Metoder för att lära ut spelet på instrumentplanen abstrakt. "En heltäckande metodik för undervisning i blåsinstrument i grundskolan"

Sammanfattning av lektionen i matematik:

Blåsinstrumentlärare.

MBOU DOD DSHI s. Berkakit

Gryzhuk Yulia Valerievna

2018

Översiktsplan

Artikel: blåsinstrument klass

Klass: 2

Lektionstyp: enskild

Lektionens ämne : "En omfattande metodik för att lära ut blåsinstrument i grundskola»

Använt utbildningssystem (metodik, teknik)

- Läraren skapar förutsättningar för individens andliga tillväxt, hennes behov av självförbättring;

- En förutsättning för lärande är att skapa förutsättningar för övergången från utbildning till egenutbildning;

- Sätt för gemensam aktivitet i systemet: lärare - elev; student - student; elev - förälder lärare - förälder (sluten krets).

– Läraren utvecklar kreativiteten hos barnet. Det är viktigt att bestämma varje elevs förmågor, orientering, potential, hans liv och professionella inriktningar och styra hans utveckling. Läraren använder sig också av aktiva former och metoder för utbildning och fostran, ett aktivitetssätt för lärande, rörelse och utveckling utifrån personlig erfarenhet till förståelse och ackumulering av ny erfarenhet och kunskap.

Hälsobesparande teknologi;

Spelteknik;

Studentcentrerad teknik med ett differentierat förhållningssätt;- Utveckla utbildning;

Konstnärlig.

Metodiskt material:

Gotsdiner G. Musikpsykologi - M., 1987.

Skok G. Hur man analyserar sin egen pedagogiska verksamhet - M., 2000.

Kirnarskaya D. Musikalisk förmåga. - "Talanger-XXI-talet".

Berger N. Det moderna konceptet och metoderna för undervisning i musik - S.-P., 2004. Ginzburg L. Om arbetet med ett musikaliskt verk - M.1977.

Kryukova V. Musikalisk pedagogik. Rostov on Don 2002.

Mulberg K. Teoretiska grunder för att lära sig spela träblåsinstrument. Kiev, 1985.

Platonov P. Frågor om undervisningsmetoder för att spela blåsinstrument. - M., 1978.

Rozanov V. Grunderna i undervisningsmetoder och spel på blåsinstrument. - M., 1988.

Kryuchkov A. Grunderna för prestationsandning när man spelar blåsinstrument musikinstrument för grund- och gymnasieelever specialundervisning. M., 1985

Tekniska träningshjälpmedel (om det används i klassen)

Listan över ljud- och videoinspelningar som används i lektionen, visuella hjälpmedel etc.

Lektionsutrustning :

lektionsplanering;

två saxofoner (en för läraren);

piano;

notställ;

musikaliskt material;

didaktiskt material (uppgiftskort, barnteckningar).

Lektionens mål :

Pedagogisk :

Bildande av grundläggande färdigheter när man behärskar saxofonspel:

1. säker stängning av ventilerna med båda händernas fingrar, fingrarnas flexibilitet

för vissa fingersättningar;

2. träning i korrekt "fri" inställning av läppapparaten

(embouchure);

3. korrekt användning av att utföra andning när man spelar;

Utvecklande:

Kompetensutveckling för självständig och kreativt arbete från de första lektionerna

musik;

Utveckling av hörsel, minne, rytm, musikaliskt tänkande;

Utveckling av grundläggande färdigheter i att bemästra saxofon.

Utveckling av en allmän syn, utveckling av vilja och kontroll över sitt beteende.

Pedagogisk:

Utbildning av estetisk smak.

- utbildning av uthållighet och flit.

Lektionens mål:

förberedelse av en känslig, utbildad musiker - en orkester- och kammarartist, såväl som en solist som är väl bevandrad i de uttrycksmedel som är inneboende i hans instrument och kan avslöja för publiken innehållet i musikaliska verk;

lär dig att lyssna och höra dig själv under uppträdandet.

Metoder och tekniker för genomförandet av uppgifterna:

Observation;

Hörsel;

Praktisk;

Visuell;

Förväntat resultat :

- stärka de initiala färdigheterna att spela saxofon i kombination med

förbättra kroppens fysiska och psykiska tillstånd.

- lära sig att spela ett instrument fritt

Bemästra huvuduppgifterna i spelets teknik.

Skaffa dig erfarenhet av analytiskt arbete när du utför etyder, skalor,

övningar och lekar

Huvuddelen av lektionen:

"En heltäckande metodik för undervisning i blåsinstrument i grundskolan."

1.Introduktion: lära känna instrumentet

Saxofonen är ett relativt ungt instrument, vars uppfinnare var den begåvade belgiske mästaren Adolf Sax (1814-1894). Efter en lång sökning och experiment lyckades han göra den första kopian av ett ovanligt musikinstrument, som fick namnet på sin uppfinnare. Detta hände omkring 1840. Sachs var den första som uppträdde på konsert inför allmänheten och visade alla saxofonens dygder med sitt spel.

Saks vidareutvecklade sin designidé, vilket ledde till att han skapade en hel familj av saxofoner. Han skapade den första familjen för användning i en opera- och symfoniorkester, och den andra - som en del av ett blåsorkester. Dessutom fick varje sort av saxofon sitt namn i enlighet med de accepterade namnen på sångröster: sopranino, sopran, alt, tenor, baryton och bas. Saxofoner från den första gruppen klarade inte tidens tand och gav plats för instrument från den andra familjen. Det är på dem som saxofonister spelar idag på konsertscenen, i orkestern och i ensemblen.

De första som kände skönheten i saxofonens klangfärg, främst som medlem av opera- och symfoniorkestern, var de enastående fransmännen kompositörer av den 19:eårhundradet G. Berlioz, A. Thomas, J. Bizet, J. Massenet, JI. Delibes, K. Saint-Saens, V. d'Andy och andra. Det var de som förutsåg saxofonens framtid och utsikterna för dess deltagande i olika akademiska former och genrer av musikalisk konst. Särskilt många vackra kompositioner för saxofon skapades på 1900-talet. A. Glazunov, C. Debussy, F. Schmitt, J. Iber, P. Hindemith, P. Creston, E. Vila-Lobos, A. Jolivet, G. Dubois, E. Bozza, E. Denisov skrev musik för honom, A. Eshpay och andra. Förutom solo- och orkesterframträdande har ensembleformen att spela saxofon blivit utbredd. Utöver verk speciellt skrivna för saxofon innehåller artisternas repertoar många arrangemang och transkriptioner. klassisk musik, som också avslöjar instrumentets naturliga möjligheter.

Stora prestationer har uppnåtts av saxofonister inom området jazzmusik, där instrumentet har tagit en ledande position under lång tid.

Saxofonen tillhör gruppen träblåsinstrument och har en komplex struktur. Den består av tre huvuddelar: ett munstycke medvass, munstyckesrör och kropp med ett utvecklat system av ventilspaksmekanism. Instrumentrörets ände har formen av en klocka vänd uppåt.

En viktig del av saxofonen ärmunstycke, representerande i sitt utseende en ihålig näbbformad cylinder. Den är gjord av gummi, ebonit, plexiglas eller en speciell metallegering. Munstycket har i stor utsträckning en inverkan på instrumentets klang, eller snarare på färgningen av klangen. Munstycket glider lätt på och av munstycket

2. Rationell miljö.

För att framgångsrikt bemästra tekniken att spela saxofon, särskilt i det inledande skedet av träningen, måste den framtida musikern först och främst förstå de grundläggande reglerna för iscensättning väl, följt av deras implementering i processen för individuellt arbete.

Begreppet "iscensättning" betyder en uppsättning regler för den rationella positionen och interaktionen av alla komponenter i musikerns uppträdande apparat (andning, läppar, fingrar, händer, etc.). Rationell inställning hjälper saxofonisten att uppnå spelresultat av hög kvalitet med minsta ansträngning och tid, för att undvika onödiga, extra muskelspänningar. Uppgift korrekt inställning- att främja en effektiv, disciplinerad organisation av lektioner på instrumentet, där valet av tekniker, metoder och arbetstakt bör göras med hänsyn till nivån och varaktigheten av musikerns utbildning, såväl som hans individuella förmågor.

Rationell miljö inkluderar följande element:

1. Allmän inställning - ett bekvämt sätt att hålla saxofonen i händerna, korrekt position för kropp, huvud, händer, fingrar och fötter.

2. Staging utföra andning - sätt för godtycklig kontroll av andningen och reglerna för att ändra andetag under spelet.

3. Inställning av embouchuren - den lämpligaste platsen för munstycket på läpparna, formen och karaktären av embouchurens och underkäkens verkan.

4. Artikulationsinställning - tungans position, formen på munhålan.

5. Fingersättning - placeringen av fingrarna på instrumentet, organisationen av exakta, koordinerade, stabila reflexer, fria och ekonomiska åtgärder av fingerapparaten.

Den viktigaste förutsättningen för bildandet av färdigheter i en saxofonists prestationsteknik är överensstämmelse med de krav som säkerställer spelets övergripande prestanda. De kokar ner till följande punkter.

Saxofonistens kropp och huvud ska hållas jämnt och rakt, utan några avvikelser åt sidorna och lutar fram och tillbaka. Spelställningen ska vara naturlig, avslappnad, oavsett om saxofonisten övar instrumentet stående eller sittande. I det här fallet bör bröstet vara något höjt och axlarna ska placeras ut. Detta kommer att ge större frihet till arbetet i andningsmusklerna.

Ett bra stöd på benen hjälper till att bibehålla kroppens korrekta hållning när man spelar stående. För att göra detta är det bättre att trycka dem till fotens bredd, vända strumpor och trycka vänster ben lite framåt. När man spelar sittande, rekommenderas att sitta rakt på halva stolen utan att förlita sig på dess rygg. Det är strängt förbjudet att sätta ena foten på den andra. Altsaxofonen hålls i händerna snett längs kroppen, lutad med sin nedre böjning av röret på spelarens högra lår. För att anpassa sig till saxofonens stabila position, låter en speciell rem med en karbinhake dig ställa in den erforderliga höjden på instrumentupphängningen.

Den bekväma passformen på munstycket med röret justeras genom att vrida munstycket på munstycket utan att ändra huvudets position.

Saxofonistens allmänna miljö kännetecknas av att höger armbåge dras tillbaka något, bort från kroppen. Fingrarna placeras på huvudtangenterna (pärlemor), på ett avstånd av cirka en centimeter från deras yta. De bör vara (med undantag för tummarna) i ett rundat, avslappnat tillstånd, och i området för vecket av den första och andra falanger, närma sig den vertikala positionen. Beröring av tangenter och spakar utförs med fingertopparna utan ökat tryck, med viss framgång av ljudattacken. När du trycker på sidoventilerna med pekfingrarna ska små rörelser av borstarna kopplas ihop. Den korrekta positionen av fingrarna underlättas av handledernas naturliga tillstånd, som tillsammans med händerna bildar en rak linje. När vänsterhandens fingrar vidrör sidoventilerna, sker en viss avböjning av handleden.

Andningsteknik .

I processen med konsekvent utveckling av den individuella tekniken för att spela saxofon är formuleringen av professionell, det vill säga presterande, andning av särskild betydelse.

Den professionella andningen av en saxofonist är en specifik: förutom den fysiologiska funktionen (kontinuerlig gasutbyte) utför den funktionen av snabb lufttillförsel till instrumentet. Denna andning är baserad på förmågan att godtyckligt kontrollera faserna av inandning och utandning av saxofonisten. Båda faserna av andningen är sammankopplade och fortskrider i sina egna speciella villkor: snabb, kort inandning och lång, jämn utandning. Den största svårigheten att utföra andningsteknik ligger i koordineringen av två andningsfaser. Saxofonistens skickliga användning av andningsmusklernas naturliga flexibilitet och användningen av en rationell typ av andning hjälper till att övervinna denna svårighet.

