. Ravel (2010, em como parte das comemorações do centenário do balé russo)
"Opus 50" M. Monet (2011)
"Lago" (versão " Lago de cisnes"P. Tchaikovski, com música adicionada B. Maio, 2011)
"Horeo" / Chore on música de J. Cage, I. Maresa, B. Mayo (2013 g., esta produção marcou 20º aniversário sua liderança da trupe)
The Nutcracker Company com música de P. Tchaikovsky e B. Mayo (2013 g., a história da trupe- para o 20º aniversário cooperação com dela)

Mayo está invariavelmente no processo de criação de uma nova linguagem coreográfica, porque deseja "reler" os grandes balés de histórias de uma nova maneira e demonstrar sua própria maneira de pensar coreográfico abstrato. Essa abordagem o tornou famoso na imprensa mundial. Ele está obcecado com o desenvolvimento de sua trupe. Sempre aberto para cooperação com outros criadores e convida você anualmente para Mônaco coreógrafos interessantes, ao mesmo tempo em que proporciona uma oportunidade de se expressar neste palco e jovens coreógrafos.

Um excelente impulso para a criatividade é dado a ele por personalidades brilhantes, que ele coleciona e nutre em sua trupe, querendo dar-lhes a oportunidade de se abrirem ainda mais e mostrarem habilidades ainda mais maduras. Esse desejo levou à criação em 2000 do Monaco Dance Forum, um festival que logo se tornou amplamente conhecido internacionalmente.

O Monte Carlo Ballet passa seis meses do ano em turnê, o que também é consequência da bem pensada política de Mayo. A trupe já viajou quase o mundo todo (apresentou-se em Londres, Paris, Nova York, Madrid, Lisboa, Seul, Hong Kong, Cairo, São Paulo, Rio de Janeiro, Bruxelas, Tóquio, Cidade do México, Pequim, Xangai), e em todos os lugares e ela e seu líder receberam o mais alto reconhecimento.

Jean-Christophe Maillot é um convidado bem-vindo em qualquer trupe de balé paz. Concordo plenamente últimos anos ele encenou várias de suas apresentações famosas (incluindo os balés Romeu e Julieta e Cinderela) - no Bolshoi Ballet do Canadá (Montreal), no Royal Swedish Ballet (Estocolmo), no Essen Ballet (Alemanha), no Pacific Northwest Ballet (EUA , Seatle) balé nacional Korea (Seul), Stuttgart Ballet (Alemanha), Royal Danish Ballet (Copenhague), Geneva Bolshoi Ballet, American Ballet Theatre (ABT), Béjart Ballet em Lausanne.

Em 2007 ele colocou teatro estadualÓpera de Wiesbaden "Fausto" de C. Gounod, em 2009 - "Norma" de V. Bellini na Ópera de Monte Carlo. Em 2007 dirigiu seu primeiro filme-ballet "Cinderela", depois, no outono de 2008, o filme-ballet "Dream".

Em 2011, muito um evento importante. A trupe, o festival e instituição educacional, a saber: o Ballet de Monte Carlo, o Fórum de Dança de Mônaco e a Academia de Dança. Princesa Graça. Sob o patrocínio de Sua Alteza a Princesa de Hanover e sob a liderança de Jean-Christophe Maillot, que assim recebeu ainda mais oportunidades para realizar suas aspirações.

Foto de Karl Lagerfeld

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Jean-Christophe Maillot nasceu em 1960 em Tours (França). Ele estudou dança e piano no National Conservatory of Tours com Alain Daven, e depois mudou-se para Roselle Hightower em escola Internacional dançar em Cannes.

Em 1977 recebeu o Prêmio do Concurso Juvenil de Lausanne. Então John Neumeier o aceitou na trupe do Hamburg Ballet, onde passou cinco anos como solista, interpretando os papéis principais. Um acidente acabou com sua carreira de dançarino.

