Hem › Kropp › Biwa. Japansk musik på fredagar

Biwa. Japansk musik på fredagar

Xi Jinping, Kinas ordförande Folkets republik, talade vid ett symposium tillägnat 69-årsdagen av segern över de japanska inkräktarna under världskriget, och uppmanade Japan att ta ett mer ansvarsfullt tillvägagångssätt för att bedöma ...

tillagd: 04 mars 2014

Nationell japansk musik och instrument

Ett land stigande sol Japan har en distinkt och unik kultur. Arvet från en stor nation är nära kopplat till musik. Nationell japansk musik är samma ursprungliga fenomen, som berodde på landets isolering.

Folket i Japan behandlar alltid omsorgsfullt och respektfullt monumenten av kulturen i sitt hemland. Vilken musik som helst är omöjlig utan musikinstrument. musikalisk kultur Japan har sin egen unika genre. Detta förklarar mängden instrument som används för att skapa musikaliska mästerverk.

Anmärkningsvärda musikinstrument

Ett av de mest kända japanska musikinstrumenten är shamisen, som är analog med lutan. Den tillhör kategorin tresträngade plockade instrument. Han härstammar från sanshina, som i sin tur härrör från sanxian som är hemma i Kina.

Japansk musik och danser är inte kompletta utan shamisen, som fortfarande är vördad idag japanska öar och används ofta i japansk teater Bunraku och Kabuki. Det är också viktigt att spelet på shamisen ingår i träningsprogrammet för geisha - maiko.

Nationell japansk musik är också oupplösligt förenad med flöjter. Musik instrument fue tillhör en familj av flöjter som är kända för sin höga tonhöjd. De är gjorda av bambu. Denna flöjt härstammar från den kinesiska flöjten - " paixiao«.

Den mest kända flöjten från fue-familjen är shakuhachi, som används som musikinstrument av zenbuddhistiska munkar. Enligt legenden uppfanns shakuhachi av en vanlig bonde. När han transporterade bambun hörde han en fantastisk melodi som kom ut ur bambun när vinden blåste in i den.

Fue-flöjten, såväl som shamisen, används ofta som ackompanjemang i Banraku- och Kabuki-teatrarna och i olika ensembler. En del av fuet kan stämmas till det västerländska sättet, och därmed bli solister. Det är intressant att tidigare spela fue var karakteristiskt endast för japanska vandrande munkar.

Suikinkutsu

Ett annat verktyg som representerar japansk kulturär suikinkutsu. Den har formen av en omvänd kanna, över vilken vatten rinner. Att ta sig in genom vissa hål får instrumentet att göra ett ljud som är mycket likt ringningen av en klocka. Detta instrument spelas före teceremonin och används också som ett attribut för den traditionella japanska trädgården.

Förresten, för enkelhetens skull kan teceremonin äga rum i trädgården. Ljudet av instrumentet kastar en person i en oförklarlig känsla av avkoppling, skapar en kontemplativ stämning. Ett sådant tillstånd är mycket lämpligt för att fördjupa dig i Zen, eftersom att koppla av i trädgården under teceremonin är en del av Zen-traditionen.

Mer förståeligt för vår uppfattning är verktyget taiko,som i översättning till ryska betyder "trumma". Taiko blev känd i militära angelägenheter, förresten, såväl som dess motsvarigheter i andra länder. Som de säger, i Gunji Yeshus krönikor betydde nio gånger nio slag en uppmaning till strid, och i sin tur innebar nio gånger tre att fienden måste förföljas.

Man bör komma ihåg att under en trummis framträdande ägnas uppmärksamhet åt estetiken i framförandet han erbjuder, eftersom inte bara melodin och rytmen i framförandet är viktiga, utan också utseende instrumentet som melodin spelas på.

Japanska musikgenrer

Japans folkmusik har kommit långt i sin utveckling. Dess ursprung var magiska sånger, senare påverkade konfucianismen och buddhismen utvecklingen och bildandet av musikgenren. Således är japansk musik, på ett eller annat sätt, förknippad med ritualer, traditionella helgdagar, teaterföreställningar och andra aktiviteter. japanska etnisk musik, lyssna på nätet som, i modern värld, kan du när som helst på dygnet och var som helst har blivit viktig del kulturellt arv länder.

Det finns två huvudsakliga mest populära arter nationell japansk musik.

Den första är shomyo, som är en buddhistisk sång.
andra - gagaku, som är orkesterhovmusik.

Men det finns också sådana genrer som inte har gamla rötter. De tillhör yasugi bushi och enka.

Den mest populära genren av japanska folksånger är yasugi bushi, som är uppkallad efter staden Yasugi. Genrens tema är kopplat till antikens historia och mytopoetiska sagor. Men yasugi bushi är inte bara sånger, utan också en dans sukui dojo samt konsten att jonglera till musik zeni daiko, där bambuskaft används som musikinstrument, som är fyllda med mynt.

Enka, som en genre, uppstod relativt nyligen, under efterkrigstiden. I den flätas japanska folkmotiv samman med jazz och bluesmusik. Således har japansk musik sin egen nationella särdrag, och därmed skiljer sig från andra musikgenrer i andra länder. Så det finns musikinstrument som kallas sjungande brunnar, som du inte kommer att se någonstans på jorden, förutom kanske i Tibet.

Japansk musik kännetecknas av ständigt växlande tempo och rytm. Ofta finns det ingen storlek i den. Japansk musik ligger nära naturens ljud, vilket gör den ännu mer mystisk och ovanlig.

Video: Japansk musik online

Med hjälp av vilka japanska berättare eller sångare ackompanjerade sig själva under föreställningen. Den närmaste europeiska analogen till shamisen är . Shamisen tillsammans med hayashi och shakuhachi flöjter, tsuzumi trumma och . Syftar på traditionella japanska musikinstrument.

Namnet står i kontrast till musikgenren för bunraku och kabuki - nagauta (lång sång). Den mest kända och mest komplexa av föreställningsstilarna är gidayu, uppkallad efter Takemoto Gidayu (1651-1714), en bunraku-dockor från Osaka. Instrument och plektrum är störst och guiden själv är både sångare och kommentator till vad som händer på scenen. Berättarens arbete är så komplext att mitt i föreställningen ändras guiden. Berättaren måste absolut känna till texten och melodin. Sedan 1800-talet har även onna-gidayu, kvinnliga berättare, dykt upp.

Ursprung

Shamisen i sin ursprungliga form har sitt ursprung i västra Asiens djup, därifrån kom den till Kina (XIII-talet), där den kallades "sanxian", flyttade den sedan till Ryukyu-öarna (moderna Okinawa) och kom först därifrån till Japan. Denna händelse är mycket tydligt markerad i historien - i motsats till tiden för uppkomsten av andra musikinstrument - och går tillbaka till 1562.