När man spelar saxofon tas andan snabbt och tyst genom mungiporna och delvis genom näsan. Vid inandning bör saxofonisten inte ta in för mycket luft för att undvika överdriven spänning i andningsmusklerna. Det är också nödvändigt att se till att axlarna inte reser sig vid inandning. Inspirationsfrekvensen bör motsvara den tid som tilldelats för byte av andetag: ju kortare paus, desto snabbare tas andningen och vice versa

Det finns två typer av andning - diafragma och buk.

Diafragmatisk typ av andning kännetecknas av den aktiva rörelsen av diafragman och nedre revbenen. Det används vanligtvis när man spelar korta musikaliska strukturer eller i fall där saxofonisten har lite tid att andas. Och vice versa - när det finns tillräckligt med tid för att reproducera andningen, tillgriper de en djup typ av andning - bröst-buk, vilket gör att du kan utföra långa musikaliska fraser utan påtvingad överbelastning.

Utvecklingen av andningsteknik kan utföras på två sätt: utan ett instrument och i processen att spela det.

Den första metoden har en hjälpkaraktär. Den är baserad på saxofonistens framförande av olika komplex av allmänt fysiskt och speciellt andningsövningar gynnsamt att bidra till kroppens allmänna vitalitet och stärka andningsapparaten. Andningsövningar är särskilt användbara för en nybörjarsaxofonist, vilket gör det möjligt för honom att snabbt skaffa sig färdigheten att medveten kontrollera frekvensen och djupet av inandning, förhållandet mellan varaktigheten av inandning och utandning och graden av spänning i andningsstödszonen.

Det andra sättet på vilket andningstekniken utvecklas är det huvudsakliga. Det kännetecknas av det systematiska spelet av långa ljud i olika dynamiska nyanser, såväl som framförandet av musik av långsam natur och, naturligtvis, olika sorterövningar.

Likaså spränga lappar medf på sidoch tillbaka. Spelar långa toner i oktaver.

3. Ljudextraktion. Bildandet av öronkudden.

När man spelar saxofon utförs de mest subtila och komplexa handlingar på ett visst sätt av formade och tränade läppar. Helheten av de labial- och ansiktsmuskler som är involverade i ljudproduktion, och deras karakteristiska position runt munstycket med en käpp, bildar ett speciellt fysiologiskt komplex - embouchure (frånfranska orden bouche - mun och emboucher - lagt till mun. För korrekt inställning av ambyushura måste följande villkor uppfyllas:

1. andas djupt utan att höja axlarna.

2. Stick ner underläppen lätt över de nedre tänderna.

3. sätt de övre tänderna tätt på munstycket i mitten, stäng käkarna.

4. hålla läpparna i ett halvt leende.

5. lägg tungan under käppen och blås tyst luft, samtidigt som du tar bort tungan djupt och neråt, samtidigt som du inte blåser ut kinderna.

6. dra ljudet, övervaka jämnheten i intonationen.

Det första ljudet görs på munstycket, och först när intonationen blir stabil börjar lektioner på instrumentet. För att träna läppapparaten är som regel övningar för utveckling av andningstekniker lämpliga. Också i det inledande skedet av träning tränas elasticiteten i labiala muskler på enkla studier:

Eftersom embouchurens motorik är fixerad, styrka och uthållighet dyker upp i läpparna, är det möjligt att komplicera träningsövningarna, gå vidare till att bemästra instrumentets extrema register.

Att ställa in embouchuren är oskiljaktigt från auditiv förväntan om kvaliteten på det extraherade ljudet. Muskelminne och hörsel samverkar samtidigt, vilket ger saxofonens nödvändiga klang, dynamik och intonationsljud i olika register. Embouchuren samordnar sitt arbete med andra avdelningar av saxofonistens utövande apparat och förenas med dem till en komplex ljudbildande kedja.

Saxofonisten måste ständigt övervaka läpparnas tillstånd, skydda dem från olika skador, nötning. Om underläppen är skuren med tänder kan du använda foder för tänder gjorda av papper, bomullsull, elastiskt gummi eller beställa ett speciellt foder från tandproteser.

Ljud attack.

När man spelar saxofon utförs början av extraktion av ljud olika sätt associerad med den samtidiga rörelsen av tungan och den utandningsluftströmmen. Detta första ögonblick av ljudproduktion kallas attacken av ljudet. Saxofonisten bör fästa särskild vikt vid attacken, eftersom den kännetecknar det individuella sättet att uttala ljudet.

Angreppet av ljud tillhandahålls av det aktiva arbetet av en hel grupp av muskler i tungan, som, när de dras ihop, ändrar konfigurationen av tungan: gör den platt eller förtjockad, avslappnad eller tät.

Innan ljudet extraheras är tungan i det främre läget, vidrör den inre sidan av den muskulösa "kudden" på underläppen och den övre delen av vassen.

intonationsstabilitet och tonkvalitet.

Konsolidering av denna initiala prestationsförmåga kan utföras på grundval av arbete med en speciell övning, till exempel:

4. Spelets teknik.

Av stor betydelse för den individuella anpassningen av saxofonisten till sitt instrument är utvecklingen av olika ständigt samverkande rörelser av båda händernas fingrar, som ger den nödvändiga kontakten med saxofonens ventilspaksmekanism.

Saxofonistens fingerteknik innebär förmågan att spela snabbt, tydligt, koordinerat och stressfritt. Denna egenskap förvärvas i en viss sekvens (från enkel till komplex) och föremål för långa och genomtänkta studier. Fingrarnas arbete koordineras med andning, embouchure, artikulationsapparat och hörsel.

Bildandet av spelfärdigheter hos fingerapparaten har följande allmänna mönster:

1. I det inledande skedet av arbetet med fingermotorik bildas en motorisk färdighet progressivt, på grundval av en upprepad cykel av övningar, det vill säga fixering av reflexstereotypen av rörelser.

2. I det efterföljande skedet av tekniskt arbete inträffar stabilisering av motorisk färdighet, fingrarnas rörelse får en varierande karaktär: när spelets intonation, dynamiska och klangfärgsförhållanden förändras, kan de utföra handlingar med olika fingersättningskombinationer, och när de är ovidkommande yttre stimuli uppträder, fingrarna fungerar stabilt utan fingersättningsbrott och störningar.

3. Beroende på spelsituationer kan vissa inlärda fingersättningsrörelser, oavsett hur väl de är automatiserade, utföras antingen omedvetet eller medvetet.

4. Reflexkonsolidering av färdigheter förvärvas bäst när man arbetar med tekniskt material i långsam takt, genom flera repetitioner, vars antal bör vara optimalt och individuellt för varje saxofonist.

5. Under övergången från det inledande skedet av automatisering av rörelser till ytterligare förbättring av fingerflytande saktar fixeringen av motoriska färdigheter ner något, medan tillväxten av prestationsteknik sker i hopp och gränser - med upp- och nedgångar.

I processen att arbeta med fingerteknik utvecklar saxofonisten en specifik muskulomotorisk känslighet, vilket gör att han kan exakt koordinera fingrarnas motoriska handlingar i rumsliga, temporala och fingersättningsmässiga termer. Det är nödvändigt att utveckla fingrarnas teknik på följande övningar:
När man spelar olika övningar, skalor och etuder, huvuduppgiften för en nybörjarsaxofonist är den fria inställningen av spelapparaten (händer, fingrar, embouchure, andning).

5. Analys av resultatet av lektionen:

De huvudsakliga målen och syftena med lektionen var att lära barnet hur man spelar instrumentet på rätt sätt. Barnet lärde sig de första principerna för att ställa in hela apparaten som en helhet: detta och hur man håller instrumentet korrekt, hur det är nödvändigt att hålla i huvudet och kroppen medan man gör detta, hur labialapparaten och fingrarna ska fungera. Dessutom vet barnet i vilken sekvens han kommer att vara engagerad, vilka övningar för utveckling av vissa typer av teknik han kommer att använda under klasserna. De färdigheter som förvärvats i den inledande lektionen måste utvecklas och underhållas under hela inlärningsprocessen på en musikskola.

Kontrollera formulär läxa studerande:

Huset ges:

1. Spela långa ljud i direkt följd - 10 min. Spela skalan som analyserats i lektionen.

2. Oberoende analys av studien.

3. Arbeta med arbetet, fullgörande av de uppgifter som ställs på lektionen.

Storlek: px

Starta intryck från sidan:

transkript

1 Översikt över den öppna lektionen av läraren Gorobtsova Galina Vyacheslavovna i pianoklassen. Lektionen genomfördes med Georgy Gorobtsov, en elev i tredje klass vid den allmänna estetiska avdelningen. Ett variabelanpassat program på ämnet "Specialpiano" användes. Alla avsnitt som tillämpas i lektionen hjälper till att lösa huvuduppgifterna. Ämne för lektionen: "Formation av färdigheter i att läsa anteckningar från ett ark." Syftet med lektionen: Utveckling av musikaliska horisonter, aktivering av tänkande, hörsel, koordination vid läsning av musik från ett ark. Uppgifter: pedagogiskt - studentens behärskar teoretiska kunskaper och praktiska färdigheter; utveckla Typ av yrke: - utveckling av musikalisk grafik; - Utveckling av samordning; - utveckling av ett musikaliskt öga; - utveckling av rytmiska färdigheter; - metrorytmisk organisation av prestanda; - förvärv av auditiv kontrollkompetens. Lektion av konsolidering och systematisering av kunskaper och färdigheter. Undervisningsmetoder och tekniker: - visuella; - verbalt; - praktiskt; - emotionellt kognitivt; - generaliseringsmetoder; - Spelteknik; - hälsobesparande teknik. Lektionsutrustning: - musikinstrument; - musikaliskt material; - undervisningshjälpmedel; - didaktiskt material.

2 Lektionsplan I. Organisationsstadium. a) hälsning, studentens psykologiska humör; b) budskapet om ämnet för lektionen och dess uppgifter. II. Huvudsak. 1. Bemästra det musikaliska alfabetet 2. Övningar för utveckling av koordination 3. Bemästra notskrift 4. Rytmiska övningar 5. Utveckling av färdigheten att "se-höra" framåt 6. Bildande av färdigheten att snabbt memorera texten "fotografera" 7. Ensemblemusikskapande III. Avslutande del Sammanfattning (utvärdering av lektionens effektivitet). Läxa. Lektion II. Huvuddelen Bildandet av färdigheter i att läsa musik från ett ark är förknippat med den konsekventa lösningen av en hel rad praktiska och pedagogiska uppgifter. Med regelbunden synläsning vidgas elevens musikaliska horisonter, örat för musik och tänkande utvecklas, uppgiften att organisera den pianistiska apparaten blir lättare, snabb orientering på klaviaturen utvecklas, komplexa motoriska färdigheter utvecklas, grunden för ackompanjatörsträning och spel i en ensemble bildas. Var börjar bildandet av notläsfärdigheter? Från bekantskap med musikalfabetet. Jag använder tre cirklar av musikalfabetet i mitt arbete: - den första cirkeln är sju notsekvenser ordnade i ordning, där var och en av de sju tonerna kan vara den första. Vi uttalar den första cirkeln i det musikaliska alfabetet från de givna ljuden. -den andra cirkeln i det musikaliska alfabetet är "terts"-sekvenser, där var och en av tonerna också kan vara den första. Vi uttalar den andra cirkeln i det musikaliska alfabetet från de givna ljuden. - Idag ska vi bekanta oss med den tredje cirkeln i det musikaliska alfabetet, det här är "kvarts"-sekvenser. Fråga till studenten: säg mig, vad är en "quart"? Svar: En quart är ett intervall med en bredd på fyra steg. - Nu kommer du att spela och namnge tonerna, gå igenom detta intervall från C-tangenten i den första oktaven tills du kommer till C:n i den fjärde oktaven. Och sedan går du tillbaka i omvänd ordning och fortsätter att namnge varje spelad tangent. Eleven spelar och uttalar den tredje cirkeln i musikalfabetet. – Jag har ett kort där alla alternativ för tredje omgången är skrivna, hemma ska du fortsätta att studera det på det. Åtgärder relaterade till motoriska färdigheter är den mest elementära länken i bildandet av notläsförmåga. Bildandet av en sådan orientering, utvecklingen av den visuella representationen av pianoklaviaturen, börjar i processen att studera skalor och övningar. Vi lär oss skalan med en icke-legatoteknik på en oktav, och sedan spelar vi med olika slag, utan att titta på händerna. Det är bäst att välja en skala med svarta tangenter som: D, A, E, B-dur och senare moll: C, G, D. Det är de svarta nycklarna som kommer att fungera som en pålitlig guide för fingrar som saknar synstöd.