Em 1983, Jean-Christophe Maillot retornou à sua cidade natal de Tours, onde se tornou coreógrafo e diretor do Bolshoi Ballet Theatre of Tours, posteriormente Centro Nacional coreografia. Ele encenou mais de vinte balés para esta trupe.

Em 1985 Jean-Christophe Maillot estabelece um festival coreográfico.

Mônaco o convida para criar "Farewell" para o Monte-Carlo Ballet e em 1987 - sucesso excepcional merecido - "Wonderful Mandarin". No mesmo ano encenou A Criança e a Magia.

Na temporada 1992-1993, Jean-Christophe Maillot tornou-se Conselheiro Artístico do Monte-Carlo Ballet e, em 1993, Sua Alteza Real a Princesa de Hanover o nomeou Diretor Artístico. A trupe de 50 artistas sob sua liderança desenvolveu-se rapidamente e hoje atinge um nível excelente. Ele encenou para o Monte Carlo Ballet - "Black Monsters" (1993), "Birthplace", Dove la luna (1994), Ubuhuha (1995), "To the Promised Land" (1995), "Romeu e Julieta" (1996) , Recto Verso (1997), "Ilha" (1998), "Cinderela" e "O Quebra-Nozes no Circo" (1999), Opus 40, Entrelacs (2000), "Olho por Olho" e "Dormindo" (2001 ), "Dance Men (2002), Para a Outra Margem (2003), Casamento (2003), Miniaturas (2004), Sonho (2005), Altro Canto (2006), Fausto (2007).

Jean-Christophe Maillot expande o repertório da trupe ao convidar anualmente coreógrafos notáveis ​​para Mônaco; permitindo que jovens nomes se expressem neste palco.

Nos últimos anos, tem sido convidado para encenar produções em grande balé Canadá, Royal Swedish Ballet, Essen Ballet, Pacific Northwest Ballet, Stuttgart Ballet. Em março de 2007, a coreógrafa recebeu uma oferta do Wiesbaden Staatstheater para encenar a ópera Faust, e do ópera Monte Carlo - Norma. A produção de Mayo de A Mulher Adormecida recebeu o Prêmio Nijinsky de Melhor Coreografia de 2001 e o Danza & Danza Italian Critics' Prize.

Melhor do dia

O coreógrafo foi agraciado com a Ordem do Mérito Cultural. Jean-Christophe Maillot também é um Chevalier da Ordem de Grimaldi, um Chevalier da Ordem Francesa de Artes e Letras, a Ordem da Legião de Honra da França.

Hoje Mayo é um dos coreógrafos franceses mais famosos no exterior. Seu nome é conhecido em Londres e Paris, Nova York, Madri, Lisboa, Seul, Hong Kong, Cairo, São Paulo, Rio de Janeiro, Bruxelas, Tóquio, Cidade do México, Pequim, Xangai.

Tudo o que acontece no Monte-Carlo Ballet Theatre nos parece importante e próximo - afinal, é dirigido por Jean-Christophe Maillot, o coreógrafo por quem nos apaixonamos à primeira vista quando vimos seu balé Daphnis e Chloe em 2012. Então ele encenou A Megera Domada no Teatro Bolshoi, e nesta temporada ele nos mostrou Cinderela (em São Petersburgo) e Bela (em Moscou). Jean-Christophe - personalidade interessante e pessoa encantadora. Em entrevista a Olga Rusanova, ele falou sobre seu interesse por balés sem enredo, Marius Petipa e como é ser coreógrafo na pequena Mônaco.

Abstração é vida?

O público conhece bem meus balés temáticos, e isso, de fato, uma parte importante minha criatividade. Mas também tenho grande prazer em criar movimentos puros relacionados à música. Sim, essa arte parece abstrata, mas não acredito que exista algo totalmente abstrato, pois tudo que uma pessoa faz carrega algum tipo de emoção, sentimento. Além disso, adoro explorar essa relação muito específica entre movimento e música. E quando não tenho que me prender à história, posso ousar mais, até arriscar na pesquisa da coreografia. É uma espécie de laboratório que me cativa. E isso também é uma parte importante do meu trabalho, talvez menos conhecida, mas que contém, digamos assim, a essência do balé, do movimento como tal.