Föregångaren till shamisen, sanshinen, spelades i Ryukyu Kingdom, som vid den tiden blev en prefektur. Sanshin kommer i sin tur från kinesiskt instrument sanjian, som utvecklats från centralasiatiska instrument.

Shamisen var också det viktigaste instrumentet för de ambulerande blinda goze-musikerna som dök upp i början av Tokugawa-shogunatet.

Till skillnad från Europa, där traditionella/antika instrument inte får mycket uppmärksamhet, är shamisen och andra nationella instrument i Japan vida kända och älskade. Populariteten beror inte bara på japanernas respekt för deras kultur och historia, utan också på användningen av nationella instrument, i synnerhet shamisen, i den traditionella japanska teatern - främst i Kabuki- och Bunraku-teatrarna.

Shamisen var mest utbredd under Tokugawa-eran, och skickligheten att spela den var en del av det obligatoriska träningsprogrammet för maiko - geisha-elever. Det är därför som de "roliga kvarteren" ofta kallades för "kvarter där shamisen inte stannar".

Sorter och tillämpningar

Det finns flera typer av instrument som skiljer sig från varandra i tjockleken på nacken.

Verktyg med smal hals kallad hosozao och används främst inom musik nagauta.

Verktyg med gam medium tjocklekar kallas chuzao och används i musikaliska genrer Hur kiyomoto, tokiwazu, jiuta etc.

I norra Japan, särskilt i Tsugaru-området (västra delen av Aomori Prefecture), en separat tjockhalsad version av shamisen — tsugarujamisen, spelet som kräver speciell virtuositet. Tsugarujamisen med den tjockaste halsen kallas futozao och används i joruri.

Enhet

Shamisens kropp är en träram tätt täckt med hud. På Ryukyu-öarna använde man till exempel ormskinn och i själva Japan använde man huden från katter eller hundar för detta ändamål. Fodralet är täckt med läder på båda sidor, plus en liten bit läder är limmad på det främre membranet för att skydda det från plectrum (bati) slag.

Tre strängar av varierande tjocklek är uppträdda mellan pinnarna och den nedre änden av halsen, som sticker ut från mitten av kroppens botten. Snörena är gjorda av siden, nylon och tetlon. Längden på shamisen är ca 100 cm.

Shamisen spelas med ett stort bachiplektrum, som är tillverkat av material som trä, elfenben, sköldpaddsskal, buffelhorn och plast. Bati för nagaut och jiuta är nästan vanliga trianglar, med mycket skarpa kanter.

Tsugarujamisen föreslår ett mindre plektrum, mer som ett ginkgoblad.

Shamisen spelteknik

Tre stilar för att spela shamisen har bildats:

Uta-mono - låtstil. En av huvudgenrerna musikaliskt ackompanjemang teaterföreställningar kabuki. Denna genre representeras av långa musikaliska mellanspel som spelas av hayashi-ensemblen (denna ensemble ackompanjerar vanligtvis teaterföreställningar, den består av en flöjt och tre typer trummor).

Katari-mono är en fantasistil. Mest utmärkande för japanska traditionell musik och representeras av en specifik typ av sång.

Minyo är en folksång.

När shamisen först dök upp i Japan plockades strängarna med ett litet plektrum (yubikake) och först med tiden började musikerna använda plektrumet, vilket kraftigt utökade instrumentets klangfärgsmöjligheter. Närhelst den nedre strängen plockas, förutom dess ljud, hörs övertoner och lätt brus, detta fenomen kallas "savari" ("touch"). Savarys dyker också upp när andra strängar resonerar med den nedersta strängen, speciellt när tonhöjdsintervallet mellan strängarna är en oktav (två oktaver, tre, femtedelar, etc.). Möjligheten att använda detta extra ljud är ett tecken hög skicklighet artisten, och den akustiska effekten i sig kontrolleras hårt av shamisen-makarna.

Plektrumet hålls i höger hand, och i rätt ögonblick stoppas ljudet av strängarna av tre fingrar på vänster hand på en bandlös hals. Tummen och lillfingret används inte i spelet. Den mest karakteristiska metoden för att spela shamisen är det samtidiga anslaget av plektrum på membranet och på strängen. Dessutom finns det många andra viktiga faktorer som avgör ljudets särdrag, som strängarnas tjocklek, hals, membran, platsen där plektrumet slår mot strängarna, etc. Även på shamisen kan du plocka strängarna med vänster hand, vilket får en mer elegant klang. Denna förmåga att ändra tonen är en av utmärkande egenskaper shamisen.

Förutom sättet att spela kan instrumentets klangfärg ändras genom att variera längden på strängen, halsen eller plektrum, samt deras dimensioner, tjocklek, vikt, material - massaindikatorer! Det finns nästan två dussin shamisen, som skiljer sig från varandra i tonhöjd och klangfärg, och musikerna väljer det instrument som bäst matchar deras musikgenre, eller stämmer om det precis innan föreställningen.

I shamisenmusik sammanfaller röstlinjen nästan med den som spelas på instrumentet: rösten är bara något före melodin, vilket gör det möjligt att höra och förstå texten, och även framhäver kontrasten mellan ljudet av rösten och ljudet. shamisen.

Shamisen i modern musik

Shamisen, på grund av sitt specifika ljud, används ofta för att förstärka det "nationella" ljudet i vissa japanska filmer och anime (som i Ryssland). Så, shamisen låter i soundtracket till Naruto-animeserien, Puni Puni Poemi.

Agatsuma Hiromitsu spelar i New Age-stil.

Det används av representanter för det europeiska musikaliska avantgardet (till exempel Henri Pousseur).

Kompositionerna framförda av Yoshida Brothers är ganska populära, deras shamisen låter som.

Michiro Sato framför improvisationer på shamisen, och jazzpianist Glenn Horiuchi infogade fragment av att spela shamisen i sina kompositioner.

Gitarristen Kevin Kmetz leder det Kalifornien-baserade bandet God of the Shamisen, där han spelar tsugarujamisen.

Video: Shamisen på video + ljud

Tack vare dessa videor kan du bekanta dig med instrumentet, se det riktiga spelet på det, lyssna på ljudet, känna teknikens särdrag:

Rea: var kan man köpa/beställa?

Uppslagsverket innehåller ännu ingen information om var man kan köpa eller beställa detta instrument. Du kan ändra det!