3 Eleven uppmanas att spela någon av de namngivna skalorna med icke-legato- och staccatoslag. Samtidigt försöker vi koncentrera all hans uppmärksamhet på ljud och artikulation. Från de allra första lektionerna sker en utveckling av musikalisk grafik med studier av två tangenter samtidigt, och vi numrerar varje rad i både diskant- och basklaven med siffrorna 1,2,3,4 och 5. Den extra raden i tonen "till" i den första oktaven fick siffran noll. Tvärtemot traditionen räknas basklavlinjer uppifrån och ner. - Hitta och spela nyckeln som är skriven på den fjärde raden i diskantklaven; på första raden i basklaven; nolllinje med höger hand, mellan femte och fjärde i basklaven med vänster hand samtidigt. - Och spela nu fa-tangenten för den andra oktaven och säg på vilken linjal det är skrivet; nyckel mi av en liten oktav och namnge dess plats på staven. Att leka enligt anteckningar innebär nya svårigheter för barnet. Det är tillrådligt att minska antalet problem till ett minimum. Att spela i det inledande skedet med ett finger gör att du kan koncentrera dig på korrekt extraktion av ljud, bitarna ska inte vara komplicerade, barnet ska spela och titta på noterna. - Nu ska vi spela Pathfinder-övningen (från studieguiden "To Music with Joy" av O. Getalova och I. Vizna.) Och om du under de tidigare lektionerna "följt spåret" antingen i fiol eller i basklav , då kommer vi idag att ta övningar med två nycklar samtidigt. Fråga: Vilken lapp kommer du att starta spelet på? Svar: från not till. - Din uppgift är att titta på tonerna, att avgöra var och hur melodin rör sig: i språng, stegvis rörelse uppåt eller nedåt. Det är känt att metrorytmiska färdigheter utvecklas hos barn mycket snabbare och lättare än pitch-färdigheter, så vissa lärare ägnar inte tillräckligt mycket uppmärksamhet åt metrorytmisk utbildning. För att göra det lätt för eleverna att navigera i rytm skapades inte rytmiska svårigheter när man läste anteckningar från ett ark, det är lämpligt att använda speciella rytmiska övningar, isolera och separat räkna ut förhållandet mellan olika rytmiska figurer. I det inledande skedet av träningen räcker det med två rytmiska figurer (halva och två fjärdedelar, eller en fjärdedel och två åttondelar). Fråga: om jag går i kvart och du på åttondelar, hur många gånger snabbare ska du röra dig? Svar: två gånger. - Låt oss gå dig i åttondelar, och jag i kvart. – Och nu ska vi ändra oss, jag är den åttonde, och du är den fjärde. Fråga: i förra lektionen sjöng du och jag låten "Our Kitten" med ord. Vad är varaktigheterna här?

4 Svar: kvart och en halv. – Har du märkt att orden hjälper dig att känna det rytmiska mönstret i den här låten? Tryck på rytmen genom att uttala rytmiska stavelser. – Och låt oss nu analysera den ryska folksången "Karavai". F: Hur stor är låten? Svar: 4/4 Fråga: titta noga på den första stapeln, vad kan du säga om den? Svar: den har två slag istället för fyra, vilket betyder att det är ett överslag. F: Kommer du ihåg vad ett backbeat är?

5 Svar: I pjäsen levde måttet en gång, Allra första måttet var, Men en olycka hände honom, Tore i två delar. Takten från denna början, Bakom hela pjäsen reste sig. Och slutet av samma mått Klättrade in i början, blev inledningen. Därför hålls nu kontot i det tvärtom. – Jag kommer att spela ackompanjemanget, och du smäller till melodins rytm: Det är lämpligt att börja direkt läsa verk från synen i början av träningen med en lättare uppgift att läsa melodin (leka med klappar, röst, etc.). Det är också möjligt att använda speciella övningar: Läraren spelar ett stycke, och eleven säger noterna högt:

6 Läraren börjar spela frasen, eleven fortsätter den, nämner tonerna högt, men behåller kontinuiteten i rörelsen. Således utvecklas förmågan att noggrant följa noterna och "se och höra" framåt. Bland övningarna som utvecklar färdigheten att accelerera uppfattningen av texten spelar den så kallade fotograferingen en viktig roll. Eleven får se ett stycke text (motiv, fras, mening), som han ska komma ihåg, mentalt närvarande i ljud och spel. Vid tidpunkten för avrättningen läser och memorerar eleven nästa fragment. Första fragmentet: Andra fragmentet: Det är mycket användbart att använda ensembleformer av musikskapande på alla stadier av utbildningen. Ett sådant spel introducerar eleven till relativt komplexa ljud som är otillgängliga för honom i soloframträdande, disciplinerar viljan, tränar uppmärksamhet, hjälper till att känna musikens rytmiska rörelse. – Nu ska du och jag synläsa en ensemble som heter "Toy Bear". Försök att se framåt, lyssna noga på den andra delen, följ styckets rytmiska utveckling.

7 III. Avslutande del Bildandet av färdigheten att snabbt analysera och läsa musiktext är nära sammankopplad med barnets allmänna musikaliska och pianistiska utveckling. Bästa resultat synläsförmåga uppnås när denna färdighet bildas från de första stegen av en pianists utbildning. Erfarenheten visar att även svaga elever, som systematiskt spelar från ett ark, går framåt mycket snabbare och mer självsäker. De utvecklar ett intresse för att spela instrumentet. Läraren bör använda alla tillgängliga möjligheter för att ingjuta i sin elev en kärlek till synläsning, självständigt musikskapande. Fråga: Vad lärde du dig på dagens lektion? Svar: den tredje cirkeln i det musikaliska alfabetet, bekantade sig med nya sånger. Läxor att upprepa den första, andra och lära sig den tredje cirkeln i musikalfabetet, spela skalor och läsa från synen. Utvärdering av elevens arbete: har målet med lektionen uppnåtts (bemästra färdigheterna att läsa från ett ark?) Har du börjat förstå bättre hur man arbetar hemma?

Manusova Elena Alexandrovna lärare i teoretiska discipliner kommunal statligt finansierad organisation ytterligare utbildning barnkonstskola 12, Ulyanovsk SAMMANFATTNING AV EN SOLFEGIO LEKTION PÅ TEMA

TEMATISK LÄRPLAN 2 GRUND I. Allmänna uppgifter: Ingjuta hos barn kärlek och intresse för musik Ansamling av musikaliska intryck och utbildning av musikalisk och konstnärlig smak Identifiering och omfattande utveckling

1 1. PLANERADE RESULTAT AV ATT MESTRA ÄMNET "SOLFEGIO"

1 Förklarande not Musikalisk utbildning som en aspekt av det estetiska ger en målmedveten och systematisk utveckling av barns musikaliska förmågor, bildandet av känslomässig lyhördhet

Krenholms musikskola Tekniker för att utveckla synläsningsförmågan på pianolektionerna Vera Aliyeva, pianolärare Narva, 2015 Synläsningsfärdigheten Det finns två huvudtyper av framförande

Förklarande anmärkning Det ytterligare allmänna utbildningsprogrammet "Baby at the Piano" är sammanställt i enlighet med: Federal lag av 29 december 2012 273-FZ "On Education in the Russian Federation";

Sammanfattning av en öppen lektion om ämnet: "Formation av synläsförmåga i pianoklassen" (första studieåret) Slutförd av: Anfimova Veronika Yuryevna, pianolärare sid. Borovoye, 2016

KOMMUNALA BUDGETARISKA INSTITUTION FÖR YTTERLIGARE UTBILDNING "MSTERSKAYA RURAL CHILDREN'S SCHOOL" MBUDO "Msterskaya landsbygdens barns konstskola" Plan för en öppen lektion Ämne: Donotny studieperiod. Arbetsformer

KOMMUNAL SJÄLVSTÄNDIG UTBILDNINGSINSTITUTION FÖR KULTUR FÖR TILLGÄNGLIG UTBILDNING "BARNS MUSIKSKOLA 11 UPPGIFT EFTER M.A. BALAKIREV" Ytterligare allmänt utvecklingsprogram "Förberedelse för träning

Uppgift 1 1) Svara muntligt på frågorna: - Hur många steg finns det i mollskalan? Vilket steg är under det första? - Mellan vilka steg i moll finns halvtoner? – Var i skalan går två instabila i rad

Zarubina I. A. Piano för nybörjare Läromedel 2015 Lektion - introduktion Det finns en vacker värld, inte enkel Fortfarande okänd för dig Du öppnar bara dörren lite Hör musiken i dig själv Låt oss gå

Kommunal budgetutbildningsinstitution för kultur för ytterligare utbildning av barn Barnkonstskola 8 uppkallad efter n.a. Kapishnikov från Tashtagols kommunala distrikt Metodutveckling "UTVECKLING

Ytterligare allmänt pedagogiskt allmänt utvecklingsprogram "FLÖT" Programinriktning: konstnärlig Programnivå: introduktion Programgenomförandeperiod: 1 år Antal timmar: 104

Moskva-regionens kulturministerium MOUDOD "Barnmusikskola", Dubna "Godkänd" "Godkänd" av Pedagogiska rådet Protokoll L från "/3" & 20O&g "Godkänd" OUDOD d msh.) Experimentell

Uppbyggnaden av ämnets program I. Förklarande not. Ämnets egenskaper, dess plats och roll i utbildningsprocessen. 2. Termen för genomförandet av ämnet. 3. Form av innehav

Om bildandet av färdigheten att läsa anteckningar från ett ark Lärare vid Barnens konstskola Tliap A.K. 2017-2018 1. Inledning 2. Nödvändiga förutsättningar för att skapa färdigheten att spela från ett ark 3. Första stadiet förvärva färdigheten att läsa noter

Pianonoter för nybörjare gratis nedladdning >>> Pianonoter för nybörjare gratis nedladdning Pianonoter för nybörjare gratis nedladdning I höger hand - treklangackord. Hemsida

Rodygina Elena Ivanovna lärare i pianoklass Kommunal budgetutbildningsinstitution för ytterligare utbildning för barn "Children's Art School 1" Uray Khanty-Mansiysk Autonomous

Kvartal Antal timmar Datum St. Petersburg State Budgetary Educational Institute of Additional Education for Children "St. Petersburg Children's Music School 24"

Anteckning till det kompletterande allmänpedagogiska allmänna utvecklingsprogrammet för grundläggande allmän utbildning av sociopedagogisk inriktning " Individuell träning musik" för elever i årskurs 5-7

ÖPPEN LEKTION lärare Maleeva E.V. med elever i förberedelseklassen om ämnet: "Användningen av spelformer i studien av varaktigheter i solfeggio-lektioner" Förklaring. Det här är öppet

Kommunal utbildningsinstitution för tilläggsutbildning för barn, barnmusikskola 3 i Belgorod ÖVERENSKOMST: Direktör för MOU DOD Barnmusikskola 3 2009 E. M. Melikhova Anpassad utbildning