Meu último balé, Abstraction/Life, foi criado para uma música completamente nova - um concerto para violoncelo compositor francês Bruno Mantovani intitulado "Abstração". É uma partitura muito grande - quase 50 minutos - e me inspira a ideia de trabalhar com um compositor.

Claro, também gostei de trabalhar com a música de Shostakovich - quero dizer o balé "A Megera Domada", quando a partir de suas obras meio que criei uma nova partitura para um balé que não existia na realidade. Mas ainda assim, quando um compositor compõe especialmente para mim, é uma questão completamente diferente. Além disso, esta noite de balé consiste em duas partes - na primeira parte há o balé de George Balanchine ao som do Concerto para Violino de Stravinsky. Deixe-me lembrá-lo da frase de Balanchine: "Eu tento ouvir a dança e ver a música." Então eu, seguindo Balanchine, quero fazer a música parecer visível. Muitas vezes Música contemporânea difícil de entender sozinho. E a dança, o movimento permite, por assim dizer, “reanimá-la”, torná-la mais natural à percepção. tiya. Neste ponto, algo está realmente acontecendo. um milagre... Em geral, como coreógrafo, sempre componho uma dança junto com a música, não consigo imaginar um único passo, um único movimento sem ela, porque, na minha opinião, a música é uma arte do mais alto nível , sempre dirigido às emoções, mesmo que seja complexo, incompreensível . E é a dança, o movimento do corpo que pode transmitir essa emoção, como contar, e isso, veja, toca.

E ainda mais. O artista deve ser testemunha da época em que vive, dar informações sobre mundo real. Conversei sobre isso com o autor do Concerto, Bruno Mantovani. A música dele às vezes é muito complicada, difícil, como você ouviu. Ele disse: “No século 20, e ainda mais hoje, a crueldade está em toda parte. O mundo está crescendo, há cada vez mais gente. Muitos medos, perguntas, confusão… Não consigo escrever música suave e terna, tenho que refletir a realidade.”

Petipa, Diaghilev e Instagram

Petipa é algo excepcional, especial, único. Então não havia outros coreógrafos como ele. Acho que ele é um dos primeiros que teve o conceito de dança como uma linguagem autossuficiente, à qual nada precisa ser pensado, acrescentou. Na verdade, o balé no caso dele é o suficiente para construir uma performance.

Por que ainda estamos falando de Petipa? “Porque está no centro de tudo que é balé. Ninguém estaria onde está hoje se não fosse pelo que Petipa fez. É o ponto de partida, o início do conhecimento sobre balé que temos hoje. E como ele atravessou anos, séculos, gerações, significa que ele foi algo muito importante, e isso é óbvio.

E hoje, ao criar um grande balé de enredo, ainda pensamos no Lago dos Cisnes, porque esse é o alicerce balé clássico em que cada coreógrafo confia. Foi a primeira base sobre a qual construir um novo conceito, um novo estilo pensamento, novas ideias. Naquela época não havia vídeo, cinema, só tínhamos essa capacidade muito específica da dança de passar esse conhecimento através do tempo, através das gerações.

Bem, o fenômeno de Petipa também é interessante como exemplo de interpenetração de culturas. Os seus ballets mostram há muitos anos que a dança é uma excelente base de comunicação à escala internacional, porque é o nosso linguagem comum. Quando cheguei ao Teatro Bolshoi e trabalhei com os solistas da trupe, não pude deixar de pensar em Petipa, em como esse francês veio de Marselha para a Rússia e, tendo se encontrado com a cultura russa, dançarinos russos, tentou combinar os dois culturas.