Jag lovade en gång att prata om japanska musikinstrument. Den här tiden har kommit. Biva föll i mina händer av en slump, men det föll på henne att öppna ämnet :)

Idag kommer vår uppmärksamhet att fångas av de magiska - även om de inte är milda och inte luftiga, utan snarare hårda, metalliska och rytmiska - ljuden från ett traditionellt japanskt musikinstrument som kallas biwa (biwa).
Biwa är en japansk variant av lut eller mandolin, den kom till Japan från Kina på 700-talet, i Kina heter ett liknande instrument pipa (pipa), men det kom till Kina från Persien på 300-talet e.Kr.
Och den europeiska lutans rötter går också till Centralasien.
I Japan, över tusen år av biwa-utveckling, har många modeller, många skolor för spel och sång dykt upp.

(Detta är en sorts biwakonsert med orkester. Gion shoja. Kompositören Hirohisa Akigishi
I inspelningen av prologen "The tale" s of Heike "(berättelsen om Heike, som också kallas" Taira monogatari ") Detta är den viktigaste samtida verk som utförs i biwa. Denna inspelning gjordes i Seoul, 2004 på Sejong-centret)

Verktyget liknar till formen en mandelnöt som pekar uppåt. Den främre väggen på kroppen är något böjd framåt, baksidan är platt. Väggarna - det vill säga två träskivor - är inte långt ifrån varandra, instrumentet är ganska platt. Det finns tre hål i frontväggen.
Biwa har fyra eller fem strängar gjorda av de finaste sidentrådarna limmade ihop med rislim. Gripbrädan har fem mycket höga band.

Strängarna är spända ganska fritt, det vill säga de är inte särskilt spända. Musikern, som trycker hårdare på strängen, ändrar dess spänning, det vill säga höjer tonhöjden. Vi kan säga att instrumentet inte alls är stämt i ordets västeuropeiska mening, men musikern kan spela vissa toner genom att ändra kraften i att trycka på strängarna.
Men poängen med spelet är inte alls att slå rätt ton. Därför finns det inget dödsgrepp på strängen, fingret ändrar tryck hela tiden vilket gör att ljudet flyter. Dessutom kan du med fingret flytta strängen längs de breda banden, från detta börjar strängen surra, som på sådana indiska stränginstrument som en sitar eller ett vin.

Biwa hålls vertikalt och ett triangulärt träplektrum, format som en liten solfjäder, används när man spelar. En av dess sidor når 30 centimeter i längd, det är ett slags skulderblad. Tillverkningen av dessa blad - Bra konst, de måste vara fasta och elastiska på samma gång. Trädet för medlaren torkas i tio år. Naturligtvis används en sällsynt trädart.
Med ett val kan du slå inte bara strängarna utan också kroppen, samt skrapa strängarna, men mästarna säger att detta modern teknologi, så var det inte tidigare.
Men det är klart att det finns mer än ett sätt att slå på en sträng med ett så stort plektrum – och det är förstås perfekt hörbart.

BIWA (King Records, 1990)
CD-skivan har två instrumentala spår och fyra sång-instrumentala spår. Den mest imponerande är den episka låten "Kawanakajima" ("Island Between Two Rivers") framförd av Enomoto Shisui.
Enomoto Shizui dog 1978 och föddes på 1800-talet. Han tillhörde de berömda biwamästarna från tiden före andra världskriget.
Under 1800-talet och första hälften av 1900-talet upplevde konsten att biwa en väckelse, bara i Tokyo fanns det 30 mästare som tillverkade musikinstrument, efter kriget i hela Japan - och hela världen - fanns det bara en kvar . Denna konst hade en chans att försvinna för alltid, eftersom texterna var genomsyrade av den nu politiskt inkorrekta samurajandan.
Jämfört med den nya generationen sångare låter Enomoto Shizuyas röst mer tragisk, mer hysterisk och, skulle jag säga, mer hänsynslös.
Ön som den här låten är tillägnad är en landremsa mellan två floder. På denna plats på 1500-talet ägde flera strider rum mellan två militära ledares arméer.
Jag kan inte fatta att det här är underhållande musik som folk lyssnar på på kvällen, trötta på viktiga saker. Nej, nej, den här musiken påminner tydligt samurajerna om deras plikt och tänder deras kämpaglöd.

Ett annat välkänt föremål är Atsumori, som också är en biwa på bilden.

Skarpa metallslag - liknande ett svärdslag - kontrasterar med sångarens långsamt utspelade röst. Vokalerna drar på länge, rytmen är fri, det är många pauser i musiken, men det kan på intet sätt kallas trögt. Hon är väldigt spänd och fokuserad.
Förresten, pauser, tomhet, stunder av tystnad i den japanska traditionen anses också vara ett akustiskt element, det vill säga ljud. Det kallas ordet "ma". Tystnaden kan vara kort eller lång, spänd eller lugn, oväntad eller logisk. Tystnad framhäver vissa ljud och flyttar tyngdpunkten i en musikalisk fras.

Det fanns två parallella strömmar i biwaens historia: för det första var biwa en del av hovorkestern. En uråldrig biwa låg horisontellt på golvet och spelades med ett litet plektrum. Hon var ett slagverksinstrument.
Under medeltiden spelades biwaen av aristokrater och deras vasaller, man tror att denna musik var rent instrumental. I den klassiska litteraturen har många beskrivningar av den medeltida solo-biwaen, dess graciösa och raffinerade klang och sublima melodier som kom från Kina bevarats, men solo-biwaen har inte bevarats i hovmusiktraditionen än i dag. I Gagaku-orkestern är biwa-stämman så enkel att det är omöjligt att bli av med intrycket av att något viktigt har gått förlorat genom tiderna.
Traditionen med biwa som soloinstrument avbröts på 1200-talet och återupplivades först på 20-talet.

"Ichinotani" en laúd Biwa av Silvain Guignard (fragmento). Europeisk version, som du kan se

Men biwaens huvudsakliga funktion är att ackompanjera långa sånger och berättelser.
Fram till 1900-talet spelades biwa nästan uteslutande av blinda musiker, de kallades biwahoshi. Några av dem var buddhistiska munkar och reciterade sutras och psalmer, men ändå berättade de flesta sångarna om legendariska hjältars krig och strider.
Mest känd heroiskt epos från biwahoshi-repertoaren - "Heike Monogatari" (Heike Monogatari).
Detta är en enorm och ganska blodig dikt om hur klanen Heike (aka Taire), efter en kort storhetstid, besegrades av Genji-klanen (Genji, aka Minamoto) under andra hälften av 1100-talet.
Dikten har 200 avsnitt, varav 176 är vanliga, 19 är hemliga och de återstående 5 är topphemliga.