SOLFEGIO REGLER. 1 KLASS. 1. Ljud och ton 2. Register 3. Namn på ljud, oktaver 4. Placering av noter på notstaven 5. G-klav 6. Ljuds varaktighet 7. Dur och moll. Tonic 8. Tangent 9. Gamma

Utbildningsprogram i ämnet "Solfeggio" Detta program är inriktat på programmet för lärarmetodologen T.A. Kaluga på solfeggio, sammanställd 1984 med en utbildningstid på 5 år. Volym

MAU DO "Children's School of Arts" Motovilikhinsky-distriktet i Perm "Utveckling av rytmisk stabilitet bland unga dragspelsmusiker" Metodrapport Sammanställd av: lärare i tilläggsutbildning

Kommunal budgetutbildningsinstitution för ytterligare utbildning för barn "Roslavl Children's Music School uppkallad efter M. I. Glinka" "Formation och utveckling av färdigheten att läsa musik från ett ark i klassrummet

1 1. Förklaring Traditionellt är solfeggio en obligatorisk del musikalisk träning och anses vara ett av huvudämnena musikutbildning och uppfostran. Denna post representerar

Serien "School of Development" D. ROMANETS MUSIC LITRATURE målarbok för förskolebarn och yngre skolbarn Elfte upplagan Rostov-on-Don "Phoenix" 2018 UDC 784 LBC 85,31 KTK 861 R69 Romanets D. R69 Music

Kommunal självständig institution kultur av tilläggsutbildning BARNMUSIKSKOLA 7 uppkallad efter S.V. Rachmaninov YTTERLIGARE ALLMÄNT UTVECKLINGSPROGRAM INOM MUSIKKONSTEN "WAY

KOMMUNAL BUDGET UTBILDNINGSINSTITUTION FÖR YTTERLIGARE UTBILDNING AV BARN "HOUSE OF CHILDREN'S CREATIVITY" PROGRAM "Ung musiker" Sammanställt av: Taimasov Farit Khanifovich Lärare i tilläggsutbildning

Arbetsprogram om solfeggio för den förberedande avdelningen Författare-kompilator: Velmogina Marina Alekseevna 2017-2018 2018-2019 Förklaring Detta program är avsett för studenter som är orienterade

Lära sig att läsa musik från ett ark på knappdragspelet ( Riktlinjer) Inledning Det bästa sättet att lära sig läsa snabbt är att läsa så mycket som möjligt. I. Hoffman. För hundra år sedan var synläsning normen hemma.

S:t Petersburgs statliga budgetinstitution för ytterligare utbildning Barnmusikskola M, Pushkin-distriktet Spridd av metodrådets protokoll L antaget av det pedagogiska rådet

Förklaring Arbetsprogrammet har utvecklats med utgångspunkt från en ytterligare allmänbildande konstnärlig riktning "I musikens värld". Programmet för kursen "I musikens värld" är utformat för individen

MUSICAL LOTO Ett spel för utveckling av ljud-höjdshörsel hos barn i åldrarna 5-7 år Barnledaren spelar en melodi på ett av instrumenten upp, ner eller på ett ljud. Barn lägger ut anteckningscirklar från första raden

YTTERLIGARE UTBILDNINGSPROGRAM INOM MUSIKKONSTEN "VINDINSTRUMENT", "PIANO", "GITAR", "FIOLIN", "VOKAL", "BUYAN", "DRÄCKPACK", "DOMRA", abstrakt "BALALAYKA" för den arbetande

FÖRKLARANDE NOTERING För närvarande ägnas mycket uppmärksamhet åt utbildning och utveckling av barn med specialpedagogiska förmågor. Fakel CDT har i flera år arbetat med utbildningar

Läroplan (1:a studieåret) n/p Avsnittets titel, ämne Antal timmar Intyg/kontrollformulär Totalt Teori Praktik 1. Introduktionslektion 1 1 0 undersökning 2. Bekantskap med instrumentet 3. Elementärt

Ett kännetecken för organisationen av utbildningsprocessen för det första studieåret är att utbildningen genomförs i ämnet " popsång". Detta ämne syftar till att studera de praktiska grunderna för sång

Avsnitt: Musikalfabet eller där noterna lever (5 timmar) Ämne: Bekantskap med pianoklaviaturen: lära sig pianots register. Placeringen av tonerna i den första oktaven på notstaven och tangentbordet. Aktiviteter:

Solfeggioprogrammet (5-årig studietid) Årskurs 1. 2 Sång- och intonationsförmåga. Rätt kroppsställning. Lugn, stressfri andedräkt. Samtidig inandning före sång. Tränar

FÖRKLARANDE ANTECKNING. Musikalisk utbildning är ett unikt sätt att bilda enheten av de känslomässiga och intellektuella sfärerna i barnets psyke. Tidig musikalisk utveckling är effektivt verktyg

Republiken Tatarstans kulturministerium Institutionen för kultur i Leninogorsk MBUDO LDMSh “im. N.M. Kudasheva” ARBETSPROGRAM FÖR ÄMNET SOLFEGIO. Studietiden är 7 år, Leninogorsk, 2015.

ALLMÄNNA KRAV FÖR SÖKANDE 1. Ett barn som går in på en gymnasieskola måste ha goda musikaliska förmågor, uppenbara ljusa talanger och individuella kreativa förmågor. 2. Sökanden ska

Förklarande not Arbetsprogrammet om solfeggio ingår i listan över discipliner för musikavdelningen vid GBOU-skolan 2025. Det holistiska systemet för musikutbildning representeras av ett komplex av discipliner (enl.

Institutionen för kultur i Moskvas stad Statens budgetinstitution för ytterligare utbildning i Moskvas stad "Barnskola för konst 7" Antogs vid mötet Pedagogiska rådet"0" 07 juni GODKÄND

1. PLANERADE RESULTAT AV ATT MÄSTA ÄMNET Som ett resultat av en tvåårig studie i ämnet "Solfeggio" ska eleverna ha: - Formade initiala färdigheter i musikalisk och rytmisk aktivitet

Läroplan Namn på ämnesområden och ämnen Struktur och omfattning utbildningsprogram Klassrumslektioner (i timmar) Grupplektioner Individuella lektioner Fördelning på år

Ivashov Anatoly Ivanovich 1 lärare i MBUDO "Children's School of Arts", Solikamsk. ATT FORMA FÄRDIGHETERNA ATT LÄSA NOTER FRÅN ARKET OM BAYAN En av de centrala frågorna med knappdragspelstekniken är utvecklingen av

1. Förklaring För att höra musik måste du ha en utvecklad hörseluppfattning. Solfeggio är en disciplin som gradvis kan utveckla en persons musikalitet till höjder som låter dig njuta

Förklaring Detta program i ämnet "Solfeggio" är sammanställt på basis av ett standardprogram i ämnet "Solfeggio" för barns musikskolor, musikavdelningar konstskolor, kväll

Ämnet "Solfeggio" årskurs 1

I musik är tonhöjdsrelationerna för ljud oskiljaktiga från deras tidsmässiga organisation, så känslan av metrorytm är en av komponenterna i musikalisk uppfattning. Metodik för utveckling av metrorytmiska färdigheter

Utbildningsdepartementet i Moskvas stad Statens budgetutbildningsinstitution i Moskvas stad "Skola 1770" "ACCEPTERAD" vid ett möte i det pedagogiska rådet Protokoll från "20 Remykin Ytterligare

Solfeggioprogrammet (7-årig studietid) Årskurs 1. Sång- och intonationsförmåga. Kroppens korrekta position, ett lugnt andetag, ett samtidigt andetag innan sång, utveckling av jämn andning.

1 FÖRKLARANDE ANMÄRKNING Musikalisk utbildning är ett unikt sätt att forma enheten mellan de känslomässiga och intellektuella sfärerna i barnets psyke. Tidig musikalisk utveckling är ett effektivt medel

Zhakovich V.V. SOLFEGIO Klass II Del IV Voronezh 2017 3 LEKTION 25 1. Sjung skalan i e-moll 3 typer 2. Sjung separat stabila steg, huvudsteg och inledande toner 3. Diktering 4. Tap rytmisk

Öppen lektion i ämnet solfeggio. Temat för lektionen: "Utveckling av intonation och rytmisk hörsel i solfeggio-lektionen i lågstadiet." Mål: Utveckling av intonation och rytm samt hörsel utifrån aktiv

Scientific Cooperation Center "Interactive plus" Shershneva Natalya Alekseevna M.P. Frolova, Jekaterinburg, Sverdlovsk-regionen FÖRSTA KLASSER MED NYBÖRJARE

Metoden att lära barn att spela instrument beror på:

• - instrument som tillhör en viss klassificeringsgrupp och undergrupp;
• - Principen för ljudextraktion;
• - Utövarens ålder och de uppgifter som tilldelats honom;
• - nivån på den fysiska, musikaliska, känslomässiga utvecklingen hos artisten;
• - Tillgång till förutsättningar (materiella, tidsmässiga, organisatoriska) för att lära sig spela instrumentet.

Metodiken för att lära sig spela vilket folkmusikinstrument som helst bör innehålla följande steg:

• 1. Bekantskap med instrumentet - historien om skapande, designfunktioner, prestandaförmåga;
• 2. Inställning av den utförande apparaten - kropp, händer, embouchure, etc.;
• 3. Att behärska de grundläggande teknikerna för ljudproduktion;
• 4. Utveckling av framförande färdigheter - arbete med konstnärligt, uttrycksfullt, känslomässigt, musikaliskt kompetent och tekniskt perfekt framförande av ett musikaliskt verk;
• 5. Arbeta med ett musikstycke.

Metodik för att lära sig spela slagverksinstrument

Slagverksinstrument är särskilt attraktiva för unga musiker. Att lära sig spela de flesta slagverksinstrument i orkestern (rubel, skallra, klaffbräda, etc.) kräver inte lång tid och speciell träning, medan utvecklingen av lämpliga spelfärdigheter gör det möjligt att i framtiden bemästra mer komplexa slagverksinstrument (klockstapel) , ved, etc.) .), speltekniker (på tre, fyra eller fler skedar), samt musikinstrument från en annan grupp i orkestern.

I processen att lära känna slagverksinstrumentet, barn:

• · Lär dig om historien om dess skapelse;
• · Studera designegenskaper, utföra (inklusive tekniska) möjligheter;
• · Tilldela egenskaper som bestämmer detaljerna för ett visst verktyg;
• Fastställ tillhörighet till en undergrupp enligt det ljudgenererande elementet:
  • - verktygskropp - buller;
  • - membran, membran - membranös;
  • - platta - lamellär;
  • - närvaron av flera ljudliknande element - kombinerad typ;
• Lär dig hur ljud produceras
• - från stötar av fingrar, handflator, pinnar, hammare, klubbor, instrument (lika och olika) eller delar av instrument mot varandra;
• - som ett resultat av skakning;
• - friktion (glidning);
• - Andra metoder för ljudbildning, inklusive blandade.
• · Lär dig ljudets egenskaper (obestämd eller bestämd tonhöjd, klangegenskaper, dynamiska möjligheter, etc.);
• · Skaffa kunskap om egenskaperna hos användningen av slagverksinstrument (att skapa en ostinatrytmisk bakgrund, ljud-visuella effekter, ljudimitationer; spela solo, i en ensemble, ansträngning av dynamiska nyanser, etc.)

Därför att den föreslagna metodiken riktar sig till barn i förskolan och yngre skolålder, då inkluderar det speltekniker. Till exempel, när man lär sig nakr, kan ett barn "prata" med en magisk kruka som reagerar på rösten (vibration av instrumentets membran). Spelsituationen tillåter det här fallet i bildlig form, bekanta dig med funktionerna i ljudproduktionen av detta instrument, som tillhör undergruppen av simhudslagverk.

När de studerar klockstapeln hittar barn välbekanta bilder i dess konfiguration: en svamp, en klocka, en igelkott, etc. Genom att karaktärisera ljudet av klockstapeln som långt, klangfullt och dröjande, kommer de till slutsatsen att instrumentets ljud beror på material från vilket det är tillverkat, såväl som om närvaron och storleken på resonatorn, storleken på instrumentet, egenskaperna för ljudproduktion på den, etc.