É muito importante lembrar disso, especialmente hoje, porque as diferenças culturais estão desaparecendo lentamente. Estamos cada vez mais nos fundindo, nos misturando. Parece que recentemente, se não víamos nossos colegas por 5 a 6 anos, não sabíamos o que eles estavam fazendo e agora, graças às redes sociais e ao Instagram, as informações fluem constantemente. Tudo parece estar acontecendo em todos os lugares ao mesmo tempo. Isso é bom e ruim.

Estou pensando: o que aconteceria com Grigorovich se o Facebook e tudo o que existisse então, se ele soubesse o que Trisha Brown estava fazendo em Nova York ao mesmo tempo? Tudo em seus balés seria igual? Não é provável, e provavelmente só poderíamos nos arrepender.

A maneira dos dançarinos russos era originalmente bem diferente da dos franceses e americanos, mas tempo está passando, e você entende que o que era diferente há 20 anos agora está cada vez mais apagado, dissolvido, aproximado. E vejo isso na minha companhia, onde dançam representantes de diferentes nacionalidades.

A universalidade do pensamento, estilo, estética - sim, de certa forma é ótimo, mas aos poucos vamos perdendo nossa identidade. Nós, involuntariamente, nos copiamos cada vez mais. E talvez tenha sido Petipa um dos primeiros a provocar esse processo. Foi ele quem, saindo da França, trouxe sua cultura para outro país, para a Rússia. E talvez seja por isso que ela se tornou tão extraordinária...

Em geral, acho que a tarefa de todo artista é se referir ao que foi feito antes de você, conhecer o patrimônio, tratá-lo com respeito e curiosidade. Conhecer a história é muito importante, mas ao mesmo tempo, em algum momento você tem que “esquecer” esse conhecimento para seguir em frente. Muitas vezes me perguntam sobre a trupe Russian Seasons de Sergei Diaghilev, que trabalhava em Monte Carlo, onde funciona nosso teatro. Claro, era um fenômeno muito interessante quando a companhia reunia compositores, artistas, coreógrafos, dava dois ou três balés por noite. Hoje, muitos fazem isso, mas eles foram os primeiros. Para mim, as temporadas russas de Diaghilev não são menos importantes que as de Petipa.

Bezharovsky dançarino

Eu cresci em uma família teatral. Meu pai era cenógrafo no Opera and Ballet Theatre. Em casa, no Tour reuniam-se cantores, dançarinos, diretores, pode-se dizer que nasci e cresci no teatro. Eu fiquei lá por horas. É por isso que eu não gosto de ópera primeiros anos visto ela demais. Ao mesmo tempo, não diria que cresci no mundo da dança, mas sim num meio artístico. Por muito tempo não pude me considerar realmente um especialista na área da dança - até os 32 anos.

Eu era dançarina - estudei no conservatório de Tours, depois em Cannes. Eu não sabia muito sobre dança, sempre me perguntei mais sobre a vida do que sobre a história da coreografia. Lembro-me de como, quando criança, fiquei impressionado com Maurice Béjart, especialmente com sua peça Nijinsky, God's Clown. E quando no quintal (e não cresci na área mais respeitável da minha cidade natal Tura) os meninos perguntaram: “Que tipo de dançarino você é? Clássico ou Bezharovsky?”, Eu respondi: “Bezharovsky”. Caso contrário, eles provavelmente não teriam me entendido e talvez tivessem me batido. Crescemos em uma cultura de dança popular e não clássica.

Aí comecei a aprender algo importante sobre balé, principalmente por meio das bailarinas: estou falando de Baryshnikov em Giselle, Makarova em O Lago dos Cisnes. Descobri Balanchine e encenamos dezenove de seus balés em nossa companhia.