(förlåt för bild- och ljudkvaliteten. Spelas av Yukihiro Goto)
Alla berättelser illustrerar på ett eller annat sätt de buddhistiska idéerna om orsak och verkan, såväl som ödets förgänglighet.
Idag framförs "Heike Monogatari" av endast ett fåtal av musikerna som spelar biwa. Alla andra har en mycket modernare repertoar.
Det finns dock en uppfattning om att de hjältesånger som framfördes på medeltiden av blinda munkar har försvunnit, liksom traditionen med den instrumentala hovbiwaen. Traditionen med heroisk sång har återupplivats flera gånger, och troligen inte alls i den form som den fanns för 700 år sedan.
Även om instrumentets historia går tillbaka till 700-talet, men musiken som har överlevt till denna dag, tydligen inte längre har något att göra med medeltiden, stilen, som idag kallas antik och klassisk, bildades inte så längesedan.
Ett viktigt ögonblick i biwaens historia är 1500-talet.
Sedan skapades nytt verktyg Satsuma biwa: Ledaren för Satsuma-klanen gav order om att förbättra de blinda munkarnas lågmälda och blygsamma luta så att den blir ett högljutt instrument med ett imponerande och skarpt ljud. Biwa blev större, dess kropp var gjord av hårdare trä. Hennes sound blev mer maskulint, om inte aggressivt.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(bättre ljud, men inbäddning är inte tillåten)
Nya låtar skrevs också. Syftet med denna aktion var utbildning och propaganda: de unga män som genomgick militär träning - det vill säga den framtida samurajen, var tvungna att växa i ande och lära sig grunderna för riddarlig skicklighet under dessa sånger.
Då fanns det ingen kanon att spela och sjunga – vilken samuraj som helst kunde ropa ut en heroisk text och, för större uttrycksfullhet, slå på stråken då och då. Låtarna uppmanade inte längre bara ungdomarna till bedrifter, samurajerna som överlevde kriget berättade om sina kampanjer, även till ljudet av biwa.
Med tidens gång började den ganska fredliga befolkningen intressera sig för denna militaristiska musik. Följaktligen dök en stil upp för civila: machi fu (urban stil) - och för militären: shi fu (samurai-stil).
Nya typer av instrument dök upp. Låt oss säga att chikuzen biwa (chikuzen-biwa) dök upp på 1800-talet, den har ytterligare en - en hög sträng. Därför anses denna biwa vara feminin, mjukare. Spela det, respektive kvinnor.

I alla episka sånger framförda till ackompanjemang av en biwa är texten rytmisk prosa varvat med korta poetiska passager. Vissa fraser sjungs till kanoniska melodier, följt av korta instrumentala pauser. Men som regel låter ett eller två slag på biwa-strängarna i slutet av varje fras eller strof. Dessa takter har olika klangfärger - biwa har mycket fler möjligheter än trumman.
Om biwaens ljud illustrerar vad berättaren sjunger om, så är det bara i klang - ett tunt ljud eller ett dövt, det låter metalliskt eller väsande ... Texten sjungs på klassiskt japanska, lyssnare bör förstå vad som sägs: intonation, rytm och färgning av ljud är relaterade till dramats innehåll.
Det här är musik för direktlyssning, för dem som känner empati för handlingen, helt fångad av den.
Vi, som inte kan språket, uppfattar tydligen helt enkelt inte mycket i den här musiken, men hon, mirakulöst, blir inte exotisk, bisarr eller fantastisk av detta. Nej, nej, den behåller sin meningsfullhet och sin övertygande förmåga.
Det är också intressant att det är väldigt känslomässig musik, mycket spänd, öppen. Och japanerna verkar – precis som alla andra buddhister – undvika att visa sina känslor.

I Japan kallas kraften som förflyttar universum ki. Det är en andlig kraft som liknar den grekiska pneuma.
Uttrycket ki har högsta företräde inom all japansk konst. I makrokosmos motsvarar ki vindarna, i mikrokosmos människans andetag. På japanska finns det många ord relaterade till ki: ki-shФ (väder), ki-haku (anda).
Grunden för sångrösten är andning, och därför är sång en av manifestationerna av ki.
De gamla japanerna trodde att genom att uttala eller, bättre att säga, andas ut, blåsa ut ett ord, utför de en andlig handling. Och på ryska är orden "andning" och "ande" inte alls främmande för varandra.
Den japanska sångtraditionen är direkt relaterad till denna inställning till ordet som ett andetag laddat med mening.

Och denna korta inspelning är inte bara ett musikstycke, det är Gagaku - den ceremoniella musiken från det japanska kejserliga palatset.

Europeisk sång - som all annan musik - är baserad på tonhöjden och varaktigheten av ljud. I forntida japan sång smälte samman sådana akustiska element som färgen på ljudet, dess energi, ljudstyrka och dess kvalitet till en enda ljudhieroglyf.
Det är något oändligt mycket mer än den rätta tonen.
Och biwa-musik är i många avseenden olik västeuropeisk musik. Det japanska instrumentet intar en helt annan inställning till klangen, till rytmen.
Den japanske modernistiske kompositören Toru Takemitsu har skrivit flera kompositioner som använder biwa tillsammans med symfoniorkestern. Det finns ett traditionellt sätt att spela in biwa-musik - jämfört med västeuropeisk verkar det väldigt ungefärligt.

Kwaidan Music, Haochi the Earles, Toru Takemitsu, 1964

Detta är tillägnat Toru Takemitsu

När en biwa-artist i en av hans kompositioner anmälde sig frivilligt för att studera västeuropeisk notation, förbjöd Takemitsu henne att göra det. "Detta är det sista jag kan förvänta mig av dig," sa kompositören. ”Jag ska själv studera den traditionella inspelningen av biwa-musik och lära mig hur man använder den, du behöver inte västerländska toner. Idag håller den traditionella känslan av ljud på att dö ut på grund av det västerländska systemet med att finjustera musikinstrument och notera musik."