När man spelar ett slaginstrument tillhör huvudrollen handen, även om axeln och underarmen också deltar i en eller annan grad. En rörlig, flexibel, elastisk borste gör underverk och utför invecklade rytmiska figurer rika på klangfärger. Musklerna i handen bör inte vara spända, vilket kommer att hjälpa till att undvika stelhet och täthet i rörelser när du spelar instrumentet, såväl som snabb trötthet.

Processen att lära sig spelet bör börja med en speciell propedeutisk uppvärmning av händer utan instrument. Detta gör att du kan förbereda användarens apparat för spelet, forma och återspegla de muskelförnimmelser som krävs för spelet och utveckla handkoordination. Till exempel, innan barnen börjar spela Kursk skallra (mottagning av spelet "Wave"), spelas uppvärmningsspelet "Driver" med dem: de imiterar rörelserna av händerna på föraren som vrider på ratten. bilen. Eller innan barnen leker på lådan bjuds de, byter händer, att "trumma" på knäna.

På ett antal instrument (låda, herdetrumma, nakrah, ved) spelar musikern med två föremål (pinnar, skedar eller hammare). Ordningen för växling av händer i det här fallet bestäms av måttets metriska struktur (högerhandsslagen görs starkare eller relativt starka slag, vänsterhanden slår - på svaga slag) eller bekvämligheten med fingersättning när du utför ett visst arbete .

inlärningstekniker

Olika grupper av instrument kräver utveckling av speltekniker av olika svårighetsgrader. Därför bör de som deltar i orkestern ges differentierade uppgifter, med hänsyn till deras individuella förmågor.
I metodiken för att lära ut spelinstrument är det viktigt att fastställa sekvensen för att utföra olika musikaliska uppdrag. Det finns inga långa och starka pedagogiska traditioner i denna fråga ännu. Som i alla föreställningar är det nödvändigt att använda rätt spelteknik när man lär sig pjäser. Kontinuitet i kollektivt och individuellt arbete är viktigt: i allmänna klasser och i självständigt musikskapande, i semesterföreställningar och underhållning.
Lärarens uttrycksfulla framförande av arbetet (på olika instrument), demonstration av tekniker, metoder för ljudproduktion och förklaringar - väl beprövade, traditionella metoder - kan fortfarande kompletteras med andra. Barn erbjuds att "undersöka" instrumenten på egen hand, de får enkla kreativa uppgifter och uppmuntras till självstudier i fristående studier. När träning sker i en kombination av dessa metoder kan man räkna med pedagogisk framgång.
I praktiken börjar de ofta lära sig att spela många instrument samtidigt, även om varje instrument kräver olika framförandetekniker, eller så lär de sig hela stycket på en gång. Samtidigt får vissa barn vänta medan andra lär sig. Detta tröttar ut killarna och sprider deras uppmärksamhet.
Det är klart att något annat kan vara lämpligt. Efter att ha introducerat barnen i allmänna klasser, till exempel med utseendet på cittran, med de grundläggande teknikerna för att spela den, efter att ha lärt sig 2-3 sånger under flera lektioner, överförs instrumentet senare till gruppen. lekar fortsätter barnen på eget initiativ
bekanta dig med instrumentet, läraren hjälper dem. Under tiden i allmänhet klass är igång bekantskap med ett annat instrument. Dessutom bjuds ibland de mest kapabla barnen in att inspektera instrumentet, hitta sätt att spela det och sedan gör läraren sina egna korrigeringar.
Gradvis introduceras barn för instrument som har diatoniska eller kromatiska skalor: metallofoner, trillingar, dragspel, cittra. Chockgruppen kräver mindre tid för att bekanta sig med den: två eller tre instrument kan tas in i lektionen på en gång, till exempel en trumma, en tamburin och kastanjetter, eftersom barn bara återger rytmen på dem.
Tänk på funktionerna i undervisningsmetodik i termer av följande uppgifter: behärska spelets tekniska metoder; sekvenser av uppgifter för att bemästra spelet på individuella instrument; lära sig några bitar.

Metod

Speltekniker beror på utformningen av varje instrument. Först och främst är det nödvändigt att fastställa den korrekta initiala positionen och platsen för instrumentet i förhållande till barnet.
Metallofoner, citrar placeras bäst på små stativ som ligger i nivå med spelarnas knän. Om det inte finns några stativ kan verktygen placeras på dina knän. Blåsinstrument (före spelets start) placeras också på deras knän. Trumman och tamburinen hålls i midjehöjd och triangeln hängs på ett stativ, eller så håller barnet den i sin vänstra hand.
Det är mycket viktigt att lära ut rätt teknik för ljudproduktion. När man spelar på klockspel hammaren ska hållas så att den vilar på pekfingret, och tummen håller den på toppen. Slaget ska falla på mitten av plattan och, viktigast av allt, vara lätt. Borsten måste vara fri. Om barnet håller hammaren knuten i näven, slår högt, håller den på skivan, kommer ljudet att visa sig vara "smutsigt", obehagligt.
När man spelar på cittra mediatorn måste klämmas fast mellan tummen och pekfingret. Ljudet produceras av en lätt, elastisk rörelse längs strängen. Samtidigt bör man sträva efter att inte röra onödiga strängar.
Kastanjetter de låter väldigt högt, så de tas i höger hand och slås lätt med "kronblad" på vänster hand. Ljudet är något dämpat och det rytmiska mönstret är tydligt hörbart.
Maträtter barn håller i remmarna och slår den ena mot den andra i en glidande rörelse. För att stoppa ljudet omedelbart appliceras plattorna på knäna. Ibland kan cymbalerna (att hänga upp dem) slås med en pinne, vars ände är täckt med flera lager av mjuk mater eller vadd.
När man spelar på triangel det är nödvändigt att slå med en pinne i mitten av dess horisontella del. Ljudet ska vara lätt och elastiskt.

och om det fortsätter under lång tid, bör du trycka på triangeln med handen - ljudet kommer omedelbart att sluta.
Tamburin gör ljud av olika karaktär, beroende på om de träffar hans membran med fingrar, den mjuka delen av handflatan eller ena tummen. Om dessutom anslagsplatsen ändras – närmare träramen (där resonansen är starkare), mot mitten, slå mot själva ramen, eller slutligen alternera dessa nedslag, då kan en intressant klangfärgssammanställning av ljud uppnås.
Spela på triolet Och Melodier-26 följer samma steg. Barnet blåser in i hålet på röret och andas jämnt. Samtidigt trycker han på önskad tangent. Triolans nycklar är färgade, var och en har sin egen färg och namn. Första nycklarna - re, fa#, salt och ytterligare skala salt major. Därför är det möjligt att framföra melodier på triolen i G-dur och delvis i andra tangenter, men i ett begränsat omfång.
Instrumentet, kallat Melody-26, är byggt på en kromatisk skala (två oktaver), och praktiskt taget vilken melodi som helst inom två oktaver kan spelas på det.
När barnet känner skillnaderna i ljudkvalitet, när det själv börjar navigera i de olika spelmetoderna, kommer det att utveckla auditiv kontroll och förmågan att korrigera felaktigheter i sin prestation.

Arbetssekvens

I början av träningen är ledarens metodologiska tekniker inriktade, naturligtvis, för att väcka hos barnet ett intresse för en ny typ av sysselsättning för honom.
I karaktären av ljudet av varje musikinstrument kan man hitta en analogi med något naturfenomen - rösterna från fåglar, djur, mänskligt tal. Läraren, till exempel, uppmärksammar barn på det faktum att fåglarna sjunger högt, högt, försiktigt, och detta kan avbildas på cittran.

Metallofonen förmedlar väl ljudet av fallande regndroppar: först faller de sällan, sedan ringer de oftare och oftare, oftare - regnet intensifieras.

Ljudet av triolan dröjer sig kvar, som om någon ropar i skogen och ropar.

Och flöjten eller Melody-26 säger till alla killar - gör dig redo för en vandring.

På trumman slår pinnarna ut en bråkdel, som åskan mullrar (läraren gör omväxlande snabba slag med två pinnar).
Meningen med sådana tekniker är att bekanta barn med varje instruments uttrycksmöjligheter.
I detta inledande skede är det också användbart att förbereda barn för samordnade gemensamma handlingar, att utveckla ensemblens känsla, vilket är så viktigt för att spela i orkestern. För detta ändamål används säregna rytmiska "orkestrar". Barn klappar i händerna, stampar med fötterna, knackar med träpinnar, stänger, plastlådor – tomma eller fyllda med småsten, ärtor etc. Och här kan ljudextraktionstekniker vara olika. Så, om du slår en handflata mot den andra med halvböjda fingrar, då är ljudet bultande och dövt; om du slår med "platta" palmer, som i "cymbaler", är ljudet distinkt och klangfullt.
Det går att slå med ena handens fingrar mot den andras handflata och ljudet skiljer sig avsevärt beroende på om fingrarna hålls utsträckta eller fria och halvböjda. Fotstampen är också annorlunda: hela foten, en tå eller häl, växelvis - sedan tån, sedan hälen. De så kallade "klapparna" används med handflatorna eller fingertopparna på låren.
Trä-, plast-, metallföremål låter dig också extrahera ljud av en annan karaktär. Barn med intresse
lyssna på dem, utföra rytmiska uppgifter, behärska färdigheterna i gemensamma eller sekventiella handlingar. Barn får till exempel följande övningar:

musikaliskt eko

Barn delas in i två undergrupper.
1:a raden. Läraren knackar med pinnar.
2:a raden. Den första undergruppen barn knackar med tårna.
3:e raden. Den andra undergruppen av barn knackar sina fingrar på den andra handen.


Sådana övningar kan variera i rytm och på olika sätt att klappa, stampa, "smälla" etc.
Tågets rörelse imiteras väl, till exempel genom att omväxlande sparkar med en tå, sedan med en häl, eller med händer, sedan med fingrar, sedan med en döv klapp. I det här fallet kan tempot godtyckligt accelerera eller sakta ner, och ljudet intensifieras eller avtar.

1:a raden. Hälslag.

2:a raden. Tåspark.

Det är användbart att introducera barn till uppfattningen och det uttrycksfulla utförandet av rytmiska recitativa intonationer av rösten. Till en början kan du visa deras uttrycksförmåga i enkla rytmiska meningar, talintonationer och recitativ. Som ni vet är recitativ nära melodisk recitation. Den innehåller naturliga vardagligt tal intonationen stiger och faller, accenter, pauser är tydligt hörbara.
Det är tillrådligt att uppmärksamma barn på det faktum att man i olika spel- och livssituationer kan använda rytmiska meningar och musikaliska och taltonationer.
Låt oss ge exempel på olika tekniker som konsekvent leder barn till uttrycksfulla prestationer.
Läraren uppmanar barnen att gissa vem hon kallade - Tanya eller Andryusha. Barn bör känna igen detta med ett rytmiskt mönster utfört av en vuxen i klappning eller på en metallofon:

Barn kommer att ta reda på vad flickan hette - Tanya eller Tanechka:

Efter det kan killarna ringa varandra på egen hand. När de kommer fram till en viss rytm, lägger de ut kort på en flanellograf och använder dem från bilagan till den musikaliska grundboken. Breda kort visar fjärdedelar, smala kort representerar åttondelar:

De kan utföra samma rytmiska mönster på en metallofon, en triod eller på slagverksinstrument.
Från framförandet av ett rytmiskt mönster går barnen vidare till recitativ. De uppmanas att ringa varandra, men på olika sätt: kärleksfullt, argt, frågande, inbjudande. Barn kommer med uttrycksfulla intonationer som närmar sig sjunget tal. Dessa är ännu inte vokala intonationer med sin exakta tonhöjd och melodiösa ljud. De talas. Antingen höjer eller sänker intonationen, killarna letar samtidigt efter liknande som låter på musikinstrument och komponerar därmed korta sånger.
Ytterligare träning fortsätter i följande sekvens: först bemästras spel på ett instrument, sedan på ett annat, etc. Samtidigt ökar volymen av prestationsförmåga: först, rytmiska mönster; sedan melodier byggda på smala intervall; senare melodier, inklusive betydande segment av skalan och bredare intervall.
När de lär sig melodin av enkla stycken, sånger och sånger måste barn klara av två svårigheter: att återge det rytmiska mönstret och den melodiska linjen. För det första, när de behärskar teknikerna för korrekt ljudextraktion, erbjuder läraren barnen en lättare uppgift - att spela rytmen, lära sig teknikerna för korrekt ljudextraktion, de inledande delarna av "Musical Primer". Deras konstnärliga fördel är att rytmiska skämt ges med pianoackompanjemang, vilket gör dem mer uttrycksfulla.
Efter uppträdandet av läraren lär sig barnen lätt låten och sjunger och klappar rytmen. Det är bra att använda kort från applikationen "Music Lotto" ("Music Primer").