O principal são os dançarinos

Eu realmente descobri Yuri Grigorovich em 2012, quando vi seu balé Ivan, o Terrível. Fiquei encantado, cativado. O que mais me impressionou nem foi a coreografia - muito interessante por si só, mas sim os bailarinos, o seu envolvimento, a fé no que estão a fazer. Isso me tocou. E percebi novamente que os dançarinos são o principal no balé. Sim, claro, eles precisam de um coreógrafo, mas um coreógrafo sem bailarinos não é ninguém. Não devemos esquecê-lo. Se você gosta, esta é a minha obsessão. Meu trabalho é estar no estúdio com pessoas - pessoas especiais: frágeis, vulneráveis ​​e muito honestas, mesmo quando mentem. Sempre me interesso pelos artistas com quem partilho a música, a linguagem da dança através da qual podem expressar o que sentimos juntos. E sempre esperamos que essa onda de emoções seja transferida do palco para o salão e nos una a todos.

feliz no isolamento

Não me sinto muito ligada ao mundo do balé: aqui em Mônaco estou meio "isolada". Mas eu gosto deste lugar porque se parece comigo. Este país é especial - muito pequeno, dois quilômetros quadrados no total, mas todo mundo sabe disso. Mônaco é um lugar muito sedutor: não há greves, problemas sociais e econômicos, não há conflitos, não há pobres, desempregados. A princesa Caroline de Mônaco me deu a maravilhosa oportunidade de trabalhar aqui por 25 anos. Não faço parte de instituições poderosas como balé real, Grande teatro, Ópera de Paris, parte de empresas internacionais. Estou sozinho, mas posso trazer o mundo inteiro aqui.

E estando aqui "isolado", estou feliz. E se amanhã o mundo do balé anunciar um boicote a mim, tudo bem, vou trabalhar aqui. Nem o príncipe nem a princesa nunca me dizem: "Você deve fazer isso e aquilo." Tenho uma oportunidade maravilhosa de ser honesto, independente e livre. Posso fazer o que quiser: fazer apresentações, fazer festivais.

Não há outro teatro em Mônaco. E me esforço para dar o máximo possível ao público local, não para limitá-lo ao repertório do Monte-Carlo Ballet Theatre. Se todos esses anos eles vissem apenas nossos balés, isso significaria que estou enganando o público sobre o que está acontecendo em mundo do balé. Minha tarefa é trazer companhias clássicas e modernas e outros coreógrafos para cá. Quero que as pessoas que vivem aqui tenham as mesmas oportunidades que os parisienses e os moscovitas. Então tenho que fazer tudo de uma vez: me dedicar à encenação de balés, além de turnês, festivais e também da Academia de Balé. Mas minha tarefa era encontrar um diretor profissional, não para fazer o trabalho para ele, mas para apoiá-lo.

Em geral, quanto mais pessoa talentosa ao seu redor - mais interessante e fácil será para você fazer seu trabalho. Eu gosto pessoas pequenas nas proximidades - eles o tornam mais inteligente.

Odeio a ideia de que o diretor tem que ser um monstro, para mostrar força, para deixar as pessoas com medo de si mesmas. Não é difícil exercer poder sobre pessoas que estão praticamente nuas na sua frente todos os dias. Mas são pessoas muito vulneráveis ​​e inseguras. E você não pode abusar do seu poder. E eu amo dançarinos, simpatizo até com os fracos, porque eles têm trabalho especial. Você pede a um artista que amadureça aos vinte anos, mas pessoas comuns chega apenas aos quarenta anos, e acontece que quando a verdadeira maturidade chega ao dançarino, o corpo “sai”.

A nossa empresa - não direi "família", porque os artistas não são meus filhos - esta é uma empresa de pessoas que pensam da mesma forma. Nunca tive um relacionamento com uma trupe em que vivesse medo, raiva, conflito. Isso não é meu.

Ser coreógrafo é conectar pessoas com escolas diferentes, mentalidades diferentes, para que criem uma performance e, ao mesmo tempo, no processo de criação, nunca se sabe exatamente quem exatamente será o elo mais importante do resultado. . É sempre um esforço de equipe.