En gång i tiden försvann en gammal biwa från kejsar Tennohs palats. Hennes namn var Genjo. Hon hade inget pris, hon var väldigt dyr. Kejsaren kunde inte hitta en plats för sig själv. Om den blev stulen, då fick tjuven bryta den - det var omöjlig att sälja den. Kejsaren var säker på att hans biwa blev stulen för att mörka hans själ.
Minamoto no Hiromasa var en aristokrat och en utmärkt musiker. Även han var mycket ledsen över förlusten.
En natt hörde han ljudet av en sträng - det kunde inte råda några tvivel: det var Genjos biwa. Hiromasa väckte tjänstepojken och de gick för att fånga tjuven. De kom närmare ljudet, men det fortsatte att röra sig bort. Någon slags ande spelade på biwa - bara Hiromasa kunde höra ljuden av stråkarna.
Han följde ljudet tills han nådde själva södra punkten Kyoto - till den olycksbådande Rashomon-porten. Hiromasa och hans tjänare stod under porten, ljudet av en lut hördes från ovan. "Det är inte en människa", viskade Hiromasa, "det är en demon."
Han höjde rösten, "Hej, vem spelar Genjo! Tenno Emperor har letat efter verktyget sedan det försvann. Jag vet att du är här, jag har följt dig hela vägen från palatset!"
Musiken stannade, något föll från ovan och hängde i gången. Hiromasa ryggade tillbaka - han trodde att det var en demon. Men Genjous luta hängde i ett rep ovanpå.
Kejsaren var mycket glad över Genjos återkomst, ingen tvivlade på att det var demonen som stal skatten och sedan gav bort den. Hiromasa belönades generöst.
Genjo är fortfarande med kejserligt palats. Det här är inte bara en luta, det är något levande med sin egen karaktär. Om den plockas upp av en oduglig musiker, gör den inget ljud.
En dag brann det i palatset. Alla sprang ut och ingen tänkte rädda Genjo. Men, mystiskt nog, hittades hon på gräsmattan framför palatset, där hon tydligen fick sig!

Musikinstrument: Luta

I en tid med överljudshastigheter och nanoteknik vill du ibland verkligen slappna av, avstå från allt världsligt krångel och befinna dig i någon annan värld där det inte finns någon modern kaos, till exempel under renässansens romantiska era. För närvarande behöver du inte uppfinna en tidsmaskin för detta, utan bara besöka en konsert med autentisk musik någonstans i Izmailovsky Kreml eller Sheremetyevo-palatset. Där kommer du inte bara att höra vackra melodier som mentalt överförs till tidigare tider, utan också bekanta dig med intressanta musikinstrument på vilka våra avlägsna förfäder spelade musik för flera århundraden sedan. Intresset för tidig musik växer idag, samtida artister behärska entusiastiskt instrumenten från tidigare epoker, som inkluderar traversflöjten, viola da gamba, diskantviol, barockkontrabasviolon, cembalo och utan tvekan är lutan ett instrument för privilegierade klasser och förtjänar särskild uppmärksamhet. Araberna under medeltiden kallade henne med rätta drottningen av musikinstrument.

Ljud

Lutan tillhör familjen stråkinstrument, till sin natur är den lite som en gitarr, men dess röst är mycket mjukare och mer öm, och dess klang är sammetslen och darrande, eftersom den är mer mättad med övertoner. Ljudkällan på lutan är parade och enkla strängar, som artisten plockar med sin högra hand och trycker mot banden med sin vänstra, ändrar deras längd och därmed ändrar tonhöjden.

Den musikaliska texten för instrumentet skrevs med bokstäver på en sexradsrad, och ljudets varaktighet indikerades av toner placerade ovanför bokstäverna. Räckvidd instrument ca 3 oktaver. Verktyget har ingen specifik standardinställning.

Foto:

Intressanta fakta

För många nationer tjänade bilden av lutan som en symbol för harmoni, ungdom och kärlek. Bland kineserna innebar det visdom, såväl som konsekvens i familjen och samhället. För buddhister - harmoni i gudarnas värld, för kristna - markerade en luta i händerna på änglar himlens skönhet och försoningen av naturkrafter. I renässansens konst symboliserade hon musik, och ett instrument med brutna strängar indikerade oenighet och oenighet.
Lutan var ett emblem - en symbolisk bild av älskare.
Lutan under renässansen visades mycket ofta på målningar, till och med Orfeus och Apollo målades av dåtidens konstnärer inte med en lyra, utan med en luta. Och det är omöjligt att föreställa sig en mer harmonisk komposition än en tjej eller en ung man med detta romantiska instrument.
En gång ansågs lutan, som var mycket populär, vara ett privilegierat instrument för den sekulära kretsen, adeln och kungligheten. I öst kallades den instrumentens sultan, och i europeiska länder fanns det ett talesätt att orgeln är "kungen av alla instrument", och lutan är "alla kungars instrument".
Den store engelske poeten och dramatikern W. Shakespeare nämnde ofta lutan i sina verk. Han beundrade hennes ljud och tillskrev henne förmågan att föra lyssnarna till ett extatiskt tillstånd.
Den största italienska skulptören, konstnären, poeten och tänkaren Michelangelo Buonarroti, som beundrade framförandet av den berömda lutspelaren Francesco da Milano, sa att han var gudomligt inspirerad av musik och att alla hans tankar vid den tiden vändes till himlen.
Utövaren på lutan kallas lutaspelare, och mästaren som gör instrumenten kallas luta.
Instrumenten från de bolognesiska hantverkarna - lutten L. Mahler och G. Frey, samt representanter för familjen Tieffenbrucker från Venedig och Padua, skapade på 17-18 århundraden, kostade astronomiska pengar med dessa mått mätt.
Det var inte så svårt att lära sig att spela luta, men det var problematiskt att stämma ett instrument som hade många strängar gjorda av naturliga material, men som var dåligt stämda på grund av förändringar i temperatur och luftfuktighet. Det var ett mycket känt skämt: en lutspelare ägnar två tredjedelar av tiden åt att stämma instrumentet och en tredjedel spelar musik på ett ostämt instrument.

Design

En mycket elegant design av lutan inkluderar en kropp och hals, som slutar med ett stiftblock. Kroppen, som har en päronform, inkluderar ett däck och en kropp som fungerar som en resonator.

Kroppen är gjord av krökt, som bildar en halvklotform, segment gjorda av lövträ: ebenholts, rosenträ, körsbär eller lönn.
Däcket är den främre delen av kroppen som täcker kroppen. Den är platt, oval till formen och är vanligtvis gjord av resonatorgran. Det finns ett stativ på däcket i den nedre delen, och i mitten finns ett ljudhål i form av ett elegant intrikat mönster eller en vacker blomma.

En relativt bred, men kort lutehals är fäst på kroppen på samma nivå som klangbotten. En ebenholtsöverlägg är limmad på den, och catgut fret-avgränsare är också bundna. Längst upp på halsen sitter en mutter som styr strängens spänning.

Lutans tappblock, på vilket det finns justerstift för strängspänning, har också sin egen utmärkande egenskap. Det ligger i det faktum att blocket är placerat i förhållande till halsen i en ganska stor, nästan rät vinkel.

Antalet parade strängar på olika lutor varierar mycket: 5 till 16, och ibland 24.