Korten läggs ut på en flanellgraf:

Barn erbjuds att räkna den sjätte plattan på metallofonen (från början) - "det här är en anteckning la", och spela sedan ett rytmiskt mönster - låten "The sky is blue." Läraren ackompanjerar pianot. Den sekundära föreställningen ackompanjeras av kollektiv sång. Uppgiften bemästras, och killarna kommer att kunna spela låten på egen hand.

Himlen är blå
Musik av E. Tilicheeva

[Lugnt]

På följande musiklektioner görs en individuell undersökning: barn framför denna låt på olika ljud (skivor). De kallas anteckningar (deras plats på skivorna är bekant för barn): "Spela noten mi, på en lapp innan" etc. Samtidigt behöver du
men kom ihåg att barn kan sjunga och ackompanjera sig själva på metallofonen endast en välinlärd sång, eftersom ljudet av metallofonen är högre och inte motsvarar röstförmågan hos en förskolebarn. Det är lätt för ett barn att gå vilse, eftersom samma ton på metallofonen låter i en annan oktav (högre).

Efter att ha lärt dig några rytmiska sånger kan du fortsätta till nästa uppgifter - först, lära dig sångerna, som består av täta intervall, och sedan från bredare. Undervisningsmetoden förblir densamma. Man bör komma ihåg att den poetiska texten underlättar memorering och låter barn använda de lärda verken i självständiga studier. Det är också viktigt att konsekvent komplicera uppgifter. Enklast att spela sekunder, deras ljud är sida vid sida. Därför, efter övningar på ett ljud, är det tillrådligt att spela sånger byggda på detta intervall (till exempel de ryska folksångerna "Magpie-skata", "Accordion" av E. Tilicheeva, etc.).

skata-skata
Rysk folksång

Harmonisk
Musik av E. Tilicheeva
[I medium tempo, rytmiskt]

Assimilering av mer komplexa framförandetekniker gör det successivt möjligt att komplicera repertoaren. Stegvisa rörelser visas i sångerna inom små skalor, intervallen utökas. Pianoackompanjemang, levande och uttrycksfullt presenterat, är av allt större intresse för barn. Det är viktigt att barn lyssnar på medlen musikalisk uttrycksfullhet och känna stämningen i musiken. Varje konstverk är original, säreget på sitt eget sätt, och metoderna för att bemästra det bör vara annorlunda.
Den musikaliska uppfattningen av barn aktiveras om de efter den första lyssnandet på ett stycke ställs till exempel sådana frågor: "På vilka instrument är det bättre att framföra detta stycke?"; "I vilken del av stycket ska andra instrument spelas, och vilka?" Barn väljer oftast instrument lättare om stycket är tillräckligt tydligt till sin karaktär, har en tydlig musikalisk form och bygger på delar som är kontrasterande till karaktären. Naturligtvis kan barn inte orkestrera ett stycke. Men det är viktigt att använda en intressant teknik där de försöker komponera och ta sitt "beslut" - vilket instrument som ska låta i en eller annan del av stycket. Med ett skickligt, taktfullt tillvägagångssätt kan du påverka deras förslag i tid och styra deras svar.

Metodik för att lära sig individuella arbeten

Ju mer komplext stycket är, desto mer utvecklat pianoackompanjemang av sången, desto lugnare bör inlärningsprocessen vara. Tänk på två exempel: "Rain" och "Our Orchestra".
Första låten är "Rain". Rysk folksång i bearbetningen av T. Popatenko är byggd på motivet av två ljud som ligger sida vid sida (stor sekund). Detta motiv upprepas många gånger med en liten rytmisk variant - till en början börjar sången med ett starkt taktslag ("Regn, mer regn!"), Och sedan med ett off-beat ("Låt oss ge dig tjockare"). . Den allmänna karaktären hos pianobearbetningen är mobil, tydlig och lätt. Strukturen är transparent - många pauser, huvuddraget - stackato. Det finns en inledning och en avslutning. I inledningen låter ett förenklat motiv till sången, och slutsatsen "drar" liksom regndroppar.
Låtens genomskinliga karaktär bör inte förlora sin charm när den instrumenteras. I inledningen kan man så att säga höra två registers upprop. Slutligen finns det trianglar. De återger mycket väl karaktären av "dropparna", särskilt eftersom melodin i slutsatsen inte kan förmedlas av ljuden från barns metallofoner och citrar. I det här stycket är det önskvärt att använda ett litet antal instrument som kännetecknas av ett lätt, klangfullt, abrupt ljud.
Sekvensen av lektioner för att lära sig den här låten kan beskrivas enligt följande.

Lektion 1. Barn lyssnar på denna välbekanta sång framförd av en vuxen. Uppmärksamheten dras till det lätta, genomskinliga ljudet från pianostämman. Barnen kommer ihåg sången och sjunger den. Läraren erbjuder sig att fundera över vilka instrument som är bäst lämpade för hennes sound.
Lektion 2. Efter att låten har spelats börjar diskussionen om hur den ska instrumenteras. Uppmärksamhet uppmärksammas på inledningens, slutsatsens karaktär och viss skillnad mellan den andra frasen och den första. Barns förslag diskuteras och prövas praktiskt. Om den ena eller andra versionen av instrumenteringen visar sig vara bra, kan den utföras i sin helhet i den här lektionen.
Lektion 3. Om det alternativ som läraren föreslagit håller på att läras in (antag att barnens alternativ inte accepteras), kan du först framföra bara melodin av sången (på metallofonen, cittra) och för tillfället utföra inledningen och avslutningen på pianot. Uppmärksamhet bör ägnas åt att cittra kommer i rätt tid
Lektion 4. Hela sången lärs in - först utan att sjunga, sedan spelar några av barnen, andra sjunger och till sist spelar och sjunger alla.

En annan låt - "Our Orchestra" av E. Tilicheeva (text av Y. Ostrovsky) är mycket svårare för en ensembleprestation. Melodin är mer varierad, dess räckvidd är redan inom sjundedelar, dessutom finns det hopp, stegvisa rörelser går upp och ner. Rytm har också svårigheter: det finns toner med en prick. Allt detta kräver vissa färdigheter från barn. I pianoackompanjemang och i melodi ges musikaliska egenskaper ljud från olika grupper av instrument. Det räcker med att komma ihåg de åtgärder där orden "trummor, trummor, trumma, trumma" låter, där en tydlig rytm ges, som om en trumma imitation. Då uppträder en högre regi, så instrumenteringen är föranledd av kompositören och poeten. Men för att barn själva ska kunna vara med i valet av instrument behöver de självklart först framföra en låt utan text som föreslår en lösning.
Därför är följande sekvens av klasser lämplig:

Lektion 1. Läraren spelar pianorollen utan att sjunga. Barn bjuds på musikaliska gåtor – de spelar separata fraser som till viss del präglar klangen olika verktyg. De gissar och namnger vilka instrument som är lämpliga för en viss fras. Sedan framför läraren sången för andra gången, men sjunger och spelar redan. På så sätt kommer barnen att ta reda på om de namngav instrumenten rätt.
Lektion 2. Att lära sig den sångliga delen av låten. Barn lär sig melodin. Sedan sjunger de det i omgångar: framtida artister på trillingar sjunger den första frasen, på trummor den andra, etc. Medan de sjunger imiterar killarna rörelserna för att spela ett eller annat instrument.
Lektion 3. Lär dig mer komplexa delar: triol (1:a fyrtakten) och metallofoner med cittra (3:e fyrtakten). Först spelar alla barn, sedan väljer de ut dem som ska framföra dessa delar, visar dem dessa delar, förklarar vilken ton de ska börja med och erbjuder sig att spela. Sedan spelar alla barn imaginära trummor, och några av barnen spelar riktiga instrument.
Lektion 4. Inlärningen av delarna av trioler och metallofoner fortsätter. Först lärde sig sista frasen metallofoner, på vilka de framför en melodi, och sedan ansluter en slagverksgrupp till dem - trummor. Trumdelen upprepas. I slutet av lektionen framförs hela partituren som helhet för första gången, men utan sång.
Lektion 5. Framförandet av varje del upprepas separat. Allt

Regn
Arrangerat av T. Popatenko
[Inte särskilt snart]

partitur, men samtidigt sjunger vissa barn, andra spelar. Tidiga introduktioner av varje grupp av instrument kontrolleras och dynamiska nyanser förfinas.
I ytterligare klasser upprepas hela pjäsen och de förvärvade färdigheterna konsolideras.

Ofta i pedagogisk praktik finns det en sådan teknik: barn framför en melodi på sina instrument och en vuxen spelar en melodi och ackompanjemang på pianot. För att diversifiera ljudet kan du göra det annorlunda. Till exempel framförs hela pjäsen av läraren på pianot, och barnen spelar en melodi på metallofonen, men så att säga ett ackompanjemang, det vill säga ljud som motsvarar första (I) och femte (V) eller första (I), fjärde (IV) och femte (V) fret-steget.
Här, låt oss säga, är tre versioner av den ukrainska folkmelodin "Oh bursting the hoop" arrangerad av T. Popatenko. Metallofoner i det första fallet duplicerar melodin, i det andra - basrösten, i det tredje spelar de utan pianoackompanjemang.
Ett annat verk är "Squirrel", ett utdrag ur operan "Sagan om Tsar Saltan" av N. Rimsky-Korsakov. I denna passage förmedlas bilden av en fantastisk ekorre. För att karakterisera bilden använde kompositören melodin från den berömda ryssen folk sång"I trädgården, i trädgården." Låtens melodi är glad, pigg, danskaraktär, men framförs i måttlig takt. När du instrumenterar ett stycke är det nödvändigt att välja musikinstrument med ett lätt, klangfullt och ryckigt ljud. Det kan vara en metallofon och en triangel.

När du lär dig en bit kan du erbjuda följande sekvens av klasser.
Lektion 1. Barn lyssnar på en pjäs framförd av en vuxen. Uppmärksamheten dras till melodins lätta klang, dess pigga danskaraktär. Du kan läsa ett utdrag ur A. S. Pushkins verk "Sagan om Tsar Saltan." Efter att läraren återuppfört stycket uppmanas barnen att fundera över vilka instrument som är bäst att spela i orkestern i samband med musikens karaktär. Barns förslag diskuteras. Ett av alternativen är valt. Läraren spelar en melodi på en metallofon.
Lektion 2. Läraren framför pjäsens melodi utan pianoackompanjemang. Barn klappar melodins rytmiska mönster. Sedan lärs triangelns parti in. Vissa utför ett rytmiskt mönster på trianglar, andra klappar. Då förändras barnens agerande. Innan läraren lär sig delen av metallofonen framför läraren först melodin själv, som sedan lärs in i delar (1:a fyrtakten, sedan den 2:a fyrtakten).
Lektion 3. Inlärningen av metallofondelen fortsätter. Barn framför den första delen av stycket (1:a och 2:a fyra takter) och hela partituret framförs. När det upprepas fästs trianglar på metallofonerna.
Lektion 4. Varje del framförs separat utan ackompanjemang och med ackompanjemang. Sedan spelas hela poängen. Barnens uppmärksamhet dras till det tydliga utförandet av det rytmiska mönstret.
Lektion 5. Varje del framförs separat med ackompanjemang, sedan framförs hela partituren. Barnens uppmärksamhet dras till föreställningens uttrycksfullhet. När det upprepas kan barn byta instrument.

Vår orkester
Ord av Y. Ostrovsky Musik av E. Tilicheeva

[Maklig. Högtidligt]

Ekorre (utdrag)
Från operan "Sagan om Tsar Saltan"
Musik av N. Rimsky-Korsakov
[Lagom]

Att lära sig spela musikinstrument kan inte begränsas till att bara lära sig repertoaren. Det är viktigt att dessa aktiviteter är kreativa.
Övningar där det föreslås att reproducera (på gehör) en välbekant melodi, spela en rytmisk sång vid ljud av olika höjder (transponera), hitta en ny teknik för att spela ett instrument, naturligtvis utveckla självständighet och auditiva representationer hos barn. Men det är också viktigt att skapa förutsättningar för barnens egna kreativa yttringar. Att ge möjlighet att välja instrument för framförandet av ett visst stycke, att uppmuntra dem att improvisera.

Tekniker för utveckling av musikalisk kreativitet

Barns musikaliska kreativitet börjar med en "undersökning" av instrumentens ljudförmåga. Detta är mycket värdefullt, men barn är ofta hjälplösa i sitt sökande. Läraren leder dessa sökningar och erbjuder barnen att leka hur gökar, fåglar sjunger, hur det regnar, åskan mullrar, etc. Men du kan också tillämpa en intressant metod för kollektiv kreativitet på metallofoner, xylofoner. Om du sticker anteckningar F Och si(IV och VII steg) eller ta bort plattorna med dessa ljud så att barnen inte spelar dem, då kan de improvisera allt samtidigt. Barn leker på fem ljud (gör, re, mi, salt, la). Mycket intressanta harmoniska kombinationer erhålls, ständigt och oväntat förändras, men alltid väldigt melodiska. Samtidigt kan barn leka i vilken rytm som helst, men ibland erbjuds de en given rytm, till exempel en kvart och två åttondelar. Betydelsen av denna teknik ligger inte bara i utvecklingen av harmonisk hörsel. Barn börjar improvisera sig själva, att göra sina första försök att skapa "sina egna kompositioner".
Det bör understrykas att metodiken för att lära sig spela instrument på dagis bör vara mer organiserad och konsekvent än vad som är fallet i praktiken. Framgången för denna utbildning beror på konsistensen i alla former musiklektioner barn. I klassrummet får de en viss mängd kunskaper och färdigheter, samlar på sig en repertoar.
Barn använder villigt, med stor glädje de sånger och stycken som de har lärt sig i sina spel, framför dem på semester, underhållning. Bekantskap med barn med nya instrument, deras utförande av intressanta uppgifter vid val av instrument för att framföra vissa stycken och sånger, den förvärvade förmågan att utvärdera (på gehör) kvalitetsprestationer, improvisation, möjligheten att delta i olika ensembler - allt detta gör att spela instrument intressanta för barn och värdefullt för deras övergripande musikaliska utveckling.
Läraren tar hand om utvecklingen av barns kreativa manifestationer och erbjuder dem en mängd olika uppgifter, till exempel att utvärdera framförandet av en välbekant melodi, eller improvisation av en vän eller deras egen egen prestation på vilket musikinstrument som helst; välj bland det föreslagna musikinstrumentet, på vilket du kan avbilda fågelsången, lövens prasslande, vindens ylande etc .; att välja musikinstrument som lämpar sig för den klangfärg som en eller annan spelar, sång kan framföras på; förmedla på en trumma eller tamburin rytmen av en marsch komponerad av barnet själv; försök att komponera en danslåt osv.
Rollen är tydlig musikchef och pedagog. De bör inte bara vara skickliga i metoderna för att undervisa klasser, utan också kunna spela barns musikinstrument fritt, känna till enheten och teknikerna för att spela dem.
Att spela instrument är en intressant och användbar musikaktivitet för barn. Musikleksaker och instrument låter dig dekorera ett barns liv, underhålla honom och väcka önskan om egen kreativitet. I processen att lära sig att spela instrumenten bildas auditiva representationer, en känsla av rytm, klang och dynamik väl. I barnets handlingar utvecklas självständighet, uppmärksamhet och organisation.
Hela komplexet av metoder för att introducera barn till underhållande och komplexa musikframträdanden förbereder dem väl för framtida klasser i skolan.

FRÅGOR OCH UPPGIFTER

1. Vad är meningen musikaliska leksaker och verktyg i förskolebarnens liv?
2. Beskriv typerna av barninstrument.
3. Berätta för oss om funktionerna hos barns musikleksaker och instrument.
4. Vid vilken ålder rekommenderas att lära sig spela musikinstrument? Lista lärandemålen.
5. Vilken musikrepertoar är lämplig att använda för att lära sig spela instrumenten.
6. Vad är metoden för att lära förskolebarn att spela barns musikinstrument?
7. Om exemplet på ett musikstycke, gör en sammanfattning av de klasser under vilka läraren lär barnen att spela metallofon.
8. Lista formerna för att lära sig spela barns instrument.

9. Avslöja teknikerna för att utveckla barns musikaliska kreativitet i processen att bemästra instrumenten.

LITTERATUR

Standardprogram för utbildning och träning i dagis / Ed. R.A. Kurbatova, N. N. Poddyakova. - M., 1984.
Utbildningsprogrammet c. kindergarten.—M., 1987. Utbildning och träning i dagis / Ed. A. V. Zaporozhets, T. A. Markova - M., 1976.-S. 308-341.
Vetlugina N.A. Musikundervisning i dagis.—M., 1981.
Vetlugina N.A. Musikalisk och spelkreativitet hos barn 5-7 år. Sångkreativitet för barn 5-7 år // Konstnärlig kreativitet på dagis.- M., 1974. - S. 107-120.
Dzerzhinskaya I. .L. Musikalisk utbildning yngre förskolebarn.- M., 1985.
Kabalevsky D. B. Hur lär man barn musik? - M., 1982.
Kvitnitskaya E. N. Utvecklingen av det musikaliska örat är en förutsättning för bildningen låtskrivande// Konstnärlig kreativitet på dagis.- M., 1974.-S. 20-28.
Lukyanova M.B. Barns kreativitet i danser // Konstnärlig kreativitet på dagis - M., 1974. - S. 29-32.
Musik och rörelse / Komp. S. I. Bekina, T. P. Lomova, E. N. Sokovnina. - M., 1981, 1983, 1984.
Lär barn att sjunga / Komp. T. M. Orlova, S. I. Bekina. - M., 1986, 1987, 1988.
Estetisk utbildning på dagis / Ed. N. A. Vetlugina.—M., 1985.

Samlingar av musikalisk och litterär repertoar

Vetlugina N.A. Barnorke - M., 1976.
Vetlugin N. A. Musikalisk primer. - M., 1972, 1985.
Musik på dagis / Komp. N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, L. N. Komissarova. - M., 1985, 1986, 1987.
Musik på dagis / Komp. N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, T. P. Lomova.— M., 1975—1980.—Iss. 1-5; .1980-1981.-Utgåva. 1-4.
Solhink / Komp. M. A. Medvedeva. - M., 1984.

Metoder för musikalisk utbildning på dagis: “Doshk. utbildning "/ N.A. Vetlugin, I.L. Dzerzhinskaya, L.N. Komissarov och andra; Ed. PÅ. Vetlugina. - 3:e uppl., Rev. och ytterligare - M.: Upplysning, 1989. - 270 s.: anteckningar.

Federal Agency for Culture and Cinematography

Saratov State Conservatory uppkallad efter

Institutionen för specialpiano

Arbetsprogram

"METOD FÖR ATT LÄRA SPELET

PÅ INSTRUMENTET"

Specialitet 070101

"Instrumentell framförande" (piano)

Saratov, 2006

Programmet är utformat i enlighet med

Arbetsprogrammet är utvecklat utifrån ett standardprogram,

godkänd av Sovjetunionens kulturministerium, 1977.

Sammanställd av:

Professor vid avdelningen för specialpiano vid Saratov State Conservatory. , Ph.D. i konsthistoria,

Recensenter:

, Konstvetenskaplig kandidat, professor

, kandidat i pedagogiska vetenskaper, docent

Förklarande anteckning

Mål och mål med kursen

Mål universitetskurs om undervisningsmetoder för att spela piano i moderna förhållanden bestå i att utbilda en generalist utbildad för att leda en specialklass i en musikskola (högskola, lyceum), pianoklasser för sångare och instrumentalister, konsertmästar- och kammarklasser, metoder, undervisningspraktik, för undervisning i piano i musikskolor och kulturella och pedagogiska läroanstalter. Denna kurs är utformad för att ge studenterna de kunskaper, färdigheter och förmågor som är nödvändiga för detta arbete, att bilda ett integrerat system av synpunkter på den musikaliska och pedagogiska processen, för att främja utvecklingen av intresse för pedagogiskt arbete, behovet av att beakta det utifrån syn på moderna krav på avancerade kulturpersonligheter.

Metodkursen sammankopplas successivt med andra discipliner inom det pedagogiska kretsloppet som studeras vid universitet och högskola och löser, utan att duplicera dem, problemen med teori och praktik i undervisningen i relation till pianoundervisning på högre nivå. När man läser kursen generaliseras och systematiseras de erfarenheter som eleverna får i en specialklass, och deras kunskaper inom området för historia och teori om framförande och pedagogik, som samlats in under pianokonstens historia, fortsätter att fördjupas. Särskild uppmärksamhet ägnas åt att uppnå en organisk enhet mellan metodkursen och elevernas pedagogiska praktik.

Musikpedagogik är ett komplext område modern kultur, var kommer i förgrunden samskapande, samarbete lärare och elever. De föreslagna formerna och metoderna för att organisera utbildningsprocessen är inriktade på att identifiera elevernas oberoende ställning. Effektiviteten av mobila kontaktformer mellan lärare och elever betonas, som skapar ett potentiellt fält för manifestation och utveckling av elevers personliga egenskaper. Seminarier byggs med hjälp av delar av spelsituationer, inklusive preliminära intervjuer, diskussionsdiskussioner, kontrollsammanfattning. Systemet med testfrågor tjänar samma syfte, vilket gör det möjligt att ta reda på behovet och tillräckligheten av de kunskaper som eleverna får under inlärningsprocessen. Den teoretiska informationen som erhålls projiceras på en specifik komposition eller på processen för enskilda pianisters lektioner. Studenternas uppmärksamhet riktas mot det faktum att de måste lära sig att arbeta med moderna termer och begrepp, introducera dem i praktiken att utföra och pedagogiskt arbete.

Ett effektivt sätt att öka innehållet i utbildningsprocessen är mättnaden av metodikens föreläsningskurs element problematisk, problemsituationer byggda på motsägelse, det vill säga på studiet av "motsägelse i objektens själva väsen". Detta tar hänsyn till att eleverna inte ska ställas inför ett olösligt problem. Det är viktigt att hitta ett sätt att lösa motsättningen mellan kunskap och okunskap, mellan elevens individuella erfarenhet, som kan vara begränsad, och teori, som är ett allmänt koncentrat av kunskap prövad av praktiken, mellan vanlig och vetenskaplig kunskap. Som ett resultat är elevens tanke aktivt delaktig i arbetet, det krävs att han tänker och resonerar med hjälp av befintlig kunskap för att komma till ny kunskap utifrån generalisering av redan känt material. Som ett resultat utvecklar eleverna förmågan att självständigt se problem i teori och praktik, för att vara tillräckligt förberedda för att lösa dem.