Vikt verktyget är mycket litet och väger cirka 400 gr., längd verktyg - ca 80 cm.

Olika sorter

Lutan vid en tidpunkt, som var mycket populär, utvecklades mycket intensivt. Musikmästare experimenterade ständigt med dess form, antal strängar och stämning. Som ett resultat uppstod ett ganska betydande antal instrumentvarianter. Till exempel hade renässanslutor, förutom traditionella instrument, inklusive instrument med ett annat antal parade strängar - körer, typer av olika storlekar som liknade registren för den mänskliga rösten: liten oktav, liten diskant, diskant, alt, tenor, bas och oktavbas. Dessutom inkluderar lutfamiljen barocklutan, al-ud, archilute, torban, kobza, theorba, kittaron, cittra, bandora, cantabile luta, orfarion, wandervogel luta, mandora, mandola.

Ansökan

Konsthistoriker anser att lutan inte bara är ett av de mest intressanta utan också ett fundamentalt viktigt instrument i den europeiska musikhistorien på 1500- och 1600-talen. Det har fått erkännande från representanter för olika samhällsskikt, från vanligt folk till kungligheter, och har använts som ackompanjerande, solo- och ensembleinstrument. Lutans snabbt växande popularitet krävde ständigt påfyllning och uppdatering av repertoaren. Mycket ofta var kompositörerna av verk samtidigt artister, så en hel galax av underbara lutkompositörer dök upp i europeiska länder. I Italien - F. Spinachino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. I Spanien - L. Milan, M. Fuenlyana. I Tyskland - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. I England - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. I Polen - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. I Frankrike - E. Gauthier, D. Gauthier, F. Dufau, R. Wiese. Det bör också noteras att även sådana stora mästare som ÄR. Bach, A. Vivaldi, G. Handel, J. Haydn uppmärksammade lutan och berikade dess repertoar med sina verk.

För närvarande försvagas inte intresset för tidig musik, och samtidigt för lutan. Hennes sound hörs alltmer på scener konserthallar. Bland nutida tonsättare som idag komponerar för instrumentet finns det många intressanta verk det bör noteras I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. McFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonareva.

Anmärkningsvärda artister

Ovanligt fashionabelt i renässansen och barocken, men ersatt av andra instrument och orättvist bortglömt, väcker lutan idag återigen stort intresse, och inte bara bland autentiska musiker. Dess ljud kan nu höras allt oftare på olika konsertlokaler, inte bara solo, utan också i en ensemble med andra vackra gamla musikinstrument. Under 2000-talet var de mest kända virtuosa artisterna som gör mycket för att popularisera instrumentet V. Kaminik (Ryssland), P. O "Dett (USA), O. Timofeev (Ryssland), A. Krylov (Ryssland, Kanada) , A Suetin (Ryssland), B. Yan (Kina), J. Imamura (Japan), R. Lislevand (Norge), E. Karamazov (Kroatien), J. Held (Tyskland), L. Kirchhoff (Tyskland), E. Eguez (Argentina), H. Smith (USA), J. Lindbergh (Sverige), R. Barto (USA), M. Lowe (England), N. North (England), J. van Lennep (Nederländerna) och många andra.

Berättelse

Hela historien om lutans utseende, som i östliga länder ansågs vara ett av de mest avancerade instrumenten är det omöjligt att spåra. Sådana verktyg var redan utbredda i många länder i världen för fyra årtusenden sedan. De spelades i Egypten, Mesopotamien, Kina, Indien, Persien, Assyrien, antikens Grekland och Rom. Konstforskare menar dock att lutan hade en omedelbar föregångare, oud, ett instrument som fortfarande behandlas med särskild vördnad i Mellanöstern, och hävdar att det är resultatet av skapandet av profetens barnbarn. Ouden hade en päronformad kropp, som var gjord av valnöts- eller päronträ, en furu-soundboard, en kort hals och ett bakåtböjt huvud. Ljudet extraherades med ett plektrum.

Lutans erövring av Europa började på 800-talet från Spanien och Katalonien, efter att morerna erövrat den iberiska halvön. Verktyget anslöt sig inte bara mycket snabbt till dessa länders kulturer, utan också, pga korståg, började spridas snabbt till andra europeiska länder: Italien. Frankrike, Tyskland, förskjuter andra instrument som fanns på den tiden, som cisternen och pandura. Lutan, som blev populär, utsattes ständigt för olika förbättringar. Masters gjorde ändringar i instrumentets design, modifierade kroppen och nacken, lade till strängar. Om han ursprungligen hade från 4 - 5 parade strängar - körer, så ökade antalet gradvis. På 1300-talet var lutan i Europa inte bara helt formad, utan blev också ett av de mest populära instrumenten inte bara i domstol, utan också i hemmusikframställning. Det användes inte bara som ett ackompanjemang, utan också som ett soloinstrument. För lutan komponerade de en hel del olika musik, gjorde transkriptioner inte bara av populära sånger och danser, utan också av helig musik. På 1400-talet ökade instrumentets popularitet ännu mer, målare avbildar det ofta på sina konstdukar. Kompositörer fortsätter att intensivt berika repertoaren. Skådespelare överger plektrum och föredrar fingerextraktionsmetoden, som avsevärt utökade de tekniska möjligheterna, vilket möjliggör framförande av både harmoniskt ackompanjemang och polyfonisk musik. Luterna fortsatte att förbättras och instrumenten med sex parade strängar blev de mest eftertraktade.

På 1500-talet nådde lutans popularitet sin höjdpunkt. Hon dominerade både professionella musiker och amatörer. Instrumentet ljöd i kungars palats och den högsta adeln, såväl som i vanliga medborgares hem. Den framförde solo- och ensembleverk, ackompanjerade sångare och körer och introducerade dem dessutom för orkestrar. I olika länder skolor för tillverkning av lutinstrument skapades, den mest kända av dem var i Italien i staden Bologna. Instrumenten modifierades ständigt, antalet parade strängar ökade: först tio, sedan fjorton, och senare nådde deras antal 36, vilket följaktligen krävde förändringar i instrumentets design. Det fanns många varianter av lutan, bland dem fanns det sju som motsvarade den mänskliga röstens tessitura, från rabatt till bas.

I slutet av 1600-talet började lutans popularitet minska märkbart, eftersom den gradvis ersattes av sådana instrument som gitarr, cembalo, och senare pianot. På 1700-talet användes den faktiskt inte längre, med undantag för flera sorter som fanns i Sverige, Ukraina och Tyskland. Och först i början av 1800- och 1900-talen, på grund av det förnyade intresset för gamla instrument Engelska entusiaster, ledda av instrumentalmästaren, professionella musikern och musikforskaren Arnold Dolmich, ökade återigen sin uppmärksamhet på lutan kraftigt.