Nästan vilket ämne som helst i metodkursen kan presenteras i motsats till flera teoretiska ståndpunkter och åsikter, i konflikten mellan alternativa åsikter från framstående musiker-lärare. Denna form av materialpresentation uppmuntrar eleverna att söka efter den optimala lösningen, ökar deras individuella aktivitet för att bestämma svaret. I det här fallet uppfostras unga specialister av själva formen för att presentera information, rikedomen och tvetydigheten i det material som övervägs. Den blivande läraren bör inte tanklöst följa den standardiserade och stereotypa vägen, vilket kan leda till en "återvändsgränd"-situation. Den avgörande faktorn i musikpedagogiken är enskild aspekt professionell kompetensträning. Detta uttalande innebär inte ett förkastande av de allmänna principerna för pedagogisk konst, utan lyfter fram en personlig profil, ett personligt förhållningssätt till elevernas utveckling. Allmänt accepterade och positivt beprövade pedagogiska attityder bör brytas genom individualitetens prisma, olika elevers olikheter.

Denna kurs innehåller en prioritet stil aspekt i den musikaliska utbildningen av elever. Här uppdateras bestämmelsen om den avgörande betydelsen av utövande verksamhet, som på ett fruktbart sätt kan påverka effektiviteten av det framtida pedagogiska arbetet för en akademiker vid ett musikuniversitet. Med förståelsen för stilistiska riktlinjer och musikkonstens stilistiska inriktning förändras möjligheterna att förstå och dechiffrera musikalisk utvecklings kompositionsmetoder, motivation och resonemang i användandet av uttrycksfulla framförandemedel kvalitativt.

Att uppmärksamma den pedagogiska processen att utbilda unga musiker, frågorna om att förstå och återge författarens stil, att arbeta med författarens text, utföra läsning av notskrift, jämförande analys av upplagor och tolkningar belyses så att eleverna målmedvetet kan arbeta med utvecklingen. av professionella färdigheter, samtidigt som de förbättrar sin "stilutbildning" och allmänna musikaliska nivå. I vissa fall känner begåvade elever med konstnärlig intuition särdragen i författarens stil på ett undermedvetet, mentalt plan. I regel är det pianister som har bred musikalisk kunskap, som känner till en viss författares musik, som har "spelat om" ett tillräckligt antal av hans kompositioner. Men en sådan egenskap hos en elevs uppfattning om levande musik är sällsynt. Tvärtom, oftare uppstår ett missförstånd när artisten tror att han spelar allt som står i texten, uppfyller författarens eller (oftare) redaktörens tempo, dynamiska, artikulerande föreskrifter och inte förstår vilka frågor han kan ha om kompositörens stil eller stil.utförande. Metodkursen är utformad för att övervinna detta missförstånd och övervinna den beroende trögheten i tänkandet hos unga musiker.

I Nyligen lyfts fram i den specialiserade litteraturen Rol intuitiv Start inom scen- och undervisningskonst. Faktum är att den personliga aspekten i varje form av kreativ verksamhet är förutbestämd. Att förstå att, å ena sidan, den speciella kraften i inverkan av pedagogisk skicklighet ligger i processens unika, när det verkar för de närvarande i klassen som att arbetet "vaknar till liv" framför deras ögon utan någon speciell "vetenskaplig ” ansträngningar skulle det vara fel att tro att enbart konstnärlig lärdom, emotionalitet, intuition och temperament är tillräckligt för att förmedla den meningsfulla innebörden av ett musikaliskt verk. Det är nödvändigt att inte bara ha seriösa och grundliga kunskaper inom olika områden av konstnärlig kreativitet, utan också att behärska vissa metoder, systemet för utbildning och uppfostran, vilket gör det möjligt att optimalt lösa problem som uppstår i processen med att utföra eller pedagogisk kreativitet. .

Musikkonsten, på grund av sin direkta emotionalitet och till och med irrationalitet, tillåter inte att strikta verbala motsvarigheter tillämpas på sig själv. Som riktigt noterat, "musik är just det "rena fallet" som är fullt utformat, först och främst för intuitiv förståelse” och ”de som kommunicerar med musik utvecklar ett speciellt ”organ” som inte bara adekvat svarar på olika egenskaper hos ljud, inte bara kan avkoda sitt språk, utan också kan förstå vad den säger, även om denna förståelse utvecklas utifrån fungerar icke-konceptuella element» . I det här fallet bildas intuition inom området för musikerns konstnärliga och fantasifulla tänkande, den matas av auditiva representationer, bestående av minnet av traditionella och ovanliga minnesvärda tolkningar och den totala mängden musikalisk kunskap, är baserad på resultaten av ens egna kreativa sökningar, och är berikad med känslomässiga och psykofysiologiska intryck.

I arbetet med ett musikstycke kommunicerar läraren med eleven, i en helt annan kulturell och historisk kontext i förhållande till kompositionens författare. De är inriktade på ett annat värdesystem, de har en annan allmän konstnärlig och musikalisk utbildning. Ett verk skapat av författaren i en tid, men framfört i en annan tid, uppfattas av en modern musiker i en annan associativ gloria. I lektionerna om metodiken är det knappast lämpligt att tala om identiteten eller adekvatheten hos kompositörens och framförande positioner i känslan. konstnärlig bild musikalisk komposition. Målet med kursen är att förbereda och orientera framtida lärare till lösningen av ett dubbelt problem: att överföra koordinaterna för författarens stil och forma den moderna pianistens individuella stil.

Analys och passande ny utför traditioner detta är också metodkursens uppgift och därför den moderna lärarens uppgift. Läraren arbetar med att förbättra sina elevers professionella färdigheter och leder och korrigerar denna process. I i viss mening den vidgar gränserna för att förstå författarens text, visar dess mångsidighet, avslöjar fler och fler nya betydelser av dess existens i den moderna världen. En av pianoklassens kardinaluppgifter är att unga musiker måste tillföra författarens text särdragen i den moderna kulturens figurativa och semantiska sammanhang och den individuella originaliteten i själva sättet att framföra. Som ett resultat blir en musikalisk komposition skapad i det avlägsna eller nära förflutna begriplig för den moderna lyssnaren, berikad med ett nytt lager av information, vilket ger sig själv äkta konstnärlig odödlighet.

Vägen till den djupaste förståelsen av en musikalisk komposition ligger genom att vända sig till allt värdefullt som har samlats i historien om att förstå musik: till texter och utgåvor, till olika framförande läsningar - "klingande upplagor". Övervägandet av en synvinkel för att skapa din egen tolkning eller när du arbetar med den med en elev i pianoklassen är improduktiv. Oönskad och alltför kritisk negativ inställning till framstående musikers individuella önskan att spegla sin egen förståelse av frågan piano kreativitet olika kompositörer. Det finns ett reellt behov av att komplettera arbetet med kunskaper om olika historiska tiders utövande och allmänna kulturtraditioner (”verbala upplagor”).

att förvärva färdigheter i kollektiv diskussion om öppna lektioner;

lära sig att arbeta med speciallitteratur, abstrahera, göra en planskisser, upprätta nödvändig dokumentation;

Former och typer av klasser

Metodikkursen bedrivs i form av föreläsningar och seminarier. Den första av dem ägnas huvudsakligen åt att överväga teoretiska problem med undervisningen, den andra - till deras praktiska studier och lösning i inlärningsprocessen. Som aktiva former lärande använder öppna lektioner och diskussioner. Oberoende typer av klasser: analys av repertoaren, abstraktion av vetenskapliga och metodisk litteratur, utarbeta dokumentation av olika typer, inklusive repertoarplaner beroende på elevernas utvecklingsnivå, "modellera" klassprocessen, upprätta en planöversikt, skapa dina egna utgåvor, delta i lektioner av lärare vid Institutionen för specialpiano

Organisation av nuvarande, mellanliggande och slutliga

kunskapskontroll.

Under ett år Varje student är skyldig att skriva en terminsuppsats, där teoretiska kunskaper organiskt ska kombineras med den egna utförandet och pedagogiska erfarenheten. Som ämnen för abstracts kan följande rekommenderas: analytisk analys och genomgång av pianopedagogisk litteratur, metodarbeten, skolor och läromedel; utföra och metodologisk analys av ett musikaliskt verk; register över lektioner i klassen i specialiteten med metodologiska kommentarer och generaliseringar. För att bestämma styrkan i elevernas kunskaper, befästa pedagogiska och metodiska färdigheter, testa förmågan att arbeta självständigt med utbildningslitteratur hålls seminarier om relevanta ämnen. Seminariernas längd bestäms av den tematiska läroplanen. På begäran av läraren eller studenten kan kurssammandraget presenteras i form av en rapport och läsas på något av seminarierna.

I slutet av första terminen, kontrolllektion, där läraren ger en "preliminär" bedömning utifrån aktiviteten eller passiviteten i elevernas arbete under de sex månaderna, vilket fungerar som vägledning och incitament för elevernas efterföljande arbete.

Resultat elevernas årliga arbete sammanfattas i tentamen. Eleverna svarar på en tentamensbiljett, som innehåller två frågor. Den första är dedikerad teoretiskt problem kurs, den andra - ett ämne relaterat till den praktiska utvecklingen av den pedagogiska repertoaren och metodlitteratur. När studenten besvarar den andra frågan måste studenten göra en utförande och metodologisk analys av ett av verken i musikskolans pedagogiska repertoar, musikskola eller universitet, illustrerar vad som sades genom att framföra fragment av en uppsats eller en hel pjäs.

Vid härledningen av slutbetyget beaktas kvaliteten på arbetet och graden av elevaktivitet i klassrummet under året.

Strukturen för den akademiska disciplinens tematiska plan

Namenova sektion fiske och ämnen	studerande	Antalet klassrumstimmar för heltid utbildningsform	självförsörjning studerande
		Seminarier		Grupp. Klasser	Väl. arbete
Metodik inlärning piano

TEMATISK KURS OVERSIGT

i ordning	Namn på ämnen	Antal timmar
	Seminarier	Självständigt arbete av studenter
	Introduktion: pianoteknik, historia och utvecklingsstadier: de viktigaste trenderna inom modern musikpedagogik
	Musikalisk förmåga: allmän, musikalisk och speciell (pianistisk): personlighetens psykologiska egenskaper, nödvändiga för pianistisk verksamhet
	De viktigaste problemen med arbetet pianistlärare i barn musikskola: första lektionerna: svårigheter och funktioner i arbetet med nybörjare: organisation av spelrörelser: och dess iscensättningsprinciper
	"Individuell pianoteknik baserad på ljudskapande vilja" (underbarnskomplex)
	Öppna lektioner: med en nybörjarpianist, elever från junior- och seniorklasser på musikskolan
	Planera inlärningsprocessen, utarbetande av individuella planer, egenskaper: repertoarpolitik som en viktig komponent pedagogiska färdigheter: undervisning och organisering elevläxor
	Arbeta med musikalen arbete
	prestationsavläsning
	Pianoteknik: konstnärligt tänkande och motorisk form av pianisten
	Klassificering av typer av utrustning: skalor, arpeggio, oktaver, ackord, tremolo och triller, hopp: dagligt tekniskt arbete pianist
	Diskussion: träningsteknik som en process av arbete med att uppnå prestationsförmåga
	E. Timakin "Arbeta med teknik" E. Lieberman "Arbeta med teknik"
	Bildande element prestationsförmåga i färd med att arbeta på ett musikstycke: ljudarbete; ornament
	Fingrar
	Kontrolllektion om det material som tas upp
	Pedal: betydelse och varianter; stilar och pedal
	Rytm, meter, tempo, polyrytm, agogik, komplexa rytmer: stora rytmiska svårigheter och fel, sätt att eliminera