Lutan är ett uråldrigt elegant musikinstrument med en vacker mild röst, som en gång tvingades ur bruk och orättvist glömt. Tiden gick, musikerna kom ihåg honom, blev intresserade och tog honom igen till konsertscenen för att erövra lyssnarna med ett sofistikerat ljud. Idag är lutan ofta deltagare i autentiska musikkonserter och uppträder både som solo- och ensembleinstrument.

Video: lyssna på lutan

Dutar. Du - två. Tjära - snöre. Ett instrument med smidda band och två vensträngar. Tror du att ju färre strängar desto lättare är det att spela?

Tja, lyssna då på en av de bästa dutarspelarna, Abdurahim Khait, en uigur från Xinjiang, Kina.
Det finns också en turkmensk dutar. Strängarna och banden i den turkmenska dutaren är av metall, kroppen är urholkad ur ett enda trästycke, ljudet är mycket ljust, klangfullt. Den turkmenska dutaren har varit ett av mina favoritinstrument under de senaste tre åren, och dutaren som visas på bilden kom till mig från Tasjkent ganska nyligen. Underbart verktyg!

Azerbajdzjansk saz. De nio strängarna är indelade i tre grupper, som var och en är stämd unisont. Ett liknande instrument i Turkiet kallas baglama.

Se till att lyssna på hur detta instrument låter i händerna på en mästare. Om du har lite tid, titta då åtminstone från 02:30.
Från saz och baglama kom det grekiska instrumentet bouzouki och dess irländska version.

Oud eller al-ud, om du kallar detta instrument på arabiska. Det är från det arabiska namnet på detta instrument som namnet på den europeiska lutan har sitt ursprung. Al-ud - lut, lut - hör du? Den vanliga oud har inga band - banden på detta exemplar från min samling dök upp på mitt initiativ.

Lyssna på hur en mästare från Marocko spelar oud.

Från den kinesiska tvåsträngade erhu-fiolen med en enkel resonatorkropp och ett litet lädermembran härstammar den centralasiatiska gidjaken, som i Kaukasus och Turkiet kallades kemancha.

Lyssna på hur kemancha låter när Imamyar Khasanov spelar den.

Rubaben har fem strängar. De fyra första av dem är dubblerade, varje par är stämt unisont, och bassträngen är en. Den långa halsen har band i enlighet med den kromatiska skalan för nästan två oktaver och en liten resonator med lädermembran. Vad tror du att de nedåtböjda hornen som kommer från halsen mot instrumentet betyder? Påminner dess form dig om ett fårhuvud? Men okej form – vilket ljud! Du borde ha hört ljudet av detta instrument! Den vibrerar och darrar även med sin massiva hals, den fyller hela utrymmet runt omkring med sitt ljud.

Lyssna på ljudet av Kashgar rubab. Men min rubab låter bättre, ärligt talat.

Den iranska tjäran har en dubbelt ihålig kropp gjord av ett enda trästycke och ett membran av fint fiskskinn. Sex parade strängar: två stålsträngar, följt av en kombination av stål och tunn koppar, och nästa par är stämt till en oktav - en tjock kopparsträng stäms en oktav under det tunna stålet. Den iranska tjäran har tvingade band gjorda av ådror.

Lyssna på hur den iranska tjäran låter.
Den iranska tjäran är förfader till flera instrument. En av dem är en indisk setar (se - tre, tar - sträng), och jag kommer att prata om de andra två nedan.

Azerbajdzjansk tjära har inte sex, utan elva strängar. Sex av samma som den iranska tjäran, en extra bassträng och fyra ospelade strängar som resonerar när de spelas, vilket ger ekon till ljudet och får ljudet att hålla längre. Tjära och kemancha är kanske de två huvudinstrumenten för azerbajdzjansk musik.

Lyssna i några minuter, med start 10:30 eller åtminstone från 13:50. Du har aldrig hört något sådant och kunde inte föreställa dig att ett sådant framförande är möjligt på detta instrument. Detta spelas av Imamyar Khasanovs bror - Rufat.

Det finns en hypotes att tjäran är förfadern till den moderna europeiska gitarren.

Nyligen, när jag pratade om den elektriska kitteln, förebråade de mig - de säger, jag tar ut själen från kitteln. Förmodligen sa man ungefär samma sak till en person som för 90 år sedan gissade på att sätta en pickup på en akustisk gitarr. Cirka trettio år senare skapades de bästa exemplen på elgitarrer, som förblir standarden fram till i dag. Ett decennium senare dök Beatles upp, Rullande stenar följt av Pink Floyd.
Och alla dessa framsteg har inte hindrat tillverkarna av akustiska gitarrer och klassiska gitarrer.

Men musikinstrument spreds inte alltid från öst till väst. Dragspelet blev till exempel ett extremt populärt instrument i Azerbajdzjan på 1800-talet, när de första tyska nybyggarna kom dit.

Mitt dragspel gjordes av samma mästare som gjorde instrument åt Aftandil Israfilov. Hör hur det här instrumentet låter.

Världen av orientaliska musikinstrument är stor och mångsidig. Jag har inte ens visat er en del av min samling, som är långt ifrån komplett. Men jag måste berätta om ytterligare två instrument.
Ett rör med en klocka i toppen kallas för en zurna. Och instrumentet under det kallas duduk eller balaban.

Firande och bröllop börjar med ljudet av zurna i Kaukasus, Turkiet och Iran.

Så här ser ett liknande instrument ut i Uzbekistan.

I Uzbekistan och Tadzjikistan kallas zurna surnay. I Centralasien och Iran, de kvardröjande ljuden från ett annat instrument, karnay, läggs med nödvändighet till ljuden från surnah och tamburiner. Karnay-surnay är en stabil fras som anger början av semestern.

Intressant nog finns ett instrument relaterat till karnay i Karpaterna, och dess namn är bekant för många - trembita.

Och det andra röret, som visas på mitt foto, kallas balaban eller duduk. I Turkiet och Iran kallas detta instrument även mey.

Lyssna på hur Alikhan Samedov spelar balaban.

Vi kommer att återvända till balaban, men nu vill jag prata om vad jag såg i Peking.
Så vitt du förstår samlar jag på musikinstrument. Och så fort jag hade en ledig stund under min resa till Peking gick jag genast till musikinstrumentaffären. Vad jag köpte själv i den här butiken ska jag berätta en annan gång. Och nu när jag inte köpte och vad jag ångrar fruktansvärt.
I fönstret fanns ett rör med en klocka, designen liknade exakt en zurna.
- Hur heter det? frågade jag via en tolk.
- Sona, - svarade de mig.
- Hur likt "sorna - surnay - zurna" - tänkte jag högt. Och översättaren bekräftade min gissning:
– Kineserna uttalar inte bokstaven r mitt i ett ord.

Du kan läsa mer om den kinesiska varianten av zurna
Men du vet, zurna och balaban går hand i hand. Deras design har mycket gemensamt – kanske är det därför. Och vad tycker du? Bredvid sonainstrumentet fanns ett annat instrument - guan eller guanji. Så här såg det ut:

Så här ser det ut. Killar, kamrater, herrar, men det här är duduken!
Och när kom han dit? På 700-talet. Därför kan man anta att den kom från Kina - tidpunkten och geografin sammanfaller.
Än så länge är det bara dokumenterat att detta verktyg spred sig österut från Xinjiang. Tja, hur spelar de det här instrumentet i moderna Xinjiang?

Se och lyssna från 18:e sekunden! Lyssna bara på vilket lyxigt ljud den uiguriska balamanen har - ja, här heter det exakt samma som på det azerbajdzjanska språket (det finns ett sådant uttal av namnet).

Och låt oss äta Ytterligare information i oberoende källor, till exempel i den iranska encyklopedin:
BALABAN
CH. ALBRIGHT
ett cylindriskt hål, dubbelrörsblåsinstrument ca 35 cm långt med sju fingerhål och ett tumhål, spelat i östra Azerbajdzjan i Iran och i Republiken Azerbajdzjan.

Eller sympatiserar Iranika med azerbajdzjanerna? Jo, TSB säger också att ordet duduk är av turkiskt ursprung.
Mutade azerbajdzjaner och uzbeker kompilatorerna?
Tja, du kommer definitivt inte att misstänka bulgarerna för sympati för turkarna!
på en mycket seriös bulgarisk sida för ordet duduk:
duduk, dudyuk; duduk, dudyuk (av turkiska düdük), squeaker, svorche, glasnik, tillägg - Naroden darven är ett musikinstrument av typen aerofonit, halvstängande rör.
Återigen pekar de på ordets turkiska ursprung och kallar det deras folkinstrument.
Detta verktyg är utbrett, som det visade sig, främst bland de turkiska folken, eller bland de folk som hade kontakt med turkarna. Och varje nation anser rimligen att det är dess nationella, nationellt instrument. Men bara en tar äran för dess skapelse.

När allt kommer omkring var det bara de lata som inte hörde att "duduk är en uråldrig armeniskt instrument". Samtidigt antyder de att duduken skapades för tre tusen år sedan - det vill säga i ett obevisbart förflutet. Men fakta och elementär logik visar att så inte är fallet.

Gå tillbaka till början av den här artikeln och ta en ny titt på musikinstrument. Nästan alla dessa instrument spelas också i Armenien. Men det är helt klart att alla dessa instrument dök upp bland mycket fler folk med en tydlig och begriplig historia, bland vilka armenierna levde. Föreställ dig ett litet folk som lever i dispersion bland andra folk med egna stater och imperier. Kommer ett sådant folk att skapa en komplett uppsättning musikinstrument för en hel orkester?
Ärligt talat tänkte jag också: "Okej, det var stora och komplexa instrument, låt oss lämna dem åt sidan. Men åtminstone kunde armenierna komma på en pipa?" Och det visar sig att nej, det gjorde de inte. Om de kom på det, skulle denna pipa ha ett rent armeniskt namn, och inte den poetiska och metaforiska tsiranopokh (själen i ett aprikosträd), utan något enklare, mer populärt, med en rot eller helt onomatopetisk. Hittills pekar alla källor på den turkiska etymologin för namnet på detta musikinstrument, och geografin och distributionsdatum visar att duduk började sin distribution från Centralasien.
Tja, låt oss göra ytterligare ett antagande och säga att duduken kom till Xinjiang från det antika Armenien. Men hur? Vem tog dit honom? Vilka folk migrerade från Kaukasus till Centralasien vid skiftet av det första årtusendet? Det finns inga sådana nationer! Men turkarna flyttade hela tiden från Centralasien till väster. De skulle mycket väl kunna sprida detta verktyg i Kaukasus och på det moderna Turkiets territorium och till och med i Bulgarien, som dokumenten visar.

Jag förutser ytterligare ett argument från försvararna av versionen av dudukens armeniska ursprung. Som, en riktig duduk görs bara av ett aprikosträd, som på latin heter Prúnus armeniáca. Men för det första är aprikoser i Centralasien inte mindre vanliga än i Kaukasus. Det latinska namnet indikerar inte att detta träd har spridit sig över hela världen från området som bär geografiskt namn Armenien. Precis därifrån trängde den in i Europa och beskrevs av botaniker för cirka trehundra år sedan. Tvärtom, det finns en version som aprikosen spred sig från Tien Shan, varav en del finns i Kina och en del i Centralasien. För det andra visar erfarenheten från mycket begåvade människor att detta instrument till och med kan tillverkas av bambu. Och min favoritbalaban är gjord på mullbär och låter mycket bättre än aprikos, som jag också har och görs just i Armenien.

Lyssna på hur jag lärde mig att spela det här instrumentet på ett par år. Deltog i inspelningen Nationell konstnär Turkmeniska Gasan Mammadov (fiol) och People's Artist of Ukraine, min landsman från Fergana, Enver Izmailov (gitarr).

Med allt detta vill jag hylla den store armeniska duduk-artist Jivan Gasparyan. Det var denna man som gjorde duduken till ett instrument känt över hela världen, tack vare hans arbete uppstod en underbar skola för att spela duduk i Armenien.
men pratar Armenisk duduk" gäller endast för specifika instrument om de är gjorda i Armenien, eller om den typ av musik som uppstod tack vare J. Gasparyan. Ange Armeniskt ursprung duduk kan bara de människor som tillåter sig själva ogrundade påståenden.

Observera att jag själv inte anger vare sig den exakta platsen eller den exakta tiden för dudukens uppträdande. Förmodligen är det redan omöjligt att etablera och prototypen av duduken är äldre än något av de levande folken. Men jag bygger min hypotes om spridningen av duduk, baserad på fakta och elementär logik. Om någon vill invända mot mig, då vill jag fråga i förväg: snälla, när du bygger hypoteser, på samma sätt, lita på bevisbara och verifierade fakta från oberoende källor, skygga inte för logik och försök hitta en annan begriplig förklaring för de uppräknade fakta.

Populär i kategorin: